Historia del rock and roll: 20.- James Brown

James Joseph Brown Jr., conocido artísticamente como James Brown, nació en Barnwell, Carolina del Sur, el 3 de marzo de 1933 aunque no existe ninguna evidencia en ningún registro que esa sea su fecha de nacimiento, él siempre ha asegurado que es la correcta. Vino al mundo en una familia muy pobre, como muchas de las que en aquella época trataban de subsistir como podian, este y un posible caso de malos tratos hizo que su madre abandonara el hogar familiar, por lo que fue criado por su padre y por una tía que regentaba una especie de pensión que también era burdel. Antes de cumplir los 20 años fue arrestado varias veces por robo a mano armada por lo que fue condenado a 8 años de prisión, aunque finalmente cumplió 3 por buen comportamiento, después de dejar la escuela secundaria, James aún probó como boxeador y jugador de béisbol, sin obtener ningún éxito.

En 1953, acogido por la familia del cantante Bobby Byrd, probo suerte en el mundo musical, y ese mismo año se unió al grupo de música gospel "The Starlighters". El grupo pronto se inclino hacia el rock and blues teniendo algún éxito. Fue en 1962 y una vez que habían cambiado su nombre por “The Flames” cuando realizaron un concierto en el Teatro Apollo de Nueva York, y lanzó al año siguiente el álbum "Live at the Apollo" siendo un éxito rotundo, arrancando una carrera en solitario que le llevo a publicar en 1964 el álbum "Out of Sight", que alcanzó el número 24 en las listas de éxitos y le encamino claramente al sonido funk. Es en este año cuando publica 2 de sus grandes éxitos "I Got You" (I Feel Good) la que es quizas la cancion mas emblematica y conocida de James Brown y de la que tenemos un articulo de canciones que no soporto, es quizas una de la canciones mas funky de la historia y "Papa's Got a Brand New Bag" ganando el Grammy a la mejor canción de Blues. El tema "Say It Loud, I'm Black and I'm Proud" se convirtió en un simbolo de la lucha por la igualdad de la comunidad negra, y la lucha por la igualdad de los derechos de los afroamericanos, la canción surgió cuando Brown fue testigo de las luchas internas entre los negros en Los Ángeles. "Hemos perdido nuestro orgullo", pensó. Fue a su habitación de hotel y escribió la letra en una servilleta, la cancio fue censurada por diversas emisoras radiofónicas. James Brown se manifestó más claramente en favor de la igualdad en 1968, cuando dos días después del asesinato de Martin Luther King, el artista acordó actuar en Boston para ayudar a las autoridades a aliviar las tensiones frente a los disturbios que se estaban produciendo.

En la década de 1970, Brown tuvo un superéxito con “Sex Machine”, que alcanzó el número 1 en 1970, firmó un nuevo contrato con Polydor: entre los éxitos de la nueva década se destaca el sencillo "Get on the good foot" (un millones de copias) y el álbum "The payback", el único en la carrera en superar el medio millón de piezas vendidas y ganar un disco de oro. En 1974, el Sr. Dynamite (uno de sus numerosas denominaciones) actuó frente a 120 mil personas en Kinshasa (Zaire) junto a Etta James, BB King, Bill Withers y otros artistas contratados para un mega concierto organizado con motivo de la histórica reunión de boxeo entre Cassius Clay y George Foreman. La explosión de la música disco lo desplaza como tantos otros pesos pesados del alma de los años sesenta: los primeros intentos de adaptarse a los nuevos sonidos son torpes, de muy mala calidad y el mercado mercado le da la espalda, pero no todo estaba perdido la vuelta a la fama le llega de forma inesperada con la breve pero significativa aparición en la película "Blues Brothers" junto a John Belushi y Dan Aykroyd, en la que Brown interpreta el papel de un predicador poseído en la imaginación colectiva de una generación. Comienza una inesperada epoca de nuevos éxitos: en 1984, el rapero Afrika Bambaataa le pone otra vez en el mercado al grabar juntos  "Unity", dos años después grabaria "Living in America" (de la banda sonora de "Rocky IV") y alcanzaria el número 4 en el Billboard Hot 100, convirtiéndose en su mayor éxito desde "I feel good”. A partir de ese momento, la carrera y la vida personal de Brown comienza a caer en picado, mas cuando en 1988 es condenado a seis años de prisión tras ser condenado por intentar agredir a unos policías, agravado por el consumo y posesión de drogas. Despues de salir en 1991 de la cárcel ya no es nadie en el mundo de la música, él intenta enderezar su carrera pero fracasa en cada una de las acciones que toma, relegando su música a festivales de Lucha Libre o como fondo musical en algún videojuego. Sus últimas apariciones públicas fueron en el festival Foggfest en San Francisco el 20 de agosto de 2006 en el Roundhouse de Londres el 27 de octubre del mismo año y en la ceremonia en el Alexandra Palace de Londres, donde fue reconocido por su entrada al Salón de la Fama. del Reino Unido. James Brown moriria en Atlanta, Estados Unidos, el 25 de diciembre de 2006 a causa de un cáncer que le habían diagnosticado.

La música en historias: La crisis de los escorpiones

Scorpions

    

     En marzo de 1981 Scorpions, que en esos momentos cuenta en sus filas con Klaus Meine (voz), Rudolf Schenker (guitarra rítmica y coros), Matthias Jabs (guitarra solista y coros), Francis Buchholz (bajo y coros) y Herman Rarebell (batería y coros), se embarcan en la gira promocional de su séptimo álbum de estudio, Animal Magnetism, que supondría su séptima gira mundial. Una gira que comenzarían en Tokio (Japón) y que acabarían en el Hammersmith Odeon de Londres (Inglaterra) con más de cien fechas en total y habiendo tocado por primera vez en Canadá. Una gira más que exitosa y que permitiría al grupo seguir creciendo a nivel mundial.
     A finales de 1981 y depués de cerrar dicha gira exitosa el grupo decide regresar a Alemania para preparar y grabar el que sería su octavo álbum de estudio Blackout. El grupo se mete en los Dierks Studios de colonia (Alemania) propiedad de Dieter Dierks que además sería el productor del disco.

     Durante la grabación del disco sucedió un hecho que puso en peligro incluso la continuidad del grupo. El vocalista Klaus Meine empezó a tener problemas en su voz que le impedían mantener su registro y mantener tonos altos, llegando incluso momentos en los que no podía ni pronunciar palabra.
Klaus preocupado por los problemas de su voz decidió acudir a un médico, el cuál tras valorarle le dijo que no tenía solución y que lo mejor que podía hacer era cambiar de profesión. Klaus hundido y frustrado por el diagnostico decide reunir a la banda y les plantea la posibilidad de renunciar al grupo para que busquen otro vocalista. Sobre éste hecho Rudolf Schenker siempre afirmó que nunca se les pasó por la cabeza reemplazar a Klaus y que esperarían el tiempo que hiciera falta para que éste se recuperara, no importaba si el disco se retrasaba o incluso si la banda se tenía que separar, pues tenían muy claro que Scorpions sólo seguirían con Klaus Meine como vocalista, al que consideraban una pieza fundamental del grupo.

     Animado por el apoyo de sus compañeros Klaus decide buscar una segunda opinión médica, y para ello acaba viajando a Austria y se pone en manos de un doctor que estaba especializado en tratar a varios cantantes de ópera. Después de dos cirugías vocales y un riguroso y metódico entrenamiento pudo volver a trabajar con sus compañeros, consiguiendo además después del tratamiento tener una voz mucho más cristalina y un rango vocal mucho más amplio.

     Durante los problemas de salud de Klaus Meine, el grupo fue obligado por el contrato que tenían suscrito con la discográfica Mercury Records a grabar con otro vocalista el material de Blackout, para ello recurrieron a un vocalista amigo del grupo llamado Don Dokken. Afortunadamente no hizo falta, de la voz principal se ocupó Klaus Meine gracias a no darse por vencido, al exitoso tratamiento y al apoyo incondicional de sus compañeros que demostraron ser más una familia que un grupo. El material que había grabado Don Dokken se aprovechó y fue utilizado para incorporar las segundas voces al disco. De hecho en la primera versión original que se publicó Don Dokken no apareció en los créditos, pero si en las remasterizaciones posteriores que se han hecho del disco.

     Blackout se convertiría en uno de los mejores trabajos de Scorpions. Tras su publicación se convirtió en su disco más exitoso hasta la fecha llegando a posicionarse dentro del top quince en varios países, alcanzando incluso el número uno en Francia. Además esto les permitió tocar por primera vez en la gira promocional del álbum en Italia, España y Dinamarca.

Grupos emergentes: Presentación videoclip Eternal Psycho

El apocalipsis zombie ha sido, y es, uno de los temas recurrentes en el cine. El cine es un reflejo de nuestros miedos y preocupaciones, por eso hay serpientes y arañas de grandes proporciones amenazando pueblos de Oklahoma, e invasiones de extraterrestres que necesitan nuestro agua para su planeta, o la electricidad de nuestro cerebro como fuente de energía. Nuestro miedo es preventivo en el caso de las invasiones y las plagas, pero vivimos en la falsa ilusión de un apocalipsis zombie futuro, cuando en realidad ese apocalipsis ya ha ocurrido. Todos somos ya zombies de la tecnología, de los ipad y de los móviles, y como nuevos zombies nuestra pauta de consumo es cada vez más enfermiza.

Dónde antes había ilusión por la espera de un nuevo disco de un artista, ahora nos enganchamos a Youtube y pasamos rápidamente a otro contenido. Ponemos una canción en una lista de favoritos y la escuchamos cuando toca en la reproducción aleatoria, y pasado poco tiempo es solo una más de cientos de canciones, un simple renglón olvidado en nuestro móvil. Dónde antes un disco se escuchaba y se disfrutaba durante meses, ahora pasamos de largo a toda prisa como zombies contagiados de la urgencia impuesta y la obsolescencia programada de todo producto, incluso de nosotros mismos. Nuestros demonios ya son reales.

Sobreviviendo como podemos en este panorama apocalíptico, dos miembros de 7días7notas nos citamos en la puerta del Twister Rock&Food, en la calle San Nicasio 43 de Leganés, una de las localidades afectadas por la invasión tecnológica, que sólo ha dejado libres de contagio a las zonas rurales con escasa conexión wifi. ¿El motivo? La presentación del videoclip de un grupo emergente, Eternal Psycho, como parte de la promoción de su primer disco, Your demons are real.

¿Y qué descubrimos allí? Que hay pequeños grupos, cuya ilusión es tan fuerte, que están generando el germen de la resistencia. La ilusión y las ganas con las que han trabajado el videoclip y la grabación de cada uno de los temas del disco, y la emoción y la energía positiva con la que los presentan y comparten ante sus más fieles seguidores y los medios de comunicación invitados, son un ejemplo de cómo salir del letargo zombie en el que estamos sumidos. Dejemos de consumir como zombies y creemos.

Da igual si es una canción o un cuadro, un relato corto o el brillante videoclip de See the light de Eternal Psycho, la satisfacción del trabajo terminado y la ilusión por crear algo bueno son más poderosas que las armas del Fortnite. Sólo hay que saber ver la luz, la que nos guía hacia la planta de abajo del Twister Rock&Food, dónde tienen todo listo y acondicionado para el estreno de su videoclip. Bienvenidos a la presentación de See the light, de su álbum debut Your demons are real. Y como si de un cine se tratara, se apagan las luces y la proyección del tema comienza:

Los componentes del grupo salen ataviados con una estética zombie, alternando dos vocalistas, uno masculino que hace las voces guturales, y el contrapunto femenino que se atreve tanto con las voces guturales, como con las partes melódicas en los estribillos. El tema está salpicado de potentes riffs metaleros, que alternan con tramos de guitarras más melódicas, todo ello aderezado por secuencias de música electrónica programada. Los cambios de ritmo y las alternancias en la voz le dan un colorido especial y nos dejan una primera impresión más que positiva.

Una vez finalizada la proyección, los componentes de Eternal Psycho, toman asiento frente a su público, y a modo de improvisada rueda de prensa, las preguntas van surgiendo en un ambiente de confianza, como en una charla de amigos que se sienten como en casa. Así fue como nos sentimos en todo momento. Hablamos de su disco de debut, del videoclip presentado y de sus proyectos de futuro:

EL VIDEOCLIP:

Las imágenes de See the light tiene mucho que ver con la portada del disco, un diseño de Javier Gandul, querían hacer justicia al gran trabajo realizado y darle continuidad, por lo que a partir de esa imagen crearon los personajes que aparecen en el videoclip. Temas como la oscuridad, la desesperación, la esperanza o la locura, aparecen perfilados en los estados de ánimo que éstos personajes van experimentando durante la canción. Nos cuentan que disfrutaron mucho de la parte creativa del videoclip, y que al ver el resultado y poder enseñarlo al público sienten un orgullo muy especial por el trabajo realizado.

EL DIRECTO:

Comentan con orgullo que su sonido en directo es muy bueno, lo cuál hemos podido comprobar en el material disponible en redes sociales. De hecho, se consideran más una banda de directo que de estudio. En sus actuaciones, suelen introducir performances especiales para acompañar visualmente a su vigoroso sonido, y ofrecer así un extra al público que les diferencie de otras propuestas de corte metalero. Entre sus planes a corto/medio plazo está el tocar en festivales, como cualquier banda de directo que se precie, pues tienen la calidad y tablas necesarias para defender su propuesta con garantías.




YOUR DEMONS ARE REAL: LA COMPOSICIÓN DE LOS TEMAS

ETERNAL PSYCHO son:
Lucky: Samplers, programación, guitarra rítmica y voz
Anono: Batería y percusión
Tomy: Bajo, efectos y coros
Jorge: Guitarra solista
Beka: Letrista, voz y arreglos vocales

Your demons are real es un trabajo autoproducido por ellos mismos, grabado en los estudios SBA Radical de Area 51. Comenzaron a grabar el disco con Víctor Valle, pero tuvo que abandonar el proyecto por motivos de salud, y terminaron el trabajo con Javi Díez. A la hora de componer, la metodología de trabajo consiste en partir de una idea que alguno trae bajo el brazo, después todos trabajan sobre esa idea y cada uno va añadiendo los correspondientes arreglos con sus instrumentos, y Beka (vocalista) se encarga de la letra y los arreglos vocales.


No quieren encasillarse en ningún estilo musical concreto dentro del Metal, lo cuál se percibe desde la primera escucha de su disco. Dentro de lo que podríamos llamar un disco de Metal Melódico Industrial, ofrecen una gran variedad de diferentes sonidos y atmósferas dentro de cada uno de sus temas, además de incorporar a su sonido la música electrónica, lo que le da un toque diferente y facilita la escucha del disco tanto a los oídos más metaleros como a los menos experimentados en el género.

El contador de palabras de word indica que ya hemos sobrepasado las 1000 palabras, pero una imagen vale más que todas ellas juntas, así que os animamos a ver el vídeo de See the light en alguna de las redes oficiales de Eternal Psycho. Esperamos que lo disfrutéis tanto como nosotros hicimos con ellos en el estreno. La noche cae a las puertas del Twister Rock & Food y es hora de volver a casa, si nuestros demonios son reales será mejor que estén a buen recaudo a partir de las doce. 


Nevermind & Jorky
Enviados especiales de 7dias7notas al epicentro del apocalipsis zombie

La música en historias: Los Domingos en Canciones

Los días de la semana han sido una gran fuente de inspiración para muchos músicos a lo largo de la historia. Este blog es, de alguna manera, un gran diario de nuestras experiencias en la vida, diseminadas en las historias que os contamos sobre los discos, artistas y canciones que nos han influenciado y acompañado a lo largo de todos estos años. Así que, en esta ocasión, vamos a apuntar en nuestro diario todo lo correspondiente a la página del DOMINGO.

DOMINGO


Con las primeras luces del amanecer, terminado el largo camino a través de la noche del sábado, la difuminada mañana del domingo es mucho más llevadera si Nico nos susurra a través de los altavoces en el Sunday Morning de la Velvet Underground:

"Es domingo por la mañana, y me estoy derrumbando, tengo una sensación que no quiero reconocer. Amanece temprano, el domingo por la mañana, son todas las calles que cruzaste, no hace mucho tiempo atrás..." 

Soportando la carga fiestera de los días anteriores, las canciones del domingo deambulan perezosas en la temática de pasar el domingo sin hacer otra cosa que dejar pasar el tiempo, como en el Lazy Sunday de los Small Faces, o el Lazing on a Sunday Afternoon de Queen: "¡Estoy comprometido con las proposiciones del sábado noche, y estaré holgazaneando en la tarde del domingo!".


Multitud de canciones nos describen el domingo como un momento de energía baja y pocos planes, en el que los móviles descansan cargándose en silencio en un rincón, para evitar el atronador efecto de una inoportuna llamada de domingo (quizá la Sunday Morning Call de Oasis). En la televisión los documentales de animales y los telefilms cumplen su cometido tras la hora de la comida, acompañando el camino hacia el sueño de media tarde.

Lo lleva al extremo un asiduo de este repaso a las canciones de los días de la semana. David Bowie, en su extraño y experimental Sunday, ve la atmósfera del domingo en tono incluso catastrofista:

"No queda nada, podríamos correr cuando aminore la lluvia, buscar coches o signos de vida (...). Buscar los rayos de luz en el camino (...). Porque en realidad, es el comienzo de nada, y nada ha cambiado, y ha cambiado todo".

Confundido por tan existencialista mensaje, me resistía a creer que este día, como cualquier otro, no pueda tener otros colores más vivos con los que pintar las experiencias de una vida. En domingo puedes conocer al amor de tu vida, como le ocurrió a Jim Morrison con sus Doors en el tema Blue Sunday:

"Encontré a mi amor verdadero un domingo triste, ella me miró y me dijo que yo era el único en el mundo. Así encontré a mi chica".

Vamos mejorando, pensé, pero incluso hablando de un evento tan positivo, el tono de la canción es el de alguien que está atravesando una melancólica y resacosa mañana de domingo. Claro que, en el caso de Jim Morrison, la probabilidad de resaca era muy alta en cualquier franja horaria de los 7 días de la semana).

Decidí no rendirme y seguir buscando, tenía que encontrar un paraíso dorado más allá de la melancolía reinante. No lo encontré en Sunday Girl de Blondie, canción en la que el domingo tiene el sabor amargo de la ruptura, y la desaparición del hechizo que el sábado había convertido las calabazas en carrozas. La escucha del Sunday de Cranberries transcurre por los mismos derroteros, algo tiene el domingo que acaba con lo que, apenas unas horas antes, surgió con fuerza bajo las luces de neón.

Tampoco llegué a conseguirlo con Heaven on a Sunday, del gran Paul McCartney, que pese a afirmar con rotundidad que "si tuviera un solo amor, tú deberías ser la elegida", lo hace con su melancolía habitual, en un tono "tranquilo como el cielo de domingo, deseando y sin pensar en qué hacer". Mi búsqueda, en este punto, era ya un clamor y una protesta contra el status quo del domingo. Encontré el clamor en Sunday Sunday de Blur, con su ácida visión de la anodina vida de domingo de la sociedad inglesa, y la protesta en Sunday Bloody Sunday de U2, recordando los sangrientos incidentes de una manifestación en Irlanda.

Ambas no eran suficientes argumentos para dar la vuelta a la tortilla, y ante la ausencia de canciones vitalistas y positivas, el fracaso de mi búsqueda era más que evidente y las conclusiones encontradas eran tan débiles como un castillo de naipes, que saltó por los aires de un golpe en la mesa cuando, en el último momento, hasta encontré la excepción que confirmaba la regla. Una canción que reincide en la tendencia a no hacer nada y vegetar durante el domingo, pero lo hace en positivo y con el orgullo de quién defiende su día favorito, su reducto de libertad ante las presiones de la sociedad convencional. Ese descaro arrogante sólo podía venir de la mano de Iggy Pop, tirado en el sofá de su casa en Sunday:

"Soy una ruina, ¿Qué esperabas?
La clave de todo, me arrastro hasta el domingo,
cuando no tengo que moverme.
Atrapado en sueños, desenredado solo por un día,
cuando no tengo nada que demostrar
Los días pasan y finalmente llega el domingo por la tarde,
lo tengo todo, pero qué significa eso?"


Significa que me rindo, y que no he conseguido llegar a salvar la reputación de los domingos. Alguien dijo una vez: "Qué absurdo pensar en la inmortalidad, y no saber qué hacer en la tarde del domingo". Iggy es lo más parecido a la inmortalidad que conozco, y sabe bien que lo mejor es no hacer nada. Voy a hacerle caso y a tirarme un rato en el sofá, que me habéis pillado en domingo.

Canciones que nos emocionan: Jingo, Santana

Jingo (1969), Santana

     1966, Carlos Santana, un jovencito mexicano de apenas 19 años funda la banda Santana, una banda que sería pionera en la fusión de la música latina y el Rock.

     Carlos Santana nace en 1947 en Autlán de navarro, Jalisco (Mexico), como su padre era mariachi y tocaba el violín en un grupo de mariachis, es éste intrumento el primero que aprende a tocar, pero pronto empieza a interesarse por la guitarra influenciado en un principio por Ritchie Valens. En 1955 Santana se muda con su familia a Tijuana y allí comienza a estudiar guitarra teniendo como referentes en sus comienzos a músicos como B. B. King, T-Bone Walker ó John Lee Hooker entre otros. Es en esa época cuando Santana se dedica a tocar en grupos locales, siendo la más destacable quizás Los T.J.'s, grupo donde curiosamente Santana toca el bajo. 

     En 1961 Santana vuelve a mudarse con su familia a San Francisco, California, donde sigue estudiando y practicando música y además aprende inglés, consiguiendo la nacionalidad estadounidense en 1965. Santana por cosas de la fortuna se encuentra en San Francisco, lugar donde por aquél entonces había una creciente escena musical en todo el área que rodeaba la Bahía de San Francisco.

     Santana decide dejar su empleo de lavaplatos en 1966 para dedicarse por entero a la música. Uno de los sitios que visita asiduamente es el famoso club Filmore East. Estaba programado que un domingo por la mañana tocara allí el músico Paul Butterfield, pero éste se pone enfermo y no puede tocar, por lo que el dueño y promotor del club, Bill Graham tiene que improvisar rápidamente una banda para suplirlo. Graham tiene elegidos todos los músicos menos el guitarrista, y aquí entra en escena Stan Marcus, quien por entonces es el mánager de Santana y convence a Graham para que le fiche para esa actuación. En esa actuación Santana consigue llamar la atención tanto del público cómo del mismisímo Graham.

Animado por este hecho Santana decide formar su propia banda y ficha a musicos procedentes de la calle, David Brown (bajo), Marcus Malone percusión) y Gregg Rolie (voz y órgano). Con esta formación consigue firmar un contrato con la discográfica Columbia Records y el grupo pasa a llamarse Santana Blues Band para pasar a llamarse poco después definitivamente Santana. 

     La formación de Santana poco después sufre algún cambio, quedando conformada por el mísmo Santana (guitarra y voz), Dave Brown (bajo), Mike carabello (congas y percusión), Mike Shrieve (batería), Gregg Rolie (piano, órgano y voz) y José Chepito Areas (timbales, conga y percusión). Es ésta formación la que publica el primer álbum, llamado Santana, un disco que contiene la mezcla y fusión de música latina, rock e incluso africana, que está grabado a modo de jam session. Un disco para mí indispensable que contiene temas como el legendario Soul Sacriface, Evil Ways ó Persuasion. En éste disco también se encuentra el tema en el que me voy a centrar en esta ocasión y que es otro de esos que a mí tanto me emociona, Jingo.

Jingo

Jingo

Jingo

Jingo Ba

Lo

Ba, Ba, Lo

Ba, Ba, Lo

Ba, Ba, Lo

Ba, Lo

Ba, Ba, Lo

Ba, Ba, Lo

Ba, Ba, Lo

Ba

Jingo

     Jingo es una versión del famoso tema Jin-Go-La-Ba, del famoso baterista nigeriano Babatunde Olatunji, que emigró a Estados Unidos en 1950 y se hizo hueco en el difícil circuito de Jazz americano con su estilo con mezclas y raices de música africana. Jin-Go-La-Ba fue grabado por Babatunde en 1959 e incluido en su disco Drums of Passion. 

Santana utilizó dos percusionistas y un batería para grabar Jingo. Partiendo de la batería de Mike Shrieve quien procuró mantener lo más fielmente posible los patrones originales del tema Jin-Go-La-Ba en la batería, Santana le añadió dos percusionistas como base de esta maravillosa versión, rodeándo el tema con ritmos latinos y luego añadió su inconfundible guitarra. El resultado fue sencillamente espectacular.

     Se da la circunstacia de que la banda de Santana recibió una invitación para tocar dos semanas antes de la publicación de este álbum en el mítico Festival de Woodstock, celebrado en agosto de 1969. Dicha invitación la consiguieron gracias en parte a Bill Graham, el cuál era un apasionado de la música latina, y Santana le había tocado la fibra, le encantaban, por lo que les consiguió una invitación para tocar allí.

La actuación de Santana en aquel festival fue memorable, para la historia quedan ya sus míticas interpretaciones de temas como Soul Sacriface o Jingo, temas que tocaron antes de que se publicara el disco y que consiguieron un enorme éxito entre el público asistente a Woodstock, lo que ayudó a que una vez publicado el disco vendieran más de dos millones de copias.

El disco de la semana 150: Ruido Blanco - Soda Stereo

Disco de la semana 150: Ruido Blanco - Soda Stereo 

Ruido Blanco, no es el aviso de que este pronto el invierno, o que se avecine una tormento, sino la recomendación de esta semana de un disco de una de las bandas de rock Argentina más reconocidas, para Soda Stereo este disco será su primer disco que la banda realizará en vivo durante su gira de promoción del disco Signos, los países que la banda recorrerá, no será sólo Argentina, sino también Chile, México, Perú y Venezuela. 

El álbum fue lanzado el 01 de noviembre de 1987, y esta recomendado en la lista de los 100 discos que debes tener antes del fin del mundo, publicada en 2012 por Sony Music. Y es una recopilación de los discos que al momento la banda había editado, pero este disco arrancara con “Signos”, la canción que pone nombre a su último disco de estudio (hasta el momento), con este sonido no tenemos forma de no quedar atrapados, y querer seguir escuchando el resto del disco, el sonido de dos guitarras sin bajo, y una de ellas acústica convierte a esta primera canción en una interpretación sencillamente preciosa, donde Gustavo Cerati (Lider de Soda Stereo) demuestra todos sus sentimientos.

Soda Stereo en Viña del Mar 1987 (Signos)

“Juegos de Seducción” aquí Gustavo (Cerati) lo vuelve hacer, a través de una letra y guitarra sensual, logra alcanzar el éxtasis y sobre todo con el solo de guitarra de la parte final. Tienes que usar la imaginación y dejarte llevar por el juego. 

Soda Stereo - Juego de Seducción - en Guayaquil, Ecuador

El tercer tema de este disco será "Persiana Americana", como interpretando una escena de 9 semanas y media, todo transcurre tan sensual tan lentamente y “el ventilador va desgarrando, las ropas caer, mientras observas fuera de foco, sintiendo que estas al borde de la cornisa, casi a punto de caer”, la versión de Ruido Blanco en vivo destaca los teclados de Fabián Quintero, el mismo que participara en la grabación de estudio del disco, esta es de las canciones que quisieras escuchas siempre. 

Soda Stereo - Persiana Americana - Perú 1987

"Sobredosis de T.V", se puede decir que su sonido electrónico, más dance, acompaña esta versión, debo decir que no lo sabia, el coro que fueran parte de Supremes que acompañaría a Diana Ross, como así un grupo de músicos Venezolanos, que también acompañarían a Zeta Bosio en "Estoy Azulado".  

Soda Stereo - Sobredosis de TV - Viña del Mar 1987, Chile

Soda Stereo - Estoy Azulado - en Lima, Perú

Pero uno de los temas que hace que valga la pena llegar a esta parte del disco es "Final Caja Negra", con un sonido a rock electrónico de las bandas británicas de los años 80, la batería de Charly Alberti y la guitarra de Gustavo Cerati, te demuestran porque Soda Stereo ha estado y estará entre las mejores bandas de la historia del Rock Nacional, creo que la banda supo elegir muy bien los temas a sumar en este disco en vivo, nuevamente deja todo a la imaginación en sus letras, pero posiblemente todo se descubrirá a través de la caja negra “Y sin embargo esperas un laberinto sin sorpresas; y sin embargo aún puedes abrir tu caja negra” 

Soda Stereo - Final Caja Negra 1987 - Perú

"Cuando pase el Temblor", es uno de los clásicos de la banda, donde la banda fusiona sonidos originarios de la música andina de los pueblos del norte de la Argentina, sonidos Reggae y el new wave, la letra nuevamente da para muchas interpretaciones, podría ser producto de una crisis social, o quienes la interpretan un órgano vivo que siente. 

Soda Stereo - Cuando pase el temblor - México

"Vita-Set", nuevamente Soda, recurre a sus primeras canciones fusionando dos de ellas “Te hacen falta vitaminas” y “¿Por qué no puedo ser un jet – set?”, ambos temas llevan un sonido Ska y Jamaicanos que usara la banda en sus primeros discos, demuestra la versatilidad de la banda en como fue cambiando de sonidos, Soda Stereo demostrara a futuro el potencial de incursionar en nuevos sonidos. 

Soda Stereo - Vita -Set 1988, Estadio Obra Sanitarias, Buenos Aires - Argentina

Y llega el momento de finalizar el disco con "Prófugos" tema que donde la banda da libre libertad en esta versión, dando la sensación de divertirse, jugando con la improvisación, liberando ataduras de la composición misma de la versión de estudio, una muy buena forma de finalizar un disco. 

Soda Stereo - Profugos - en Lima, Perú

"Ruido Blanco" no es ni más ni menos, un disco que recopila los grandes éxitos de la banda, realizados hasta el momento, no serán los únicos éxitos que tendrán, Gustavo Cerati, Chaly Alberti y Zeta Bosio, tendrán un largo camino por recorrer y muchos más éxitos en su haber, pero realmente hasta este momento habían demostrado que realmente sabían hacer mucho ruido, y con los años demostrar que fueron, son y serán, la banda de Rock Argentino considerados como referentes obligada del rock latinoamericano.

Soda Stereo es parte de la historia obligada del Rock Nacional, esa historia que agradezco haber vivido, y escuchado, por todo ellos GRACIAS TOTALES. 

Daniel

Instagram: Storyboy

Historia del rock and roll: 19.- Ray Charles

Ray Charles Robinson (1930-2004) nació en Albany, Georgia. Hijo de un mecánico y un trabajador rural, se mudó con su familia. a Greennville, Florida. Entre los 5 y 10 años se quedo ciego, sin saber la causa. Estudió en St. Augustine College en Florida, una escuela especializada para ciegos y sordos. Aprendió a leer, escribir y componer por sistema Braille. También aprendió a tocar varios instrumentos musicales, especialmente el piano pero lo que mas le llamaba la atencion era la musica clasica. Cuando era adolescente, quedó huérfana por padre y madre. En 1948, influenciado por su ídolo Nat Kin Cole, fundó el grupo "McSon Trio", también conocido como "Maxim Trio". En 1950 se unió a Lowll Fulson, un cantante y guitarrista de blues, y con él comenzó una serie de giras por todo el país. En 1953 fue contratado por Atlantic Records y desde entonces se hizo conocido como un destacado cantante de Rhythm & Blues. Ray Charles vivió en Nueva Orleans y Texas. Después de unirse a la cantante Ruth Broown, formaron una banda en la que David Newman se unió al saxofón y Joe Bridgewater en la trompeta. Con los años, Ray Charles ha reunido los elementos del blues con el gospel y el rock & roll.

En 1954, su canción "I Got Woman" fue muy exitosa y le situo en la cima de las listas de exitos,  más tarde fue grabada por Elvis Presley. Luego vinieron otros éxitos como "Talkin 'Bout You". Participó en proyectos de músicos de jazz como Milt Jackson, con quien grabó "Soul Brothers". En 1959 publico una de sus canciones mas famosas, "What'd I Say". En 1959, en el sello ABC-Paramount, alli consiguio tener mas congtrol sobre sus producciones, el primer gran exito que Charles grabó fue su famosa "Georgia on My Mind", que más tarde se convirtió en la canción oficial del estado de Georgia. En diciembre, sorprende al mercado con una versión de "I'm Movin' On", un clásico Country de Hank Snow, que sube a los primeros puestos de las listas de éxitos. Su manera de cantar y tocar el piano influyó en el desarrollo del soul popular y sirvió como nexo de unión entre los estilos modernos del blues y la primera tradición del country blues. Ray Charles destacó sobre todo como autor e intérprete de "gospel" y "blues", combinados con algunas dosis de rock. En 1961 publica otro de sus grandes exitos "Hit the Road Jack" fue ese mismo año cuando tuvo una fuerte polémica que le marcaría ya que estando en el mismo estado de Georgia, cancelo de motu propio un concierto por la segregación racial, por lo que tuvo que pagar los costes y su imagen para los promotores de conciertos se vio muy deteriorada, aun asi no se arrepiente, siempre ha sido un gran activista a favor de la igualdad de derechos entre razas. Otros de sus grandes temas se publico en ese año, nos referimos a "Ruby" o "Lonely Avenue"

En 1965, Ray fue arrestado por posesión de heroína, a la que fue adicto durante 17 años. Fue su tercer arresto por el delito, pero pudo evitar ir a prisión después de dejar el hábito en una clínica en San Francisco. Pasó un año en libertad condicional y realizó el "Let's Go Get Stoned". En 1967 realizo el tema principal para la película "In the heat of the night", titulada de la misma manera que la canción y protagonizada por Sidney Poitier como Virgil Tibbs, un detective afroamericano que sufre prejuicios raciales mientras intenta resolver un asesinato en una pequeña ciudad del sur. Logró un total de 12 premios Grammy, nueve de ellos entre 1960 y 1966.

Durante los años 70 y 80 su fama descendió notablemente, aun asi nos regalo temas como "American the beautiful" basada en un poema escrito en algún momento de la década de 1890 por una profesora de inglés de Wellesley College llamada Katharine Lee Bates, quien la escribió como un poema.

Como pianista, también consolidó un estilo propio: marcado y percusivo; fue casi insuperable dentro del estilo del blues negro. Charles acostumbró al público a oír acordes superpuestos, ritmos frenéticos o melodías suaves y cadenciosas en las baladas. Tocaba también, aunque muy empíricamente, el saxo. "El blues y el rhythm and blues son una manera de vivir más que un estilo musical", había afirmado. Sobre esa afirmación y, sobre todo, sobre sus bases musicales se edificó en los años sesenta la explosión volcánica de la música soul. Mientras era considerado como el padre de ese movimiento,

Resultados canciones favoritas españolas de 1980

En 1980, lejos de nuestro país, tuvimos que decir adiós prematuramente a un genio, John Lennon, que murió asesinado por cinco balazos en manos de Mark Chapman un fan en la entrada de la residencia donde vivía con Yoko Ono. En nuestro país la movida madrileña campaba a sus anchas en el panorama musical, decenas de grupos surgían de los garitos de toda España intentando hacerse un hueco en el panorama musical, pero también quedaban artistas de los 70 que poco a poco iban adaptándose a los nuevos tiempos que les tocaba vivir. Todo era una explosión de sonido, colores y de buen rollo.

Finalizada la votación donde han entrado a concurso 48 canciones los resultados finales que mediante las votaciones en la cuenta de Twitter @7dias7notas hemos tenido ha sido la siguiente:

En las puertas de la final se quedaron:

10.- Zombies.- Groenlandia. Una canción compuesta por Bernardo Bonezzi cuando contaba 13 años, el considerado el Mozart de la movida Madrileña, editaron 2 discos ya que Bonezzi decidió dedicarse a otros proyectos, esta canción fue la que mayor repercusión tuvo y esta siempre incluida en los recopilatorios sobre la movida madrileña. Cuenta con un curioso video grabado en Palma de Mallorca

9.- Radio Futura.- Divina. El grupo Madrileño realiza un homenaje a David Bowie y al glam en este tema, perteneciente a su primer álbum titulado Musica Moderna, y es una versión en castellano del éxito del grupo británico T-Rex (primer grupo Glam de la historia) titulada Ballrooms of Mars, la propia canción de Radio Futura lleva el subtítulo de Los Bailes de Marte. La canción esta dedica a Olvido Gara

8.- Tequila.- Dime que me quieres. Aquí encontramos con otra banda de la movida madrileña, aunque en este caso dos de sus componentes son argentinos. Tequila quiso ser la versión española de Los Rolling Stones, pero lógicamente quedaron muy lejos de ese objetivo, aun asi nos han regalado algunos himnos como Rock & roll en la Plaza del Pueblo de su primer álbum o este Dime que me quieres que cerraba el tercer disco del grupo.

7.- Leño.- La noche de que te hablé. La banda de rock formada por Rosendo Mercado fueron el máximo exponente de lo que se denomina Rock Urbano. En 1980 se encontraban en la cima del éxito y lanzaron su segundo álbum Mas madera que contiene este éxito.

6.- Burning.- No es extraño que tu estés loca por mí. La banda de Pepe Risi surgió antes de la movida madrileña, Burning nació en 1974 como un grupo que cantaba en Ingles y sin duda fueron unos pioneros al intentar implementar un estilo musical que en nuestro país no se daba de ninguna manera. En 1980 Eloy de la Iglesia, máximo exponente del cine quinqui y uno de los directores malditos de aquella época les pidió a Burning que compusieran algunas canciones para su película Navajeros.

5.- Antonio Flores.- No dudaría. El hijo de la archifamosa folclórica Lola Flores y del guitarrista El pescaílla se estaba labrando una carrera artística lejos de las faldas de su madre, y en 1980 publicaría el que fue su primer disco y cuya canción bandera del mismo fue este tema, que representa un NO a la violencia, aunque se puede entender entre líneas como es el propio autor el que realiza un grito afeando lo que era en ese momento y lo que habían hecho las drogas con su persona.

4.- Miguel Rios.- Santa Lucia. Nuestro primer espada en el rock en solitario de los setenta se nos ha enternecido, y es que este tema que nos ocupa nada tiene que ver con lo que hasta ahora nos había ofrecido, y como suele ocurrir en algunas ocasiones, le deparó el que quizás fue su mayor éxito hasta la fecha. Es una balada de amor, de dos personas que están manteniendo una relación solo por teléfono, pero a la que ninguna de ellos quiere renunciar por algún motivo, es por ello que el título hace referencia a la patrona de los ciegos. Fue una canción que subió mucho la temperatura a la juventud de aquel entonces y que dio para más de una declaración de amor.

… y vuestro TOP 3

3.- Los Secretos.- Déjame. Escrita por Enrique Urquijo, déjame, tuvo una breve aparición en 1978, en un grupo que se llamaba Tos y que fue predecesor de Los Secretos, pero su carrera no fue muy exitosa, con lo que decidieron rescatarla en el primer EP que lanzo el grupo, consiguiendo un éxito inesperado y totalmente arrollador y se ha convertido en la canción insignia del grupo. La canción de desamor como muchas de este grupo ha tenido múltiples versiones.

2.- Triana. - Tu frialdad. ¿Es esta quizás la canción más accesible y sencilla de Triana? No somos nosotros quien lo tenemos que decidir, lo que si podemos argumentar que fue con este tema con el que consiguieron el único número 1 en toda su carrera, que en 1980 habían decidido dejar de experimentar con el rock flamenco progresivo y tratar de hacer algo más comercial, acorde a los nuevos tiempos que corrían. Es cierto que nos deja un poco fríos, los que adoramos esa primera etapa no podemos más que seguir rendidos ante esta nueva etapa, porque Triana y Tu frialdad rellenan una de las páginas más sublimes de la música en España.

1.- Nacha Pop.- Chica de ayer. La ganadora no ha sido otra que un himno de toda una generación, un himno a una etapa musical en España que encabezó este sencillo tema escrita por Antonio Vega mientras hacia la mili en Valencia, y que fue el estandarte del primer álbum del grupo que creo junto a su primo y que ha sido elegida por la revista Rolling Stone como la segunda mejor canción española de todos los tiempos. Y es que este tema que destila una gran tristeza melancólica, ha sido cantado o escuchada compulsivamente por casi todos los que tenemos cierta edad, es un refugio lleno de emociones donde poder navegar en el recuerdo, en lo que ha podido ser y en lo que quizás nunca será.

Canciones que nos emocionan: Remedy, Black Crowes

Remedy, The Black Crowes

    

     En 1992 la banda de rock sureño Black Crowes tenía en su haber su primer disco de estudio, Shake Your Money maker, un disco con el que los hermanos Robinson se habían dado a conocer en el panorama musical internacional. Este disco había sido todo un éxito tanto en crítica como en aceptación del público, y ahora tenían la difícil misión de mantenerse en la cúspide del éxito que ése primer disco le había reportado. La formación había sufrido algún cambio en sus filas quedando el grupo conformado por Chris Robinson (voz), Rich Robinson (guitarra), Marc Ford (guitarra), Johnny Colt (bajo), Steve Gorman (batería) y Eddie Harsch (teclados). 

     Ese año el grupo se pone manos a la obra y en mayo publican su segundo álbum de estudio, The Southern Harmony and Musical Companion, si bien en su primer disco el grupo tenía un sonido más crudo en éste segundo trabajo el grupo suaviza algo ese sonido pero cuida muchísimo más la producción, el resultado no puede ser mejor y vuelven a sacarse de la manga un disco impecable, magnífico, y según mi opinión personal su mejor disco junto con el ya citado Shake Your Money Maker. 

     The Southern Harmony and Musical Companion es un disco como dije antes con un material sensacional, y dentro de ese material se encuentra incluido el tema Remedy, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan. El tema en cuestión estuvo 11 semanas seguidas en las famosas listas Billboard de Estados Unidos, alcanzando el puesto número 48 en la Billboard Hot 100 y el puesto número 24 en la lista de singles del Reino unido, cosiguiendo también una gran repercusión en países tan dispares como Noruega o Nueva Zelanda.

Baby, baby why can't you sit still?

Who killed that bird out on you window sill?

Are you the reason that he broke his back?

Did I see you laugh about that?

If I come on like a dream?

Will you let me show you what I mean?

Will you let me come on inside?

Will you let it glide?

Can I have some remedy?

Remedy for me please

Cause if I had some remedy

I'd take enough to please me

Baby, baby why did you dye your hair?

Why you always keeping with your mother's dare?

Baby why's who's who, who know you too?

Did the other children scold on you?

If I come on like a dream?

Would you let me show you what I mean?

If you let me come on inside?

Will you let it slide

     El tema fue compuesto por los dos hermanos Robinson como un alegato en pro de la libertad, más concretamente en favor de la marihuana, pues consideraban que la guerra contra esta droga era una tontería. De hecho para promocionar el álbum The Southern Harmony and Musical Companion el grupo además de aparecer en la portada de la famosa revista High Times tocaron en el famoso Atlanta Festival Pop. Además en sus conciertos los hermanos Robinson y compañía  colocaban carteles con hojas de marihuana como un alegato más en su lucha por la libertad de dicha sustancia.

La música en historias: Mississippi Fred McDowell

Mississippi Fred McDowell

     Es increible lo que se puede hacer con una simple guitarra y el ritmo de un zapato, y si no que se lo pregunten a Mississippi Fred McDowell.

     Fred Mcdowell nació en Rosville, Tennessee, (Estados Unidos) en 1904, y sus padres los cuáles eran granjeros murieron cuando él era muy joven. Comenzó a tocar la guitarra bastante tarde, concretamente a los 14 años de edad, y en sus comienzos se dedicaba a tocarla en los bailes de los alrededores de su localidad natal. Fred, que se dedicaba a trabajar en los campos de arado, en 1926 decide cambiar de aires y se muda a Memphis donde se pone a trabajar en una fabrica de alimentos llamada Buck-Eye, fábrica que se dedicaba a procesar mayormente algodón y aceite. Dos años después, en 1928 se vuelve a mudar a Mississippi para trabajar recogiendo algodón. Posteriormente se trasladaría a Como, Mississippi, donde quedaría definitivamente establecido trabajando como agricultor, trabajo que combinaría tocando en bailes y picnics.

     Quizás la mayor curiosidad de Mississippi Fred McDowell, nunca se dedicó profesionalmente a la música, solía tocar los fines de semana y en ocasiones muy especiales. Este hecho no le impediría ser grabado en 1959 por primera vez por Alan Lomax, un importante etnomusicólogo estadounidense que dedicó gran parte de su vida a recopilar canciones populares del folklore del siglo XX, no sólo de Estados Unidos, también recopiló durante su vida temas de países como España, Italia, Irlanda, Rumanía ó India. El hecho de no dedicarse por entero a la música tampoco le impidió tocar en importantes festivales y realizar varias giras por Europa, y grabar numerosos trabajos para los sellos discográficos Arhoolie, Testament y Capitol.

     Fred solía tocar la guitarra slide, al principio lo hacía utilizando una navaja, después comenzó a usar huesos de costillas de carne, al final acabaría tocando con un tubo de vidrio porque éste le permitía sacar un sonido más claro y nítido. La técnica de Fred es considerada por los especializados en la materia como algo limitada, y su repertorio algo repetitivo, pero dotado de una intensidad y sentimiento magníficos y muy brillante con el uso del Slide.

     Si bien Fred McDowell está considerado como un artista del Delta Blues (uno de los primeros estilos de blues que surgieron, originario de una zona comprendida entre Memphis, Tennessee y el río Yazoo) , también está considerado como uno de los primeros artistas y precursores del Country Blues, estilo al parecer derivado de la música Hillbilly (música tradicional de las zonas rurales y montañosas de la cordillera de los apalaches), y que se caracteriza por una voz solista acompañada normalmente con una guitarra acústica tocada con slide. Fred McDowell sería uno de los promeros artistas en conseguir un considrable reconocimiento por su trabajo dentro del Country Blues

     Bonnie Raitt fue entrenada por Fred McDowell en el uso de la guitarra Slide, y los mismísimos Rolling Stones publicaron tema You Got To Move en su álbum Sticky Fingers (1971), un tema que Fred había grabado y registrado en 1965. Es cierto que Fred postriormente tocó alguna vez la guitarra eléctrica, instrumento con la que se prodigó bastante poco, siempre mantuvo que no pretendía tocar rock & roll,de hecho su primer álbum grabado con guitarra eléctrica fue en 1969, tres años antes de su muerte.

     En 1971 Fred dejó de trabajar en el campo y abrió su propia gasolinera gracias a los beneficios que le reportaron los derechos de autor del tema You Got To Move que popularizaron los Rolling Stones.
Un año después, en 1972 Fred fallecía a causa de un cáncer a la edad de 66 años.

     Como comente en las primeras líneas, es increible el ambiente que Mississippi Fred McDowell era capaz de crear con su voz y acompñándola con una simple guitarra, una slide y el ritmo de su zapato al golpear el suelo. Un artista que a pesar de no dedicarse de lleno al mundo de la música (género que alternó durante toda su vida con su trabajo) nos dejó un legado más que interesante.

El disco de la semana 149: Gabinete Caligari - La culpa fue de Gabinete Caligari

La reseña de esta semana no ha sido nada fácil. Y no solo porque no soy un gran conocedor de la trayectoria de Gabinete Caligari, sino porque se trata de un recopilatorio de los mejores temas de su carrera, en lugar de un disco en concreto, seleccionado entre la totalidad de su obra. Estoy acostumbrado, y en el fondo es lo que más me gusta de escribir reseñas, a intentar entender las canciones desde el análisis de la situación vital del artista en el momento de sacar el disco. Tiendo a interpretar un álbum como un todo, como una obra completa con un posible significado, en lugar de un puñado de canciones inconexas. Por último, me resulta inevitable compararlo con el resto de entregas de la discografía del artista en cuestión, para poder valorarlo y disfrutarlo en su justa medida.


Nada de eso es posible cuando tienes entre las manos un recopilatorio. Normalmente se caracterizan por la falta de unidad del conjunto, ya que por más que se trate de los mismos músicos, las canciones provienen de momentos temporales distintos. En el caso de artistas de dilatada trayectoria puede haber diferencias de 20 años entre unas y otras, y a lo largo de su carrera los músicos habrán tenido distintas influencias y, probablemente, se habrán cansado de hacer de la misma manera determinadas cosas.

Después de darle muchas vueltas a este problema, decidí que tampoco era tan relevante, y que lo único que debería estar dando vueltas era el tocadiscos. Y si no podía caer en mis divagaciones habituales, me centraría simplemente en la escucha de las canciones, liberado del objetivo de escribir sobre ellas, y vería que pasaba sin preocuparme por el momento de tener después que enfrentarme a la pantalla en blanco.

Lo que ocurrió entonces es que disfruté como nunca con el bestial arranque del disco, encadenando cuatro temas seguidos del genial Camino Soria (la canción del mismo nombre, Suite nupcial, La sangre de tu tristeza y Tócala Uli). Creo que el tiempo ha tratado bastante bien a estas canciones, que hoy en día mantienen intactas la brillantez y la frescura que tenían la primera vez que las escuché. Aquel disco debió haber sido para mí un "disco llave", nombre con el que denomino a esos discos con los que descubres a un grupo, y que tras rayarlos tras mil escuchas, te abren la puerta de la curiosidad sobre publicaciones anteriores, y te llevan a buscar más material de los  mismos autores.

Inexplicablemente, un disco tan genial como ese no me llevó a seguir explorando en las entrañas del gabinete del Profesor Caligari, lo cuál no impidió que, tanto hace 20 años en los bares de Madrid  como ahora escuchándola de nuevo, cantara a voz en grito y con los ojos cerrados que "La culpa fue del cha cha cha". ¿Y de quién iba a ser si no? Pues de unos músicos brillantes, por hacer un hit tan  chulesco como eterno. Tras este tema, no pude evitar lamentar que, en el orden de temas elegido para el disco, no hubieran puesto a continuación los otros dos grandes temas de lo que siempre llamé "La trilogía de los bares", por sus referencias al mundillo de las copas y la fiesta nocturna. Cuatro Rosas y El calor del amor en un bar están presentes, pero desperdigadas entre otras canciones con las que desafortunadamente no me encontré en su momento y que no tienen la misma carga emocional, aunque eso no signifique que en lo musical sean inferiores a las otras.

¿Y qué decir de las "nuevas" canciones? (Nuevas para mí, por mi imperdonable error de hace ya tanto tiempo). Pues que ha sido un placer descubrir que no todas lo eran. Canciones como Sólo se vive una vez y Lo mejor de tí habían sido borradas de mi memoria por el paso del tiempo, pero al escucharlas de nuevo han reverdecido sus hojas y han desplegado las alas de sus estribillos para volar alto de nuevo y pasar a engrosar la lista de canciones míticas de esta recopilación. Por el contrario, temas como Sangre española o Que Dios reparta suerte (ésta última con su guiño al pasodoble incluído) suenan más oxidadas y con un toque de "movida madrileña ochentera" que no ha aguantado tan bien el paso del tiempo.

Y sobre el resto de canciones... Creo que no sería justo comentarlas aquí, sin que antes me dejéis subsanar mi error de adolescencia. Bécquer no era idiota ni Machado un "ganapán", pero yo me comporté como un idiota, al ponerme el impermeable y no dejar que otros discos de esta banda me calaran hasta los huesos. Permitidme ahora degustarlas un poco más, y otro poco mañana, y el día después de pasado mañana, y quizá en un futuro no muy lejano, puede que Al final de todo, disfrute Como un animal de esas otras canciones, y me encuentre de repente Haciendo el bobo al ritmo de su música.

Y será entonces, cuando pueda llegar a meterlas en el mismo saco en el que ya están canciones que tienen una carga emocional muy grande para todos los que nos hemos sentido alguna vez desgraciados, abrazados a la tristeza, enamorándonos de ella mientras la sacábamos a bailar un "cha-cha-cha" en uno de aquellos bares, tan gratos para conversar mientras, en el escenario, al calor del amor por la música, un tal Uli tocaba su armónica una vez más.