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viernes, 16 de febrero de 2024

1142.- Fluff - Black Sabbath

Estamos ante un joya instrumental de la legendaria banda británica Black Sabbath, "Fluff" esta incluida en su álbum de 1973, "Sabbath Bloody Sabbath" el quinto album de la banda y que es considerado por muchos como una de sus mejores discos. Fluff a menudo ha sido eclipsada por otras cancione del disco, pero esta pista instrumental ofrece una experiencia auditiva única y cautivadora que merece atención y apreciación.  Desde los primeros acordes, "Fluff" envuelve al oyente en una atmósfera etérea y serena, la guitarra acústica, interpretada magistralmente por Tony Iommi, establece el tono melódico de la canción, con suaves arpegios que fluyen con gracia. La simplicidad y la elegancia de la guitarra acústica son complementadas por una sección rítmica sutil pero efectiva, proporcionada por Geezer Butler en el bajo y Bill Ward en la batería. Juntos, crean una base sólida y fluida que permite que la melodía principal brille. A medida que la canción avanza, la guitarra eléctrica de Iommi se une delicadamente a la mezcla, añadiendo capas de textura y emoción. Su habilidad para transmitir tanto poder como delicadeza en su interpretación es evidente en cada nota, llevando al oyente en un viaje emocional a través de sonidos que van desde la melancolía hasta la esperanza. Lo que hace que "Fluff" sea tan especial es su capacidad para evocar imágenes y emociones sin la necesidad de letras. A través de su música, Black Sabbath logra contar una historia sin palabras, permitiendo que cada oyente la interprete de manera personal y única. Ya sea contemplando paisajes naturales, reflexionando sobre la vida o simplemente dejándose llevar por la belleza de la melodía, esta canción invita a la introspección y la conexión emocional. El título, "Fluff", sugiere una ligereza y suavidad que se reflejan perfectamente en la música misma. Es una pausa tranquila en medio del caos y la oscuridad que a menudo se asocia con el sonido característico de Black Sabbath. Aunque puede parecer atípico dentro del catálogo de la banda, "Fluff" demuestra la versatilidad y el talento musical de sus miembros, mostrando que son capaces de crear belleza en cualquier forma que elijan explorar.


Estamos ante una obra maestra musical que merece ser reconocida tanto como cualquier otra canción icónica de Black Sabbath. Con su melodía cautivadora, ejecución magistral y capacidad para evocar una amplia gama de emociones, esta pista instrumental perdura como una de las gemas ocultas en el vasto repertorio de la banda. Es un recordatorio de que la música trasciende las barreras del lenguaje y puede tocar el alma de cualquier persona que se tome el tiempo para escuchar con atención.


jueves, 15 de febrero de 2024

1141.- Sabbra Cadabra - Black Sabbath


Sabrra Cadabra, Black Sabbath 



     Sabbath Bloody Sabbath es el quinto álbum de estudio de la banda ingesa Black Sabbath. Fue grabado en los Morgan Studios de Londres en septiembre de 1973 bajo la producción del grupo, y publicado en noviembre de 1973 por el sello discográfico Vertigo Records. El proceso de escritura del álbum comenzó inicialmente en Los Ángeles, California, pero se vio perjudicado en gran parte por el abuso de sustancias y la fatiga por la gira mundial de su disco anterior que estaban haciendo merma en el seno de la formación.

Después de un mes en Los Ángeles con problemas la banda decide regresar al Reino Unido, donde alquilan el Castillo de Clearwell, situado en el bosque de Dean, en Gloucestershire, donde ya habían grabado antes artistas como Led Zeppelin, Mott the Hopple y Deep Purple. El entorno medieval del castillo ayudó al recuperar el tono en el grupo, pero también dejo una especie de aura misteriosa en el seno de la misma. En las notas del álbum en vivo de 1998, Reunion, Iommi recuerda: "Ensayamos n la armería allí y una noche estaba caminando por el pasillo con Ozzy y vimos una figura con una capa negra... Seguimos esta figura de regreso a la armería y no había absolutamente nadie allí. ¡Quienquiera que fuera había desparecido en el aire! La personas propietarias del castillo sabían todo sobre el fantasma y dijeron: 'Oh, sí, ese es el fantasma de tal y tal'".

Incluido en este álbum se encuentra la canción Sabbra Cadabra. su título es un juego de palabras que combina la expresión usada en la magia "abracadabra" con el nombre del grupo, y fue escrita por Geezer Butler, Ozzy Osbourne, Tony Iommi y Bill Ward. Contiene un ritmo pegajoso y una letra enigmática y surrealista que incluye referencias a temas como el ocultismo y la fantasía. El tema parece narrar una experiencia misteriosa o un viaje a través de la mente, con letras que sugieren un estado de trance. A lo largo de la canción se mencionan imágenes y símbolos como la "Diosa de la Luna" o la "Bruja del Viento", y la frase que da título en sí misma parece ser una invocación o un conjuro, lo que añade a un aire oscuro y misterioso a la canción.

miércoles, 14 de febrero de 2024

1140.- Killing yourself to live - Black Sabbath



"Killing yourself to live" ("Suicidarse para vivir") es la canción que abre la segunda cara de "Sabbath Bloody Sabbath" (1973), el quinto disco de estudio de Black Sabbath. Aunque la canción que le da título al disco fue la elegida como único single, el tiempo ha puesto en el lugar que se merecía a esta pieza magistral que, como el resto del álbum, surgió tras una etapa de agotamiento físico y mental de la banda que, tras la presión de una larga gira y el continuado abuso de sustancias, desembocó en un bloqueo creativo que les hizo desperdiciar un mes de trabajo en los estudios Record Plant de Los Angeles, sin conseguir grabar ningún nuevo tema.

Los Sabbath decidieron "volver a la vida" en el Reino Unido, y alquilaron un estudio de grabación en un castillo en Gloucestershire, en el que otros grupos de la talla de Led Zeppelin o Deep Purple se habían aislado a componer y grabar temas, y en el que incluso creyeron ver un fantasma una noche mientras grababan en la armería del castillo. Fantasmas aparte, el ambiente tétrico y medieval les ayudó a despejar la mente, impregnó las nuevas composiciones de la atmósfera siniestra que tanto les había costado recuperar en Los Angeles, y salvó a una banda en su momento creativo más bajo y casi al borde de la descomposición.

Esa vuelta de los infiernos queda reflejada a la perfección en "Killing yourself to live", compuesta por el bajista y tecladista Geezer Butler mientras se recuperaba en el hospital de los problemas de riñón que le había producido su excesivo consumo de alcoholButler reflexiona sobre los efectos de tanto abuso y la proximidad de la muerte, y la posterior vuelta de los infiernos, en una resurrección que fue en realidad un efímero espejismo, porque en el castillo el alcohol y las drogas siguieron estando a la orden del día, y los miembros de la banda aún recuerdan aquellos días como "el principio del fin" de aquella formación de Black Sabbath.

domingo, 29 de octubre de 2023

El artista del mes: Black Sabbath - Mob Rules #MesBlackSabbath

El artista del mes: Black Sabbath - Mob Rules #MesBlackSabbath

"Mob Rules" es el décimo álbum de estudio de la banda de heavy metal Black Sabbath, lanzado en 1981. Este álbum llegó dos años después de su exitoso "Heaven and Hell", el cual marcó la entrada del vocalista Ronnie James Dio en la banda, reemplazando a Ozzy Osbourne. "Mob Rules" continuó con esta alineación renovada y consolidó la posición de Dio como un frontman destacado en la historia del metal. A lo largo de aproximadamente 600 palabras, exploraremos en profundidad este álbum y su impacto en la escena musical.

El álbum se abre con la poderosa "Turn Up the Night", una canción llena de energía que establece el tono desde el principio. La voz distintiva de Ronnie James Dio se destaca de inmediato, demostrando su capacidad vocal excepcional y su habilidad para infundir pasión en cada palabra. La combinación de su voz con la guitarra de Tony Iommi y los poderosos riffs establece un estándar alto para el álbum.

Uno de los aspectos más notables de "Mob Rules" es la habilidad de Black Sabbath para crear atmósferas oscuras y siniestras a través de la música. Esto se evidencia en canciones como "Voodoo" y "Sign of the Southern Cross", donde la instrumentación y la voz de Dio se entrelazan para crear una sensación de misticismo y misterio. Estas canciones son ejemplos perfectos de la capacidad de la banda para contar historias a través de su música, transportando a los oyentes a mundos oscuros y desconocidos.

El título de la pista principal, "The Mob Rules", captura la esencia de la época en la que se lanzó el álbum. La canción presenta un mensaje poderoso sobre la conformidad y el control de masas, temas que eran relevantes en ese momento y que aún resuenan en la sociedad actual. La canción es impulsada por un ritmo fuerte y un coro pegajoso que invita a los oyentes a unirse a la revuelta contra las reglas impuestas.

"Country Girl" es una de las pistas más accesibles del álbum, con un ritmo más rápido y un ambiente más ligero. Muestra la versatilidad de Black Sabbath para explorar diferentes estilos dentro del metal, demostrando que no se limitan a un solo sonido.

El álbum cierra con la épica "Falling Off the Edge of the World" y la enigmática "Over and Over". Estas canciones demuestran la destreza musical de la banda y su capacidad para crear paisajes sonoros intensos y emocionales. La guitarra de Tony Iommi brilla especialmente en estas pistas, con solos melódicos y emocionantes que dejan una impresión duradera.

En cuanto a la producción, "Mob Rules" cuenta con un sonido más pulido en comparación con algunos de los álbumes anteriores de Black Sabbath. Esto se debe en parte a la colaboración con el renombrado productor Martin Birch, conocido por su trabajo con bandas como Deep Purple e Iron Maiden. La producción cuidadosa resalta la calidad de la música y permite que cada instrumento brille.

En retrospectiva, "Mob Rules" es un álbum que ha resistido la prueba del tiempo y sigue siendo uno de los pilares del género del heavy metal. La influencia de Ronnie James Dio como vocalista y letrista se siente en cada nota, y su química con los miembros originales de Black Sabbath resultó en un sonido que es instantáneamente reconocible y perdura en la memoria de los fanáticos. La capacidad de la banda para crear música que es al mismo tiempo poderosa, melódica y emocional es un testimonio de su talento y longevidad en la industria musical.

En conclusión, "Mob Rules" de Black Sabbath es un álbum que sigue siendo un hito en la historia del heavy metal. Con sus letras intrigantes, su instrumentación magistral y la voz inconfundible de Ronnie James Dio, este álbum continúa cautivando a nuevas generaciones de amantes del metal y es esencial para cualquier fanático de la música rock y metal.

Daniel 
Instagram storyboy 

miércoles, 25 de octubre de 2023

#MesBlackSabbath - Heaven and Hell

 

Heaven and Hell, Black Sabbath


     Heaven and Hell, el noveno álbum de estudio de la banda inglesa Black Sabbath, representa el fín de la era Ozzy y el inicio de otra con la inclusión de uno de los vocalistas más grandes que ha dado el metal, Ronnie James Dio. El disco es grabado entre octubre de 1979 y enero de 1980 entre los Criteria Studios de Miami y los Ferber Studios de París, bajo la producción del gran Martin Birch, y publicado el 18 de abril de 1980 por el sello discográfico Vertigo Records. En Estados Unidos tuvo un gran éxito comercial, llegando a vender más de un millón de copias. Tampoco le fue nada mal en Reino Unido.

Las sesiones iniciales del álbum comenzaron con Ozzy Osbourne tras la conclusión de la gira Never Say Die!. La banda se reunió en Los Angeles durante once meses para grabar el nuevo disco, un proceso descrito por Tony Iommi como interminable y frustrante. Ozzy estaba harto de la experimentación en los discos anteriores Technical Ectasy y Never Say Die!, y prefería el sonido más pesado que hacía la banda anteriormente. Todo esto acabaría desembocando en la marcha de Ozzy del grupo. 



Por otro lado, Ronnie James Dio e Iommi se conocen en 1979 gracias a Sharon Arden, quien más tarde se convertirá en la esposa de Ozzy. En un principio ambos discuten sobre la formación de una nueva banda en lugar de la continuación de Black Sabbath, y todo queda ahí. La pareja se volvería a encontrar más tarde, ese mismo año y por casualidad en Los Angeles, y su situación era similar, Dio estaba buscando un nuevo proyecto, mientras fue Iommi necesitaba imperiosamente un vocalista. La pareja mantuvo el contacto telefónico hasa que Dio se presentó en Los Angeles para una sesión relajada e improvisada y así conocerse mejor. Ese mismo día el dúo terminó Children of the Sea, canción que había comenzado a gestarse cuando todavíia estaba Ozzy en la banda y de cuyo proyecto Iommi conserva una grabación con este vocalista. A pesar de las dudas, pues Butler y Ward tienen dudas sobre si seguir o no, la banda se prepara para entrar en el estudio y grabar lo que acabará siendo Heaven and Hell. Butler hace un amago de marcharse debido a sus problemas cosu separación y un difícil divorcio, por lo que Iommi le sustituye en un primer momento por Geoff Nicholls. El guitarrista se pone en contacto con su amigo Frank Zappa para que le ayude a encontrar un bajista, Zappa ofrece a su bajista para las sesiones del disco, pero Iommi prefiere un miembro permanente. Al final Butler decide regresar al grupo y Tony Iommi deja como teclista no oficial de la banda a Nicholls. Bill Ward estaba luchando con una serie de problemas personales que le obligaron a dejar unos meses la banda, pero regresaría finalmente, aunque en un principio no estaba muy de acuerdo con el rumbo que había tomado la banda con Dio. Durante esa época también colabora el bajista Graig Gruber, pero no está clara cual es su contribución en el disco. 

En cuanto a la producción, en seguida se nota la mano de Martin Birch que es el primer productor externo de Black Sabbath desde que la banda se había separado de Rodger Bain. Y en cuanto a la portada, esta fue tomada de una pintura del artista Lynn Curlee, llamada Smoking Angels, inspirada en una fotografía de 1928 de mujeres vestidas como ángeles fumando detrás del escenario durante un descanso en un concurso universitario. La ilustración de la contraportada del disco fue dibujadada por el artista Harry Carmean. El disco se convirtió en el más exitoso del grupo desde Sabotage (1975), alcanzando el puesto número 9 en las listas de ventas del Reino Unido y el puesto número 28 en las listas de Estados Unidos. Se situó en el tercer disco más vendido de la banda detrás de Paranoid y de Master of Reality



Entramos en materia, y ya desde la primera canción, la enérgica Neon Knights, queda claro el nuevo rumbo tanto en la composición como en el tono imprimido por la voz de Ronnie James Dio. Esta fue la última canción escrita por la banda para el álbum. La letra fue escrita por Dio y es la única que cuenta con la participación del bajista Geezer Butler debido a sus problemas personales. Con un ritmo enérgico y pegadizo, Dio nos habla sobre leyendas inglesas de mitos y cultura medieval. Esta canción era la primera del álbum, y por tanto suponía mucha presión para el grupo, pues era la puesta en escena del nuevo vocalista del grupo, y era muy importante que a los fans les gustara. El segundo corte es una de las joyas absolutas de ese álbum, Children of the Sea, una conmovedora balada que destaca por el impresionante despliegue vocal de Dio, que demuestra por qué es uno de los mejores vocalitas del metal. Originalmente se comenzó a escribir mientras estaba en la banda todavía Ozzy, y fue retomada por el dúo Iommi / Dio. La melodía y la letra fueron escritas por Dio, mientras que Iommi se encargó de gran parte de la letra. El bajo fue grabado por el bajista Geoff Nicholls debido a los problemas por los que atravesaba Geezer Butler. Tony Iommi afirma tener una grabación de demostración muy temprana del tema con Ozzy Osbourne, aunque con una melodía y letras diferentes. Estamos ante una de las canciones más enigmáticas debido a sus letras de fantasía. Después de habernos relajado llega otro subidón con una de las canciones más pesadas del disco con el sonido característico del grupo, Lady Evil. Fue escrita por Dio junto con le resto de la banda, Iommi, Ward y Butler. La canción además refleja el giro poético de Dio con la letra que se aleja de la era del grupo con Ozzy. Cierra la cara A con otro de los grandes momentos del álbum, la canción que da nombre al mismo, Heaven and Hell. La canción se ha convertido en una de las más icónicas de Dio y del grupo por su melódica y reflexiva letra. El responsable de la línea de bajo de la canción fue Nicholls. Dicha línea de bajo se parece mucho a la canción de "Mainline  Riders" del grupo Quartz, del cual Nicholls fue miembro. La canción trata sobre la capacidad de cada ser humano de elegir entre el bien y el mal, ya que cada persona tiene en uno mismo "el cielo y el infierno" dentro de sí. Memorables son las interpretaciones en directo de la banda de esta canción, a menudo esta se extendía con solo extendido de Iommi y con la participación del público, con letras improvisadas sobre apariciones angelicales y demoníacas.

La cara B abre con una de las canciones menos atractivas del álbum, la optimista Wishing Well. Con un ritmo pegajoso, Dio le canta a una niña que el será su pozo personal de los deseos, tírale un centavo y él te hará realidad tu sueño. Si bien es cierto que las letras de Dio a menudo tratan sobre el bien y el mal, en esta se desmarca con una letra que bien podría ser para una película de Disney. Le llega el turno a Die Young, canción muy cañera con unos riffs y solos marca de la casa de Tony Iommy mientras que Dio aborda temas como la mortalidad y el envejecimiento. Dio profundiza sobre la inutilidad de la vida frente a la efímera naturaleza del hombre. Walk Away, es una canción con un tono más ligero y un ritmo más alegre, y es por eso por lo que quizás sea la canción menos atractiva del disco. Un pequeño bajón que se encarga de levantar la última pista, Lonely Is the World, que vuelve a la senda del sonido más oscuro y pesado el grupo. En cuanto a las letras, estamos ante una canción muy triste y solitaria donde Dio nos habla de la muerte. Este tipo de letras tristes y taciturnas no son muy corrientes en el heavy metal pero sí en el blues, el country o el soul. Atentos al solo de guitarra de Tony Iommi porque con razón mucha gente lo cita como uno de los mejores de su carrera. 

Heaven and Hell está considerado como uno de los álbumes más destacados de la carrera de Black Sabbath, y uno de los más influyentes del heavy metal. La inclusión de Ronnie James Dio a la banda le dio un nuevo impulso creativo y un sonido distintivo que abría otra fructífera etapa después de la era Ozzy Osbourne.

domingo, 22 de octubre de 2023

Black Sabbath - Technical Ecstasy (Mes Black Sabbath)


No estoy de acuerdo con muchos de los críticos, no creo que este sea el peor álbum de Sabbath de los 70, particularmente ese título se lo doy a "Never Say Die” si admito que el álbum está claramente a un paso de sus trabajos anteriores, esta fue sin duda una progresión lógica teniendo en cuenta que la banda logró la perfección absoluta en la combinación de progresivo y metal en el transcurso de sus dos últimos álbumes, estaba claro que era necesario otro desafío para mantener la dirección creativa de la banda en movimiento. "Technical Ecstasy" fue la respuesta. Vamos a sentar la primera base, este no es un álbum de hard rock o heavy metal, en todo caso, la mayor parte se acerca al pop-rock sifónico (con matices de boogie-woogie, blues, funk y hard rock/metal) aunque los mas optimistas diran que es la "ópera rock" de Black Sabbath. No hay nada malo en los cambios y la dirección que tomó la banda (al menos en concepto) pero si eso es lo que vas a hacer, ¡al menos intenta hacer que la música este cerca de lo que entregaste, por supuesto, hay algunas buenas canciones, en particular las dos mejores: You Won't Change Me y Dirty Women. Pero al mismo tiempo tenemos algunos de los peores trabajos de la banda, sobre todo la que posiblemente sea la canción más horrenda del grupo original: "Rock N' Roll Doctor". Technical Ecstasy es, con diferencia, el menor de los 8 álbumes originales de Black Sabbath, en el mejor de los casos, puede ser un álbum muy interesante y divertido. En el peor de los casos, es probablemente el único álbum original de Black Sabbath que puedes detestar.


 

"Back Street Kids" probablemente no tenga la letra mas apasionantes, pero en el estribillo muestran mucha creatividad, con frases retorcidas y disonantes y líneas de sintetizador brillantes. El puente también está muy bien arreglado y tiene un fuerte gancho vocal. A pesar del enfoque lírico juvenil, este es un tema de Sabbath decente, podemos decir que es una buena canción de hard rock que comienza con un riff que afloraría menos de un año después en "Barracuda" de Little Queen. "You Won't Change Me" es una cancion muy dramática con fantásticas armonías vocales que debería convertirse en una melodía clásica de Sabbath. Un poco pesados en los teclados a veces, pero de todos modos es una gran canción. En realidad, realmente no dañan la canción, a estas alturas de la escucha, ya está muy claro que la voz de Ozzy es mucho más clara y fuerte que en Sabbath Bloody Sabbath y, en menor medida, que en Sabotage. "It's Alright" es una canción que debería odiar, y estoy seguro de que muchos fans de Sabbath lo hicieron pero me convence, ss básicamente una canción de folk rock con la voz principal del baterista Bill Ward.. No necesariamente me interesaría escuchar un álbum completo de esto, pero durante 4 minutos definitivamente funciona. "Gypsy" fue uno de los 3 sencillos del disco (It's Alright & She's Gone son los otros 2) buena canción que adolece del innecesario blues del sintetizador, con un gran trabajo de apertura de Bill & Geezer. Para muchos es el punto más bajo del álbum a pesar de la actuación estelar de Ward y los ingeniosos estribillos, hay una verdadera falta de ganchos o imaginación lírica.


 "All Moving Parts" es un bonito corte clásico de medio tiempo, con un trabajo de bajo pulsante de Butler y melodías vocales enganchadas. El hammond y el clavinet también se utilizan mucho aquí, aunque prácticamente están enterrados en el arreglo. La ruptura del jazz en el medio también es excelente, con una sensación sincopada en bucle que te saca de la seguridad de los versos más convencionales. Este es un verdadero punto culminante del álbum, la joya de la ofrenda sin brillo. Trae las letras sociopolíticas que la banda logró difundir a lo largo de los primeros álbumes sin mucha fanfarria (A National Acrobat, War Pigs, Hand of Doom , Funeral Eléctrico, Wicked World, etc.). "Rock 'n' Roll Doctor" es lo más estúpido del disco, superando a Back Street Kids por un buen margen, sin embargo, quita el nombre de Black Sabbath de esto, ponle la cara B de Back Street Kids y tendrás un sencillo muy vendido de una banda de rock de la que los niños tal vez quieran escuchar más. El tipo de banda que habría sacado a Sabbath del escenario cuando estaban colapsando bajo las drogas y las luchas internas a partir de ese momento. "She's Gone" es probablemente la mejor balada de Sabbath jamás grabada, la voz increíblemente apasionada de Ozzy, las cuerdas melancólicas y las inquietantes guitarras acústicas ayudan a crear un ambiente innegablemente desesperado aquí... y el resultado es como un rayo en una botella. Perfección. El bajo de buen gusto de Butler también es lo más destacado. "Dirty Women" es una epopeya de rock de más de 7 minutos sobre la profesión más antigua del mundo. Lo que me encanta de este es que podemos escuchar a Ozzy dejar que todo salga bien, a veces, de la manera más gutural. El órgano está bien y la forma de tocar de Iommi es creativa y firme, pero las tendencias progresivas en algunos lugares llevan la vibra en demasiadas direcciones diferentes como para considerar esta una pista completamente desarrollada.

 

En general, hay un tono muy futurista y cínico en el álbum, esto es algo que Sabbath aún tenía que explorar y, en retrospectiva, fueron sabios al hacerlo. Por otro lado, el álbum ciertamente alienó a una buena parte de su audiencia con sus tendencias art rock claramente a la vanguardia. Quizás este álbum fue realmente un simple caso de "demasiado, demasiado pronto". No lo sé, pero definitivamente es una entrada digna en el canon del sábado. No hace falta decir que los instrumentales están bien interpretados y hay más de un riff que vale la pena escuchar, una vez más como era de esperar. Seguramente la voz de Ozzy alcanzó su punto máximo en Sabotage, y de alguna manera en un año perdió no sólo la ira, sino prácticamente cualquier personalidad o energía. Seguramente no quería estar allí grabando este disco, pero eso no hace que su actuación sea menos mediocre. A pesar de todas sus deficiencias, sigue siendo una escucha bastante fácil y no molesta mucho.

miércoles, 18 de octubre de 2023

Black Sabbath - Sabotage (Mes Black Sabbath)



El sexto álbum de estudio de Black Sabbath, "Sabotage" (1975) no es tan solo una más de las muchas demostraciones de la banda de como facturar potentes discos de heavy metal clásico, sino que, para la ocasión, los Osbourne, Iommi y compañía se afanaron en dotar a las ocho canciones que componen el disco de una versatilidad de estilos y tendencias que habían desarrollado en menor medida en sus anteriores obras, más marcadas por su característico sonido oscuro y lúgubre.

El disco arranca con la enérgica "Hole in the Sky", con un característico riff de guitarra firmado por Tony Iommi. El "agujero en el cielo" es una amenaza inminente para un mundo sumido en la decadencia y la oscuridad, y una canción brillante al más puro estilo sombrío y poderoso de los mejores temas de Black Sabbath. Es un arranque continuista con el estilo y la atmósfera típicos de la banda, pero no hay que esperar mucho para comprobar que la intención de dar cabida a otros colores en su paleta es firme y decidida. En "Don't Start (Too Late)", pista instrumental que sirve como breve interludio previo al siguiente tema cantado, Tony Iommi toma las riendas y conduce la oscura diligencia hacia terrenos más verdes y luminosos, en un tremendo ejercicio de virtuosismo con la guitarra acústica, creando una pieza sorprendentemente suave y melódica.

Tras el receso acústico, "Symptom of the Universe" explota en todo su esplendor con otro de los más grandes y característicos riffs de guitarra de Iommi. Estamos ante una de las canciones más relevantes del disco y de la carrera de Black Sabbath, que nos lleva en volandas con su ritmo rápido y pesado, y que transita incluso territorios del rock progresivo en el puente a mitad de canción. Las letras no se alejan de las temáticas clásicas de la banda, y sumergen al oyente en un oscuro mundo de ansiedad y paranoia, del que no terminan de salir en "Megalomania", una de las canciones más largas del disco, y en la que tras un comienzo de órgano melancólico y la sombría voz de Ozzy Osbourne, nos encontramos con tramos en los que, de nuevo, la banda se desmelena y se lanza al rock progresivo. El avance gradual de la canción, salpicada de impresionantes cambios de ritmo y variaciones instrumentales, es realmente impactante. Como su propio título indica, la letras explora de manera introspectiva el tema de la megalomanía y el egocentrismo obsesivos.

Superado el largo e impactante tránsito por el mundo de la megalomanía, la energía heavy metal más básica vuelve con fuerza en "Thrill of It All", con otro riff poderoso y un estribillo más asequible y pegadizo. La megalomanía anterior quizá fuera consecuencia de la fama y la adicción a la adrenalina del éxito y los escenarios que sufre una banda de renombre, que se erigen aquí en los temas principales de la letra de la canción. Imposible no pensar en la relación entre la temática de esta pieza y el título de la siguiente, "Supertzar", un juego de palabras con el término "Superstar", que le pone efectivo nombre a la segunda de las canciones instrumentales de "Sabotage", que a diferencia de la anterior, tiene un planteamiento sonoro mucho más grandioso y orquestal, con un enorme coro y un imponente órgano destacando sobre el conjunto y creando un clima de majestuosidad que contrasta con la oscuridad del álbum y de la banda.

Un nuevo giro sorprendente nos espera en "Am I Going Insane (Radio)", una reflexión sobre la inestabilidad mental y la locura con un sonido que, aunque mantiene las credenciales básicas de la banda, es mucho más ligero y accesible. Es la pieza perfecta para abrevar y tomar aire antes de la traca final de "The Writ", una canción intensa y compleja que explora en sus letras temas tan intensos como el resentimiento y la culpa. Su riff de guitarra pesado va evolucionando a lo largo de sus más de ocho minutos, y la voz de Ozzy transmite de manera brillante la emoción cruda que acompaña a la canción, logrando una despedida épica para un álbum en el que demuestran que, aún manteniendo las características con las que crearon un género en sí mismo, tienen la versatilidad suficiente para moverse en terrenos progresivos y melódicos más arriesgados, en un acto de "sabotaje" de sus propios postulados, que para una banda tan oscura podía haber terminado en suicidio profesional, pero que abrió su propuesta musical a otros horizontes, impresionando a propios y extraños con el impactante resultado de este particular "Sabotage".

domingo, 15 de octubre de 2023

Black Sabbath - Sabbath Bloody Sabbath (Mes Black Sabbath)

SABBATH BLOODY SABBATH introdujo arreglos compositivos aún más complejos que incluían más estilos de teclado y también algunas cuerdas y otros toques, si bien se intentó incluir un sitar y una gaita, fueron rechazados de la edición final, lo cual probablemente fue un acierto. Con los pesados riffs introductorios de la canción principal y las visiones de pesadilla de la portada del álbum de Drew Struzan, SABBATH recapturó las imágenes oscuras y las vibraciones oscuras del álbum debut y "Paranoid", pero también mostró un enfoque musical más maduro que en sus comienzos, riffs de heavy metal fortalecidos por desviaciones hacia coqueteos más sofisticados hacia el mundo del rock progresivo donde vemos a los miembros de la banda domando a sus demonios y asumiendo desafíos para mejorar su musica y seguir siendo relevantes en un negocio musical en rápida evolución. A pesar de casi separarse a principios del año 1973, la banda compuso algunos de los mejores materiales de su carrera, Black Sabbath aplica sus nuevas ideas con más sensatez y siempre encajan perfectamente con las canciones, sin chocar nunca con ningún sonido clásico de Black Sabbath y sin dañar la cohesión del álbum, como si ser los progenitores del heavy, doom y sludge metal no fuera suficiente, Black Sabbath pondría aquí las primeras semillas de lo que se convertiría en metal progresivo.


El álbum comienza con la canción principal, que bien podría ser la mejor canción del album "Sabbath Bloody Sabbath" muestra el nuevo sentido de dinámica de la banda, ya que la canción se abre típicamente con un riff brutal y letal a la que se une a la habitual voz vengativa de Ozzy Osbourne. Sin embargo, la canción te hace saber que esta vez te espera algo diferente, ya que cambia abruptamente a un tono más suave, con Ozzy siguiendo su ejemplo en su voz y la pesada guitarra eléctrica de Iommi siendo reemplazada por una sensible guitarra acústica. Luego, cuando crees que la canción ha mostrado sus cartas, justo después de la mitad, Iommi, desde un solo, conduce a un riff completamente diferente, incluso más pesado, que lidera el resto de la canción con la voz de Ozzy sonando más enfurecida que nunca. El último minuto de la canción termina con otro riff nuevo, galopando más rápido que en cualquier otra parte de la canción hasta la línea de meta antes de desvanecerse repentinamente y apagarse en un ataque de rareza psicodélica. "A National Acrobat" es otro punto destacado, pero desafortunadamente utiliza exactamente la misma melodía vocal que los versos de "Sabbath Bloody Sabbath", sin embargo, tiene un riff único y el toque psicodélico en el solo después del punto medio es magistral. La ultima parte de la canción avanza con un trabajo rápido de guitarra que en realidad tiene una especie de tono optimista. Lo que lleva a "Fluff", el único instrumental del álbum, un instrumental acústico alegre al que se une sólo ocasionalmente un piano. Quizás sea el mejor instrumental de Black Sabbath, pero está drásticamente fuera de lugar en este álbum, donde está ahora, perjudica el flujo del álbum, a pesar de su calidad como pista instrumental singular. "Sabbra Cadabra" también podría considerarse la canción principal del álbum, comienza como un verdadero heavy metal sobre un hombre enamorado de una mujer, poco después, en la canción, un sintetizado (tocado nada menos que por Rick Wakeman de Yes ) se coloca encima del riff de Iommi para lograr un efecto sorprendente y complementa los acordes a la perfección. La voz de Ozzy pronto regresa con un extraño efecto de estudio que lo hace sonar más genuinamente demoníaco que nunca. Un piano de blues es el último en unirse a esta fiesta y, como todo lo demás en el álbum, se desliza suavemente y encaja perfectamente. "Sabbra Cadabra", muestra que Black Sabbath ha aprendido el poder de la dinámica dentro de una canción y cómo controlar adónde lleva al oyente, y es el viaje más emocionante del álbum.



"Killing Yourself to Live" no tiene la nueva paleta sonora de las pistas anteriores, pero no obstante es una canción clásica de Sabbath: un punto culminante del álbum con excelentes interpretaciones instrumentales y fuertes ganchos. La canción no cambia mucho hasta el último minuto, donde nuevamente acelera y hace referencia nuevamente al espíritu del rock and roll raíz que surgió en "Sabbra Cadabra". "Who Are You?" es la única canción del álbum impulsada por un sintetizador, más específicamente el sintetizador Moog de Ozzy que compró antes del álbum a pesar de no saber tocarlo. Es una canción un poco tonta en retrospectiva (como todo lo que alguna vez tocó un Moog), pero es adorable por su cursi y el piano que se une más adelante en la canción casi hace que la pista suene como si fuera una especie de obertura para la épica del heavy metal y las oberturas de sintetizador que se convertirían en un pilar eventual de los álbumes de metal progresivo, por lo que al menos esta es otra canción históricamente pionera, incluso si no es un punto culminante por sí solo. "Looking for Today" regresa al formato basado en guitarra, pero esta vez es la batería de Bill Ward lo más destacado de la canción, así como las flautas que se unen a la voz de Ozzy en el coro. Tonalmente, esta es la canción que suena más alegre del álbum, Ozzy gritando el título de la canción suena incluso optimista, pero la canción es crítica con la persona a la que se dirige, alguien cuya vida pasa de largo porque solo vive en el presente. "Spiral Architect" retoma las cosas nuevamente con una de las mejores canciones del álbum, que comienza con una delicada guitarra acústica antes de que suene el sonido eléctrico. El estribillo de la canción suena retorcido con los violines y la voz desafinada de Ozzy. Es un final radical para un álbum excelente y un buen resumen de los elementos que hacen de Sabbath Bloody Sabbath el mayor logro de Black Sabbath.



“Sabbath Bloody Sabbath” es probablemente el lanzamiento más progresivo en la discografía de la banda y por lo tanto debería escucharse más de una vez antes de calificarlo, no me gustó nada cuando lo escuché por primera vez pero creció en mí. y ahora lo considero como uno de los mejores álbumes de la banda. De modo que Sabbath ciertamente ha experimentado cambios y, a través de ellos, ha producido su primera obra maestra, todavía no es perfecta, debido a algunos problemas menores de ritmo y secuencia, pero en Sabbath Bloody Sabbath, la banda ha demostrado ampliamente que el metal puede ser colorido, diverso, melódico, pegadizo y conmovedor en igual medida sin sacrificar su esencia pesada. Escucha esencial, no sólo para los recién llegados a Sabbath, sino como algo que muy probablemente convertirá a aquellos que no están tan enamorados de los primeros álbumes de Sabbath o del heavy metal en general. Y a partir de ahí solo mejorarían...


miércoles, 11 de octubre de 2023

BlackSabbath - Vol. 4. (Mes Black Sabbath)

 

Vol. 4, Black Sabbath


     En mayo de 1972 el grupo británico Black Sabbath se encierra en los Record Plant Studios de Los Angeles para grabar su cuarto álbum de estudio, Vol. 4. Este disco será el primero que no produzca Rodger Bain, recayendo tal tarea en el que era por entonces mánager del grupo, Patrick Meehan y en la propia banda. Pero quien realmente asumió prácticamente las tareas de producción fue el guitarista Tony Iommi. Sobre la producción del disco, Ozzy Osboune afirmaba: "Es el primer álbum que hemos producido nosotros mismos...  Anteriormente teníamos a Rodger Bain como productor, y aunque es muy bueno, realmente no sentía lo que estaba haciendo la banda. Fue una cuestión de comunicación. Esta vez lo hicimos con Patrick Meehan, nuestro mánager, y creo que todos estamos muy contentos... Fue genial trabajar en un estudio americano". El disco fue publicado en septiembre de 1972 por el sello discográfico Vertigo Records



La grabación no estuvo exenta de problemas, la mayor parte de ellos por el abuso de drogas. Habitualmente el grupo solía recibir en el estudio altavoces llenos de cocaína, lo que da una idea de como eran la sesiones de grabación. Sobre este asunto de las drogas, Ozzy en su biografía habla sobre las sesiones de grabación en Los Angeles: "A pesar de todos los problemas, musicalmente esas pocas semanas en Bel Air fueron las más fuertes que jamás hayamos tenido". También admitía: "Con el tiempo empezamos a preguntaros de dónde carajo venía toda la coca... esa coca era la sustancia más blanca, más pura y más fuerte que jamás puedas imaginar. Una inhalación y eras el rey del universo". Ozzy tambén relata la constante preocupación y ansiedad por la posibilidad de ser arrestados por este asunto en Estados Unidos, y que empeoró a raíz de ver la banda en el cine la película The French Connection (1971), sobre policías encubiertos en la ciudad de Nueva York que desmantelaban una red internacional de contrabando de heroína. Ozzy recordaba: "Cuando llegaron los créditos estaba hiperventilando". Geezer Butler también afirmaba que no fue consciente del problema que tenían hasta que llegó a casa y la chica con la que estaba no le reconoció.

La portada del disco presenta una fotografía monocromática de Ozzy Osbourne con las manos levantada haciendo el signo de la paz. Dicha foto fue tomada por Keith Mcmillan durante un concierto del grupo en el Ayuntamiento de Birmingham en enero de 1972. El disco llegó a alcanzar en menos de un mes el disco de oro, y fue el cuarto lanzamiento consecutivo en conseguir vender más de un millón de copias en Estados Unidos. Toda la música fue escrita por el grupo, mientras que la letra corrió a cargo del bajista Geezer Butler.

Este disco tiene su importancia, pues muestra un cambio, una evolución en el sonido de Black Sabbath, alejándose del enfoque puramente oscuro y pesado de sus primeros discos. El disco comienza con Wheels of confusion, tema que comienza con un riff poderoso y complejo que muestra ya desde el inicio la habilidad y maestría musical de la banda. La canción nos introduce en la vorágine de estar perdido entre las ruedas de la confusión, que es la forma en la que alguna vez nos hemos encontrado en la vida, perdidos sin rumbo. Tomorrow's Dream es una canción con rápido ritmo con el distintivo estilo de Iommi donde podemos apreciar el caracter potente y pesado de la banda, acompañado por la melancólica letra que canta Ozzy. Aunque el disco conserva el característico estilo pesado del grupo, en alguna canción se abren y muestran su lado más sensible, como en Changes, una balada de piano con mellotron. La canción se inspiró en la ruptura que el baterista Bill Ward había sufrido con su primera esposa. Iommi aprendió a tocar solo el piano después de encontrar uno en el salón de baile de la mansión de Bel Air que el grupo había alquilado. En aquel salón fue donde compuso la canción. Según Ozzy: "Tony simplemente se sentó al piano y se le ocurrió esta hermosa melodía... Yo me puse a tararear una melodía exagerada y Geezer escribió estas desgarradoras letras sobre la ruptura que Bill Ward estaba pasando con su esposa". La canción es toda una rareza en la obra del grupo, pues no incluye ni guitarra ni batería. Fx es una breve canción instrumental que consta de ruídos de eco del crucifijo que Tony Iommi lleva al cuello, golpeando su guitarra con efectos de eco adicionales. La canción surgió de forma espontánea, pues después de fumar hachís, el crucifijo que llevaba al cuello Tony Iommi empezó a golpear accidentalmente las cuerdas de su guitarra, y los demás miembros del grupo se interesaron por aquel extraño ruido. Tony definía esta canción como "Una broma total". Cierra la cara A Supernaut, canción que contiene unas crípticas letras que nos hablan del escapismo añadiéndole un toque de fantasía, y un poderoso riff de guitarra de Iommi, que no deja indiferente, pues el músico Beck Hansen ha catalogado este riff como su favorito de todos los tiempos. No solo a él le parece prodigioso, pues tanto John Bonham como el mismísimo Frank Zappa también lo nombran como uno de sus temas favoritos de siempre.



Snowblind
abre la cara B, que es una clara referencia de la banda a la cocaína, la droga que consumían por aquel entonces. En las notas el grupo hace un juego de palabras de agradecimiento a "la gran COKE-cola Company", otra clara alusión a dicha sustancia. La banda quería que este tema fuera el título del álbum, pero la compañía discográfica se negó por razones obvias. Según Ozzy: "Snowblind fue uno de los mejores álbumes de Black Sabbath, aunque la compañía no nos permitió conservar el título... Porque en aquellos días la cocaína era un gran problema y no querían la molestia de una controversia". En esta canción colabora una orquesta en su grabación. Cornucopia es otra canción pesada con un pesado ritmo y con un excelente trabajo de Iommi con la distorsión de la guitarra. Es otro de los temas donde permanece intacto el característico estilo pesado del grupo. En Laguna Sunrise  el grupo muestra su evolución de sonido, un evocador instrumental de corte neoclásico. Después de estar despierto toda la noche y contemplar el amanecer en Laguna Beach, Tony Iommi compuso la canción. En el estudio, una orquesta acompaño al guitarrista, aunque dicha orquesta se negó a actuar hasta que sus partes estuvieran escritas adecuadamente. Es la misma orquesta que colaboró en Snowblind. El disco acaba con dos temas, la corta y enérgica St. Vitus' Dance, que muestra la versatilidad de la banda, y Under the Sun, que cierra el álbum con un poderoso riff mientras Ozzy nos habla de la inevitabilidad del cambio, un cambio que ni ellos mismos habían podido evitar al concebir este disco.

Vol. 4 muestra una firme evolución del grupo pero sin perder de vista su esencia, y además de estar considerado como uno del los discos clásicos del grupo, se convirtió en una clara influencia para infinidad de bandas de heavy metal que fueron surgiendo con posterioridad. 

domingo, 8 de octubre de 2023

Black Sabbath - Master of Reallity. (Mes Black Sabbath)


El artista del mes: Black Sabbath - Master of Reallity #MesBlackSabbath

"Master of Reality": Un Viaje Profundo a la Oscuridad Musical de Black Sabbath

Black Sabbath, la banda que prácticamente inventó el heavy metal, alcanzó su punto culminante en 1971 con el lanzamiento de su tercer álbum de estudio, "Master of Reality". Este álbum no solo marcó un hito en la evolución del género musical, sino que también consolidó la posición de la banda como uno de los actos más influyentes en la historia del rock.

El álbum se abre con "Sweet Leaf", una canción que se ha convertido en un himno del rock, gracias a su inolvidable riff de guitarra y la voz distintiva de Ozzy Osbourne. La canción es un tributo al amor de la banda por la marihuana y establece inmediatamente la atmósfera psicodélica y pesada que dominará el álbum.

Lo que hace que "Master of Reality" sea verdaderamente especial es su sonido distintivo y su capacidad para explorar la oscuridad de manera musical. El uso de afinaciones de guitarra más bajas, especialmente en canciones como "Children of the Grave" y "After Forever", añade un peso adicional a las canciones, creando un aura de poder y misterio. Tony Iommi, el guitarrista de la banda, merece un reconocimiento especial por su habilidad para crear riffs que son al mismo tiempo pesados y melódicos.

La oscuridad de "Master of Reality" se manifiesta no solo en la música, sino también en las letras. "Lord of this World" y "Solitude" exploran temas de desesperación y alienación, mientras que "Into the Void" ofrece una visión sombría del futuro de la humanidad. Las letras de Black Sabbath en este álbum son introspectivas y a menudo pesimistas, lo que les dio una autenticidad y profundidad que resuenan con muchas generaciones de fans.

La estructura del álbum también es notable. Con solo ocho canciones, es relativamente corto en comparación con otros álbumes de la época. Sin embargo, esto juega a su favor, ya que cada canción tiene la oportunidad de brillar por sí misma. El equilibrio entre pistas pesadas y más suaves, como "Embryo" y "Orchid", muestra la versatilidad de la banda y su capacidad para crear una experiencia auditiva dinámica.

Una de las características más interesantes de "Master of Reality" es su producción. La banda optó por un enfoque más crudo y sin pulir en comparación con su álbum anterior, "Paranoid". Esto le da al álbum una sensación de autenticidad y una conexión directa con la energía en bruto de la música. Las guitarras suenan sucias y poderosas, la batería de Bill Ward es primitiva pero efectiva, y el bajo de Geezer Butler proporciona una base sólida para todo el conjunto.

La portada del álbum también es icónica, con su diseño minimalista y el logo de la banda. Este enfoque simple se suma a la atmósfera misteriosa y siniestra del álbum, sugiriendo que lo que te espera dentro es un viaje a lo desconocido.

En retrospectiva, "Master of Reality" no solo es un hito en la carrera de Black Sabbath, sino que también dejó una huella indeleble en la historia del rock y del metal. Su influencia se puede sentir en innumerables bandas posteriores que han adoptado el sonido pesado y oscuro que Black Sabbath perfeccionó en este álbum. Desde Metallica hasta Nirvana, la sombra de "Master of Reality" se extiende sobre la música que vino después.

En conclusión, "Master of Reality" de Black Sabbath es un álbum que merece ser celebrado y revisitado una y otra vez. Su combinación de letras sombrías, riffs de guitarra poderosos y atmósfera única lo convierten en una obra maestra del heavy metal y un testimonio del talento y la creatividad de una de las bandas más influyentes de todos los tiempos. Si eres un amante del rock y el metal, este álbum es esencial en tu colección musical y sigue siendo tan impactante hoy como lo fue hace más de cuatro décadas.

Daniel
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miércoles, 4 de octubre de 2023

Black Sabbath - Black Sabbath. (Mes Black Sabbath)



¿Fue el 13 de febrero de 1970 la fecha en la que nació el heavy metal? Antes de esa fecha, grupos como Led Zeppelin o Deep Purple habían bebido del blues y de esquemas clásicos para crear un rock eléctrico de gran intensidad y complejos desarrollos instrumentales, pero en la fecha antes comentada se publicó un disco que cambiaría el paisaje sonoro reinante hasta el momento: el álbum debut de Black Sabbath.

El disco "Black Sabbath" no solo abrió la puerta a un nuevo género musical marcado por una mayor oscuridad y dureza de sonido con respecto a bandas y conceptos anteriores, sino que lanzó internacionalmente a Black Sabbath como uno de los grupos más influyentes e icónicos del género recién creado y de la historia del rock en general. Formados en Birmingham en 1968, los Black Sabbath se componían de Tony Iommi (guitarra eléctrica), Geezer Butler (bajo), Bill Ward (batería) y el carismático Ozzy Osbourne como vocalista.

El disco comienza con la canción que da título tanto al álbum como a la banda, la inquietante "Black Sabbath" y su célebre introducción conocida como el "Trítono del diablo", un icónico riff de guitarra que al instante se convirtió en referencia para los seguidores de la banda y del naciente heavy metal en general. Sombría y misteriosa, la canción describe a una figura oscura y siniestra, en un tono y una atmósfera lúgubres que predominarán a lo largo de las ocho canciones del álbum. Casi tan oscura es "The Wizard", pero aquí la banda da rienda suelta a un mayor derroche de destreza instrumental, y la inclusión de una hipnótica armónica la convierte en una pieza destacada y distintiva. El mago del título no es otro que Gandalf, el personaje de "El Señor de los Anillos", aportando al disco ese toque de fantasía épica y medieval que tan habitual sería después en el género del heavy metal.

Igualmente inquietante es "Behind the Wall of Sleep", con una marcada línea de bajo y una intensa interpretación vocal, y añadiendo para la ocasión un cierto aire psicodélico. La oscuridad sigue reinando en los surcos con "N.I.B.", en la que de nuevo es el potente bajo el que marca el camino hacia las sombras. Ozzy Osbourne pone aquí voz a un Lucifer enamorado, mientras la aportación de la guitarra eléctrica de Tony Iommi hace que la canción roce la categoría de obra maestra.

Tras tanta oscuridad, una canción como "Evil Woman" es, por su sonido más abierto y de blues rock, un resquicio de luz colándose entre los barrotes de una lúgubre mazmorra. Se trata de una versión de un tema de la banda británica Crow, pero encaja igualmente en el conjunto del disco. La luz que ha dejado entrar el blues no se disipa en el siguiente corte, "Sleeping Village", pieza instrumental que trae consigo inesperados aires frescos y melódicos, y que funciona como efectivo interludio antes de la de la gran pieza final.

Un disco tan oscuro solo podía terminar con una gran coda final. "Warning" es una gran versión extendida de la canción "Retaliation" de Aynsley Dunbar, plagada para la ocasión de largos solos de guitarra que la dotan de una intensidad y una energía enormes. Es una muestra más de la influencia del blues rock en el género, pero con un tratamiento totalmente diferente al de los anteriormente mencionados Led Zeppelin o Deep Purple, que tocaban con las cortinas descorridas, mientras que los Black Sabbath lo hicieron desde lo más profundo de un oscuro sótano, en el que reinan la oscuridad y la crudeza más opresivas.

lunes, 2 de octubre de 2023

1005 - Black Sabbath - Wheels of confusion


1005 - Black Sabbath - Wheels of confusion

Black Sabbath, una de las bandas icónicas del heavy metal, ha dejado una huella indeleble en la historia de la música. Su canción "Wheels of Confusion", proveniente de su álbum de 1972 titulado "Vol. 4", captura la esencia cruda y poderosa de su sonido característico.

La canción comienza con una introducción lenta y ominosa, creada por los riffs de guitarra de Tony Iommi y la voz distintiva de Ozzy Osbourne. Estos elementos establecen una atmósfera pesada que se adentra en los rincones más oscuros de la psique humana. A medida que la canción avanza, la batería de Bill Ward y el bajo de Geezer Butler se unen, creando una base rítmica que impulsa la canción hacia adelante con una intensidad implacable.

La letra de "Wheels of Confusion" aborda temas existenciales y de confusión mental, reflejando el estado de ánimo introspectivo y reflexivo que a menudo caracteriza a las canciones de Black Sabbath. Las letras exploran la lucha interna, el caos y la incertidumbre en el camino de la vida, y cómo estas "Wheels of Confusion" pueden hacer que uno se sienta atrapado y perdido. A pesar de la oscuridad en las letras, la canción también ofrece un sentido de catarsis a través de su intensidad y pasión musical.

La habilidad de Black Sabbath para combinar letras introspectivas con una instrumentación poderosa es evidente en "Wheels of Confusion". Los cambios de ritmo y las progresiones de acordes capturan la montaña rusa emocional que la canción intenta retratar. Desde momentos de calma y reflexión hasta explosiones de furia musical, la canción evoca una amplia gama de emociones en su audiencia.

"Wheels of Confusion" es un testimonio del legado duradero de Black Sabbath en la música. Su capacidad para explorar temas profundos y oscuros, al mismo tiempo que entregan un sonido que se convirtió en el molde para el género del heavy metal, es lo que hace que esta canción y la banda en su conjunto sean tan influyentes. A lo largo de los años, la canción ha mantenido su relevancia y sigue siendo un recordatorio de la maestría musical y lírica de Black Sabbath.

En resumen, "Wheels of Confusion" de Black Sabbath es una pieza musical que captura la esencia del heavy metal y la habilidad de la banda para explorar la psicología humana a través de su música. Con sus letras profundas, combinadas con una instrumentación intensa, la canción continúa dejando una impresión perdurable en la mente de los oyentes, llevándolos a un viaje emocional a través de las ruedas de la confusión.

Daniel 
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domingo, 1 de octubre de 2023

1004.- Changes Black Sabbath

 

Changes, Black  Sabbath


     Vol. 4 es el cuarto álbum de estudio de Black Sabbath. El grupo fue grabado en mayo de 1972 en los Record Plant Studios de Los Angeles, bajo la producción de Patrick Meehan y del propio grupo, y publicado en septiembre de 1972 por el sello discográfico Vertigo Records. Este disco fue el primero no producido por Roger Bain, recayendo tal tarea en Patrick Meehan y en el propio grupo. La función de producción de Meehan, quien entonces era mánager de la banda, fue mínima, y aunque figuraba también el grupo, quien asumió realmente las tareas de producción fue el guitarrista Tony Iommi. 

La grabación estuvo repleta de problemas, la mayor parte de ellos por el abuso de drogas. Habitualmente el grupo solía recibir en el estudio altavoces llenos de cocaína, lo que da una idea de como eran las sesiones de grabación. La portada del disco presenta una fotografía monocromática de Ozzy Osbourne con las manos levantadas haciendo el signo de la paz. Dicha foto fue tomada por Keith Macmillan durante un concierto del grupo en el Ayuntamiento de Birmingham en enero de 1972. El disco alcanzó en menos de un mes el disco de oro, y fue el cuarto lanzamiento consecutivo en conseguir vender más de un millón de copias en Estados Unidos. Toda la música fue escrita por el grupo, y las letras por Geezer Butler. 

Aunque la mayor parte del disco conserva el característico estilo pesado de la banda, en alguna canción muestran un lado más sensible, como en Changes, escrita por Tony Iommi (música) y Geezer Butler (letra), una balada de piano con mellotron.La canción se inspiró en la rupura que el baterista Bill Ward había sufrido con su primera esposa. Iommi aprendió a tocar el solo el piano después de encontrar uno en el salón de baile de una mansión de Bel-Air que el grupo había alquilado. En aquel salón fue donde compuso Changes. Según Ozzy Osbourne: "Tony simplemente se sentó al piano y se le ocurrió esta hermosa melodía... Yo me puse a tararear una melodía exagerada y Geezer escribió estas letras desgarradoras sobre la ruptura que Bill Ward estaba pasando con su esposa". Changes es una rareza dentro de la obra de Black Sabbath, pues no incluye ni guitarra ni batería.

domingo, 7 de mayo de 2023

0857 - Black Sabbath - Into the void

0857 - Black Sabbath - Into the void

"Into the Void" es una de las canciones más icónicas de la legendaria banda de heavy metal Black Sabbath. Lanzada en 1971 como parte de su álbum "Master of Reality", la canción tiene un sonido pesado y oscuro que es característico de la música de la banda.

La canción comienza con una introducción de guitarra enérgica que establece el tono de la canción. A medida que la canción avanza, la guitarra se une a la batería y al bajo para crear un sonido poderoso y lleno de energía que hace que el oyente se sienta como si estuviera siendo llevado a través de un abismo. La voz de Ozzy Osbourne se destaca en esta canción, proporcionando un contraste emocional al tono pesado y oscuro de la música.

La letra de la canción habla de un mundo distópico y apocalíptico, en el que la humanidad se ha destruido a sí misma y solo queda el vacío. Las letras oscuras y evocadoras se suman al ambiente de la canción y la hacen aún más memorable.

En resumen, "Into the Void" es una canción clásica del heavy metal que es imprescindible para cualquier fan del género. La música y las letras se combinan para crear una experiencia auditiva inolvidable que es un testimonio de la habilidad de Black Sabbath para crear música que resuena con sus oyentes.

Daniel 
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sábado, 6 de mayo de 2023

0856-. Children Of The Grave - Black Sabbath

 

Children of the Grave, Black Sabbath


     El 21 de julio de 1971 la banda inglesa Black Sabbath publica su tercer álbum de estudio, Master of Reality. El disco es grabado entre el 7 y el 15 de febrero y el 6 y el 13 de abril de 1971 en los estudios Island de Londres y los Record Plant de Los Ángeles bajo la producción de Rodger Bain, y publicado bajo el sello discográfico Vertigo Records. Durante la grabación y producción del disco, el guitarrista Tony Iommi y el bajista Geezer Butler bajaron la sintonía y la afinación de sus instrumentos, consiguiendo así un sonido más pesado. El disco alcanzó el puesto número 5 en las listas de ventas del Reino Unido, y el puesto número ocho en la lista estadounidense Billboard 200. El disco no fue bien recibido en sus inicios por la crítica, si bien con el paso del tiempo ha sido considerado como uno de los mejores álbumes de heavy metal de todos los tiempos.

Incluído en este disco se encuentra Children of the Grave, una canción que presenta el característico sonido del grupo con ese riff de guitarra con una afinación más baja y una sección rítmica muy pesada y contundente. La canción, que continúa con el mismo argumento y mensaje político, es un alegato contra la guerra al igual que en temas anteriores de la banda, como War Pigs o Electric Funeral. La canción, que se caracteriza por su gran riff pesado de guitarra, nos habla de la juventud y su lucha contra la guerra y la opresión. De hecho la canción fue una de esas que cabrían convirtiéndose en todo un himno para los jóvenes en la década de los 70. Esta canción está considera como una de las mejores de la banda, la revista Kerrang la clasificó en el año 2020 en el puesto número seis de su lista de "las 20 mejores canciones de Black Sabbath", y en 2021 la guía de rock en línea Louder Sound la clasificó en el puesto número cinco de su lista de "las 40 mejores canciones de Black Sabbath"

viernes, 5 de mayo de 2023

0855 - Black Sabbath - Sweet Leaf

0855 - Black Sabbath - Sweet Leaf

"Sweet Leaf" de Black Sabbath es una canción emblemática del género del heavy metal que fue lanzada en 1971 como parte de su álbum "Master of Reality". La canción comienza con una introducción de guitarra distorsionada y la icónica línea de bajo de Geezer Butler, que establece el tono oscuro y pesado que caracteriza al grupo.

La letra de la canción, escrita por el vocalista Ozzy Osbourne, habla sobre su amor por la marihuana y cómo la hierba lo hace sentir. La letra es bastante explícita en cuanto a su consumo y su efecto sobre el autor, lo que fue bastante controvertido en la época en que se lanzó la canción.

A lo largo de la canción, la guitarra de Tony Iommi y la batería de Bill Ward se unen para crear un sonido pesado y oscuro que se convirtió en una de las marcas registradas de la música de Black Sabbath. La canción tiene varios cambios de ritmo y un solo de guitarra impresionante que muestra la habilidad de Iommi como guitarrista.

En general, "Sweet Leaf" es una canción icónica del heavy metal que ha resistido la prueba del tiempo. Su letra explícita y su sonido pesado la han convertido en una de las canciones más reconocidas y amadas del género. Es un gran ejemplo del talento y la habilidad de Black Sabbath como músicos y su capacidad para crear música innovadora y atemporal.

sábado, 31 de diciembre de 2022

0730 - Black Sabbath - Iron Man

0730 - Black Sabbath - Iron Man

Iron Man
 es una canción de la banda inglesa de heavy metal Black Sabbath, que fue lanzada en 1970 en forma conjunta con su segundo álbum de estudio de la banda.

Si escuchamos la canción, alcanzaremos a escuchar el riff de la guitarra principal de Tony Iommi, en el primer ensayo, el vocalista Ozzy Osbourne comentó "que sonaba como un gran tipo de hierro caminando", con Iron Bloke convirtiéndose en el título provisional de la canción, pero esto por un corto tiempo, mientras la banda resolvía el tema de la letra. A medida que se desarrolló la letra de la canción, el título evolucionó a Iron Man.

Mucho tiempo después Iron Man se usó en los créditos finales de la película Iron Man de 2008, así como en su adaptación de videojuego y el tráiler de la secuela de 2010, Iron Man 2. El personaje Tony Stark, el alter ego de Iron Man, también usa una camiseta de Black Sabbath en la película de 2012 Los Vengadores. La canción ganó el puesto número 317 en la lista de Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos a partir de 2004. Iron Man fue clasificada como la sexta mejor canción de Black Sabbath por Rock - Das Gesamtwerk der größten Rock-Acts im CHECK, y VH1 clasificó la canción como la mejor canción de heavy metal de todos los tiempos. Otros logros de esta canción fue alcanzar el puesto 52 en la lista Billboard Hot 100 en 1972, convirtiéndose así en el single The Black Sabbath en llegar al puerto más alto en ese momento. También alcanzó el puesto 68 en el Top 100 de la revista Canadian RPM Magazine.  

Daniel 
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viernes, 30 de diciembre de 2022

0729.- Electric Funeral - Black Sabbath


 “Electric Funeral” no es la canción más destacable de Paranoid , sin duda, pero a su manera, es un tema esencial para el resto del álbum. No es "War Pigs" y no es "Iron Man", pero es algo muy grande. El album Paranoid es una suite de ciencia ficción, los peligros no están en el mundo demoníaco, sino en el mundo construido por el hombre, la imaginería evocadora en la letra es fantástica, principalmente porque somos conquistados por robots. Escuchar “Electric Funeral” evoca ese miedo a la lluvia radiactiva, algo que las generaciones actuales han sentido con la Guerra Fría y la vida posterior al 11 de septiembre. La letra es espantosa y aterradora: "flores de plástico, sol que se derrite, luna que se desvanece cae sobre / mundo moribundo de radiación, víctimas de frustración loca / globo ardiente de fuego de oxígeno, como una pira funeraria eléctrica". Gracias a artistas como Dalí, podemos imaginar cómo sería ese mundo que se derrite. Sabbath, habiendo vivido en Birmingham, un paisaje devastado por los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial, habla de ese paisaje de destrucción y tierra baldía.


Electric Funeral abre con un riff icónico de Tony Iommi que tiene un fuerte efecto wah, la banda busca un sonido simple, pero un sonido que ciertamente suene bastante oscuro y pesado.Después de pasar por dos estrofas y algunas pausas instrumentales entre las dos, la canción cambia de humor por completo y el pesado riff wah-wah da paso a un ritmo de batería frenético seguido de una serie de acordes de guitarra más oscuros que finalmente culminan en una sección más rápida. Aunque la acumulación de esta sección más rápida parecía que iba a conducir a una sección un poco más oscura, debo admitir que todavía disfruto la energía que emana de esta sección. Otra cosa destacable de esta pista es que el bajo que se vuelve increíblemente prominente a lo largo de esta sección. Una pero que tengo contra esta pista es que después de que termina esta sección más rápida, que es genial en sí misma, la transición de regreso al riff pesado de wah es inexistente, y debido a las grandes diferencias en el tempo y el estado de ánimo general, una transición suave. Fue realmente crucial allí para hacer que la secuencia fuera limpia en lugar de abrupta y un poco incómoda. Sin embargo, en general, Electric Funeral es una canción excelente y por qué es tan conocida y elogiada no es una cuestión difícil de entender. Estos tipos son muy grandes y mas de 50 años despues compruebas atonito como jovenes de 17 años siguen disfrutando de su música, y no es ningún farol, la cara de farol se me quedo a mi cuando el hijo de unos buenos amigos y compañero de mi hija en el Instituto en una celebracion le dije que pusiera la musica que quisiera, y ni corto ni perezoso nos hizo escuchar a todos este album. Grande Manu! 


jueves, 29 de diciembre de 2022

0728.- Paranoid - Black Sabbath



El segundo álbum de los británicos Black Sabbath iba a llamarse inicialmente "War Pigs", pero debido a la fuerte carga política y antibelicista de la canción que iba a darle nombre, la discográfica presionó para que se cambiara. La elegida para dar nombre al disco pasó a ser entonces "Paranoid", una descarga eléctrica de dos minutos que podría englobarse tanto en el terreno del heavy metal como del "protopunk" de The Stooges o The Ramones, y que se había incluido en el disco como relleno, ya que los Sabbath no terminaban de verla como un hit. Grabado y publicado en 1970, "Paranoid" fue nº1 en Reino Unido, lo que significó el primer gran éxito de la banda, y se convirtió después en un disco de culto para las generaciones posteriores.

Pero quizá lo más sorprendente para el grupo no fuera el éxito del disco, sino que una canción que habían compuesto en apenas media hora de descanso entre sesiones de grabación, y que apenas contaba para ellos, se convirtiera en el tema más exitoso de su carrera. La canción surgió cuando Tony Iommi, mientras esperaba a que el resto de la banda volviera de buscar unas cervezas, empezó a tocar un riff que surgió de la nada. No tenía grabadora, así que estuvo tocando el riff hasta que los demás volvieron, para que no se le olvidara. La letra vino después, y en línea con el resto del disco, se centró en la parte más negativa de la condición humana. En el caso de "Paranoid", y como su propio nombre indica, lo que se cuenta es la angustia y la desesperación de un enfermo mental.

El sencillo de "Paranoid" se completó con la canción "The Wizard" en la cara B, y alcanzó el nº4 de las listas de Reino Unido, siendo nº1 en Alemania​ y nº2 en Países Bajos, Bélgica y Suiza. Sorprendentemente, fue en Estados Unidos, la tierra de los mencionados Stooges y Ramones, dónde peores resultados obtuvo, quedándose en el puesto 61 de las listas USA, pero ese pequeño traspiés no hizo que Ozzy Osbourne y compañía se volvieran "paranoicos" al respecto, y acabaron por conquistar también a los oyentes del otro lado del Atlántico.