lunes, 31 de diciembre de 2018

Grupos Emergentes: MPA - The After Hours



MPA "The After Hours"

The best way to realize that you are listening to a great EP is when it finish and the first thing you think is "I wish it was a LP". That is what happened to me last night while listening to "The After Hours" by MPA. I didn't want it to end, and I went to sleep begging for more material.

The atmospherical vibe of "Unearthly Stranger" reminds me Suede in their best moments, "Clockworth" is a song that would have perfectly fit in the Arctic Monkeys "AM" masterpiece, and "Hollywood" is a variation of the "American Woman" riff combined with the Black Keys style.

"Mystery Woman" is the most experimental track of the EP, MPA takes a deep breath before re-accelerating in the final stretch with "The After Hours", a perfect single to tear down the wall of musical recognition.

But there is even more, the melancholic sound of "Controversial conversations" is probably the highest peak of the EP, and then there is still time for a notorious ending with "July", another great song in the Black Keys mood.

And (unfortunately) that's all folks. We want more. That is the reason why we know this is so good.

domingo, 30 de diciembre de 2018

Grupos emergentes: Fractal - Despertar

Hoy en nuestra seccion de grupos emergentes os traemos un grupo de Madrid llamado Fractal, cuatro  componentes que se reparten los ingredientes necesarios para una banda de rock, la batería (Javi Alvarado), guitarra (Alfonso Zamora) y bajo (Dhiva Von D.) que se suman a una voz áspera y a la vez melódica (Ryk Ramos) que guía los pasos del grupo.



La canción que hemos tenido la oportunidad de escuchar se titula Despertar, y si bien el titulo podría llevarnos a pensar que es su nacimiento en esto del mundo de la música, nada mas lejos de la realidad, nos encontramos ante el primer tema de su segundo álbum, ya que en 2015 publicaron su primer disco de larga duración, Cuantico, que obtuvo una notable aceptación en los círculos musicales.

Cuantico fue el trabajo de mas de seis años desde que comenzaran y después de poder escucharlo sin duda pienso que estamos ante un buen trabajo.

Pero vamos a detenernos en despertar, donde lo primero que me llama es la atención es la calidad y la pureza del sonido, pero según te vas introduciendo en ella notas que realmente saben a los que están "jugando", cuando ves como esa guitarra resalta con diferentes sonidos a lo largo del tema, porque es la guitarra desde el segundo uno con ese sonido seco como una llamada en la niebla la que nos pone en alerta, y cuando la voz de Ryk tapa a la misma puedes entender que estamos escuchando algo diferente, durante el primer minuto ambas han estado coqueteando por el protagonismo con un sonido suave y que poco a poco ha ido subiendo el tono, momento que estando en lo mas alto de esa subida, cuando nos estalla la batería y comienza un estribillo que quizás puede pecar un poco de comercial, pero que a la postre resulta casi perfecto después de ese comienzo.

Casi al final del tema y despues de habernos llevado por una montaña rusa de subidas y bajadas de tono durante la canción, nos encontramos una pausa que que termina dignificando la voz de Ryk para así, morir la canción lo mas arriba posible con una subida espectacular y un estallido final.

Me ha gustado este Despertar, tiene ese toque de los grupos modernos, que se hacen llamar Indies que pululan en esta segunda década del siglo XXI que para mi personalmente ha resultado tan confusa a nivel musical, pero ellos han querido dar su toque especial y determinante para salirse, aun a riesgo de que se les margine, introduciendo un sonido que te lleva por momentos a esos maravillosos 90 que vivió el rock español.

No quisiera decirles hasta pronto sin hacer mencion a que podeis disfrutar de FRACTAL el 12 de enero de 2019 en La cocina del Rock Bar en Madrid, nosotros estando en Getafe no descartamos nuestra presencia el 9 de Marzo que vuelven a subirse al escenario en nuestra vecina Fuenlabrada.

Suerte valientes!

sábado, 29 de diciembre de 2018

Canciones que no soporto: Hard to Handle, Otis Redding

Otis Redding




     Hard To Handle es un tema que Otis Redding escribió junto con Al Bell (Copropietario de los famosos estudios Stax records) y Allen Jones (productor de varios discos de Albert King), tema que fué lanzado en el año 1968 poco después del fallecimiento de Otis Redding.

     Esta canción ha sido versionada en un sinfín de ocasiones por todo tipo de artistas, tales como Gratefoul Dead, Tom Jones, Gov 't Mule, Magic Slim o Etta James entre otros. Pero la versión más conocida quizás es la que realizó el grupo The Black Crowes que incluyeron en su álbum debut Shake Your Money Maker allá por el año 1990.



Shake Your Money Maker (1990)
The Black Crowes


     Con este tema Black Crowes alcanzó el puesto número 1 en diferentes listas de Estados Unidos, contribuyendo a que el disco que la contenía vendiera más de cinco millones de copias.

     Cuando escucho el tema original de Otis no me parece malo, al contrario me parece un buen tema, pero siempre que escucho la versión de los Black Crowes es como si me inyectaran un chute de superenergía, es un temazo lleno de ritmo y una fuerza brutal, con un exquisito toque de rock sureño. Y ahí es donde radica el problema con este tema, siempre que lo escucho, prefiero la version de los hermanos Robinson y compañía, porque para mí es de esas escasas ocasiones en las que una versión supera al original............

   







viernes, 28 de diciembre de 2018

El disco de la semana 108: Robe - Lo que aletea en nuestras cabezas & Destrozares



Estando en el colegio, en la antigua EGB, la mayor parte de los niños nos esforzábamos y dedicábamos muchas horas de estudio para aprobar las asignaturas, sacar buenas notas, y en el mejor de los casos llevar unos sobresalientes a casa para dar una alegría a nuestros padres.

El momento más crítico era cuando la profesora daba las notas, y pese al esfuerzo y las horas dedicadas, era frustrante que siempre hubiera un niño que adelantaba al resto por la derecha y se llevaba la matrícula de honor.

Llegaba el siguiente trimestre y duplicabas esfuerzos, ponías más empeño, entregabas trabajos impecables, pero al llegar de nuevo el momento de publicar las notas, el trabajo de aquel niño volvía a destacar por encima del resto. La sensación dominante era que por más que lo intentaras, aquel niño siempre estaría por encima de nosotros.

Trasladado al presente, y al mundo de la música, gozamos en España de un nivel artístico incuestionable, con monstruos artísticos de la talla de Bunbury, Loquillo, Erentxun, Rosendo y un largo etcétera que variará en función del gusto de aquel que haga la lista.

Todos ellos trabajan a fondo sus discos, derrochan talento y demuestran "tener escuela" en sus propuestas, y obtienen a cambio el reconocimiento unánime de su público, que considera sus discos como obras notables o sobresalientes. Y en ese momento la profesora proclama en alto un último nombre, y toda la clase descubre que Robe Iniesta se ha llevado esta vez la matrícula de honor.


En "Lo que  aletea en nuestras cabezas", Robe se libera de las estructuras de guitarras rock de Extremoduro, y desata su talento en un disco bañado de arreglos clásicos de grupo de cámara para acompañar sus habituales letras desgarradoras”.

El disco brilla en lo más alto desde el amanecer descrito instrumentalmente en el arranque de "Un suspiro acompasado", pasando por la crudeza de  "Nana Cruel", en la que el contraste entre la rabia de la letra y la belleza de los pasajes de saxofón la elevan a la categoría de obra maestra. Como también lo es un tema que interpretaba en las giras de Extremoduro, y que recupera para cerrar este disco en todo lo alto: "Contra todos".


La cosa no quedó ahí. A este disco le siguió "Destrozares", segundo golpe maestro, manteniendo la formación de orquesta de vientos, y añadiendo a la mezcla un piano que le da un toque más sobrio y acabado al conjunto.
Si "Lo que aletea en nuestras cabezas" era un amanecer, un derroche de luz y color primaverales, en "Destrozares" nos describe el atardecer de la humanidad, con letras en la misma línea brillante y emotiva, romántica por momentos, pero con un toque más apocalíptico al ponerle voz al desencanto ("Hoy al mundo renuncio"), la añoranza ("Del tiempo perdido") y la indiferencia ("Por encima del bien y del mal"), ante la visión de un mundo que está enfermo y sin solución, y que camina directo a la noche y la destrucción.

Aquel niño de la EGB acabó por toparse con su techo, todos lo hicimos, tarde o temprano acabas enfrentándote al momento en que la matrícula de honor ya es muy lejana y hay que aprender a vivir con las propias limitaciones.

Robe seguramente no va a ser la excepción a esta regla, pero tras la escucha de estos dos discos, el techo parece todavía lejano, mientras el Rey de Extremadura sigue su onírico vuelo ascendente. "Andar lo que es andar anduve, encima siempre de las nubes..."


miércoles, 26 de diciembre de 2018

La música en historias: El guitarrista que no estuvo allí

   Nightlife (1974)


   






     Corría el año 1974 y Phil Lynott (Vocalista y bajo), Eric Bell (guitarrista) y Brian Downey (batería), los chicos de Thin Lizzy habían editado ya su tercer LP Vagabonds of the Western World y empezaban a tener la suerte de cara, empezaban a recoger los ansiados frutos de tanto trabajo. Pero Eric Bell a causa de la presión ante tanta gira, grabación y exceso decide dejar el grupo.


     A este revés en el grupo se le suma el hecho de que el contrato con la discográfica Decca se les había terminado. Entonces Linott y Downey deciden tirar de recursos y llamar a un viejo conocido, Gary Moore, el cual permanece unos meses en la banda. Y cuando todo parece encararse y el grupo ha cogido forma otra vez Gary decide dejar Thin Lizzy (pues tiene otros planes) y  ficha por el grupo de Jazz-Rock fussion Colosseum II, donde realiza un más que interesante trabajo. Lynott y Downey ante la cercanía de una gira por Irlanda e Inglaterra deciden contar con los servicios de los guitarristas Andy Gee y John Cann y acaban dicha gira como pueden.


     Al acabar la gira Thin Lizzy contaba ya con una merecida reputación pero por el contrario con una suerte que les estaba siendo muy esquiva. Y ahí estaban Lynott y Downey, los dos componentes del grupo sin guitarrista, sin contrato y a punto de tirar la toalla. Pero no la tiran y en vez de uno deciden apostar por el fichaje de dos guitarristas, y se hacen con los servicios del escocés Brian Robertson y del californiano Scott Gorham (junto con Lynott y Downey acabarían marcando una de las épocas doradas de Thin Lizzy).


     El problema del guitarrista, estaba resuelto, pero seguían sin contrato.
Ted Carroll, el que era por entonces uno de los representantes de Thin Lizzy junto con Chris O'Donnell había decidido dejar el grupo. Ted se lo comunica a Lynott y le dice que antes quiere dejar todos los asuntos del grupo en orden. Sin embargo  Thin lizzy Seguía teniendo un grave problema, había sido rechazado por las compañías Polygram y CBS ; La compañia RCA les hizo una oferta pero no querían pagar ningún adelanto, cosa que necesitaban como el comer pues estaban tiesos y con deudas. Y a punto están de fichar por la compañía Island, pero al final no sale por la falta de consenso dentro de la compañía. Parecía que la aventura de Thin Lizzy estaba cerca de su final.

     Y aquí llega el primer golpe de suerte,  Ted Carroll habia decidido dejarlo para centrarse en su tienda de discos Rock On en Londres. Neil Grainge trabajaba en la discografica Phonogram y era cliente habitual de la tienda de Ted, y en una de esas habituales visitas Ted le dejó caer a Neil que Thin Lizzy estaban buscando discográfica. Neil no era muy fan del grupo pero sabía que tenían un directo muy bueno.
Gracias a éste hecho Thin Lizzy envió a la compañía Phonogram una maqueta con dos temas. Uno de esos temas era Still in Love With You, que al escucharlo, a la discográfica le pareció absolutamente maravilloso.
A Neil le dijeron sobre ese tema que había sido grabado por los dos nuevos guitarristas de la banda, Brian y Scott, pero era mentira.

     En 1974 cuando Gary Moore llega al grupo para suplir a Eric Bell, durante ese periodo que permanece en Thin Lizzy se mete en el estudio con Lynott y Downey y graba algunos temas. Uno de ellos es Still in Love With You, el cuál al parecer era una composición que Gary Moore había realizado allá por el año 1969 y que todavía no se había decidido a grabar, y lo hace con Thin Lizzy.

     Phonogram estaba decidida a fichar a Thin Lizzy, pero antes querían ver al grupo en directo. Thin Lizzy tuvo que pedir un préstamo para cubrir los gastos de la audición en la mítica sala Marquee de Londres. La noche de la audición hacia un calor horroroso y las guitarras de Brian y Scott se desafinaron, pero el grupo era tan bueno que superó la prueba y quedó contratado y se metió en el estudio de grabación para preparar su álbum Nightlife.

     Para que os hagáis una idea de la calidad de Still in Love With You, cuando Los chicos de Thin Lizzy se meten en el estudio de grabación, le ofrecen a Brian Robertson que grabe el tema con su solo de guitarra, a lo que Brian se niega aduciendo que ese solo de guitarra era tan bueno que era imposible de mejorar.


     Y por fín Thin Lizzy tuvo algo de suerte, y la maniobra de Ted resultó ser milagrosa, y Gary sin estar allí echó un capote milagroso sin saberlo con su increíble calidad, y aquella renovada formación de Thin Lizzy compuesta por Linott, Downey, Robertson y Gorham casi sin tiempo de conocerse en condiciones demostraron lo buenos que eran.............


    







domingo, 23 de diciembre de 2018

Canciones que no soporto: Cum On Feel The Noize, Quiet Riot

Metal Health (1983)



     Quiet Riot es una banda estadounidense que comenzó a gestarse allá por el año 1968 de la mano del genial guitarrista Randy Rhoads y del bajista Kelly Garni. Ese año forman un grupo llamado Mach 1, y después de varios cambios ese grupo acaba evolucionando hasta que en el año 1975 acaba llamandose Quiet Riot, quedando formada por Randy Rhoads (guitarra), Kelly Garni (bajo), kevin Dubrow (vocalista) y Drew Forsyth (batería).

     Quiet Riot es una banda que no lo ha tenido fácil, corría el año 1980 y el grupo no acababa de despegar, es entonces cuando Randy Rhoads decide abandonar el grupo y unirse a Ozzy Osbourne. El grupo decide cambiar el nombre pasándose a  llamar Dubrow.


     El punto de inflexión llegaría en el año 1982 tras el fatal accidente que costó la vida a Randy Rhoads. Es entonces cuando Dubrow decide reflotar Quiet riot, pero ninguno de los componentes originales está por la labor. Dubrow consigue juntar a Carlos Cavazo (guitarra), Rudy Sarzo (bajo y sintetizador) y a Frankie Banali (batería), y consiguen publicar el que sería tercer álbum del grupo, Metal Health.

     Con Metal Health consiguen dos cosas, una hacerse por fín un hueco dentro del panorama internacional, y  contribuyen con este disco al despegue del género Heavy Metal. Con este disco consiguen el puesto número uno en las listas de ventas americanas vendiendo más de seis millones de copias.

     Dentro de éste album se encuentra el tema Cum On Feel The Noize, el cual es una versión del grupo britanico Slade, tema que fue directamente al puesto numero uno de las listas de Reino Unido y de Irlanda, cosa que sólo había sucedido antes con The Beatles.

     Y aquí estamos, delante de otro gran tema, uno de los buques insignia de una banda que luchó lo indecible por salir adelante y que hizo esta versión del tema original de otra gran banda británica, que por extraños motivos que no alcanzo a comprender no me acaba de entrar, y debería............

     


viernes, 21 de diciembre de 2018

El disco de la semana 107: Stevie Ray Vaughan - Texas Flood

Texas Flood (1983)




     Stevie Ray Vaughan nació en la ciudad de Dallas, Texas (Estados Unidos). Inspirado por su hermano mayor Jimmie (otro consumado guitarrista) empezó a tocar la guitarra. Guitarrista de blues-rock con influencias de Jimi Hendrix, Albert King, Chuck Berry, Freddie King ó Buddy Guy entre otros.



     A la edad de 17 años abandonó la escuela y se fue a vivir a Austin (pues allí tenía más posibilidades dentro de la escena blusera) donde consiguió trabajo en diferentes grupos como guitarrista. En el año 1977, Ray  creó su propia banda llamándola en un principio Triple Threat Revue, pero poco después, en 1978 Ray la cambia el nombre, llamándola Double Troble, quedando ésta conformada por el propio Ray (vocalista y guitarrista), Tommy Shannon (bajo) y Chris Layton (batería).



     Desde la creación del grupo en 1978, Ray y su Double Trouble se foguean por todo el estado de Texas dando infinidad de conciertos, hasta que en el año 1982 se les presentó la oportunidad de tocar en el mítico Festival de Jazz de Montreux, donde un Ray desconocido se marcó una actuación memorable para el asombro de los asistentes.


En ese concierto, entre el público se encontraba el mismísimo David Bowie, que tras escuchar a Ray con su grupo quedó fascinado, y a la finalización del mismo se le acercó y le dijo que tendría noticias suyas. Poco después Ray recibió una llamada de Bowie que lo contrato como guitarrista para la grabación de su álbum Let's Dance (tocó en seis de los ocho temas que componen el álbum), disco que vería la luz en 1983.


 Vaughan en el Festival de Jazz de Montreux (1982)





     Y por fín, ese mismo año se le brinda la oportunidad de la mano de la discográfica Epic Records de grabar su primer disco, Texas Flood, disco elegido para la semana 107 de 7dias7notas. Disco que grabó en solo tres días, y prácticamente casi todo en  directo y sin adornos ni florituras. No olvidemos que Ray y su Double Trouble llevaban cinco años batiendose el cobre concierto tras concierto.



     Abre el disco Love Struck Baby, compuesta por Ray, un brillante Rock & Roll acelerado al más puro estilo de Chuck Berry, compuesto por Ray en honor a su espoda Lenny.



     Pride and Joy, mágico tema y uno de los más conocidos para la audiencia, que se mueve entre el blues y el rock y donde los solos que Ray se marcan son increibles y llenos de un feeling que cala en lo más hondo.Tema no exento de cierta polémica que le generó a Ray algun problemilla familiar,  ya que Ray inicialmente compuso este tema  para su esposa, pero esta creyó que lo había hecho para otra mujer, concretamente una ex novia anterior.



     Texas Flood, es el tema que da título al álbum, compuesto originalmente por Joseph Wade Scott y larry Davis y tocado por este último. Tema clasico de blues donde la guitarra de Ray pasa a primer plano dejandonos otra ristra de solos increíbles.


     Tell Me, versión del tema compuesto por Chester Arthur Burnett y Howlin' Wolf, blues que lleva al límite dándole un toque muy rock & roll


     Testify, tema que el mítico grupo de funky Isley Brothers  compuso y grabó cuando se encontraba en sus filas ni más ni menos que Jimi Hendrix. La versión es un instrumental donde Ray imprime velocidad, técnica y sentimiento para dejarnos extasiados. Cómo se pueden meter tantas notas en un espacio tan pequeño y transmitir tanto sentimiento como nos transmite Ray? Sencillamente espectacular.



Stevie Ray Vaughan



     Rude Mood , segundo instrumental del disco, composición suya. El tema es arrollador, coge carrerilla como si fuera un tren de mercancías y no para hasta el instante final, demostrando otra vez el virtuosismo y calidad que este guitarrista atesoraba.


     Mary Had a Little Lamb , donde Ray se marca un cover del original, que es un canción tradicional infantil a la que Buddy Guy puso la música e incluyo en su disco A Man Of The Blues (1968). Una delicia de tema tocado con una gran sensibilidad.


     Dirty Pool , blues lento compuesto por Ray y Doyle Bramhall,. Es el tema donde se puede percibir más claramente la influencia que Freddie King ejerció en Ray, que se la lleva a su terreno con un rasgueo de guitarras intenso durante todo el tema y metiendo otra vez infinidad de notas en espacios donde es prácticamente imposible. No en vano el compositor que la compuso con Ray además tocó la batería para Freddie King.


     I'm Cryin , tema que Vaughan compuso para una antigua novia, puro blues de corte eléctrico que recuerda mucho a la nueva hornada de guitarristas de blues eléctrico que irían apareciendo posteriormente. En cierto modo Ray abrió camino demostrando las influencias que marcaría en esos guitarristas.


     y llegamos al último tema titulado Lenny ,otro tema compuesto por Ray para su esposa Lenny, balada instrumental donde Ray toca la guitarra sin acompañamiento ninguno, ni falta que le hace, porque la guitarra llena todo el espacio metiéndonos en un estado de hipnotismo desde que empieza a rasgar las cuerdas hasta que acaba. Un tema brillante y magnífico para acabar el disco.


     Texas Flood fue el  álbum debut de Ray. Es un disco extraordinario, sin fisuras, donde Stevie Ray Vaughan demuestra por que es considerado como uno de los mejores guitarristas que han existido, donde es capaz de coger temas de corte funky, infantiles, blues y rock y darles ese toque personal llevándoselos a su terreno. Disco con el que siempre he tenido serios problemas a la hora de elegir los mejores temas, pues me es imposible decidir que temas destacan sobre los demás, todos están en la misma brillante sintonía. En resumen, un disco para mí perfecto de uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos, que sólo el infortunio se encargó de impedir que su sombra se hiciera más alargada.........




    















   
   






jueves, 20 de diciembre de 2018

Grupos emergentes: Jay Trainer Band

Jay Trainer Band





This time we are going to talk about one of those group that are trying hard to find a place in the music scene. The Jay Trainer Band shared an advance of his new work "Of the Sun", available for free downloading at their Twitter account.

They play an interesting combination of  styles and sounds in this album, by effectively combining blues, rock and progressive influences, and as a result of all this they have a very genuine "American Sound".

They start with the song that gives its name to the album, a ballad with a sad and melancholic aura that will remain for most of the tracks. This opening song is one of "Of the Sun" big highlights, but not the only one.

"By Cover of a Great" is a rock song clearly influenced by Led Zeppelin. In "Soulful rights, Soulful Days" they shot flashes of progressive rock, and in "The Evening Wore one" they show their talent in an instrumental piece where the electric guitar takes the lead with reminiscences of Southern American rock that will delight your ears.

Definitely it's worth to discover and enjoy this band.
For more information about them, you will find the Jay Trainer Band on Twitter: @jaytrainerband and on their website: Jaytrainerband.com




En esta ocasión vamos a hablar de uno de tantos grupos que luchan duramente por hacerse un hueco dentro del panorama musical.  La banda en cuestión se llama Jay Trainer Band, que a través de Twitter nos hizo llegar un adelanto del que será su nuevo trabajo "Of the Sun", material que además podeis descargar gratuitamente a traves de se cuenta de Twitter.

Disco que entremezcla estilos bluseros, rockeros y progresivos, todo con un marcado sonido muy americano. En definitiva, muy trabajado, con variedad de estilos y sonidos como podréis comprobar.

Por ejemplo, el álbum abre con una balada, que da nombre al disco, con un aura triste y melancólico que nos acompañara durante toda la sesión, que será una de las señas de identidad del álbum, "By Cover of a Great" es un tema rock con claras influencias de Led Zeppelin, en "Soulful rights, Soulful Days" dejan muy buenos destellos de Rock progresivo, y en "The Evening Wore one" hacen un tema instrumental donde la guitarra eléctrica pasa a primer plano, con un sonido muy sureño, que hará las delicias para vuestros oídos. 
   
En definitiva, merece la pena pararse a descubrir este interesante grupo.
Si queréis más información sobre esta banda, la podéis encontrar en su Twitter: @jaytrainerband, y en su pagina web: Jaytrainerband.com 

domingo, 16 de diciembre de 2018

Grupos emergentes: Calentón, Canciones que Gemías Tú

Calentón



     En esta ocasión el grupo de Rock llamado Calentón se puso en contacto con nosotros y nos propuso que escucháramos su nuevo trabajo, un EP de seis temas titulado Canciones que Gemías Tú, que editaron en septiembre de 2017. Un trabajo que podrás ver y escuchar de forma completamente gratuita, ya que lo colgaron en la plataforma YouTube.


      El estilo del disco de este grupo procedente de Plasencia es el Rock, rock urbano como ellos mismo lo denominan. Nos ponemos a ello, y al escuchar el primer tema Cartílagos y el segundo tema A pulso de Garrapatea (que además viene acompañado de un videoclip) ya nos damos cuenta de que estos chicos tienen claras influencias y referencias en grupos como Extremoduro y Marea. Y así se van sucediendo el resto de composiciones, temas con unas buenas letras y rasgueos de guitarra, con un vocalista con una voz muy característica y quebrada, lo que da como resultado unos temas con mucha fuerza y donde se nota la pasión en lo que hacen. A destacar también la colaboración de Fernando Madina,  Bajista y vocalista de Reincidentes, en el tema Vivir mata, tema de corte más punk que rock.


     Calentón a finales de diciembre finalizará una extensa gira tocando en Badajoz (22 diciembre)  y Plasencia (29 diciembre) en la que han estado presentando este trabajo, muy buena oportunidad para ver a un buen grupo de Rock, con muy buenas maneras, con oficio y con pasión, que está luchando por hacerse un hueco en el panorama nacional. Un grupo que merece la pena echar un oído ó un vistazo.

La música en historias: Los vocalistas de AC/DC











     Todos tenemos claro que AC/DC, originaria de Australia, es una de las mejores bandas de rock de todos los tiempos, que ha sufrido en los últimos tiempos numerosos cambios en su formación, pero sabemos realmente cuantos vocalistas han pasado por la formación?

     Tenemos claro los vocalistas más famosos que han pasado por la formación, uno es Bon Scott, nacido en Escocia en 1946. Bon en 1974 era el conductor de la furgoneta en la que el grupo se trasladaba para realizar sus giras por Australia, y los hermanos Young que quedaron sorprendidos al oírle cantar, tanto por su registro de voz como por su experiencia, deciden ficharle en 1974. Y cuando todo iba sobre ruedas para el grupo y habían alcanzado la tan ansiada popularidad y reconocimiento internacional, Bon fallece al ahogarse en su propio vómito el 19 de febrero de 1980.




Bon Scott




     Pero la vida sigue, y el grupo aunque muy consternado por la pérdida de Bon deciden seguir adelante, pues así lo hubiera querido el mismísimo Bon. Y deciden realizar un sinfín de audiciones, probando numerosos vocalistas. Es entonces en Londres cuando un desconocido Brian Johnson realiza una primera audición para una banda que nadie le había dicho quien era. Johnson se ganó una segunda audición a la que llegó dos horas tarde, por lo que los hermanos Young y compañía pensaron que no le interesaba mucho la oferta. Lo que no sabían es que Brian llegó tarde porque se estaba ganando la vida dando unos conciertos programados con su hasta entonces grupo Geordie, pues tenía que comer de alguna forma, aparte de trabajar en una empresa de reparación de techos y parabrisas de coches. Finalmente y contra todo pronóstico Brian fué el elegido para reemplazar a Bon Scott. A partir de ahí poco que decir que no conozcamos tanto de Bon Scott y de Brian Johnson.




Brian Jonhson




     Llevamos dos vocalistas, a los que vamos a sumar otros dos, uno es Dave Evans, que formó parte del grupo desde sus inicios en 1973, y su paso fue bastante efímero, pues solo llegó a grabar dos sencillos con la formación, hasta que fue sustituido por Bon Scott en 1974. El otro es ni más ni menos que Axl Rose, al cuál no voy a descubrir ahora, y que sustituyó a Brian Johnson en el año 2016 para la gira Rock or bust que estaba realizando AC/DC, ya que a Brian le fue diagnosticado un problema auditivo que le mantuvo en el dique seco una temporada. Y todo hace indicar que ha vuelto a la formación después de la filtración de unas fotos en unos estudios de Vancouver donde se le ve con los demás miembros de AC/DC.




Dave Evans




     Y llevamos ya cuatro vocalistas, Dave Evans, con un efímero paso por la banda, Bon Scott y Brian Johnson, de los que poco se puede decir, y Axl rose, al que cuento como integrante porque ha estado en la formación una breve temporada aunque haya sido para sustituir y en una gira.




Axl Rose y Angus Young




     Pero sabéis que falta un quinto vocalista? Los más fieles seguidores de la banda lo sabrán seguro. En sus inicios, cuando el vocalista era Dave Evans, éste al parecer no tenía un serio compromiso con la banda, por lo que en más de una ocasión dejó al grupo en cuadro, por lo que hasta la llegada de Bon Scott, el que era representante de AC/DC en aquellos tiempos Dennis Laughlin en numerosas ocasiones tuvo que subirse al escenario a realizar las funciones de vocalista para echar una mano al grupo.




Dennis Laughlin

 

sábado, 15 de diciembre de 2018

La música en historias: El pequeño libro del rock


Todo aquel que cuenta historias es porque las considera interesantes, y todo aquello que te interesa lo buscas y lo persigues sin descanso, siempre al acecho de nuevo material. Así es como llegó a mis manos "El pequeño libro del rock" de Hervé Bourhis, una auténtica sobredosis cronológica de datos sobre la historia de la música moderna a través de viñetas ilustradas.


Al ser un libro de un escritor francés, en su historia de la música hay espacio para discos y artistas que hasta ahora no había disfrutado en la medida en la que un francés lo habrá hecho. Conocemos a las grandes figuras estadounidenses, los grandes grupos del momento en el Reino Unido, y a los principales grupos españoles por la cercanía y el idioma, pero no es tan fácil seguir en detalle la escena musical de otros países.

Gracias a este libro he descubierto a George Brassens, Françoise Hardy, Boris Vian, Jack Kerouac, Serge Gaingsbourg y tantos otros. No sabía que Juliette Greco odiaba los domingos, que hubo una escena emergente de twist en Saint-Tropez, o que en el primer festival de rock en Paris hubo peleas, heridos y 700 asientos volando por los aires por culpa de los entonces famosos "greasers".
A Brigitte Bardot si que la conocía, para que negarlo...

Solo por eso ya me resultó interesante, pero el auténtico valor personal de este libro no es la exactitud de sus datos, ni la calidad de sus dibujos, ni lo fácil y amena que es su lectura. Todas esas cosas las tiene y mucho, pero lo que realmente me marcó fueron las frases introductorias del propio Hervé Bouris, que encajan perfectamente con el sentimiento que teníamos al crear este blog. Estas frases para mí son el auténtico mantra de 7 dias, 7 notas:

"Nunca he sufrido una sobredosis,
No vi a los Sex Pistols en el Chalet du Lac,
No estaba en el Bronx cuando nació el hip-hop,
No vi a los Beatles en directo en el Show de Ed Sullivan,
No fui a ningún concierto de Elvis en el 55,
Nunca he compartido groupies con Led Zeppelin,
No estuve en la clausura del Open Market,
No soy crítico de rock profesional,
No pretendo ser exhaustivo,
objetivo ni benevolente.
En resumen, no estoy legitimado para escribir este libro,
y precisamente por eso lo he escrito"

viernes, 14 de diciembre de 2018

El disco de la semana 106: Loquillo - Feo, fuerte y formal.





40 años lo contemplan. 40 años al pie del cañón, pero no ha sido nada fácil llegar hasta aquí. Del Loco y su trayectoria podemos decir que hay 3 etapas claras: la etapa con Sabino Méndez, donde se forman las bandas Intocables y Trogloditas, la etapa donde se gesta todo lo que vendría después y donde se cosecha gran éxito. Aquí el directo "A por ellos..." marcaría el final de la misma, con la salida de Sabino y donde el Loco llega  a lo más alto de su carrera.

Una segunda etapa más oscura donde empieza a probar otros sonidos, estilos, y donde crece el personaje. Es la etapa oscura de los 90 y principios de los 2000. Aqui, los Trogloditas originales fueron saliendo hasta quedar sólo el bajista Simón- Y podemos decir que, al igual que la anterior, esta etapa se cierra con otro disco en directo "Hermanos de Sangre".

Parón y cuenta nueva para la tercera etapa de Loquillo, ya sin la marca de Trogloditas y sin ningún miembro de sus inicios. El Loco se vuelve a reinventar en cada disco que saca, desde un disco en directo en un teatro a otro con Sabino Méndez (sí, han vuelto a trabajar juntos) u otro de rockabilly. Qué nos tendrá preparado en un futuro???

Pues bien, el disco elegido "Feo , fuerte y formal" es de la segunda etapa y para mí uno de los mejores de Loquillo en su carrera. El sonido está muy cuidado, gracias al trabajo del productor Jaime Stinus (ExMondragón, ExRebelde…). Además de Stinus como productor (también es el autor de la música de "La edad de oro"), intervienen como autores de las canciones, junto al Loco en la letra, los habituales de esa época como Gabriel Sopeña y Carlos Segarra (Rebeldes) y donde empieza a colaborar no sólo como compositor sino como parte integrante de la banda el gran Igor Paskual (Ex Babylon Chat), mano derecha habitual en la actualidad del Loco. Por último, destacar además dos joyas en el disco, una la versión de Lone Star "Mi calle"; y una nueva versión de "Barcelona ciudad"
El título del disco hace referencia al epitafio que durante años puedo leerse en español en la lápida de la tumba anónima del actor John Wayne, "Feo, fuerte y formal", ya que su esposa decidió suprimir su nombre por temor a una profanación.*

*Agradecer a Luis Almohalla el gran texto que nos ha dejado


Y ahora pasaré a desgranar los temas del disco


Deportivo 7:

Empieza con un gran protagonismo de la guitarra, llegando a una mezcla de rock-heavy que hace que prometa, cuando irrumpe la voz de Jose Maria Sanz con su mensaje callejero pandillero, "Nunchacos y cadenas, hebillas y correas, no evites la pelea, no trates de huír en el Venus 2000 mientras la guitarra sigue pidiendo su sitio. Un buen comienzo para un disco que promete rock bueno y del que se hacia en los años 80.... mucha melancolía.

Las chicas del Roxy:

Tema absolutamente Loquillo... que si, que es una obviedad, pero aquí esta su estilo, sus temas, su voz condensada en menos de 3 minutos de una forma magistral, ese estilo rockero cargado de guitarra, vuelve a la calle, los malotes, las mujeres fatales y como no ese tono que solo su voz puede dar para acompañar la instrumentación...

Al abrigo de la madrugada
sin nada que decir
En las noches cansadas
no tienen prisa por partir
Las chicas del Roxy
fuman, beben
y hablan con los hombres
Las chicas del Roxy
Qué barbaridad...

Feo, fuerte y formal: 

Nos encontramos ante el buque insignia del álbum, una canción que ha sonado multitud de veces y es quizás de las mas conocidas de la etapa de Loquillo en el Siglo XXI. Aquí se relaja la instrumentación y la melodía esta mas marcada. El tema se puede tomar como una autobiografía y una declaración de intenciones del autor, donde sin prejuicio ninguno desnuda lo que ha sido su "....Y como el duque: Feo, fuerte y formal...". Este es sin duda un tema que esta dentro de la mitología del colectivo que durante nuestra juventud escuchábamos a Loquillo, ¿quien no ha espetado en la cara de alguien con una copa en la mano eso de...
pasado. Personalmente como cinefilo me encanta esa referencia y esa reivindicación a uno de los actores mas grande que ha dado Hollywood, John Wayne, apodado el Duque 

No vine aquí para hacer amigos
Pero sabes que siempre puedes contar conmigo
Dicen de mí que soy un tanto animal
Pero en el fondo soy un sentimental

Disfruten de uno de los grandes temas del rock en castellano.


El manager:

Ahora nos encontramos una canción totalmente directa, sin metáforas, sin esconder nada bajo la manga, un tiro de gracia contra los managers que tratan de chupar todo lo que puede de sus artistas, y es que según he leído Loquillo tuvo bastante problemas con sus managers hasta que dio con Gay Mercader, que es todo lo que un músico necesita, en el fondo la canción retrata justamente lo que debió sucederle hasta que en los años noventa tomó Mercader el rumbo de su carrera.

Mi calle:

Es una versión del clásico del grupo Lone Star, una formación pionera del rock formada en Barcelona a comienzos de los años sesenta y que no disfruto del éxito que se merecían. En esta ocasión Loquillo actualiza una de sus canciones y homenajea a uno de los primeros que empezó a recorrer el camino que él tan bien ha sabido llevar, y es que Mi calle se amolda perfectamente a lo que es Loquillo un texto de marginalidad. Inspirada en la Calle del Trovador de Barcelona, viviendas demacradas, niños descalzos, bares de mala reputación, violencia…

La edad de oro:

Brillante tema donde cambia radicalmente el estilo, se suaviza, y con una voz mistica y adormecida nos cuenta una bellisima historia de amor residual, de admiración absoluta a pesar de los años a una figura que siempre fue admirada, canción plagada de poesía

Turbia mirada de complicidad
Fuego cruzado en la oscuridad
En la lujuria de aquellos días
entre disparos de cocaína
viciosa y terminal
no tenía rival

Acostumbrada al amanecer
a fiestas con Charme y placer
El Mundo siempre a sus pies
Sueños en plata de ley
Chica mal de casa bien
Lo dice el viejo tango de Gardel

La elegancia en la guitarra de Jaime Stinus le da un aire al Heroes de David Bowie que te envuelve... una verdadera joya...

Soltando lastre:

Sigue el tono suave en el disco, pero en esta ocasión sumida en una melancolía brutal y una mirada al pasado como en la canción La edad de oro, pero en esta ocasión, Loquillo dirige la mirada a su persona, y se da cuenta de lo que ha sido y de lo que es, y lo que le gustaba y lo que le sigue gustando  y como él, sigue teniendo que ser él, sin mas porque se lo pide el cuerpo y la mente..."Ya no tocan la música de antes, No tengo amigos, No tengo amantes, pero guardo en mis bolsillos un par de diamantes, Aquí me tienes soltando lastre.....". En esta ocasión Gabriel Sopeña pone su granito de arena para crear esta joya.

Territorios libres:

Aquí se nos ha puesto subversivo, una declaración de rebeldia personal y de que no lo encasillen en ningún lado, su barco es su persona y su objetivo el que él mismo crea conveniente. Grande Loquillo en esta faceta

Charnego (a la manera de Gato):

Cantada en dos idiomas, Catalán y Castellano, Loquillo reivindica a todos aquellos que llegaron a Cataluña en los años sesenta en busca de un futuro mejor y le hace un homenaje a ritmo de rock-rumba magnifico, de nuevo acompañado de Gabriel Sopeña, crea una canción pegadiza e incluso bailable demostrando que para reivindicar no hay que ponerse aburrido y trascendental.

Barcelona ciudad:

Cancion emblematica de Loquillo que luego se convirtio en el titulo del libro de sus memorias de juventud cuando corria por la ciudad en busca de labrarse un futuro y con ganas de comerse el mundo, un homenaje crudo a su ciudad en esta cancion que no entiendo como no ha conseguido mas relevancia.

Aquí en Barcelona ciudad 
tu sueño no se hará realidad. 
Ardiendo en tu habitación, 
sentado en cualquier rincón, 
esperando con pasión 
tus dos de Rock'n Roll. 

Aquí en Barcelona ciudad 
harto ya de esperar 
a una chica irreal 
en Barcelona ciudad. 
Amor es una palabra casual 
y el sexo un juego más 
en Barcelona ciudad.



miércoles, 12 de diciembre de 2018

La música en historias: Slash "El Guapo"

Slash





     Corría el año 1985, y "Slash" forma parte de la banda "Hollywood Rose" (antesala de la mítica formación Guns & roses). Pero Slash que no esta muy contento con la formación, decide realizar numerosos castings buscando una banda donde tocar. Es entonces cuando se le presenta una oportunidad de audicionar para el famoso grupo de Glam-Metal "Poison" que por entonces estaba teniendo mucho tirón. La cuestión era que el guitarrista de la formación original, Matt Smith dejaba Poison, pues su novia se había quedado embarazada y quería disponer de más tiempo para dedicarlo a su familia.

     Según versión del propio Slash, éste coincide con Matt, el cuál le sugiere que pruebe con el grupo Poison ya que él va a dejar el grupo, a lo que Slash accede pues quiere mantenerse en el panorama rockero. Una vez realizada la audición queda claro que es el favorito para entrar en la banda. Durante una de estas audiciones se le pregunta que tipo de vestimenta iba a usar, y si estaría dispuesto a maquillarse, lo cuál a Slash no le hace ni pizca de gracia. Posteriormente en otra de esa audiciones Slash se cruzó con el que a la postre sería el elegido para cubrir el puesto de guitarrista de la banda, C. C. Deville, el cuál iba todo maquillado y con el pelo todo lacado.

    Según fuentes de miembros del grupo Poison, reconocen que Slash era un músico increíble, pero no querían a un supervirtuoso, y consideraron que C. C. Deville encajaba mejor para el grupo.

    Quizás se decantaron por C. C. Deville porque sabían de las reticencias de Slash a maquillarse y cambiar su look, quizás simplemente porque es cierto que C. C. encajaba mejor con el grupo como ellos afirmaban. Eso solo lo saben los protagonistas de la historia, pero yo me alegro de que Slash no acabase en Poison, porque nos lo hubiéramos perdido con el grupo "Guns & roses", y ahí si que encajaba, y como encajaba....................





La musica en el cine: Vangelis - Carros de fuego

En la entrega de hoy nos vamos a Grecia a hablar del que es sin duda uno de sus compositores mas reconocidos a nivel internacional, nos estamos refiriendo a Vangelis, el autor de varias bandas sonoras muy conocidas por el publico en general como son Blade Runner, 1942 la conquista del paraíso, la serie Cosmos de Carl Sagan y sobre todo de la que hablaremos, Carros de fuego.



Vangelis a principio de los años ochenta ya se había hecho un hueco como compositor en el cine, si bien había compuesto la música para mas de diez películas, todas del circuito independiente, y fue a principio de esa década cuando Carl Sagan decidió incluir varios de sus temas en su archiconocido documental, Cosmos, un viaje personal. El éxito de esa serie le catapultó a la fama y el director británico Hugh Hudson que por aquel entonces estaba preparando una película sobre los atletas británicos que estaban preparando los juegos Olímpicos de París 1924 y después de escuchar la música realizada en 1977 por Vangelis en "Ópera sauvage", un documental sobre animales del realizador Frédéric Rossif, pensó que su estilo particular le vendría muy bien a su film, a pesar de que le advirtieron que el sonido de sintetizadores tan particular y tan presente en la obra del compositor, no podría casar muy bien con la época en la que se desarrolla el film, los años 20 del siglo pasado, pero finalmente se impuso el criterio del director y Vangelis compuso con sintetizadores el célebre tema que suena en los primeros minutos de la película donde se muestran a los atletas, en cámara lenta, entrenándose descalzos en la playa. Dicha escena fue filmada en la costa este de Escocia, en una pequeña pero importante ciudad de ese país, St. Andrews, ubicada en el condado de Fife. El tema alcanzó tal popularidad que logró llegar al puesto número 1 en el listado de sencillos de las 100 calientes de Billboard, la semana del 8 de mayo de 1982. Ademas obtuvo el premio Oscar a la mejor Banda Sonora en 1981, derrotando al mismísimo John Williams que estaba nominado por su trabajo realizado para Spielberg para la película "En busca del arca perdida".



Vangelis, nacido el 29 de marzo de 1943 y cuyo nombre real es Evangelos Odysseas Papathanassiou, empezó su carrera en bandas de rock progresivo de su país en los años 60 que tuvieron cierto exito, pero discrepancias provoco su disolución. Ya en los 70 se dio a conocer por su carrera en solitario, especialmente gracias a sus álbumes de música electrónica llegando a construir sus propios estudios de grabación, a los que bautiza como Nemo Studios.20​. Los años 80 fue su época dorada en el cine, pero temiendo la posibilidad de quedar encasillado como músico de bandas sonoras, Vangelis decide no publicar comercialmente todos sus trabajos para el séptimo arte. Ya en los noventa, el músico explora la combinación de ambientes urbanos con el minimalismo electrónico, de su carácter da testimonio la pieza Good to See You que en sus primeros 23 segundos sólo consiste en ruidos de ciudad, pero rápidamente gira y tiene un mayor acercamiento a los esquemas compositivos y la gravedad de la tradición clásica, sin insistir tanto en la creación de música experimental como hiciese previamente. Ya entrado el siglo XXI fue protagonista de la composición de un tema que sirviera de himno para la misión no tripulada a Marte en 2001: Mars Odyssey. En 2002 se publica el single con el himno oficial de la Copa Mundial de Fútbol de 2002 celebrada en Corea y Japón.
Ha desarrollado una carrera paralela como pintor,​ y ha realizado varias exposiciones internacionales.​ Su aporte a diversos proyectos de interés cultural le han afianzado como una personalidad de considerable peso mediático especialmente en su Grecia natal. En su honor la Unión Astronómica Internacional dio su nombre a un asteroide: el (6354) Vangelis.



lunes, 10 de diciembre de 2018

Canciones que no soporto: Layla (Unplugged), Eric Clapton

Eric Clapton, Unplugged


     Corría el año 1970, y Eric Clapton decide formar una nueva banda de Rock. Para tal aventura además de él a la voz y la guitarra, decide contar con Bobby Whitlock a los teclados, Carl Radle al bajo, y jim Gordon a la batería. Por cosas del destino Clapton conoce poco después  a Duane Allman y acaba fichandolo para este proyecto (pero eso es otra historia), quedando conformado el grupo con estos cinco músicos. 

     El grupo se acaba llamando "Derek and The Dominos",  y ese año edita el único disco que cuenta en su haber , "Layla and Other Assorted Love Songs", que si bien no obtuvo unas ventas muy buenas, si fue muy bien recibido y valorado por la crítica. 

     En ese disco podemos encontrar el tema llamado "Layla", compuesta por Clapton y el batería Gordon, está basado en la historia de un poeta clásico persa llamado Nezami, que cuenta la historia de una princesa que es obligada por su padre a casarse con una persona diferente al joven que realmente ama. Clapton junto con Gordon, compuso este tema para referirse a Pattie Boyd, quien por aquel entonces era la mujer de George Harrison, de la cuál estaba enamorado y con la que se casaría posteriormente. Un tema con mucha historia, interpretado por dos guitarristas geniales, Clapton y Allman.

     El tema original es para mí una auténtica Delicatessen, una obra maestra. Es un tema que a lo largo de su historia ha sido versionado en multitud de ocasiones. En 1992, Eric Clapton rodeado de un pequeño grupo de público, en los Bray Studios de Windsor (Inglaterra), graba y despues edita un directo totalmente acustico titulado "Unplugged", un buen disco que además tengo en vinilo, y que tiene piezas muy buenas como por ejemplo una versión del "Walkin' Blues de Robert Johnson, la versión de San Francisco Bye Blues, o la delicada Tears in Heaven, compuesta en honor a su hijo fallecido.

     En este disco también se encuentra una versión acústica de "Layla", versión que nunca me ha acabado de entrar. En la versión original las guitarras de Clapton y Allman se salen, y  la historia es contada con una desgarradora fuerza, lo que lo convierten en un tema brutal, magistral,  mientras que para mí, a la versión del Unplugged de Clapton le falta todo, el tema me resulta insípido, se carga la magia de un tema espectacular...........

viernes, 7 de diciembre de 2018

La música en historias: Coque Malla "Irrepetible" 6-12-2018


Ayer la noche estaba fría en Madrid, y aún más a la orilla del Manzanares, mientras esperábamos la cola para entrar a la Riviera para el concierto de despedida de la gira "Irrepetible" de Coque Malla. 

Un guardia de seguridad de nacionalidad cubana se ganó a todos los que esperábamos con su buen humor y amabilidad durante la espera, haciendo de ese rato previo algo más cálido y amigable.

Daba constantemente instrucciones a las filas para un correcto acceso, con buen humor y gracejo como cuando pidió el DNI a una chica, y al comprobar que era menor de edad, le puso un sello para que no le sirvieran bebidas alcohólicas en el interior mientras bromeaba cantando: "Se acabó la fiesta, lo siento porque tenemos una colección de rones muy buena dentro, pero tengo que ponerte este sello".

La chica iba con su familia y todos bromearon sobre aquello. Ese era el ambiente que se respiraba en los aledaños de la Riviera, gente que ha crecido al calor de las canciones de Coque Malla, y que se las han puesto a sus hijos adolescentes hasta conseguir ese momento mágico en el que un hijo te acompaña a un concierto.


Gente en parejas, en grupos, tomando cervezas en los bares de los alrededores, sin malas caras cuando les dijeron que no podían entrar bocadillos al recinto, nada podía estropear un momento que tenía que ser "Irrepetible".

Y lo fue. Pocos minutos pasaban de las 21,30h cuando la banda entró decidida al escenario, entre la euforia y los aplausos del público que llenaba la Riviera. Los músicos fueron ocupando su lugar, Coque el último para lograr el subidón máximo en el arranque del primer tema. Escenario austero, el telón clásico de la Riviera y tres grandes lámparas de pié como único atrezzo. No hacía falta más, la música y las canciones eran las protagonistas.

La sección de viento ocupaba el centro del escenario en segunda línea, desplazando a la batería a la parte derecha del escenario. Esa segunda línea la completaban los teclados en la parte izquierda. En primera línea, guitarra eléctrica y bajo a los dos lados del escenario, con Coque Malla liderando en el centro y cambiando de guitarra en función de cada tema.

Arrancaron con un instrumental muy marcado por la sección de viento, que dió paso a un tema que no esperábamos en el repertorio, "Este es el momento", de la genial película Campeones. Enlazada con ésta, atacaron la que esperábamos como inicio, "Escúchame", en la que Coque fue presentando uno a uno a los músicos para acabar con un "Yo soy Coque Malla, bienvenidos!!!!", mientras el tema explotaba en su parte instrumental.

Arranque de Big Band al que siguió una revisión del "She's my baby" de La hora de los gigantes, disco de la semana 103 en 7 días, 7 notas (ver reseña en "Disco de la semana").


Cambio a guitarra acústica para uno de los grandes momentos de la noche, con todo el público cantando esa maravilla de estribillo de "La señal", a la que siguió la única canción que rescató de su disco de debut en solitario, "La mujer sin llave", convertida en pieza relevante del repertorio desde que la puso como apertura del proyecto "Mujeres".

La temperatura volvió a subir con el tema que da título a su "Último hombre en la tierra", una de las canciones que dan fe de la madurez que Coque ha alcanzado en las letras y la música. La falta de una orquesta para acompañarla no mermó las fuerzas de una canción grande, que sabe a circo y a titiriteros y al mismo tiempo es una declaración de amor y añoranza de los buenos momentos.

Las canciones se iban sucediendo, la banda en forma, Coque mostrando sus dotes escenográficas en los gestos y la intensidad del recitado de "La Carta", mostrando su lado más cercano y simpático en la explicación del origen de "Berlín", y regalándonos la segunda sorpresa de la noche repescando "El sombrero", del disco "Sueños" que como el buen vino se ha hecho cada vez mejor con los años.

La banda y Coque mostraron después su gusto por el blues en "Todo el mundo arde", antes de disparar la tercera sorpresa, una tremenda versión de "El equilibrio es imposible" de Los Piratas de su gran amigo Iván Ferreiro. Aquí comentó Coque que las canciones estaban ahí fuera, solo había que poner empeño en escucharlas y atraparlas, pero esa se le había escapado y se la había llevado antes "el gallego".

Llegó entonces el turno de recordar a los Ronaldos, con una inesperada e intensa "Quiero que estemos pegados" y con la esperada "Guárdalo" de nuevo a dúo con la única colaboración de la noche, Dani Martin.

Vuelta al último disco con "Cachorro de León", y sobre todo con esa joya absoluta que es "Pétalos, sonrisas y desastres". Esta si que la atrapaste en el sitio en el que se ocultan las canciones, Coque!!!!


Momento de coger aire, sentarse en una banqueta, y atacar temas más tranquilos como "Una moneda" o "Hace tiempo", con el público entregado a esa rareza ranchera de su repertorio. Un espejismo de tranquilidad, porque después sonaron las primeras notas de "No puedo vivir sin ti" y la Riviera se volvió loca.

Con un sorprendente "Despierto" Coque se despidió del público antes de los bises, un trío formado por la increíble "Hasta el final", la pegadiza "Lo hago por tí" y ese monumento en el que se ha convertido "Me dejó marchar" con su constante crecer en cada escucha.


Y con eso Coque nos dejó marchar. Volvimos a la fría noche madrileña, extasiados de música pero con ganas de más, con la sensación de haber vivido efectivamente un momento irrepetible, que ojalá volvamos a repetir.
Comentó que el siguiente paso sería encerrarse a componer, esperaremos atentos pero hasta entonces, como dijo el guardia de seguridad de la entrada: "Se acabó la fiesta". No hay más rones que tomar ni canciones que escuchar, nos vamos con el sello de la música que Coque nos dejó grabado.