1205.- Sea Song - Robert Wyatt

Robert Wyatt es todo un icono de la primeriza "jazz fusion" dentro de la corriente del rock psicodélico y progresivo de los setenta, y un miembro fundador de bandas tan influentes en los setenta como Soft Machine y Matching Mole, en las que inicialmente tuvo el rol de batería y cantante, hasta que en 1973 sufrió una caída accidental desde una ventana y quedó parapléjico. Tras el accidente, Robert decidió abandonar Matching Mole, para explorar otros sonidos y alejarse del trabajo en una banda, comenzando una interesante carrera en solitario que se prolongó durante cuarenta años, hasta su retirada definitiva de la música en 2014.

Su segundo álbum en solitario ("Rock Bottom", 1974), grabado con la ayuda de músicos cercanos a Robert como Mike Oldfield, Ivor Cutler o Fred Frith, comienza con "Sea Song", un apasionante tema de más de seis minutos de intensa y profunda música en la que destaca sobre todo el uso del teclado, instrumento en el que Wyatt basó su actividad compositiva tras el accidente. Como el resto del álbum, "Sea Song" fue alabada por parte de la prensa británica especializada, con críticas positivas en NME, Melody Maker o Sounds, entre otras publicaciones del momento.

"Rock Bottom" llegó a entrar en las listas de éxitos de Estados Unidos, alcanzando en 1975 un meritorio puesto 13 de la lista Billboard, en su apartado de "rock progresivo", y su tema estrella "Sea Song" tuvo gran influencia en grupos posteriores como Rachel Unthank and the Winterset, que la versionaron en su álbum "The Bairns" (2007), y más conocida quizá sea la versión de Tears for fears, grabada en 1985 e incluida como cara B del single "I Believe", una canción que además dedicaban a Robert Wyatt en las notas del LP "Songs for the big chair" (1985).

1204.- I Want to See the Bright Lights Tonight - Richard and Linda Thompson

I Want to See the Bright Lights Tonight

     I want to See the Bright Lights Tonight es el segundo álbum de estudio lanzado por Richard Thompson, y el primero que incluye a su por entonces esposa, Linda Thompson. Fue grabado en los Sound Techniques Studios de Chelsea, Londres, bajo la producción de Richard Thompson y John Wood, y publicado el 30 de abril de 1974 por el sello discográfico Island Records para Reino Unido, y por el sello Hannibal Records en 1983 para Estados Unidos y Canadá. Aunque el disco no se vendió apenas y fue ignorado por la critica (no fue lanzado hasta 1983 fuera del Reino Unido), ha sido considerado como "una obra maestra atemporal" y considerado como uno de los mejores lanzamientos de los dos cantantes, ya sea trabajando juntos o en solitario.

Después del fracaso de su primer trabajo, Henry the Human Fly, el cantautor y guitarrista británico Richard Thompson inició una relación personal y profesional con Linda Peters, una cantante de sesión. Fruto de esa relación nació I Want to See the Bright Lights Tonight, que fue titulado provisionalmente Hokey Pokey, y se grabó con un reducido presupuesto de 2.500 libras esterlinas. Este segundo trabajo de Richard, y primero con su mujer, fue considerado por la crítica como una obra maestra, un clásico del folk rock inglés. 

Incluido en este álbum se encuentra la canción que da título al mismo, una canción que con su melodía melancólica y letras evocadoras, se ha convertido en un himno para aquellos que anhelan escapar de la monotonía de la vida cotidiana y sumergirse en la promesa de la noche. La canción comienza con una introducción atmosférica de guitarra acústica, que establece de inmediato un ambiente íntimo y contemplativo. A medida que avanza, la voz distintiva de Richard Thompson entra en juego, transmitiendo una sensación de anhelo y urgencia. Su estilo de canto directo y emocional se combina perfectamente con la letra, que narra el deseo de escapar de la rutina y buscar la emoción de la vida nocturna. Las letras pintan vívidamente imágenes de la ciudad iluminada por luces brillantes, evocando una sensación de fascinación y asombro. Richard y Linda Thompson logran capturar la dualidad de la noche, mostrando tanto su atractivo seductor como su aura de misterio. A medida que la canción avanza, la intensidad aumenta, con arreglos de guitarra eléctrica que añaden un toque de energía y emoción.

Uno de los aspectos más destacados de I Want to See the Bright Lights Tonight es la armonía vocal entre Richard y Linda Thompson. Sus voces se entrelazan de manera hipnótica, creando una sensación de unidad y complicidad que eleva la canción a nuevas alturas. Esta colaboración única entre marido y mujer añade una capa adicional de profundidad emocional a la canción, haciendo que resuene aún más en el corazón del oyente. A lo largo de la canción, se exploran temas universales como el deseo de escapar, la búsqueda de la felicidad y la tentación de lo desconocido. Es una canción que trasciende el tiempo y el espacio, transportando al oyente a un lugar donde los sueños y la realidad se entrelazan en la oscuridad de la noche.

1203.- Boogie On Reggae Woman - Stevie Wonder

 

Boggie On Reggae Woman, Stevie Wonder

     En 1974 Stevie Wonder publica su decimoséptimo álbum de estudio, Fulfilllingness' First Finale. Es grabado en los Record Plant y los Westlake Studios de Los Angeles, y en los Mediasound y lo Electric Lady Studios de Nueva York, bajo la producción de Robert Margouleff, Malcolm Cecil y del propio Stevie Wonder, y publicado el 22 de julio de 1974 por el sello discográfico Tamla Records, subsidiario de Motown Records.

Este disco fue el segundo del artista en encabezar la lista estadounidense Billboard Top LPs & Tapes, permaneciendo dos semanas, y también alcanzó el puesto número 1 en la lista Billboard Soul LPs, donde estuvo instalado durante nueve semanas, anunque no  consecutivas. Tuvo su culminación en la entrega anunal de los Premios Grammy de 1975, donde ganó en tres categorías: "Álbum del año", "Mejor Voz Pop Masculina" y "Mejor Interpretación Vocal Masculina de Rythm and Blues".

Incluído en este álbum se encuentra Boogie On Reggae Woman. Fue lanzada además como sencillo y continuó con la exitosa racha de Wonder en las listas de ventas. De hecho, con esta canción fue con la que ganó el premio Grammy a la "Mejor intepreetacón vocal masculina de R&B". En este punto de su carrera, Wonder se había ganado el derecho a negociar un contrato con Motown Records que le daba prácticamente el control total de sus grabaciones. Aprovechó para hacer algunas cancones de corte muy político, pero también grabó algún material más ligero, como Boogie On Reggae Woman. El éxito de Johnny Nash de 1972 con la canción "I Can See Clearly Now" demostró que el reggae podía tener hueco en las listas de éxitos, y Wonder apostó por utilizar este rirmo para esta canción.

Stevie Wonder grabó la canción en un momento muy prolíficio en su carrera. Tenía 21 años y había conseguido ya un más que prometedor contrato con Motown records. Con la ayuda de los ingenieros Margouleff y Cecil grababa constantemente, reservando tiempo en el estudio dondequiera que estuviera. Boogie On Reggae Woman fue una de esas muchas canciones que se grabron en aquel periodo, la cual estaba originalmente programada para su álbum Innervisions (1973), pero Margouleff logró convencerle de que encajaba mejor con su disco siguiente, Fulfillingness First Finale.

1201 - Neil Young - Walk on

1201 - Neil Young - Walk on

"Walk On" es una canción emblemática del legendario cantautor Neil Young, que forma parte de su álbum de estudio de 1974, "On the Beach". Con una duración de casi siete minutos, la pista es una mezcla perfecta de letras introspectivas y melodías cautivadoras que capturan la esencia del estilo distintivo de Neil Young.

Desde los primeros acordes de guitarra acústica, "Walk On" establece un ambiente melancólico y reflexivo que se mantiene a lo largo de toda la canción. La letra, característica de Young, está impregnada de una profunda introspección y un sentido de búsqueda de autenticidad y libertad. A medida que la canción avanza, las letras sugieren un viaje personal, con referencias a dejar atrás las cosas que ya no sirven y seguir adelante hacia lo desconocido. Es un himno para aquellos que buscan encontrar su propio camino en un mundo complejo y cambiante.

La instrumentación de "Walk On" es igualmente impresionante. La guitarra acústica de Neil Young se combina magistralmente con una variedad de instrumentos, incluyendo el piano y la armónica, creando una textura musical rica y evocadora. La estructura de la canción es orgánica y fluida, con cambios de tempo que reflejan la narrativa lírica de la búsqueda y el movimiento.

La voz de Neil Young, áspera y emocional, agrega una capa adicional de profundidad a la canción. Su entrega apasionada y sin pretensiones resuena con autenticidad, haciendo que las letras cobren vida de una manera única y poderosa. A medida que canta sobre dejar atrás el pasado y abrazar el futuro, su voz transmite una sensación de determinación y esperanza que es palpable.

"Walk On" es una de esas canciones que trasciende el tiempo y el espacio. A pesar de haber sido lanzada hace décadas, sigue siendo relevante y conmovedora hoy en día. Su mensaje atemporal de perseverancia y búsqueda de autenticidad resuena con personas de todas las edades y experiencias. Es una canción que invita a la reflexión y alienta a los oyentes a seguir adelante, incluso cuando los tiempos son difíciles.

"Walk On" es una obra maestra musical que encapsula todo lo que hace que la música de Neil Young sea tan perdurable y significativa. Con su mezcla única de letras profundas, melodías conmovedoras y una ejecución magistral, esta canción sigue siendo un testimonio perdurable del talento incomparable de Neil Young y su capacidad para tocar los corazones y las mentes de su audiencia.

Daniel 

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1200.- It ain't no use - The Meters

"It ain't no use" fue el single principal de "Rejuvenation" (1974), el quinto álbum de estudio del grupo funk de New Orleans The Meters, y el segundo con la discográfica Reprise, tras tres discos prácticamente instrumentales grabados con Josie Records. Producido por Allen Toussaint, que participó también en los arreglos de viento de muchas de las canciones, es un disco imprescindible del funk de los setenta, y su canción bandera es "It ain't no use", una joya funk de 12 minutos de duración y tantos o más quilates como minutaje.

Este himno funk de The Meters es un claro ejemplo de como la música puede transmitir determinadas emociones y sentimientos, porque la combinación del abrasivo ritmo funk y la sincera letra consiguen que, al escucharla, vivamos con intensidad las dudas del protagonista, que se debate entre romper una relación complicada, y el temor a arrepentirse después y acabar echando de menos a su pareja.

Ponemos aquí el cartel de "Alerta Spoiler" porque las dudas no se resuelven al final de la canción, y todo apunta a que seguirá con ella a pesar de ser consciente de que lo mejor sería dejarla, así que no sabemos si de haber hecho lo contrario habría terminado por arrepentirse, pero de lo que seguro os acabaréis arrepintiendo es de dejar pasar la ocasión de escuchar "It ain't no use" si no lo habéis hecho ya.

1198.- Don't let the sun go down on me - Elton John

"Don't Let the Sun Go Down on Me" fue originalmente escrita por Elton John y su colaborador habitual Bernie Taupin para formar parte de Caribou (1974), el octavo disco de estudio de Elton John. Fue lanzada además ese mismo año como primer single promocional del disco, con la canción "Sick City" en la cara B, y alcanzó el segundo puesto del Billboard Hot 100 estadounidense, y el 16 de las listas de ventas del Reino Unido.

En esta versión original, el estribillo de "Don't Let the Sun Go Down on Me" está apoyado con un arreglo de vientos de Del Newman, una línea de percusión de Ray Cooper, un mellotron interpretado por Dave Hentschel, y cuenta además con los coros de Carl Wilson y Bruce Johnston de los Beach Boys.

Años después, volvió a gozar de popularidad y repercusión mediática, cuando Elton John la regrabó en 1991 a dúo con George Michael, con quien ya la había interpretado en directo en el concierto Live Aid celebrado en Londres en el estadio de Wembley en 1985. Ya sea en una versión o en otra, "Don't Let the Sun Go Down on Me" es una de las canciones más poéticas que Elton John ha escrito jamás, una balada intensa y melódica imprescindible en cualquier colección de discos que se precie.

1196 - Eric Clapton - Motherless Children

1196 - Eric Clapton - Motherless Children

Eric Clapton, una leyenda viviente del rock y el blues, ha dejado una marca indeleble en la música con su habilidad incomparable en la guitarra y su voz distintiva. Con una carrera que abarca décadas y numerosos éxitos, Eric Clapton se ha ganado el respeto y la admiración de músicos y fanáticos de todo el mundo. Una de sus piezas más emblemáticas es "Motherless Children", una canción que encapsula la esencia del blues y muestra la maestría de Eric Clapton como intérprete y compositor.

Lanzada en 1974 como parte de su álbum "461 Ocean Boulevard", "Motherless Children" es un himno que fusiona el blues tradicional con el rock contemporáneo de la década de 1970. La canción comienza con un riff de guitarra inconfundible, marcado por la destreza técnica y el estilo único de Eric Clapton. Este riff establece el tono para la canción, que irradia una sensación de melancolía y desesperación.

La letra de "Motherless Children" aborda temas de soledad, pérdida y redención. Eric Clapton canta sobre la ausencia de una figura materna, una experiencia que resuena con la audiencia debido a su universalidad y emotividad. A través de sus letras sinceras y emotivas, Eric Clapton logra conectar con los oyentes a un nivel profundamente personal, transmitiendo una sensación de vulnerabilidad y autenticidad.

La estructura de la canción es típica del blues, con versos repetidos que se entrelazan con improvisaciones de guitarra. Sin embargo, lo que distingue a "Motherless Children" es la forma en que Eric Clapton infunde nueva vida en este género clásico con su estilo único y su pasión palpable por la música. Su interpretación vocal está llena de emoción y matices, capturando la angustia y el anhelo que impregnan la canción.

La instrumentación en "Motherless Children" es igualmente impresionante, con solos de guitarra ardientes que muestran la virtuosidad de Eric Clapton. Cada nota está imbuida de emoción, transmitiendo la intensidad y el poder del blues. La sección rítmica proporciona un fondo sólido para la expresión ardiente de Clapton, creando un contraste efectivo entre la melancolía de la letra y la energía cruda de la música.

Además de su impacto musical, "Motherless Children" también es significativa por su influencia en generaciones posteriores de músicos. La canción ha sido versionada y reinterpretada por numerosos artistas, demostrando su duradera relevancia en el mundo de la música. El legado de Eric Clapton como uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos se ve reforzado por joyas como esta, que continúan inspirando y emocionando a oyentes de todas las edades.

"Motherless Children" es una obra maestra del blues-rock que destaca el talento incomparable de Eric Clapton como músico y compositor. Con su emotiva letra, potente instrumentación y la pasión palpable de Clapton, la canción se ha ganado un lugar especial en el canon de la música popular. Es un testimonio perdurable del impacto duradero de Eric Clapton en la música y su habilidad para tocar los corazones de sus oyentes.

Daniel 

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1195.- I Shot the Sheriff - Eric Clapton

 

I Shot the Sheriff, Eric Clapton

     461 Ocean Boulevard es el segundo álbum de estudio en solitario de Eric Clapton. Fue grabado entre los meses de abril y mayo de 1974 en los Criteria Studios de Miami, bajo la producción de Tom Dowd, y publicado en julio de 1974 por el sello discográfico RSO Records. Su regreso, después de sus problemas con la heroína, con este disco se saldó encabezando muchas listas de países y vendiendo más de dos millones de copias. El título del disco hace referencia a la dirección en Ocean Boulevard, en Golden Beach, Florida, donde Clapton estuvo viviendo mientras grababa el álbum.

Después de superar sus adicciones a la heroína, Clapton se dio cuenta de que había desperdiciado tres años de su vida, donde lo único que había hecho es estar tirado y ver televisión. Cuando el guitarrista buscó ayuda, se puso a trabajar en una granja y comenzó a escuchar mucha música nueva y viejos discos de blues que había traído consigo, además comenzó a tocar la guitarra de nuevo, escribiendo incluso canciones enteras a partir de ideas simples. Con estas ideas en mente, Clapton recibió una cinta de demostración del ex bajista de Dereck and the Dominos Carl Radle, con canciones interpretadas por el propio Radle, con el tecladista Dick Sims y el baterista Jamie Oldaker. A Clapton le encantaron estas grabaciones, las cuales le parecieron simplemente magníficas.

Cuando Clapton se puso a escribir material para su nuevo disco, quería dejar sus canciones lo más incompletas posible, para que los músicos que fueran a grabar con él, tuvieran la oportunidad de colaborar y hacerlas suyas. El músico estaba ciertamente preocupado por el éxito comercial y artístico que el disco pudiera tener. Tenía la certeza de que sólo funcionaría si había química entre los músicos. Para tal empresa fichó a Carl Radle (bajo), Jamie Oldaker (batería), Dick Sims (teclados), Albhy Galuten (piano) y George Terry (guitarra, coros).

Incluido en este álbum se encuentra una versión de una canción de Bob Marley, titulada I Shot the Sheriff. Dicha canción había sido lanzada por Marley con su banda The Wailers en 1973. Sobre el significado de la canción, Marley llegó a afirmar: "Quería decir 'le disparé a la policía' pero el gobierno habría montado un escándalo, así que dije 'le disparé al sheriff' en su lugar... pero la idea es la misma: justicia". Clapton no estaba muy seguro de publicar su versión porque pensaba que podría parecer una falta de respeto para Bob Marley. Los miembros de su banda y su mánager lo convencieron de que no solo debía ir en el disco, sino que también debía lanzarse como sencillo. Más tarde Clapton llegó a Hablar con Marley sobre la canción: "Traté de preguntarle de qué se trataba la canción, pero no pude entender mucho su respuesta. Me sentí aliviado de que le gustara lo que habíamos hecho". Clapton mantuvo el timo reggae de la canción original, pero le metió un estilo más rockero, con órgano y guitarra marcando el ritmo. En Estados Unidos, por aquella época el reggae no era muy grande, pero Clapton, con su toque de reggae mezclado con rock dio en el clavo.

1194 - Grateful Dead - Scarlet Begonias

1194 - Grateful Dead - Scarlet Begonias

Grateful Dead es una banda icónica que surgió en la escena musical de San Francisco a finales de la década de 1960. Con una mezcla única de rock psicodélico, folk, blues y improvisación, Grateful Dead se convirtió en una fuerza revolucionaria en la música, no solo por su sonido innovador, sino también por su enfoque en vivo, donde cada concierto era una experiencia única y orgánica.

Una de las canciones más emblemáticas de Grateful Dead es "Scarlet Begonias", lanzada en 1974 como parte de su álbum "From the Mars Hotel". La canción, escrita por Jerry Garcia y Robert Hunter, es un viaje auditivo que combina letras poéticas con melodías pegajosas y arreglos intrincados.

"Scarlet Begonias" transporta a los oyentes a un mundo lleno de colores vivos y personajes misteriosos. Las letras cuentan la historia de un encuentro casual entre el narrador y una mujer llamada Scarlet, cuyo encanto y presencia lo cautivan. La narrativa está impregnada de imágenes surrealistas y metáforas, creando una atmósfera etérea y evocadora que invita a la reflexión y la imaginación.

Musicalmente, la canción es un ejemplo brillante del estilo característico de Grateful Dead. Desde el riff de guitarra distintivo de Jerry Garcia hasta los ritmos fluidos de la sección rítmica, "Scarlet Begonias" despliega una complejidad armoniosa que es al mismo tiempo accesible y fascinante. La habilidad de la banda para tejer capas de sonido y explorar diferentes texturas sonoras se destaca especialmente en esta pista, donde cada instrumento contribuye a la riqueza del paisaje sonoro general.

Pero lo que realmente hace que "Scarlet Begonias" sea especial es su capacidad para evolucionar y transformarse en vivo. Grateful Dead era conocido por sus improvisaciones extensas durante las presentaciones en directo, y esta canción no fue la excepción. Cada interpretación en vivo de "Scarlet Begonias" era única, con la banda explorando nuevos territorios musicales y llevando a los oyentes en un viaje improvisado e inolvidable.

Además de su impacto musical, "Scarlet Begonias" también se ha convertido en un símbolo de la cultura contracultural de la época. Sus letras llenas de referencias a la contracultura, la naturaleza y la espiritualidad resonaron con una generación de jóvenes que buscaban una alternativa al status quo establecido.

"Scarlet Begonias" de Grateful Dead es mucho más que una simple canción; es un testimonio de la creatividad y la innovación de una de las bandas más influyentes en la historia de la música popular. Su combinación única de letras evocativas, melodías cautivadoras y improvisaciones brillantes la convierte en una pieza atemporal que sigue inspirando y emocionando a oyentes de todas las generaciones.

Daniel 

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1193 - Aerosmith - Lord of the things

1193 - Aerosmith - Lord of the things

Aerosmith, una de las bandas más icónicas del rock, ha dejado una marca indeleble en la historia de la música con su distintivo sonido y su energía inigualable en el escenario. Desde sus inicios en la década de 1970 hasta el presente, la banda ha cautivado a millones de fans en todo el mundo con sus inconfundibles riffs de guitarra, letras emotivas y la poderosa voz de su líder, Steven Tyler.

Una de las canciones más destacadas de Aerosmith que merece especial atención es "Lord of the Things". Esta pista, incluida en su álbum de 1975 "Toys in the Attic", es un brillante ejemplo de la habilidad de la banda para combinar letras poéticas con un ritmo frenético y una instrumentación excepcional.

"Lord of the Things" comienza con un riff de guitarra inconfundible, cortesía del legendario Joe Perry, que establece de inmediato el tono enérgico de la canción. La batería de Joey Kramer y el bajo de Tom Hamilton se unen para crear una base rítmica sólida que impulsa la canción hacia adelante con una intensidad implacable.

Las letras de "Lord of the Things" son un testimonio del ingenio lírico de Aerosmith. Con metáforas evocadoras y una narrativa surrealista, la canción transporta al oyente a un mundo de fantasía donde la realidad se entrelaza con la imaginación. La voz distintiva de Steven Tyler da vida a las letras con su entrega apasionada y emotiva, capturando la esencia de la lucha entre el bien y el mal que permea la canción.

Uno de los aspectos más destacados de "Lord of the Things" es su estructura musical dinámica. La canción presenta cambios de ritmo y melodía que mantienen al oyente completamente absorto, desde los suaves versos hasta los explosivos estribillos. Los solos de guitarra de Joe Perry agregan una capa adicional de emoción y virtuosismo, demostrando por qué es considerado uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos.

Además de su calidad musical, "Lord of the Things" también ha dejado un impacto duradero en la cultura popular. La canción ha sido utilizada en varias películas, programas de televisión y comerciales, lo que demuestra su relevancia continua y su capacidad para resonar con audiencias de todas las edades.

"Lord of the Things" es una joya dentro del vasto repertorio de Aerosmith que encapsula perfectamente la esencia de la banda. Con su combinación de letras ingeniosas, instrumentación magistral y la inconfundible voz de Steven Tyler, esta canción sigue siendo un testimonio del talento y la creatividad de una de las bandas más influyentes en la historia del rock.

Daniel 

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1192 - Robin Trower - Bridge of sighs

1192 - Robin Trower - Bridge of sighs

En el mundo del rock y el blues, hay ciertas canciones que trascienden el tiempo y el espacio, dejando una impresión indeleble en quienes las escuchan. Una de esas canciones es "Bridge of Sighs" de Robin Trower, una obra maestra que captura la esencia misma del talento y la pasión musical. En esta reseña, exploraremos a fondo la riqueza emocional y el virtuosismo técnico que hacen de esta canción un punto culminante en la carrera de Robin Trower.

Antes de sumergirnos en la música misma, es importante comprender el contexto en el que "Bridge of Sighs" fue creada. En la década de 1970, el mundo de la música estaba experimentando una revolución, y artistas como Robin Trower estaban en el centro de la acción. Con influencias que van desde el blues hasta el rock psicodélico, Robin Trower estaba perfectamente posicionado para dejar su huella en la escena musical.

El corazón de "Bridge of Sighs" reside en su composición y ejecución magistral. Desde el cautivador riff de guitarra que abre la canción hasta el épico solo que sirve como clímax, cada nota está impregnada de emoción y expresión. La voz suave y etérea de Trower complementa a la perfección la intensidad de la música, mientras que la letra enigmática añade una capa adicional de profundidad emocional.

A lo largo de los años, "Bridge of Sighs" ha dejado una marca indeleble en la cultura musical. Ha sido sampleada, versionada y elogiada por generaciones de músicos y aficionados por igual. Su influencia se extiende mucho más allá del mundo del rock y el blues, sirviendo como un recordatorio atemporal del poder transformador de la música.

En última instancia, "Bridge of Sighs" de Robin Trower es mucho más que una simple canción. Es una experiencia auditiva que trasciende el tiempo y el espacio, capturando la esencia misma del talento y la pasión musical. A medida que continúa cautivando a oyentes de todo el mundo, su legado perdurará, recordándonos a todos la magia que se encuentra en la intersección del arte y la emoción humana.

Gracias por acompañarnos en este viaje a través de la fascinante historia de "Bridge of Sighs" de Robin Trower. Esperamos que esta reseña haya iluminado un poco más la belleza y la profundidad de esta obra maestra musical. ¡Hasta la próxima!

Daniel 

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1189.- Bad Company - Bad Company

Bad Company, Bad Company

     En 1973, Paul Rodgers (vocalista y pianista) y Simon Kirke (batería) que acababan de dejar el grupo Free, se juntan con Mick Ralphs (guitarra) ex miembro de Mott the Hopple, y con Boz Burrel (bajo) ex miembro de King Crimson, y fundan el grupo llamado Bad Company, llamado así por la obsesión de Paul Rodgers por una película del genero western también llamada así. En 1974 debutan con el disco titulado como la formación Bad Company, publicado por la compañía propiedad de Led Zeppelin Swan Song. Nos encontramos con un disco rockero con marcadas influencias bluseras. 

Incluído en este álbum encontramos la canción que da título al mismo, Bad company, tema que comienza con Paul Rodgers al piano, y que va creciendo por momentos hasta acabar desplegando todo el potencial de la banda. Según casi todas la biografías de la banda, esta canción y el nombre del grupo provienen de Bad company, un western aclamado por la crítica y protagonizado por Jeff Bridges que fue estrenado en 1972. Según Paul Rodgers, decidieron usar una canción con el mismo nombre: "Creo que porque nunca se había hecho, hasta donde yo sabía. Pensé que era interesante salir como una banda nueva con su propio tema musical". Para conseguir el sonido de la pista y su atmósfera especial, Rodgers grabó su voz en el silencio de la noche en medio de un campo bajo la luz de la luna. "Nos llevó unas tres horas configurarlo todo... pero cuando llegó el momento, lo hicimos y lo hicimos en una sola toma". 

La canción comienza con un distintivo toque de piano a manos de Paul rodgers, que establece el oscuro y melancólico ambiente de la canción, creando una atmósfera envolvente que perdura a lo largo de todo el tema. Mientras, las letras narran la historia de un hombre que ha vivido un vida de delitos y violencia, buscando la redención y un nuevo comienzo. Con líneas como "I was born, six.gun in my hand" (Nací, pistola en mano), la canción evoca imágenes de un individuo atormentado por su pasado y decidido a cambiar su destino. La voz única y llena de matices de Paul Rodgers añade un extra de emoción y autenticidad a este excelso tema, capturando brillantemente la angustia y el anhelo del protagonista. El ritmo pausado y melódico de la canción crea un genial contraste con la intensidad lírica que transmite el cantante, y la guitarra de Ralphs y la sección rítmica de Kirke (batería) y Burrell (bajo) complementan perfectamente la voz de Rodgers, creando una experiencia sonora y auditiva conmovedora y fascinante.

1188.- Can't Get Enough - Bad Company

 

Can't Get Enough, Bad company

     Bad Company es el álbum debut de la banda de rock inglesa Bad company, compuesta por Paul Rodgers (voz), Mick Ralphs (guitarra), Boz Burrell (bajo) y Simon Kirke (batería). Fue grabado durante el mes de noviembre de 1973 en el Mobile Studio de Ronnie Lane, en Headley Grange, Inglaterra, bajo la producción del propio grupo, y publicado en mayo de 1974 bajo el sello discográfico Swan Song Records, propiedad de Led Zeppelin, en Estados Unidos, y de Island Records en el Reino Unido. 

Incluido en este álbum se encuentra la canción Can't Get Enough, donde se entremezclan un refinado sonido hard rock con un excelente toque blusero imprimido por la genial voz de Paul Rodgers. Esta canción fue el mayor éxito del grupo en las listas de ventas, alcanzando el puesto número 5 en la lista estadounidense Billboard Hot 100, y el número 1 en la lista de los 100 mejores sencillos de la revista Cashbox. Está acreditada al guitarrista Mike Ralphs, quien utilizó una afinación diferente de su guitarra para la grabación. Fue escrita cuando el guitarrista todavía estaba con el grupo Mott the Hopple, pero la banda no mostró interés en ella y la descartó. 

Can't Get Enough se ha convertido por derecho propio en una de esas canciones icónicas que perduran en el tiempo, cautivando a generaciones con su poderosa mezcla de rock y blues. Desde sus primeros acordes de guitarra hasta la voz distintiva de Paul rodgers, hacen que la canción se haya convertido en un himno atemporal que encapsula la esencia del rock. La letra de la canción gira en torno a un tema universal: El deseo ardiente y la obsesión por un amor inalcanzable. Con líneas como "I can't get enough of your love" (No puedo tener suficiente de tu amor), la canción transmite la intensidad de la pasión y el anhelo que consume al protagonista. La sección rítmica de la batería de Simon Kirke y el bajo de Boz Burrell, se fusionan perfectamente con las guitarras de Ralphs y la voz de Rodgers para regalarnos uno de los grandes momentos del rock.

1187 - Aquelarre - Silencio marginal

1187 - Aquelarre - Silencio marginal

"Silencio Marginal" es una joya musical que encapsula el talento y la profundidad artística de Aquelarre, una influyente banda argentina que emergió en la década de 1970. Formada por músicos virtuosos como Héctor Starc en la guitarra, Hugo González Neira en el bajo, y Rodolfo García en la batería, junto con la voz inconfundible de Carlos Cutaia, Aquelarre dejó una huella indeleble en la escena del rock argentino.

A lo largo de su carrera, Aquelarre se destacó por su habilidad para fusionar elementos de rock progresivo, blues y música folclórica argentina, creando un sonido distintivo que resonó con una amplia audiencia. "Silencio Marginal" es un ejemplo perfecto de esta fusión de estilos, con sus guitarras eléctricas hipnóticas, ritmos cautivadores y letras profundas que exploran temas universales como la soledad y la búsqueda de significado.

Aquelarre no solo fue una fuerza innovadora en el ámbito musical, sino que también desafiaron las convenciones sociales y culturales de su tiempo. En un momento de agitación política y social en Argentina, su música se convirtió en una voz para aquellos marginados y alienados por la sociedad. Canciones como "Silencio Marginal" sirvieron como un reflejo de las luchas y las esperanzas de toda una generación.

Además de su impacto en la escena local, Aquelarre también ganó reconocimiento internacional, llevando su música a audiencias de todo el mundo. Su legado perdura hasta el día de hoy, y canciones como "Silencio Marginal" continúan siendo celebradas como ejemplos sobresalientes del talento y la creatividad de esta icónica banda argentina.

"Silencio Marginal" no solo es una canción excepcional en términos musicales y líricos, sino que también es un testimonio del impacto perdurable de Aquelarre en la historia del rock argentino. Su habilidad para combinar diferentes influencias musicales con una profundidad emocional y social lo convierte en un hito en la música latinoamericana y en un recordatorio del poder transformador del arte.

Daniel
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1186.- Annie's Song - John Denver

"Annie's Song", también conocida como "Annie's Song (You Fill Up My Senses)" fue el single principal de "Back home again" (1974), el octavo disco de estudio del cantante y compositor estadounidense John Denver. Fue el segundo tema de Denver en llegar al primer puesto de las listas de ventas en Estados Unidos, puesto que también alcanzó en el Reino Unido.

Fue escrita en su mayor parte en un telesquí que se dirigía a la cima de una montaña en Aspen, Colorado, en un momento en el que la euforia tras un intenso día de esquí y lo impresionante de las vistas le hicieron pensar en su esposa. La estructura básica de la canción le vino entonces a la cabeza, y tras esquiar de vuelta se fue a su casa y la escribió en un papel.

John Denver tocó una primera versión de la canción al arreglista y productor Milt Okun, que vio en ella la misma melodía del segundo movimiento de la "Quinta Sinfonía" de Tchaikovsky, lo que empujó a Denver sentarse al piano durante una hora y reformular la música hasta que de la coincidencia entre su emotiva canción de amor y la pieza clásica de Tchaikovsky solo quedaron las primeras cinco notas.

1185.- Lovin' You - Minnie Riperton

 

Loving You, Minnie Riperton

     Minnie Riperton fue una cantante y compositora de soul estadounidense conocida por su rango vocal del cinco octavas, y más conocida aún por su exitoso sencillo Lovin' you, grabado en su segundo álbum de estudio, Perfect Angel. Este segundo trabajo de Minnie Riperton fue grabado entre 1973 y 1974 en los Record Plant Studios de Los Angeles bajo la producción de su marido Richard Rudolph y de Stevie Wonder, y publicado el 9 de agosto de 1974 por el sello discográfico Epic Records.

Tras un fallido primer álbum, titulado Come to My Garden (1970), Minnie se había convertido en ama de casa y madre de dos hijos en Florida. Pero un universitario que trabajaba para Epic Records la redescubrió, y después de escuchar una demostración suya de la canción "Lie In The World", se la hizo llegar a Grace Allen, quien era una alto cargo de Epic Records. Poco después Minnie firmaba con Epic y se mudaba con su familia a Los Angeles. El marido de Minnie, Richard Rudolph, dijo que poco después de que ella firmara con Epic, fue preguntada por quien quería que produjera el disco, ella pidió a Stevie Wonder, y se dio la casualidad de que Wonder era un gran admirador de su trabajo, pero puso una condición: el acababa de firmar con Motown Records y le preocupaba que no le dejaran trabajar en el proyecto, por lo que apareció en el álbum bajo el seudónimo "Black Bull" (Toro Negro).

Al final de la producción, había ocho canciones completas, pero Wonder quería una canción más para que el disco se acercara a los estándares de la industria con una duración de unos 40 minutos. Fue entonces cuando le pidió a ella y a su marido, quien era también compositor y solía componer con ella, que idearan una melodía que consideraran su "canción más vergonzosa". Minnie mencionó entonces una canción de cuna que le solía cantar a su hija Maya para que se durmiera por las noches, y así tener ratos de intimidad con su marido Rudolph. Así es como con la ayuda de su marido creó Lovin' you a partir de esa canción de cuna. La canción fue grabada rápidamente con Wonder en el piano eléctrico y sintetizadores, y Rudolph proporcionó el canto de los pájaros desde un carrete de efectos de sonido. Realmente la canción tuvo sus comienzos en 1971, cuando Rudolph comenzó a componer la canción mientras vivían en Chicago, y sería aquí en Los Angeles cuando le acabarían de dar forma, Minnie desarrollando la melodía final y Rudolph escribiendo la letra y el puente de la canción.

La ventas comenzaron bastante lentas y Epic había decidido pasar al siguiente proyecto, sin embargo algunas estaciones de radio estaban reproduciendo Lovin' You como un corte el álbum. Minnie y Rudolph al enterarse de esto pidieron a la discográfica que dieran una oportunidad a la canción como sencillo. Epic acertó y la canción llegó a conquistar el puesto número 1 en las listas de ventas Pop de Estados Unidos y el puesto número 3 en las de R&B. El disco, gracias a esta canción, llegó a conseguir la certificación de Disco de oro, el único en toda la carrera de la artista.

1184.- Rock your baby - George McRae

George McCrae debutó a lo grande con el single "Rock Your Baby", tema precursor de los grandes himnos dance de los setenta, que fue escrito y producido por Harry Wayne Casey y Richard Finch de KC and the Sunshine Band. Fue un éxito absoluto de ventas en 1974, alcanzando el primer puesto tanto del "Hot 100" como del R&B chart en Estados Unidos, y llegando también a lo más alto del UK Singles Chart.

El aluvión de ventas y popularidad de "Rock Your Baby" fue totalmente inesperado tratándose de una canción destinada originalmente a la KC and the Sunshine Band, cuya base musical fue grabada en tan solo 45 minutos como una demo con Jerome Smith a la guitarra, los teclados de Harry Wayne Casey y con Richard Finch en el bajo y la batería programada. Casualmente, George McCrae andaba por el estudio y añadió la parte vocal, y la curiosa mezcla entre el ritmo pegadizo de la base y la suavidad y calidez de su interpretación vocal resultó ser mágica.

"Rock Your Baby" despertó a la vez admiración y sana envidia entre otros músicos de su generación. Por ejemplo, el popular grupo sueco ABBA la usó como inspiración para la base rítmica de su célebre "Dancing Queen" de 1976, y el mismísimo John Lennon declaró que "habría dado uno de sus dientes por haber escrito esa canción", y se basó en ella para la progresión de acordes de su éxito "Whatever Gets You thru the Night", grabada solo unos meses después que "Rock Your Baby".

1183.- Until you come back to me - Aretha Franklin

En 1967, Stevie Wonder grabó "Until You Come Back to Me (That's What I'm Gonna Do)", una agradable y melódica balada de soul y coros góspel al típico estilo "Motown", que había escrito él mismo junto a Morris Broadnax y Clarence Paul, pero no consideró que la canción tuviera el potencial suficiente como para ser publicada como single, y tampoco la llegó a incluir en ninguno de sus discos hasta 1977, cuando fue parte de la antología de canciones "Looking Back".

Sin embargo, en 1973 Aretha Franklin se topó con la canción  y vio en ella el potencial que Wonder no le había otorgado, y grabó "Until You Come Back to Me (That's What I'm Gonna Do)" como single, con el tema "If You Don't Think" en la cara B, y no tardó en recoger los frutos de tan acertada decisión, porque el sencillo llegó  al primer puesto de las listas de ventas de R&B, y al tercero de la lista general del Billboard Hot 100 en 1974.

Con el éxito de "Until You Come Back to Me (That's What I'm Gonna Do)", Aretha Franklin se convirtió además en la primera artista en la historia que logró tener en la lista "Hot 100" una canción que estuviera en los de diez primeros puestos de la lista durante su recorrido comercial, algo que después solo lograron repetir Marvin Gaye en 1983, Madonna in 1996, Drake en 2013 y Taylor Swift en 2015.

1180.- Rebel Rebel - David Bowie

"Rebel Rebel" fue el single de lanzamiento del disco "Diamond Dogs" (1974) de David Bowie, publicado el 15 de Febrero de 1974 por RCA Records, con "Queen Bitch" en la cara B. El sencillo fue un gran éxito comercial, llegando al quinto puesto del chart del Reino Unido y al nº 64 del Billboard Hot 100 estadounidense, cumpliendo además su objetivo de impulsar las ventas del disco. Dos fueron las versiones que se grabaron de "Rebel Rebel", una (la más conocida) para el single del Reino Unido, y otra (más corta y con diferentes arreglos) para su publicación como sencillo en USA en Mayo de 1974, con "Lady Grinning Soul" en la cara B.

Escrita y producida por Bowie, y planeada originalmente como uno de los temas de un musical sobre Ziggy Stardust que Bowie acabó abandonando, esta canción de aire proto-punk es probablemente su canción más versionada por otros artistas a lo largo de los años, y el gran culpable de su éxito, y la base central en la que todo el tema se basa de principio a fin, es un pegadizo y stoniano riff de guitarra, que potenció sobremanera una letra considerada como uno de sus últimos himnos glam rock.

"Rebel Rebel" se grabó en una sola sesión de trabajo en los Trident Studios de Londres en las navidades de 1973. Bowie indicó a los músicos que quería que la canción sonara como los grandes temas de The Rolling Stones, e interpretó el riff al guitarrista invitado Alan Parker para que lo ensayaran juntos y le ayudara a perfeccionarlo. Parker lo tocó al completo cuando estuvo terminado, y siempre sospechó que su interpretación del riff durante aquellos ensayos fue la que acabó sonando en la canción final, pero nunca fue acreditado por, presumiblemente, haber tocado uno de los riffs más gloriosos y reconocibles de la historia del rock.

1179.- Diamond Dogs - David Bowie

"Diamond Dogs" es la canción que da título al octavo disco de estudio de David Bowie, ya sin el apoyo de su célebre banda de acompañamiento de The Spiders from Mars con la que había facturado sus mejores discos de glam rock, y aunque también produjo el álbum él mismo, contó de nuevo con la presencia de Tony Visconti para los arreglos de cuerda y para la mezcla del disco. Al no contar por primera vez con Mick Ronson, Bowie asumió la mayor parte de las guitarras del disco, practicando exhaustivamente cada día hasta llegar al nivel de calidad necesario para la grabación.

La temática apocalíptica de la canción y del disco se basa en la novela "1984" de George Orwell, las obras de Willian S. Burroughs, y un proyecto de musical basado en el personaje de Ziggy Stardust que finalmente Bowie abandonó. Dentro del universo de personajes de Bowie, en "Diamond Dogs" aparece un nuevo alter ego llamado "Halloween Jack", "un gato molón" que lidera a los "perros diamante", una banda de niños salvajes que acampan en los tejados de los rascacielos, con la estética y la actitud que adoptaron grupos punk posteriores como The Sex Pistols, y de hecho Bowie los describió como "pequeños Johnny Rottens y Sid Vicious, pandillas de viciosos encapuchados, con cuchillos y pieles, flacos por no comer suficiente, y con el pelo de colores divertidos".

Publicada en junio de 1974 como segundo single del álbum tras "Rebel Rebel", con una regrabación del tema de 1971 "Holy Holy" en la cara B, fue el single de menos éxito del disco al alcanzar solo el puesto 21 de la lista de ventas del Reino Unido, y no lograr entrar en las listas del Billboard estadounidense. Este pequeño traspiés de los "perros diamante" no le quita relevancia a una canción que está entre las más imaginativas y extrañas del universo creativo del gran David Bowie.