martes, 18 de febrero de 2025

1510.- Europe Endless - Kraftwerk

 

Europe Endless, Kraftwerk


     A finales de los años 80, Europa occidental había experimentado un auge sin precedentes en la popularidad de la música electrónica, que posteriormente eclipsó el predominio de Japón en el género. El papel fundamental de Kraftwerk en este desarrollo del género ha sido fundamental, la banda alemana no tuvo porblemas en lanzarsa hacia la innovación tecnológica de nuevos sonidos.

En marzo de 1977 publican su sexto álbum de estduio, Trans-Europe Express, grabado en loss Kling Klang Studios de Düsseldorf, bajo la producción de Ralf Hütter y Florian Schneider, y publicado bajo el sello discgráfico Kling Klang. En este álbum, el grupo refinó su melódico estilo electrónico, endfocándose en ritmos secuenciados, el minimalismo y las voces manipuladas. Aunque Autobahn fue su gran obra maestra, Trans-Europe Express es, quizás, el álbum más accesible de Kraftwerk. Los temas melódicos se repiten a menudo y ocasionalmente se entrelazan sobre ritmos deliberados y lentos, a veces con voces manipuladas; el efecto es mecánico pero hipnótico. Temáticamente, el disco se siente como partes de dos álbumes conceptuales diferentes: uno es una meditación sobre las disparidades entre la realidad y la imagen, y el otro es la glorificación de Europa. 

Incluído en este álbum se encuentra Europe Endlessuna oda minimalista y melódica a la idea de una Europa moderna, unida por la tecnología, la cultura y el movimiento incesante de sus habitantes. Más allá de su aparente simplicidad, la letra de la canción sugiere un paisaje en constante cambio, donde la cultura y la tecnología se entrelazan para formar un mundo moderno y sofisticado. Musicalmente, Europe Endless es una pieza hipnótica construida sobre una base electrónica repetitiva, con sintetizadores melódicos y ritmos mecánicos que imitan el sonido de un viaje en tren. Los arreglos minimalistas, característicos de Kraftwerk, permiten que la canción fluya con una sensación de infinito, reforzando la idea de una Europa sin fronteras. 

lunes, 17 de febrero de 2025

1509- La Máquina de Hacer Pájaros - Hipercandobe


1509 - La Máquina de Hacer Pájaros - Hipercandobe

La Máquina de Hacer Pájaros, una banda argentina formada a mediados de los 70, es reconocida por su enfoque progresivo y su capacidad para fusionar elementos del rock sinfónico con toques de vanguardia. Dentro de su discografía, "Hipercandobe", incluida en su álbum debut homónimo de 1976, destaca como una pieza que encapsula la esencia creativa y experimental del grupo. Compuesta por Charly García, líder y fundador de la banda, esta canción es un viaje sonoro que desafía las convenciones y transporta al oyente a un universo musical único.

Desde el inicio, "Hipercandobe" se presenta como una obra ambiciosa. La introducción, con sus arpegios de teclado y atmósferas etéreas, establece un tono misterioso y envolvente. La instrumentación es rica en texturas, combinando guitarras, sintetizadores, bajos pulsantes y una sección rítmica que fluye entre lo complejo y lo hipnótico. La producción, aunque limitada por los recursos técnicos de la época, logra capturar la esencia progresiva de la banda, permitiendo que cada detalle musical tenga su espacio.

La voz de Charly García, caracterizada por su expresividad y versatilidad, se convierte en un instrumento más dentro de este paisaje sonoro. Aunque la letra de "Hipercandobe" no sigue una narrativa lineal, sus versos abstractos y poéticos invitan a la interpretación personal. Frases como "Hipercandobe, el mundo se va a acabar" y "No sé por qué, no sé por qué" sugieren una reflexión sobre la incertidumbre y la fragilidad de la existencia, temas recurrentes en la obra de García. La canción no busca transmitir un mensaje directo, sino más bien evocar emociones y sensaciones a través de su lenguaje musical y lírico.

Musicalmente, "Hipercandobe" es una muestra del virtuosismo y la creatividad de La Máquina de Hacer Pájaros. Los cambios de tempo, las armonías complejas y los pasajes instrumentales demuestran la influencia del rock progresivo de bandas como Yes o Genesis, pero con un sello distintivo que refleja la identidad del grupo. Los solos de teclado y guitarra, ejecutados con precisión y emotividad, añaden capas de intensidad a la composición, mientras que la base rítmica, a cargo de Oscar Moro y José Luis Fernández, mantiene una coherencia que sostiene la estructura de la pieza.

A pesar de su corta existencia, La Máquina de Hacer Pájaros dejó una huella significativa en la música argentina, y "Hipercandobe" es un ejemplo claro de su legado. La canción no solo refleja la búsqueda constante de innovación por parte de García y sus compañeros, sino que también representa un momento crucial en la evolución del rock progresivo en América Latina. Su audacia para explorar nuevos territorios sonoros y su capacidad para crear atmósferas únicas la convierten en una obra que sigue siendo relevante para los amantes del género.

"Hipercandobe" es una pieza que trasciende el tiempo, no solo por su complejidad técnica, sino por su capacidad para evocar emociones y transportar al oyente a un mundo imaginario. La Máquina de Hacer Pájaros logró con esta canción capturar la esencia de una época y dejar un legado que sigue inspirando a nuevas generaciones de músicos y escuchas.

Daniel 
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domingo, 16 de febrero de 2025

Metallica - Load (Mes Metallica)

 






Siempre he admirado a Metallica por su deseo insaciable de no explotar la misma veta hasta el final de sus días musicales, sino de buscar constantemente nuevas ideas y conceptos, una nueva visión de la creatividad. Comenzaron a ser criticados masivamente en 1991: la desaparición del trash y las melodías sofisticadas fue percibida negativamente en su mayoría por los fans antiguos, pero también por los más devotos, es decir, aquellos que no son tan testarudos y prejuiciosos se dieron cuenta de que continuar con el estilo de los años 80 solo podría conducir al lanzamiento de clones, y no algo original. Pero si en 1991 las filas de fans del grupo aún no se habían reducido significativamente, todo cambió con el lanzamiento del álbum "Load" en junio de 1996, en el que los músicos habían estado trabajando de forma intermitente desde finales de 1994 tras varias giras, un largo descanso y un litigio con Elektra. Por primera vez, Hetfield y Hammett tocaron la guitarra rítmica y la guitarra principal alternativamente, o ambas guitarras rítmicas a la vez, lo que dio como resultado un sonido más vivo. Se seleccionaron 14 composiciones, ya que no había más espacio en el CD. Este álbum fue un shock para muchos fans después de cinco años de espera, no podían entender cómo su grupo favorito pudo llegar a este punto, olvidando que si alguna banda nueva lanzara un álbum como este, serían elogiados a diestro y siniestro por todos y hasta su perro. Pero, por desgracia, la sombra de la vieja Metallica se cernía sobre muchos, y no era fácil ahuyentarla, los experimentos (especialmente en la segunda parte), los elementos de grunge, alternativo y blues-rock, muchas baladas, la gran duración de algunas canciones (aunque no es de mi gusto), todo esto fue recibido con hostilidad, y un crítico de Rolling Stone llamó a este lanzamiento "la mayor decepción del año y una parodia del hard rock inteligente". Sin embargo, por cada persona decepcionada había un nuevo fan al que le gustaba este tipo de música, en cualquier caso, elige tú mismo si te gusta o no, personalmente me encanta este álbum. Metallica siguió siendo la misma: no querían repetirse y seguían tocando la música pesada y potente que les gustaba y, según Ulrich, más simple (aunque no lo creo), solo que con arreglos más hermosos. No a todos los fans les gusta, pero ese es un problema de los fans. Me gustaría preguntarles: ¿hubiera sido mejor si Metallica hubiera horneado los mismos panes durante 20 años? La extraña portada dio otro motivo más para los ataques. Es decir, no sólo se cortaron el pelo, se volvieron pop, cambiaron su logo, sino que además muestran esperma. La idea de utilizar este algo extraño se le ocurrió a Hammett mientras estaba hojeando un libro de arte. Vio la obra del europeo Andrés Serrano, “Sangre y Semen III”, que tiene toda una serie de cuadros de este tipo. El resultado es sangre de toro mezclada con el esperma del artista entre dos láminas de plexiglás. Es cierto que Jason estaba en contra, pero era minoría.


Ain't My Bitch empieza el álbum con energía, la sección rítmica entra con fuerza, con algunos riffs frescos y apagados al principio. La frase del título se puede traducir como "No es mi problema". El héroe lo dice mientras se dirige a alguien y le pide que lo deje en paz. En el medio aparece de nuevo la guitarra, seguida de un bonito solo de slide. Las últimas palabras, “You ain’t mine” (No eres mía), sugieren que la canción bien podría tratar de una mujer que ya no pertenece al héroe, es decir, él rompió con alguien y no quiere que esa mujer lo moleste. "2x4"me gustaba en distintos momentos y luego no gustó, somos variables y me gusta ahora sobre todo por esa batería que entra, los riffs de guitarra son pesados ​​y oscuros, y se percibe un espíritu de Black Sabbath. Liricamente Hetfield se acerca a alguien que claramente no le agrada con la intención de tratar con esa persona y mediante el coro nos trasmite esas emociones: ira, rechazo, sorpresa porque no hay respuesta a las palabras provocativas. El protagonista quiere provocar al enemigo: “No te escucho. "Dime algo." El extraño título originalmente era un título provisorio que significaba dos riffs repetidos cuatro veces, pero luego se inventó la letra para adaptarla, ya que como adjetivo "dos por cuatro" significa "estrecho, limitado". Así es como se le parece el héroe a la persona con la que intenta hablar. En el medio, el ritmo se ralentiza y luego sigue un solo penetrante, creando la sensación de que incluso la guitarra quiere que finalmente se le responda al héroe. La última frase es “Ella no aguanta más”, es decir “Ella no aguanta más” cambia radicalmente la situación, porque resulta que el protagonista se dirigía a una mujer. El subtexto erótico de las palabras “fricción” y “fusión” queda claro. The House Jack Built es una pieza fascinante y conmovedora, los riffs de guitarra y la batería suenan suave a los que se une una segunda guitarra se suma. El héroe de James abre la puerta de su escondite. La música es mística y el misterio lo añaden, entre otras cosas, los coros sin palabras. La voz resuena, pero el eco es bastante extraño y parece existir por sí solo. Es una maravillosa alegoría de nuestra vida, donde hay una confusión total, pero una cosa está inextricablemente ligada a otra. Pero ¿es seguro estar en un templo que está a punto de derrumbarse? Jack es probablemente la abreviatura de Jack Daniels, y el poeta beatnik Jack Spicer, que murió de alcoholismo, tenía un libro con el mismo nombre. Until It Sleeps es una hermosa balada, la batería entra silenciosamente con un bajo alarmante, y pronto aparecen las voces, junto con una guitarra triste. Como recordamos, la madre de James, una mujer religiosa, murió en 1980 de cáncer, al no querer recurrir a los servicios de los médicos. Desafortunadamente, en 1996, el cáncer también se llevó al padre de Hetfield. La dureza llega después de las dos primeras líneas y el estribillo es muy emotivo. El protagonista se dirige a su padre y le pide que lo ayude a superar el dolor, que le lave la suciedad y que lo sostenga hasta que el dolor y el odio se duerman. En King Nothing poco a poco comenzamos a escuchar el aullido de una guitarra, y cuando el volumen alcanza un nivel normal, comienza a reproducirse el bajo al que se suman grandes riffs. Hetfield habla de personas que están obsesionadas con el deseo de tenerlo todo en esta vida, pero al final se quedan sin nada "Ten cuidado... o podrías sufrir esto

A pesar del éxito que tuvo Hero of the Day como single, por alguna razón nunca me lleno, la guitarra suena, los tambores se suman suavemente y James canta: "Mamá, están tratando de romperme". En el primer verso aparece una guitarra acústica, pero poco a poco el sonido se vuelve más pesado. Liricamente habla de aquellos que buscan héroes en periódicos y programas de televisión, sin darse cuenta de que los héroes pueden ser personas comunes que uno puede encontrar en la calle. La música se vuelve más pesada y rápida en el estribillo, donde habla de sueños y pesadillas, por lo que la gente aparentemente intenta encontrar algún tipo de héroe en esta vida. Todo termina con una repetición repetida de la frase que se escuchó al principio. Tal vez Hetfield realmente esté recurriendo a su madre fallecida en busca de apoyo. Bleeding Me es una composición que realmente toca el alma. Comienza como una balada. Suena una guitarra triste, acompañada de un bajo, y de fondo aparece un órgano eléctrico. La voz de James es conmovedora y lírica. El protagonista es un hombre que sufre, pero él mismo es la causa de ello. Simpatizamos con el protagonista que se hace sangrar. La idea principal de esta canción algo masoquista es probablemente esta: no trates mal a alguien a menos que estés preparado para que te traten de la misma manera. Un riff solitario surge en el medio, la batería se suma y la voz de James se duplica con coros distorsionados. Después de un solo magnífico y penetrante, se repiten la melodía inicial y el primer verso. El héroe es optimista, a pesar de los altibajos de la vida. A continuación, Cure, la bateria, los riffs de guitarra, las voces suenan con un timbre extraño, en general, el epíteto “opresivo” se puede aplicar a la música. La guitarra periódicamente se vuelve más silenciosa en comparación con la voz de James, y canta sobre el deseo humano inherente de encontrar una salida a situaciones difíciles. Pero cada uno resuelve los problemas a su manera: algunos volándose los sesos de un tiro, otros bebiendo un trago de una botella y pensando que ahogarán sus penas en alcohol, algunos invitando a una persona no querida a su casa y tratando de llenar el vacío de su corazón; Y toda esta gente está equivocada. Bueno, todo el mundo necesita medicamentos porque todos tenemos algún tipo de enfermedad. El solo es memorable, pero corto, James repite una y otra vez: "Creo" (que todo el mundo necesita una cura y, presumiblemente, que es posible curarse). Poor Twisted Me comienza un riff que reproduce la música de "Spirit in the Sky" de Norman Greenbaum, y la bateria se suma suavemente. Luego la sección rítmica empieza a tocar bastante pesada y oscura, y las voces están distorsionadas. El héroe siente lástima de sí mismo porque su vida es una gran desgracia y tristeza. Es como si se estuviera ahogando en el mar, tratando de llegar a la orilla, y estaría contento si alguien lo ayudara. En general, la composición recuerda a un rhythm and blues lento y pesado. Wasting My Hate fue escrito bajo la influencia del blues rock, la guitarra suena suavemente bajo el sonido de los tambores y la voz de James suena apagada. Él le pide a alguien que no desperdicie odio en él, y entonces él no desperdiciará el suyo. La idea de la canción surgió de una historia que le sucedió al amigo de James, Waylon Jennings. Estaba sentado en un restaurante y de repente vio a través de la ventana que un tipo lo estaba mirando desde un auto. Las miradas de retorno de Waylon estaban llenas de odio. Finalmente decidió hablar con el tipo, pero cuando llegó al auto, lo encontró dormido y pensó: "Oh, mierda, desperdicié mi odio en este tipo".

En Mama Said aparece una guitarra acústica tocando en estilo country y pronto siguen las voces, James dedicó esta otra composición profundamente personal a su difunta madre, recuerda que ella le advirtió que "la vida es un libro abierto" que no debe "cerrarse hasta que se haya leído hasta el final" y que "la llama más brillante se apaga más rápido". En el coro entra la batería y la guitarra eléctrica toca una triste melodía de blues. Antes del siguiente verso, de vez en cuando se añaden acordes tristes de la guitarra eléctrica a la guitarra acústica. La música y las voces se van volviendo poco a poco más emotivas. James quería distanciarse de su madre y encontrar su propio camino, y abandonó el hogar temprano. Ahora se da cuenta de que siempre dio por sentado el amor de su madre, pero cuando quiso estar en su cálido abrazo, se dio cuenta de que su madre había muerto hacía mucho tiempo. Thorn Within un tema un tanto infernal que me gusta mucho. Los tambores hacen clic, la guitarra toca maravillosamente y el bajo resuena abruptamente. La atmósfera es oscura y perturbadora. Al parecer, el protagonista acude al sacerdote para confesarse: “Perdóname, padre, porque he pecado. Me siento culpable de sentir la vida dentro de mí." Al mismo tiempo, ve que, a pesar de su confesión, no quieren perdonarlo, porque es como una espina, como un hueso en la garganta. Sin embargo, ¿tiene una persona derecho a condenar a alguien si cada uno es pecador a su manera? Solo expresa empatía, pero lograr que otra persona empatice será mucho más difícil. Ronnie huele a Nazaret o a Lynyrd Skynyrd. Suena una guitarra eléctrica en silencio y se suma la batería, primero apagada, luego fuerte, acompañada por un bajo pulsante, el sonido te hace pensar en una película del Oeste. La composición está basada en un incidente real: en 1995, en un pueblo del estado de Washington, un niño llevó una pistola a la escuela y comenzó a disparar. James dejó todo como estaba: el nombre Ronnie, el apellido Brown, el apodo Frown. La composición se prolonga un poco al final, pero en general suena bien, aunque no "metálica". Sin embargo, con un grupo tan cambiante, es difícil decir qué es lo que les suena familiar. The Outlaw Torn es una de mis favoritas, se acerca el sonido de una guitarra y unos tambores fuertes, pesado y lírico a la vez. Las voces se vuelven más tranquilas y con un bajo rítmico y, en mi opinión, asombroso que agrega un toque jazzístico, James canta el memorable estribillo: "Y así te espero toda mi vida". La amada del protagonista murió, y ahora él está tratando de encontrar alguien que la reemplace, él está buscando su felicidad, pero algo no está funcionando. La música se vuelve más pesada y Hetfield grita: "Soy un paria torturado". Suena genial el verso en el que James responde a las cortas frases de Jason: “Mírame”, “Escúchame”, “Abrázame”, “Sálvame”.

A los componentes de Metallica les gustó mucho el álbum, y Jason dijo que este fue el primer trabajo del grupo en el que pudo demostrar su valía. A los pocos días de su lanzamiento, el álbum alcanzó el número uno en las listas de Billboard. A pesar de la división entre los fans, este polémico álbum siguió siendo popular, considero que no es su mejor obra, pero todos cambiamos con el tiempo, ¿y por qué deberíamos negarles lo mismo a los músicos? Si este álbum dejó a alguien indiferente, bueno, aparentemente no es lo suficientemente maduro para ello, o quizás, por el contrario, lo ha superado y ya no puede percibir cosas buenas, de las cuales ya no quedan tantas en este mundo.

1508.- Linda - Miguel Bose

Luis Miguel González Bosé entró en el mundo de la música en 1975 de la mano de un conocido nuestro, Camilo Sesto, quien se encargó de la producción y el lanzamiento del primer disco sencillo, Soy, el cual no tuvo mucha acogida. Lo mismo ocurrió al año siguiente con el single titulado Es tan fácil, promovido también por Camilo Sesto. Por aquel entonces, Bosé pensaba más bien seguir los pasos de su madre y dedicarse a la actuación. Tras dos sencillos de escasa relevancia, Miguel Bosé edita su primer larga duración con la casa CBS y bajo la producción de Danilo Vaona -responsable también de arreglos y orquestación- y José Luis Gil. “Linda” (CBS, 1977) se nutre fundamentalmente de versiones y adaptaciones, figuran cinco temas de origen italiano, pero a pesar de ello se consigue un conjunto con personalidad propia, insuflada sobre todo por su carismático intérprete y que derivó en un enorme éxito en España y Latinoamérica y lo volvió un ídolo entre las adolescentes. La canción también le dio el nombre a su primer álbum, en el que. De hecho, aquel LP fue grabado en Madrid y Milán.

Linda sale a la venta y así nace el mayor fenómeno de la música pop española. Linda se convierte en número 1 en sólo 52 días y se mantiene allí durante 6 semanas. Miguel, a los 21 años, tiene un futuro increíble y brillante”, es lo que puede leerse en el disco LP. El gran salto ocurrió el 26 de abril de 1977 en el programa Esta noche… fiesta, conducido por el periodista español José María Iñigo. Fue una velada en familia, pues entre el público también se encontraban los padres de Bosé y su hermana Paola. Aquella presentación se realizó en Florida Park, una de las salas de fiestas más emblemáticas de Madrid, Iñigo le preguntó al padre de Bosé, el famoso torero español Luis Miguel Dominguín, por qué estaba tan nervioso. “Porque la profesión nuestra da un sentido a la responsabilidad, y esto tiene para él (Miguel Bosé) una gran responsabilidad, por lo tanto no puedo evitar estar nervioso”, respondió. Mientras que su madre, la actriz italiana Lucia Bosè, destacó la profesionalidad de Miguel. “Mi hijo se lo toma muy en serio; si no, no lo haría”, mencionó. Linda fue una de las versiones que contenía el disco, la adaptación al castellano de fue hecha por el español Luis Gómez Escolar y fue grabada también en portugués y en inglés. La versión original fue interpretada por Pooh, una de las bandas de mayor éxito en aquella época en Italia, allí Linda es vista como símbolo de pureza y es llamada “acqua di sorgente, calda ed innocente” (agua de manantial, caliente e inocente), por supuesto, están las líneas más explícitas respecto al tema de la “primera vez”: “Linda, prima che ti tocchi, prima che succeda tutto, ascolta” (Linda, antes que te toque, antes que suceda todo, escucha). O esta otra: “Linda ho un dubbio in mente io, chi è che non ne ha, però fa che non possa io rubarti la tua prima volta pensando a un’altra” (Linda, tengo una duda en la mente, y quién no la tiene, pero haz que no pueda robar tu primera vez pensando en otra). La buena acogida que tuvo Linda hizo que los Pooh grabaran también una versión en español (no tan exitosa como la de Bosé), pero en esta versión, aquella explícita mención a la “primera vez” de Linda fue eliminada. 

Sin duda la canción la hemos cantado tantas veces que ya ni reparamos en su argumento: la historia de un hombre que no desea desvirgar a una chica porque sigue queriendo a otra. Mientras algunos la consideran una letra bizarra, otros la elogian moralmente. “Reivindica la juventud y sus valores”, dice un blog que se ha tomado el tiempo de analizar las canciones de Bosé.


sábado, 15 de febrero de 2025

1507- Peter Gabriel - Solsbury Hill


1507 - Peter Gabriel - Solsbury Hill

Peter Gabriel, conocido por su capacidad para contar historias a través de su música, nos regaló en 1977 una de sus piezas más personales y emotivas: "Solsbury Hill". Este tema, lanzado como su primer sencillo en solitario tras su salida de Genesis, no solo marcó el inicio de una carrera independiente llena de éxitos, sino que también se convirtió en un himno de liberación y autodescubrimiento. Escrita por el propio Peter Gabriel, la canción es una reflexión íntima sobre el cambio, la libertad y la búsqueda de uno mismo.

Desde el primer acorde, "Solsbury Hill" captura la atención con su estructura poco convencional y su ritmo envolvente. La guitarra acústica, tocada en un compás de 7/4, crea una sensación de movimiento constante, como si llevara al oyente en un viaje personal. La instrumentación, que combina elementos acústicos y eléctricos, es a la vez sencilla y sofisticada, permitiendo que la voz de Peter Gabriel, llena de emotividad, sea el centro de atención. Su interpretación vocal es sincera y cargada de matices, transmitiendo una mezcla de nostalgia, esperanza y determinación.

La letra de la canción es profundamente autobiográfica. Peter Gabriel escribió "Solsbury Hill" tras tomar la decisión de dejar Genesis, una banda en la que había sido el vocalista principal durante años. Aunque no menciona explícitamente este hecho, las metáforas y las imágenes que utiliza reflejan su proceso de liberación y su búsqueda de una nueva identidad. Frases como "My heart going boom, boom, boom" y "I was feeling part of the scenery, I walked right out of the machinery" evocan la emoción y el alivio de dejar atrás algo familiar para abrazar lo desconocido. El título de la canción hace referencia a un lugar real cerca de Bath, Inglaterra, que Peter Gabriel visitaba para reflexionar, añadiendo un toque de autenticidad a su narrativa.

Musicalmente, "Solsbury Hill" es una obra maestra que combina elementos del folk, el rock progresivo y la música experimental. La producción, manejada por el propio Peter Gabriel junto con Bob Ezrin, es limpia y detallada, permitiendo que cada instrumento tenga su momento para brillar. Los arreglos de vientos y la percusión sutil añaden capas de textura a la canción, creando una atmósfera que es a la vez íntima y expansiva.

A lo largo de los años, "Solsbury Hill" ha sido interpretada como un himno de transformación personal. Su mensaje de dejar atrás lo seguro para perseguir lo desconocido resuena con cualquiera que haya enfrentado una encrucijada en su vida. La canción no solo marcó un nuevo comienzo para Peter Gabriel como artista en solitario, sino que también se convirtió en un recordatorio poderoso de la importancia de seguir el propio camino, incluso cuando eso implica tomar decisiones difíciles.

"Solsbury Hill" es mucho más que una canción; es una experiencia emocional que invita a la reflexión y al crecimiento. Peter Gabriel logró capturar en esta pieza un momento crucial de su vida, transformándolo en un mensaje universal que sigue inspirando a quienes la escuchan. Su legado perdura no solo por su calidad musical, sino por su capacidad para conectar con las emociones más profundas del ser humano.

Daniel 
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viernes, 14 de febrero de 2025

Disco de la semana 417: Doolittle - Pixies


Con el ascenso de REM al público general, Doolittle de Pixies se convirtió silenciosamente en el álbum de indie-rock seminal de finales de los 80. Es un disco que resulta casi perfecto, uno que vive en su propio mundo completamente realizado, el único mundo donde realmente tiene sentido, y al que no le importa en absoluto ayudar a generar una generación entera condenada de rockeros alternativos enormemente exitosos y (en su mayoría) inferiores. Es una bestia rencorosa, deliberadamente críptica, y no dudará en convertir la rabia en lágrimas si quiere. Sí, los Pixies son dioses del rock alternativo y este es el álbum que pretendía ponerles en la cima del gusto del publico, he aquí una comparación absurda, y seguro que Nevermind se me lanzara al cuello y me retirara la palabra en los primeros 10 minutos en nuestra siguiente quedada para cenar: este álbum me recuerda al álbum Purple Rain de Prince. ¿Cómo?, os preguntaréis. Bueno, Purple Rain fue el álbum que Prince hizo específicamente para convertirse en una gran estrella del pop, y eso es exactamente lo que pasó, y aunque Doolittle no replicó el éxito del alter ego de Prince, estoy seguro de que el objetivo era el mismo... los Pixies, con este álbum, querían hacerse grandes. Y funcionó, hasta cierto punto, eso no quiere decir que Surfer Rosa no hiciera nada por ellos, todo lo contrario, encuentro a Surfer Rosa más innovador y, lo que es más importante, más definidor de estilo y aunque este álbum es indudablemente un álbum de Pixies que desafía la convencionalidad con los estados de ánimo extraños y las viñetas inquietantes que crea a través de riffs, rasgueos violentos y ritmos nada comunes, pero también a través de las letras, que en este álbum hacen referencia famosamente a cortar globos oculares de Un perro Andaluz, la obra maestra del cine experimental de colaboración Dali / Buñuel. Sin embargo, esa misma convencionalidad es con la que Pixies elige coquetear, y al hacerlo, Frank Black cede a la estructura de la canción pop, haciendo que las canciones sean aún más accesibles para un público más amplio. Quiero decir, una canción como Here Comes Your Man para mí es pop puro. Monkey Gone to Heaven es igualmente amigable con las listas de éxitos, y aunque es una gran canción, todavía espero que esa no sea la razón por la que es la única canción de Pixies en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos de la revista Rolling Stone (porque eso sería una locura).


El álbum comienza muy bien, Debaser es una gran canción, nunca pomposa, pero una de esas canciones de rock que suenan genial en cualquier fiesta, sin pasar por alto que las letras son extrañas, sin sentido, y la melodía, es increíblemente pegadiza e incluso estimulante, luego Frank Black empieza al borde de su notoriamente alta (y tensa) voz mientras divaga, o mejor aún, despotrica con desquiciado júbilo, sobre conseguirse "una película" y cortarse los ojos antes de cambiar de idioma... Cualquier oyente primerizo debería ser perdonado por pensar que el disco comienza con un lunático hablando en lenguas, pero hablando en serio es una melodía sublime y uno de los instrumentales de punk rock con más cuerpo que he escuchado personalmente, y las voces espasmódicas se convierten en una parte importante del encanto temerario de la pista. Tame no debería estar tan cerca de Debaser, ya que las dos canciones suenan demasiado similares, aunque me gusta la diabólica secuencia final con los "uh-huh" armonizados antes del último estribillo explosivo. Wave of Mutilation es igual de buena, una brisa fresca que me rozó el alma mientras observaba los daños en mi dormitorio ahora destruido, otro himno de abandono, que resume el vigor despreocupado del álbum conduciendo un automóvil hacia el océano.

I Bleed es un ejemplo perfecto de la técnica de escritura automática de Frank Black. Vampiros, miedo a la muerte, sangrado, acantilados de Arizona... ¿Quién sabe el verdadero significado de “I Bleed”, pero realmente importa? Una cosa en la que todos podemos estar de acuerdo es en la descripción que hace Polly Jean Harvey de su canción favorita de Pixies. “Creo que I Bleed es una canción hermosamente estructurada, muy poderosa, inquietante, aterradora y conmovedora”. Mientras que Debaser es un rock divertido, Here Comes Your Man es básicamente una reescritura de "Oh, Pretty Woman" de Roy Orbison con su riff de guitarra igualmente pegadizo y su palpable sensación de pavor con brillantes cambios de acordes y un ritmo propulsor, la única diferencia fundamental, y marca de la originalidad de los Pixies, viene con las letras que convierten una súplica directa de compañía en algo abstruso e impenetrable, inquietantemente indescifrable, como todo en el debut de REM de 1983, Murmur. La calidad de megáfono de las voces que se escuchan en Dead es solo una parte de una dinámica ferozmente estilizada que es tan única que te preguntarás cómo este tipo de arreglo pudo haber existido en el papel, o en cualquier otro lugar que no fuera la cabeza de Frank Black. La narrativa de Monkey Gone to Heaven avanza con el mismo tipo de efectividad y simplicidad que tendría una canción infantil que cuenta cuentos, pero aún así se las arregla para seguir siendo descaradamente genial, tiene un gancho muy bueno y las guitarras realmente funcionan bien aquí y se combinan bien con el bajo. Jugando despreocupadamente con un ritmo de ska, Mr. Grieves comienza con Black sonando como un supervillano trastornado y extravagante antes de que la canción se convierta en una serie de la-la-la-la y rápidamente se abra paso hacia otro excelente clímax.

Crackity Jones quizás no llegó en un buen momento para mí, acabo de escuchar el álbum de The Replacements Let It Be, y hay una canción en él llamada Tommy Gets His Tonsils Out... es una canción corta que en realidad suena como Crackity Jones, solo que mucho mejor. No.13 Baby es otra canción que realmente me encanta, de hecho, es tan atractiva, junto con otras pistas del álbum, que me hace pensar que la cantidad de canciones que podrían haber sido lanzadas por separado como singles es increíble para una banda revolucionaria como Pixies. Este es el mismo atractivo, supongo, que ellos también satirizaron en una canción como La La Love, donde parecen burlarse de sí mismos, con la letra cursi y el diseño demasiado convencional de la canción. Hay una carga dispersa y diferente en todas las canciones. There Goes my Gun líricamente es otro precursor de Kurt Cobain (Cobain mezclando el humor con un poco más de odio a sí mismo, pero manteniendo el humor de todos modos). Hey es una de las canciones más aclamadas del disco, cubre un terreno lírico típico (para Black Francis, al menos) de lo sagrado y lo profano, pero musicalmente, es una de esas otras canciones de los Pixies, es lo más cercano al funky que vas a encontrar de los Pixies, con un ritmo nervioso que rebota en la línea de bajo de Kim Deal mientras la guitarra de Joey Santiago corre y luego se eleva sobre la superficie de la música como un cisne que emprende el vuelo. La canción coquetea con imágenes religiosas (“And Mary, ain't you tired of this?”), alegremente combinadas con blasfemias ( la palabra favorita de Francis , “whore”, aparece cuatro veces) y gruñidos guturales emitidos con más que un poco de libertinaje. Combinados en la penúltima línea, “Uh!' is the sound that the mother makes when the baby breaks”, simplemente se siente… pecaminoso, de alguna manera, aunque técnicamente no se dice nada blasfemo. Silver tiene una sensación atemporal, e incluso es bastante cinematográfica, recuerda atmósferas de westerns o epopeyas de aventuras. Finaliza con Gouge Away, donde su ritmo persistente se profundiza gradualmente a medida que las guitarras eléctricas zumban en la distancia, ocasionalmente chillando con arrebatos disidentes. Un claro punto de referencia para Nevermind de Nirvana , los momentos de escasez en la canción están impulsados ​​por la guitarra y el bajo, empapados en delay slap-back y reverb gated. Combinado con el estilo vocal impredecible de Francis, que aumenta de intensidad de manera constante, este arreglo atrae al oyente con su sonido íntimo y algo claustrofóbico.

Doolittle es el álbum de punk rock más versátil que se haya hecho jamás, Pixies demostraron cómo seguir una obra maestra de punk que derrite el cerebro, el corazón y los nervios; la respuesta, grabar otra. La banda estaba obviamente en su apogeo y estaban en el lugar y el momento perfectos para desbordarse. Claro, apesta que inicialmente no fuera aclamado como un clásico y no catapultara a la banda al estrellato, y el grupo tenía muchas otras canciones y álbumes geniales, pero sin Doolttle. La banda probablemente nunca se acerque al estatus de icono punk que finalmente obtuvo, pero disfrutemos del disco punk más duradero, versátil y, por no mencionar, épicamente divertido que he escuchado. Finalizo hablando de la portada que es del fotógrafo de la banda Larbalestier, quien finalmente tuvo acceso a las letras de la banda y, por lo tanto, pudo hacer una portada del álbum que tenía mucho que ver con el contenido del álbum. Sin embargo, encuentro que el tema es demasiado restrictivo para el álbum, esto no significa que el estilo y la elección de colores sean malos de ninguna manera, en realidad es una portada de álbum bastante interesante que tiene un tema crudo y oxidado que puedes identificar con el estilo musical de la banda.

1506.- Marquee Moon - Television

 

Marquee Moon (1977) fue el primer álbum de estudio de los neoyorkinos Television, que en lo que podría denominarse como el año clave del punk, optaron por un sonido experimental y vanguardista, más cercano al art rock que en la época practicaban The Velvet Underground o David Bowie, y que se sustentaba en las efectivas e imaginativas guitarras de Richard Lloyd y Tom Verlaine (responsable además de la voz principal), y en el destacable trabajo de Fred Smith (bajo) y Billy Ficca (batería).

El tema que da título al disco es una suite rock de diez minutos con ritmos y estructuras que beben del jazz experimental y la improvisación, en largos tramos de guitarra en los que la habilidad de Verlaine y Lloyd queda en un nítido primer plano, mientras la base rítmica trazada por Smith y Ficca lleva en volandas al oyente a través de las diferentes partes de una bohemia y decadente obra de arte.

Con Marquee Moon (disco y canción), los chicos de Television convirtieron de la noche a la mañana en la banda del momento de la escena "underground" de Nueva York, y en particular del CBGB, el club más emblemático de aquel movimiento, haciendo incluso sombra a grupos protopunk de la talla de The Ramones o The Stoogescuando en realidad estaban plantando la semilla del post punk con un disco que no solo fue experimental y pionero en su momento, sino que influenció después a muchas bandas posteriores como los también neoyorquinos Sonic Youth o The Strokes.

jueves, 13 de febrero de 2025

And Justice for all - Metallica - #MesMetallica


No soy especialmente fan de Metallica, así que esta no va a ser la típica reseña de admirador entregado, pero tampoco soy un "hater", así que puede que me quede una reseña de lo más equilibrada y objetiva, que haga "Justicia para todos", tanto para los admiradores más acérrimos como para los que llevan camisetas de Metallica a los festivales pero solo han escuchado el "Enter Sadman" o el "Nothing Else Matters", canciones que no forman parte de "...And Justice for All" (1988), el cuarto álbum de estudio de Metallica.

Antes de empezar con lo que importa, las canciones, contaré aunque no sea relevante que he intentado en repetidas ocasiones, sin gran éxito, cogerle el punto a Metallica. La ocasión en la que más cerca estuve de entrar en el círculo de sus miles de seguidores fue en una época en la que quedaba con un compañero todas las mañanas para acercarle al trabajo. Yo tenía un viejo Volkswagen Polo de segunda mano, equipado con un "radio cassette", y mi compañero trajo durante una semana varios cassettes de Metallica para amenizar el trayecto. Esa fue la mayor dosis de "trash metal" que me he metido por vena en la vida, y reconozco que el grupo tiene canciones con grandes desarrollos instrumentales y solos de guitarra que me llamaron poderosamente la atención, y lo que me frenaba y hoy en día me sigue frenando es la voz y la manera de cantar de James Hetfield, demasiado ruda y plana, sin cambios de intensidad o de registro en comparación con un Axl Rose o un Bruce Dickinson, que me llegan más fácilmente.

Voz aparte, y siendo justo y gran amante de los discos completos, me quedé con la copla de que los más relevantes eran, a mi juicio, "Master of Puppets", el disco negro en el que venían las obligatorias y ya mencionadas "Enter Sadman" y "Nothing Else Matters", y el "...And Justice for all" protagonista de esta reseña. Porque a un disco de letras oscuras, que toca temas como la guerra, la censura, la amenaza nuclear y las injusticias judiciales y de abuso de poder de la clase política, bien se le puede perdonar que Hetfield cante los mensajes como si se hubiera tomado demasiadas jarras de hidromiel y tuviera que conducir a gritos un rebaño de cabras hasta el redil por una escarpada montaña.

Esa es la sensación que me produce escucharle en "Blackened", un tema explosivo y tormentoso que impresiona por su grandioso riff de introducción y su temática apocalíptica, con el que firman un gran comienzo de disco. Es un buen aperitivo para degustar a continuación "...And Justice for All", la canción que da título al álbum, una pieza mayor de su discografía y una crítica mordaz a la corrupción y la injusticia del sistema judicial. Tema de gran complejidad sonora y de grandes cambios de ritmo, y plagado de los grandes desarrollos instrumentales que tanto le alabo a la banda.

Eye of the Beholder explora el tema de la censura y la falta de libertad de expresión, con un ritmo metalero y un estribillo pegadizo. Mantiene la intensidad de los temas del comienzo, pero no brilla con la misma incandescencia. No le ayuda estar en medio de los dos mejores temas del álbum, la ya mencionada "...And Justice for All" y la excelsa "One", probablemente la canción más famosa y relevante del disco, una poderosa balada sobre un soldado herido en una guerra. El desarrollo de la canción es impactante, progresando paso a paso desde una introducción suave hasta un clímax explosivo y memorable.

The Shortest Straw centra su temática en la discriminación social. En la línea de la mayor parte del disco, tiene un rápido y guitarras pesadas, pero es uno de los temas en los que más me cuesta escuchar esa voz ruda y nada melódica. Cuestión de gustos, debo remarcar, para de nuevo no ser injusto con este estilo de cantar, y hay que decir además que el solo de guitarra es intenso y acelerado, y como banda son una auténtica locura.

Harvester of Sorrow tiene un ritmo más lento, y una temática más cercana a la locura y la tendencia a la autodestrucción. La guitarra oscura del comienzo y los riffs pesados le dan empaque y la convierten en uno de los temas más sombríos y acertados del álbum. De parecida temática es The Frayed Ends of Sanity, una inquietante reflexión sobre la lucha contra la locura, con un otro de esos complejos desarrollos musicales con los que, cuando Heffield calla, tanto disfruto. Y seguramente pensaréis que, por lo dicho anteriormente y por ser un instrumental, To Live Is to Die es mi canción favorita del disco. No llega a tanto, porque temazos como ...And Justice for All" y, especialmente, "One" estarían por delante, pero se agradece en la escucha esta pista de inicio de toque clásico y de intenso y sentido homenaje musical a Cliff Burton, el fallecido bajista de la banda, que alterna de manera brillante secciones más melódicas con tramos más pesados.

Con Dyers Eve el álbum llega a su fin, y el último de los muchos argumentos en su defensa bien podría ser que la escucha se me ha hecho bastante más agradable de lo que pensaba que sería cuando me cayó en suerte esta reseña. Buen tema de cierre, en un tono furioso y rápido, y una letra sobre la frustración y la rabia generacional que un hijo siente hacia sus padres.

Como miembro de un imaginario jurado, estaría de acuerdo con un veredicto que ensalzara a este disco como una obra grande, de las mejores de Metallica, y como me ocurrió con Master of Puppets o el disco negro, que llegué a tener en cd y a los que intenté engancharme sin éxito, habría matado por una edición especial de coleccionista en versión rigurosamente instrumental. Si alguien sabe de algún material en este sentido, que me lo cuente en los comentarios, y correré presto a hacerme con una copia. En el fondo es lo que todos buscamos, nuestra propia versión adaptada de la justicia, para que la justicia pueda ser realmente para todos los gustos.

1505.- New Rose - The Damned

En 1976, Gran Bretaña era un páramo cultural con grupos como Genesis y los restos del glam rock. Mick Jones y Tony James (que luego tocarían en The Clash y Generation X respectivamente) estaban empezando una banda llamada London SS. Estábamos todos en un sótano lúgubre haciendo una audición para un baterista llamado Chris Millar, que tenía sarna en ese momento, cuando una rata corrió por el suelo. Así que Chris se convirtió en Rat Scabies. A Mick y Tony les gustó la forma de tocar de Rat, pero dijeron que no se veía bien porque tenía un abrigo gastado y el pelo despeinado. Entonces Rat y yo nos fuimos a formar una banda con otro chico, Ray Burns, a quien Rat conocía porque limpiaba los baños en Fairfield Halls en Croydon. Ray tenía el pelo largo y le gustaba John McLaughlin, un guitarrista de jazz fusión, así que le puse canciones de los Stooges y los Ramones, y se convirtió en nuestro infame guitarrista alocado Captain Sensible. Rat sugirió un cantante llamado Dave Vanian, al que le gustaban las cosas de vampiros. Nuestro nombre surgió de dos películas de los años 60: The Damned , de Luchino Visconti, sobre los nazis, y la película de terror The Village of the Damned. 

El 22 de octubre de 1976, The Damned lanzó su primer single de 7", New Rose. El lado B era una versión de Help! de The Beatles, al público le encanto lo extraños que eran y cómo su sonido no se parecía a nada que hubiera escuchado antes. También jugo a su favor el guiño a Leader of the Pack de The Shangri-Las en la introducción, seguido por el grito de batalla de la batería que se une con un aullido colectivo. Esta icónica introducción de New Rose es una de las mejores que se han escuchado y cada vez que la escuchas, no puedes evitar unirte a ella. Es una canción muy importante para el punk, fue una banda muy importante y encarnaron las frustraciones a su manera y las desataron muy bien en su primer disco que para mí es uno de los mejores discos de punk que se han hecho. Tiene un sonido crudo que fluye a través de él que no se encuentra en muchos de los discos de punk que salieron en esa época. The Damned lo llevaron más allá, lo hicieron espeluznante, siniestro pero accesible, nada en ellos era vulgar ni desagradable (de ninguna manera estoy diciendo que alguna de las otras bandas lo fuera), pero aún podían sorprender a los padres de alguien si no eran del tipo liberal. The Damned fueron y son inadaptados brillantes que te dieron un sonido al que pertenecer. Lo que encontré en su disco debut es algo que no había encontrado en ningún otro lugar antes y New Rose inició todo eso.  Sea lo que sea que The Damned pretendiera hacer con New Rose, estoy bastante seguro de que lo han hecho. Influyeron en una gran cantidad de bandas y todavía lo hacen. Un mes después del lanzamiento de New Rose, los Sex Pistols lanzaron Anarchy In The UK, ambas bandas han jugado un papel vital no solo por lo que hicieron por el punk sino por la música en general, ambas bandas fueron creadas para sonar fuerte y, 50 años después, estamos encontrando formas y razones para tocarlas más fuerte que antes.


miércoles, 12 de febrero de 2025

1504.- Songs From the Wood - Jethro Tull

 

Song From the Wood, Jethro Tull


     El lanzamiento del álbum Songs from the Wood en 1977 supuso el regreso a la forma y al estilo después de los ambiciosos proyectos y, para algunos oídos, menos exitosos, anteriores a este. El grupo cambió el sello discográfico de Chrysalis por el recién formado por Ian Anderson/Terry Ellis, llamado SST y relacionado con EMI, y formó equipo con el veterano productor Robin Black, el cual se hizo cargo de toda la ingeniería de sonido. El grupo aparecía con una formación renovada y revitalizada, ahora compuesta por el bajista John Glascock, el guitarrista Martin Barre que regresaba, y el polifacético compositor y provocador Ian Anderson además de del tecladista John Evan y el percusionista Barriemore Barlow. También sería incluído en este álbum Dee Palmer como miembro oficial de la banda después de ocho años de servir como arreglista orquestal de la banda. Palmer se había unido como segundo teclista a principios de 1976. El grupo se reforzó en otrs aspectos y contrató al diseñador de iluminación Bruce MacPherson para encargarse del diseño y la ejecución de los aspectos visuales de los próximos conciertos, con el objetivo de un espectáculo de luces integrado que fuera manejado y controlado. 

Songs from the Wood fue el  décimo álbum de estudio dela banda, grabdo ente septiembre y noviembre de 1976 en los Morgan Studios de Londres, bajo la producción de Ian Anderson, y publicado el 11 de febrero de 1977. El disco está considerado como una vuela a las raíces y el primero de tres álbumes de folk rock lanzados por la banda a finales de la década de 1970, seguidos de Heavy Horses (1978) y Stormwatch (1979). Inspirándose en el folclore inglés y la vida en el campo, el álbum marcó una reanudación del amplio estilo folk rock de la banda, que combinaba instrumentos y melodías tradicionales con tambores de hard rock , sintetizadores y guitarras eléctricas, todo ello dentro del complejo estilo de rock progresivo de la banda. 

Incluído en el álbum se encuentra el tema que da nombre al ábum, Songs From the Wood, escrita por el líder del grupo Ian Anderson. Fue inspirada en la tradición folclórica inglesa, y su creador, Ian Anderson consideraba esta como una de sus mejores canciones de Jethro Tull. La canción recibió bonanzas de la crítica especializada y fue lanzada como sencillo en Nueva Zelanda en 1977. La canción, más concretamente, se inspiró en un libro de cuentos populares ingleses que le habían regalado a Ian Anderson. Él explicó: "Escribí 'Songs From the Wood' basándome en elementos del folclore y cuentos fantásticos y tradiciones del entorno rural británico. Nuestra encargada de relaciones públicas, Jo Lustig, me había regalado un libro sobre el folclore inglés como regalo de Navidad, y lo hojeé y encontré un montón de ideas, personajes, historias y cosas interesantes que decidí convertir en una serie de canciones". La canción comienza con voces a capela antes de que aparezcan la flauta y las guitarras acústicas. Después, entra el resto de la banda. Cuando le preguntaron sobre la canción unos año más tarde, concretamente en 2015, Anderson dijo: "Esta, la canción principal de nuestro álbum de 1977, era descaradamente cursi. Es folk rock decorativo. Ensalza abiertamente las virtudes del campo y los valores que quieres transmitir a través de esto a otras personas. Supongo que es country rock, pero en el sentido británico. Todo está entregado con una buena cantidad de música fuerte. Hay grandes riffs de guitarra y mucha flauta también. Y se enoja un poco, pero con un propósito"Clasificó la canción como una de sus 10 mejores canciones de Jethro Tull.

martes, 11 de febrero de 2025

1503.- Go Your Own Way - Fleetwood Mac

 

Go Your Own Way, Fleetwood Mac


     Aunque han tenido varias formaciones a lo largo de los años, la versión de Fleetwood Mac que alcanzó lo que entonces era su nivel más alto de fama también estuvo plagada de los desafíos internos más estimulados por las relaciones personales. Esa formación estaba compuesta por los miembros "clásicos": Stevie Nicks, Christine McVie, Lindsey Buckingham, Mick Fleetwood y John McVie. Los músicos de la banda durante esta fase jugaron con sus relaciones personales entre sí: salieron, se casaron, se pelearon, se divorciaron y tocaron juntos de la misma manera. Plasmaron brillantemente todas estas vivencias personales en Rumours, publicado en 1977.

Incluido en este álbum se encuentra Go Your Own Way, compuesta por el guitarrista, cantante y compositor Lindsey Buckingham, una de esas miradas a sus experiencias.  Buckingham escribió la canción sobre su entonces novia Stevie Nicks y su complicada separación. La canción fue lanzada como su primer sencillo del álbum en diciembre de 1977 a través de la discográfica Warner Bros. RecordsObtuvo el puesto 10 en la lista Billboard Hot 100 de los Estados Unidos, mientras que en el Reino Unido alcanzó la posición 38 en la lista UK Singles Chart

Mentras se grababa Rumours, el matrimonio de John y Christine McVie, ambos miembros de la banda, estaba llegando a su fín al igual que la relación entre Buckinham y Nicks. Con dos parejas que seestaban separando durante las sesiones, la grabación del álbum podía intuirse bastante tensa, pero gracias en gran parte a los productores Richard Dashut y Ken Caillat, consiguieron que el grupo canalizara todo los sentimientos y resentimientos y los canalizaran a través de las canciones. En ese contexto escribió Buckingham Go Your Own Way y describía su ruptura, con frases como "Empacar y vivir juntos es todo lo que quieres hacer". y concluía: "él está mejor sin ella - ella puede seguir su propio camino en lo que a él respecta". Stevie Nicks siempre insistió en que ella nunca había mantenido una relación con nadie más mientras salían y quería que Lindsey Buckingham quitara la frase, pero él se negó. Sobre la canción, en el año 2009 Nicks afrimó a la revisyta Q: "Ciertamente era un mensaje dentro de una canción, y no muy agradable, por cierto".

lunes, 10 de febrero de 2025

1502.- Lost in France - Bonnie Tyler

"Lost in France" es uno de los grandes éxitos de la cantante galesa Bonnie Tyler, para muchos la canción refleja la esencia de la transición musical de los años 70, fusionando el pop con toques de rock, y marcando el inicio de la carrera internacional de Tyler. La canción fue compuesta por Roger Ferris y David Mackay, se convirtió en un emblema de la música pop y rock de la época, y puso a Bonnie Tyler como una de las artistas más prometedoras de la escena musical británica, marcando un punto de inflexión para Bonnie Tyler en su carrera, "Lost in France" la catapultó al ámbito internacional. Su éxito fue particularmente notable en Europa, donde la canción alcanzó posiciones destacadas en las listas de popularidad.

La canción es un relato de una mujer que se encuentra atrapada en una situación de confusión tanto emocional como donde esta, ya que se siente completamente perdida en un lugar extranjero, en este caso, Francia. El tema trata de la búsqueda del amor y la sensación de desconcierto al estar lejos de casa, en un entorno desconocido, a través de sus letras, Tyler transmite una sensación de vulnerabilidad, pero también de fortaleza, en medio de la confusión y el desamparo. Desde el inicio, la energía hace acto de presencia y se hace con la canción, la voz potente de Bonnie Tyler destaca, sin duda es una de las características más destacada, Tyler es conocida por su timbre rasposo y emotivo, y en esta canción, esa cualidad vocal se convierte en una de las fuerzas principales que dan vida al tema. La interpretación vocal de Tyler es apasionada y desbordante de sentimiento, la intensidad de su voz subraya la sensación de desesperación y anhelo que recorre la letra de la canción, donde la protagonista está atrapada en la encrucijada de sentirse sola y perdida, pero también con la esperanza de encontrar algo o alguien que la ayude a encontrar su camino. La música tambien juega un papel crucial en la atmósfera de la canción, la base combina el sonido de guitarras eléctricas, batería y teclados, creando un contraste entre la suavidad de las melodías y la potencia de los riffs de guitarra. Es una mezcla de pop y rock suave, que con el paso de los años se consolidaría como un estilo característico de la cantante. Otra de las particularidades es que la introducción es tranquila y atmosférica, mientras que el estribillo se convierte en un estallido emocional, que se repite para acentuar el sentimiento de pérdida y desesperación. 

Aunque a lo largo de los años Bonnie Tyler ha evolucionado como artista, "Lost in France" permanece como una de sus canciones más queridas, una muestra de la honestidad y el poder de su música. La capacidad de esta canción para conectar con el oyente, tanto a nivel emocional como sonoro, es lo que la mantiene relevante incluso después de tantos años desde su lanzamiento.


Una recomendación rockera y sabrosa



Hoy os traemos una recomendación muy curiosa, un libro sobre música con un enfoque bastante peculiar y sorprendente. “Las Recetas de Loretta Clark” (Comida en clave pop rock) recopila cuarenta recetas inspiradas en platos y alimentos que han dado título a canciones y discos del rock, el pop y el cancionero popular tanto nacional como internacional.

Las recetas de Loretta Clark: Cocina en clave pop rock (Spanish Edition): Clark, Loretta: 9798860672604: Amazon.com: Books

En la introducción, Loretta Clark cuenta cómo surgió la idea para escribir este peculiar libro. Aficionada por igual a la música y a la cocina, casi nunca hacía una sin escuchar la otra, y una noche, mientras preparaba la cena antes de sentarse a comer frente al televisor, empezó a sonar en la radio la canción TV Dinners” (“Cenas de televisión”) de ZZ Top, en lo que para ella fue “una mágica y casual conexión entre la comida y la música, que hizo que prendiera en mí la idea de escribir un libro que combinara ambas pasiones”.

Días después de aquella coincidencia, y mientras leía Vida, la autobiografía de Keith Richards, encontró en las palabras del genial guitarrista el impulso definitivo para poner en marcha su idea y, según sus propias palabras “recoger el guante que, días antes, me habían lanzado los ZZ Top”. Hacia el final del libro, cuando ya no tenía mucho más que contar, Richards se desmarcaba de las autobiografías al uso con una inesperada receta sobre cómo le gustaba preparar las salchichas. Al leer la receta, Loretta tuvo claro que su misión en la “Vida” no era otra que “encontrar la mayor cantidad posible de referencias a platos y comidas en el mundo de la música”, para después buscar las recetas y recopilarlas en un libro.

Así nació “Las recetas de Loretta Clark”, un trabajo de búsqueda y recopilación que no se queda en la mera mención y descripción de las canciones, sino que incluye las recetas completas de los platos, con todos sus ingredientes e instrucciones para prepararlos de una manera clara y sencilla. Y para los que penséis que la cosa va solo del “Cocidito madrileño” de Manolo Escobar o el Arroz con bacalao de Lolita, os sorprenderá que las recetas incluyan “recomendaciones” de intérpretes y grupos internacionales como Prince, De La Soul, Weezer, Guns and Roses, B’52, Led Zeppelin, The Beatles o The Supremes, y de artistas patrios como Joaquín Sabina o Siniestro Total, en un apetecible menú de música y cocina al que te recomendamos que le hinques el diente en formato kindle o tapa blanda, en Amazon.es:

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domingo, 9 de febrero de 2025

Metallica - Master of Puppets (Mes Metallica)

 

Master of Puppets, Metallica



     El álbum Master of Puppets de la banda estadounidense Metallica está considerado como uno de los mejores espectáculos de heavy metal de toda la historia. Este álbum demuestra un equilibrio perfecto entre un tempo alto y toques de guitarra moderados con potentes y perturbardores ritmos. Estamos ante una de las bandas de heavy metal de mayor éxito comercial en el mundo. Se estima que ha vendido 120 millones de copias de álbumes, además de haber obtenido varios premios Grammy.

Master of Puppets es su tercer álbum de estudio. Fue grabado entre el 1 de septiembre y el 27 de diciembre de 1985, en los Sweet Silence Studios de Copenhague, Dinamarca, bajo la producción de Flemming Rasmussen y del propio grupo, y publicado el 2 de marzo de 1986 por el sello discográfico Elektra Records. Este fue el útlimo aparecería el bajista Cliff Burton, pues fallecería, mientras se encontraba de gira de apoyo del disco, el 27 de septiembre de 1986 después de que el autobús de gira de la banda se viera involucrado en un accidente en la localidad de Dörarp, Suecia. 



Master of Puppets
 alcanzó el puesto número 29 en el Billboard 200 y recibió elogios generalizados de los críticos, que elogiaron su música y sus letras comprometidas politicamente. Está considerado como uno de los mejores y más influyentes álbumes de metal de todos los tiempos, y se le considera fundamental para la consolidación de la escena del thrash metal estadounidense . En el año 2003 Fue certificado seis veces platino por la Recording Industry Association of America (RIAA) por vender seis millones de copias en los Estados Unidos, y más tarde fue certificado seis veces platino por Music Canada y platino por la British Phonographic Industry (BPI). En 2015, Master of Puppets se convirtió en la primera grabación de metal en ser seleccionada por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos para su preservación en el Registro Nacional de Grabaciones por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa". 

En el proceso de creación del álbum, La banda no estaba satisfecha con la acústica de los estudios estadounidenses que estaban sondeando para grabar, y decidieron hacerlo en la Dinamarca natal de Ulrich. Ulrich se puso en contacto con el bajista y vocalista de RushGeddy Lee, para producir el álbum, pero la colaboración nunca se materializó debido a la problematica de poder cuadrar las agendas.  Metallica al final se decantó para grabar el álbum por el productor Flemming RasmussenLa escritura de todas las canciones excepto Orion y The Thing That Should Not Be fue completada antes de la llegada de la banda a los estudios de Copenhague. El productor Rasmussen comentó que la banda había traído las demos de las canciones bien preparadas y solo se tuvieron que hacer ligeros cambios a las composiciones en el estudio. La evolución y sentido de mejorar de la banda quedó patente en este disco, que tardó bastante más tiempo que su disco anterior en grabarse, pues habían desarrollado un gran sentido de perfeccionismo. Sus ambiciones musicales habían crecido, y buen ejemplo de ello fue que Ulrich tomara lecciones de batería y Hammett se pusiera a trabajar con Joe Satriani para aprender a grabar de manera más eficiente.

El grupo quiso evitar la producción pulida y los sintetizadores de los álbumes contemporáneos de hard rock y glam metal, y sus componentes, que tenían reputación de bebedores, decidieron mantenerse sobrios los días de grabación. Hammett recordaba al respecto: "simplemente estaba haciendo otro álbum en ese momento y no tenía idea de que el disco tendría una gama de influencias tan amplia como la que tuvo". También dijo que el grupo estaba "definitivamente en su apogeo" en ese momento y que el álbum tenía "el sonido de una banda que realmente se estaba consolidando, que realmente estaba aprendiendo a trabajar bien en conjunto". 



El diseño de la portada fue obra de Metallica y del mánager musical estadounidense 
Peter Mensch,  y pintado por Don Brautigam. Dicha portada muestra un cementerio con cruces blancas atadas a cuerdas, manipuladas por un par de manos en un cielo nublado y rojo sangre, con un resplandor naranja intenso en el horizonte. En lugar de lanzar un sencillo o un video antes del lanzamiento del álbum, el grupo se embarcó en una gira estadounidense de cinco meses en apoyo de Ozzy Osbourne. La etapa europea se canceló después de la muerte de Burton en septiembre de 1986, y la banda regresó a casa para audicionar a un nuevo bajista. La banda decidió burlarse de las pegatinas de advertencia promocionadas por el PMRC (Centro de Recursos Musicales para Padres), colocando una burlona etiqueta que rezaba: "La única canción que probablemente no querrás reproducir es 'Damage, Inc.'" "debido al uso repetido de la infame palabra "F". Por lo demás, no hay " mierdas", "jode", "mea", "coño", "hijo de puta" ni "chupapollas" en ningún lugar de este disco".

Master of Puppets presenta un enfoque y una interpretación más refinados en comparación con los dos álbumes anteriores, con canciones con múltiples capas y dotadas de una gran destreza técnica. Aunque hay una gran similitud en la secuencia de las pistas con su álbum anterior, Ride the Lightning (ambos abren con una canción de ritmo rápido con una introducción acústica, seguida de una larga canción principal y una cuarta pista con cualidades de balada), la musicalidad en Master of Puppets es más poderosa y épica en alcance, con ritmos ajustados y delicados solos de guitarra, introduciendo un nuevo nivel de pesadez y complejidad en el thrash metal, mostrando canciones atmosféricas y ejecutadas con gran precisión. La voz de Hetfield había madurado desde el grito ronco de los primeros dos álbumes a un estilo más profundo y controlado, pero agresivo.

Las canciones exploran temas como el control y el abuso de poder, y sus letras describen las consecuencias de la alienación, la opresión y los sentimientos de iimpotencia. Comienza el álbum con Battery, que hace referencia a la violencia furiosa. Algunos críticos sostuvieron que el título en realidad se refiere a una batería de artillería, y lo interpretaron como "Hetfield [cantando] una táctica de guerra como el agresor" personificando la destrucción. La canción comienza con guitarras acústicas con un bajo muy pesado que se construyen sobre capas multipistas hasta que se unen a una pared sónica de guitarras eléctricas distorsionadas, para luego romper con riffs rápidos y agresivos . Hetfield improvisó el riff mientras se encontrab de relax en Londres. Master of Puppets es la canción que da título al disco y consta consta de varios riffs con compases irregulares y una sección central bien elegida con un solo melódico. La canción es una clara alusión a las drogas, "el Maestro está moviendo tu hilos, retorciendo tu mente y destrozando tus sueños". Las drogas son el Maestro mientras que el consumidor es el títere. The Thing That Should Not Be está inspirada en el Mito de Cthulhu creado por el famoso escritor de terror HP Lovecraft, con notables referencias directas a La sombra sobre Innsmouth y al propio Cthulhu, que es el tema del estribillo de la canción. Se considera la pista más pesada del álbum, con el riff principal emulando a una bestia arrastrándose hacia el mar. Se perciben las influencias de Black Sabbath en las guitarras, que están afinadas hacia abajo, creando un ambiente lento y melancólico. Cierra la cara B Welcome Home (Sanitarium). La canción se basa en la novela One Flew Over the Cuckoo's Nest de Ken Kesey y transmite los pensamientos de un paciente injustamente enjaulado en una institución mental. La canción está estructurada con guitarras sombrías y limpias alternadas en los versos y riffs pesados ​​y distorsionados en los coros, que se desarrollan en un final agresivo.



Abre la cara B 
Disposable Heroes, una canción contra la guerra sobre un joven soldado cuyo destino está controlado por sus superiores. Con secciones interpretadas a 220 pulsaciones por minuto, es una de las pistas más intensas del disco. El pasaje de guitarra al final de cada verso era la imitación que hacía la guitarra de Hammett del tipo de música que encontraba en las películas de guerra. El riff sincopado de Leper Messiah desafía la hipocresía del teleevangelismo que surgió en la década de 1980. La canción describe cómo las personas se convierten voluntariamente en seguidores religiosos ciegos que hacen sin pensar lo que se les dice. Orion es una pieza instrumental de varias partes donde destaca sobremanera el bajo de Burton. Comienza con una sección de bajo con fundido de entrada, muy procesada para parecerse a una orquesta. Continúa con un riff de medio tiempo, seguido de un riff de bajo a medio tiempo. El tempo se acelera durante la última parte y termina con la música desvaneciéndose. Burton arregló la sección central, que presenta su línea de bajo melancólica y armonías de guitarra de varias partes. Cierra este gran álbum Damage, Inc., que se dedica a despotricar sobre la violencia sin sentido. Comienza con una serie de acordes de bajo invertidos basados ​​en el preludio coral de "Come, Sweet Death" de BachLa canción luego salta a un ritmo rápido con un riff de pedal en E tocado por Hammet. Para dicho riff Hammet fue influenciado y se basó en el grupo Deep Purple.

Aunque Master of Puppets no supuso un paso tan gigantesco como Ride the Lightning (1984), fue el mayor logro de la banda, siendo aclamado como una obra maestra hasta por críticos muy alejados del público principal del heavy metal. También fue un éxito sustancial, llegando al Top 30 y vendiendo tres millones de copias a pesar de una difusión absolutamente inexistente. Es posible que no nos resulte su escucha tan sorprendente como Ride the Lightning, pero Master of Puppets se siente más unificado, tanto temática como musicalmente. Todo en el álbum parece llevado a proporciones épicas (de hecho, las canciones son mucho más largas en promedio), y la banda demuestra tener más control en la dirección del álbum y una gran progresión en su evolución musical.