Disco de la semana 427: Love Deluxe - Sade

Love Deluxe es absolutamente hipnótico, esta experiencia es absolutamente impresionante te hace llorar al darte cuenta de lo influyente y bello que es todo. Puedes decir que la voz de Sade es muy unidimensional si quieres, para mí es perfecta para enredarse con los instrumentos y con un álbum tan entrelazado con paisajes sonoros y estructuras de canciones minimalistas, todo se siente mucho más intenso de lo que es, especialmente una vez que te pierdes por completo en su mar musical. La entrega vocal de Sade es relajante y, a veces, aporta variación a los instrumentales con una repetición más poderosa de los pasajes líricos presentes, gran parte de su lirismo es fantástico, y nada de lo minimalistas que sean sus letras les resta fuerza a sus mensajes. Tomemos "Feel No Pain", por ejemplo. Sade no necesita decir mucho para transmitir un mensaje contundente sobre tomar las riendas y esforzarse por forjar un camino en la vida. Siempre luchando por seguir adelante. Un mensaje que no se escucha a mucha gente hoy en día. Ya sea hablando de amor o dando consejos, lo que dice son cosas que me encanta escuchar. ¿Cómo explicar todos los sentimientos y cosas que este hermoso álbum me hizo sentir? Tantas cosas hermosas a la vez, el simple hecho de descubrirlo me cautivó, en mi corazón, siento que el amor esta escondido, adormecido pero este álbum me hizo creer de nuevo en el amor, creer de nuevo en que puede haber una persona con quien compartir esos gustos. Todo en este álbum es excepcional, la voz de esta Diosa es como la de un ángel. ¿Y saben cómo me enamoré de este álbum? Siendo yo el chico y ella mi ángel, quien me canta con su tierna y dulce voz, me volví inofensivo y vulnerable al escucharlo, con esas voces y piezas instrumentales de jazz.

El álbum empieza fuerte, con No Ordinary Love, pagaría por escucharla por primera vez, la canción realmente te intriga por lo que el álbum podría ofrecer más que este tema de soul suave con algunas de las mejores voces que jamás escucharás. La canción expresa el sentimiento de la artista sobre su relación actual y para mí se siente como si se estuviera arriesgando por completo y se enamorara profundamente. La canción se convirtió en el mayor éxito de Sade junto con las famosas Smooth operator , Hang on to your love y Paradise. La obra maestra de 7 minutos de duración que penetra tu mente y tu alma, si la escucho empiezo a sentirme fuera de este mundo, me hundo en esas aguas donde Sade nadó en el video, cada vez que la escucho, deseo que la canción nunca terminara. Es tan emotiva, tan íntima y etérea que mientras la escuchas, de alguna manera vives con esta canción en un vacío separado donde solo estás tú y tus sentimientos. Cada canción de este disco transmite un mensaje importante y relevante. La primera una dulce canción que habla de un amor único, natural e intenso que podemos sentir cuando estamos enamorados. Feel No Pain es irónicamente una canción para sentirse bien con un profundo mensaje detrás sobre la depresión, los malos tiempos económicos, la lucha por conseguir un trabajo, la procrastinación y la baja motivación. La vibra suave lo-fi de la misma puede hacer que ignores la letra y el profundo significado detrás de ella, una hermosa canción que habla del dolor que sentimos en diferentes momentos, como cuando despiden a una madre o un padre, el estribillo parece implorar a Dios por las personas que tienen una vida difícil y no quieren sonreír ante un trabajo estable. Un ejemplo típico de una canción relajante de medio tiempo de Sade que infunde ternura, paz y amor. La forma en que canta y particularmente su “whyy, whyy, whyy” es un placer tan grande para mis oídos, que mis ojos se cierran y mi mente comienza a imaginar cosas irreales. 

I Couldn't Love You More sirve como una continuación de No Ordinary Love, una secuela de la misma, con la artista romantizando su relación cada vez más y enamorándose más profundamente del que ella llama chico, una declaración de amor y devoción a su pareja. Sade expresa que, aunque el tiempo se agotara, no podría amar a su pareja más de lo que lo hace ahora. Insta a su pareja a acompañarla y ser su único amor, y declara que no querría acostarse ni amar con nadie más. Sade contempla que, incluso si todos en el mundo le dieran lo que quiere, no querría más de lo que tiene con su pareja, le pide que se quede tal como está, enfatizando que no podría amarlo más de lo que ya lo ama. El amor es un sentimiento muy hermoso, te lo dice ella misma. Like a Tattoo tiene un tono más oscuro, cuenta una historia real basada en la historia que le contó un desconocido que Sade conoció hace años una noche en un bar de Nueva York, en esa historia refleja su culpa y vergüenza por haber cometido un crimen de guerra. A lo largo de la canción, nos enteramos de que disparó y mató a un hombre que tenía las manos en alto en señal de rendición, un acto que también pudo haber presenciado una mujer importante en la vida de la víctima. Pero a pesar del atroz acto del soldado, la intensidad de su arrepentimiento solo es posible gracias a la empatía presente en su corazón: su amor por la humanidad. Al principio, no entendía el significado de la canción y no presté atención a los detalles, pero después de leer la letra y profundizar en ella, poco a poco me fue gustando, y puedo decir que es de mis favoritas. Una balada acústica, triste y conmovedora, compuesta, básicamente, por dos acordes. 

La siguiente canción, Kiss of Life mezcla toda esta atmósfera triste, es muy cálida, melódica y primaveral, incluso alegre de alguna manera. Todas las asociaciones se dan con el comienzo de la primavera, cuando los pájaros cantan, la nieve se derrite y las primeras flores aparecen bajo el sol brillante. Esta canción captura esos preciosos sentimientos de una relación, la intensidad y el amor que se siente en cada verso. Es tan humano y natural. Lo que escuchas es como se escucha a una mujer realmente enamorada, y con esos matices de jazz, hermano, déjame sola en el sistema solar, quiero llorar. Cherish the day es indiscutiblemente un tesoro de Sade, tan atmosférica, tan llena de desesperación y soledad. Una canción de amor más, suave y conmovedora, para su colección definitiva y aunque el 99% de su material son canciones de amor conmovedoras, está por encima de todas las demas. Me encantan particularmente los sintetizadores de fondo, esto es exactamente lo que hace que la canción sea tan buena, al escucharla, uno puede sentirla volar hacia el cielo. Algo similar se muestra en el video de la canción. Ella, de pie en la cima de un rascacielos, en blanco y negro, con el aspecto de una diosa. Me encanta Pearls, quizás es la más significativa del álbum. Trata sobre la lucha de las personas nacidas en lugares donde es difícil vivir, poniendo como ejemplo a una mujer de Somalia que lucha por ganarse la vida para ella y su hija. Una voz increíble, especialmente cuando Sade grita “¡Aleluya!”. Además, en el estribillo, “the stone in my heart” refleja la empatía que Sade siente por personas como ella. Bullet Proof Soul es el final de la historia de amor que se extiende a lo largo del álbum. Tras ser abandonada por su amado y no ser correspondida, sigue adelante con más fuerza que nunca, describiendo que llegó como un “cordero” y que “tiene la intención de partir como un león”. El increíble saxofón, la voz y la letra de esta canción la convierten en una pieza destacada del LP. Sade explora las profundidades del amor y el dolor que a menudo lo acompaña, la letra incide en una relación donde el amor profundo y verdadero no fue suficiente para mantener la unión, resaltando la decepción y el desamor. Sade usa metáforas relacionadas con la violencia y la protección para expresar la intensidad de los sentimientos involucrados y la necesidad de fortaleza emocional ante el desamor. El outro instrumental Mermaid, es una gran canción soul de piano y saxofón, nos deja pensando en las historias que hemos escuchado a lo largo del álbum, como el outro de una serie de televisión, se siente frío y distante, no sé cómo describirlo, es increíble.

Disfrutar de este maravilloso disco te transporta a sensaciones muy placenteras. Se puede sentir una asombrosa transformación de estados de ánimo: notas de tristeza, seguidas de un elegante coro, transmiten una gran emoción. Literalmente te reconforta. Supongo que eso es lo que se suele llamar "música soul", quizá no puramente soul en términos musicales, sino desde el punto de vista de las emociones que se pueden experimentar. Sade es una artista única con una personalidad única y una voz excepcional. Cada disco de ella es genial. Quizás "Love Deluxe" sea demasiado bueno, demasiado hermoso, demasiado profundo, demasiado íntimo. Todo lo que uno puede sentir estando enamorado se encuentra aquí, transformado en música. Unas palabras sobre la música en sí: el disco es una maravillosa mezcla de pop, soul y jazz, donde cada sonido encaja con otro como un rompecabezas. Los arreglos son geniales: líneas de guitarra increíbles, sintetizadores atmosféricos y ese saxofón que te deja sin aliento. Sin contar las voces y el ritmo sensual y bailable. Este álbum es perfecto para escuchar en invierno en un ambiente hogareño con una botella de vino y tu novia/mujer, porque es tan romántico y elevado que me faltan las palabras para describir esta sensación. Siendo sincero, no hay tantos discos que se te queden grabados en la cabeza como este. ¿Por qué? Es muy sencillo. Cualquiera sabe tocar la guitarra, pero pocos pueden presentar una canción de tal manera que luego pienses en ella todo el tiempo y la guardes en la cabeza como si fuera un milagro. Espero que me entiendas. Todo gracias a su talento. El talento de una chica nigeriana para cantar.

 

P.D.- Se sabe que Sade conoció a un hombre durante su gira por España, que pareció cambiarle la vida. Pero rompieron tiempo después, dejando una profunda huella en sus corazones. Nadie dudaría, y yo mismo estoy convencido, de que este hecho definitivamente se reflejó en sus canciones. ¿Cómo no? El amor es tan fuerte como para cambiar la vida de las personas y manipularlas de cualquier manera posible. ¿Y qué tan fuerte debe ser para inspirar a alguien a crear música tan emotiva?

Disco de la semana 426: Cave World - The Viagra Boys

Cave World ("Mundo Caverna") es el tercer álbum de estudio de la banda sueca de post-punk Viagra Boys, publicado en 2022 y escrito principalmente durante el confinamiento del COVID-19, lo que influyó en el contenido de las letras del disco, que en varias ocasiones hacen referencia de manera satírica a las teorías "conspiranoicas" sobre la desinformación y la desconfianza respecto a las vacunas, pero más allá de esa lógica conexión con el momento particular en el que se gestaron las canciones del disco, la alocada temática de Cave World va mucho más allá, remontando su crítica social hasta incluso la era paleolítica y el origen del ser humano, representado por los hombres de las cavernas.

Musicalmente, Cave World es una poderosa mezcla de estilos musicales en la que predominan el punk y el post-punk, pero en la que hay espacio también para el krautrock, la new wave, la electrónica y el techno (especialmente en los tres breves interludios instrumentales del disco: "Cave Hole", "Globe Earth" y "Human Error", a cargo del productor DJ Haydn. Todo comienza a explotar con Baby Criminal, un arranque de energía arrolladora y acelerado ritmo, con una actitud de lo más "hooliganesca" en la voz de Sebastian Murphy, que recuerda a algunos temas de los mejores Grinderman.

Tras "Cave Hole", el primero de los breves interludios instrumentales, y pieza de sonido oscuro y atmósfera inquietante que nos traslada al mundo primitivo y a la caverna de Platón, el concepto del disco se convierte en brillante single en "Troglodyte", un tema de aroma punk e instrumentación electrónica que recuerda y homenajea a los mismísimos Devo, que profundiza en el conspiracionismo y la paranoia mientras los sintetizadores y elementos electrónicos crean una atmósfera única.

Sin tiempo para la pausa, en "Punk Rock Loser" escupen un nuevo hit, en esta ocasión inspirándose en la música y la actitud punk de Iggy Pop, en una canción de base rítmica poderosa, en la que el bajo domina y destaca magistralmente. No menos impactante es "The Cognitive Trade-Off Hypothesis", probablemente el tema más arriesgado del disco, con su peculiar falsete y su sólido sonido post-punk.

Tras este brillante tramo de pelotazos post-punk, el segundo de los temas instrumentales ("Globe Earth") abre un tramo marcado por el ritmo techno pesado e hipnótico de "Ain't no Thief", plagado de sintetizadores y de influencias de Sleaford Mods, cuyo vocalista Jason Williamson aparece como invitado especial en "Big Boy", una curiosa mezcla de hip hop con toques de enloquecido blues, en cuya letra satirizan la fragilidad de la autoestima masculina, antes de cerrar este tramo más electrónico con la inspirada ADD, canción de aparente minimalismo sonoro pero de adictivo ritmo al más puro estilo Gorillaz, y una humorística reflexión sobre la hiperactividad y la distracción en la era moderna en las letras.

El tercer tema instrumental ("Human Error") actúa como breve preámbulo al potente cierre punk del disco con "Return to Monke", una pieza intensa y enfermiza que combina la rabia del punk con abrasivos saxos. En la letra abogan por el regreso a una versión más primitiva de la humanidad, renunciando a los peligros de la evolución y a la amenaza de la tecnología moderna, cerrando de manera brillante un disco que termina como empezó, con las espadas punk en alto y toda la intensidad necesaria para ponerle un broche de oro a una obra grande, que por el momento es el mejor disco de unos Viagra Boys en estado de gracia troglodita y cavernaria.

Disco de la semana 425: Argus - Wishbone Ash

 

Argus, Wishbone Ash

     Para la recomendación de esta semana traemos bajo el brazo un álbum considerado considerado el punto culminante en la carrera de la banda británica Wishbone Ash: Argus, el cual presenta una mezcla perfecta de hard rock, folk y rock progresivo, con complejas estructuras y unas armonías, tanto vocales como con las guitarras, impresionantes. Las twin guitars, o guitarras dobles, de Andy Powell y Ted Turner es una de las características más destacadas del disco, y la interpretación de ambos en este trabajo es sencillamente maravilloso.

El álbum es grabado, entre enero y marzo de 1972, en los De Lane Lea Studios de Londres, bajo la produccin del productor inglés Derek Lawrence, y publicado el 28 de abril de 1972. Fue uno de sus trabajos más exitosos, llegando a alcanzar el puesto número 3 en las listas de ventas del Reino Unido. Aunque el disco no fue concebido como un álbum conceptual, se inspiró en la mitología griega, y combina rock progresivo, folk y hard rock. Otro de su puntos fuertes es su evolución en las guitarras, pues dieron un gran paso en la evolución de la armonización de las guitarras solistas, algo que ya hacían también Allman Brothers band, y que posteriormente adoptarían bandas como Thin Lizzy, Judas Priest o Iron Maiden ntre otras muchas bandas. Si bien el productor de sonido fue Derek Lawrence, el ingeniero de sonido fue el gran Martin Birch. 

La portada del álbum fue diseñada por Storm Thorgerson y Aubrey "Po" Powell, de la famosa empresa que se dedicaba a hacer portadas Hipgnosis. dicha portada presenta a un guerrero contemplando un paisaje en las Gargantas del Verdon, en la provenza francesa.  El traje del guerrero se inspiró en el vestuario de la película "Los demonios" de Ken Russell (1971) . Thorgerson y Powell pretendían que el guerrero empuñara una espada además de una lanza, y habían alquilado la espada utilizada en la película "Macbeth" de Roman Polanski , también de 1971. Sin embargo, mientras seleccionaban la ubicación para la sesión, les robaron la espada, por lo que las fotografías se tomaron sin ella. La persona vestida como el guerrero era un asistente de Hipgnosis, Bruce Atkins. Se rumorea que el guerrero de la portada fue la principal inspiración para el diseño del personaje de Darth Vader en "Star Wars". Andy Powell reconoció este rumor, aunque él mismo nunca confirmó su veracidad. Esta portada también hizo que Jimmy Page, de Led Zeppelin, contactara con Hipgnosis y les pidiera que diseñaran la portada de su álbum de 1973, "Houses of the Holy".

La edición original de Argus consta de siete canciones, todas compuestas por la banda y con las letras escritas principalmente por el bajista y vocalista principal de la banda, Martin Turner. Comienza el álbum con Time Was, con una introducción acústica suave y melancólica, liderada por las guitarras de Andy Powell y Ted Turner. A medida que avanza, evoluciona hacia un segmento más eléctrico y enérgico. Las armonías vocales y los solos de guitarra destacan y marcan el estilo característico de "guitarras gemelas". La letra, que contiene un aire nostálgico, reflexiona sobre el paso del tiempo, la pérdida de la juventud y la fugacidad de la vida. Le sigue Sometime World, un introspectivo tema que aborda reflexiones sobre escapar de estecaótico y decepcionante mundo. Ojo al sólo de guitarra de Andy Powell aquí, para enmarcar. Le sigue uno de los grandes éxitos del grupo, Blowin' Free, que trata sobre Annalena Nordstrom, la novia sueca del bajista Martin Turner de su anterior época con el grupo Empty Vessels. Andy Powell afirmaba que la canción fue una de las pimeras que escriberon, más concretamente en 1971 en el Whisky A Go-Go de Sunset. Sobre como se le ocurrió el riff de guitarra a Powell, éste afirmó: "Estábamos de gira con The Who y me gustaron algunas de las progresiones de acordes que estaba haciendo Pete Townshend, así que todo lo que hice fue tomar algunas de sus ideas que se le ocurrieron y acelerarlas". Las armonías entre Martin Turner y Andy Powell brillan aquí, y el doble solo de guitarra es un ejemplo perfecto del estilo que influiría a bandas como Iron Maiden y Thin Lizzy. 

La cara B abre con The King Will Come. Martin Turner se inspiró para esta canción investigando y estudiando la Biblia. Trata sobre la idea cristiana de que, cuando el mundo se acabe, quienes crean se salvarán. En una entrevista Powell explicaba: "LA gente se identifica mucho con esta canción. No puedo decir que seamos una banda praticularmente cristiana, pero hay una sensación en ella, de que es un sentimiento, un sentimiento universal. Es bastante fuerte para la época de la que proviene. Y a todos les encanta la introducción; sencillamente pone a todo el mundo de buen humor". Leaf and Stream es una tranquila y delicada balada escrita por el baterista Steve Upton. La canción tiene un enfoque más folk con unas armoníasmuy suaves, lo que nos da un respiro frente a los temas más intensos del álbum. Las letras parecen hablarnos de la simplicidad y la belleza del mundo natural. Warrior es una de las piezas con una aire épico y mitológico. Con un aire sombrío y marcial, las guitarras son capaces de crear una sensación de conflicto y lucha, y la voz de Turner nos transite poder y fuerza por un lado, y vulnerabiilidad por otro lado. La canción está considerada como parte de la trilogía implícita del lado B del disco, junto con "The King Will Come" y Throw Down the Sword", aunque la banda nunca confirmó que este álbum fuera conceptual. Cierra la cara B, y por tanto este álbum, Throw Down the Sword, que tiene una letra que habla sobre las consecuencias de una sangrienta batalla. Colabora en los teclados en esa canción John Tout, que fue teclista de la banda de rock progresivo Renaissance durante la década de los años 70. La canción, como buen cierre, es un mensaje de redención, un canto a la paz, de dejar artrá la violencia y dejar sanar las heridas.

Wishbone Ash incursionó de manera muy notable en las principales corrientes del rock británico de principios de los años 70, pero al contrario que otras bandas como Yes, Pink Floyd, Led Zeppelin o Ten Years After, que se forjaron un arcado sello de identidad, nunca se decidió por un estilo o corriente concreta. En Argus la banda utilizó una amalgama única de todos esos estilos para crear su propio sonido. Esto sumado a los arreglos, con sus dos guitarristas principales y los espacios abiertos para improvisar, hace que el álbum destaque sobremanera, siendo el trabajo que mejor ha sido capaz de expresar la compleja visión del grupo. Y para terminar, no quiero dejar pasar una frase del bajista y fundador de Iron Maiden, Steve Harris, que para mí expresa claramente la importancia que ha tenido Wishbone Ash en el mundo de la música: "Creo que si alguien quiere entender los primeros trabajos de Maiden, en particular las guitarras de armonía, todo lo que tiene que hacer es escuchar el álbum Argus de Wishbone Ash ".

Disco de la semana 424.- Sound of Silver - LCD Soundsystem

 

Sound of Silver es un LP que muchos declaran como el mejor de la carrera de LCD Soundsystems, es un paso esencial para el grupo, no solo porque ayudó a solidificar su importancia con canciones escritas conscientemente agudas como New York, I Love You But You're Bringing Me Down, sino también por el territorio que pisa en el género de la música dance. Es atrevido, pero aún sigue siendo bailable, maravilloso y agradable a los sentidos, un rasgo que se trasladó bien de su primer disco y algo que ha mejorado enormemente en este proyecto. James Murphy tiene una relación realmente interesante con Nueva York, algo que se aprecia plenamente en este álbum. Por un lado, la ama, ha pasado toda su vida como artista profesional en esta ciudad y se enorgullece de ella, pero no ignora sus problemas, es muy consciente de los defectos de la Gran Manzana y los aborda con ingeniosos golpes a lo largo del álbum. Además de sus opiniones personales sobre la ciudad, la influencia de su escena musical ha inspirado la mayoría de los sonidos de este disco, es una mezcla de Talking Heads, excéntricos y complejos, una televisión sinuosa y emotiva, y el ingenio sardónico de Velvet Underground, además su sonido también está fuertemente influenciado por las obras de David Bowie, Kraftwerk y Can, llevando su música a tener lo que en el papel suena como un desastre, pero en la ejecución es la mejor fusión de punk y música de baile que he escuchado jamás. Cada canción de Sound of Silver es una sólida mezcla de instrumentación orgánica e inorgánica. Toda la instrumentación orgánica, la batería, la guitarra y la percusión, es nítida y contundente, en contraste con la estructura sintética que sustenta este álbum. El uso que Murphy y compañía hacen de sintetizadores graves y groove en temas como Someone Great y Get Innocuous! es magistral, creando así algunos de los temas más pegadizos de toda su carrera. Sin embargo, algunos de los mejores temas serían aquellos que utilizan estos dos elementos instrumentales con igual excelencia, como All My Friends, Us V Them, North American Scum y Watch the Tapes. A pesar de que Sound of Silver revela una clara evolución, el álbum aún conserva la irónica arrogancia y los diálogos ingeniosos del debut. El proyecto se lanzó con "North American Scum", una diatriba paranoica sobre el antiimperialismo y un reconocimiento poco entusiasta de su validez, todo con el telón de fondo de unas swashes dance brutales. Lo que convierte a este álbum en un auténtico clásico es la sutil forma en que sumerge al oyente en la escena antes de desatar inesperadamente una avalancha emocional. La canción principal inserta un estribillo repetido, bastante embarazoso, en una obra bailable de hermosa factura, en la que es evidente que el Sr. Murphy ha encontrado nuevos trucos bajo la manga, envolviendo el ritmo en capas cada vez más intrincadas, rematando todo con una fantasía flotante de xilófono para un momento de puro éxtasis.

 

El tema inicial, Get Innocuous! se empapa de The Robots de Kraftwerk en metal líquido durante unos buenos minutos antes de asestar un desgarrador golpe de paranoia con una voz inquietante, casi indescifrable, sobre los horrores de aferrarse a una vida normal. El tema es puro fuego con su inspirada mezcla de percusión electrónica y orgánica, y cuando la vocalista invitada me arrastra a su rítmico canto "You-can-normalize, don't it make you feel alive", pierdo toda sensibilidad. Su ímpetu es tan abrumador que una nota de cuerda, lentamente deformada y escalofriantemente tensa, que da inicio a la canción, se desbarata por completo en un momento de caos pasmoso. Time to Get Away por su parte, resopla y gruñe al ritmo de un ritmo descarado que serpentea hacia una utopía de sintetizadores distorsionados, con salvajes aullidos principescos, es Murphy en modo cool disfrutando de un buen cencerro, a la vez funky e irremediablemente blanco pero orgulloso de ser ambas cosas, las partes 'hoo hoo hoo' son quizás un poco exageradas por su parte, pero siguen siendo algo icónicas de todos modos. North American Scum es unasátira electrizante que no sabe exactamente qué está satirizando pero apropiadamente no le importa, porque, verás, es transparentemente música para cantar y/o citar mientras estás borracho. Trata menos sobre los norteamericanos de verdad y más sobre un tipo que pensó que sería divertido escribir una canción sobre ellos, pero eso trivializaría injustamente el humor de la canción. Y bueno, cualquiera que haya intentado vivir en otro lugar que no sea el Bronx, Queens y (uf) Weehawken puede identificarse con el grito de Murphy: "¡Nueva York es lo mejor si consigues que alguien pague el alquiler!". De hecho, al diablo con eso; cualquiera puede identificarse con un verso así. Porque somos humanos, y todos nos hemos sentido como James Murphy alguna vez, aunque no queramos admitirlo. O bueno, si es una afirmación un poco exagerada, al menos, todos hemos sentido algo de autodesprecio alguna vez. 

La brutalmente honesta Someone Great captura los sentimientos asociados con la pérdida de un ser querido. Es indietrónica clásica en su forma más genuinamente ligera y elegante, quizás al principio parezca desfasada par
a esta banda, pero finalmente se revela como una melodía notablemente conmovedora, manteniéndose contenida incluso cuando uno esperaría que subiera de volumen en cualquier momento. Piensa en las cosas que crean ese ritmo: un pad de sintetizador brillante que aparece y desaparece gradualmente, un pulso de bombo esquelético, chispas de descargas eléctricas en el fondo, apenas ocho notas de sintetizador de bajo y un sintetizador chiptune brillante que parece extrañamente contenido... como si fuera triste.Un músico menos experimentado probablemente habría intentado extraer una melodía diferente del glockenspiel, pero Murphy, acertadamente, permite que solo duplique su voz, porque (1) el contraste tímbrico es lo que hace que la mezcla sea tan intrigante, y (2) demasiada melodía parecería demasiado caótica e irreal. Murphy no es un hombre sentimental, así que las palabras pueden resultar a veces extrañas, pero entre líneas hay una honestidad brutal: «A decir verdad, lo vi venir», «La voz del otro lado», «Lo peor es el buen tiempo», «Y sigue viniendo... hasta que se detiene». De nuevo, unidireccional, como el mejor minimalismo. Pero ahora es un réquiem melancólico. Perverso, ¿verdad?

 

Un frenético loop de piano impulsa la arrolladora All My Friends, la pieza central del álbum, que transporta al oyente a través de los vericuetos de la vida. Incluso me cuesta escribir sobre ello, porque he considerado esta canción como una de mis canciones más queridas a lo largo de los años, y honestamente no puedo pensar en ninguna otra canción que suene como ella y al mismo tiempo intente llegar tan lejos . ¿Cómo no podría ser una canción perfecta? ¿No es un conjunto de estética puramente destilada cuyo objetivo es provocar pánico existencial? No lleva ni ocho minutos hacerlo, aunque dada la paciencia que parece mostrar en la forma en que se construye, parece que crear ese gran muro de sonido necesitaría doce o quince minutos. El puente a los cinco minutos es conmovedor, es el momento en que la batería empieza a moverse erráticamente, a tambalearse aquí y allá, como si la forma de caminar se hubiera visto afectada por una fuerza puramente psicológica. La instrumentación se construye lentamente con una línea de bajo melódica que enorgullecería a New Order y una percusión estelar que evoca la magia de "Teenage Wildlife" de Bowie, antes de preparar el terreno para esta sentida historia sobre el dolor de la vejez. La historia comienza con una inocente nostalgia, pero gradualmente evoluciona hacia una concesión frenética de lo rápido que se nos escapa la vida. Se proyecta una amplia gama emocional, con saludables dosis de alegría, abatimiento, desesperación, desafío, majestuosidad, reminiscencias cautivadoras y autodesprecio que se agitan en el caldero. Cinco años dedicados a seguir con el plan se reflejan en otros cinco más para reconectar con amigos, que rápidamente se convierten en diez años de abandono "tan rápido como puedas" y una crisis de la mediana edad que propicia un viaje de tres meses a Francia. Cada letra aquí es un éxito, concisa y visceral como los agudos lamentos de la guitarra que intensifican la atmósfera. No hay catarsis, y las exasperadas súplicas de "si pudiera ver a todos mis amigos esta noche" quedan sin resolver mientras la percusión locomotora se detiene lentamente. Y ese, amigos míos, es un momento que se puede describir mejor con la visión de mi mandíbula abierta que con cualquier palabra que pudiera emanar de él. ¡Guau!. ) Us v Them, ocho minutos de ritmo al estilo Talking Heads con un cencerro saludable que va ganando impulso progresivamente y pasando por tres o cuatro ganchos diferentes en el proceso, todos pasando de sólidos a absolutamente maravillosos. Watch the Tapes es otro divertido corte dance-punk con una buena línea de bajo, que quizás no habría mantenido el interés si hubiera sido más largo, pero afortunadamente sigue siendo el tema más corto del álbum y New York, I Love You but You're Bringing Me Down es la única canción "rock" del álbum, una nana con aires de vals y preocupación dedicada al pequeño pueblo natal de Murphy ("sigues siendo la única piscina donde me ahogaría con gusto") que se vuelve un poco demasiado desordenada para su propio bien hacia el clímax, pero funciona como una parada final bastante melancólica. Mientras se revuelca en sus críticas con una vulnerabilidad vocal cautivadora, es evidente que ama la ciudad, ya que "sigue siendo el único estanque donde [él] se ahogaría felizmente". A medida que la desesperación crece en su voz, también lo hace el fondo instrumental, que culmina en un solo de guitarra abrasador que estalla con frustración y termina el álbum de manera épica: un momento de vigorización que te golpea el pecho, por así decirlo.

 

A medida que he envejecido, he descubierto que es mucho más difícil que la música nueva galvanice mis emociones hasta un punto de fiebre incontrolable. Por eso, ahora, a mis 52 años, aprecio mucho más esos momentos. A los críticos generalmente se les enseña a esforzarse por ofrecer una valoración imparcial, pero que me aspen si no me deleita hasta la médula que un álbum pueda generar tal renacimiento de fanatismo adolescente, ciego y desmesurado, que me vuelve irremediablemente incapaz de mostrar un atisbo de objetividad. «El sonido de la plata me habla, te hace sentir como un adolescente. Hasta que recuerdas los sentimientos de un adolescente emocional de verdad». Lo siento, James, no hace falta que lo pienses dos veces.

Disco de la semana 423: Todos Tus Muertos un disco que no puedes dejar pasar

Disco de la semana 423:  Todos Tus Muertos un disco que no puedes dejar pasar 

Si eres de los que cree que la música va más allá de un simple entretenimiento, que puede ser una herramienta de protesta, un grito de resistencia y un puente entre culturas, entonces *Todos Tus Muertos* es un álbum que no puedes dejar de escuchar. Publicado en 1991 por la banda argentina del mismo nombre, este disco es una joya del rock latinoamericano que fusiona punk, reggae, ska y rock con una energía tan cruda como auténtica. Si aún no lo has escuchado, te aseguro que te estás perdiendo de una experiencia musical que te dejará pensando, bailando y, sobre todo, sintiendo.

¿Por qué Todos Tus Muertos es un disco imprescindible?  

Imagina un álbum que te transporta a las calles de Buenos Aires a principios de los 90, donde la democracia intentaba renacer después de años de dictadura, pero la desigualdad y la corrupción seguían siendo pan de cada día. Ahora, piensa en una banda que logra capturar ese sentimiento de descontento y transformarlo en música. Eso es Todos Tus Muertos.  

Este disco no es solo una colección de canciones; es un manifiesto. Cada tema es una crítica social, una llamada a la resistencia y una celebración de la identidad latinoamericana. Desde el punk más agresivo hasta el reggae más relajado, la banda demuestra una versatilidad impresionante, creando un sonido que es tan diverso como el continente al que representa.  

Un recorrido por todas las canciones del álbum  

Para que no te pierdas ni un detalle, aquí te dejo un recorrido por todas las canciones que conforman este álbum imprescindible:  

1. "El Féretro": El disco arranca con un tema contundente que combina punk y reggae. Las letras, escritas por Félix Gutiérrez y Fidel Nadal, son una crítica feroz a la muerte y la opresión. Un inicio potente que marca el tono del álbum.  

2. "Demasiados Revueltos": Con un ritmo acelerado y letras que hablan de la confusión y el caos, esta canción es una explosión de energía que no te dejará indiferente.  

3. "Diez Segundos de Masacre": Un tema corto pero intenso, con un sonido crudo y directo que refleja la rabia y la frustración de una generación.  

4. "Turbulentas Tinieblas": Con apenas un minuto y medio, esta canción es una ráfaga de punk rock que te deja sin aliento. Perfecta para descargar toda tu ira.  

5. "¡A Combatir!": Un llamado a la lucha y la resistencia, con un ritmo contagioso y letras que inspiran a no rendirse nunca.  

6. "Dieciocho Horas": Una canción breve pero impactante, que refleja la monotonía y el hastío de la vida cotidiana.  

7. "Días de Escuela": Escrita por Gutiérrez y Nadal, esta canción es una crítica al sistema educativo y a la represión que sufren los jóvenes. Con un ritmo pegajoso, es uno de los temas más memorables del álbum.  

8. "Gente Que No": Un tema que critica a aquellos que se mantienen indiferentes ante las injusticias sociales. Con un sonido crudo y letras contundentes, es un llamado a la acción.  

9. "Armas (Para la Paz)": La canción más larga del álbum, con más de cinco minutos de duración. Es una reflexión profunda sobre la violencia y la búsqueda de la paz, con un ritmo que va desde el reggae hasta el punk.  

10. "No Más Apartheid": Un tema que denuncia el racismo y la segregación, con un mensaje de unidad y resistencia que sigue siendo relevante hoy en día.  

11. "Viejos de Mierda": Una crítica directa a las generaciones anteriores que han perpetuado la opresión y la injusticia. Con apenas un minuto y medio, es una ráfaga de rabia pura.  

12. "Más Bajo que tu Status": Escrita por Horacio Villafañe, esta canción es una crítica a las jerarquías sociales y a la arrogancia de quienes se creen superiores.  

13. "Tango Traidor": El álbum cierra con un tema que fusiona el punk con el tango, creando una atmósfera única. Las letras, escritas por Gutiérrez y Serrano, son una reflexión sobre la traición y la decadencia.  

Un sonido crudo y auténtico  

Uno de los aspectos que más me enamoró de este álbum es su producción. A diferencia de otros discos de la época, que buscaban un sonido más pulido y comercial, Todos Tus Muertos apuesta por una producción cruda y directa. Las guitarras suenan distorsionadas, la batería es contundente y los bajos tienen un groove que te atrapa. Es como si estuvieras en un concierto en vivo, sintiendo la energía de la banda en cada nota.  

Un mensaje que sigue vigente  

Lo más increíble de este álbum es que, a pesar de haber sido lanzado hace más de 30 años, su mensaje sigue siendo relevante. Las letras de Félix Gutiérrez, Fidel Nadal y Horacio Villafañe abordan temas como la injusticia social, la corrupción política y la lucha por la libertad, problemas que, lamentablemente, siguen presentes en nuestra sociedad. Escuchar este disco es como mirar en un espejo y darte cuenta de que, aunque han pasado décadas, muchas cosas no han cambiado.  

¿Por qué deberías escucharlo?  

Si eres fan del punk, el reggae, el ska o el rock, este álbum es para ti. Pero incluso si no te consideras un experto en estos géneros, Todos Tus Muertos tiene algo que ofrecerte. Es un disco que te invita a reflexionar, a bailar, a gritar y, sobre todo, a sentir. Es una ventana a la historia de América Latina y un recordatorio de que la música puede ser una herramienta poderosa para el cambio social.  

Además, si te gustan bandas como Rage Against the Machine, Manu Chao o Los Fabulosos Cadillacs, este álbum te encantará. Es una mezcla perfecta de energía, mensaje y diversidad musical que no tiene desperdicio.  

Un disco que no puedes dejar pasar  

Todos Tus Muertos es mucho más que un álbum; es una experiencia. Es un viaje por la historia, la cultura y la lucha de América Latina, envuelto en un sonido que te atrapa desde el primer segundo. Si buscas música con significado, con energía y con alma, este disco es para ti.  

Así que, ¿qué estás esperando? Busca Todos Tus Muertos en tu plataforma de streaming favorita, ponte los audífonos y déjate llevar por este viaje musical. Te aseguro que no te arrepentirás. Y si ya lo has escuchado, cuéntame en los comentarios cuál es tu canción favorita y por qué. ¡Nos vemos en el próximo post!

Daniel 

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Disco de la semana 422: Screamadelica - Primal Scream

 

Cada vez que escribo una nueva reseña, tengo el hábito de escuchar el álbum sobre el que estoy escribiendo, para ayudarme a sumergirme y asegurarme de que no se pierda ningún detalle, me calzo los cascos, cierro los ojos y vuelvo a escuchar el álbum una o dos veces. “Screamadelica”, la obra maestra de la banda escocesa Primal Scream, sin embargo, se ha convertido en una notable excepción, ya que la he estado escuchando en bucle durante casi un mes y posponiendo una reseña sobre ella solo para engañarme a mí mismo pensando que la escucharía nuevamente solo una vez. Conocí a Primal Scream en la época de los “bailes” alternativos, donde casi siempre tocaban “Rocks”, una de sus canciones más famosas. Dos cosas me dejaron perplejo mientras miraba el clip que se reproducía en la pantalla mientras sonaba la canción: por mucho que pareciera, no eran los Rolling Stones los que tocaban esa canción y, por convincente que fuera, Bobby Gillespie literalmente no era una mujer. Sentí curiosidad por esa banda, así que decidí investigarla y descubrí que era una de las bandas más importantes en combinar el rock y la psicodelia con la música dance y house. Lo cierto es que el sonido de “Screamadelica” escapa a cualquier tipo de clasificación. Las influencias que dieron forma al álbum son absurdamente distintas: Beach Boys, Sly and the Family Stone, Can, Brian Eno, Thin Lizzy, Siouxsie and the Banshees, P-funk, así como toques aquí y allá de dub, reggae, gospel, música industrial y disco. “Screamadelica” es un caleidoscopio de referencias que recrean para satisfacer sus propias ambiciones, Ninguna canción se parece a otra, pero al mismo tiempo todo fluye de forma extremadamente natural, todo converge para convertirse en uno de los álbumes más psicodélicos de la década de 1990.

Movin' on up es la canción que abre el disco, es uno de los dos temas producidos por Jimmy Miller, y su mano es notoria, la entrada en guitarra acústica tiene una fuerza y potencia que parece un riff por sí mismo. El sol pica en verano, piano alegre, tambores tropicales, gospel ceremonial, ángeles en las nubes, el sol es realmente su felicidad, un bajo más débil/oscuro no logra superar, esta canción es la hija normal del álbum, el sol me está mirando (de la portada del álbum). Consigue tener la épica de los Rolling Stones en pleno sur de Estados Unidos en 1972, la percusión de Tomanov es impecable, el piano de Duffy evoca a la tradición de las iglesias negras, lo que se confirma con los coros gospel a todo reventar, además de un solo de Young realmente impecable. Así iniciado, el disco se abre paso como dinamita pura, con la intensidad de verdaderas estrellas del rock. Slip inside this house es un cover a la banda psicodélica de los 60s, The 13th Floor Elevators, el cual es adaptado magistralmente al estilo acid house con un toque indie en la esencia de Primal Scream, llama profundamente la atención la interpretación vocal de Robert Young, que provee al tema de una voz espectral pero incluso más suave que la de Bobby Gillespie. Tubos de madera tintineantes, tambores callejeros (estilo hip hop), voces risueñas, voces que hablan, cuerdas suaves/meneantes, vocalización de anuncios, arpa eléctrica, rayos sinápticos, dominó de dedos (en el piano), distribución cóncava de las voces, guitarras que entran y salen de la canción varias veces, distorsión al final de las grabaciones saqueadas, nunca me di cuenta de lo apagada que estaba su voz. La producción a cargo de Hypnotone, Andrew Weatherall y Andrew Innes, sumado a la modificación de la letra, dejan a este cover totalmente a tono con el disco, reforzando el rock sesentero del tema anterior con este tema en sí, pero introduciendo el elemento acid house de forma contundente. 

Don't fight it, feel it es acid house en estado puro, interpretado vocalmente por Denise Johnson y producido por la dupla Weatherall-Nicholson, el tema es una rave en sí mismo, hecho para invitar al baile, con toda una gama de efectos house y predominio del piano de Duffy en varias partes. Me encanta la diversidad étnica, el silbato gordo del árbitro, los desgarros psicológicos (¿tal vez un sintetizador de guitarra pellizcado?), el láser de encendido, risa de gato, retardo de batería, rasguños en la guitarra mientras está configurada en ambiente eléctrico, canales de vocalización divididos, instrumento de fuente, torbellino rasposo (con velocidad intermitente)..  todo es un exceso maravilloso. Higher than the Sun esta canción es parte de la gama de canciones de Primal Scream que entran en una peculiar categoría de temas reflexivos, profundos e intensos, la voz de Gillespie es sencillamente cósmica, la melodía invita literalmente al despegue del planeta tierra e instrumentalmente todo va adquiriendo un ascenso imparable que de repente explota en un gran clímax; la atmósfera, gracias a la producción de The Orb es una de las mejores del disco y consagra la atmósfera general de Screamadelica en su faceta más honesta, espiritual y espacial. Inner flight: Un gran tema instrumental en el que se eleva la apuesta atmosférica del tema anterior, y es que literalmente el ascenso al espacio aquí es explícito, la belleza cósmica es materializada por arreglos y sonidos que parecen la respuesta extraterrestre a "Pet Sounds" de los Beach Boys, las guitarras, teclados y esporádicas voces de Gillespie alcanzan la inmortalidad en un nocturno campo elíseo. Come together en el álbum aparece la versión remixada por Weatherall y Nicholson para el disco del tema del mismo nombre publicado poco entes, en dicho single era interpretada por Gillespie, con una melodía pegajosa y un coro impresionante; la versión del disco en cambio es principalmente instrumental, sólo se escucha una intervención gospel de Denise Johnson y una grabación de un discurso del político afroamericano Jesse Jackson, se trata de un remix extenso y con toques de dub, con un órgano dándole una fuerte potencia eclesiástica, enfocada a una atmósfera que tributa a las comunidades negras del sur de Estados Unidos, Primal Scream se siente como si fueran uno con el mundo en LSD, perturbación de 16 bits, la música es su vida y esto es lo mucho que la aman, trompa de Broadway (vibras positivas), superando a LaGWAFiS fácilmente, el violín al final de una película, outro de ángulo agudo 

Sin Loaded este disco no hubiese sido lo que es, el famoso remix de Andrew Weatherall a 'I'm losing more than I'll ever have' del disco homónimo de la banda, es como lo opuesto a una banda sonora de película, deleite de saxofón, clic de semilla de manzana, ventosa invertida, bajo bajo pero agradable, guitarras despertando, instrumentos que recuerdan el pasado, cantando a través del tiempo, sonando la alarma, ecos de cámara, órgano fresco en el medio, límites de cuerdas, aplausos de intervalo, cuerda espástica, patrones en alineación, el evangelio es omnipresente. Llama la atención que es un remix principalmente instrumental, la voz de Gillespie aparece sólo un par de veces a lo más, siendo mucho más notorio un sample de 'I don't want to lose your love' de The Emotions, mantiene un ritmo muy pegajoso con notables samples y uso de percusiones y en el que las guitarras tienen un rol protagónico, especialmente en un interludio en la mitad de la canción donde la guitarra de Innes entra con la fuerza demoledora de verdaderos truenos, el resultado es un tema que resume de forma magnífica la esencia del house y la fuerza del rock n roll rollingstonense. Damaged es el segundo tema producido por Jimmy Miller en el disco, se trata de una balada que suena extraída de los más hondo de Mississippi, la guitarra acústica bluesera, el piano doloroso de Duffy, la voz sufriente de Gillespie llevan de lleno a un bar perdido en la carretera del sur de Estados Unidos, la melodía vocal llega a un clímax desgarrado y entra un solo de guitarra épico grabado por Olsen coronado por un órgano solemne que evoca al gospel, no hay rastros de acid house aquí, sin embargo no hay ninguna contradicción entre este maravilloso sonido y lo que ha sonado en el resto del disco, se han salido con la suya, han revivido el glam-hard rock para la escena rave y no han necesitado esconderlo, Jimmy Miller ha hecho renacer a los Rolling Stones. 

I'm comin' down como indica su título es un tema algo más cabizbajo que lo que ha sonado hasta aquí, siguiendo la ruta de 'Higher than the sun', pero producido por Weatherall y Nicholson, destaca el uso magistral de vientos y los efectos de sintetizador y house, Tomanov realiza un meticuloso trabajo en percusiones; Gillespie canta como si estuviera a la deriva en pleno espacio exterior. Higher than the Sun (A dub symphony in two parts) sólo en un disco de estas características los autores pueden darse el lujo de repetir un tema en forma de remix, esta vez este tema sería algo así como la versión de Weatherall y Nicholson de 'Higher than the Sun', puesto que ese tema fue producido por The Orb. Como indica el nombre está compuesto de dos secciones, la primera es una delirante y paranóica introducción de sonidos del tema como un mantra, Gillespie repitiendo el título, y las percusiones colapsando en eco, la segunda arte hace su ingreso con un bajo estilo dub tocado por el mítico bajista Jah Wobble, de la banda Public Image Ltd., esta sección sigue una cadencia más ordenada hasta que es coronado por un fantasmagórico y apoteósico teclado de Martin Duffy que rememora el sonido de un reloj milenario. Shine like stars es la canción que despide el disco también sigue la línea de pop psicodelia más introspectiva de Primal Scream, elaborada aquí a lo largo de 'Higher than the Sun', 'Inner flight' y 'I'm comin' down'. El sonido del sintetizador evoca la soledad de la noche representando a las estrellas, la voz de Gillespie es clara, confesional y fuertemente melancólica, acompañada de un órgano de Duffy lleno de dulzura e inocencia de tiempos perdidos. Una forma genial de concluir un disco de tanta potencia, pues deja con un profundo desasosiego por volver a oírlo o escuchar más de la banda. 

Concluye así un disco que nació casi involuntariamente para una banda que quería revivir el rock n roll y que se vio transformada en un grupo de magos que lo hicieron a través del dominio de la electrónica sin perder su esencia. El apoyo del sello Creation Records fue fundamental y todo se alineó para que este disco fuera el punto cúlmine de todo un movimiento musical. Desde el arte alucinógeno hasta una producción y orden del disco impecable que no hace perder la atmósfera ni en las tornamesas ni en las guitarras, este disco se transforma en una joya del pop psicodélico que merece +1 punto a su nota promedio.

Disco de la semana 421: Kings & Queens of the Underground - Billy Idol

 

"Kings and Queens of the Underground" es el octavo álbum de estudio de Billy Idol, lanzado el 17 de octubre de 2014. Este álbum marca un regreso significativo para Idol, siendo su primer trabajo de material original desde el también excelso "Devil's Playground" en 2005. Producido por Trevor Horn y Greg Kurstin, el disco es una mezcla de punk rock clásico y power pop, manteniendo la esencia rebelde y energética que ha caracterizado la carrera de Idol, pero con la novedad de la inclusión de ciertos toques nostálgicos en las letras de varias canciones.

Comienza sin tregua con Bitter Pill, una de las mejores canciones del disco, un compendio de energía rockera, sabor a carretera polvorienta y cuentas pendientes en el alma, narrado a base de guitarras contundentes y sintetizadores atmosféricos. La letra es una amarga reflexión sobre una vida de peligros y excesos, casi una road movie emocional, sobre una vida pasada que el protagonista sacrifica por seguir teniendo a su pareja a su lado. La voz rasposa de Idol está más en forma que nunca, y transmite la sensación agridulce de alguien que ha vivido esa vida canalla, y se aleja de ella asumiendo el sacrificio por amor, pero no por ello dejando de echarla de menos en ocasiones ("Es una pastilla amarga que me trago, solo para mantenerte a mi lado").

Es difícil superar este arranque, pero entre las candidatas a lograrlo estaría sin duda Can't Break Me Down, otro himno de actitud canalla, con un toque mucho más desafiante y nada resignado ("Es una reacción natural, cuando golpeo contra el suelo, soy como el asesino originario, me levanto a por más"). Dotada de un ritmo acelerado, unos coros de estadio y un estribillo pegadizo, tiene una producción más elaborada que el tema anterior, que abunda en efectos electrónicos y que está claramente diseñada para ser un single de impacto. Algo así podría decirse también de Save Me Now, otra gran canción con una temática similar a Bitter Pill, pero mientras en la canción que abre el disco el protagonista se resigna y asume que tiene que sacrificar cosas por vivir en pareja, aquí directamente le pide a su amada: "Sálvame ahora" de esa vida desatada y peligrosa. La producción vuelve a ser brillante, combinando guitarras acústicas y eléctricas con efectos electrónicos.

One Breath Away tiene un comienzo más aterciopelado y de menor octanaje instrumental, en el que Idol explota su vena de cantante de voz profunda, para subir después la intensidad en un efectivo estribillo y acabar igualmente explotando en un tramo final de intensas guitarras. Es una buena canción, pero es con Postcards From The Past con la que Idol vuelve a la primera división del disco, en lo que es una nueva reflexión sobre el pasado y las experiencias vividas durante una carrera musical de lo más intensa. Más allá de la temática y de la letra, lo que hace grande a este tema es la inesperada fiereza e intensidad de un Idol en plena madurez, con un tema plagado de potentes guitarras y sintetizadores, que no desentonaría en cualquiera de sus mejores discos de los ochenta.

Tras el bombazo anterior, llega el turno de la canción que da título al disco. Kings & Queens Of The Underground es quizá la más autobiográfica del álbum, una épica y melancólica revisión de su carrera en la que menciona los títulos de algunas de sus mejores canciones ("Kiss me deadly", "Rebel Yell", "Eyes Without a Face", "Hot in the City"...). En un tema de corte acústico y clásico, Idol narra su ascenso a la fama y las cicatrices que las mil batallas que libró le dejaron por el camino. El estribillo es una vez más memorable y épico, conformando en conjunto la mejor de las baladas del disco.

A continuación suena Eyes Wide Shut, que nada tiene que ver con la película de Stanley Kubrick, y que tiene un sonido más suave y menos energético que los grandes temas del arranque. Idol aborda aquí el tema del engaño y la desilusión, y la necesidad de escapar de ello y abrir los ojos a la realidad, para volver después a la nostalgia en la balada Ghosts in my Guitar, una nueva mirada relajada a los recuerdos de los buenos tiempos del pasado. Tras estos dos temas, merece una mención destacable Nothing To Fear, el tema en el que más brilla la voz de Idol en su modalidad grave y crooner de "Elvis del Punk", con otro efectivo estribillo y letras sobre la valentía y la determinación necesarias en la vida.

Con tanta buena canción, da miedo enfrentarse al momento en que el listón baje, pero afortunadamente, no hay "nada que temer", porque a continuación suena Love And Glory, una nueva mezcla de letra nostálgica y música de toques épicos, que se llegó a considerar como título del disco, y que suena sorprendentemente parecida a la música de ¡U2! Es verdad que su sonido es algo más rebajado y comercial que otras canciones, pero el cambio es curioso y no deja de ser una agradable sorpresa, que además contrasta con el salvaje tema final, porque Whiskey and Pills es todo un ejercicio de intensidad y frescura punk con el que Billy Idol se despide como empezó, con un nuevo despliegue de crudeza vocal e instrumental, y reflexionando sobre los excesos y las consecuencias de una vida de lo más rockera, en la que el whisky y las pastillas formaban parte del menú de cada día. Se agradece en este punto la vuelta a una producción más intensa, con una energizante línea de bajo, una batería contundente y una capa de guitarras pesadas con las que logra poner un destacable punto y final a la altura de los mejores momentos de "Kings and Queens of the Underground".

Algunas versiones del disco incluyen la canción Hollywood Promises como tema extra, extendiendo el cierre con una mirada crítica a la industria del entretenimiento y una mordaz letra en la que Idol cuestiona las promesas vacías y la superficialidad de Hollywood. Con o sin ella, "Kings and Queens of the Underground" es un regreso de primer nivel para uno de los "reyes del underground" de los ochenta, que demuestra en este disco que, a pesar de los años, sigue siendo capaz de sacudir con fuerza los cimientos del panorama musical con su poderosa mezcla de punk rock comercial y su actitud rockera y canalla de siempre. No es nada nuevo, es simplemente el "puto Billy Idol" de siempre, y eso sigue siendo mucho en los descafeinados tiempos que corren.

Disco de la semana 420: Fragile - Yes

 

Fragile, Yes

     El 12 de noviembre de 1971 la banda inglesa de rock progresivo Yes publica su cuarto álbum de estudio, Fragile. Dicho trabajo es grabado en los estudios Advision del distrito de Fitzrovia en Londres, bajo la producción del productor discográfico e ingeniero inglés Eddy Offord y del propio grupo, y publicado por el sello discográfico Atlantic Records. Fragile supuso el primer disco de la banda que grabaría el tecladista Rick Wakeman reemplazando a Tony Kaye. Cuando la banda entra a grabar en el estudio para grabar surge un problema, Tony kaye se niega a grabar tocando teclados electrónicos, lo que provoca su salida del grupo y su rápida sustitución por Rick Wakeman, quien rápidamente deja claras sus habilidades compositivas y su virtuosismo y experiencia con el piano eléctrico, el mellotrón y el sintetizador Moog. Gracias a esto la banda puede ampliar sus prestaciones y sus sonido. Otro problema que el grupo se encuentra es la limitación de presupuesto, por lo que no les queda otra solución que realizar varias composiciones grupales, concretamente cuatro, y las cinco restantes son piezas cortas en solitario de cada miembro de la banda.

Fragile marcará el comienzo de una larga asociación de la banda con el artista inglés Roger Dean, quien diseñaría muchas de las portadas de sus futuros álbumes, su logotipo y escenarios en vivo. En 1971, Dean presentó un portafolio con su trabajo a Phil Carson, quien era por aquel entonces gerente general europeo de Atlantic Records. Carson le comentó que le llamaría para diseñar cuando una de sus bandas necesitara un artista de portada. En esta ocasión resultó ser Yes quien necesitaba una portada. Antes de comenzar con la portada, Dean había ideado una narrativa dsobre un mito, en este caso de la creación sobre una niña que soñó que vivía en un planeta que comenzaba a desintegrarse, por lo que construyeron un "arca espacial" para encontrar otro planeta en el que vivir mientras arrastraban las piezas rotas con ellos. Dean era consciente de que el título del álbum describía "la psique" del grupo en ese momento, lo que influyó en su diseño "muy literal" de un frágil mundo que iba a romperse. La banda quería que apareciera una imagen de una pieza de porcelana fracturada, pero Dean terminó dividiendo el planeta en dos pedazos como un compromiso. El artista produjo tres versiones de la portada con el planeta en verde, rojo y azul, en un intento de "conseguir el aspecto adecuado". Bruford pensaba que Dean había "aprovechado brillantemente esa idea [una de Frágil] hasta la imagen profética del frágil planeta Tierra, con implicaciones de un ecosistema delicado y rompible". El folleto que acompaña al LP contiene dos pinturas adicionales de Dean; La portada muestra a cinco criaturas acurrucadas bajo un batiburrillo de raíces, y la parte trasera representa a una persona trepando por una gran roca. El interior presenta varias fotografías de la banda con una página dedicada a cada miembro, con ilustraciones más pequeñas y fotografías de sus esposas e hijos. La página de Anderson contiene un breve poema, y la de Wakeman incluye una lista de agradecimientos, incluyendo a Mozart, el pub The White Bear en Hounslow y el equipo del fútbol Brentford F.C.

En cuanto a las canciones, el disco comienza con Roundabout, que se acabaría convirtiendo en una canción popular e icónica de la banda. La canción fue lanzada como sencillo en Estados Unidos en enero de 1972 con la pista Fragile en la cara B, y llegó a alcanzar el puesto número 13 en la lista Billboard Hot 100 y el número 10 en las listas de sencillos Cash Box Top 100 de dicho país. La canción tuvo origen en marzo de 1971 cuando la banda estaba de gira promocionando su álbum The Yes Album, mientras viajaban de Aberdeen a Glasgow después de dar un concierto en la localidad de Aviemore, Escocia. Durante aquel trayecto encontraron muchas rotondas, según Anderson 40 más o menos, lo que inspiró a él y a Howe a escribir una canción sobre el viaje mientras estaban sentados en la parte trasera de las camioneta en la que viajaban. Anderson afirmaba que aquel día había fumado Cannabis durante el viaje, y que todo sucedió de forma muy mística, "Era un día nublado, no podíamos ver la cima de las montañas, sólo podíamos ver las nubes porque estaba muy empinado", fue cuando se le ocurrió la letra "Las montañas salen del cielo y se paran allí". Así surgiría Roundabout, una historia sobre la vida en el campo con una visión psicodélica y con alusiones a la conducción. Howe afrimaba que originalmente era "una suite instrumental de guitarra... Escribo una especie de canción sin canción. Todos los ingredientes están ahí, lo único que falta es la canción. "Rotonda" era un poco así; Había una estructura, una melodía y unas pocas líneas". La introducción fue creada por dos acordes de piano tocados al revés, y Howe grabó la parte de guitarra acústica en el pasillo del estudio ya que la sala de grabación la hacía "sonar demasiado muerta". El solo de órgano Hammond de Wakeman fue grabado en una sola toma, y le da crédito a Bruford, quien le aconsejó que se contuviera en su actuación durante los repasos de la canción, pero que "fuera a por ello" al grabar. Cans and Brahms es una pieza instrumental, y es la adaptación de Wakeman de un fragmento del tercer movimiento de la Sinfonía n.º 4 en mi menor de Johannes Brahms, con un piano eléctrico utilizado para la sección de cuerdas, un piano de cola para los vientos, un órgano para los metales, un clavicémbalo eléctrico para las cañas y un sintetizador como contrafagot. Wakeman dijo que la pieza tardó aproximadamente 15 horas en crearse en el estudio, y dijo que lo más probable es que fuera Bruford quien inspiró su título al ver a Wakeman tocando cada sección mientras usaba sus auriculares. We Have Heaven fue escrita por Jon Anderson, y la describió como "una idea rodante de voces y cosas". La canción termina con el sonido de una puerta que se cierra, seguido de pasos corriendo, que pasan a la introducción atmosférica de la siguiente pista, South Side of the Sky, Wakeman contribuyó con interludios de piano a la canción y también en la canción Heart of the Sunrise, pero no recibió crédito debido a disputas editoriales con sus contratos. Aunque los ejecutivos de Atlantic Records le prometieron dinero, afirma que nunca lo recibió y evitó hacer un escándalo porque estaba ansioso por ser parte del proyecto del grupo.

Comienza la cara B con Five per Cent for Nothing, compuesta por Bruford. La canción, de apenas 35 segundos de duración, fue su primer intento de composición. El grupo interpretó la canción en vivo en 2014 y 2016 en giras que incluyeron a Fragile en su totalidad. Howe dijo que el secreto para tocarla con éxito era terminar juntos. Durante los ensayos, mantenía un seguimiento cercano del conteo de ritmos y le indicaba al resto de la banda que lo hiciera dejando caer el clavijero de su guitarra. Incluso con eso, se necesitó una práctica considerable para que todos los músicos terminaran con el mismo ritmo. La letra de Long Distance Runaround aborda "la locura de la religión" y cómo a la gente se le "enseña que el cristianismo es el único camino", definiendo aquello como una "doctrina estúpida". La letra de la segunda estrofa se inspiró en los tiroteos de la Universidad Estatal de Kent en 1970 y en la represión del gobierno de Estados Unidos contra los jóvenes por criticar la Guerra de Vietnam. The Fish (Schindleria Praematurus) surgió después después de que Howe tocara una guitarra con un efecto de retardo Echoplex (unidad de efectos de retardo en cinta).   El título surgió una noche, en los estudios Advision, después de que  Anderson llamara a Michael Tait y le pidiera lo siguiente: "Quiero el nombre de un pez prehistórico en ocho sílabas. Llámame dentro de media hora'". Posteriormente, Tait encontró Schindleria praematurus, una especie de pez marino, en una copia del Libro Guinness de los Récords. Mood for a Day fue compuesta por Howe, y fue su segundo solo de guitarra acústica en un álbum de Yes, después de "Clap". Tocaba una guitarra flamenca, pero considera que la versión del álbum es inferior a la que aprendió a tocar en el escenario años después. Cierra el álbum Heart of the Sunrise. Nació como una canción de amor que Anderson escribió para su entonces esposa Jennifer. En esta pista es donde entra en juego la formación clásica de Wakeman; Introdujo a la banda a la recapitulación (una de las secciones de un movimiento escrito en forma sonata), un concepto musical en el que se revisitan segmentos anteriores de una pieza. Bruford la considera como la pieza más importante del grupo en términos de originalidad: "Tenía el drama y el aplomo y el tipo de letras feas y pastorales en inglés al principio, donde la música da paso a una voz ligeramente femenina". Varios segundos después de la canción, se escucha el sonido de una puerta que se abre antes de que se reproduzca una repetición de "We Have Heaven", que actúa como una pista oculta.

Fragile fue el álbum revelación de Yes. Además de marcar un punto de inflexión en su música, los elementos de ciencia ficción y fantasía que habían impulsado las canciones más exitosas de su disco anterior, The Yes Album (1971), resonaron mucho más fuerte aquí, formando el disco perfecto junto con otro elemento imprescindible de este sensacional trabajo: el trabajo de portada del del álbum. La portada diseñada por Roger Dean era en sí misma una creación fascinante que parecía relacionarse con la música y llamó la atención del comprador de una manera como pocos discos lo hicieron desde el apogeo de la era psicodélica.