0840.- Mercy Mercy Me - Marvin Gaye

"Mercy Mercy Me (The Ecology)" es un intenso y conmovedor alegato ecologista firmado por el propio Marvin Gaye, que la compuso para ser incluida en el álbum "What's going on" (1971). Fue el segundo sencillo que se publicó del disco, tras la exitosa canción que le daba título, y no se quedó precisamente atrás,  ya que alcanzó el primer puesto de las listas de R&B estadounidense, posición en la que se mantuvo durante dos semanas, y el no menos meritorio cuarto puesto en el Billboard.

Acompañando a la aterciopelada voz de Gaye (con The Andantes a los coros), la combinación de bajo, piano y arreglos de cuerdas crea una capa de acompañamiento con un empaque rítmico que lleva a la canción mucho más allá del terreno habitual de las baladas del momento, construyendo todo un ecosistema de ecología musical, plagado de una multitud de innovadores arreglos (la percusión la consiguieron saturando de reverberación el estudio y golpeando un madero con un mazo de goma) e instrumentos de fondo, en su mayor parte interpretados por The Funk Brothers.

Al particular efecto del conjunto contribuye también el brillante solo de saxo de Wild Bill Moore, poniendo la guinda a un gran tema de soul que, a día de hoy, sigue siendo uno de los sencillos más exitosos y conocidos de toda la obra de Marvin Gaye.

0839 - Marvin Gaye - What's Going On

0837 - Marvin Gaye - What's Going On

What's Going On es una canción icónica del cantante y compositor estadounidense Marvin Gaye. Fue lanzada en 1971 como el título del álbum de Marvin Gaye del mismo nombre, y se ha convertido en una de las canciones más famosas y aclamadas de la música soul y R&B.

La canción fue escrita por Marvin Gaye, Al Cleveland y Renaldo Benson, y fue inspirada por los problemas sociales y políticos de la época, incluyendo la guerra de Vietnam, la injusticia racial, la pobreza y la degradación del medio ambiente. Fue escrita como una reflexión sobre la confusión y la angustia que Marvin Gaye sentía en ese momento, y su deseo de encontrar respuestas a los problemas del mundo.

What's Going On se destaca por su mezcla única de elementos de soul, R&B, música funk y jazz, y su estilo lírico reflexivo y poético. La canción cuenta con arreglos musicales sofisticados, con una orquestación rica y armonías vocales suaves y melódicas que complementan la poderosa voz de Marvin Gaye.

La canción fue un éxito comercial y crítico, alcanzando el primer lugar en las listas de éxitos de R&B y llegando al segundo lugar en la lista de éxitos generales de Estados Unidos. Su mensaje de conciencia social y su llamado a la empatía y la comprensión resonaron con el público, convirtiéndola en un himno de protesta y un símbolo de la lucha por la justicia social y la igualdad.

Además de su éxito comercial, What's Going On ha sido aclamada por su importancia artística y su influencia duradera en la música popular. La canción ha sido versionada por numerosos artistas a lo largo de los años y ha sido incluida en varias listas de las mejores canciones de la historia. En 2021, la revista Rolling Stone la nombró la mejor canción de todos los tiempos en su lista actualizada de "Las 500 mejores canciones de todos los tiempos".

En resumen, What's Going On de Marvin Gaye es una canción emblemática que aborda cuestiones sociales y políticas, con una combinación única de estilos musicales y un mensaje poderoso que ha perdurado a lo largo de los años. Es considerada una obra maestra de la música popular y un himno para la conciencia social y la lucha por la justicia.

Daniel 

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Black and White America #Mes Lenny Kravitz

Black and White America es el noveno disco de estudio de Lenny Kravitz, publicado en el verano de 2011. Las expectativas eran muy grandes para este disco, a raíz de noticias que iban surgiendo sobre la grabación de un disco que sería un alegato antirracial y una vuelta al funk más puro. El proyecto nació con el nombre de "Negrophilia", y con esa idea en la cabeza Lenny se trasladó a su casa de las Bahamas, para centrarse en la composición y la grabación de los temas, y allí el proyecto fue mutando del Negrophilia original al Black and White America que finalmente vio la luz.

Es imposible saber cómo habría sido ese (a priori) interesante proyecto llamado Negrophilia, pero lamentablemente poco parece haber quedado de aquello en Black and White America. Paradójicamente, la canción que sustituye al título original cumple con todos los requisitos de canción de protesta social y de sólida estructura funky, siendo uno de los títulos más inspirados del álbum y un chorro de aire fresco en el cancionero de Kravitz. Suenan trompetas, saxos, y un espectacular bajo que sustenta el ritmo de una canción que rememora el sueño de Martin Luther King y recuerdos del racismo de los 60 y de la infancia de Kravitz. Y es la canción de Lenny Kravitz que más les gusta a mis hijos, así que poco más que decir. 

Algo parecido podría decirse de Come on get it, el primer single extraído del disco, una pieza de funk abrasivo y guitarras rockeras que recuerda al Kravitz de los primeros discos, con ásperos riffs de guitarra y letras sexuales combinados en un tema brillante. Tan prometedor arranque se ve truncado por canciones más comerciales como la melódica y popera In the Black, con cierto toque new wave y power pop, o la apagada e intimista Liquid Jesus, interpretada en falsete y con una ambigua letra que oscila entre el mensaje religioso y el sexual. Siendo temas correctos, no aportan la clarividencia y la luz que los temas anteriores habían mostrado, y que de no haberse apagado habrían llevado a Lenny a entregar su mejor disco en años.

Pero Lenny decidió tirar por otra senda distinta, la de temas más directos y digestibles de pop rock para el gran público, como el efectivo rock melódico de Rock Star City Life, de guitarras y estribillos pegadizos pero algo ligeros y carentes de ese alma funk que estábamos esperando en este álbum. Habríamos perdonado sin problema estas pequeñas cucharadas de edulcorante rebajando la carga funk del disco, porque en conjunto estamos ante un buen disco de un artista que de talento va sobrado, pero Lenny dio un paso más hacia el abismo en temas como Boongie Drop, en el que se cuelan Jay Z y Dj Military para cocinar un pastel de electrónica y rap-funk de difícil digestión. Al escucharla, tengo claro que acerté al no decirle a Kravitz dónde estaba la sección de hip hop de la FNAC de Callao, pero es evidente que acabó encontrándola por su cuenta y riesgo.

A estas alturas del disco, el sueño de Martin Luther King, y el de todos los que esperábamos con ansia Negrophilia ha muerto, pero eso no hace que el disco merezca ser enterrado. Stand mejora algo la cosa, y fue el segundo single que se extrajo del álbum, pero transita de nuevo en la vertiente comercial y pegadiza de los últimos tiempos del artista estadounidense. Tiene un riff rockero destacable, y de nuevo la producción vira hacia el power pop efectivo y los sintetizadores edulcorados.

El siguiente tramo del disco está a la altura de lo mejor del principio, y es con la sexual y rítmica Superlove, una pieza de funk sugerente y elegante, y muy especialmente con Everything, en la que vuelven los mejores riffs, las melodías efectivas y los ritmos energizantes, con las que el disco despega y resucita, y mantiene el pulso con baladas efectivas como I Can’t Be Without You, que demuestra que el genio sigue estando ahí. En Looking Back On Love se acerca de nuevo al soul-funk clásico de Marvin Gaye e Isaac Hayes, y la guitarra funky y el solo de teclado salvan una buena canción de complemento, un buen entremés para el bombazo funk que viene a continuación, un Life Ain’t Ever Better Than It Is Now en el que no oculta las influencias de James Brown.

De nuevo nos habíamos ilusionado, pero en la parte final nos topamos con The Faith Of A Child, correcta canción romántica que suena igual que muchas de sus baladas más comerciales, y no aporta nada nuevo a lo que ya nos dieron las anteriores, y especialmente con Sunflower, en la que junto al rapero Drake, asesta el segundo y definitivo puñetazo en las costillas con el que este disco se convierte en otro prometedor púgil que acaba besando la lona, en un extraño e innecesario cocktail de rap y de algo parecido a la samba que hacen que cada vez que escucho el disco me salte este corte, para encontrar rápidamente en Dream el consuelo orquestal y espiritual que en ese momento necesito, y en Push (tercer single del disco) el toque de pop-rock de aires gospel necesario para terminar el disco en positivo, pero no lo suficiente como para no echar de menos lo que habría sido ese idealizado Negrophilia, que se quedó en un buen disco que sufre demasiado en los tramos en los que Lenny se alejó del blanco y negro original, para pensar en el comercial color verde de los billetes.

0492.- I Heard It Through The Grapevine - Marvin Gaye

 "I Heard It Through The Grapevine" se erige como una de las grandes canciones de The Motown, asi resulta curioso pensar que la composicon de Norman Whitfield/Barrett Strong fue rechazada por dos veces y una vez publicada comprobaron como esa primera versión fue eclipsada solo un año después por la interpretación de Marvin Gaye que todos conocemos como un clásico mundial. La canción había sido grabada por primera vez en Motown, en el verano de 1966, por los Miracles, pero su versión ni siquiera fue lanzada. A principios del año nuevo, Gaye grabó un nuevo arreglo, pero nuevamente, se quedó en las bóvedas de Hitsville. El productor Whitfield luego recurrió a Gladys Knight and the Pips, con cierto éxito, La interpretación uptempo , infundida como siempre con la vigorizante entrega de gospel y soul de Gladys, llegó a las listas de éxitos en octubre de 1967, llegando al número 1 en la lista de R&B y al número 2 en el Hot 100. Otras versiones, incluidas la de Temptations y Bobby Taylor, también cortaron la cancion, pero Whitfield estaba decidido a convertirla en un éxito para Gaye. En el verano de 1968, ahora que era una canción conocida y Marvin buscaba material para su nuevo disco In The Groove , un nuevo intento de hacer una versión de “Grapevine” cobraba sentido y colaboraron en una versión intensa y melancólica, sin embargo, Berry Gordy lo odiaba y se negó a dejar que se publicara hasta que algunos miembros del personal de Motown lo filtraron y cuando la emisora de radio WVON en Chicago comenzó a reproducirla como una pista del álbum, los teléfonos se volvieron locos. Se convenció a Berry Gordy para que lo lanzara como single, y se escribió la historia de “I Heard It Through The Grapevine”, lanzado el 30 de octubre, solo tres semanas después, se convirtió en el número 1 y estaba en camino de convertirse en el sencillo más vendido de Motown hasta ese momento.

Entre las innumerables  versiones de "I Heard It Through The Grapevine" que han enfatizado la duracion de la canción, la versión épica de 11 minutos de Creedence Clearwater Revival, en su álbum de 1970 Cosmo’s Factory me encanta, pero la de Gaye sigue siendo superior, una melodía oscura, vulnerable y paranoica mientras Gaye canta sobre las emociones de descubrir la infidelidad de un amante, su interpretación vocal es ejemplar, transmite una profunda sensación de dolor cuando expresa su consternación, perfectamente complementada por los coros, proporcionando un mayor contraste con sus tonos más bajos.. ¿Es el mejor sencillo de Motown? Casi seguro. De hecho, hay momentos en los que creo que probablemente podrías nombrarlo como el mejor sencillo, ya sea de The Motown o del año.

0391.- Ain't No Mountain High Enough - Marvin Gaye & Tammi Terrell

 

Ain't No Mountain High Enough

     Los músicos de soul Tammi Terrell y Marvin Gaye unen fuerzas y fruto de esa unión nace el álbum United, el cual es publicado el 29 de agosto de 1967 bajo el sello discográfico Tamla Records, filial de Motown Records. El disco es producido casi por completo por el cantante, compositor y productor Harvey Fuqua y por el también músico, compositor y productor Johnny Bristol. El único tema que no fue compuesto por esta dupla fue You Got What It Takes, el cual contó con el fundador del sello Motown, Berry Gordy Jr. para la producción. United fue el primero de los tres álbumes donde Tammi Terrell y Marvin Gaye colaboraron juntos.

El álbum produjo cuatro éxitos que alcanzaron las listas estadounidenses Top 100 de Billboard, incluido el tema en el que nos vamos a centrar, Ain't No Mounain High Enough. Este tema fue grabado por el dúo entre diciembre de 1966 y febrero de 1967 en los estudios Hitsville USA de Detroit, Michigan, y lanzado como sencillo de adelanto del álbum el 20 de abril de 1967. El tema rápidamente se convirtió en un éxito, llegando a posicionarse en el puesto número 19 en las listas Billboard Pop Charts y el número 3 en las listas R&B Charts. 

Ain't No Mountain High Enough fue escrita por Nickolas Ashford y Valerie Simpson, quienes fueron responsables de gran parte del material grabado por Marvin Gaye y Tammi Terrell. El tema, una canción de amor romántica, bailable y despreocupada, fue escrita por el dúo antes de unirse al sello Motown. La cantante de soul británica Dusty Springfield quiso grabar la canción, pero el dúo se negó, con la esperanza que este tema les diera acceso al sello Motown Records, como así sucedería más tarde.

La música en historias: Los músicos de sesión IX

 

     Continuamos con la novena entrega dedicada a los músicos de sesión, y cuánto más indagamos más cuenta nos damos de la enorme importancia que han tenido para el desarrollo y evolución de éste noble arte. Unos músicos tan virtuosos que son capaces de moverse con una facilidad pasmosa por varios estilos musicales.

Algunas veces además llegaron a convertirse en grandes estrellas, como es el caso de Marvin Pentz  Gaye Ir., más conocido cómo Marvin Gaye. Poco podemos decir del que fuera cantante, músico, productor, uno de los exponentes del movimiento Blaxplotation y uno de los máximos representantes fundamentales del sonido Motown. Marvin nace en Washington D. C. (Estados Unidos)  en 1939, su padre era predicador en una congregación cristiana con elementos de pentecostalismo y judaísmo ortodoxo, por lo que no es de extrañar que en su niñez empezara cantando en el coro de la iglesia. Años más tarde reconocería que gracias a la iglesia aprendió la alegría de la música, sin embargo en casa debía soportar las estrictas normas morales y los ataques de ira de sus padre, el cual entre otras cosas le obligó a renunciar al atletismo en su infancia. En aquellos años aprende a tocar el piano y la batería, con 17 años Marvin abandona la escuela y se alista en la Fuerza Aérea de Estados Unidos como aviador básico , pero pronto se decepciona al serle encomendadas únicamente tareas domésticas, por lo que finge una enfermedad mental y abandona el ejército. Antes de ingresar en el ejercito ya había probado suerte en varios grupos locales de doo-wop entre los que se encontraban The Dippers y DC Tones, y decide seguir intentándolo. Llega incluso a fundar su propio sello discográfico y se alía y fusiona con Gwen Berry, quien regentaba otro pequeño sello discográfico, el resultado de la fusión es el sello Tri Phi Records. En 1961 Tri Phi Records es absorbido por el sello Tamla Motown, más conocido como Motown Records, y Marvin comienza trabajando para el sello tocando la batería para otros grupos y artistas y realizando acompañamiento vocales cómo músico de sesión. Marvin Gaye debuta en 1961 como solista con el tema The Soulful Moods Of Marvin Gaye sin demasiado éxito, durante los siguientes años graba algunos sencillos más, hasta que en 1967 graba algunos duetos con Tammi Terrell, lo que viene a continuación y hasta dónde es capaz de llegar es de sobra conocido.

Clarence Joseph Leblanc, más conocido como Clarence White, cantante y guitarrista de Bluegrass y country nacido en 1944 en Lewiston, Maine, Estados Unidos. Su familia era francocanadiense y emigra a New Brunswick (Canadá), dónde se cambia el nombre por White. Su padre tocaba la guitarra, el banjo, el violín y la armónica, por lo que Clarence se cría en un entorno musical, comenzando a tocar la guitarra con 6 años, si bien la cambia por el ukelele al ser éste más pequeño y se adapta mejor a él a esa corta edad. Con 10 años, en 1954 su familia se muda a California y junto a sus dos hermanos funda un trío musical llamado The Little Country Boys, grupo al que a veces se suma su hermana con el contrabajo. En 1957 al grupo, que ya ha llamado la atención y consigue aparecer hasta en televisión, se suman dos componentes más y pasan a llamarse The Country Boys. En 1962 el grupo graba para el sello discográfico Briar International su álbum debut. La compañía les sugiere que se cambien el nombre y pasan a llamarse Kentucky Colonels. En 1963 sale publicado ese trabajo bajo el título The New Sound of Bluegrass America. En 1964 después de publicar su segundo disco, el grupo empiezan a trabajar como músicos de sesión. El grupo ha ganado una gran reputación dentro del bluegrass pero apenas puede vivir de ello. A finales de 1965 Clarence cambia su guitarra acústica por una Fender Telecaster con la idea de convertirse en músico de sesión y adentrarse también en el rock & roll y el country.  A comienzos de 1966 empieza a trabajar como músico de sesión en multitud de proyectos hasta que en 1968 debido a la marcha del cantante y guitarrista del grupo The Byrds es invitado a unirse a la banda. Clarence permanece en la misma hasta la disolución de la misma en 1973. Mientras permanece en The Byrds sigue sacando tiempo para seguir grabando como músico de estudio para muchos artistas. En julio de 1973 se produce un fatal accidente donde un conductor ebrio atropella a Clarence y a consecuencia del mismo fallece. Junto con el también músico y productor Gene Parsons inventó el B-Bender, un artilugio que permitía doblar la cuerda si un tono y así emular el sonido de un Pedal Steel Guitar. 

Alejandro Neciosup Acuña, más conocido como Álex Acuña, baterista y percusionista peruano nacido en 1944 en Pativilca, Perú. Álex es un músico completamente autodidacta, a los 4 años comenzó a tocar la batería y la percusión,  y a los 10 comienza a tocar en la orquesta de su padre y sus hermanos, la Tropical Boys de los Hermanos Neciosup. Con 16 años ya era uno de los músicos peruanos más solicitados como músico de sesión para programas de televisión, teatro, películas y grabaciones de discos. A los 18 años se une a la banda de Pérez Prado, el músico, compsitor y arreglista cubano, y en 1974 viaja a Las Vegas por motivos de trabajo acompañando a artistas como Diana Ross y Elvis Presley. En 1975 se une al grupo de jazz-fusión Weather Report con el que llega a ganar un premio Grammy. En 1978 se muda a California donde fija su residencia, y ejerce una productiva y laboriosa carrera como músico de sesión, y graba con artistas con muy diversos estilos musicales, entre los que se encuentran Paul McCartney, Joni Mitchell, Ella Fitzgerald, Chick Corea, whitney Houston, Plácido Domingo, Sam Phillips, Carlos Santana, Roy Orbison, U2, Al Jarreau, Peter Gabriel, Johnny Clegg, Jackson Browne y Blondie entre otros. Álex además ha trabajado como profesor en la Universidad de California y en la prestigiosa Berklee College of Music. 

Dennis James Coffey, más conocido como Dennis Coffey, nacido en 1940 en Detroit, Michigan (Estados Unidos), guitarrista que hizo carrera realizando grabaciones de soul, R & B y funky. Aprende a tocar la guitara a la edad de 13 años, y a los 15 años mientras se encuentra en la escuela secundaria realiza ya su primera sesión para la discográfica Gondola tocando para el músico Vic Gallon. A comienzos de la década de los 60 se une al grupo The Royaltones, grupo que solía realizar sesiones para otros artistas. A finales de los 60 y como miembro del grupo The Funk Brothers participa en multitud de grabaciones para el sello Motown Records. En aquella serie de grabaciones para Motown, Dennis introduce un sonido de guitarra más duro, jugando con la distorsión y el sonido wah-wah. En 1971 se permite el lujo de grabar el sencillo instrumental Scorpio, con el que llega a vender más de 1 millón de copias y alcanza el puesto número 9 el la lista Billboard Hot Soul Singles y el puesto número 6 en la Billboard Hot 100. También contribuye en el emergente sonido Blaxplotation grabando la banda sonora de la película Black Belt Jones de 1974. Dennis también tocó la guitarra solista en el primer álbum de Sixto Rodríguez, y se le considera descubridor de éste cantante junto al músico Mike Theodore. Además de una más que brillante y extensa carrera como músico de sesión, ha cuidado su carrera en solitario grabando más de 15 álbumes y ha producido a también a varios artistas y grupos.

Nicholas Christian Hopkins, tecladista más conocido como Nicky Hopkins, nace en 1944 en Perivale, Londres (Reino Unido). comienza a tocar el piano a los 3 años y siendo adolescente consigue una beca de la Real Academia de Música de Londres. Desde pequeño sufre la enfermedad de Crohn, una enfermedad crónica que afecta principalmente al tracto intestinal, lo que hace que tenga una salud delicada además de sufrir frecuentes operaciones. Esta enfermedad marca al músico ya que decide concentrar casi todo su trabajo en el estudio como músico de sesión sin realizar apenas giras. Comienza a principios de los 60 tocando el piano en un grupo llamado Screaming Lord Sutch's Savages, donde coincide con Ritchie Blackmore. Posteriormente se une a la banda de R&B inglesa The Cyril Davies All Stars, pero al poco tiempo tiene que abandonar el grupo por sus problemas de salud, ya que a causa de una serie de operaciones casi pierde la vida y tiene que estar 19 meses convaleciente. A partir de ahí concentra su trabajo como músico de sesión, convirtiéndose rápidamente en uno de los más reputados y solicitados de la escena londinense. Colabora en todos los discos de los Rolling stones desde Between The Buttons (1967) hasta Tattoo You (1981), a excepción de Some Girls (1978). Con The Kinks graba 4 álbumes de estudio, The Kink Kontorversy (1965), Face To Face (1966), Something Else By The Kinks (1967) y The Kinks Are The Village Green Preservation Society (1968). Con The Who graba My Generation y posteriormente Who's Next (1971) y The Who By Numbers (1975), además de participar en la banda sonora de la película Tommy (1875). Nicky forma parte del proyecto The Jeff Beck Group junto a Jeff Beck, Rod Stewart, Ronnie Wood y Micky Waller, y permanece en la banda hasta su disolución en 1969. También fue miembro de Quicksilver Messenger Service, y colabora con los Beatles convirtiéndose en uno de los pocos músicos que aparece acreditado en un tema de ellos, concretamente en Revolution (1968). The Move, Jefferson Airplane, Steve Miller Band, John Lennon, George Harrison, Joe Cocker, Marc Bolan, Peter Framptom, Art Garfunkel, Badfinger, Rod Stewart, Paul McCartney, Ronnie Wood, Belinda Carlisle, Bill Wyman, Dusty Springfield, Ringo Starr, Joe Walsh ó Izzy Stradlin and the Ju Ju Honds son sólo algunos de los artistas que pudieron disfrutar del trabajo del genial Nicky Hopkins.

Historia del rock and roll: 23.- Marvin Gaye

Marvin Pentz Gay Jr. el 2 de abril de 1939, en Washington hijo de un pastor de Iglesia, fue el segundo de cuatro hermanos. Comenzó a cantar en la iglesia cuando tenía cuatro años; su padre a menudo lo acompañaba al piano. Gaye y su familia formaban parte de una iglesia pentecostal conocida como la Casa de Dios. Tuvo una infancia difícil, debido a los malos tratos que recibía de parte de su padre. A los 11 años tuvo una actuación escolar que le empujo a dedicarse a la música. En 1956, Gaye, de 17 años, abandonó la escuela secundaria y se alistó en la Fuerza Aérea de los Estados Unidos como aviador básico. Decepcionado por tener que realizar tareas domésticas, fingió una enfermedad mental y fue dado de alta poco después. Después de su regreso, Gaye y su buen amigo Reese Palmer formaron el cuarteto vocal The Marquees. El grupo grabó varias canciones para Chess en 1959, incluida la canción "Mama Loocie", que fue la primera grabación vocal principal de Gaye.

El grupo se disolvió y Gaye se mudó a Detroit, donde firmó con Tri-Phi Records como músico de sesión, tocando la batería en varios lanzamientos de Tri-Phi. Gaye actuó en la casa del presidente de Motown, impresionado Berry Gordy le ficho para su discográfica. Lanzó su primer sencillo, "Let Your Conscience Be Your Guide", en mayo de 1961, con el álbum The Soulful Moods of Marvin Gaye , un mes después, pero fue un fracaso comercial. Sighio intentándolo llegando a actuar en el Teatro Apollo en junio de 1963. Más tarde, en octubre, Tamla edito el concierto en vivo, "Can I Get a Witness" se convirtió en uno de los primeros éxitos internacionales de Gaye. En 1964, Gaye grabó un exitoso álbum que incluían "Once Upon a Time" y “What's the Matter With You Baby". Después de obtener un dueto exitoso, "It Takes Two" con Kim Weston, Gaye comenzó a trabajar con Tammi Terrell en una serie de duetos, en su mayoría compuestos por Ashford y Simpson, que incluyen "Ain't No Mountain High Enough" o "Your Precious Love" iniciando una senda de éxito absoluto.

En octubre de 1967, Terrell se derrumbó en los brazos de Gaye durante una actuación en Farmville, Virginia. Posteriormente, la llevaron al Hospital Comunitario Southside de Farmville, donde los médicos descubrieron que tenía un tumor maligno en el cerebro. El diagnóstico puso fin a la carrera de la cantante que pasó repetidamente por el quirófano, Gaye quedó devastada por la enfermedad de Terrell y se desilusionó con su carrera discográfica. Finalmente Tammi Terrell murió de cáncer cerebral el 16 de marzo de 1970, Gaye asistió a su funeral y después de un período de depresión, decidió cambiar su vida buscando otras ocupaciones.

El 1 de junio de 1970, Gaye regresó a Hitsville, EE. UU., donde grabó su nueva composición "What's Going On", después de presenciar un acto de brutalidad policial en un mitin contra la guerra en Berkeley. Al escuchar la canción, Berry Gordy rechazó su lanzamiento debido a que sentía que la canción era "demasiado política" para la radio. Gaye respondió haciendo huelga desde la grabación hasta que el sello lanzó la canción en 1971 teniendo un enorme éxito y provocando la grabación de un álbum con plenos poderes, temas como, "Mercy Mercy Me (The Ecology)" y "Inner City Blues" llevaron al autor a recibir nominaciones en los Grammy

En 1973, Gaye lanzó el álbum Let's Get It On . Su canción principal se convirtió en el segundo sencillo número 1 de Gaye en el Hot 100. Posteriormente, el álbum vendió más de tres millones de copias. Más tarde, el álbum fue aclamado como "un disco incomparable en su pura sensualidad y energía carnal". Otros singles del álbum incluyeron "Come Get to This", que recordaba el sonido del alma Motown de Gaye de la década anterior, mientras que el sugerente "You Sure Love to Ball" alcanzó un éxito modesto, pero recibió una promoción tibia debido al contenido sexualmente explícito de la canción. El último proyecto de dúo de Marvin, Diana & Marvin, con Diana Ross, obtuvo éxito internacional a pesar de los estilos artísticos contrastantes. Con el siguiente álbum de estudio de Gaye, I Want You , se embarcó en su primera gira europea en una década, comenzando en Inglaterra. A principios de 1977, Gaye lanzó el álbum en vivo, Live at the London Palladium , que vendió más de dos millones de copias gracias al éxito de su canción de estudio, "Got to Give It Up", que se convirtió en un éxito número 1.

En diciembre de 1978, Gaye lanzó Here, My Dear , durante ese período, Gaye desarrolló una grave dependencia y adicción a la cocaína y se enfrentó a varios problemas financieros y empezó una época de graves problemas personales. En 1982 ficha por la Columbia de CBS, el primer sencillo, "Sexual Healing", fue lanzado el 30 de septiembre de 1982 y se convirtió en el mayor éxito profesional de Gaye, Sexual Healing le ganó a Gaye sus dos primeros premios Grammy, había vuelto de saborear las mieles del éxito, pero el 1 de abril de 1984, mientras Gaye estaba en su habitación, su padre Marvin Gay Sr. le disparó a Gaye en el corazón y luego en su hombro izquierdo, el último disparo a quemarropa. Minutos antes, los dos hombres habían estado peleándose cuando Gaye intervino en una pelea entre sus padres. El primer disparo resultó ser fatal. Gaye fue declarado muerto a la 1:01 pm, después de que su cuerpo llegó al Centro Médico del Hospital de California, un día antes de lo que habría sido su 45 cumpleaños.