1621 - Serú Girán - Serú Girán

1621 - Serú Girán - Serú Girán

"Serú Girán" – El manifiesto artístico de una banda revolucionaria

En 1981, mientras Argentina atravesaba una de sus épocas más oscuras bajo la dictadura militar, Serú Girán —una de las bandas más innovadoras del rock argentino— lanzó su tercer álbum, homónimo y conceptual: Serú Girán. La canción que da título al disco no es solo una pieza musical, sino un manifiesto artístico, una declaración de principios y un viaje sonoro que encapsula la esencia de un grupo que desafió las convenciones.  

"Serú Girán" (la canción) es una suite de casi 10 minutos que rompe con la estructura tradicional del rock. Compuesta por Charly García, la pieza es un collage de estilos: desde el rock progresivo y la música clásica hasta el jazz y el avant-garde. La letra, críptica y poética, refleja el desencanto y la búsqueda de libertad en un contexto opresivo. Versos como "No verás llorar a los que están en la ciudad" o "El tiempo es otra cosa, no es reloj" sugieren una resistencia sutil, una forma de evadir la censura a través del simbolismo.  

La instrumentación es magistral: las teclas de García tejen atmósferas oníricas, el bajo de Pedro Aznar (en su última grabación con la banda antes de partir a Berklee) aporta profundidad, mientras que la guitarra de David Lebón y la batería de Oscar Moro construyen un ritmo que oscila entre lo caótico y lo melódico. El resultado es una obra que exige escucha activa, donde cada detalle —los cambios de tempo, los coros celestiales, los silencios dramáticos— está cuidadosamente planeado.  

Para 1981, Serú Girán ya era un fenómeno, pero internalmente, la banda estaba en crisis. Aznar se marcharía a estudiar a EE.UU., y el grupo se disolvería un año después. Este tema, en cierto modo, es un adiós y un renacimiento: una fusión de todas sus influencias (desde The Beatles hasta King Crimson) y un testamento de su evolución.  

El álbum Serú Girán fue un fracaso comercial en su momento —el público no estaba preparado para su experimentalismo—, pero con los años se revalorizó como una obra maestra. La canción titular, en particular, es ahora considerada un hito del rock progresivo en español, comparable a "Close to the Edge" de Yes o "Supper's Ready" de Genesis.  

Cuatro décadas después, "Serú Girán" sigue sonando revolucionaria. Es una pieza que rechaza los límites: entre géneros, entre arte y protesta, entre lo accesible y lo complejo. Charly García la llamó "música para el futuro", y no se equivocó. Su influencia se ve en bandas como Soda Stereo (que citó a Serú como inspiración para su etapa experimental) o en artistas actuales que exploran la fusión de estilos.  

Más allá de lo técnico, la canción captura el espíritu de una generación que usó el arte para sobrevivir. En lugar de mensajes directos, optó por poesía y abstracción, demostrando que, a veces, la subversión puede ser tan poderosa en un piano como en un panfleto.  

"Serú Girán" no es una canción para escuchar de fondo. Es un laberinto que premia a quien se adentra en él: cada audición revela nuevos matices, ya sea un fraseo de Aznar, un juego de palabras de Charly o un crescendo orquestal. Es música hecha por y para artistas, pero también para cualquiera que crea que el rock puede ser más que tres acordes.  

Si el álbum Serú Girán fue el canto del cisne de la banda, esta canción es su gemido más hermoso: un recordatorio de que, incluso en la oscuridad, la creatividad no tiene límites. 

Daniel 

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1620.- With a Little Luck - Paul McCartney

Paul McCartney lanzó "With a Little Luck" ("Con un poco de suerte") en 1978 como parte del álbum "London Town" de su banda Wings. Compuesta en Escocia durante el embarazo de su esposa Linda McCartney. Debido al embarazo de su esposa, las sesiones de grabación de "London Town" tuvieron que posponerse, y McCartney la compuso en un estado de agradable espera y reflexión, que convirtió a la canción en todo un himno al optimismo y la esperanza, con una letra positiva que enfatiza que "Con un poco de suerte, lo podemos solucionar, podemos hacer que toda esta maldita cosa funcione".

Grabada en un barco en las Islas Vírgenes, antes de la salida de algunos miembros de Wings, es una de las primeras canciones de la banda en incorporar sintetizadores, un instrumento que marcó el sonido de la década de los ochenta y que, aún cerrando los setenta, le dio a "With a Little Luck" un aire fresco y moderno al sonido del ex Beatle. Como todas las buenas canciones de McCartney, el mensaje positivo viene envuelto en una melodía alegre y efectiva, sobre un ritmo suave y agradable que contagia al oyente de esa energía positiva. "Buena Vibra" que diríamos ahora.

El single de "With a Little Luck" fue el primer sencillo de Wings después del éxito masivo de "Mull of Kintyre", y terminó de consolidad su éxito como solista tras la separación de The Beatles, alcanzando el puesto número 1 del Billboard Hot 100 en Estados Unidos. Posteriormente, fue incluida en varios recopilatorios de McCartney, como Wings Greatest (1978), All the Best! (1987) y Wingspan: Hits and History (2001), lo que demuestra la gran importancia de "With a Little Luck" dentro de su extensa y apreciada carrera.

1617.- Sin City - AC/DC

 

Sin City, AC/DC

     Sin City es una canción incluida en el álbum Powerage (1978) de AC/DC, compuesta por los hermanos Angus Young, Malcolm Young y Bon Scott. Lanzado en mayo de 1978, el álbum Powerage marcó un punto de inflexión para AC/DC, siendo su primer álbum con el bajista Cliff Williams y el primero en publicarse casi simultáneamente en mercados internacionales. El álbum fue un tanto desigual pero con grandes clásicos como Sin City. El grupo que captura empezaba a alacanzar cierta madures, alejándose de simples temas que hablaban de sexo y satanismo para explorar narrativas más complejas. La producción de George Young y Harry Vanda fue crucial para pulir el sonido crudo de la banal disco y Sin City esa característica energía que hace vibrar al tematanto en estudio como en directo.

Sin City refleja el estilo de vida hedonista y arriesgado de las grandes ciudades, con Las Vegas como inspiración implícita. La letra, de Bon Scott, a medio camino entre la arrogancia y el desafío, pinta un cuadro de tentaciones y peligros asociados con la búsqueda de riqueza y placer. La canción no solo es un retrato de la ambición desmedida, sino también un reflejo del propio viaje de AC/DC hacia el estrellato, navegando un mundo lleno de excesos y traiciones. Estamos ante una oda al riesgo y la ambición, un tema que nos habla también de la opulencia y la decadencia, una advertencia sobre los peligros de sucumbir a las tentaciones de la fama. Fink, La canción tambié refleja el carácter hermético y determinado del clan Young, quienes manejaban su carrera con una mentalidad casi mafiosa, protegiendo su visión artística a toda costa.

La canción combina la simplicidad efectiva del hard rock con un groove infeccioso y contagioso. Angus y Malcolm Young comienzan con uno de sus caracterísitcos riffs de guitarra, que va seguido de la batería de Phil Rudd y el bajo de Cliff Williams, que proporcionan una base rítmica sólida, mientras que la voz de Bon Scott, con su habitual descaro, eleva la narrativa de la canción. El riff principal, tiene una estructura repetitiva, casi hipnótica, y la canción alterna entre momentos de tensión y explosiones de energía, con un breve pero electrizante solo de guitarra de Angus. Sin City es el ejemplo perfecto de lo que muicalmente era AC/DC: "Una máquina bien engrasada donde cada elemento debía servir al conjunto".

Sin City también proyectaba una imagen de AC/DC como forajidos del rock, una banda que desafiaba las convenciones de la industria musical. A diferencia de otros grupos, los Young no buscaban complacer a críticos o discográficas, sino construir un legado basado en su autenticidad, y esta cruda canción es el ejemplo perfecto. No fue un sencillo principal de Powerage, pero se convirtió en uno de los favoritos de los fans y una pieza clave en los conciertos de AC/DC. Su inclusión en setlists en vivo, como los registrados en el Orpheum Theatre de Boston en 1978, demuestra su importancia dentro de la discografía de la banda, ayudando a consolidar la reputación de AC/DC como una fuerza imparable en el escenario.

1616 - AC/DC - Down Payment blues

1616 - AC/DC - Down Payment blues

“Down Payment Blues”, incluida en el álbum Powerage (1978), es una de esas canciones de AC/DC que, sin haber sido un éxito comercial rotundo ni un sencillo clásico, destila todo lo que hace potente y singular al grupo australiano. Con una mezcla de crudeza lírica, riffs sólidos y una interpretación vocal desgarrada, esta canción es un retrato brutalmente honesto de la lucha económica y la desilusión, muy alejada de los temas festivos y fiesteros que muchos asocian con AC/DC.

Desde los primeros acordes, el riff de Malcolm Young marca el tono con su característico minimalismo agresivo, acompañado por el bajo de Cliff Williams que refuerza ese sentido de repetición insistente, casi opresiva. La batería de Phil Rudd, siempre sencilla pero efectiva, sostiene el ritmo con precisión, dándole espacio al resto de los instrumentos sin sobrecargar. La guitarra solista de Angus Young aparece como una voz quejumbrosa y eléctrica, desgarrando el aire en cada solo, sin caer en virtuosismos vacíos.

La gran estrella de esta canción, sin embargo, es Bon Scott. Su interpretación vocal es una clase magistral de autenticidad. Canta como si realmente no pudiera pagar el alquiler, como si estuviera atrapado en la rutina de las cuentas impagables y las falsas esperanzas. La letra dice: “I got holes in my shoes and I’m way overdue / Down payment blues” (“Tengo agujeros en los zapatos y ya debería haber pagado / Blues de anticipo”), una imagen que resume la esencia del blues con lenguaje llano, directo y contemporáneo.

A diferencia de otros temas más lujuriosos o provocativos de la banda, “Down Payment Blues” presenta una faceta vulnerable, casi existencial. Aquí no hay mujeres, fiestas ni excesos. Solo hay frustración, rutina y la sensación de estar estancado en un sistema donde las promesas de éxito parecen cada vez más lejanas. Incluso la idea de escapar se ve desmentida por la falta de recursos y opciones. Este enfoque más oscuro y realista le da a la canción un peso emocional poco común en el catálogo más conocido de AC/DC.

Musicalmente, Powerage es considerado por muchos fans y críticos como uno de los discos más consistentes del grupo, y “Down Payment Blues” es una pieza clave de esa coherencia. No es una canción que grite por atención, pero sí una que deja huella. Su sinceridad, su tono sombrío y su groove inconfundible la convierten en una joya oculta del hard rock setentero. Es un recordatorio de que AC/DC, más allá de la imagen de fiesta y decibeles, también supo hablar de las miserias cotidianas con honestidad brutal y gran oficio musical.

Daniel 

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1614.- For You - Prince

 

For You (1978), el álbum debut de Prince publicado el 7 de abril de 1978, es un impresionante despliegue de habilidad y técnica musical para un debutante al que le faltaban dos meses para cumplir la veintena. Producido, arreglado, compuesto e interpretado por Prince (una frase que sería popular entre sus fans al aparecer en la práctica totalidad de sus discos), es considerado un esfuerzo inicial prometedor, pero aún carente de la chispa y el genio con los que abrumaría a su gran corte de seguidores en los años ochenta.

No contento con demostrarle al mundo que dominaba los 23 instrumentos que tocaba en el disco, decidió abrirlo con un tema a capella con el que dejar también claras sus habilidades vocales, y que es fuera el corte que le diera nombre al álbum. En For You (canción), y desprovisto de cualquier instrumento con el que arroparse, se hace cargo de todas las voces, añadiendo capas y capas de coros en falsete, con los que darle cuerpo a una premonitoria frase: "All of this and more is for you. With love, sincerity, and deepest care, my life with you I share" ("Todo esto y más es para ti. Con amor, sinceridad, y la más profunda atención, mi vida contigo comparto").

Y así fue. Esquivo durante muchos años a conceder entrevistas o a desvelar cualquier dato relacionado con su vida privada o sus opiniones, fue a través de sus innumerables canciones como pudo compartir con todos nosotros su mensaje y su genialidad. Y empezó a hacerlo con For You, un aparentemente sencillo tema que, por su particular formato, nunca tuvo un papel relevante en sus actuaciones en directo, pero sí que fue habitual escucharlo en su versión original, pregrabada como arranque de algunas de sus giras, como hizo en el "Nude Tour" (1990), mezclándola con fragmentos vocales de otras canciones como la intro de Let's go Crazy o el recitado del Padre Nuestro incluido en Controversy.

1612.- Tratado de impaciencia Nº 10 - Joaquín Sabina

1612 - Joaquín Sabina - Tratado de impaciencia Nº 10

Tratado de impaciencia Nº 10 es una de las canciones más representativas del primer Sabina, aquel que en 1978 daba sus primeros pasos en la música con el disco Inventario. En esta obra inicial, el cantautor andaluz todavía no había abrazado del todo el tono urbano, canalla e irónico que lo haría famoso más tarde. Por el contrario, aquí se muestra más cercano a la canción de autor tradicional, con una fuerte carga poética, introspectiva y melancólica.

La canción es, como sugiere su título, un ejercicio confesional sobre la espera, la ansiedad y el amor que desespera. Sabina articula un discurso donde la ausencia del ser amado se convierte en una tortura cotidiana. El "tratado" no es académico ni estructurado, sino visceral: una sucesión de escenas y emociones que exponen la fragilidad de quien ama con impaciencia, con dependencia y con dudas.

Musicalmente, el tema es sobrio y delicado. El acompañamiento acústico —guitarra y arreglos mínimos— sirve como telón de fondo perfecto para una letra que lo domina todo. Sabina canta con una voz más clara que en sus discos posteriores, pero ya deja entrever ese tono dolido, irónico y sincero que se volverá su marca registrada.

La letra destaca por su sinceridad cruda y su uso poético del lenguaje: “No soporto esta cama sin ti, sin nosotros”, dice, y condensa en una frase el vacío emocional que atraviesa el protagonista. A lo largo de la canción, aparecen imágenes que reflejan ese vaivén de emociones propias de una relación intensa, donde el deseo se mezcla con la duda, la necesidad con la rabia, la ternura con la frustración.

En Inventario, Sabina aún no se convierte en el cronista de bares y madrugadas, pero ya se vislumbra su enorme talento como letrista. En “Tratado de impaciencia Nº 10” hay un joven poeta que escribe desde la honestidad emocional, sin adornos superfluos ni poses impostadas. Es una canción íntima, casi como una carta que nunca se envía, o una plegaria dicha en voz baja a una persona que ya no está.

Este tema es una muestra temprana del poder lírico de Sabina, una joya discreta que emociona por su autenticidad y por la forma en que retrata el amor no como ideal romántico, sino como una forma de impaciencia perpetua.

Daniel 

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1611.- Don't Look Back - Boston

 

Don't Look Back, Boston

      En 1978, la banda estadounidense de rock Boston lanzó su segundo álbum, Don’t Look Back. Incluída en este disco, se encuentra la canción homónima que da título al mismo.  Escrita por el líder, guitarrista y principal compositor de la banda, Tom Scholz, se convirtió en uno de los mayores éxitos de Boston.

Don’t Look Back fue la última canción escrita y grabada para el álbum homónimo, el    cual fue publicado el 2 de agosto de 1978 bajo el sello Epic Records. Según Tom Scholz, que aparte de ser autodidacta era ingeniero graduado del MIT, "la canción surgió de un momento de inspiración en el que todo encajó”. Scholz no grabó un demo previa, sino que llevó directamente al estudio los acordes, la melodía y el arreglo, plasmándolos en la cinta maestra. Este enfoque espontáneo capturó el sonido característico de Boston: una combinación de guitarras potentes, producción impecable y unas grandes melodías.

El tema fue interpretado principalmente por Scholz, quien tocó la mayoría de los instrumentos, incluyendo las guitarras en las secciones de coro y partes intermedias, y el bajo, con una breve participación del bajista Fran Sheehan en algunas notas. El guitarrista Barry Goudreau, por su parte, se destacó con los solos de guitarra en la introducción y el cierre, los cuales Scholz elogió por su virtuosismo. La voz principal y los coros estuvieron a cargo de Brad Delp.

Don’t Look Back es un ejemplo perfecto del estilo de Boston, una mezcla de “producción prístina, guitarras orquestales gigantescas y voces estupendas”. La canción abre con un riff de guitarra distorsionado, creado con dispositivos diseñados por Scholz, quien se enorgullecía de no usar sintetizadores en el álbum. La canción destaca, por una parte por la poderosa voz de Brad Delp, y por otra parte, la línea de bajo melódica y la batería sólida, que proporcionan una base rítmica sólida y robusta, mientras que los “riffs abrasadores” y los pasajes melódicos equilibran los momentos de hard rock con momentos más suaves, especialmente en una pausa instrumental alrededor de los 3 minutos. 

Don’t Look Back es un canto a la superación y a vivir el presente sin aferrarse al pasado. Frases como “Don’t look back, a new day is breakin’” y “The road is callin’, today is the day” transmiten un mensaje de renovación y esperanza. La canción trata sobre mirar hacia adelante y aprovechar al máximo el tiempo en la Tierra, una idea que conecta con audiencias de todas las generaciones. Este mensaje universal, combinado con su energía rockera, hizo que el tema se convirtiera en un favorito en la radio y en un clásico del rock. El sencillo alcanzó el puesto número 4 en la lista estadounidense Billboard Hot 100 en octubre de 1978, consolidándose como uno de los mayores éxitos de Boston. Sin embargo, Scholz expresó su descontento con la presión de la compañía discográfica Epic Records para lanzar el álbum antes de que estuviera completamente listo, lo que resultó en un disco que él consideraba “ridículamente corto”. Esta premura marcó el inicio de una tensa relación con la discográfica que duró ocho años.

1610.- Soft and Wet - Prince

En 1978, un joven Prince Rogers Nelson irrumpió en la escena musical con su álbum debut For You, y aunque el disco no fue un éxito comercial inmediato, contenía una joya que prefiguraba su revolucionaria carrera: "Soft and Wet". Esta canción, escrita y producida íntegramente por Prince (quien, con apenas 19 años, ya demostraba un control absoluto sobre su arte), fusiona funk, R&B y un toque de rock psicodélico, marcando el inicio de una leyenda. 

Desde los primeros compases, "Soft and Wet" seduce con un riff de guitarra funk y un ritmo contagioso, pero lo que realmente destaca es su atrevida letra. Prince juega con el doble sentido desde el título mismo, combinando imágenes de ternura ("soft") con un erotismo descarado ("wet"). Versos como "You’re so soft and wet / I just can’t let you go" son una muestra temprana de su habilidad para mezclar lo sensual con lo musical, un sello que definiría su obra.  

La producción, aunque más modesta que sus trabajos posteriores, ya revela su obsesión por el detalle. Las capas de coros, los arreglos de percusión y los sutiles efectos de estudio (como los susurros que aparecen en los segundos planos) crean una atmósfera íntima, casi conspirativa. Prince no solo canta; susurra, gime y convierte cada palabra en una caricia auditiva.  

Musicalmente, "Soft and Wet" es una pieza de funk electrónico con influencias de artistas como Sly Stone y James Brown, pero Prince le imprime su propia identidad. La guitarra, aunque discreta, tiene ese tono picante que luego explotaría en éxitos como "Kiss", y los sintetizadores añaden un toque futurista. Aunque el sonido es claramente de su época, hay una frescura que lo mantiene vigente.  

Lo más notable es cómo esta canción —el primer sencillo de su carrera— ya contenía los elementos que lo convertirían en un icono: la fusión de géneros, la provocación inteligente y una producción meticulosa. Prince no solo quería hacer música; quería controlarla, moldearla y llevarla a territorios inexplorados.  

 

Aunque "Soft and Wet" no alcanzó el Top 40 en su momento, su importancia histórica es innegable. Fue la primera piedra de un artista que redefiniría la música pop, el funk y el rock en las décadas siguientes. Hoy, escucharla es como presenciar el nacimiento de un genio: audaz, sensual y completamente dueño de su arte.  

Para los fans de Prince, esta canción es un recordatorio de su evolución; para los nuevos oyentes, una introducción perfecta a su mundo. Una obra que, como su creador, es suave en la superficie pero audaz en el fondo.  

Daniel 

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