1064.- Entre dos aguas - Paco de Lucía

 

Entre dos aguas, Paco de Lucía

     En 1973 Paco de Lucía publica, bajo la compañía discográfica Fonogram, su quinto álbum de estudio, Fuente y caudal. Este disco marcará un punto de inflexión en la carrera del artista, mostrando un nivel de perfección técnica y de estilo al que ningún guitarrista flamenco había conseguido acercarse. Con este disco Paco de Lucía conseguirá alcanzar una gran popularidad y proyección tanto dentro como fuera de España, consiguiendo además acercar el flamenco a muchas personas que habían permanecido indiferentes a dicho género. Curiosamente, este disco fue un trabajo surgido de la necesidad de cumplir con el contrato con la compañía discográfica. Una vez grabado siete temas, fue añadido a última hora un último corte, una rumba semiimprovisada llamada Entre dos aguas, una obra que a la postre revitalizará el flamenco.

Entre dos aguas es una rumba flamenca instrumental compuesta por Paco de Lucía, y fue grabada con dos guitarras, paco de Lucía a la primera, y su hermano Ramón de Algeciras a la segunda, el bajo de Eduardo García y con un bongó tocado por Pepe Ébano en lugar de las tradicionales palmas que se solían tocar en las rumbas. En un principio el álbum Fuente y caudal no tuvo mucho éxito comercial, pero esto dará un giro cuando Jesús Quintero, representante de Paco de Lucía por aquel entonces, y varios periodistas más convencen a la discogáfica para que edite como single Entre dos aguas, el cual saldrá publicado como tal en 1974. Una vez editado como single, consigue vender más de 300.000 copias y permanece unas 22 semanas en los primeros puestos de las listas de ventas, llegando a ser "Single de oro" en 1976, lo que ayudará a catapultar aún más la carrera del excelso guitarrista. Al parecer, Paco se inspiró para componer la canción en otros temas: Te estoy amando locamente de Las Grecas y el tema Caramba, carambita de Los Marismeños, del cual el guitarrista era coautor. Musicalmente no es un tema trabajado con tiempo, sino una improvisación que Paco realizó en el momento de la grabación para completar Fuente y caudal, ya que el productor del disco, José Torregrosa, consideraba que el álbum estaba incompleto. 

Em definitiva, Entre dos aguas es una obra maestra y una de las canciones más influyentes en la historia del flamenco.

1063 - Eagles - Tequila Sunrise

1063 - Eagles - Tequila Sunrise

"Tequila Sunrise" de Eagles: Una Melodía de Reflexión y Desencanto

La canción "Tequila Sunrise" de Eagles es un tesoro atemporal dentro del vasto catálogo de esta icónica banda de rock. Escrita por Don Henley y Glenn Frey, la pista apareció en su segundo álbum de estudio, "Desperado", lanzado en 1973. Aunque es difícil evitar describirla como "icono" dada su popularidad y longevidad en el mundo de la música, es importante destacar su calidad lírica y musical en lugar de depender de términos trillados.

"Tequila Sunrise" es una balada suave que narra una historia de desencanto y reflexión. La canción se inicia con una introducción acústica suave y melancólica, estableciendo una atmósfera de nostalgia desde el principio. La voz distintiva de Glenn Frey agrega profundidad a la narrativa, llevando a los oyentes a través de una historia de amor que se desmorona. 

Las letras de la canción pintan un retrato de un amante que ha sido herido y se da cuenta de que su relación se ha vuelto tóxica. La metáfora del "tequila sunrise" es utilizada de manera magistral para simbolizar la transición de una noche de fiesta a la luz del día, que en última instancia refleja el cambio en la perspectiva del narrador. La canción captura la sensación de un amanecer solitario después de una noche de excesos y revela la resignación del narrador frente a una situación que ya no puede soportar.

Musicalmente, la armonía entre las voces de Henley y Frey es impresionante, y la instrumentación suave, incluyendo la guitarra acústica y el piano, contribuye a la atmósfera de la canción. La melancolía en la melodía y las letras hacen que "Tequila Sunrise" sea una pista que se destaca por su honestidad emocional y su capacidad para conectarse con los oyentes a lo largo de las décadas.

En resumen, "Tequila Sunrise" de Eagles es una canción que se mantiene relevante por su capacidad para transmitir emociones complejas y desilusiones personales a través de su música y letras. A pesar de los años transcurridos desde su lanzamiento, sigue siendo una pieza fundamental del legado musical de Eagles.

Daniel
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Say no more #mesCharlyGarcia

Say No More ("No Digas Más") (1996) es probablemente el trabajo más oscuro y experimental de la discografía de Charly García, una obra decadente y un disco conceptual basado en ese mismo concepto de decadencia, que supuso un cambio de sonido que, unido a los escándalos y excentricidades del músico en aquella época, no fue bien recibido por buena parte de la crítica y de los fans más clásicos del músico, pero que a cambio, le acercó a una nueva generación de fieles admiradores, que con los años han elevado a Say No More a la categoría de disco de culto.

Para abarcar completamente la reseña de un disco tan complejo, nada mejor que empezar por su título, que Charly tomó de la película "Help!" de The Beatles, claramente una gran influencia porque, incluso, un pequeño fragmento de la película suena en un disco que combina de manera caótica y aparentemente deslavazada canciones al uso con piezas instrumentales que originalmente habían sido escritas para la banda sonora de la película "Geisha", y que finalmente habían quedado guardadas en un cajón por desavenencias con el director del film.

El concepto de Say No More se basó en la grabación directa de un disco, sin un guion claro ni una lista previa de canciones preparadas para tal fin, en busca de una mayor espontaneidad y frescura frente a los arquetipos y estándares de los cuidados discos de los noventa. Como resultado, el caos y le eclecticismo brillan por su alocada presencia, en un disco que combina la psicodelia más irreverente con toques de música clásica y apreciables momentos instrumentales, llenos de tristeza y oscuridad. 

Aclarados la inspiración, el origen y el concepto que llevaron a la creación de Say No More, mejor "no decir más", y pasar directamente a las canciones que lo han convertido en una referencia de culto. El disco arranca con "Estaba en llamas cuando me acosté", un largo tema de siete minutos de duración en el que el músico ataca a la prensa sensacionalista, ansiosa de poner altavoz a las noticias sobre su vida caótica y, en muchas ocasiones, escandalosa. 

Tras este primer y certero disparo, hace su aparición "Vemos" el primero de los temas instrumentales del disco, mínima pieza de poco más de treinta segundos de duración, y apenas un leve puente hacia la siguiente canción ("Canciones de jirafas"), tras la que unas conversaciones telefónicas entre Buenos Aires y Madrid desembocan en "Necesito un gol", una de las canciones más digestibles del disco, que cuenta con la colaboración de Andrés Calamaro. Le sigue de manera certera "Alguien en el mundo piensa en mí", la canción de mayor éxito del disco y la que más sonó en las radios del momento, tras la que el disco gira de nuevo a terrenos instrumentales en "Constant Concept". 

Le toca el turno después a "Say no more", la canción que da título al disco, pero dónde merece la pena detenerse es en "Cuchillos", un tema compuesto por Charly García en homenaje a Mercedes Sosa, con quien le unía una gran amistad. La propia Mercedes apareció en el videoclip promocional, el único que se grabó para el disco. A día de hoy, "Cuchillos" es todo un clásico del cancionero de García. Después, los instrumentales siguen salpicando el disco, por partida doble con "A1" y "Plan 9", antes de llegar al tramo final con las más ortodoxas "Casa vacía", "Podrías entender" e "Intuición".

Para terminar, y casi como si quisiera justificar la tremenda travesura que acaba de facturar, el tema instrumental de cierre lleva el nombre de "La vanguardia es así". Pura genialidad, porque con ese título, queda todo más que explicado, y realmente no queda mucho más que decir.

1062.- Celos de mi guitarra - Jose Luis Perales

Jose Luis Perales, se había interesado por la música desde muy temprano —ya a los seis años era hábil en la técnica del solfeo y tocaba el laúd—, aparte de su trabajo con la electricidad, componía de motu proprio algunos temas y en ocasiones se los mostraba, muy aventurado, a bandas o solistas señeros de la época (mediados de los años sesenta) como Fórmula V, Basilio o el Dúo Yerbabuena. Rafael Trabuchelli, de origen italiano, era un productor en la casa Hispavox que había conseguido muchos éxitos basado en dos pilares musicales, una orquesta dirigida con puño de hierro, la mezcla en las mesas de sonido de múltiples instrumentos sonando al unísono, a eso le ponía una bonita voz y los éxitos se le acumulaban en la radio. Trabuchelli requería siempre de buenos letristas y entonces le llegaban a veces los ejercicios letrísticos del “electricista” José Luis Perales, uno de ellos, "¿Por qué te vas?", significó un hito en la carrera de Jeanette, al mando de Trabuchelli, al punto que el productor se obsesionó con que Perales interpretara sus propios temas. Con una voz atildada, pero no descollante, quizá lo más atractivo de la interpretación de las canciones sobre todo del primer Perales, incluida en un lugar excepcional "Celos de mi guitarra" (no eléctrica), corresponde justamente a que permitía con mucha más fuerza lograr un equilibrio dinámico con la orquestación. Las voces de Raphael o de Camilo Sesto, y para qué hablar de Nino Bravo, tendían a superponerse con extrema fuerza por sobre los arreglos, dejándolos en un segundo o tercer plano, y lo que Trabuchelli y el Torrelaguna Sound de Hispavox perseguían era llevar en paralelo ambos componentes: orquesta y voz. Y Perales facilitaba hacerlo con más sutileza que sus competidores.

"Celos de mi guitarra" se publica en el primer álbum de José Luis Perales, Mis canciones, fue su primer gran éxito y junta este tema también destaco “Cosas de doña Auncion” un ingenuo y a la vez entrañable reflejo de una habitante de un pueblo. Por su parte Celos de mi guitarra es una canción conmovedora que habla sobre la profunda conexión del narrador con su guitarra y cómo esto causa celos en su ser amado. La letra sugieren que la persona que escucha, probablemente una pareja romántica, siente envidia y dolor cuando ven al narrador abrazando su guitarra, segun se dice esta cancion la compuso para una niña que estaba enamorada de él, y que cuando cantaba en sus recitales ella lo miraba muy fijamente (Metaforicamente deseando ser la guitarra de Perales para estar entre sus brazos).

1061.- Slade - Cum on feel the noize

"Cum On Feel the Noize" ("Vamos, siente el ruido") fue lanzada por Slade en 1973 y se convirtió en el cuarto sencillo de la banda en llegar al número 1 de las listas de ventas del Reino Unido, con la particularidad de que no necesitó ir escalando posiciones en el chart, ya que accedió directamente al primer puesto de las listas, algo que no había sucedido desde que los Beatles lanzaron "Get Back" en 1969. No le fue tan bien en Estados Unidos, donde el sencillo se atascó en el puesto 98 del Billboard Hot 100.

La canción, que se tituló originalmente "Cum on hear the noise" ("Vamos, escucha el ruido") es un intento de recrear el espíritu y el ambiente que la banda generaba durante sus conciertos. Según el guitarrista Dave Hill, la letra de la canción se basaba en "el público y en las cosas que nos estaban sucediendo, eran experiencias reales, porque cuando estás de gira, escribes acerca de estar de gira, y sobre lo que te está pasando".

"Cum on feel the noize" comienza con Noddy Holder recitando las palabras "Baby, Baby, Baby" ("cariño, cariño, cariño"), en lo que en realidad no era más que una prueba de sonido. La idea del estribillo de "himno de estadios" surgió de un concierto de Chuck Berry de 1972, en el que dejaba al público cantar a coro los estribillos de sus canciones más populares. Ese fue el efecto multitudinario que quisieron replicar en "Cum on feel the noize", su canción más representativa e icónica, un tema que inspiró a Kiss a componer su "Rock and Roll All Nite", y que fue versionado por grupos como Oasis o Quiet Riot, siendo estos últimos los que realizaron la versión más vendida de este genial tema.

1060 - Bob Marley - Sirt it up

1060 - Bob Marley - Stir it up

"Stir It Up" es una de las canciones más emblemáticas de Bob Marley and The Wailers. Esta cautivadora melodía de reggae, lanzada en 1973 como parte del álbum "Catch a Fire," representa a la perfección el espíritu relajado y festivo del género musical jamaiquino y la filosofía de vida de Bob Marley.

La canción comienza con un ritmo suave y pegajoso, lleno de ritmos de guitarra y bajo característicos del reggae. La voz inconfundible de Bob Marley se desliza suavemente sobre la música, transmitiendo un mensaje de amor, unidad y positividad. A través de letras sencillas pero emotivas, la canción nos invita a "moverlo" y "mezclarlo" con el amor, un llamado a la unión y la armonía.

"Stir It Up" es una oda a la pasión y la sensualidad, utilizando la metáfora de cocinar para describir la relación amorosa. La canción crea una atmósfera cálida y envolvente, donde los oyentes pueden sentir la conexión profunda y apasionada que Bob Marley canta. La canción es un himno al amor y la intimidad, donde la música reggae se convierte en el lenguaje de la pasión y la comunión.

La influencia de "Stir It Up" en la música reggae y la cultura jamaiquina es innegable. La canción encarna la esencia del reggae, con su ritmo relajado y letras sinceras. Bob Marley y The Wailers lograron crear una canción que se ha convertido en un himno atemporal del amor y la unión, y sigue siendo una joya en el legado musical de Bob Marley. "Stir It Up" es un recordatorio constante de la capacidad de la música para unir corazones y trascender barreras culturales.

Daniel

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Influencia - Charly García #mesCharlyGarcía

 

Influencia, Charly García

     El mes de Charly García entra en su recta final, y lo vamos a hacer con uno de sus álbumes publicados en el siglo XXI, Influencia. Este trabajo supuso el décimo disco de estudio del artista argentino, y tuvo una gran importancia, pues supuso el relanzamiento de su carrera después de haber alcanzado la gloria a mediados de los 90 con Say No More (1996), ya que le llevó nuevamente a lo más alto de las listas de ventas y volvió a realizar extensas y exitosas giras, llegando a triunfar en el mítico Viña del Mar de Chile en 2003, el más prestigioso certamen de la música hispanoamericana. Influencia contó con la producción del mismo Charly García, y fue publicado en formato CD y cassette en 2002 por la compañía discográfica EMI Music. 

En el año 2000 Charly y Nito Mestre habían decidido reunir Sui Géneris, y para la ocasión ambos compusieron canciones nuevas para un nuevo disco, Sinfonías para adolescentes. Esta nueva etapa estuvo marcada por el nuevo "concepto de sonido de maravillación" o "hacer algo maravilloso" de Charly, que reemplazó el viejo y oscuro estilo y sonido de Say no More. Al año siguiente, 2001, y durante unas vacaciones en Londres, Charly conoce al guitarrista de blues, jazz y rock and roll Tony Sheridan, quien había estado relacionado con la primera etapa de The Beatles, y que se había forjado como músico de sesión tocando para artistas de la talla de Gene Vincent o Eddie Cochran. Sheridan quedó fascinado con Charly y decidió aceptar su invitación de agregar algunas guitarras y coros a alguna de sus canciones. 

Así comenzó gestándose Influencia, cuyo álbum fue presentado durante tres días en el mítico estadio Luna Park de Buenos Aires. Los temas utilizados para la promoción del disco fueron Tu vicio, I'm not In Love, Influencia y Mi nena. El premio a este trabajo fue el reconocimiento en la entrega de los premios Gardel a la Música del año 2002 en Argentina, ganando los premios a Mejor álbum Artista de Rock, Realización del Año, Canción del año y Álbum del año, más el Gardel de Oro, convirtiéndose en el primer artista en ganar este galardón durante dos ediciones consecutivas. 

Únicamente seis de las trece canciones fueron compuestas por Charly García, y las otras son versiones, destacando la versión en español de Influenza de Todd Rundgren, la versión góspel de Tu Vicio, otra versión para piano de Influenza y dos versiones de I'm not In Love.

Estamos ante un disco orientado principalmente hacia el pop/rock alternativo, y que podemos disfrutar gracias a temas como Tu vicio, una canción de amor que habla sobre la adicción a una persona, y que contó con la colaboración de la cantante y compositora argentina María Gabriela Epumer; Influencia es una versión de la composición original de Todd Rundgren, donde Charly explora la idea de estar bajo la influencia de alguien más y la lucha interna que ello conlleva. Charly se tomó ciertas licencias literarias con el título, ya que influenza en inglés realmente significa gripe y no influencia; El amor espera, que fue estrenada por Charly antes del álbum, concretamente en un recital en abril de 2000, con una puesta en escena de instrumentos de cuerdas detrás del escenario. En la canción hace referencia a los Rolling Stones, pues una de las frases pertenece a su canción Sing This All Together. Esta canción también contó con la colaboración de María Gabriela Epumer; Mi nena, otra versión, en esta ocasión del tema A new Kind of Love de The Dave Clark Five. Estamos ante otra optimista canción que celebra la belleza del ser amado. Este tema contó con la colaboración de Fito paez; o las v
ersiones de I'm not In Love, original del grupo británico 10cc. En la versión acústica de este tema participó el guitarrista Tony Sheridan aportando las guitarras, y María Gabriela Epumer las voces. Destacar también las versiones nuevas de Happy and Real y Encuentro Con El Diablo, que habían sido previamente grabadas en vivo con Seru Girán y publicados en el álbum Obras Cumbres Rock Nacional, Vol. 2., en el año 2001.

Estamos ante un disco imprescindible en la obra de Charly García, que fue muy bien recibido tanto por parte de la crítica como del público, y que además está considerado como el gran reconocimiento de la carrera del músico argentino. Un disco donde el artista reflexiona sobre sus influencias y de su propio lugar en la música argentina.

1059.- Book of Saturday - King Crimson

Book of Satuday, King Crimson

 

     Lark's Tongues in Aspic es el quinto álbum de estudio del grupo inglés de rock progresivo King Crimson. Este trabajo es grabado entre enero y febrero de 1973 bajo la producción del propio grupo, y publicado el 23 de marzo de 1973 por el sello discográfico Island Records en Reino Unido y Atlantic Records en Estados Unidos y Canadá. Este disco supone el debut junto al fundador Robert Fripp de cuatro nuevos miembros, el bajista y vocalista John Wetton, el violinista y teclista David Cross, el percusionista Jamie Muir y el baterista Bill Bruford. La importancia de este disco radica en su evolución de sonido, basado en la música clásica de Europa del Este y en la improvisación libre europea.

Incluido en este álbum se encuentra Book of Saturday, una de las piezas más suaves del álbum, con una letra que refleja un tono introspectivo y nostálgico en la que el John Wetton parece sumergirse en recuerdos personales, explorando la sensación de nostalgia y reflexión asociada con los sábados pasados. En contraste con otros temas del disco que son más experimentales, Book of Saturday presenta una delicada melodía con un enfoque acústico que resalta la habilidad musical y lírica de la banda. La guitarra acústica y la voz de Wetton se entrelazan para crear una atmósfera conmovedora. Destaca esta canción por su belleza lírica y su contraste con el enfoque más experimental de la banda, y por su capacidad para transmitir emociones a través de una sutil melodía, demuestrando además la versatilidad y la profundidad creativa del grupo.

1058.- Time - David Bowie

"Aladdin Sane" (1973) es el disco en el que David Bowie sustituyó a "Ziggy Stardust", su alter ego más famoso, por un humano y terrenal "muchacho demente" ("A lad insane") que era en realidad una representación de sus miedos y preocupaciones ante la posibilidad de que los problemas mentales de su hermano fueran hereditarios, y pudieran afectarle a él en algún momento. Una de esas preocupaciones era el paso del tiempo y de la vida, escapándosele inexorablemente como arena entre las manos, y convirtiéndose en el tema central de la intensa "Time", uno de los temas más brillantes e introspectivos del disco.

El cambio de personaje trajo consigo, también, una evolución en el sonido de Bowie, que aunque siguió inmerso en el explosivo glam rock que había caracterizado su anterior obra, impregnó las canciones de Aladdin Sane de marcados tintes "stonianos" , y en particular en el caso de "Time", de una innovadora tendencia a mezclar el glam rock con la teatralidad y el vodevil, en una combinación que resultó de lo más intensa y efectiva.

"Time" es una pieza clave en la historia del disco y el personaje de Aladdin Sane, por su brillante estructura dramática y sus grandilocuentes coros, que le dan incluso un aire a decadente himno cabaretero. Una joya oculta y algo infravalorada de su extensa e interesante discografía, y una de las muchas gemas de un disco en el que Bowie logra hacer de la demencia un arte escénico tan intenso como grandilocuente.

El disco de la semana 354: Viuda e Hijas de Roque Enroll - Un Viaje Musical a la Diversión y la Originalidad

El disco de la semana 353: Viuda e Hijas de Roque Enroll - Un Viaje Musical a la Diversión y la Originalidad 

En 1984, emergió en la escena musical argentina un fenómeno que cambiaría la percepción del rock nacional: el álbum debut de Viuda e Hijas de Roque Enroll. Este trabajo, titulado simplemente "Viuda e Hijas de Roque Enroll", se convirtió en un pilar del movimiento de la música divertida de los años '80, consolidando a la banda como una de las más emblemáticas de la época.

Desde su icónica portada que mostraba a las integrantes del grupo ataviadas con la moda de la década anterior, hasta los últimos acordes que resonaban con un toque de twist, el álbum destilaba originalidad y cambio. Viuda e Hijas de Roque Enroll irrumpía en el mercado local con una propuesta distinta, alejada de la melancolía y muy cerca de la alegría. Fresca, vital y divertida, la banda se destacaba por su enfoque singular en un género predominantemente masculino.

Lo que hacía a Viuda e Hijas de Roque Enroll único iba más allá de su sonido; era la combinación de ser uno de los pocos grupos integrados exclusivamente por mujeres en el rock nacional hasta ese momento y su decidido revival de la música y la estética de los años '60. Este enfoque no solo se reflejaba en su música, sino también en su imagen, marcada por la vestimenta y estilo de la época.

Desde el primer acorde, el álbum capturaba la atención del oyente con arreglos sencillos pero pegajosos. Temas como "Hace base" y "Estoy tocando fondo" destacaban por abordar los prejuicios argentinos desde una perspectiva exclusivamente femenina, impregnados con un humor corrosivo que se convertiría en una firma distintiva de la banda. Sin embargo, es "Bikini a lunares amarillos diminuto justo justo" el que se erige preeminentemente como el hit del álbum, con su irresistible combinación de ritmo pegajoso y letras ingeniosas.

En conjunto, el primer disco de Viuda e Hijas de Roque Enroll no solo marcó el inicio de la carrera de la banda, sino que también sentó las bases para una propuesta más amplia. Aquí, el humor desempeñaba un papel crucial, y la temática femenina se convertía en su mayor singularidad. El grupo no solo estaba interesado en hacer música; estaban tejiendo historias que desafiaban los estereotipos y celebraban la diversidad desde una perspectiva única.

Viuda e Hijas de Roque Enroll se convirtió rápidamente en un fenómeno cultural, siendo uno de los pilares del movimiento de la música divertida en Argentina. Junto a otros exponentes de este género como Los Twist, Los Abuelos de la Nada, Soda Stereo y Virus, la banda dejó una marca indeleble en la escena musical de la época. Su twist moderno, combinado con melodías pegajosas y letras cómicas sobre la vida cotidiana, resonó con un público ávido de algo diferente.

El álbum no solo fue un éxito en el momento de su lanzamiento, sino que también dejó un legado perdurable. Canciones como "Lollipop", "Estoy tocando fondo", "La familia argentina" y "Hawaian II" se convirtieron en himnos de una generación. El grupo no solo se ganó el reconocimiento en su tierra natal, sino que su cover de "Lollipop" incluso fue distinguido internacionalmente, alcanzando el puesto 98 en el ranking de los 100 mejores temas del rock argentino según la Rolling Stone de Argentina y MTV en 2002, y el puesto 461 en el ranking de los 500 mejores temas del rock iberoamericano según la revista estadounidense Al Borde en 2006.

La carrera de Viuda e Hijas de Roque Enroll alcanzó su fin el 8 de febrero de 1988, pero su influencia perdura. En 1995, la banda se reunió para grabar el disco "Telón de crep", demostrando que su espíritu creativo aún estaba vivo. Hoy, el legado de Viuda e Hijas de Roque Enroll sigue siendo una fuente de inspiración para nuevas generaciones de músicos que buscan romper barreras y explorar nuevos horizontes en el siempre cambiante panorama musical argentino.

Daniel 

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1057.- The Jean Genie - David Bowie

The Jean Genie de David Bowie se lanzó en 1972 y fue el sencillo principal de su venerado sexto álbum de estudio, Aladdin Sane. Al describir la canción como “una mezcla heterogénea de música americana imaginada”, la canción se hizo realidad a través de una improvisación en el autobús de gira de Bowie con Mick Ronson ideando el riff icónico. Bowie terminó de grabar la canción en Nueva York mientras pasaba tiempo con Cyrinda Foxe y siempre se ha referido a la canción como su "primera canción de Nueva York", desde entonces se ha convertido en una de las más conocidas de Bowie. Sin embargo, los orígenes de la misteriosa figura descrita en la letra son menos conocidos. Bowie fue influenciado por varias personas, incluidos Foxe y el ícono del punk Iggy Pop, y utilizó “un juego de palabras torpe con [el escritor francés] Jean Genet ” para crear el título.

En el primer verso, Bowie nos presenta a "un pequeño Jean Genie" que "se escapó a la ciudad", refiriéndose a lo que el músico llamó una "persona tipo Iggy". Las siguientes líneas, “Strung out on laser and slash back blazers”, insinúan las locas travesuras en el escenario del líder de The Stooges, como rodar sobre vidrios rotos y cortarse. “Talking 'bout Monroe” nos consolida en una atmósfera claramente estadounidense y muy probablemente se refiere a Foxe, cuyo estilo fue influenciado por Marilyn Monroe. En el coro, Bowie alude a Genet e Iggy, combinándolos en una figura mítica que podrías esperar encontrar en la escena underground de Nueva York. En el verso "vive boca arriba" y "ama las chimeneas" aluden a Genet, conocido por ser homosexual, el escritor fue dado de baja de la Legión Extranjera Francesa por participar en actos sexuales con hombres, Genet se dedicó a la prostitución y al robo. “Chimeneas” es muy probablemente el intento de Bowie de crear imágenes fálicas sutiles. Las siguientes dos líneas son inequívocamente sobre Iggy Pop, ya que describen más de sus hábitos en el escenario: "es escandaloso, grita y berrea", las alusiones continúan cuando Bowie describe a Jean Genie como alguien que “se sienta como un hombre, pero sonríe como un reptil”. Esta es una referencia a  la primera banda de pop anterior a los Stooges, The Iguanas, que ayudó a lanzarlo a una carrera musical. “Ella lo ama, lo ama, pero sólo por un corto tiempo”, recuerda Foxe, quien tuvo una breve relación con Bowie en Nueva York. Foxe protagonizó el vídeo musical de 'The Jean Genie'. 

'The Jean Genie' resume el tipo de figuras míticas encarnadas por músicos como Iggy Pop, que no tuvieron problemas para entregarse al sexo, las drogas (“caminar sobre Blancanieves”) y el rock and roll en los años 1970. Jean Genie es un poco ingenuo (“Pobrecito Greenie”) y abierto a todo (“Es tan ingenuo”). En una entrevista de 2000, Bowie reveló que Jean Genie es un "personaje tipo Iggy... un tipo de niño de un parque de casas rodantes, un intelectual de armario que no querría que el mundo supiera que lee".

1056-. Drive-In Saturday - David Bowie

 

Drive In Saturday, David Bowie

     El 19 de abril de 1973 David Bowie lanza su sexto álbum de estudio, Aladdin Sane. El disco fue grabado entre octubre, diciembre de 1972 y en enero de 1973, coproducido por Bowie y por Ken Scott, y publicado por el sello discográfico RCA Records. Bowie contó con la contribución de su banda de acompamieno, The Spiders from Mars, Mick Ronson, Trevor Bolder y Mick Woodmansey, con el pianista Mike Garson, dos saxofonistas y tres coristas. La mayoría de las canciones fueron escritas mientras Bowie viajaba por Estados Unidos y están influenciadas por las percepciones del artista sobre el país durante el viaje. En cuanto a sonido presenta un aire de glam rock más duro, y las letras reflejan las ventajas del nuevo estrellato y las desventajas, como las giras, transmitiendo imágenes sobre las drogas, el sexo, la decadencia urbana o la muerte. 

Una de las canciones que encontramos en este disco es el tema Drive-In Saturday, lanzado como sencillo una semana antes del álbum, convirtiéndose en un éxito Top 3 en el Reino Unido. El tema está fuertemente influenciado por el doo-wop de la década de los 50, y Bowie nos describe cómo los habitantes de un mundo post-apocalíptico en el futuro han olvidado cómo hacer el amor y necesitan mirar películas antiguas para ver como se hace, una mirada hacia atrás en el tiempo en toda regla. Para su composición, Bowie se inspiró en los áridos paisajes de Seattle, Washington y Phoenix, Arizona, mientras estaba de gira por el país americano. En la letra hace referencia a artistas como el cantante Mick Jagger, la modelo Twiggy o o el psiquiatra y psicoanalista Carl Jung. Originalmente la canción fue escrita por Bowie para el grupo Mott The Hoople, sin embargo fue rechazada por el grupo, lo que provocó el final de la relación profesional entre ambos, y Bowie decidió grabarla para sí mismo. Apenas unas horas después de su composición, el artista ya la estaba estrenando en el escenario, concretamente el Phoenix el 4 de noviembre de 1972.

"La Hija de la Lágrima" - El Mes de Charly García #mesCharlyGarcia

"La Hija de la Lágrima" - El Mes de Charly García #mesCharlyGarcia 

El séptimo álbum de estudio en solitario del legendario músico argentino Charly García, "La Hija de la Lágrima," es una obra que merece ser explorada en profundidad durante el mes dedicado a la celebración de su genio musical, el #mesCharlyGarcia. Este álbum, lanzado en julio de 1994, es una joya en la carrera de Charly García y un hito en la música argentina. Con una mezcla de ópera-rock, pasajes instrumentales y virtuosismo, esta obra maestra musical no solo destaca por su innovación, sino también por su curiosa historia de creación.

La creación de "La Hija de la Lágrima" está envuelta en una anécdota peculiar que sirve como testimonio de la inagotable creatividad de Charly García. La leyenda cuenta que mientras se encontraba en Barcelona, España, escuchó a dos señoras mayores peleando en la calle. Una de ellas, después de pegarle a la otra con una chancleta, exclamó: "No te olvides nunca que yo soy la hija de la lágrima." Esta escena surrealista sirvió como chispa de inspiración para el álbum que estaba por nacer. La capacidad de Charly para transformar un momento cotidiano en una obra de arte es uno de los aspectos que hacen de este álbum algo realmente especial.

Uno de los temas más destacados de "La Hija de la Lágrima" es "Chipi chipi," que se convirtió en un éxito rotundo y fue considerado como la 81ª mejor canción del rock argentino en la lista de Los 100 hits del rock argentino de la revista Rolling Stone. La canción, que se caracteriza por su ritmo pegajoso y su energía contagiosa, se creó en un abrir y cerrar de ojos. Charly García la compuso en tan solo diez minutos, impulsado por el comentario de un ejecutivo de Sony Music que sentía que el álbum necesitaba una canción comercial. El videoclip de "Chipi Chipi" es igualmente memorable, ya que muestra a Charly García con el pelo teñido a lo Kurt Cobain, un tributo al líder de Nirvana tras su trágico fallecimiento.

"Kurosawa" es otro tema destacado del álbum, dedicado al fotógrafo y amigo de Charly García, Alejandro Kuropatwa. La influencia cinematográfica en la obra de Charly es evidente, con referencias a películas como "Los Sueños de Akira Kurosawa" (1990), "2001: Odisea del espacio" (1968) de Stanley Kubrick y "Chitty Chitty Bang Bang" (1968) de Ken Hughes. Esta amalgama de influencias visuales contribuye a la riqueza y la profundidad de la música de Charly García.

El álbum contiene dos temas titulados "Atlantis," siendo el segundo una versión extendida del primero. También encontramos una versión libre de la canción "The Loco-Motion" de Little Eva en la canción "Locomotion," que muestra la versatilidad creativa de Charly García en la reinterpretación de canciones existentes.

"La Hija de la Lágrima" se puede considerar un álbum de transición en la carrera de Charly García. Presenta un camino que adelanta el estilo y las técnicas que exploraría en sus discos posteriores. En este álbum, Charly García experimenta con múltiples capas de guitarras, teclados y voces, creando un sonido distintivo que se convertiría en su sello característico en sus futuros trabajos.

El concepto del "azar" o "random," que Charly García utilizó para grabar el álbum, es notable. El músico no tenía una idea clara de lo que quería lograr y dejó que la inspiración fluyera, tocando lo que se le venía a la mente en el momento. Este enfoque creativo resultó en un álbum diverso y lleno de matices, donde cada canción es una experiencia única y emocionante.

El arte de la tapa del disco también tiene su propia historia interesante. Originalmente, la canción "Chipi chipi" iba a llamarse "Canción sin fin," pero un descuido del encargado de la portada del álbum llevó a que solo aparecieran títulos preliminares y nombres absurdos para las canciones. Finalmente, Charly García aceptó el nombre "Chipi Chipi," y desde entonces se convirtió en un clásico de su repertorio.

"La Hija de la Lágrima" es un álbum que ha perdurado en el tiempo y sigue siendo apreciado por fanáticos y críticos de la música. Con su innovación musical, su influencia cinematográfica y su capacidad para capturar momentos de la vida cotidiana y convertirlos en arte, Charly García logra una vez más dejar una huella imborrable en la historia de la música argentina. Este álbum es un testimonio de la genialidad de Charly García y un regalo atemporal para los amantes de la música. Durante el Mes de Charly García, "La Hija de la Lágrima" merece ser revisitada y celebrada como la obra maestra que es.

Daniel 

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1055.- No Quarter - Led Zeppelin

Espesas y humeantes columnas de niebla se arrastran a lo largo de una masa de colinas verdes, envolviendo el campo en un gris cegador. Al principio no hay nada. Pero entonces, de repente, un cuerno de guerra resuena a través de las nubes turbias, un ruido tan fuerte que las briznas de hierba comienzan a temblar con la oscilación de las ondas sonoras. Poco después, estos temblores dan paso a un estruendo de la tierra mientras una estampida de soldados acorazados inunda las colinas, espadas y mazas en mano. Esta es la imagen que evocan los primeros 30 segundos de “No Quarter”, el séptimo tema de Houses of the Holy. Cuesta creer por un momento que las cosas hayan progresado de esta manera, no hace más que una canción, Led Zeppelin dejaba al oyente igualmente perplejo y divertido (sin mencionar furioso en algunos casos) con su extraña D'Yer Mak'er a ritmo de reggae. Pasar al frío paisaje previo a la batalla de “No Quarter” puede parecer un movimiento extraño después de una pista de Zeppelin tan poco característica, pero, a decir verdad, realmente no existe una forma adecuada de realizar la transición a una canción como “No Quarter”, incluso si la banda hubiera colocado un rockero a toda velocidad como “Black Dog” antes de este corte, todavía habría una inevitable sensación de presentimiento con las notas iniciales de esta canción. El poder de “No Quarter” aún no ha flaqueado 40 años después de su lanzamiento al público. Es sin duda una de las obras maestras compositivas de Zeppelin.

“Los vientos de Thor soplan fríos”, entona Plant. Como sucesor espiritual de “La batalla de Evermore” de Zoso , “No Quarter” desplaza el discurso sobre la guerra del ámbito de las referencias de JRR Tolkien a una discusión filosófica sobre la naturaleza de la violencia. Los ejércitos de esta canción “eligen el camino por donde nadie va”, la inversión que hace Plant del aforismo bíblico sobre la puerta estrecha es un movimiento extremadamente bueno y amenazador en este caso, este camino es tan misterioso como el mensaje que llevan los soldados "vestidos de acero que es brillante y verdadero", Plant insiste en que "llevan noticias que deben difundirse", pero nunca se hace explícito cuál es esta noticia, lo único que queda claro en la letra es que estos soldados, sean quienes sean, "no tendrán cuartel". Como se describe en la canción, estos soldados, también llamados “perros de la fatalidad”, son una fuerza omnipresente e implacable, una fuerza que la naturaleza nunca podría contener. El mundo de “No Quarter” es uno donde la violencia ha llegado a su punto sin retorno, un hecho reflejado en la música, en lugar de quedar atrapado en riffs brutales o arreglos febriles, Zeppelin deja que el ambiente establezca el escenario. No tiene sentido intentar luchar contra los soldados que han abandonado la rendición. Cuando concluye, se revela como uno de los momentos decisivos de Led Zeppelin como banda, incluso después de terminar su carrera con un album relativamente más débil (aunque, que se sepa: In Through the Out Door es increíble ), aun así lograron no dar cuartel en vivo, aunque estuvieran arrugados y envejecidos. “No Quarter” es emblemático de la banda que Led Zeppelin siempre ha sido: innovador, pesado y, quizás lo más importante, intransigente. A medida que el heavy metal comenzó a surgir del mismo lodo primordial que forjó el hard rock a principios de los años 70, fueron canciones como “No Quarter” las que proporcionaron un vínculo clave con la evolución del género. Los mundos del rock y el metal serían muy diferentes hoy en día si no fuera por este sonoro grito de batalla.

Filosofía barata y zapatos de goma - #mesCharlyGarcia

Pocos artistas han tenido tanta influencia en el rock nacional argentino como Charly García, un artista tan irreverente como pionero, características que vuelca a raudales en "Filosofía Barata y Zapatos de Goma" (1990), una de las obras maestras de su amplia discografía. A lo largo del álbum, Charly García despliega generosamente su atrevida genialidad con las letras y su gusto por la fusión de géneros musicales a priori tan alejados como el tango y el rock, entre muchos otros.

El disco abre con "Demoliendo Hoteles", un enérgico y visceral tema de estridentes teclados y crudas guitarras, con el que el excéntrico músico argentino da una genial muestra del caos multicolor que va a desplegar a lo largo del disco. La fiesta lírica y sonora continua sin descanso en "Filosofía Barata y Zapatos de Goma", la canción que da nombre al álbum, en la que Charly García critica abierta y sarcásticamente los ridículos mensajes que a menudo inundan los medios de comunicación, incitándonos al consumismo material más salvaje y absurdo. A través de ácidas metáforas, el músico se despacha en una crítica social afilada y contundente

"Ojos de Video Tape" aborda terrenos mucho más introspectivos, y en ese tránsito la música se vuelve también más profunda y rica en instrumentación y atmósferas, en un canto a la pérdida de la inocencia y la transformación que lleva a la madurez personal, salpicado de guiños cinematográficos y referencias a la cultura pop popular. Un tema así contrasta con temas como "El Aguante", con un tono completamente diferente y un ritmo enérgico y pegadizo que invita al baile, y que incorpora elementos más cercanos a la cumbia y la música tropical que al rock. La letra pone la guinda de este desenfadado y divertido tema, describiendo "El aguante" que hay que tener ante las diferentes adversidades y desafíos que podemos encontrarnos a lo largo de la vida.

"Viernes 3 AM" es una nueva vuelta a los temas de profunda sensibilidad lírica, un tema de suave cadencia con el que García se decanta, en esta ocasión, por los ambientes claroscuros y la melancolía y la soledad que acompañan normalmente a esa hora de la madrugada. La profundidad del piano y de la voz de García, acompañados por una suave guitarra, nos sumergen a la perfección en la atmósfera taciturna de esta emotiva canción. Poco dura la calma y la tristeza, porque en "No Me Dejan Salir" el sarcasmo y la ironía vuelven a desbordarse sin remedio. La canción recupera el tono enérgico de canciones anteriores, siguiendo la marcada línea synth-pop que tan popular fue en los noventa.

"Total Interferencia" quizá sea, musicalmente hablando, una de las canciones más atrevidas y experimental, marcada por la vibrante percusión y la omnipresente guitarra eléctrica, mientras que con "Mr. Jones" es la destreza lírica la que vuelve a ponerse en primer plano, con letras que reflexionan sobre la búsqueda de la propia identidad, sobre una capa musical de rock de toda la vida. Un tema clásico que precede al cierre del disco, "Me Volví a Enamorar", una vuelta a la emotividad y la profundidad, con una balada aparentemente sencilla que, lejos de perjudicarla, la convierte en una pieza directa y sincera, con la que cerrar el caótico y brillante rompecabezas de "Filosofía Barata y Zapatos de Goma" en todo lo alto y con todas las esperanzas renovadas en el éxito de la búsqueda del amor.

Para tratarse aparentemente de un mero tratado de "Filosofía barata", hecho de materiales tan poco valorados como los que se emplean en hacer unos poco glamourosos "zapatos de goma", este disco es uno de los más valorados del rock nacional argentino, y ha sido una clara influencia para muchos músicos argentinos, que quizá encontraron en este puñado de grandes canciones "El aguante" y la energía necesarias para no desfallecer y seguir "demoliendo hoteles" y haciendo kilómetros en una furgoneta, para intentar ver cumplido el cada vez más lejano y utópico sueño de poder vivir haciendo rock and roll.

1054 - David Bowie - Lady grinning soul

1055 - David Bowie - Lady grinning soul

"Lady Grinning Soul" es una canción de la legendaria figura musical David Bowie, lanzada en su álbum "Aladdin Sane" en 1973. Esta canción a menudo se pasa por alto en la vasta discografía de David Bowie, pero posee una belleza melódica que merece ser apreciada.

La canción se destaca por su composición única y evocadora. Su inicio suave y misterioso, con un piano melódico y sensual, establece un tono que es inmediatamente cautivador. La voz de David Bowie es suave y emotiva, llevando a los oyentes a un viaje introspectivo. La letra, aunque enigmática, parece hablar de la fascinación por una mujer enigmática, con versos que exudan un aura de misterio y deseo.

La instrumentación de la canción es exquisita. El piano de Mike Garson es el corazón de la melodía, creando una atmósfera de elegancia y sofisticación. La guitarra de Mick Ronson aporta matices adicionales, y la sección rítmica proporciona un pulso constante que impulsa la canción hacia adelante. La fusión de estos elementos musicales crea una sinergia emocional que es inconfundiblemente David Bowie.

"Aladdin Sane" en su conjunto fue un álbum que exploró la dualidad y la transformación, y "Lady Grinning Soul" no es una excepción. La canción representa una amalgama de lo mundano y lo esotérico, creando una experiencia auditiva que trasciende el tiempo y el espacio.

En resumen, "Lady Grinning Soul" es una joya subestimada en el vasto catálogo de David Bowie. Su cautivante melodía, letras misteriosas y ejecución magistral la convierten en una muestra del talento artístico de David Bowie. Esta canción es un recordatorio de que su influencia en la música va mucho más allá de su reconocimiento y que su capacidad para crear música atemporal es innegable.

Daniel

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1053.- D'yer Mak'er - Led Zeppelin

"D'yer Mak'er" es una de las canciones más eclécticas y sorprendentes de "Houses of the Holy" (1973), meritorio disco de Led Zeppelin que ha vivido un poco a la sombra de sus discos más reconocidos (los que sacaron numerados como "I", "II", "III" y especialmente el que todos conocemos como "IV" aunque no tuviera un título claro y definido), pero que encierra joyas de la talla de esta canción, un brillante ejemplo de la amplia paleta de registros de la banda, que aquí se atrevió a fusionar los elementos más distintivos del reggae y del rock, logrando un sonido experimental y sorprendente.

El tono general de "D'yer Mak'er" es relajado, pero la canción te atrapa inmediatamente con el contagioso ritmo reggae de la guitarra de Jimmy Page y el brillante trabajo de John Bonham con la batería, tejiendo entre ambos la base para un viaje sonoro de lo más inesperado, que bien podría definirse como la canción más sorprendente del repertorio de Led Zeppelin.

La letra de la canción juega con la pronunciación de la frase "Did you make her" ("¿La hiciste?"), llevando al extremo la contracción de las palabras ("D'yer Mak'er"), y la voz de Robert Plant se adapta sorprendentemente bien a un ritmo reggae en las antípodas de los registros normales de la banda, más cercanos habitualmente al hard rock y al blues rock. El valor de lanzarse a este tipo de experimentación, y la agradable sorpresa que supone el resultado, hacen de "D'yer Mak'er" una pieza de culto y un ejemplo de audacia musical que merece, por derecho propio, un puesto entre los mejores temas de los Zeppelin.

1052.- The Rain Song - Led Zeppelin

"The Rain Song" es una de las gemas más brillantes del disco "Houses of the Holy" lanzado por Led Zeppelin en 1973. Escrita por el guitarrista Jimmy Page y el vocalista Robert Plant, "The Rain Song" es un torrente de belleza melódica que comienza con unos brillantes acordes acústicos de la mano de la guitarra de Page, que construye el delicado lienzo musical sobre el que la voz de Plant va llenando de color esta famosa canción sobre la lluvia, en realidad una metáfora sobre la complejidad de los sentimientos.

La poética y reflexiva letra profundiza sobre la búsqueda del amor, como método de supervivencia ante las tormentas emocionales de la vida, en una canción en la que la lluvia, en muchas ocasiones asociada con la melancolía y la tristeza, es por el contrario un símbolo de liberación y de crecimiento personal y emocional. Esa evolución y crecimiento se traslada también a la estructura melódica de la canción, que va creciendo en intensidad conforme va avanzando hacia su clímax, con la incorporación gradual de los teclados y de las diferentes capas de guitarra eléctrica.

La producción de la canción es detallista y exquisita, permitiendo que cada instrumento tenga su espacio y encaje a la perfección con el resto, solapándose y entrelazándose en una mezcla brillante y armoniosa que, a día de hoy, sigue sonando con la misma intensidad y fuerza que en el momento de su publicación, y que es un fiel testimonio del virtuosismo y el cuidado que Led Zeppelin puso en la construcción de cada una de las piezas de su intensa discografía.

1051.- De alguna manera - Luis Eduardo Aute

Hijo de Amparo Gutiérrez-Répide, filipina de ascendencia española, y Gumersindo Aute Junquera, español que trabajaba allí en una compañía tabaquera. Cuando tenía ocho años se trasladó junto a su familia a España. Primero vivió en Barcelona, pero a los pocos meses se asentó en Madrid, donde residió desde entonces. Muy influenciado por las composiciones de Georges Brassens y Jacques Brel, como asimismo del norteamericano Bob Dylan, a su vuelta a España, mediada la década de los sesenta, comenzó a componer sus propias baladas, con letras que pueden juzgarse como surrealistas. En principio no se atrevía a cantarlas y cedió algunas, como “Rosas en el mar” y “Aleluya número 1”, que grabó Massiel. Esta última terminó también por cantarla él mismo (el norteamericano Ed Ames hizo una versión que alcanzó el puesto número siete en las listas de éxitos en los Estados Unidos) junto a otras como “Don Ramón”, “Made in Spain” y “Rojo sobre negro”, con las que inició su propia discografía de cantautor, contratado por la RCA española, en 1967. En los años siguientes, aún no muy convencido de su futuro como cantante, compuso para Mari Trini y Patxi Andión, entre otros artistas, considerados también cantautores, que empezaban su prometedora carrera. Ya en la década de los setenta fue cuando su casa de discos, algunos amigos y críticos lo alentaron para que se dedicara en pleno a actuar. Con el apoyo del grupo Suburbano continuó, ya en los años ochenta, una fructífera etapa que, aun con los inevitables altibajos en la vida de todo creador, se mantenía en los primeros años del nuevo siglo, tras cuatro decenios como autor.

Rito (Canciones de amor y muerte) es el tercer álbum de estudio del cantautor español Luis Eduardo Aute. Contiene algunas de las composiciones  más famosas de su repertorio, que con el tiempo Aute ha ido reversionado tanto en discos en vivo como de estudio. Fue publicado en 1973 por el sello Ariola (82.189-I). Con él da inicio a la trilogía “Canciones de amor y muerte”, que incluye además los discos Espuma (Canciones eróticas, 1974) y Sarcófago (Canciones de muerte, 1976). Todos los temas pertenecen en letra y música a Luis Eduardo Aute. Arreglos y dirección musical de Carlos Montero.

Con “De alguna manera” en dos minutos, la poesía guía a la música. Es algo muy extraño, son las palabras las que te conducen hacia el siguiente acorde sin que te des cuenta, una vez que juntas las sílabas todo fluye de un modo casi mágico. "De alguna manera" de Luis Eduardo Aute es una canción de amor sincera y melancólica que explora los temas del anhelo, la pérdida y la dificultad de seguir adelante después de una relación pasada. La canción describe la lucha del cantante por olvidar y dejar ir a su antiguo amante. La imaginería utilizada en las letras también intensifica las emociones expresadas en la canción, la mención de las noches y el intento de besar el aire significa el anhelo y la desesperación por la intimidad y el deseo de recrear el pasado. En general, "De alguna manera" refleja la complejidad de las emociones que acompañan el dejar ir y el difícil proceso de curación después de una ruptura. La canción captura el sentido de anhelo, arrepentimiento y eventual aceptación que se experimenta con frecuencia en estas situaciones. Este tema había conocido muy poco tiempo antes una gran interpretación y un notable éxito en la voz de Rosa León. Aute no quiso sacarla en single para no entorpecer o establecer comparaciones con Rosa, pero la incluye plena de sentimiento en este LP.

Disco de la semana 353: Mezzanine - Massive Attack

Mezzanine es una obra maestra grotescamente hermosa. Un álbum tan empapado de decadencia urbana, estética noir y una atmósfera sucia te hace sentir sucio e insignificante mientras lo escuchas. Pero dentro de ese disgusto e insignificancia se encuentra el disfrute y algunas bellezas ocultas dentro del paisaje sonoro distópico que crea Massive Attack. Sintetizadores, samples y guitarras vibrantes y vibrantes se disparan en lo profundo de la mezcla mientras ritmos boom-bap y downtempo avanzan hacia una ciudad ciberpunk plagada de pobreza, crimen y corrupción. Poblado por gente de mala vida, delincuentes, adictos, matones, prostitutas, trabajadores apáticos y sus jefes hambrientos de poder. Los bajos, tremendamente gruesos y carnosos, realzan todo lo demás y le dan al álbum un toque amenazador. A partir de todo esto se crea una especie de ambiente y, hombre, es jodidamente embriagador escucharlo.

Angel es una forma de iniciar el disco de forma monstruosa, 6 minutos que entra en juego con un fondo zumbido y algunos sonidos que suenan como si hubieran sido sacados directamente de una película de terror. El canto comienza después de aproximadamente un minuto y puede sonar reconfortante en el ambiente oscuro, pero el fondo simplemente continúa. El cambio de velocidad progresivo cerca de la mitad de la pista agrega suspenso mientras esperas que se produzca la resolución. La línea de bajo es genial y la voz de Horace Andy no podría encajar mejor. En esta pista también se utilizan algunas muestras de batería realmente interesantes. Angel es fácilmente una de las pistas más pesadas de este álbum y crea un gran ambiente para todo lo que está por venir. Los sonidos espeluznantes siguen llegando en la siguiente pista, Risingson, al principio aparece cierta semejanza con un aullido y las voces se activan temprano, de hecho, las voces se ejecutan en esta pista, con algunos sonidos de sintetizador interesantes detrás de ellas. El ritmo suave es, por supuesto, como el de la mayoría de los otros temas de Massive Attack y no decepciona, esta pista es mucho más relajada que Angel y suena mucho más a trip hop tradicional, tengo una debilidad por el scratching, del cual esta pista tiene algunos fragmentos aquí y allá. Definitivamente establece un tono urbano oscuro muy agradable. 

Probablemente una de las pistas de Massive Attack más populares y reconocibles viene a continuación, Teardrop, es un buen cambio de ritmo con respecto a las dos pistas anteriores que eran sumamente oscuras, el ritmo se siente más ligero, uno de los pocos temas que no invoca directamente la oscuridad, esto es aún más claro cuando el piano entra en acción y la melodía es impresionante. Elizabeth Fraser canta esta canción y su voz es simplemente maravillosa. Su apariencia por sí sola hace de esta canción una de las mejores de este álbum. La producción limpia de la que hablaba también brilla aquí, este álbum es definitivamente lo opuesto a lo crudo. Inertia Creeps contrasta fuertemente con la pista anterior. El principio suena bastante inocente, pero todo se vuelve progresivamente más oscuro con bastante rapidez, los tambores que suenan ritualmente combinados con los sintetizadores y el canto susurrante más oscuro hacen que el ambiente se sienta casi claustrofóbico. También siento que debo señalar que esta canción dura casi 6 minutos, lo cual es un poco largo para una pista tan redundante como esta. No es una canción terrible, ni tampoco la mejor. Todo comienza a apagarse nuevamente con la introducción de Exchange, una pista muy lenta y relajada que utiliza muchos instrumentos y sonidos diferentes, es un buen cambio de ritmo dado el contexto del álbum, pero no es una canción que personalmente disfrute demasiado. Sin embargo, marca una disminución notable en la oscuridad del álbum, y las pistas que le siguen tienden a sentirse más suavizadas, en su mayor parte. Un pequeño y agradable interludio instrumental.

Dissolved Girl no es tan oscuro como algunas de sus pistas predecesoras, pero tampoco es lo que llamaríamos relajante, es una buena pista intermedia que aporta algunos sonidos nuevos y hace un buen uso de la guitarra y la transición entre sonidos, una pista muy tranquila en la que puedes simplemente sentarte y disfrutar del viaje. Los fragmentos de guitarra incluidos son los mejores que encuentra en este álbum, es indescriptible lo bien que encajan, todo encaja como un rompecabezas. Y me deja boquiabierto después de cada escucha. El estado de ánimo y la atmósfera que transmite esta pista no tienen comparación, es perfecto. Después de un gran tema, en mi opinión, llega un tema bastante decepcionante. Man Next Door tiene un ritmo bastante poco interesante (en comparación con los demás) y algunas voces demasiado repetitivas además. No creo que encaje bien en el álbum, dado el contexto de las otras canciones. Sin embargo, encuentro que Black Milk es una canción absolutamente hermosa, es, con diferencia, la canción más relajante del álbum y la melodía es preciosa, el piano y las campanas actúan como un gran tono para el ritmo bastante simple del fondo y todo armoniza muy bien, tiene un ritmo muy sólido y también aparecen algunas voces femeninas realmente etéreas le dan a la pista un carácter extra. Probablemente también sea una de las canciones más edificantes. 

La antepenúltima pista es la versión, Mezzanine , y es la última de las pistas verdaderamente oscuras del álbum. Una vez más, Massive Attack usa un ritmo simple pero le saca mucho provecho. Los zumbidos, las voces oscuras y el eco de la batería, junto con el subgrave, hacen que esta pista se sienta sucia y espeluznante. Los sonidos se vuelven más frecuentes a medida que avanza la pista y comienzan a combinarse en algo verdaderamente sexy. También vale la pena mencionar que Daddy G podría tener una de mis voces favoritas en este álbum. Da tanto miedo que al principio me desconcertó un poco. Esta pista termina volviéndose bastante caótica cuando termina, con todo tipo de sonidos sucios. El álbum llega a su fin con una pista bastante larga de 8 minutos, Group Four, sin embargo, esta pista hace un buen trabajo al mantenerte entretenido en todo momento. El ritmo es suave y por primera vez se mezclan voces femeninas y masculinas en la misma canción. La pista se mantiene aproximadamente al mismo ritmo hasta que comienza a ocurrir un gran cambio alrededor de los 5 minutos. Aproximadamente 5 minutos después, la pista te toma por sorpresa y te da pistas de esta increíble muestra de Pink Floyd que complica mucho las cosas. Es un gran tema y probablemente el más representativo de lo que es Mezzanine. El ritmo nunca disminuye y se vuelve progresivamente más rápido hasta llegar a su fin en los últimos 30 segundos aproximadamente. Pero espera, ¿cuál es este último track? Suena muy familiar... y (Intercambio) ha hecho una devolución. La única diferencia es que se han añadido algunas letras repetitivas; todo lo demás sigue igual que antes. Encuentro esta canción completamente innecesaria y siento que el álbum habría sido mucho mejor si hubiera terminado con el gigantesco Grupo Cuatro. 

Mezzanine de Massive Attack es un álbum de trip-hop simplemente impresionante creado por los propios creadores del género. Es lo mejor de todos sus esfuerzos y será difícil superarlo. Este es uno de los mejores álbumes que existen, no sólo del trip-hop, sino de la música en general. Si necesita cumplir una fantasía oscura pero aún así mantenerse al tanto de la realidad con un alivio refrescante, no busque más que Mezzanine.

1050.- Over the Hills and Far Away - Led Zeppelin

 

Over the Hills and Far Away, Led Zeppelin

     Houses of the Holy es el quinto álbum de estudio de la banda británica Led Zeppelin. Fue el primero en romper con la tradición del grupo de tener en el título el nombre del grupo. Fue grabado entre enero y agosto de 1972 en el estudio móvil del los Rolling Stones, y en los Olympic Studios de Londres y los Lady Studios de Nueva York. Contó con la producción del guitarrista de la banda Jimmy Page, y fue publicado por el sello discográfico Atlantic Records en 28 de marzo de 1973. Este disco marcó un cierto distanciamiento con la corriente blusera del grupo de sus anteriores trabajos, apostando por otros estilos como el reggae o el funk. De la mezcla del álbum se encargó en productor Eddie Kramer. La recepción, por parte de la crítica, del álbum en un principio fue bastante moderada, aunque posteriormente ha sido aclamado e incluido en carias listas de los mejores álbumes de la historia del rock. Comercialmente si fue un éxito desde el principio, llegando al puesto número 1 en países como Estados Unidos, Canadá, Reino Unido y Australia, además de muy buenas cifras en el resto de Europa y en Japón. 

Incluido en este disco se encuentra el tema Over the Hills and Far Away, compuesta inicialmente por Jimmy Page durante su estancia en la cabaña de Bron-Yr-Aur en Gales en el año 1970. Durante la introducción podemos escuchar una suave guitarra acústica de seis cuerdas tocada por page, que luego se entrelaza con el sonido de una guitarra de doce cuerdas, y seguidamente irrumpe la voz de Plant seguida del bajo de John Paul Jones y la batería de John Bonham, que siguen el ritmo de la canción ya a todo ritmo. La canción se llamó en un primer momento Many Many Times como muy bien aparece acreditado en la web de la banda, y evolucionó a partir de la canción White Summer de The Yairdbirds. Para la música, Jimmy Page se inspiró en su ascendencia celta, y a Robert Plant se le ocurrieron pistas de acompañamiento y luego las letras. Para dichas letras, Plant se inspiró en el libro de J.R.R. Tolkien El Hobbit y en el poema también de Tolkien Over Old Hills and Far Away, donde se describen las aventuras que emprenden los Hobbits. Esta canción también fue una de las pocas que el grupo editó como sencillo en Estados Unidos.

1049.- Ol' 55 - Tom Waits

Norteamérica, principios de los 70, la revolución musical se hace evidente y comienza a fraguarse la idea de convertir este género en el gran negocio del siglo, la industria se agiganta, el rock se magnifica, y la explosión de egos obliga a escenarios cada vez más grandilocuentes; el marketing allana el camino y detalles como la iluminación o el vestuario pasan a convertirse en conceptos clave. La música se viste de diversión y el sector muestra su cara más amable, es, para muchos, el momento de brillar. Mientras, al otro lado de los focos, alguien se detiene para echar la vista atrás: suburbios, jazz, madrugada… y una voz: Tom Waits. El canto de la otra América. Pesimismo, sueldos bajos, y grandes dosis de alcohol; baladas de crímenes y relatos de miseria cotidiana. Alejado del glamur y las grandes giras Waits retrata lo que nadie quiere ver, y en lo más profundo del lado oscuro del sueño americano, su discurso se vuelve a un tiempo incómodo y necesario.

Para hacer esta reseña puedo hablar simplemente de la voz de Tom en esta canción. .. ¡Excelente! Quiero decir, el estilo grave se convirtió en su forma de cantar, pero aquí encontramos un buena voz emotiva y limpia, nunca por encima del rango medio, pero aún así, su timbre seguía siendo único. Podría haber tenido una carrera profesional perfecta con este estilo vocal, una de las muchas melódicas pop agridulces de Closing Time marca un estilo que le podia haber perpetuado, me resulta extraño que no lamente su rápido cambio de voz después de los primeros álbumes, tal vez porque ya alcanzó el potencial de ese estilo vocal inicial en su increíble debut titulado Closing Times. Nos adentramos en Ol'55, una preciosa historia de amor, el relato de alguien que conduce mientras recuerda las horas que acaba de pasar junto a la persona a la que ama, tal vez muchos conozcáis esta canción gracias a Eagles, quienes la incluyeron en su tercer álbum de estudio («On the Border», 1974), una versión que nunca fue del agrado de su autor. La melodía, la letra (melancólica, anhelante, poéticas, pero nunca exagerada), el ritmo relajado, todo se junta en una de las composiciones más hermosas que he escuchado. Es terrenal, impulsado por un ritmo lento de piano rock (o jazz) y suaves armonías vocales que construyen un coro profundamente arraigado alrededor de la voz de Tom (su interpretación es maravillosa, muy lejos del gruñido teatralmente oscuro que había escuchado en Swordfishtrombones). La letra logra un equilibrio increíble entre la poética dylanesca ("feelin' so saint") y una narración honesta en un taburete de bar a la Springsteen ("autos y camiones de la autopista"), y deja una imagen poderosa en mi mente incluso con muy poco escenario concreto. La música americana rara vez es tan escasa y al mismo tiempo tan poderosa, con pequeños efectos folk que entran y salen de los arreglos y con un coro profundamente pegadizo que nunca se permite ser simple (una evasión que reside enteramente en la interpretación, como lo demuestra la versión de los Eagles que no logra replicar la cadencia de Tom o la energía de su banda). Ol' 55 es una obra maestra llena de humo, una de esas raras canciones que te cambia desde la primera vez que la escuchas. Tom Waits podría haber terminado su carrera aquí mismo, en su sencillo debut, el que abre su primer álbum, y aún ser recordado durante lo que nos quede de vida. El debut de Waits contiene la mayor parte de las semillas de lo que estaba por venir con esta mezcla maravillosa de soul, jazz, country y fragmentos de folk e instrumentación cruda, existen discos igual de buenos que «Closing Time» (1973) de Tom Waits, pero no mejores…

Charly García - Cómo conseguir chicas (Mes Charly García)

 

En 1989, Charly García presentó al mundo Cómo conseguir chicas, su quinto álbum de estudio. El álbum fue hecho a partir de canciones sueltas que no habían encontrado destino fijo o que habían sido concebidas para Sui Generis o La Máquina de Hacer Pájaros. Considerado por la crítica como una nota al pie en la discografía del músico argentino, se supo ganar un lugar en el podio de las rarezas y los lugares de culto. Los fanáticos lo celebran por lo que es: una joya extraña que, desde su sugerente tapa, seduce y desconcierta. El rol central de la mujer se puede ver en la tapa del disco: una joven con el pelo largo que mira fijo al espectador. Sus ojos celestes se vuelven joyas hipnóticas que reclaman atención, mientras sus labios rojos se pierden entre pétalos naranjas y amarillos. Hay un arreglo floral que compite por la atención en la foto, pero la mujer pareciera ser la única flor que importa. Ella podría ser la protagonista de una pintura del Renacimiento, pero también se asemeja a una modelo de alguna publicidad de cosméticos o perfumes. La imagen, entre el misterio y la ironía, coquetea con la idea de vender algo: cómo conseguir chicas, primera misión para los hombres del rock and roll. Tanto los carteles de calle que anunciaba la gira de conciertos como el tour book de la gira 89 mostraba a los músicos de la banda de Charly vestidos, maquillados y peinados como mujeres al lado de una Hilda Lizarazu impecable que vestía la misma ropa y un Charly al frente luciendo chaleco primaveral y camisa blanca ostentando un ramo de flores en las manos. Las fotos fueron hechas por Alejandro Kuropatwa. Un hito que se hizo realidad en esta gira fue su presentación en el Ritz de New York el 18 de marzo de 1990.

El álbum comienza con “No toquen” una estampida de canción, los ruegos desaforados de Charly son marcados por los parches de Samalea y el solo de guitarra hipnótico que imprime su autor, un tema casi power para hacernos olvidar del (excelente) Pop del disco anterior, ya tenemos servido un gran inicio de disco. El tema refleja la importancia de la individualidad, la protección de pertenencias y los límites personales, y la resistencia a la influencia o intrusión externa, refleja el deseo de Charly García de mantener el control sobre su expresión artística y su espacio personal. Sigue “Zoca Cola” con aires de bossa nova que envuelve la dulce melodía de los teclados, uno en especial que lleva el ritmo de todo el tema, y la categoría de Charly aportando los elegantes acordes desde su guitarra acústica, el repetido instrumental del final agrega una sensación de melancolía e introspección y captura las emociones conmovedoras del anhelo, las oportunidades perdidas y la naturaleza agridulce del amor no correspondido. El Re Menor arrastrado presenta “Fanky”, un clásico de Charly y uno de los riffs más reconocibles del Rock Argentino, parece celebrar la idea de disfrutar la vida y no dejar que la negatividad y la duda se interpongan en el camino. El coro enfatiza este sentimiento al afirmar: "No voy a parar, no tengo dudas / No voy a descender, déjalo subir". Esto puede interpretarse como un mantra para perseverar y prosperar sin importar los obstáculos. El violín de L. Shankar nos abre la puerta de la misteriosa, algo tensa y finalmente dulce “No me verás en el subte”, mucha presencia de teclados y aires orientales para una gran composición en forma de suite. Una historia divertida y disparatada nos propone “Ella es bailarina” con el protagonismo de una bailarina, un maestro, un policía y un sacerdote. Charly y Samalea se hacen cargo de todo lo que se escucha. Palmas, coros y un solo con sonido de saxo un canción de la época de "La máquina de hacer pájaros" nos sirve un rock acelerado pero inofensivo, con aires festivos cierra el lado uno del disco

 

El lado 2 abre con “Anhedonia”, con clima inicial de playa nos transporta a un lugar que Charly va describiendo con figuras y sensaciones. Empieza con una batería programada y promediando el tercer minuto arremete con todo la batería de Mario Serra llevando la melodía a un clima más espeso y fuerte.  “Suicida” es un tema bastante Pop de Charly pero esta vez no logra atraparme, es simplemente aceptable se nota bastante que es un descarte de otro álbum, canción de medio tiempo con tono alegre y ligero aire de samba brasilera que acompaña la denuncia urbana de la letra. “Fantasy” es extremadamente Pop pero sin perder la dignidad y que sea pop no signignifica que sea mala, al revés es bastante buena, enorme solo de Garcia López tocando las notas justas con  impecable calidad. Conmovedores teclados que marcan el in crescendo de esta obra respaldada por los arreglos clásicos, corales y el compás de Fernando Samalea. “A punto de caer” (la única canción del disco en la que Charly comparte autoría) tiene una cadencia al estilo de Zoca Cola. Resaltan el bajo de Lupano y las guitarras acústicas de Charly. Dan ganas de escuchar un poco más del solo de guitarra aportado por el ex Manal y La Pesada Claudio Gabis.

 

Un disco hecho con sobras de otros discos, se nota bastante. Es el disco ochentoso de Charly que menos canciones memorables tiene, pero tiene un gran plus que lo salva de ser malo: la producción. La batería suena excelente, el bajo esta vivo y la voz esta muy bien mezclada. Siempre es un buen momento para volver a prestarle atención y redescubrir esta perla marca Garcia.