1572 - Eric Clapton - Wonderful Tonight

1572 - Eric Clapton - Wonderful Tonight

Eric Clapton es una de las figuras más influyentes en la historia del rock y el blues, y "Wonderful Tonight" es una de sus composiciones más emblemáticas. Lanzada en 1977 como parte del álbum Slowhand, esta balada se convirtió en un clásico instantáneo, destacando por su simpleza melódica y su profunda carga emocional.

La canción fue escrita por Eric Clapton para su entonces pareja, Pattie Boyd, quien previamente había estado casada con George Harrison. Se dice que Clapton la compuso en una sola noche, mientras esperaba a Boyd para asistir a una fiesta organizada por Paul y Linda McCartney. La letra es un testimonio de amor sincero y admiración, narrando la belleza de un momento cotidiano: ver a su amada arreglarse para salir. La sencillez en la instrumentación y la calidez de la interpretación vocal hacen que el mensaje de la canción resuene de manera íntima y personal con el oyente.

Musicalmente, "Wonderful Tonight" se apoya en una melodía suave y un ritmo pausado que realzan su carácter romántico. La guitarra de Eric Clapton, reconocida por su inconfundible tono y sensibilidad, se desliza con naturalidad a lo largo de la canción, agregando matices de blues sin perder la esencia pop de la pieza. La estructura es minimalista, sin grandes variaciones, pero cada elemento está cuidadosamente colocado para transmitir emoción y ternura.

A lo largo de los años, "Wonderful Tonight" ha sido una de las canciones más queridas del repertorio de Eric Clapton. Ha sido versionada por numerosos artistas y sigue siendo una elección popular en bodas y eventos románticos. Su éxito comercial y su presencia en la cultura popular han reafirmado el talento de Eric Clapton no solo como guitarrista virtuoso, sino también como un compositor capaz de capturar sentimientos universales con letras y melodías atemporales.

Más allá de su historia personal, la canción ha trascendido su contexto original para convertirse en un himno del amor y la admiración. Su permanencia en la memoria colectiva es testimonio de su impacto, y hoy, casi cinco décadas después de su lanzamiento, sigue siendo un referente dentro del cancionero romántico del rock.

Daniel

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1196 - Eric Clapton - Motherless Children

1196 - Eric Clapton - Motherless Children

Eric Clapton, una leyenda viviente del rock y el blues, ha dejado una marca indeleble en la música con su habilidad incomparable en la guitarra y su voz distintiva. Con una carrera que abarca décadas y numerosos éxitos, Eric Clapton se ha ganado el respeto y la admiración de músicos y fanáticos de todo el mundo. Una de sus piezas más emblemáticas es "Motherless Children", una canción que encapsula la esencia del blues y muestra la maestría de Eric Clapton como intérprete y compositor.

Lanzada en 1974 como parte de su álbum "461 Ocean Boulevard", "Motherless Children" es un himno que fusiona el blues tradicional con el rock contemporáneo de la década de 1970. La canción comienza con un riff de guitarra inconfundible, marcado por la destreza técnica y el estilo único de Eric Clapton. Este riff establece el tono para la canción, que irradia una sensación de melancolía y desesperación.

La letra de "Motherless Children" aborda temas de soledad, pérdida y redención. Eric Clapton canta sobre la ausencia de una figura materna, una experiencia que resuena con la audiencia debido a su universalidad y emotividad. A través de sus letras sinceras y emotivas, Eric Clapton logra conectar con los oyentes a un nivel profundamente personal, transmitiendo una sensación de vulnerabilidad y autenticidad.

La estructura de la canción es típica del blues, con versos repetidos que se entrelazan con improvisaciones de guitarra. Sin embargo, lo que distingue a "Motherless Children" es la forma en que Eric Clapton infunde nueva vida en este género clásico con su estilo único y su pasión palpable por la música. Su interpretación vocal está llena de emoción y matices, capturando la angustia y el anhelo que impregnan la canción.

La instrumentación en "Motherless Children" es igualmente impresionante, con solos de guitarra ardientes que muestran la virtuosidad de Eric Clapton. Cada nota está imbuida de emoción, transmitiendo la intensidad y el poder del blues. La sección rítmica proporciona un fondo sólido para la expresión ardiente de Clapton, creando un contraste efectivo entre la melancolía de la letra y la energía cruda de la música.

Además de su impacto musical, "Motherless Children" también es significativa por su influencia en generaciones posteriores de músicos. La canción ha sido versionada y reinterpretada por numerosos artistas, demostrando su duradera relevancia en el mundo de la música. El legado de Eric Clapton como uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos se ve reforzado por joyas como esta, que continúan inspirando y emocionando a oyentes de todas las edades.

"Motherless Children" es una obra maestra del blues-rock que destaca el talento incomparable de Eric Clapton como músico y compositor. Con su emotiva letra, potente instrumentación y la pasión palpable de Clapton, la canción se ha ganado un lugar especial en el canon de la música popular. Es un testimonio perdurable del impacto duradero de Eric Clapton en la música y su habilidad para tocar los corazones de sus oyentes.

Daniel 

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1195.- I Shot the Sheriff - Eric Clapton

 

I Shot the Sheriff, Eric Clapton

     461 Ocean Boulevard es el segundo álbum de estudio en solitario de Eric Clapton. Fue grabado entre los meses de abril y mayo de 1974 en los Criteria Studios de Miami, bajo la producción de Tom Dowd, y publicado en julio de 1974 por el sello discográfico RSO Records. Su regreso, después de sus problemas con la heroína, con este disco se saldó encabezando muchas listas de países y vendiendo más de dos millones de copias. El título del disco hace referencia a la dirección en Ocean Boulevard, en Golden Beach, Florida, donde Clapton estuvo viviendo mientras grababa el álbum.

Después de superar sus adicciones a la heroína, Clapton se dio cuenta de que había desperdiciado tres años de su vida, donde lo único que había hecho es estar tirado y ver televisión. Cuando el guitarrista buscó ayuda, se puso a trabajar en una granja y comenzó a escuchar mucha música nueva y viejos discos de blues que había traído consigo, además comenzó a tocar la guitarra de nuevo, escribiendo incluso canciones enteras a partir de ideas simples. Con estas ideas en mente, Clapton recibió una cinta de demostración del ex bajista de Dereck and the Dominos Carl Radle, con canciones interpretadas por el propio Radle, con el tecladista Dick Sims y el baterista Jamie Oldaker. A Clapton le encantaron estas grabaciones, las cuales le parecieron simplemente magníficas.

Cuando Clapton se puso a escribir material para su nuevo disco, quería dejar sus canciones lo más incompletas posible, para que los músicos que fueran a grabar con él, tuvieran la oportunidad de colaborar y hacerlas suyas. El músico estaba ciertamente preocupado por el éxito comercial y artístico que el disco pudiera tener. Tenía la certeza de que sólo funcionaría si había química entre los músicos. Para tal empresa fichó a Carl Radle (bajo), Jamie Oldaker (batería), Dick Sims (teclados), Albhy Galuten (piano) y George Terry (guitarra, coros).

Incluido en este álbum se encuentra una versión de una canción de Bob Marley, titulada I Shot the Sheriff. Dicha canción había sido lanzada por Marley con su banda The Wailers en 1973. Sobre el significado de la canción, Marley llegó a afirmar: "Quería decir 'le disparé a la policía' pero el gobierno habría montado un escándalo, así que dije 'le disparé al sheriff' en su lugar... pero la idea es la misma: justicia". Clapton no estaba muy seguro de publicar su versión porque pensaba que podría parecer una falta de respeto para Bob Marley. Los miembros de su banda y su mánager lo convencieron de que no solo debía ir en el disco, sino que también debía lanzarse como sencillo. Más tarde Clapton llegó a Hablar con Marley sobre la canción: "Traté de preguntarle de qué se trataba la canción, pero no pude entender mucho su respuesta. Me sentí aliviado de que le gustara lo que habíamos hecho". Clapton mantuvo el timo reggae de la canción original, pero le metió un estilo más rockero, con órgano y guitarra marcando el ritmo. En Estados Unidos, por aquella época el reggae no era muy grande, pero Clapton, con su toque de reggae mezclado con rock dio en el clavo.

Disco de la semana 361 - All things must pass - George Harrison

Muchas cosas tuvieron que pasar para que el "primer" disco en solitario de George Harrison tras la separación de The Beatles viera la luz, y entre ellas, la publicación previa de dos proyectos (la banda sonora "Wonderwall Music" y el disco experimental "Electronic Sounds") mientras los "fab four" aún seguían juntos, lo que, siendo precisos, situaría realmente a "All Things Must Pass" ("Todas las cosas deben pasar") como el "tercer" álbum de estudio de Harrison sin The Beatles.

Publicado por Apple Records en noviembre de 1970, y grabado bajo la producción de Phil Spector, fue el primer gran esfuerzo de Harrison por publicar un álbum elaborado y completo, y el resultado fue un disco que sacó a la superficie todo el talento creativo acumulado por el guitarrista, que repescó buena parte del material acumulado tras varios años de componer canciones que nunca encontraban hueco en los discos de su banda de origen, pero también un disco claramente influenciado por el momento por el que pasaba el músico británico, y la variada paleta de colaboraciones y tendencias tanto musicales como espirituales en las que por entonces estaba interesado.

El camino que le llevó a dar forma a todo el material acumulado, hasta convertirlo en la que fue su obra maestra, comenzó en los estudios Abbey Road en mayo de 1970, solo dos meses después de la separación oficial de The Beatles, pero ya desde las sesiones de grabación del disco "Let it be" (1969) de The Beatles (en las que se grabó una demo de la canción "All things must pass" que daría nombre al disco), a Harrison le rondaba la idea de publicar su primer proyecto serio en solitario. Había acumulado canciones desde 1966, y había compuesto un par de canciones junto a Bob Dylan, además del material que había creado para otros artistas, así que tenía más que suficiente para completar varios discos, si hubiera querido espaciar en el tiempo aquella buena cosecha. Pero él quería sacarlo todo, porque "Todas las cosas deben pasar".

Tal era la cantidad de buen material que George Harrison había acumulado en las alforjas que, viéndolo en perspectiva, y aunque sea compararlo con una obra muy posterior, podría decirse que estamos ante "El Salmón" de George Harrison, un disco triple compuesto de dos vinilos con material original y un tercero de temas extras ("Apple Jam") compuesto de improvisaciones musicales y ensayos que no quiso desechar del conjunto. Phil Spector explicó como nadie, años después en una entrevista, la magnitud de la inmensa producción musical de Harrison en aquella  época:  "George me dijo: Tengo unas cuantas cancioncillas para que las escuches. ¡Era interminable! Tenía literalmente centenares de canciones y cada una era mejor que el resto." 

ALL THINGS MUST PASS

El disco comienza con la primera de las grandes joyas que lo conforman, "I'd Have You Anytime", compuesta por Harrison junto a Bob Dylan, con una letra que encaja como un guante con la magnitud y características del disco: "Todo lo que tengo es tuyo, todo lo que ves es mío". Le sigue la excelsa "My Sweet Lord", una curiosa combinación de música góspel y referencias "Hare Krishna" que, junto a "All things must pass" fue ofrecida a Billy Preston, que las grabó para su álbum "Encouraging Words" (1970) sólo dos meses antes del lanzamiento de "All Things Must Pass", dónde finalmente Harrison decidió incluirlas, siendo además a "My Sweet Lord" el primer single promocional del álbum.

En las tensas sesiones de grabación de "Let it be" y en concreto en una discusión con Paul McCartney, se basó Harrison para la composición de "Wah-Wah", un intenso tema de guitarras, un instrumento por el que en este disco recuperó el interés que hasta entonces había perdido en beneficio del estudio del sitar. La triunfal cara A del disco cierra con la monumental y beatleliana "Isn't It a Pity", glorioso tema de más de siete minutos que está entre lo mejor del disco y de su discografía, y cuya composición se remontaba a 1966. Quizá consciente de la importancia de este tema, decidió incluir una segunda versión, que suena hacia el final del segundo vinilo.

La cara B comienza con "What Is Life", que Harrison compuso durante el trayecto en coche a una sesión de grabación de un disco de Billy Preston en el que estaba colaborando, y con la excelsa "If Not for You", una canción que Bob Dylan le regaló para el disco. La influencia del trovador de Minnessotta es grande a lo largo del álbum, y en "Behind That Locked Door", compuesta la noche anterior a la participación de Dylan en el Festival de la Isla de Wight tras el accidente de moto que sufrió en 1966, su amigo Harrison le transmite fuerza y ánimo. La cara B termina con "Let It Down", otro de los temas que aparecieron como bocetos primerizos en las sesiones de "Let it be", y "Run of the Mill", escrito posteriormente pero basado también en esa época, y en la deteriorada amistad entre los miembros de The Beatles y las constantes discusiones dentro de Apple Corps.

El segundo disco comienza con la intensa y oscura balada "Beware of Darkness", que abre una cara C constituida en su mayor parte por canciones compuestas y grabadas en 1970, y con la divertida y ligera "Apple Scruffs", una de las últimas canciones compuestas para el álbum, y todo un homenaje a un grupo de acérrimos seguidores de The Beatles que, día y noche, se apostaban delante de las oficinas de Apple. "Ballad of Sir Frankie Crisp (Let It Roll)" es un guiño al anterior propietario de su mansión de Friar Park, en cuyos jardines se realizó la foto de la portada del disco, en la que Harrison aparece sentado junto a cuatro gnomos de jardín, en lo que todo el mundo interpretó como una ácida referencia a The Beatles. Igualmente interesante resulta "Awaiting on You All" por ser, junto a "My Sweet Lord", la canción que más refleja la influencia del movimiento Hare Krishna en la música de Harrison. Tras los cánticos religiosos de este tema, la rescatada canción titular "All Things Must Pass" suena en la voz de su autor más profunda e intensa que en la versión de Billy Preston.

La cara D comienza con "I Dig Love", un interesante ejercicio de guitarra que surgió de un ensayo de Harrison con su guitarra slide. Tras ella, el siguiente plato fuerte de esta cara es la intensa "Art of Dying", el segundo de los temas que Harrison rescató entre sus composiciones de 1966 tras "Isn't It a Pity", que suena a continuación en su segunda versión del disco, antes de echar el cierre a una descomunal colección de grandes canciones con "Hear Me Lord", la última de las canciones rescatadas de las sesiones de "Let it be".

APPLE JAM

Con los dos discos que conforman la parte "ortodoxa" de "All Things Must Pass" ya habría sido suficiente, y en la inclusión de un tercer disco de improvisaciones y ensayos quizá sea dónde este disco colosal muestra sus pies de barro, con temas en su mayor parte instrumentales que poco aportan a un conjunto que ya contaba con suficientes armas para convertirse en el mejor disco de su carrera. Así, "Out of the Blue" está basada en un único y repetitivo riff de guitarra, y temas como "Plug Me In", "I Remember Jeep" y "Thanks for the Pepperoni" tienen una estructura muy básica y mínimos cambios de acordes, y aún así resultan interesantes por los extensos solos de guitarra de George Harrison, Dave Mason y Eric Clapton.

Para completar este deslavazado conjunto, la única canción provista de letra es "It's Johnny's Birthday", que copia el ritmo de "Congratulations" de Cliff Richard, una broma de menos de un minuto que fue grabada para el 30 cumpleaños de John Lennon. Cuesta no plantearse si, entre las más de 20 canciones que fueron descartadas para el disco, no habría otras que merecieran más ser incluidas. De éstas últimas, el propio Harrison acabó grabando algunas de nuevo, como "Try Some, Buy Some" (1973) o "You" (1975), y otras acabaron incluidas en discos posteriores ("Beautiful Girl" y "Woman Don't you Cry for Me" formaron parte de "Thirty Three & 1/3", y "I Live for You" se incluyó como extra en la reedición de "All things must pass" de 2001).

¿Habría sido aún mejor disco con estas canciones? En el fondo ya no importa, porque cada disco tiene su momento, y pretender rehacerlo sería como negar que, como todas las cosas, lo que se hizo en ese momento es lo que tuvo que pasar, y lo que pasó fue algo muy grande y extravagante, que alcanzó el primer puesto en la lista de discos más vendidos de numerosos países, entre ellos el UK Albums Chart y el Billboard 200 estadounidense, donde el álbum estuvo durante siete semanas en el primer puesto. Como último dato curioso, en 2011 se desveló que el disco había vendido hasta esa fecha más discos que los históricos Imagine (Lennon) y Band on the Run (McCartney) juntos, superando a los dos grandes enanitos de jardín que, durante años, relegaron las composiciones de Harrison al fondo del armario, y haciéndolo con la aparente tranquilidad y la calma con la que, sentado en su jardín, George Harrison nos mira desde la portada de All Things Must Pass.

0764 - I looked away - Derek and the Dominos

0764 - Derek and the Dominos - I looked away

I Looked Away es una canción escrita por Eric Clapton y Bobby Whitlock, y originalmente lanzada por la banda de blues rock Derek and the Dominos, como tema de apertura de su álbum debut de 1970, Layla and Other Assorted Love Songs.

Layla and Other Assorted Love Songs es el primer y único álbum de estudio del grupo Derek and the Dominos, publicado por las compañías discográficas Atco y Polydor Records en noviembre de 1970, I Looked Away sería la primera canción de ese álbum.

Tras su publicación, Layla and Other Assorted Love Songs obtuvo buenas críticas de la prensa musical y un éxito comercial moderado, I Looked Away, con el corazón en la mano, Eric Clapton abre con esta hermosa balada de amor, triste y sincera. Compartiendo el micrófono con el tecladista Whitlock y un solo muy simple

Daniel 

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0763.- Layla - Derek and the Dominos

Derek and the Dominos fue uno de esos grupos "fantasma" surgidos de la colaboración de varios músicos, en este caso el guitarrista y cantante Eric Clapton ("Derek" era un pseudónimo con el que se le conocía habitualmente en algunos círculos de amigos), el tecladista Bobby Whitlock, el bajista Carl Radle y el baterista Jim Gordon. Como suele ocurrir con este tipo de grupos, la aventura de Derek y sus Dominos no tuvo un largo recorrido. Formados en 1970, lanzaron un único álbum de estudio, el aplaudido Layla and Other Assorted Love Songs, que incluso contó con el guitarrista Duane Allman de The Allman Brothers Band como artista invitado.

La idea general de Derek and the Dominos para el disco era reflejar en estado puro una banda de rock and roll, sin coros de chicas ni secciones de viento que recargaran los temas. Layla era la pieza más relevante de aquel impactante disco de blues rock, una canción de amor compuesta por Eric Clapton para Pattie Boyd, por entonces casada con George Harrison. Pese a que esta canción es, sin duda, uno de los momentos creativos más altos del aclamado guitarrista, en aquel momento no tuvo toda la repercusión que merecía, y no consiguió llegar al top ten de las listas de ventas hasta ya entrado el año 1972.

Layla fue grabada en dos sesiones de grabación separadas, la sección inicial de guitarra por un lado, y posteriormente la sección instrumental final en otra sesión diferente. Tras grabar la primera parte, Clapton echaba de menos un final mejor para Layla, y encontró la solución en una pieza de piano que había compuesto el baterista Jim Gordon para un proyecto en solitario. Al escucharla, Clapton le pidió incluirla como cierre, a lo que Gordon aceptó encantado, dándole a la canción ese cambio final tan espectacular sin el que la canción ya no sería la misma Layla.

0721 - Eric Clapton - Let it rain

0721 - Eric Clapton - Let it rain

Let It Rain es una canción y un single que fue escrito y lanzado por el músico de rock británico Eric Clapton y Bonnie Bramlett; aparece en su álbum de estudio debut de 1970, Eric Clapton. En 1972 fue lanzado como single como parte de la promoción de su álbum recopilatorio Eric Clapton at His Best.

La canción fue lanzada con la cara B de "Easy Now" en 1972 en un disco de gramófono de vinilo de 7". Además de ser lanzada como sencillo en 1972 y en el álbum original en 1970, la canción aparece en varias recopilaciones álbumes, incluidos Eric Clapton at His Best (1972), Backtrackin' (1984), Crossroads (1988), The Cream of Clapton (1995) y Complete Clapton (2007). Se puede encontrar una interpretación en vivo de la pista en el álbum de video Live at Montreux 1986, lanzado el 19 de septiembre de 2006. En total, la pista ha sido lanzada en más de 15 álbumes. Las versiones de conciertos en vivo de Derek & the Dominoes se incluyen en sus álbumes In Concert ( 1973) y Vive en el Fillmore (1994).

En su reseña del álbum debut de Eric Clapton, al crítico de AllMusic Stephen Thomas Erlewine le gusta que el título "presente solos extendidos". También señala que la canción consiste en un "elemento pop". El compañero crítico Greenwald recuerda la pieza como "uno de los primeros clásicos escritos por Eric Clapton" y continúa diciendo que la canción "mostraba la influencia que Delaney Bramlett" tenía en Clapton en ese momento. Robert Christgau encuentra en la reseña de su álbum que "Let It Rain" merece un "estado de clásico". Billboard la describió como una "balada de ritmo fuerte".

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0720 After Midnight - Eric Clapton

 

After Midnight, Eric Clapton

     Tras su exitoso paso por bandas como The Yardbirds, John Mayall & The bluesbreakers, Cream y Blind Faith, Eric Clapton decide grabar su primer álbum en solitario. El título del disco llevará el nombre del artista, Eric Clapton, y es grabado entre noviembre de 1969 y marzo de 1970 entre los Olympic y Island estudios de Londres, y Village Recorder de Los Ángeles, bajo la producción de Delaney Bramlett, y publicado el 12 de agosto de 1970 por la compañía discográfica Atco Records.

La portada del álbum es una fotografía de Barry Feinstein, reputado fotógrafo y cineasta estadounidense, conocido por sus fotografías de Hollywood de la década de los años 50, y muestra a Eric Clapton sentado en un estudio fotográfico de Los Ángeles, mientras fuma un cigarrillo, y con su guitarra eléctrica Fender Stratocaster Brownie apoyada entre sus piernas. 

Incluido en este debut en solitario de Eric Clapton se encuentra After Midnight, canción que fue compuesta originalmente por J. J. Cale, y que fue publicada en 1966 por éste mismo junto con su banda, Leathercoated Minds, como cara B del sencillo Slow Motion. La canción apenas tuvo éxito alguno, pero serviría com catalizador para la carrera musical de Cale, pues Eric Clapton había quedado muy impresionado con la canción y decidió incluirla en su álbum debut en solitario, siendo lanzada además como único sencillo del mismo. La versión de Clapton sí tuvo muy buena aceptación en las listas de varios países. Sobre este hecho J. J. Cale llegó a comentar: "Yo era extremadamente pobre, no tenía dinero suficiente para comer y ya no era joven. Estaba en la treintena, de modo que me hizo felíz. Fue muy agradable hacer algo de dinero". Para la grabción de la canción, Clapton contó con Bobby Whitlock al órgano, Jim Gordon a la batería, Delaney Bramlett en la guitarra rítmica, Carl Radle al bajo, Leon Russell al piano y Bobby Keys al saxofón.

La música en historias: El veto argentino a Eric Clapton

 

Cocaine, Eric Clapton

     El 25 de noviembre de 1977 se publicaba bajo el sello discográfico RSO Records el quinto álbum de estudio de Eric Clapton, Slowhand. Para la grabación de éste disco Clapton tenía muy claro el productor con quien quería trabajar, Glyn Johns, pues era un productor que entendía muy bien tanto a los músicos británicos como a los estadounidenses y sabía como trabajar con ellos, lo que quedaba reflejado en su trabajo con formaciones de los ambos países como The Rolling Stones, Eagles, The Who, The Clash, The Beatles, Steve Miller Band, Small Faces, Blue Oÿster Cult y Humble Pie entre otras muchas. El disco se graba durante el mes de mayo en los Olympic Studios de Londres, y durante las sesiones Clapton se da cuenta que a Glyn no le gustan demasiado las improvisaciones porque le quitan mucho tiempo de grabación y que no le gusta dejar nada al azar, pero también se da cuenta que sabe sacar lo mejor de cada músico, pues aunque tanto Clapton como los músicos que le acompañaban solían sufrir problemas de adicciones a las drogas o el alcohol, Glyn supo sacar el mayor partido de cada uno de ellos. 

El álbum recibió en general buenas críticas, pero en Argentina fue objeto de polémica, pues una de las canciones incluidas en el disco, Cocaine, fue censurada por el Gobierno Militar argentino alegando que ésta canción era perjudicial para los jóvenes, ya que los incitaba a drogarse. Clapton al enterarse de la censura mostró toda su indignación, pues el gobierno argentino no se había enterado que la canción era precisamente una canción anti-droga y no a favor del consumo de ésta. Afortunadamente, en 1983 el gobierno argentino levantó el veto a la canción. De hecho, Clapton, para disipar dudas, solía añadir una frase, "That dirty cocaine" (cocaína sucia), en sus conciertos en directo para que quedara claro que el tema estaba en contra de las drogas

Cocaine fue originalmente compuesta por el guitarrista estadounidense J.J. Cale, que graba el tema y lo publica en su cuarto álbum de estudio, Troubadour. Cuando Cale escribe este tema, lo hace pensando en una canción de jazz, pero su productor Audie Ashworth le convence para que la componga como una canción rockera. El tema grabado por Cale alcanza el puesto número 96 en las listas de ventas estadounidenses, pero será Clapton el que se encargue de popularizar el tema con su versión incluida en Slowhand un año después. El tema grabado por clapton alcanza el puesto número 30 el la lista Billboard Hot 100. Cocaine es un tema que está escrito en contra de las drogas, y Clapton comentaba al respecto que si se escuchaba con atención la canción se podía percibir que estaba ingeniosamente escrita contra estas, la cuales Clapton conocía muy bien. Por aquella época el británico había dejado de consumir heroína, y había sustituido ésta por el consumo de cocaína y alcohol. Era precisamente la adicción a la cocaína lo que le daba cierta objetividad a la hora de cantar sobre una droga que consumía. 

If you want to hang out, you've gotta take her out, cocaine

If you want to get down, get down on the ground, cocaine

She don't lie, she don't lie, she don't lie,

Cocaine

If you got that lose, you want to kick them blues, cocaine

When your day is done, and you want to ride on cocaine

She don't lie, she don't lie, she don't lie,

Cocaine

If your day is gone, and you want to ride on, cocaine

Don't forget this fact, you can't get it back, cocaine

She don't lie, she don't lie, she don't lie,

Cocaine

She don't lie, she don't lie, she don't lie,

Cocaine

Canciones que nos emocionan: Strange Brew, Cream

Disraeli Gears, Cream

     En 1967 Jack Bruce, Ginger Baker y Eric Clapton, o lo que es lo mismo, la formación británica Cream publica su segundo álbum de estudio, Disraeli Gears. Un álbum donde la banda mezcla el blues con un sonido más psicodélico. La portada del álbum fue creada por Martin Sharp, un conocido artista, dibujante, compositor y cineasta australiano. Sharp además crearía posteriormente también la portada del álbum de la banda Wheels Of Fire, y co-escribió Tales Of Brave Ulysses junto con Eric Clapton. La portada del disco consiste en un collage psicodélico con el título centrado y el nombre del grupo a continuación, rodeado de un arreglo floral. Lo que Martin Sharp intentó fue captar el sonido de la música de la banda en la portada del disco, un sonido que definió como "sonido fluorescente clásico".

     El álbum fue grabado en los Atlantic Studios deNueva York en el mes de mayo de 1967, ya que el sello discográfico de Cream, ATCO, no era más que una subsidiaria que pertenecía al poderoso sello Atlantic Records. De la producción del disco se encargaría Felix Pappalardi, quien luego se forjaría una brillante carrera como miembro del grupo Mountain junto con Leslie West. En cuanto al título del álbum, este fue concebido a partir de que el roadie de la banda Mike Turner pronunciara mal una palabra. El roadie, al parecer, cuando se encontraba hablando de bicicletas, para referirse al cambio de las mismas, el cual se pronunciaba Di-rail-yer (un cambio que se usaba frecuentemente en las bicicletas de 10 velocidades que había por entonces), pronunció la palabra de la siguiente manera, Disraeli, y curiosamente Disraeli hacía referencia a un primer ministro británico del siglo XIX, Benjamin Disraeli. El grupo en ese instante tuvo claro cuál debía ser el título del álbum.

     Incluido en este disco, siendo además el primer corte, se encuentra Strange Brew, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan. En abril de 1967 la banda había grabado para este disco una canción llamda Lawdy Mama, de la cuál hicieron dos versiones, una más blues y otra con un estilo más rock & roll. Felix Pappalardi, el productor tomó la versión mas rock & roll del tema, escribió nuevas letras junto a su esposa Gail Collins y Eric clapton se hizo cargo de los arreglos y de interpretar la parte vocal en vez de jack Bruce. La letra del tema podría hacer referencia a las drogas o a una mujer debido al sentido de la letra, que contiene frases del tipo "Strange brew, kill what's inside of you / Extraña cerveza, mata lo que hay dentro de tí", "She's some kind of demon messing in the glue / ella es una especie de demonio jugando con el pegamento". La composición del tema está atribuida a Felix Pappalardi, su mujer Gail Collins y Eric Clapton. sobre Strange Brew, Clapton consideraba que Pappalardi había conseguido a partir de Lawdy Mama un tema más pop sin destruir el ritmo original. El álbum fue publicado en noviembre de 1967, pero Strange Brew fue publicado en junio de 1967 como sencillo y adelanto del disco.

Strange brew, kill what's inside of you.

She's a witch of trouble in electric blue,

In her own mad mind she's in love with you.

With you.

Now what you gonna do?

Strange brew, kill what's inside of you.

She's some kind of demon messing in the glue.

If you don't watch out it'll stick to you.

To you.

What kind of fool are you?

Strange brew, kill what's inside of you.

On a boat in the middle of a raging sea,

She would make a scene for it all to be

Ignored.

And wouldn't you be bored?

Strange brew, kill what's inside of you.

Strange brew, strange brew, strange brew, strange brew.

Strange brew, kill what's inside of you

Canciones que nos emocionan: Wonderful Tonight, Eric Clapton

Eric Clapton, Just One Night

 

      En esta ocasión voy a hablar de un tema de Eric Clapton, Wonderful Tonight, tema incluido en su quinto álbum de estudio, Slowhand, en 1977. Este tema lo compuso Clapton en honor a la que era entonces su esposa Pattie Boyd.

     Wonderful Tonight es un tema lento, con una melodía de guitarra que invita a sentarse en el sofá, cerrar los ojos y dejarse llevar por la imaginación mientras Clapton  nos cuenta cómo ella se prepara y maquilla para acompañarle a una fiesta y le pregunta a él: ¿Que tal me ves? y el le contesta que está maravillosa, y mientras van de camino a la fiesta el le sigue regalando a ella maravillosas palabras, entonces ella le pregunta a él que tal se encuentra a lo que él responde que esa noche se encuentra maravilloso  a su lado. Una letra magnífica para una melodía maravillosa que invita a soñar.

It's late in the evening; she's wondering what clothes to wear

She puts on her make-up and brushes her long blonde hair

And then she asks me, Do I look all right?

And I say, "Yes, you look wonderful tonight

We go to a party and everyone turns to see

This beautiful lady that's walking around with me

And then she asks me, Do you feel all right?

And I say, "Yes, I feel wonderful tonight"

I feel wonderful because I see

The love light in your eyes

And the wonder of it all

Is that you just don't realize how much I love you

It's time to go home now and I've got an aching head

So I give her the car keys and she helps me to bed

And then I tell her, as I turn out the light

I say, "My darling, you were wonderful tonight

Oh my darling, you were wonderful tonight

     Pero hay una versión de ese tema que me parece sublime, la versión en directo que aparece en el directo de Clapton llamado "Just One Night", grabado en 1979 en el teatro Budokan de Tokio (Japón) y que vió la luz en 1980. En este tema se juntan como comenté anteriormente una melodía maravillosa, con una letra magnífica y una interpretación en directo llena de sentimiento, delicadeza y sensibilidad. Un tema que si ya es una delicia en su versión de estudio editada en Slowhand, en directo pasa a la categoría de obra de arte gracias a la magnífica interpretación de Clapton.

   

Canciones que no soporto: Layla (Unplugged), Eric Clapton

Eric Clapton, Unplugged



     Corría el año 1970, y Eric Clapton decide formar una nueva banda de Rock. Para tal aventura además de él a la voz y la guitarra, decide contar con Bobby Whitlock a los teclados, Carl Radle al bajo, y jim Gordon a la batería. Por cosas del destino Clapton conoce poco después  a Duane Allman y acaba fichandolo para este proyecto (pero eso es otra historia), quedando conformado el grupo con estos cinco músicos. 

     El grupo se acaba llamando "Derek and The Dominos",  y ese año edita el único disco que cuenta en su haber , "Layla and Other Assorted Love Songs", que si bien no obtuvo unas ventas muy buenas, si fue muy bien recibido y valorado por la crítica. 

     En ese disco podemos encontrar el tema llamado "Layla", compuesta por Clapton y el batería Gordon, está basado en la historia de un poeta clásico persa llamado Nezami, que cuenta la historia de una princesa que es obligada por su padre a casarse con una persona diferente al joven que realmente ama. Clapton junto con Gordon, compuso este tema para referirse a Pattie Boyd, quien por aquel entonces era la mujer de George Harrison, de la cuál estaba enamorado y con la que se casaría posteriormente. Un tema con mucha historia, interpretado por dos guitarristas geniales, Clapton y Allman.

     El tema original es para mí una auténtica Delicatessen, una obra maestra. Es un tema que a lo largo de su historia ha sido versionado en multitud de ocasiones. En 1992, Eric Clapton rodeado de un pequeño grupo de público, en los Bray Studios de Windsor (Inglaterra), graba y despues edita un directo totalmente acustico titulado "Unplugged", un buen disco que además tengo en vinilo, y que tiene piezas muy buenas como por ejemplo una versión del "Walkin' Blues de Robert Johnson, la versión de San Francisco Bye Blues, o la delicada Tears in Heaven, compuesta en honor a su hijo fallecido.

     En este disco también se encuentra una versión acústica de "Layla", versión que nunca me ha acabado de entrar. En la versión original las guitarras de Clapton y Allman se salen, y  la historia es contada con una desgarradora fuerza, lo que lo convierten en un tema brutal, magistral,  mientras que para mí, a la versión del Unplugged de Clapton le falta todo, el tema me resulta insípido, se carga la magia de un tema espectacular...........