0212.- Help Me, Rhonda - The Beach Boys

 

Help Me, Rhonda, The Beach Boys

     El 8 de marzo de 1965 The Beach Boys publican bajo el sello discográfico Capitol Records The Beach Boys Today!, su octavo álbum de estudio. Este disco supuso un punto de inflexión en la banda, que pasó de hacer sencillos temas de surf rock a temas muchos más complejos. En diciembre de 1964 Brian Wilson tuvo un ataque de nervios durante un vuelo, hecho que hace que renuncie a la gira en la que el grupo estaba inmerso y se centre únicamente en escribir y componer. Durante ese periodo empezó a consumir LSD y marihuana, lo que influiría su forma en de percibir, sentir y componer música. Los resultados se vieron reflejados en The Beach Boys Today!, disco producido, arreglado y escrito en su mayor parte por Brian Wilson con letras adicionales de Mike Love. Este disco fue sin duda un punto de inflexión, un trabajo que se desvió de los anteriores y presentó un enfoque compositivo mucho más complejo.

Incluido en el álbum encontramos el tema Help Me, Ronda, compuesto y escrito por Brian Wilson y Mike Love. Este fue el primer tema que presentó al miembro del grupo Al Jardine como vocalista principal. El tema nos relata la devastación de un chico que esperando casarse con una chica ve como ésta se va con otro chico. El protagonista está devastado y se ve suplicando ayuda a Rhonda para aliviar su dolor, con quien parece tener algo. Sobre este tema Brian Wilson explicó que llegaron a hacer dos versiones, una con ukelele y otra con guitarras, siendo ésta última la elegida. En abril de 1965 el grupo lanza como sencillo, también con Capitol Records, una nueva versión del tema, esta vez titulado Help Me, Rhonda, la cual se convertiría en la versión más popular y exitosa, tanto es así que se incluiría en su siguiente álbum de estudio, Summer Days (and Summer Nights!!), publicado en julio de 1965.

La música en el cine: Bang Bang (My Baby Shot Me down) - Kill Bill: Vol. 1

 

Kill Bill

     Kill Bill: Vol. 1 es una película de acción y suspense escrita y dirigida por el genial Quentin Tarantino. La película fue estrenada a finales de 2003 y seguidamente a comienzos de 2004 sería lanzada la segunda parte, Kill Bill: Vol. 2. La película comenzó con una dedicatoria al director japonés Kinji Fukasaku, y estuvo inspirada en la película de animación Blood: The Last Vampire, de hecho en Japón se estreno varias semanas más tarde la película con una edición algo diferente.

Las dos películas siguen a un personaje femenino, inicialmente identificado como "La novia", un antiguo miembro de un equipo de asesinos que busca venganza de sus excolegas que masacraron a los miembros de su fiesta de boda e intentaron matarla. En la película también se puede apreciar el homenaje de Tarantino a géneros cinematográficos como las películas de artes marciales de Hong Kong, los spaghetti western y las películas de samuráis.

Incluida en Kill Bill: Vol. 1 se encuentra la canción Bang Bang (My baby Shot Me Down). La canción fue escrita por Sonny Bono para Cher, quien por entonces era su mujer, e incluida en el segundo álbum de la artista, The Sonny Side of Cher de 1966. Pero la versión que podemos escuchar en la película es la que hizo Nancy Sinatra y que incluyó en su segundo álbum de estudio How Does That Grab You?, publicado también en 1966. En este cover de Nancy Sinatra podemos escuchar el particular efecto de trémolo en la guitarra en su introducción, y que es realizada por Billy Strange, reputado músico de sesión que formó parte de la gran agrupación de músicos de sesión conocida como Wrecking Crew. 

La temática del tema nos relata a una mujer jugando juegos de infancia con un niño, y concretamente cuando él solía disparar su pistola de juguete. Los niños Crecen juntos y se acaban casando, pero él al final acabará dejándola. Ella ha sido derribada como cuando él la disparaba de niños con la pistola de juguete y ella caía, pero esta vez es real. La versión de Nancy Sinatra a pesar de no entrar en ninguna lista de ventas fue número 1 en todas las emisoras de radio de Estados Unidos en su época, y acabaría convirtiéndose en una de las canciones más representativas de Nancy Sinatra.

0211.- When I grown up - The Beach boys

 

Estamos ante una de las primeras canciones maduras de The Beach Boys en 1964. Después de surfear, navegar y divertirse, se les ocurrieron estas dos hermosas baladas, que lanzaron en un single, la primera la muy conocida When I grown up, y en el lado b "She Knows Me Too Well", que es un clásico oculto. Es una de esas canciones raras que pueden hacerme llorar, gracias al falsete totalmente conmovedor de Brian Wilson. Esta canción es una de las primeras pistas de lo que sucedería con la pluma de Brian dos años después. En "When I Grow Up (To Be A Man)" Brian Wilson reflexiona sobre lo que le sucedería cuando creciera hasta la edad adulta. Sin duda ocurrieron algunos acontecimientos en su vida que nunca podría haber imaginado.

La canción fue grabada en 1964 en Western Recorders. La parte instrumental fue probablemente grabada primero con la voz siendo sobre-doblada cinco días más tarde. La parte instrumental es obra de Brian Wilson, con Carl Wilson en guitarra rítmica y en voz principal; Al Jardine en guitarras de bajo eléctricas; el propio Brian Wilson en piano acústico y clavicordio; Carrol Lewis en armónica y Dennis Wilson en batería. En la letra podemos observar como Brian Wilson vuelca sobre ella algunas de sus preocupaciones psicológicas, y aunque esencialmente es un tema algo infantil sobre el envejecimiento, la canción hace hincapié en los miedos e inseguridades que este ineludible trance supone. Se vale de un estribillo con coro realmente efectivo y que logra engancharte, respaldada por distintos instrumentos dejándonos una pista de lo que sería capaz de hacer poco más tarde en el álbum Pet Sounds.

Today! Fue la primera huida del surf, y su primer gran disco, con arreglos claramente influenciados por Phil Spector y repleto de baladas que te hacen soñar en color. Encantados de haber conocidos por primera vez estos nuevos The Beach boys que tanto nos iban a dar.

El disco de la semana 236: Howlin' Wolf - Howlin' Wolf

 

Howlin' Wolf, Howlin' Wolf

     Para la recomendación de esta semana nos hemos decantado por el blues, concretamente el de la escena de Chicago y uno de sus máximos representantes, Chester Arthur Burnett, más conocido como Howlin' Wolf, gran intérprete, guitarrista y armonicista. Howlin', con una voz y una presencia física imponentes con sus 1'96 m de estatura y 136 kg de peso, supo situarse como uno de las puntas de lanza del blues de Chicago. Además de ser un gran bluesman, también supo administrar con cabeza sus finanzas, cosa rara en la época, lo que le permitió vivir holgadamente y tener en nómina una excelente banda con un buen salario y un buen seguro médico.

En 1962 el sello discográfico Chess Records publica el segundo álbum de estudio de título homónimo, Howlin' Wolf. Dicho álbum también es conocido como The Rockin' Chair, debido a la ilustración de la portada, hecha por Don Bronstein, y que consiste una mecedora que tiene al lado una guitarra apoyada. Dicho disco, al igual que ocurriera con su primer disco lanzado tambien por Chess Records, es un compendio de doce canciones que habían sido lanzadas como sencillos por Chess entre los años 1960 y1962.

Todos los temas menos Who's Been Talking, escrita por Howlin' Wolf, y Going Down Slow, escrita por el cantante y compositor de blues St. Louis Jimmy Oden, está compuestos por Willie Dixon, quien por entonces era músico de sesión y compositor principal del sello Chess Records. El disco fue producido por el famoso productor y cazatalentos de la época Ralph Bass, y el numeroso elenco que participó en la grabación de los temas que contienen el álbum está compuesto por William Johnson, Freddy Robinson, Jimmy Rogers, Otis "Big Smokey" Smothers, Hubert Sumlin y Jody Williams como guitarristas, Henry Gray, Johnny Jones, Hosea Lee Kennard, Lafayette Leake, y Otis Spann al piano, Wilie Dixon y Buddy Guy al bajo, Fred Below, Junior Blackman, Sam Lay, S.P. Leary, Sammy Lewis y Earl Phillips a la batería, J. T. Brown al saxo, Donald Hankins al saxo barítono y Arnold Rogers al saxo tenor.

Un álbum donde podemos disfrutar de la imponente voz de Howlin' interpretando clásicos como The Red Rooster, también conocido como The Little Rooster, tema que refleja las creencias populares que existían a principios del siglo XX en el sur de Estados Unidos, donde el gallo contribuía a la paz del corral. El compositor Willie Dixon para componer este tema utilizó elementos de varias canciones anteriores, como "Banty Rooster Blues" (1929) de Charlie Paton o "If You See My Rooster" (1936) de Memphis Minnie; Wang Dang Doodle, un tema repleto de un vibrante y emocionante ritmo que Dixon escribió cuando escuchó por primera vez a Howlin' Wolf a principios de los años 50, pero que guardó en un cajón para más adelante. "Wang dang" significa tener mucho ritmo, y se dice que este tema está basado en una antigua canción lésbica llamada "The bull Daggers Ball"; Spoonful, clásico entre los grandes clásicos compuesto por Dixon y que fue grabado por primera vez por Howlin'. El tema es una metáfora que nos habla de los extremos que puede alcanzar una persona para satisfacer su placeres, tales como el sexo, el alcohol o las drogas; Going Down Slow, compuesto por St. Louis Jimmy Oden. El tema es uno de los grandes estándares de blues, un clásico blues de doce compases que nos describe el lamento de un jugador que se está muriendo; y Back Door Man, tema que hace referencia al "Hombre de la puerta trasera", que es como se referían en la cultura sureña cuando un hombre tenía una aventura con una mujer casada y para escapar antes de que llegara el marido agraviado usaba la puerta trasera para escapar. 

Si juntamos todas las piezas, un sello discográfico como Chess Records, un intéprete de la categría de Howlin' Wolf, una gran producción, un compositor de la talla de Willie Dixon, padre de la mayoría de los temas, y un elenco de músicos de los más grandes que se podían encontrar en la época, el resultado no puede ser otro que doce temazos que componen uno de los discos más famosos del blues de Chicago que se conocen. 

0210 - The Beach Boys.- Do you wanna dance

0210 - The Beach Boys.- Do you wanna dance

Do You Wanna Dance? es una canción escrita por Bobby Freeman en 1958, pero este lanzamiento no haría que llegara a su fama.

En cambio en Inglaterra y Europa la versión más famosa fue la grabada por Cliff Richard & The Shadows a fines de 1961, pero no llegaría a ser popular. 

Su popularidad llegaría con la versión de The Beach Boys, la cual fue lanzada posteriormente en 1965. 

Otros intérpretes como The Mamas & the Papas grabaron su propia versión de esta canción a mediados de los años 1960 en su álbum debut If You Can Believe Your Eyes and Ears, al igual que Bette Midler en 1972, John Lennon en 1975 y posteriormente The Ramones en 1977, lo que demuestra que está canción ha tenido muchas interpretaciones y artistas que se han hecho con ella.

Pero nos centraremos en la versión de Do You Wanna Dance? que fue publicada en el sencillo de The Beach Boys en 1965 por su sello discográfico Capitol Records, alcanzando el puesto n.º 12 en el Billboard. La versión de The Beach Boys es destacable por tener en la voz principal a Dennis Wilson. En el lado B del sencillo se encuentra Please Let Me Wonder. Ambas canciones son del elaborado álbum Today! de 1965.

Do You Wanna Dance? fue grabado el 11 de enero de 1965 en Gold Star Studios y fue producido, arreglado y dirigido por Brian Wilson. La toma 3 de la canción se utilizó como master. La canción fue lanzada por primera vez en 1965 en mono en el álbum de la banda Today!. Una remezcla estéreo del álbum y por tanto de la canción se lanzó en 2012

Fue el primer sencillo de The Beach Boys en presentar músicos de sesión tocando la mayor parte de la pista de acompañamiento mientras el grupo doblaba las voces, un arreglo que Wilson mantendría durante los dos años siguientes.

Daniel 

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0209 - Sam the Sham and the Pharaohs .- Wooly Bully

0209 - Sam the Sham and the Pharaohs - Wooly Bully

Sam the Sham y los Pharaohs son más conocidos por el éxito del año 1965 Wooly Bully, que introdujo los ritmos Tex-Mex en el rock & roll.

Sam the Sham & the Pharaohs fueron formados en Dallas por el cantante Domingo Samudio, quien tomó la iniciativa. Nombre Sam the Sham de una broma sobre su incapacidad como vocalista.

The Pharaohs estaban formados por el guitarrista Ray Stinnet, el bajista David Martin, el saxofonista Butch Gibson y el baterista Jerry Patterson. Antes de triunfar con Wooly Bully, una canción sobre el gato de Samudio, grabaron el sencillo independiente Haunted House, que ayudó a la banda a llegar a un acuerdo con MGM.

Después de Wooly Bully, el grupo grabó una serie de sencillos en gran parte novedosos, pero sólo una canción Li'l Red Riding Hood se acercó al éxito que tuviese Wooly Bully.

Frustrado por ser percibido como un acto de novedad sin talento, Samudio disolvió a los faraones en 1967 y grabó como Sam the Sham Revue, y adoptó el nombre de Sam Domingo en 1970.

Daniel

Instagram Storyboy 

0208 Death Letter - Son House

Death Letter, Son House

     En 1965 aparece publicado bajo el sello discográfico Columbia Records el álbum Father of Folk Blues, de Son House. Edward James "Son" House, nacido en 1902 en Lyon, Mississippi (Estados Unidos) y fallecido en 1988, fue un cantante y guitarrista estadounidense de blues del delta que se hizo popular por su marcado estilo transmitiendo sentimiento y emoción a la hora de interpretar.

Incluido en el álbum se encuentra el tema Death Letter, también conocido como Death Letter Blues, el tema más emblemático del artista. El tema fue grabado en los estudios del sello Columbia en Nueva York, y para la grabación del mismo Son House utilizó una guitarra acústica con cuerpo metálico y un slide guitar de cobre. Para la composición del tema House se basó en el tema My Black Mama, part 2, compuesto por él también en 1930. Sobre este tema parte de la crítica del momento llegó a calificarlo como "uno de los lamentos emocionalmente más angustiados de la historia del blues del delta". 

La letra del tema trata sobre un hombre, el cual se entera de la muerte de la mujer que ama a través de una carta que le es entregada esa misma mañana. El hombre asiste a la morgue y al funeral de la mujer y regresa a casa en un profundo estado de depresión ante tan gran pérdida. Death Letter durante la década de los años 60 fue la pieza central y gran atractivo de las actuaciones de Son House, y a menudo solía alterar el tempo y la letra del tema, llegando incluso a tocarla más de una vez en el mismo concierto.

Un país, un artista: Reino Unido & Irlanda del Norte - Black Sabbath

 

Black Sabbath

     Elegir entre la infinidad de grandes artistas y grupos que ha concebido a lo largo de la historia Reino Unido & Irlanda del Norte es una misión imposible, no obstante había que elegir un artista de dicho lugar, y en 7dias7notas nos hemos decantado en esta ocasión de uno de los grandes precursores del heavy metal, Black Sabbath, formación creada en Birmingham allá por 1968.

Corría el año 1968 y el guitarrista Tony Iommi y el baterista Bill Ward acaban de dejar el fallido proyecto del grupo Mythology, entonces deciden formar su propia banda y se lanzan a la búsqueda de músicos para completar su nuevo grupo. Iommi y Ward acaban fichando al bajista Geezer Butler y al cantante Ozzy Osbourne, quienes venían ambos de tocar en otro grupo llamado Rare Breed, al guitarrista Jimmy Philips y al saxofonista Alan Clarke. A este nuevo grupo deciden llamarle The Polka Tulk Blues Company, nombre que sacan de una compañía textil india, aunque poco tiempo después acortan el nombre y queda como Polka Tulk. Jimmy Philips y Alan Clarke abandonan el proyecto al poquito de su formación, por lo que el grupo queda conformado por Iommi, Ward, Geezer y Osbourne, quienes deciden cambiar el nombre al grupo y lo llaman Earth. 

El grupo por aquel entonces hace versiones de blues y rock, y se caracteriza por realizar largas improvisaciones bluseras. A finales de ese año, Tony Iommi, tentado por Ian Anderson, abandona Earth y se marcha a Jethro Tull, aunque la experiencia dura apenas un par de meses y Iommi regresa a Earth. Una vez estabilizada la formación, sus componentes se dan cuenta que les están confundiendo con otra banda de rock que tiene el mismo nombre, por lo que deciden cambiarlo. 

Un día se encuentran los cuatro músicos en el local donde ensayan, y Geezer Butler se fija en el cine que hay enfrente del local, en ese cine había una cola enorme para ver una película de Mario Brava. Mario Brava fue un reputado director de cine italiano de terror y uno de los máximos exponentes junto a Dario Argento de la denominada corriente de cine Il Giallo, basada en un característico estilo de películas de terror, suspense, misterios y asesinatos que se producían en Italia. Butler se fijó que la película que tenía esa cola tan larga para ser vista era I Tre Volti Della Pura (Las tres caras del diablo), proagonizada por Boris Karloff y cuyo título se había traducido al inglés como Black Sabbath. Al darse cuenta que la gente acudía en masa y pagaba por ver películas de terror, Geezer Butler decide escribir una canción a la que llama Black Sabbath, inspirado en una visión que había tenido sobre una figura encapuhada que se había postrado a los pies de su cama, y también en los trabajos del escritor ocultista Dennis Wheatley, autor de muchísimos best seller en las décadas de los 50 y 60. El grupo tenía claro ya el nombre de la banda: Black Sabbath. 

Para la composición de la música de la canción Blak Sabbath y de tantas otras que le seguirán y que acabarán marcando a tantos y tantos grupos posteriores que se ven influenciados por su trabajo, el grupo hace famoso el uso del tritono, también conocido como intervalo del diablo, quedando el tema con una música y unas letras muy oscuras. El tritono ya había sido rechazado en la época medieval por su dificultosa entonación, considerando su sonido muy siniestro, lo que hizo que ya en el Renacimiento fuera considerado como inestable y fuera rechazado por la mayoría de los teóricos y eruditos musicales. Butler, Iommi, Ward y Osbourne acaban de encontrar su propio y característico estilo, un estilo que apuesta por un sonido y unas letras más oscuras, y que va en contra de las corrientes musicales que imperan en ese momento, el folk, el flower power y la cultura hippie. 

En febrero de 1970, el grupo consigue publicar bajo la discográfica Vertigo, perteneciente a Philips Records, su primer álbum de estudio titulado Black Sabbath, grabado sólo en dos días con un presupuesto de 600 libras. En un principio el disco no consigue acaparar la atención de la crítica, pero poco a poco y con el tiempo el disco obtiene la certificación de platino en Estados Unidos y de oro en Reino Unido. Debido a la portada del disco y el estilo del grupo, éste recibe la fama de ser una banda satánica, llegando a ser invitados por una secta satánica para que tocara en uno de sus ritos en Stonehenge. La banda lógicamente se niega, pero al parecer son maldecidos por un integrante de la secta. Como medida de protección, el padre de Ozzy Osbourne les fabrica a cada uno de los integrantes una cruz de plata que deben llevar colgada del cuello a todas partes.

Para aprovechar el éxito que el disco ha tenido en estados Unidos el grupo se mete en el estudio en junio de 1970, y en septiembre de 1970 lanzan al mercado su segundo álbum de estudio, Paranoid. Las composiciones de los temas están dotadas de esa oscuridad tan característica del famoso tritono, y las letras de Paranoid se encargan de hablarnos de la parte más negativa y mala de la condición humana. Todas las composiciones de este álbum están acreditadas a los 4 componentes de la banda. Sobre el título del disco, el grupo lo quería llamar War Pigs, pero debido a presiones de la discográfica tuvieron que cambiarlo por Paranoid. De hecho la portada del álbum fue diseñada por Keith Macmillan y fue concebida para el título War Pigs, pues ilustra un cerdo con una espada y un escudo. Con Paranoid el grupo se acaba de sacar de la manga una auténtica obra maestra, un álbum que les posiciona a lo grande dentro de la élite musical y a la cabeza de de los grupos pioneros del heavy metal. 

El grupo inicia a partir de aquí una impresionante carrera que abarca desde 1968 hasta 2006, y posteriormente una reunión en 2011 y un gira de despedida que comienza en 2014 y que finaliza en 2017. El grupo nos ha dejado a lo largo de su historia un impresionante legado de 19 álbumes de estudio, 7 en directo, 1 EP y 45 sencillos editados. Black Sabbath a lo largo de los años también ha sufrido muchos cambios en su formación, y a los fundadores Geezer Butler (bajo), Bill Ward (batería), Tony Iommi (guitarra) y Ozzy Osburne (voz), hay que sumar miembros posteriores y colaboradores que han grabado o bien tocado en directo con Black Sabbat: Dave Walker (voz), Ronnie James Dio (voz), Geoff Nicholls (guitarra y teclados), Vinny Appice (batería), Ian Gillan (voz), Bev Bevan (batería), David Donato (voz), Eric Singer (batería), Dave Spitz (bajo), Jeff Fenholt (voz), Glenn Hughes (voz), Bob Daisley (bajo), Ray Gillen (voz), Jo Burt (bajo), Tony Martin (voz), Terry Chimes (batería), Laurence Cottle (bajo), Cozy Powell (batería), Neil Murray (Bajo), Rob Halford (voz), Bobby Rondinelli (batería), Mike Bordin (batería), Adam Wakeman (guitarra), Brad Wilk (batería) y Tommy Clufetos (batería). 

Por todo ello, creemos que Black Sabbath es un más que digno representante del país en cuestión, primero por ser una banda que buscó y encontró su propio estilo y sonido, después por ser una de las grandes bandas pioneras del heavy metal, y por último, por el legado y la influencia que la banda ha dejado en multitud de grandes bandas que posteriormente han aparecido en la escena del heavy metal a lo largo de los años. 

0207: My girl - The Temptations

 

Un pequeño toque de guitarra que no es ni remotamente enfático, ni ruidoso, ni pesado. No hay nada en él que te lleve al engaño y utiliza solo dos notas de una escala mayor, sin embargo, en el momento en que la escuchas, simplemente sabes cuál es la canción. Es "My Girl" y es maravillosa. Escrita por Smokey Robinson y Ronnie White de The Miracles , introducida por esa hermosa “frase de guitarra” del músico de sesión de Motown, Robert White. Transformo a The Temptations, un talentoso quinteto vocal que había estado grabando canciones desde 1961, para grandes estrellas. Fue el primer sencillo en el que David Ruffin era el vocalista principal, David se había unido al grupo en enero de 1964. The temptations se había formado cuando miembros de dos grupos locales de Detroit y sin apenas éxito unieron sus fuerzas, logrando grabar para The Motown, pero las cosas no estaban funcionando ya que no conseguían ningún éxito. Elbridge Bryant dejó el grupo en 1964, argumentando que disfrutaba más en su vida anterior como lechero, así que el grupo trajo a David Ruffin como reemplazo. Ruffin comenzó como uno de los chicos en segundo plano, pero Smokey Robinson escuchó un enorme potencial en su hermosa voz líquida, y junto a su compañero Miracle Ronald White escribieron "My Girl" con la única condición que fuera Ruffin quien la interpretara. Y así fue, “My Girl” fue la primera canción de Temptations donde encontramos a Ruffin como cantante principal, antes de "My Girl" y Ruffin, el grupo había obtenido solo un lugar en el Top 20 de sencillos de EE. UU. Después de "My Girl" y David Ruffin, iban a conseguir posicionar en el top20 a otros 23 temas.

 

La canción fue un éxito absoluto, solo hace falta ver en algún lugar la forma de interpretarla que tenía el grupo, todos y cada uno de ellos repletos de talento con esos movimientos sin esfuerzos del baile que acompaña su hermosa melodía, no puedes hacer otra cosa más que poner una sonrisa en tu cara. Tiene el honor de ser uno de los mayores éxitos de The Motown de Berry Gordy, "My Girl" se convirtió en un sencillo más vendido, subió a la cima de las listas de Billboard, se convirtió en la primera canción número uno de The Temptations y marcó la primera vez que el sello en sí consiguió un éxito número 1 con uno de sus grupos vocales masculinos. Incluso hoy, más de 50 años después de su lanzamiento, “My Girl” aún destaca, y esta seleccionada por muchos medios especializados entre las mejores canciones de todos los tiempos y es que estamos ante uno de esos momentos en los que la música pop se vuelve tan grandiosa como puede ser, cuando todo funciona de tal manera que elevan al cielo todo aquello que esta a su alrededor, incluso al oyente, una canción que te puede dejar sin aliento cuando oyes las trompetas, todo es preciso, matemáticamente ordenado y, sin embargo, hay un sentimiento tan enorme dentro de él que es con lo que te quedas.

0206: Tired of waiting on you - The Kinks

Kinda Kinks es el segundo álbum de estudio de The Kinks, grabado en el año 1965 y en apenas dos semanas. Las prisas nunca son buenas consejeras, y a la larga el grupo lamentó no haber dedicado un poco más de tiempo a terminar de pulir el sonido de los temas, y haber dejado que el disco reposara en barrica un poco más, hasta haber adquirido el poso y sabor adecuados.

Tired of Waiting for You es su canción más destacable, dotada de un ritmo algo más lento que el de los primeros sencillos de la banda, pero manteniendo el sonido rudo marca de la casa. El tema se convirtió inmediatamente en un éxito, llegando al número 1 de las listas de ventas en el Reino Unido y al número 6 en las del mercado estadounidense, en la que sigue siendo la posición más alta de un sencillo de The Kinks en tierras americanas.

La música en historias: Vibrator, #MesTerenceTrentD'Arby

Si hay algo que se puede decir sobre Terence Trent D'Arby , es que nunca ha entregado un álbum porque si, desde el desafiante debut de Introducing The Hardline (1987) hasta la obra maestra mal juzgada de Neither Fish Nor Flesh (1989) y su experimento sónico de Symphony or Damn (1993), cada lanzamiento te mantuvo interesado en lo que vendría después. Para su cuarta entrega musical, el artista ahora conocido como Sananda Maitreya aposto todo al negro, con Vibrator , facturó un álbum que se reproduce como una colección de grandes éxitos de canciones que nunca has escuchado. Es multidimensional, se basa en el alma de su debut y agrega guiones de sus obras más vanguardistas. Es ecléctico, claro, pero no hasta el punto de ser desorientador.

Y como muestra Vibrator un verdadero funk rockero con gruesos riffs de guitarra y el back beat inspirado en "Cold Sweat", mientras la voz de D'Arby se transforma de suave y seductora en los versos a estridente y áspera en los coros, simplemente en estos cuatro minutos, se ve claramente por qué Terence Trent D'Arby es un artista tan cautivador. Supermodel Sandwich, es un jugueteo con carga sexual, tiene suficientes giros irónicos para mantenerte en movimiento y se ve reforzada por un guiño no demasiado sutil a "Fama" de Bowie en su melodía vocal descendente. En Holding To You está de nuevo D'Arby exponiéndose al riesgo y la ilusión de un nuevo amor, y los dulces sacrificios que trae el compromiso. Con una sensación de alma que arde lentamente, D'Arby transmite la pasión sin esfuerzo y sigue siendo uno de sus momentos más poderosos del álbum. Read My Lips (I Dig Your Scene) se lanzó originalmente como instrumental, D'Arby consagra al oyente en un remolino de sonido psicodélico con cánticos místicos, loops de batería invertidos, samples asustadizos y momentos de pura felicidad. Desarrollado con nuevas voces, la entrega suave y lánguida de D'Arby atrae al oyente. La hermosa combinación de Undeniably y We Don't Have That Much Time Together en casi el centro del álbum muestra aún más la capacidad de D’Arby para hacer girar hacia un hechizo encantador al oyente. Undeniably con su relato de un amor pasajero que hace que uno "envíe un beso a lo que podría haber sido", ofrece un resplandor cálido y parpadeante que irrumpe con un giro inspirado en el jazz en los minutos finales. Totalmente distinto que encontramos en la suave Bossa Nova de We Don't Have That Much, una seductora narración romántica del amor contrarreloj. La sensación de brisa se ve reforzada por la dulce entrega de D'Arby y el giro de la frase cantada, y líneas como "El cielo es solo la mitad de la distancia entre tu alma y la mía" cierran el díptico.

 

Su habilidad para fusionar géneros, atraer influencias, rendir homenaje, innovar y hacer las cosas suyas se aplica a lo largo del álbum con un toque hábil. En temas como el funk trippy de "CYFMLAY?" mezcla ritmos soul de hip-hop con sutiles vibraciones de la jungla, colores con toques de pinchazos de cuerno y una encantadora combinación de voces para una experiencia casi hipnótica. Y de nuevo otro giro, tiempo para la balada y destacando con el piano llevado al extremo en If You Go Before Me antes de meternos otra vez en terreno de locura y de exploración sonora con Surrender, que trata sobre un sentido de reconocimiento del alma / ego ayudado por voces de estilo gospel y un ritmo ondulante. Luego pasa a TTD's Recurring Dream con su inquietante melodía y entrega vocal, ofreciendo suficientes metáforas para mantener ocupado a Freud durante unos días. Resurrección es quizás la pista más fallida, no es que sea mala, pero termina siendo demasiado grandilocuente y dramática y quizás otra mirada le hubiera permitido mantener el nivel hasta ahora mostrado. Cierra con It's Been Said para recordarnos que D'Arby puede ser uno de los artistas más subestimados y menospreciados.

 

El álbum en su esencia es un viaje espiritual. Una experiencia para mover el corazón, el alma y los pies. En su mayoría tiene éxito en esta misión, como se señala en las pistas antes mencionadas, y en ocasiones falla, como con la demasiado grandilocuente y dramática “Resurrección” que posiblemente podría haberse beneficiado de otra mirada. Con Vibrator , Terence Trent D'Arby entregó un álbum que puede no haber estado lleno de éxitos cuantificables, pero es innegablemente acogedor y agradable. Sus momentos de brillantez son memorables y es una lástima que el álbum no haya recibido su merecido en el momento de su llegada. La publicación de Vibrator pasó desapercibida, en parte, debido a que la compañía discográfica decidió no apoyar su difusión, con la excusa de que sus canciones eran demasiado rockeras para ser de soul y demasiado souleras para ser de rock, evidenciando la estrechez de miras propia de un mercader que concibe una obra de arte como un producto para vender en el mercado. Ahora, muchos años después de su lanzamiento, merece una reevaluación considerada. Al igual que su creador. 

0205: Slum Goddess - The Fugs

Slum Goddess (diosa de los tugurios) es el primer tema del disco debut del grupo neoyorquino The Fugs en 1965, titulado inicialmente The Village Fugs Sing Ballads of Contemporary Protest, Point of Views, and General Dissatisfaction, antes de que la banda cambiara de discográfica y reeditara el álbum bajo el nombre de The Village Fugs, y posteriormente sacara una nueva versión con el título final de The Fugs First Album.

The Fugs (eufemismo del acto sexual, utilizado en la novela The Naked and the Dead de Norman Mailer) son considerados "el primer grupo de rock underground de todos los tiempos", por la lasciva y escatológica comicidad de sus letras, que en muchas ocasiones son también satíricas denuncias contra la sociedad del momento y la guerra de Vietnam. Su activismo les dio un papel relevante en la contracultura de la época, llegando incluso a aparecer en documentos del FBI, en los que se les define como "la cosa más vulgar que la mente humana podría concebir", y se describe a las canciones de su primer álbum como "vulgares y repulsivas".

La diosa de los tugurios es una oda a una princesa underground, una canción que ensalza los repetidos encuentros sexuales con una lujuriosa musa de extrarradio, muy alejada de la sensiblería de las letras de las canciones pop y country de la época, y una muestra de la libertad creativa de un grupo de "art rock" sin complejos ni pelos en la lengua, pero no hay nada en ella que pueda ser calificado de "vulgar" o "repulsivo". Lo único realmente vulgar de aquella época fue la feroz censura, y lo más repulsivo de todo fue aquella innecesaria guerra.

La música en el cine: I Disappear (Metallica) - Misión Imposible 2

 

I Disappear, Metallica

     En el año 2000 se estrena la segunda parte de la saga de películas Misión Imposible, dirigida por John Woo y protagonizada por Tom Cruise, Dougray Scott, Thandie Newton, Ving Rhames, Richard Roxbourgh, John Polson, Brendan Gleeson, Rede Serbedzija y Anthony Hopkins. La película, a pesar de obtener una buena aceptación por parte de la crítica y de obtener gran reconocimiento para el director, no la obtuvo por parte un público que se mostró bastante decepcionado con el resultado.

La trama de la misma se desenvuelve en torno al personaje de Ethan Hunt, interpretado por Tom Cruise, quien esta vez tiene que luchar por hacerse con el control de un virus llamado Quimera, y de su cura, Bellorphon, que han caído en manos de los malos de la película.

Incluido en la banda sonara de la película se encuentra el tema I Disappear, escrito y grabado por Metallica. El tema fue publicado incluido en el disco de la BSO de la película Misión imposible 2 el 9 de mayo de 2000, y lanzado como sencillo el 2 de junio de 2000, ambos por el sello discográfico Hollywood. El tema fue escrito por James Hetfield y Lars Ulrich, y producido por el ingeniero de sonido y productor canadiense Bob Rock. 

En cuanto a la temática de la canción, le iba como anillo al dedo a la película, pues trata de un hombre que desaparece sin dejar rastro antes de que podamos conocerlo. La canción había sido escrita un tiempo antes por Hetfield y Ulrich, pues la intención de la banda era publicarla con sus álbumes Load (1996) o Reload (1997), y además fue una de las últimas canciones que fueron grabadas por el bajista Jason Newsted antes de abandonar Metallica. 

Este tema fue además el que supuso el comienzo del final para la poderosa compañía de distribución de archivos de música en formato MP3 Napster. La compañía lanzó en línea una versión de demostración pirateada de I disappear sin la aprobación de Metallica, lo que causó la ira de la banda que presentó el 13 de abril de 2000 una demanda contra la la compañía por extorsión y violación de los derechos de autor. Metallica ganó el juicio y Napster se vió obligada a prohibir el tema a más de 300.000 usuarios y a pagar por los consiguientes daños y perjuicios a a la banda. Varios artistas siguieron el ejemplo de grupo y demandaron a Napster, lo que acabó provocando que la compañía se declarara en quiebra y cerrara por completo.

0204 Unchained Melody - The Righteous Brothers

0204 Unchained Melody - The Righteous Brothers

Unchained Melody tiene varias versiones y diferentes cantantes que la han interpretado, fue grabada por el dúo. The Righteous Brothers justos por Philles Records en 1965.

El lanzamiento de Unchained Melody fue originalmente junto con el sencillo Hung On You, sin embargo, Hung On You no logró interesar a los DJ de radio que, en cambio, optaron por difundir el lado B del sencillo donde estaba Unchained Melody.

Esto produjo que él productor Phil Spector, que colocaba deliberadamente una canción desechable que no estaba destinada a reproducirse en la cara B de los sencillos, se indignó porque los DJ de la época eligieron Unchained Melody, la canción alcanzó el número 4 en el Hot 100 chart y el número 14 en el Reino Unido en 1965.

Existe cierta incertidumbre sobre quién produjo la canción, ya que Phil Spector se atribuyó el mérito como productor, en cambio Medley, que había producido el dúo antes de firmar con Spector y Philles, ha declarado constantemente que produjo esta grabación. Y el propio Medley dijo: "Phil vino a verme y me pidió que produjera los álbumes de The Righteous Brothers porque le habría tomado demasiado tiempo y habría costado demasiado dinero"

Las primeras copias del sencillo no acreditaban al productor de Unchained Melody y sólo acreditaban a Spector como productor del sencillo original Hung On You. Las ediciones posteriores del sencillo acreditaron a Spector como productor.

Bobby Hatfield hizo un cambio en la canción durante las sesiones de grabación. Bobby Hatfield inicialmente grabó un par de tomas de la canción tal como estaba escrita, pero regresó más tarde para otra sesión, cambiando la melodía de la línea I need your love en el verso final, y la cantó mucho más alto. Después de esta grabación, Bobby Hatfield dijo que podía hacer otra toma mejor, a lo que Medley respondió: "No, no puedes" Medley también ha dicho puso para la grabación un Piano Wurlitzer para interpretar la canción y señaló luego que "si hubiera sabido que iba a ser un éxito, sin duda habría traído a un mejor pianista".

Unchained Melody reapareció después de muchos años en Estados Unidos en la lista de éxitos en los años ‘90 después de que la grabación de The Righteous Brothers se usara en la película de taquilla Ghost. Ese año se registraron dos versiones en los Estados Unidos, la original y una nueva grabación.

La grabación original de The Righteous Brothers de 1965 fue reeditada en 1990 por el sello de reedición de Oldies Verve Forecast bajo licencia de Registros de poligramos.

Daniel
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El disco de la semana 235: Cocteau Twins - Treasure

 

Estamos ante un álbum que en sí mismo no es solo un tesoro para el oyente, sino también el modelo para todo el dream pop, un álbum que sienta las bases con voces operísticas inquietantes y guitarras etéreas y arrolladoras. La carrera de Cocteau Twins abarcó la década de los 80, una década que comenzó con el post-punk y terminó con el nacimiento del shoegaze, un género que, en ese momento, sonaba revolucionario. Cocteau Twins sirvió de puente entre los dos géneros. Hasta entonces, el guitarrista Robin Guthrie y la vocalista Elizabeth Fraser ya lograron crear una fórmula muy personal, hecha de voces etéreas y guitarras soñadoras y sobreefectivas para crear paisajes sonoros psicodélicos y de otro mundo. Sin embargo, el dúo todavía debía mucho a las tendencias del darkwave y el post-punk (Siouxsie y las Banshees sobre todo). La incorporación del bajista Simon Raymonde a la formación en 1984, así como el éxito de sus sencillos más suaves en las listas independientes (“Pearly Dewdrops-Drop”), llevaron el sonido de Cocteau Twins a territorios aún más experimentales. 

“Treasure” se caracteriza por un enfoque más abstracto y lírico, creando una atmósfera atemporal y mística con elegantes elecciones de textura, alejándose significativamente de las raíces post-punk de su debut, las guitarras ahora están teñidas de distorsión, las voces angelicales y de otro mundo, y la batería monolítica, en este álbum Cocteau Twins encontró su propio estilo, empezando porque Elizabeth Frazer apenas canta letras coherentes, mientras las palabras, frases y sonidos mezclados brotan de su boca en un estilo operístico, suena en parte como un ángel y en parte como un extraterrestre, siendo pionera en la técnica de shoegaze de usar la voz como otro instrumento y en el caso de este album, la voz podría ser el más importante de los instrumentos. Beth derrama todas sus emociones mientras canta, y junto con los instrumentos oscuros, Cocteau Twins te lleva a diez paisajes oníricos únicos a lo largo del álbum. Cada canción, apodada con un nombre arcaico y místico, es el alma de una diosa diferente. 

El álbum se abre con dos de las canciones más hermosas de los Twins, Ivo recuerdan más las raíces mas oscuras del grupo, con un enfoque más rítmico y un estado de ánimo sombrío e inquietante creado por guitarras fantasmales y voces hipnóticas, el poderío de la voz de Elisabeth se hace notar desde el principio. Lorelei se abre con Beth cantando con una voz casi en falsete, la línea de guitarra repetitiva hipnótica y un golpe de teclado simple y escaso, que se construyen para crear una de las melodías de dream pop más fascinante y contagiosa de todos los tiempos, logrando sumergirnos en un cuento de hadas. Con Beatrix adquiere una atmósfera casi medieval, aunque más tenue y suave en comparación con las otras pistas, puede parecer un poco lenta durante los primeros dos minutos, pero me encanta la interacción del bajo y las líneas principales de sintetizador a lo largo de la pista. Las guitarras post-punk crean tensión cuando la voz de Beth raya en el estridente en el conflictivo Persephone. La pista que suena más celestial del álbum es Pandora (For Cindy), las guitarras aireadas se mezclan con la voz ahora relajante de Beth y permiten que el oyente se sumerja en una euforia de ensueño, anticipa el pop maduro de álbumes posteriores, con Elizabeth Fraser gorjeando libremente sobre un fondo de jazz lleno de capas de guitarra nebulosas y borrosas. La segunda mitad del álbum comienza con Amelia, que recrea la sensación algo oscura y suave que pudimos disfrutar en Beatrix, y Aloysius que se hace eco de manera similar de Pandora. Cicely continúa con la tradición de Beatrix y Amelia, pero agrega una potente línea de bajo y, a veces, un ruido de guitarra inquietante y casi disonante. Casi completamente desprovisto de percusión, Otterley sirve como una pista de ambiente inquietante, posiblemente romántico, mientras Beth susurra casi inaudiblemente sobre guitarras escasas y hermosos sonidos ambientales, una pieza ambiental nocturna y sensual que hunde suavemente al oyente con ondas reverberantes de guitarras y susurros que suenan como la llamada de una sirena desde las profundidades del océano. Treasure cierra con Donimo, una canción que mezcla la mayoría de los elementos que encontramos a lo largo del disco. Comienza con un ambiente misterioso creado por drones y teclados oscuros, con destellos repentinos de luz traídos por las melodías vocales juguetonas, casi infantiles. Luego, la banda completa entra en acción y convierte la pesadilla en una canción de cuna austera y etérea.

30 años después, Treasure todavía suena innovador y completamente único para los nuevos oyentes, lo que lo convierte en un disco atemporal e increíblemente influyente. Sin este disco, no habría bandas como Slowdive, Mazzy Star o Beach House. Treasure es una necesidad para todos los que aman no solo la innovación del dream pop de los Twins, sino también el post-punk, shoegaze, goth rock y todo lo que sea de ensueño, etéreo, hipnótico o de otro mundo. Es una parte esencial de la colección de cualquier amante de la música moderna.

0203 Stop! In the Name of Love - The Supremes

0203 Stop! In the Name of Love - The Supremes

Stop! In the Name of Love es una canción de 1965 grabada por el grupo The Supremes para el sello discográfico Motown. La canción fue escrita y producida por el equipo de producción principal de Motown, que estaba compuesto por Holland – Dozier – Holland,

Stop! In the Name of Love ocupó el puesto número uno en la lista de sencillos pop de Billboard en los Estados Unidos desde el 27 de marzo de 1965 hasta el 3 de abril de 1965. La revista  Billboard ha puesto a esta canción en el número #38 en su lista de las 100 mejores canciones de grupos femeninos de todos los tiempos. En cambio la BBC clasificó a Stop! In the Name of Love en el número 56 en el Top 100 Digital Motown Chart, que clasifica los lanzamientos de Motown por sus descargas y transmisiones de todos los tiempos en el Reino Unido.

Si hacemos un poco de historia de esta canción The Supremes grabaron Stop! In the Name of Love en enero de 1965 y se lanzó como sencillo el 8 de febrero de ese mismo año. Posteriormente la canción se incluyó en el sexto álbum de The Supremes, More Hits by The Supremes, y fue nominada para el 1966 Premio Grammy a la Mejor Interpretación Vocal de Grupo de Rock & Roll Contemporáneo, pero no lograr alcanzar el premio y perdieron ante Flowers on the Wall de los Statler Brothers.

La coreografía de The Supremes para esta canción involucró una mano en la cadera y la otra extendida en un gesto de Stop. Para su promoción interpretaron la canción en el programa de variedades de ABC Shindig que se emitió el miércoles 24 de febrero de 1965.

The Supremes logran ingresar nuevamente  a las listas de éxitos con esta nueva canción. 

Daniel 

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0202 I Ain't Marching Anymore - Phil Ochs

I Ain't Marching Anymore, Phil Ochs

     Entra en escena Phil Ochs, compositor y cantante folk estadounidense, considerado como uno de los grandes de la canción protesta en Estados Unidos. Phil era un gran activista político y sus armas eran su agudo ingenio y un humor sarcástico. Fue uno de los compositores más influyentes de la generación hippie.

     En 1965 Phil publica bajo el sello discográfico Elektra Records su segundo álbum de estudio, I Ain't Marching Anymore. Doce de lo quince temas que componen el disco fueron grabados e interpretados únicamente por el cantante y compositor estadounidense. Incluido en el álbum se encuentra el tema que da título al disco, I Ain't Marching Anymore, quizás su tema más conocido y emblemático, un himno pacifista que denuncia lo irracional de una guerra como Vietnam.

     Ante el éxito del tema, Phil Ochs graba y publica un versión folk-rock del tema que es publicado en 1966. En dicha grabación le acompañaron un gaitero y The Blues Project, una reputada banda de la zona de Greenwich Village, Nueva York. Esta nueva versión del tema fue lanzada como sencillo en Reino Unido. 

     I Ain't Marching Anymore,  es un relato desde la perspectiva de un soldado que ha estado en todas las guerras desde la Guerra de 1812, y está harto de luchar y pelear. Phil realiza una durísima crítica a toda la industria e historia militar estadounidense. Según el propio cantante, la canción se movía entre la delgada línea que separaba el pacifismo y la traición, combinando las mejores cualidades de ambos. Otra de las razones que argumentaba era que el tema era uno de esos que no se escucharían nunca en la radio, razón de más para escribirlo. El tema fue interpretado por el cantante en infinidad de conciertos y mítines durante toda su carrera, y quizás uno de los momentos más recordados fue cuando Phil Ochs fue llamado a declarar como testigo en el celebre juicio de los "Siete de Chicago". En aquel juicio los abogados defensores pidieron a Phil que interpretara la canción, pero el juez no o permitió, sin embargo lo que si hizo en aquel juicio fue recitar la letra. 

Un país, un artista: Portugal - Dulce Pontes

Dulce José Silva Pontes, nacida en Montijo, Portugal en 1969, localidad del distrito de Setúbal, cerca de Lisboa. Inicio una carrera como bailarina, pero en la escuela de danza pensaron que a los catorce años, era demasiado mayor para emprender una gran carrera, tomo la senda del canto y en un principio realizo trabajos para anuncios hasta que alguien descubrió que podía dar un paso mas y su voz podría hacer un mayor servicio a la música que a la publicidad. Se formó como pianista y participo en un concurso en su ciudad natal a la edad de 18 años, esto le sirvió para convertirse en actriz de televisión y el teatro portugués aunque sus sueños estaban en la música, fue asi como en 1991, ganó el festival nacional de música con su canción "Lusitana Paixão", que se traduce como "Pasion Lusitana", (conocida en inglés como "Tell Me"), lo que la llevó a representar a Portugal en el Festival de Eurovisión. Terminó octava en la competicion, que hasta la fecha es el cuarto mejor resultado para una intérprete portuguesa. Era la primera vez que Europa escuchaba cantar a Dulce Pontes, y desde ese momento su voz ya no pertenecía a los programas de televisión de los domingos por la tarde, donde cantaba música de los 60 y 70 en inglés.

Fue a partir de ese momento que su vida dio un giro. Dulce Pontes abandonó su repertorio de baladas de rock y se puso en marcha en busca de su propia identidad y repertorio. Se sumergió en las raíces de la música popular portuguesa, incluido el fado tradicional. Algunos rápidamente la vieron como la sucesora de la mítica Amalia Rodrigues, el alma del fado portugués, y de quien Dulce se confiesa una gran admiradora. Pero esta calificación resultaría errónea, como se demostraría con el paso de los años y el estilo musical que estaba desarrollando, lo que estaba haciendo era mucho más que reinterpretar lo que ya se había hecho. Su voz y su canto son únicos e inconfundibles, ya sea que cante rock, fado o una canción de Angola.

En 1992 lanza su primer disco Lusitana, y al año siguiente, lanza su segundo disco Lagrimas, Dulce Pontes se convierte en ciudadana del mundo. España, Francia, Bélgica, Holanda, Alemania, Italia, Estados Unidos, Japón, Brasil, Dulce Pontes estaba por todas partes, cantando en un idioma extraño para el espectador que acudía a verla en el escenario y lograba el milagro de demostrar que la buena música es un idioma universal. El álbum Lagrimas se convirtió en uno de los discos más vendidos de todos los tiempos en Portugal, y uno de sus temas "A cancon do mar", originalmente cantada por Amalia Rodrigues, llegó a Hollywood en la película "Las dos caras de la verdad", protagonizada por Richard Gere, y cuyo productor, Gregory Hoblit, incluyó la pista cuatro veces en la banda sonora de la película. Tuvo también la ocasión de grabar A Brisa do Coracao con el maestro Ennio Morricone. Tras este éxito publico un disco doble grabado en directo, Caminhos, en 1996, y O Primeiro Canto. Publica tambine un disco de duetos, donde están presentes cantantes como Andrea Bocelli, o los brasileños Simone y Caetano Veloso, y el gaitero Carlos Núñez de la vecina Galicia (España). Durante esos años, su vida giraba en torno a las giras, de concierto en concierto, de ciudad en ciudad, por todo el mundo. “Los conciertos son los momentos más felices e intensos de mi vida… Es la sensación de tener un regalo, tengo una razón para vivir mi vida ”.

En 2003, Dulce lanzó Focus, una colaboración con el compositor italiano Ennio Morricone. Un álbum doble en vivo titulado O Coração Tem Três Portas (El corazón tiene tres puertas) fue lanzado en 2006. Fue grabado en vivo sin audiencia en el Convento de la Orden de Cristo en Tomar y en la Iglesia de Santa María en Óbidos. En 2009, lanzó Momentos, una antología de doble disco que incluía temas inéditos.

Dulce Pontes comenzó su carrera como artista pop convencional, pero a lo largo de los años ha evolucionado hasta convertirse en una cantante de músicas del mundo. Combina el fado tradicional con estilos contemporáneos y busca nuevas formas de expresión musical. Introdujo tradiciones musicales de la Península Ibérica en su trabajo, redescubrió muchas melodías populares olvidadas y encontró uso para instrumentos musicales obsoletos. Su obra está inspirada e influenciada no solo por la tradición musical ibérica, sino también por los sonidos árabes, africanos, brasileños y búlgaros. Canta principalmente en su portugués nativo. Dulce Pontes ha colaborado con Cesária Évora, Caetano Veloso, Marisa Monte, Carlos Núñez, The Chieftains, Kepa Junkera, Eleftheria Arvanitaki, George Dalaras, Andrea Bocelli ( O Mar e Tu , a dúo de Pontes en portugués y Bocelli en napolitano, por su 1999 álbum Sogno) , Christopher Tin por sus álbumes Calling All Dawns (para la canción Se É Pra Vir Que Venha ) y The Drop That Contained the Sea (para la canción Passou o Verão ) y otros.

0201: Io che non vivo (senza te) - Pino Donaggio

 

Toca darse un paseo por Italia, con uno de los temas más románticos (y mira que hay para elegir) el país transalpino, nos referimos a Io che non vivo (sin ti) es una pieza musical de Pino Donaggio con letra de Vito Pallavicini. Ya se había asomado Elvis Presley adaptando dos canciones de aquel país al rock que tantas alegrías le estaban dando, también y ya en el ocaso de su carrera Elvis haría suya esta canción, pero vamos antes a la original.

 

Giuseppe "Pino" Donaggio nació en Burano (una isla de Venecia), en el seno de una familia de músicos, Donaggio comenzó a estudiar violín desde bien joven, incluso llega a realizar algún concierto a la edad de 14 años, pero la llegada del rock hace que cambie el camino y acompañar al Paul Anka el espaldarazo definitivo. Es el momento en el que el joven Giusseppe empieza a escribir canciones e inicio una carrera como cantautor que le llevo al Festival de San Remo en 1963 y es gran protagonista del Festival de San Remo con una pieza en la que se aprecian las influencias del nuevo género del rock n roll. La pieza en cuestión se llama Young Young, con la que logra terminar en el tercer lugar del ranking final. La traca final estaba por llegar, regresará al Festival de San Remo al año siguiente y especialmente en 1965, cuando compite con la canción probablemente más conocida y apreciada de su repertorio, Io che non vivo (sin ti), una canción que sin embargo no le permite ganar esa edición del festival pero que sin duda lo consagra como un artista del más alto nivel, Donaggio tenía 24 años y el enorme éxito del tema le estalla en sus manos, más de 80 millones de copias vendidas por todo el mundo y una de las estrellas de la canción popular americana rendida a sus pies, nos estamos refiriendo a Dusty Springfield, que se encontraba presente en el festival y aunque no tenía idea de lo que decían las palabras, ya que no entendía el Italiano, quedo profundamente impresionada y unos meses después realizaría una versión del tema en lengua Inglesa. En España no fuimos ajenos al boom del tema y la cantante Angélica María, la publicó con el título "Yo que no vivo sin ti"

 

En la canción, Donaggio expresa su incapacidad para vivir sin el amor de la mujer, por encima de todo él desea y la necesita a su lado, tras un comienzo orquestado, Donaggio con su excelente voz hace suya la canción y logra trasmitir en cada verso la desesperación en la que se encuentra porque le falta su amor.

0200: The Witch - The Sonics

The Witch (la bruja) es una impactante canción de los estadounidenses The Sonics, una banda de garaje rock de los sesenta a la que se le atribuye el mérito de ser una de las bandas pioneras del sonido que posteriormente se conocería como punk rock. La canción y la banda nunca alcanzaron los primeros puestos de las listas de ventas, pese a lo cual su sonido de guitarras pesadas y frenéticas ha sido una de las grandes influencias del sonido punk de la década posterior.

Escrita por el vocalista Gerry Roslie, y lanzada como single en 1964, aparece también en su álbum debut Here are The Sonics (1964) Inicialmente pensaron en The Witch como una pieza de baile acelerada, a la que añadieron estridentes guitarras, un oscuro saxofón y una efectiva letra sobre una bella mujer traicionera, hasta conseguir el aire demoníaco y desesperado que transmite el tema. Para lograrlo, The Sonics exigieron a los ingenieros del estudio que todos los medidores de volumen y de saturación del sonido estuvieran continuamente al máximo.

Como toda bruja que se precie, y como medida preventiva de las emisoras de radio de Seattle que se atrevieron a pinchar un tema con sonido tan crudo y adelantado a su tiempo, la canción solo podía escucharse en horario no infantil. Pese a su escaso recorrido comercial, la bruja lanzó su potente encantamiento y, a lomos de su vieja escoba, desapareció volando en la inmensidad de la noche estrellada. Dicen que aún hoy en día, si escribes The Witch en Youtube Music o en Spotify, quizá te aparezca el tema de The Sonics... ¿Te atreves a enfrentarte a la bruja?

0199 Sweet Little Angel - B. B. King

 

Live at the Regal, B. B. King

     En 1965 se publica uno de los mejores álbumes de blues en vivo que se conocen hasta la fecha, Live at the Regal, grabado por BB King el 21 de noviembre de 1964 en el Regal Theatre de Chicago, Illinois (Estados Unidos). El disco es publicado bajo el sello discográfico ABC y bajo a producción de Johnny Pate, un bajista de jazz que se convirtió en un importante productor y arreglista de soul, pop y R&B del área de Chicago.

La banda que acompaña a BB King esa noche est conformada por Duke Jethro al piano, Leo Lauchie al bajo, Kenneth Sands a la trompeta, Johnny Board y Bobby Forte a los saxofones tenores, y Sonny Freeman a la batería. Aquella noche Duke Jethro debía tocar el órgano pero éste se estropeó, por lo que BB King le pidió a Duke que tocara el piano, entonces Duke le hizo saber a BB que no sabía tocar el piano, a lo que éste le respondió: "Bueno, siéntate y finge que eso es lo que haces la mayor parte del tiempo".

Uno de los 10 temas editados que aparecen en esta obra maestra es Sweet Little Angel, también conocido como Black Angel Blues o Sweet Black Angel. El tema grabado contó con arreglos del propio BB king y de Jules Taub, que era el sinónimo de Julius Jeramiah Bihari, uno de lo famosos hermanos Bihari, los fundadores del sello discográfico Modern Records. 

Sweet Little angel es un estándard de blues de origen deconocido que fue grabado por primera vez en 1930 por la cantante y compositora de blues Lucille Bogan. BB King grabó el tema por primera vez en 1956 al escuchar la versión de Robert Nighthawk de Sweet Black Angel. BB descubrió que este tema había sido grabado antes por alguien antes de Nighthawk y decidió usar el título orignal del tema, Sweet Little Angel. La versión de BB King fue innovadora pues incluyó una sección de vientos, lo que supuso un cambio de estilo de la canción a partir de entonces. BB King volvería a grabar este tema en posteriores ocasiones, una en 1957, y después en uno de los mejores directos de la historia del blues, Live at the Regal.

La música en historias: Simphony or Damn, #MesTerenceTrentD'Arby

Symphony or Damn (Exploring the Tension Inside the Sweetness), fue considerado por la gran mayoría de crítica y público como el regreso a primera línea de Terence Trent D'Arby, tras la "decepción" que supuso su segundo álbum (Neither fish nor flesh) para los que esperaban otra entrega de funk y soul a la altura de su disco debut (el excelso Introducing the hardline...). Para Terence Trent D'Arby quizá fuera el momento de la verdad, la última bala para disparar al éxito, tras el fracaso de repercusión y ventas del anterior disco. "Sinfonía o maldición". En esas se encontraba Terence, "explorando la tensión" interior de no terminar de encontrarse a sí mismo en un entramado discográfico que no valoraba sus esfuerzos por canalizar su talento hacia diferentes caminos en cada nueva entrega.

Yo fui uno de aquellos que, entusiasmados por un primer disco que considero uno de los diez discos de mi vida, me quedé un poco a medias con el segundo, y esperé con ansia la llegada del tercero. Cuando supe del lanzamiento de "Sinfonía o maldición", me fui directo a una pequeña tienda de discos cercana a mi casa y compré ilusionado el cd. Cuando lo puse en la cadena de música que mi padre acababa de regalarme, supe que lo que había pagado por él había sido la mejor de las inversiones. Fiel a su propósito de ofrecer cosas diferentes, este tercer disco tiene un sonido más duro y rockero que sus obras anteriores.

El peso de las guitarras es evidente desde el inicio de Confrontation, la primera de las dos partes en las que separa el disco, cuando tras la breve introducción de coros a capella de Welcome to my Monasterio (el nombre del estudio de grabación que se había construido en su casa), las seis cuerdas rompen a bramar en She kissed me (tercer single del álbum), y el feeling de la voz áspera de Terence y las guitarras afiladas te transmite que lo que te espera es un disco grande. Sin descanso, adopta el registro cortante de un James Brown para gritar a los cuatro vientos Do You Love Me Like You Say?, pero manteniendo las capas de guitarras distorsionadas en un tema excelso que fue la tarjeta de presentación del disco.

Como si estuviera aprovechando para expulsar todos los demonios interiores que su situación le provocaba, el torrente de energía no se detiene en Baby, let me share my love, y solo después se permite el lujo de levantar el pie del acelerador y regalarnos la sutil y elegante Delicate, dúo con Des'ree que fue el segundo single del disco, un tema que (esta vez sí) nos recuerda en la producción y los ritmos al Sign your name por el que será recordado por siempre por los que nunca se esforzaron en profundizar más en su carrera. Los que sí lo hicieron, valorarán también Neon Messiah, una pieza de aires psicodélicos y ritmo setentero, y uno de los singles menos conocidos de su obra, publicado únicamente en Japón, convirtiéndose con el tiempo en una preciada pieza de coleccionismo.

La intensa confrontación que nos plantea esta primera parte tiene un solo momento valle con Penelope Please. La alegría y luminosidad del tema, y su limpia producción no encajan en el conjunto de una obra densa y rocosa. Que el único "lunar" de esta parte sea un buen tema habla también mucho de la calidad de la propuesta. Pero aún hay tiempo para más, para mojarse los labios con la rotunda batería y las cortantes guitarras de Wet your lips, con Terence luciendo sus excelencias vocales en un final con sabor a gospel, y sobre todo con la excelsa Turn the page, de larga y trabajada letra, y con un tramo final instrumental de big band del funk. Fue otro de los singles del disco, en este caso con muy poca repercusión, y el gran final de una Confrontation que, por sí sola, ya sería un disco excelso.

Después de la confrontación, la dualidad del artista le lleva a buscar la reconciliación y la calma sonora. Reconciliation esconde meritorias baladas ocultas en capas de pesadas guitarras y baterías (Castillian Blue), maceradas en soul añejo (T.I.T.S / Frankie & Johnny), mezclando ritmos optimistas con guitarras de aire blusero (Are you happy) o experimentando con la electrónica más pegadiza (Succumb to me) Pese a todo este esfuerzo, esta segunda parte del disco no escapa a cierta sensación de que lo mejor ya pasó, y es en los momentos menos recargados e intimistas (I still love you, Seasons y, sobre todo esa maravilla que es Let her down easy) donde se produce realmente la reconciliación.

Y ese fue el momento cumbre de Terence Trent D'Arby. Su Sign of the Times, ese disco que muchos consideran el mejor, pero que nunca podrá superar al impacto de su Purple Rain, ese Introducing the hardline que nos dejó sin palabras. Aún hubo un intento más con el también brillante pero irregular Vibrator, pero después ya nunca sería lo mismo. Y debería haberlo visto venir, porque casi al tiempo que inició su silencio y su lenta reencarnación en Sananda Maitreya, aquella tienda de discos cerró sus puertas, y ocupó su lugar una insulsa tienda de colchones. De la sinfonía a la maldición.