Bruce Springsteen - Letter for you (Mes Bruce Springsteen)

 

Vamos con el vigésimo álbum de estudio de la carrera de Bruce Springsteen, una gozada poder recibirlo y sobre todo escribir sobre esta joya que nos ha dejado.

 

Arrancamos con “One minute you´re here” la pausa como argumento, recita la canción melancólico, y es que Springsteen cuando canta en base a los recuerdos de la infancia de Springsteen, de ser un guitarrista adolescente en su primera banda, de los talismanes que ha coleccionado, de encontrar su camino en el mundo y de la muerte de sus amigos, ha escondido su corazón rebelde y rockero y le sale la vena Dylan que desde el principio le ha empujado y aquí arrastra las palabras como un veterano de la música country con la guitarra acústica y las cuerdas, pero no penséis que es cosa de la edad, Springsteen ha estado cantando sobre la difícil situación del hombre durante tanto tiempo que toda su carrera y su trabajo es sentir el pulso de Estados Unidos y, con la única manera que sabe hacerlo acompañarles. En este tema parece que la generación que nos va dejando poco a poco nos advierte de que se acercan tiempos difícil y que tocará bajar de nuevo al rio. Pero Bruce no nos va a dejar mientras le quede un pulso que da y nos va a acompañar en este camino poniéndonos a tono “Letter to you”, donde la E Street vuelve a brillar y a lanzar sus huracanes en forma de notas musicales, y te saca de la siesta y te pone a saltar y no te deja descansar, parece que te dice ya has reflexionado demasiado con el primer tema sal a la pista y vuelve a dar saltos en la cama y a tirarte por el suelo enloquecido, y es que no para, nos puso a cien y se vuelve a desatar la tormenta con “Burnin Train” la pista más vibrante del disco y hace justicia a su nombre, tan peligrosa como un tren en llamas, dominada por la gran batería de Max Weinberg, que a pesar de sus 69 años todavía suena increíblemente vigorosa. “Jamey needs a shooter” fue escrita originalmente para Darkness On the Edge of Town en 1978 y ahora es tan actual que parece hecha adrede para este 2020, clama con fuerza la voz como hace 40 años, y su coro en el estribillo nos pone el punto melancólico perfecto.

Con “Last man standing” realiza un bellísimo homenaje al comienzo de todo, a su primera banda, The Castiles mas cuando el cantante George Theiss murió seis meses antes de que Springsteen escribiera la canción. Una canción pegadiza con un buen ritmo contundente y un saxofón brillante, un gran tema. “Power of Prayer”, aunque puede ser un himno a las alegrías de la vida de la banda y la música en vivo, es una canción bastante flojita y demasiado tópica para ser de Springsteen. “House of a Thousand Guitars” es otra de las flojitas del álbum, una melodía ligeramente pegadiza y aunque la voz de Springsteen brilla, tiene un estribillo enervante y repetitivo que se pega a tu cerebro y se te queda, pero sabes que es de esas canciones que el recorrido será muy corto porque acabara machacándote y nunca vas a poder descubrir nuevos matices de primeras, buen tema, con el tiempo acabara monótona y Springteen no necesita esto. “A veces la gente necesita creer en algo tan malo, tan malo, tan malo", canta Springsteen en "Rainmaker", que empieza tranquila pero que se va convirtiendo en una de las piezas más duras del álbum y para mí una de las joyas ocultas del mismo, con un mensaje muy fuerte sobre nuestra susceptibilidad eterna a los estafadores y vendedores de humo, personas que se aprovechan de nuestra desesperación y cuando tu moral no está como te gustaría. "If I Was the Priest" es otro de los temas grabados cuando Springsteen estaba en su fase de "New Dylan" antes de su debut en 1973 en Greetings From Asbury Park, Nueva Jersey  y se nota en todo lo que rezuma la canción, ese espíritu de los 70 y ese inconformismo y ese querer hacer lo mejor para la sociedad. Un gran tema

Y Jesús está de pie en la puerta con

una chaqueta de piel de ante, botas y espuelas tan finas que

dice: "Te necesitamos, hijo, esta noche en Dodge City

porque hay demasiados forajidos

tratando de trabajar en la misma línea"

 

Llegamos a “Ghost” de lo mejorcito del álbum, otra canción que te hace creer que el amigo Springteen va a estar supurando talento hasta el último momento, y es que se marca un número de rock operístico y lo clava perfectamente. Estas preparado para recibir una inyección de adrenalina en el corazón, una canción que pide a gritos que la lleven a la carretera y la griten frente a 120.000 fanáticos en un estadio gigante. “Song of Orphan”, es el tercer tema que escribió allá a primeros de los 70, suspiros de otro tiempo, de otra época, con un aroma a lo mejor de lo que fue la americana de finales de los 60 y los 70 con Dylan y The Band como grandes inspiradores, en esta oportunidad llevadas al terreno de la E Street Band. Esa armónica en Orphans podría clavarse como una estaca hasta en el espíritu de los más ateos. Springsteen explorando temas que le preocupaban y sigue preocupando: la búsqueda de la fe y el valor de la comunidad. Una auténtica delicatesen. La canción final, "I'll See You in My Dreams", es algo parecido a una canción de cuna, pero, aunque se llora una pérdida, también se encuentra consuelo en lo vivido

Cuando todos nuestros veranos hayan llegado a su fin

Te veré en mis sueños

Nos encontraremos, viviremos y reímos de nuevo

... Sí, en la ribera del río

Por que la muerte no es el final.

 

El disco de la semana 197: Los Suaves - Ese día piensa en mí

Ese día piensa en mí 

 

     Para hablar de Los Suaves tenemos que remontarnos a la década de los 60, donde tres hermanos procedentes de Ourense, Yosi, Charli y Javier inician cada uno su camino para labrarse un futuro, pero el destino es caprichoso y hará que los tres se junten para crear una de las mejores bandas de rock que ha dado nuestro país. 

Los tres se crían bajo la tutela de su padre Manuel, quien regenta un comercio de tejidos, y Luisa, que ejerce de maestra en un pueblo. Yosi, el mayor de ellos desde siempre se mostró como el mas rebelde de los hermanos, decide que no quiere seguir estudiando y se deja el pelo largo, y tras andar aquí y allá se prepara y consigue aprobar unas oposiciones a Subinspector de Policía Nacional. Es conocido su interés por la musica y la lectura, y también empieza a tocar la guitarra y la armónica. En su primer destino, Barcelona, mantiene una relación con una chica californiana, con la que viaja durante un par de veranos a Estados Unidos, lo que le permite vivir de cerca la cultura y la música americana. Por otro lado Charli decide dejar los estudios para trabajar en el comercio familiar y empieza a tocar la guitarra, para más tarde comenzar a realizar colaboraciones en Radio Ourense, y posteriormente en Radio Cadena, radio que luego es absorbida por Radio Nacional y pasa a llamarse Radio 4. Llega el año 1980 y Javier que acaba de terminar sus estudios universitarios regresa a Ourense, donde se reencuentra con Charli que vive allí, y con Yosi que se ha trasladado también Ourense. Charli consigue una casa en una aldea abandonada donde los tres se juntan y pueden ensayar sin ningún tipo sde problema.

A los tres hermanos se une Ángel Ruiz Cabezas, y ya como cuarteto realizan su debut en abril de 1981 en una discoteca de Ourense llamada Long Play. El grupo va fogueandose concierto tras concierto y el 13 de noviembre de 1981 les llega su gran oportunidad, telonear a Los Ramones, una oportunidad que Yosi (vocalista), Charli (bajista), Javier (batería)  y Ángel (guitarrista) no desprovechan. El grupo además adquiere la idea de utilizar el logo del famoso gato al ver el logo del águila de Los Ramones. 

La banda crece y a ella se une otro baterista, Carlos Costoya y el guitarrista Montxo Costoya, quedando el grupo compuesto por seis componentes, dos de ellos baterías. Con esta formación publican su primer disco en 1982, Esta vida me va a matar. En 1984 el grupo ha sufrido cambios y esta formado por Yosi (voz), Charli (bajo), Pepe Losada (guitarra), Hermes Alogo (guitarra) y Tino Canolas (batería), y publica su segundo disco de estudio, Frankestein, un disco que pasa absolutamente inadvertido, lo que provoca otra vez cambios en un grupo que corre peligro de desaparecer. El grupo sigue apretando los dientes y decide seguir tirando para adelante, y así Yosi (voz y armónica), Charli (bajo), Montxo Costoya (guitarra) y Hermes Alogo (guitarra) graban en 1988 en  los estudios Eolo de Gijón el que supondrá el tercer disco de la banda, Ese día piensa en mí, el disco recomendado para la ocasión para la aventura de 7dias7notas.

Para la grabación del disco cuentan con la colaboración del baterista Alejandro Cano, ya que en ese momento no tienen uno, y con la colaboración del guitarista Alberto Cereijo en el tema  No puedo dejar el Rock. Este disco marcará un antes y un después en la banda, pues les catapulta al éxito que tan esquivo les ha estado siendo. El grupo pone de manifiesto con este álbum que es capaz de moverse entre el rock duro y el rock urbano como pez en el agua y mezclar ambas vertientes con una facilidad y una calidad asombrosa. La música y las letras son obra de Yosi que se destapa como un gran letrista, no en vano es apodado "El Poeta", pues sus composiciones tratan temas como los problemas del día a día, el amor, la muerte, las mujeres, la noche ó el fracaso, y además con el tiempo va evolucionando y dotando a estas de una gran profundidad. 

Abre la traca de este discazo ¿Sabes? ¡Phil Lynott murió!, temazo dedicado a la figura del gran Phil lynott, que habia fallecido en 1986, y es que Los Suaves siempre se han declarado fieles admiradores de Thin Lizzy y la obra de Phil Lynott. Tema donde Yosi nos regala un sentido y maravilloso homenaje y donde las guitarras de Montxo y Hermes con sus riffs nos recuerdan a los irlandeses. No nos hemos repuesto del gran comienzo y le llega el turno a otro de sus grandes temas de siempre, Dolores se llamaba Lola, míticos esos riffs salvajes de guitarra y mitica la historia de Lola, quien lo ha tenido todo y al final acaba sin nada, canción que forma parte por derecho propio de nuestra historia de la música. Sólo pienso en dormir, donde nos demuestran que también saben hacer temas de corte festivo y con aires humorísticos. Nena, te voy a dejar, turno para la balada del disco donde Hermes y Montxo realizan un gean trabajo con las guitarras y Yosi nos muestra su lado más poético y sentimental, otro temazo. No puedo dejar el Rock, otro himno de la banda donde Yosi lanza una oda a nuestra gran pasión, la música. Es además el tema más cañero del disco, pues cuenta además con la colaboración de Alberto Cereijo, quien contribuye con su guitarra al endurecimiento del sonido del grupo. Ese día piensa en mí, tema que da título al álbum, rock básico, directo y al grano, junto con el tema anterior otro de los temas más duros del disco y donde más se acercan al Heavy metal. Buen suceso, tema donde se notan las influencias de la NWOBHM (Nueva Ola del Heavy Metal Británico) y que irán explotando con mas asiduidad en discos poateriores. Río y no sé por qué, tema donde hacen un guiño y explotan con mucho acierto el rock urbano. Y cierra el disco Camino de una dirección, que supone la guinda del pastel, un acelerado rock & roll con la banda desatada y Yosi dándolo todo a los mandos vocales. 

Ese día piensa en mí es un disco imprescindible en la historia del rock español y que supuso además el despegue y reconocimento de una banda que trabajó y ha trabajado muy duro para ganarse un hueco por derecho propio en el Olimpo del Rock español. 

"Siempre Suave"

BRUCE, BRUCE, BRUCE!!!! (Mes Bruce Springsteen)

Es un honor para nosotros compartir un texto que nos ha dejado el Jose Miguel Merino (Twitter: @jmerino11 ) ,presidente de los premios George de cine,  redactor del blog Habladecine y como mas de una vez nos ha confesado un devoto fan de Bruce Springsteen, el cine y el buen fútbol, esta es su historia.....

Mi conexión con Bruce comienza prácticamente desde que fui engendrado, ya que buena parte de mis 9 meses en las entrañas de mi madre, Trinidad, coincidió con los meses en los que Bruce gestaba su primer álbum, Greetings from Asbury Park, NJ, en los estudios 914 Sound, y quise venir al mundo el 22 de Diciembre de 1972, tan sólo un par de semanas antes de que Columbia Records lo lanzase al mercado. En ese primer álbum, había temas que siguen sonando con mucha fuerza, como Growin Up, Spirit in the night, o la recientemente más famosa, gracias a la magnífica película del mismo nombre, Blinded by the light.

Con el transcurrir de la infancia, nuestros caminos se separaron, aunque creo recordar escuchar The River en algún momento de mi infancia, con 8-9 años, ya que a mi padre, Alejandro, que nos observa desde el cielo desde hace algo más de un año ya, le gustaba también Bruce, y es un tema que además de ser una de las mejores baladas escritas nunca, no se porqué, pero recuerdo con mucho cariño, posiblemente tendré que hacer alguna vez hipnosis regresiva para llegar a descubrir cuando y donde la escuché por vez primera…

Pasaron unos años tan sólo, 2-3, y con 12 me llega el primer recuerdo más firme que tengo de Bruce; a mi hermano, Carlos, pidiéndole a mi madre que le comprase para su cumpleaños el disco del tipo con el pantalón vaquero, y le costó bastante conseguirlo, pero al final entró Bruce en casa, por todo lo alto, y he de decir que fue un vinilo muy usado, incluso fue pinchado en varias ocasiones durante las fiestas colegiales de aquel año, pero poco a poco fue cayendo en mis manos, ya que mi hermano comenzó enseguida a girar a unos gustos musicales más hard, y esa joya, el último con material nuevo que grabó Bruce en estudio con la E-Street Band, hasta este 2020, quedó para siempre ya en mi colección, que iría completando año tras año, con avidez, con cada disco que veía la luz, Tunnel of love, el doble lanzamiento Human Touch+Lucky Town, Tom Joad, The rising…. Y un largo etcétera.

Pero, por mucho que me gustase la música de Bruce, la fusión no estaba completa, por muchos discos que tengas, por mucho que los oigas, por mucho que te aprendas sus letras, las entiendas o no, que lo cantes en el salón de casa, o mientras estudiaba muchas noches con su música en los cascos del discman… en el interior faltaba una chispa, un algo, sin el cual no has llegado al máximo de la relación con Bruce, vivir un concierto en directo.

E-Street Band, Reunion Tour (Barcelona)

Esa chispa se produjo en 1999, durante esa mítica gira con la E-Street Band, la Reunion Tour, esa gira de los 15 conciertos seguidos en East Rutherdorf, NJ, la del cierre de gira con los 10 llenos seguidos en el Madison Square Garden en NY. Durante esos 15 meses de conciertos, que empezaban en Barcelona, un 9 de Abril de 1999, y acabarían en el Madison el 1 de Julio de 2000, el destino, caprichoso como nunca, quiso que una parada fuera en Zaragoza, mi ciudad natal, en el estadio municipal de La Romareda, el teatro de los sueños futbolísticos aragonés (con permiso de mis amigos oscenses). En ese momento, durante 3 horas, el mundo se para, y todo gira en torno a un predicador del rock y el soul, que junto a su banda celestial, la E-Street, elevan, siempre, a un entregado público, a cotas inimaginables de pasión, éxtasis, diversión…Cantos, gritos, saltos, todo da igual, y te fundes en abrazos con desconocidos al son de himnos rockeros, que cantas como buenamente puedes. Bruce es un showman sin igual, y puede estar horas y horas, tema tras tema, manteniendo su voz, su fuerza, su carisma; al sol, bajo la lluvia, la nieve, el frío… siempre está ahí, y en todo momento parece saber lo que quieren sus fieles, su público, al que nunca falla.

A partir de ahí, más discos, más conciertos, hasta un total de 5 ya, 2 de ellos, en Barcelona, de más de 210 minutos de duración, en los que la extenuación sólo es combatida por la sangre del rock que es transferida al público por el “Ministerio del Rock”, gota a gota, en forma de canciones, una tras otra, sin apenas descanso, con momentos siempre cumbres, como cuando suena el “10th Avenue Freeze Out” dando paso a presentar a la banda, con Steve Van Zandt, Nils Lofgren, Patti Scialfa, Mighty Max Weinberg, Garry Talent, y a los para siempre recordados Danny Federici, y el Big Man, el Saxo de los ángeles, Clarence Clemons, el inseparable amigo de Bruce, que desde 2012 sería sustituido por su hijo Jake.

Rising Tour Barcelona 2002

Tras ese inicio de las hostilidades en 1999, llegaría el Rising Tour en Barcelona en 2002, con la mejor compañera posible, Maite; y 6 años después… la magia, 2008, la Magic Tour, fue algo muy especial, ya que fui con varios de mis mejores amigos Caponatos al Camp Nou, y pudimos, por azares del destino, y de mi primo Alex y un ex de los Barcelona Dragons, disfrutar de Bruce en la quinta fila, llegando incluso a chocar manos con él mientras recorría incansable los pasillos del escenario, buscando el contacto siempre con sus seguidores, y a la búsqueda de coger carteles en los que le piden la próxima canción a tocar. Luego llegó el Wrecking Ball Tour, de nuevo en Barcelona en 2012 con mi inseparable JR, y el The River Tour, también en Barcelona en 2016… Todos ellos inolvidables.

Magic Tour (Anoeta)

Y ahora ya en 2020, con 47 tacos, por 71 de Bruce, y en pleno annus horribilis, cuando nos encaminamos a un final de año negro, en medio de la segunda ola de la triste pandemia que nos toca vivir desde Febrero; Bruce decide que es momento de lanzarnos una carta para todos nosotros, escrita en 2019, y grabada en Noviembre pasado durante 5 intensos días, con toda la E-Street Band, tocando todos en directo al unísono. El disco es una maravilla, un discazo, con 9 temas nuevos, y 3 escritos antes del Greetings, “If I was a priest”, “Janey needs a shooter” y “Song for Orphans”, y las 3 se intercalan a la perfección entre las 9 nuevas. Estas nuevas canciones, que Bruce empezó a escribir tras la muerte de George Theiss, el último miembro vivo de la que fue su primera banda de rock, The Castiles, y al que dedica muchos momentos del disco, en especial “Last man standing”; tienen todo lo que cualquier fan de Bruce podía esperar hace años, es pura música reconocible del sello Bruce+E-Street, pero sin ser repetitivo. Temas en los que homenajea a sus fans, como “House of a thousand guitars”, a la E-Street Band, “Ghosts”, que es un himno absoluto al nivel de su TOP5 histórico, y a los miembros que se fueron, Danny Federici y Clarence Clemons, pero a los que no podemos dejar de ver, en la muy emotiva “I´ll see you in my dreams”… merece mucho la pena, es uno de sus mejores discos, pero lo mejor, como casi siempre, aún está por llegar, y esperamos que sea en 2021, ó en 2022, cuando volvamos a encontrarnos en algún estadio, y los recibamos a todos al grito de “BRUCE, BRUCE, BRUCE”…

Bruce Springsteen - Wrecking Ball (Mes Bruce Springsteen)

 

Wrecking Ball #MesBruceSpringsteen 

En los Estados Unidos, hay una promesa que se llamada "el Sueño Americano", que es el deseo a poder vivir tu vida con algo de decencia y dignidad. Pero ese sueño solo es cierto para muy, muy, muy pocos personas. Parece que si no naciste en el lugar correcto o si no vienes de la ciudad correcta, o si crees en algo que era diferente de la siguiente persona, con esas palabras, Bruce Springsteen resumió todo su espíritu, buscar el Sueño Americano y quedarse corto y luego buscar un poco más, durante una época de desempleo desenfrenado y desigualdades económicas inquietantes. Era el año 1981. Sí, Bruce ha estado aquí antes.

En ese entonces, Springsteen expresó su creciente conciencia política, así como las historias sin salida de sus amigos en la pequeña ciudad de Nueva Jersey con las crudas historias de Nebraska. con sus personajes privados de esperanza tratando sombríamente de reconciliar sueños desvanecidos con las realidades frente a ellos. El álbum es un trabajo empático en el que la desilusión de Springsteen lo atraviesa, ofreciendo un sello personalizado en America's Promise y lo que sucede cuando ese vínculo se debilita.

Pero el Bruce Springsteen de hoy, si bien el Estado de la Unión puede sentirse familiarmente inestable, Bruce Springsteen está atacando la hipocresía, la codicia y la corrupción de su país de una manera completamente diferente en su 17 ° álbum de estudio, Wrecking Ball. La palabra clave es "ataque". Varias canciones aquí son polémicas de un hombre que ha sido traicionado demasiadas veces. "Si tuviera una pistola, encontraría a los bastardos y les dispararía a la vista", amenaza en "Jack of All Trades", mientras que nada menos que el sonido de un disparo de escopeta se escucha en el clímax de "Death to My Hometown". Quizás inspirado por las canciones populares que cubrió en We Shall Overcome: The Seeger Sessions de 2006, Springsteen llena la primera cara de Wrecking Ball con su propia música de protesta. Como casi todo lo que Bruce hace, es un gesto noble (el biógrafo Dave Marsh lo calificó como "el último de los grandes inocentes del rock" en la década de 1970, y el título aún se mantiene), pero también puede sonar equivocado.

Con Nebraska Springsteen estaba actualizando la tradición de la música folclórica americana, fuera esa su intención o no. El récord era insular y personal, que se ajustaba a sus tiempos cada vez más fragmentados. We Shall Overcome fue un retroceso común, pero revitalizó su polvoriento material de origen con actuaciones enérgicas y un aspecto accesible que a menudo se ha eludido a Springsteen durante las últimas dos décadas. Pero en Wrecking Ball, sus raíces musicales se remontan a las trampas de la Guerra Civil, los aullidos del gospel.

Parte de esto se puede atribuir a la producción del álbum, que, como casi todo el material posterior a Tunnel of Love de Springsteen, encuentra continuamente una forma de profesionalizar la crudeza de sangre azul del cantante. Si bien algunos E Streeters hacen cameos aquí y allá, la mayor parte del álbum fue interpretada por Springsteen y el nuevo socio de estudio Ron Aniello, cuyos créditos anteriores incluyen a la esposa de Bruce, Patti Scialfa, junto con Candlebox, Guster y Barenaked Ladies. La producción no es un desastre, pero la mayoría de las florituras estilísticas pueden parecer efectistas o, en el peor de los casos, como lecciones de historia seca; los cuernos parecidos a "Taps" en "Jack of All Trades" podrían estar anunciando el propio funeral de la canción, y un solo de guitarra final sorprendentemente suave de Tom Morello no ayuda en nada. También existe la sensación de que Springsteen y Aniello están tratando de encubrir algunas de las deslucidas composiciones del álbum.

Springsteen nunca cayó en el nihilismo del punk en su apogeo, sino que optó por imágenes más completas y ambiguas de los problemas de la clase trabajadora estadounidense. Así que es extraño escucharlo criticar a los de "Banker's Hill" en el tipo de términos en blanco y negro que continúan plagando y dividiendo a su país de origen. No quiere decir que tenga la obligación moral de contar la historia del banquero (no la tiene), pero su furia arremetida lo supera en gran medida (y su escritura) en la primera mitad de Wrecking Ball, de los simplistas ladrones de "Easy Money". "a la caracterización demasiado amplia de "Jack of All Trades". Para Springsteen, la Promesa siempre ha sido una noción compleja y hay belleza en los enredos. Nada es fácil, ni alegría ni venganza. Siempre hay repercusiones, siempre un segundo, tercer y cuarto pensamiento detrás de cualquier acción dada. "El camino de las buenas intenciones se ha secado como un hueso", canta en el abridor "We Take Care of Our Own", y lamentablemente la petición se lleva a cabo a través de las primeras cinco canciones del disco.

En ese sentido, la mitad trasera de Wrecking Ball actúa como una especie de misión de rescate, para el alma de Springsteen y para el álbum en sí. Las dos mejores canciones están aquí, y no es coincidencia que sean las melodías más antiguas del grupo, las que fueron escritas con la E Street Band completa en mente. Ambos, "Wrecking Ball" y especialmente "Land of Hope and Dreams", también cuentan con los inconfundibles sonidos de saxo de Clarence Clemons, quien falleció el verano pasado. Ese peso emocional agregado ciertamente contribuye al peso de estas canciones, pero también lo hace el hecho de que encajan con la misión de toda la vida de Springsteen de una manera que el resto del álbum no lo hace. "Wrecking Ball" se escribió originalmente para rendir homenaje al Giants Stadium de Meadowlands en 2009, cuando Springsteen y la E Street Band tocaron los conciertos finales del lugar. Y, de hecho, Springsteen personifica el estadio en la canción: "Me criaron de acero aquí en los pantanos de Jersey hace unos brumosos años", comienza. Ahora, esto puede parecer un poco tonto y aleatorio. Pero tenga en cuenta que Giants Stadium se estaba levantando en el estado natal de Springsteen justo cuando su propia carrera despegaba en la década de 1970, y que abrió el Brendan Byrne Arena de Meadowlands (ahora el Izod Center) con seis espectáculos con entradas agotadas en 1981. Estos cascos de acero significan mucho para Springsteen, son su púlpito. Y sobrevivir a uno de ellos no es poca cosa. 

A lo largo de los seis minutos de "Wrecking Ball", Springsteen recuerda sus extensos arreglos de antaño y lo marca con un puente glorioso que reconoce la mortalidad del jugador de 62 años y, al mismo tiempo, la desafía. "Trae tu bola de demolición", canta, una y otra vez, disfrutando de la alegría de este final.

"Land of Hope and Dreams", escrita en la época de la gira de reunión de E Street en 1999, sigue su ejemplo: tiene siete minutos y cuenta no con uno, sino con dos solos de Clemons. (En el folleto Wrecking Ball, Springsteen analiza el logro invaluable del dúo: "Juntos, contamos una historia más antigua y rica sobre las posibilidades de amistad que trascienden las que había escrito en mis canciones y en mi música"). Esta canción es enorme, no solo en longitud sino también en alcance, y está imbuido de una grandeza que lo abarca todo y que hace saltar la arena de la que Springsteen ha evitado en su nuevo material durante años. Continúa usando una de las metáforas favoritas de Bruce: el tren. Este es el que hablaba Curtis Mayfield en "People Get Ready" (que se llama aquí), el que el crítico Greil Marcus habló con entusiasmo en su tomo esencial Mystery Train, el que da la bienvenida a todos los estadounidenses independientemente de su clase, raza o credo. . Saliendo de la boca de Springsteen, y del cuerno de Clemons, sigue siendo un ideal conmovedor, un testimonio de esperanza cuando más lo necesitamos. Y para continuar 40 años ahora, ese es el trabajo de Bruce: recordarnos qué une a las personas cuando todo lo que nos rodea parece empeñado en demostrar lo contrario. ¿Demasiado cursi? Probablemente. Pero el verdadero poder de una canción como "Land of Hope and Dreams" reside en su capacidad para superar la timidez y el cinismo, una hazaña que es más difícil de lograr ahora que nunca. Los tiempos difíciles van y vienen, pero sigue teniendo la misma fuerza y presencia del Rock Americano. 

Daniel
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Bruce Springsteen - Lucky Town... y Human Touch (Mes Bruce Springsteen)

 

El nacimiento del primer hijo te cambia la vida, los planes, las prioridades... Y si no, que se lo pregunten a Springsteen, que en 1992 tenía ya terminado su siguiente disco, Human Touch, pero al que el nacimiento de su primer hijo le sumió en un estado de alegría y felicidad que activó además su creatividad artística, produciendo hasta quince canciones nuevas en un corto período de tiempo. La frescura y energía de aquellas canciones, en contraste con el tono más elaborado y producido del disco que esperaba a ver la luz, le hicieron plantearse la idoneidad de publicar uno u otro, o de sustituir algunas canciones por otras antes del lanzamiento definitivo. Tras varias pruebas, llegó a la conclusión de que aquellas nuevas canciones no encajaban entre los temas de Human Touch, y no porque no estuvieran a su altura (de hecho estaban muy por encima de ella) sino porque aquellas canciones tenían vida propia y unidad como posible disco.

De todas las posibles soluciones (elegir canciones para un solo disco, sacar solo uno de ellos...), Bruce Springsteen optó por la más salomónica, y la que más respetaba las diferencias entre las dos propuestas. Como ya habían hecho Guns and Roses con Use Your Illusion I y II, sacó al mercado simultáneamente Human Touch como nave nodriza... y Lucky Town como rareza, formado finalmente por diez de las quince nuevas canciones. La diferencia estaba en que los Guns mantuvieron cierta unidad en ambos discos, y la calidad de ambos hizo difícil decantarse por uno de ellos. Por el contrario, en el caso de Springsteen el disco "importante" palidecía ante el "adicional" o, dicho de otro modo, la actuación del "telonero" acabó eclipsando al grupo principal.

Human Touch había surgido de una etapa de búsqueda, en la que el Boss intentó jugar con varios estilos, añadiendo al rock de siempre algunas probaturas con el soul, el pop y el R&B, y el resultado fueron algunas canciones brillantes (Human Touch, Gloria's eyes, I wish I were blind) mezcladas con otras que se mostraron carentes de la fuerza de sus temas clásicos. Por el contrario, Lucky Town se presentó al mundo con unas credenciales tan básicas como efectivas: Canciones desenfadadas, honestas y directas, grabadas con un sonido más crudo que el de su "hermano mayor", bañadas de la intensidad y frescura que Springsteen solía mostrar en sus proyectos más intimistas e "inesperados" (Nebraska, The Seeger Sessions...)

 

Ya desde el inicio, con Better Days, Springsteen se muestra pletórico y en forma, regocijándose en el hecho de estar viviendo "días mejores". La tormenta ha pasado, desde que decidió trasladarse a Lucky Town (la ciudad afortunada), la canción que da título al álbum, y el lugar en el que planea deshacerse de la tristeza que antaño le acompañaba. El tono optimista sigue en Local Hero, la optimista descripción de uno de esos "héroes anónimos" que trabajan duro día a día en las fábricas y en los campos, antes de ofrecernos uno de los mejores momentos del disco en If I should fall behind, inspirado y sentido himno a la camaradería y la fidelidad: "Yo te esperaré... Y si me quedo atrás, espérame". Casi parece un aviso a los oyentes, porque aunque canciones como Leap of faith o The Big Muddy son también frescas e interesantes, hay que esperar a Living proof para volver a comprobar que Springsteen estaba "de dulce" en aquellos momentos.

Hay también momentos para la calma. Book of dreams tiene ese tono crepuscular y melancólico tan marca de la casa, y sus tenues teclados transitan por terrenos que ya había pisado en discos anteriores como Born in the USA o Tunnel of love, alejándose del tono eléctrico que domina el disco. Es solo un leve espejismo, porque el disco retoma enseguida el tono enérgico con The souls of the departed, provista además de una fuerte carga crítica y social ("Ahora ejerzo mi oficio en la tierra del Rey Dólar... y todas las odiosas y sucias mentiras se han borrado de los libros, y se escriben en los ojos de los hombres decentes...") y de una generosas dosis de electricidad. Un disco tan personal y directo necesitaba, para el cierre, una canción tan desnuda y honesta como My beautiful reward, otro de los (muchos) momentos álgidos de un disco que pasó casi desapercibido en su momento, escondido bajo la sombra del gigante que pretendió ser Human Touch. Y eso nos lleva a una inevitable pregunta:

 

¿Se equivocó Springsteen al sacar ambos discos de manera simultánea? Para que encontréis cada uno vuestra propia respuesta, os propongo escuchar ambos discos, y que veáis las enormes diferencias entre ellos. Las "radio-fórmulas" seguirán pinchando la canción "Human Touch", pero yo seguiré creyendo que "días mejores" están por llegar, y que en algún lugar lejano hay una "ciudad afortunada" dónde reina la alegría y la esperanza, y en la que se pueda encontrar una mejor recompensa. Si decidís ir algún día, os estaré esperando. Y si me quedo atrás... ¡esperadme!

La música en historias: Los músicos de sesión VII

 

     Vamos con la séptima entrega de la serie de reseñas que en 7dias7notas venimos dedicando a todos esos músicos que ponen sus instrumentos al servicio de los artistas ya sea en el estudio de grabación o en directo. Unos músicos en los que solemos reparar poco y que gracias a su inestimable colaboración ayudan a engrandecer más si cabe el noble arte de la música.

Iniciamos esta entrega con Duane Allman, sí amigos, el que fuera guitarrista y uno de los líderes de la mítica formación The Allman Brothers Band y que lamentablemente un fatal accidente de motocicleta en 1971 nos privó de seguir disfrutando de su grandes dotes como músico. Duane Allman crea junto a su hermano Gregg un grupo llamado The Allman Joys, y tras dos fallidos discos decide abandonar la formación y se traslada a la localidad de Muscle Shoals, Alabama, donde decide montar una tienda de campaña en el parking de los famosos FAME Studios. Su idea era estar cerca de las sesiones de grabación y de todo lo que acontecía en aquellos estudios, unos estudios que tenían la particularidad por entonces de ser un lugar donde tanto músicos blancos como negros podían trabajar en armonía sin ningún tipo de restricción ni problema. Duane Allman fue contratado por los FAME Studios y llegó a ser el principal guitarrista de sesión de los estudios, llegando a trabajar con Aretha Franklin, King Curtis, Wilson Pickett, Otis Rush, Percy Sledge, Boz Scaggs, Delaney & Bonnie y Laura Nyro entre otros. Duane ejerció como músico de sesión de los FAME Studios desde 1966 hasta 1969, año en que despegaría con The Allman Brothers Band.

Plas John Johnson Jr., Más conocido como Plas Johnson, un nombre que a priori nos puede decir poco, pues este señor es conocido entre otras cosas por su sólo de saxofón tenor que aparece en el tema The Pink Panther. Plas nace en Donaldsonville, Louisiana, Estados Unidos en 1931, y durante su infancia cantaba en un grupo que su familia tenía hasta que su padre le compró un saxofón soprano. De forma práticamente autodidacta comenzó a tocar el saxofón alto y más tarde el tenor. A finales de la década de los 40 ya grabó junto a su hermano pianista Ray con los Johnson Brothers, y realizó su primera gira en 1951 acompañando al cantante y pianista de R&B Charles Brown. En 1954 tras hacer el servicio militar se muda junto a su hermano Ray a Los Ángeles donde empieza a trabajar a tiempo completo como músico de sesión. Durante esa época graba con artistas de la talla de BB King y Johnny Otis. Poco a poco Plas se va afianzando y amasando una magnífica carrera como músico de sesión y músico de bandas sonoras de películas. Peggy Lee, Nat "King" Cole, Frank Sinatra, Beach Boys, Chet Baker, Marvin Gaye, Johnny Rivers, Ry Cooder, Boz Scaggs, Joni Mitchell, Elton John, Liza Minelli, Linda Ronstadt, Rod Stewart, Etta James, Ella Fitzgerald, Carole King, Neil Diamond ó Sam Cooke son sólo algunos de los artistas con los que ha grabado durante su carrera. Mención especial para Henry Mancini, pues fue miembro habitual de la banda de su orquesta de estudio a finales de la década de los 50 y principios de los 60, grabando el tema The Pink Panther en 1963. De hecho Henry Mancini escribió el tema pensando en Plas Johnson.

Thomas Grady Martin, guitarrista de sesión especializado en música country y rockabilly, nacido en Chapel Hill, Tennessee, Estados Unidos en 1929, y miembro del famoso Nashville A-Team, el nutrido grupo de músicos de sesión de Nashville que realizó infinidad de grabaciones para artistas durante las décadas de los 50, 60 y principios de los 70. Nació y se crió en una granja, su madre tocaba el piano y se encargó de fomentar su pasión por la música y su talento. A los 15 años ya tocaba asiduamente en la zona de Nashville, y a los 17 hace su debut discográfico grabando con los músicos Curly Fox y Texas Ruby. En 1950 Grady ya forma parte de la escena de grabación de Nashville, y no sólo con la guitarra, pues también toca el violín, instrumento con el que también graba. Elvis Presley, Buddy Holly, Don Woody, Johnny Cash, Bing Crosby, Patsy Cline, Roy Orbison, Leron Russell, Joan Baez ó JJ Cale fueron algunos de los músicos que tuvieron el privilegio de grabar con él.

Harold Simon Belsky, más conocido como Hal Blaine, nacido en Holyoke, Massachusetts, Estados Unidos en 1929. Nace en el seno de una familia judía, y en 1944, contando con 15 años sobrevive al incendio del Ringling Brohters and Barnum & Bailey Circus (el circo más grande de Estados Unidos), uno de los mayores desastres de la historia americana que se cobró la vida de 169 personas, la mayoría niños. En 1948 comienza a tocar la batería profesionalmente, y a finales de los 50 ya acompaña a un ídolo adolescente de la época llamado Tommy Sands. En la década de los 60 y forma parte de Wrecking Crew, un colectivo de músicos de sesión afincado en Los Ángeles que realizó miles de grabaciones en la década de los 60 y los 70. Podemos escuchar la batería de Blane en grabaciones de Nancy Sinatra, Elvis Presley, The Carpenters, The Beach Boys, The Monkees, Steely Dan, Simon & Garfunkel y The Ronettes entre otros. Está considerado como el batería más prolífico de la historia de rock, pues sus más de 35.000 grabaciones discográficas le avalan.

Cerramos la séptima entrega con Phil Theofilos Xenidis, más conocido como Phil X, músico y compositor graco-canadiense nacido en Toronto, Ontario, canadá en 1964. En 1982 Phil monta una banda de hard rock/hevy metal llamada Sidinex, con la que llega a grabar un EP en 1985, Forever young, poco después, en 1987 cambiría el nombre de la banda por Flip City, pero la aventura dura poquito más y el grupo se disuelve. En 1990 realiza un gira acompañando al músico Randy Coven, y el 1991 realiza una gira por Estados Unidos acompañando a Aldo Nova. Entre 1992 y 1993 toca junto a la banda canadiense de hard rock Triumph. En 2011 Phil sustituye al guitarrista Richie Sambora como guitarrista de Bon Jovi, quien se pierde 13 fechas debido a su ingreso en una clínica de rehabilitación. En 2013 vuelve a sustituir a Sambora en una gira por Estados Unidos y Europa al dejar éste la banda por motivos personales, y en 2016 se convierte en miembro oficial de la banda. Además de sus proyectos personales Phil ha tenido tiempo de labrarse una extensa carrera como músico de sesión, y artistas como Tommy Lee, Avril Lavigne, Kelly Clarkson, Orianthi, Rob Zombie, Alice Cooper, Elton John, Chris Cornell ó Adam Lambert son algunos de los que han contado con sus servicios como músico de sesión.

El disco de la semana 196: INXS - Listen Like Thieves

El disco de la semana 196: Listen Like Thieves - INXS

Hola Amigos, como todas las semanas queremos compartir un nuevo disco, y mirando todas las bandas de rock que hemos recomendado y escuchado, creo que nos hemos olvidado de una banda clásica de los años ’80, que viene de la tierra de los canguros, por ello hoy recomendaremos a los australianos de INXS.  

Y el disco que queremos recomendar es Listen Like Thieves, que es el quinto álbum de estudio de la banda de rock australiana INXS. El disco fue lanzado el 14 de octubre de 1985 y podemos decir que es uno de los mejores discos de la banda. Pasó dos semanas en el número uno en las listas australianas de álbumes Kent Music Report. Considerado un álbum de gran avance internacional para la banda, alcanzó el puesto número 11 en el Billboard 200 de los Estados Unidos, el número 24 en los álbumes canadienses RPM 100 y el top 50 en el Reino Unido.

La banda conto con un primer single que llego al top 5 de la banda en los EE. UU., "What You Need", y también le valió al grupo el premio Countdown Music and Video Award al "Mejor video" con ese single, la banda llego a conquistar el mercado americano.

Así que Listen Like Thieves, de INXS transformó su sonido de new wave a un sonido de rock más directo. Este disco fue producido por Chris Thomas, antes del lanzamiento del álbum, el grupo realizó algunos conciertos de alto perfil, incluida una actuación para el príncipe Carlos y la princesa Diana de Inglaterra, así también ocupó un lugar destacado en la versión australiana de Live Aid.

La mayoría de las canciones de Listen Like Thieves fueron compuestas por Andrew Farriss y Michael Hutchence. Sin embargo, la canción principal (Listen Like Thieves) se atribuye a los seis miembros de INXS. Con una narración dramática y una interpretación vocal efectiva, esta canción crea la atmosfera musical como de una pista de clip de película para un thriller de espías.

 “Kiss the Dirt (Falling Down the Mountain)” suena como si estuviera inspirado en la banda Roxy Music, con un enfoque sutil de ritmo y blues y voces reservadas, junto con una gran producción y arreglos. Esta pista también cuenta con una batería efectiva y constante de Jon Farriss y alcanzó el puesto 15 en la lista de singles australianos.

“Shine Like It Does” presenta una melodía suave, casi relajante junto con sintetizadores de estilo orquestal, pero “Good + Bad Times” desafortunadamente tiene un sonido anticuado de los ochenta y es una especie de relleno desechable. En contraste con "Biting Bullets" es puramente como un punk, con ligeros elementos de U2.

La pista más popular del álbum es la apertura, "What You Need", que ofrece un atractivo instantáneo y obvio con su línea de bajo sintetizado funky y rotación de guitarra junto con su mensaje optimista. La pista proporciona un gran gancho y breves interludios musicales, que abarcan mucho los tres minutos y medio de duración. De especial interés son las progresiones de rhythm and blues, la segunda de las cuales culmina con un suave solo de saxo de Pengilly. "What You Need" fue el primer Top 10 estadounidense de la banda, alcanzando el puesto número 5 en la lista de sencillos pop de Billboard.

La segunda cara del álbum comienza con "This Time", una canción compuesta exclusivamente por Andrew Farriss y que presenta una mezcla de guitarras eléctricas y acústicas junto con una gran melodía en la voz y en el riff. Esta pista también avanza en su disposición y enfoque y líricamente se centra en la línea clave;    this time will be the last time that we will fight like this, algo así como “esta vez será la última vez que pelearemos así”.

"Three Sisters" de Tim Farriss es un instrumental experimental con efectos de sonido de la jungla que lleva a "Same Direction", manteniendo los ritmos sintetizados a través de su larga intro similar a “Biting Bullets”. Como un soplo de aire fresco, "One x One" tiene un fuerte arreglo de tiempo y, aunque todavía domina el sintetizador, esta canción vuelve a los ritmos directos de rock y funk de antes en el álbum. Todo concluye con “Red Red Sun”, co-escrita por Jon Farriss y quizás la canción más rockera del álbum.

Listen Like Thieves encabezó las listas de álbumes australianos y aunque no estuvo en el Top 10 en las listas estadounidenses. Es un muy bueno material de la banda para comenzar si no has escuchado nada de ellos.

Daniel 

Instagram Storyboy

Canciones que nos emocionan: Crazy Train, Ozzy Osbourne

Crazy Train, Ozzy Osbourne

 

     Después de dejar Balck Sabbath, Ozzy Osbourne publica en septiembre de 1980 para el mercado británico su primer álbum de estudio en solitario, Blizzard of Ozz. El disco saldría publicado en el mercado estadounidense en marzo de 1981. El álbum fue incluido por la revista Rolling Stone en el puesto número 9 de los 100 mejores álbumes de heavy metal de todos los tiempos. Un disco que obtuvo un importante éxito en Reino Unido, Estados Unidos y Canadá, alcanzando los 4 discos de platino en Estados Unidos. 

Para la grabación del álbum Ozzy cuenta con el guitarrista Randy Rhoads, el bajista Bob Daisley y el baterista Lee Kerslake. Todos los temas de este álbum debut son compuestos por el trío Ozzy, Rhoads y Daisley excepto No Bone Movies en la que también participa Kerslake. El disco es grabado en el Ridge Farm Studio ubicado en Rusper, West Sussex, Inglaterra. Para la producción del álbum en un principio es contratado Chris Tsangarides y como ingeniero de sonido Max Norman, si bien la banda no estaba muiy contenta con la producción de Chris y lo despiden siendo Norman el que se encarga de la producción y la ingeniería, aunque el trabajo de producción de Norman no aprece acreditado, apareciendo en los créditos los 4 componentes de la banda. 

Incluido en el álbum se encuentra el tema Crazy Train, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan, compuesto por Ozzy, Randy y Daisley. Según cuenta Ozzy, Randy apareció con un riff básico de guitarra y sobre ese riff trabajaron juntos en la música, sabían que necesitaban algo para el introducir el sólo y a Ozzy se le ocurrió el patrón de acordes y la sección de ritmo para el sólo de Randy. A Randy y a Ozzy le gustaban mucho los trenes y solían coleccionarlos y cuando estaban trabajando en el tema Ozzy le dijo a Randy "Randy, ésto suena como un tren, pero como un tren loco", y de ahí surgió el título del tema.

Puede parecer que el tema habla de la locura, pero en realidad habla de aprender a amar en un mundo de locos, de la guerra fría donde hay millones de personas viviendo como enemigos y sólo unos pocos gobiernan y controlan condicionando todos los medios y obligándonos a asumir un rol. En el tema podemos escuchar el sólo de guitarra doblado, lo que significa que Randy tuvo que grabar sus partes de guitarra dos veces y hacerlo exactamente igual la primera vez que la segunda para luego superponer los dos sólos, algo que hace que éste sólo de Randy haga la canción tan única y especial.

All aboard ha ha ha ha ha ha ha

Ay, ay, ay, ay, ay, ay, ay

Crazy, but that's how it goes

Millions of people living as foes

Maybe it's not too late

To learn how to love

And forget how to hate

Mental wounds not healing

Life's a bitter shame

I'm going off the rails on a crazy train

I'm going off the rails on a crazy train

Let's go

I've listened to preachers

I've listened to fools

I've watched all the dropouts

Who make their own rules

One person conditioned to rule and control

The media sells it and you live the role

Mental wounds still screaming

Driving me insane

I'm going off the rails on a crazy train

I'm going off the rails on a crazy train

I know that things are going wrong for me

You gotta listen to my words, yeah

Heirs of a cold war

That's what we've become

Inheriting troubles I'm mentally numb

Crazy, I just cannot bear

I'm living with something' that just isn't fair

Mental wounds not healing

Who and what's to blame

I'm going off the rails on a crazy train

I'm going off the rails on a crazy train

Bruce Springsteen - Magic (Mes Bruce Springsteen)

 

Magic, Bruce Springsteen

     Nos encontramos en un un nuevo siglo, han pasado 34 años dese que Bruce Springsteen iniciara su más que prolífica carrera, concretamente en 2007 y el Boss publica su decimoquinto álbum de estudio, Magic, grabado entre marzo y mayo de 2007 en los Southern Tracks Recording estudios de Atlanta y publicado en septiembre de ese mismo año. 

Un disco que obtuvo por parte de la crítica especializada reseñas más que favorables, y no puedo estar más de acuerdo pues es un disco donde es capaz de combinar la energía, el sonido y las influencias de sus grandes discos del pasado con ese sonido elaborado y actual que ha ido puliendo con el paso de los años. Bruce demuestra estar en forma y la E Street Band también. el resultado no puede ser otro que un magnífico disco, quizás uno de los más mágicos del Boss de los últimos tiempos. Bruce demuestra otra vez su compromiso con la sociedad, pues en Magic nos expresa su desilusión con el estado que padece la sociedad estadounidense en ese año 2007. 

El álbum es grabado bajo la producción de Brendan O'Brien, quien ha trabajado además con artistas de la talla de AC/DC, Pearl Jam, Stone Temple Pilots, Aerosmith, Limp Bizkit, Res Hot Chili Peppers, Rage Againts The Machine, Black Crowes, Audioslave ó The Offspring entre otros. Pero la grabción del disco no fue sencilla pues debido a problemas de agenda de varios componentes de la E Street Band no pudo ser grabado por la banda al completo en el estudio. El bajista Garry Tallent y el pianista Roy Bittan grababan durante los fines de semana las pistas básicas del disco junto a Bruce, posteriormente y durante la semana éste añadía las voces. El resto de la banda se iría incorporando y grabando en el estudio de forma periódica bajo la supervisión y producción de Brendan O'Brien. Con el saxofonista Clarence Clemons el productor O'Brien trabajaría de forma diferente, dejándo el estudio a éste y a Bruce para que grabara sus partes de saxofón, en parte debido a la gran amistad y química que había entre el Boss y Clarence, forjada durante muchos años atrás.

Un disco donde nos encontraremos temas como Radio Nowhere, un enérgico rock que suele tocar en sus directos, pues no es sino un tema donde nos anima a buscar la energía y la pasión en la vida, a no conformarnos. Un tema donde hace alusión a uno de sus ídolos Elvis presley, al mencionar uno de sus éxitos, Mistery Train; Livin'n In The Future, tema donde Bruce refleja el hastío de da la sociedad estadounidense, que lejos de poder disfrutar de la tele por cable, las hamburguesas, las patatas fritas, el béisbol ó las motocicletas, tienen que soportar escándalos de escuchas ilegales, negligencias a los ciudadanos tras la catástrofe de Nueva Orleans, ataques a la Constitución ó la pérdida de hombres y mujeres en una trágica e incomprensible guerra. Por eso hay que planear y hacer algo al respecto; tristes relatos como Gipsy Baker, donde nos cuenta la historia de un soldado americano que fallece en combate durante la Guerra de Irak y sus restos regresan a casa; Girls In Their Summer Clothes, magnífico tema donde Bruce ahonda en la crísis de la mediana edad, un lamento al envejecimiento, un optimista recuerdo de la juventud; Magic, tema que da título al disco. Según Bruce esta canción tiene que ver con la ilusión y tener que vivir en una época donde todo lo que es cierto puede parecer mentira, y todo lo que es mentira puede parecer cierto; ó Last To Die, tema inspirado en el testimonio del representante de veteranos de la guerra de Vietnam y Senador John Kerry en el Senado de Estados Unidos donde afirmaba  y se lamentaba cómo se le podía pedir a un hombre que fuera a morir fruto de un error a Vietnam; 

El disco inicialmente se había anunciado con un listado de once canciones, pero dos semanas después del anuncio se agregó una pista oculta que contenía el tema Terry's Song, un maravillosos homenaje de Bruce a la figura de Terry Magovern, quien fuera su asistente y que había fallecido el 30 de julio de 2007. No podía haber mejor cierre para un disco enérgico, lleno de garra y con un fuerte compromiso social, uno de los mejores álbumes del Boss de los últimos tiempos. 

Bruce Springsteen - Born in the U.S.A. (Mes Bruce Springsteen)

Born in the U.S.A. #MesBruceSpringsteen 

En este mes de Bruce Springsteen no puedo faltar un disco mítico que fue el séptimo disco de Bruce Springsteen, uno de los mayores éxitos, que ha llegado a vender unos 15 millones de copias sólo en Estados Unidos y 30 millones en todo el mundo, y no solo eso, sino que sigue brillando tres décadas después de su lanzamiento.
Bruce Springsteen ya tenía una popularidad ganada con grandes discos como “Born to run” (1975), “The River” (1980) y “Nebraska” (1982), pero llegaría el momento de convertirse en “El Boss”.

Finalmente, el 4 de julio de 1984 cuando Bruce Springsteen lanza una docena de canciones grabadas en vivo. Y sale a la luz “Born in the USA” siendo el primer CD fabricado en Estados Unidos.

Bruce Springsteen dirá "El álbum más exitoso de mi carrera. Cambió mi vida, me aportó mi público más numeroso, me obligó a pensar muy en serio en el modo en que presentaba mi música y me situó fugazmente en el centro del universo pop", y añade "Tuvimos un éxito tras otro y en 1985, junto a Madonna, Prince, Michael Jackson y las estrellas de la música disco, me convertí en una genuina superestrella de la radio comercial".

“Born in the USA” es unos de los álbumes peor entendidos de la música popular pese a su éxito comercial, el trabajo del 'boss' como un “mensaje de esperanza” y consiguió desvirtuar la realidad de un álbum tan deprimente. Sin embargo, no supieron interpretar correctamente el fondo ni la visión real del protagonista: un ciudadano al que es negado el trabajo después de haber luchado por su país en Vietnam y llorar la muerte de un hermano en la contienda.

Aunque Springsteen no quiso mostrar ningún tipo de afiliación política en el momento del lanzamiento del álbum, una canción de Born in the USA se volvería políticamente significativa 20 años después. No Surrender se convirtió en la canción de la campaña de John Kerry en su fallida candidatura presidencial del 2004, y Bruce incluso la interpretó en un mitin en Ohio.

Pero más allá de las interpretaciones, no podemos negar que Born in the USA marca la esencia del Rock Americano, y no por nada Springsteen se volverá a partir de ahora a ser el "Boss". 

Que más nos queda que escuchar "Born in the USA"

Daniel 
Instagram Storyboy

La música en historias: Los músicos de sesión VI

 

7dias7notas (By @saglez63)

     Bienvenidos a la sexta entrega de Los músicos de sesión, espacio donde reseñamos a esos músicos que dando apoyo instrumental a grupos y artistas consolidados, ya sea en estudio o en directo, han contribuido a engrandecer más si cabe el noble arte de la música. 

Abrimos con el tecladista estadounidense Gregory Arthur Phillinganes. Nacido en Detroit, Michigan en 1956, comienza tocando el piano de oídas a la edad de 2 años, unos años después su madre le compra un piano y él empieza a recibir clases de piano. Es Stevie Wonder el que descubre a Phillinganes al escuchar unas grabaciones que le pasa el baterista Ricky Lawson; en esas grabaciones tocaba Phillinganes. Wonder audiciona a éste para su banda Wonderlove y lo ficha, permaneciendo en el grupo desde 1976 hasta 1981. En 1978 comienza una colaboración con The Jacksons primero y con Michael Jackson después que se prolongará durante tres décadas. Además de sus participaciones con Stevie Wonder y la familia Jackson ha tenido tiempo de colaborar con Bee Gees, Anita Baker, George Benson, Eric Clapton, Aretha Franklin, Paul McCartney, Al Jarreau, Quincy Jones, Stevie Nicks y Toto entre otros.

Cambiamos de instrumento y nos vamos al bajo, instrumento que tocó durante más de 5 décadas la magnífica Carol Kaye. Carol nace en en 1935 en la localidad de Everett, Washington (Estados Unidos), Comenzó a tocar la guitarra en su adolescencia y después de trabajar durante algún tiempo como profesora de guitarra se introduce en el circuito de las Big Band y el jazz de Los Ángeles, donde toca con regularidad el bajo. En 1957 comienza a trabajar como músico de sesión, y gracias a su trabajo conoce a los productores Phil Spector y Brian Wilson con los que comienza a trabajar. En la década de los 60 se consolida siendo una de las intérpretes de sesión más solicitadas de la época, y también es a finales de los 60 cuando comienza a tocar en bandas sonoras de películas bajo las órdenes de Quincy Jones y Lalo Schifrin además de empezar a publicar una serie de libros tutoriales sobre cómo tocar el bajo eléctrico. Ritchie Valens, Beach Boys, Sam Cooke, Nacy Sinatra, Ike & Tina Turner, Simon & Garfunkel, Sonny & Cher y JJ Cale son sólo algunos de los artistas con los que colaboró durante su extensa carrera.

Tommy Tedesco, famoso guitarrista estadounidense de sesión de Los Ángeles y Hollywood, nacido en 1930 en Cataratas del Niágara, Nueva York. Tommy se muda a la Costa Oeste donde se convierte en uno de los músicos de sesión más famosos y solicitados entre las décadas de los 60 y 80. Formó parte del famoso The Wrecking Crew, un colectivo suelto de músicos de sesión con sede en Los Ángeles cuyos servicios se emplearon en miles de grabaciones de estudio en las grabaciones de los 60 y 70. Tommy está considerado como el guitarrista de sesión con más grabaciones de la historia, entre las que se encuentran sus grabaciones con Beach Boys, Mamas & The Papas, Everly Brothers, Barbra Streisand, Elvis Presley, Sam Cooke, Ella Fitzgerald, Frank Zappa, Nancy Sinatra, Chet baker,Paul Naka, Neil Diamond,JJ Cale, The Ronettes ó Frank Sinatra, además de sus colaboraciones en bandas sonoras de películas entre las que se encuentran The French Connection, Río Lobo ó El Padrino. 

Claude Rusell Bridges, más conocido como Leon Russell, cantautor, compositor, cantante, pianista y guitarrista estadounidense nacido Lawton, Oklahoma en 1942. Se inicia tocando el piano a los 4 años y estudia en la prestigiosa Will Rogers High School de Tulsa, Oklahoma. Durante un tiempo se dedica a frecuentar los clubes nocturnos de Tulsa donde además suele actuar, y como por entonces no tiene la edad requerida para entrar en dichos clubes suele usar una identificación falsa que le proporciona un amigo. En dicha identificación consta el nombre de Leon, de donde toma su nombre artístico. Con 14 años ya se ha subido al escenario con Ronnie Hawkins y Jerry Lee Lewis y con 16 años se muda y estudia guitarra en Los Ángeles. Es allí en Los Ángeles donde comienza a trabajar como músico de sesión tocando el piano. A finales de los 60 además de consolidarse como un excelente músico de sesión también obtiene éxito como arreglista y compositor. En la década de los 60 fue miembro del grupo de estudio de Phil Spector y en 1967 creó su propio estudio donde produce su primer álbum como solista. En 1969 compone el tema Delta Lady para Joe Cocker. En 1970 publica su segundo disco como solista, "Leon Russell", contando con la participación nada menos que de George Harrison, John Lennon y Ringo Starr, y Elton John considera a Rusell como su maestro y fuente de inspiración. Además de su extensa carrera como intérprete solista entre sus colaboraciones, ya sean como músico de estudio, producción o arreglista se encuentran Rolling Stones, Bob Dylan, Willie Nelson, Elton John, Joe Cocker y George Harrison entre otros.

Cerramos el capítulo de hoy con el baterista Earl Cyril Palmer, baterista estadounidense y considerado como uno de los padres del Rock & Roll. Nacido en 1924 en Nueva Orleans, Lousiana, proviene de una familia ligada al mundo del espectáculo y con cinco años ya ejerce como bailarín de claqué junto con su madre y su tía en el circuito de Vodevil. Palmer sirve en la Segunda Guerra Mundial y a su vuelta comienza a estudiar piano y percusión en la Escuela de Música Gruenwald  de Nueva Orleans. Comienza su carrera como baterista tocando en la década de los 40 con la banda de Dave Bartholomew y toca  como músico de sesión en temas de Fast Domino y Little Richard. Su interpretación en el tema The Fat Man de Fast Domino se ha convertido en uno de los elementos más importantes del Rock & Roll por su ritmo de fondo. Durante más de 30 años tocó en infinidad de bandas sonoras de películas y tocó en casi todos los éxitos de Little Richard y Fast Domino. Cuenta además con innumerables colaboraciones con otros artistas de la talla de Frank Sinatra, Phil Spector, Ray Charles, Sam Cooke, Ritchie Valens, Beach Boys, Neil Young, Dizzy Gillespie, BB King, Randy Newman, Tom Waits, Bonnie Raitt y Elvis Costello entre otros muchos.