Sleepwalker - The Kinks #mesTheKinks

Cerramos el #mesTheKinks con su decimosexto álbum de estudio, "Sleepwalker" (1977), que si bien no es una de las obras maestras de su discografía, si que es un disco interesante por marcar un regreso a las canciones de rock directas con las que comenzaron su carrera, y a una estructura estándar de banda de cuatro miembros, sin el aderezo de coristas o secciones de metales. Este radical regreso a los orígenes incluyó también el abandono de las historias conceptuales y las estructuras teatrales de sus discos anteriores, que les había proporcionado tan buenas críticas como paupérrimos réditos comerciales. En su lugar, se lanzaron a un efectivo "rock de estadios", más convencional y comercial, con el que rellenar un poco las maltrechas arcas del grupo.

"Sleepwalker" es también el primer álbum publicado con la discográfica Arista, y el último álbum de The Kinks con el bajista John Dalton, quien dejó la banda durante las sesiones de grabación, cansado de la ajetreada vida del grupo y queriendo dedicar más tiempo a su familia, pero su bajo está aún presente en todas las canciones del álbum salvo en "Mr. Big Man", el último de los más de veinte temas que se llegaron a grabar para el disco entre mayo y diciembre de 1976. De todos ellos, solo nueve terminaron dando forma definitiva a "Sleepwalker".

Entre las primeras canciones que se grabaron estaba "Life on the Road", canción de arranque melancólico y posterior desarrollo en clave de rock de ritmo desenfadado y pegadizo con el que da comienzo "Sleepwalker". Le sigue la ya mencionada "Mr. Big Man", tema de rock más oscuro e introspectivo en el que Andy Pyle sustituye al por entonces ya ausente John Dalton, en una de las piezas musicales más acertadas del disco. Sin tiempo para la pausa, llega el turno de "Sleepwalker", la canción que da título al disco, y una de las más alegres y pegadizas. Con riffs y solos efectivos, es otro de los momentos más comerciales y directos del álbum. Publicada como single, alcanzó el puesto 48 del Billboard Hot 100 estadounidense, entrando en esa privilegiada lista por primera vez desde que lo hicieran con el single de "Apeman" en 1970. 

Otra de las primeras canciones en ser grabadas para el disco fue "Brother", la balada con la que cierra la primera cara de "Sleepwalker", un tema que se llegó a plantear como single, pero acabaron descartando esa idea por tener cierto parecido con el "Bridge over Troubled Water" de Simon and Garfunkel. Sí que salió publicado como single el siguiente tema del disco, "Juke Box Music", una animada canción al más puro estilo Elton John, que no logró entrar en el Billboard Hot 100. Es el tema más animado de una cara B más melódica y menos impactante, con temas correctos como "Sleepless Night" (en la que la voz y la música recuerdan al Paul McCartney de los tiempos de Wings), la balada taciturna Stormy Sky, el tema de aire country rock "Full Moon" (publicado como cara B en el single de "Sleepwalker") o el melódico cierre de disco que es "Life Goes On", un tema en el que los hermanos Davies nos dicen en tono positivo que hay que mirar hacia adelante y que "la vida continúa".

No deja de ser una verdad como un templo, pero habría sido más fácil que la vida siguiera su curso sin el sentimiento de nostalgia de los Kinks de "Lola vs Powerman", "Arthur" o "The Kinks are the Soul Preservation Society" que nos deja la escucha de un disco como "Sleepwalker". Pero "La vida continúa", y en 7días7notas lo haremos dedicando el mes de octubre a los mejores discos de Joe Satriani, genial guitarrista que seguro nos saca de la nostalgia por el final del verano y por aquellos gloriosos Kinks de antaño.

Everybody's in Show-Biz - The Kinks #mesTheKinks

Everybody’s in Show-Biz de The Kinks (1972) #mesTheKinks

Everybody's in Show-Biz, lanzado en agosto de 1972, es uno de los álbumes más interesantes y polarizantes en la carrera de The Kinks. Este trabajo muestra la transición de la banda, dirigida por el carismático y prolífico Ray Davies, desde el formato tradicional de álbumes conceptuales y canciones narrativas hacia una exploración más compleja de temas como el agotamiento de la vida en la carretera y la percepción distorsionada de la fama y el éxito. Aunque no alcanzó el mismo estatus icónico que algunos de sus lanzamientos anteriores, como The Kinks Are the Village Green Preservation Society o Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire, Everybody’s in Show-Biz destaca por su innovación conceptual y su mezcla de géneros musicales.

Para 1972, The Kinks ya habían alcanzado el estatus de leyendas en la escena musical británica y mundial. La banda fue pionera en la invasión británica con éxitos como "You Really Got Me" y "All Day and All of the Night", que sonaban a rock puro con guitarras contundentes y riffs potentes. Sin embargo, a finales de la década de los 60 y principios de los 70, Ray Davies comenzó a alejarse de esos himnos juveniles y adoptó un enfoque más reflexivo y nostálgico en su composición, lo que se tradujo en álbumes profundamente conceptuales. Este cambio marcó el inicio de una fase en la que Davies volcó su atención en retratar la vida cotidiana británica, la clase trabajadora y los cambios culturales de la época.

Es en este contexto donde se sitúa Everybody’s in Show-Biz. Grabado en un momento de agotamiento físico y emocional de la banda debido a las constantes giras y la vida nómada, el álbum refleja una mezcla de cinismo, nostalgia y cierta ironía sobre el mundo del espectáculo y la fama. La idea de que todos, de alguna manera, están "en el show" es central, no solo para los artistas que se presentan sobre el escenario, sino también para el público y la sociedad en general, atrapados en una performance constante.

Everybody’s in Show-Biz es un álbum doble que se divide en dos partes: la primera es un conjunto de canciones de estudio, mientras que la segunda es un registro en vivo de algunas de sus presentaciones en el Carnegie Hall de Nueva York. Esta estructura ya sugiere una dualidad interesante, en la que la banda explora no solo su faceta creativa en el estudio, sino también la realidad, a veces más cruda y menos glamorosa, de sus conciertos.

La primera mitad del álbum se caracteriza por una gran diversidad musical. Ray Davies, conocido por su ingenio y lirismo, aborda temas como el cansancio de la vida en la carretera, el anhelo de una vida más simple y la relación paradójica con la fama. El álbum abre con la enérgica y satírica "Here Comes Yet Another Day", una canción que resume perfectamente el tema del agotamiento que permea el disco. Aquí, Davies canta sobre el tedio y la monotonía de la vida en giras, un tema recurrente a lo largo de las canciones de estudio.

Temas como "Motorway" y "Sitting in My Hotel" profundizan en esta sensación de alienación y fatiga. "Motorway" es una oda a la carretera, pero lejos de ser una canción romántica sobre el viaje, Ray Davies la presenta de manera irónica, describiendo la vida en la autopista como una rutina agotadora y poco glamorosa. En contraste, "Sitting in My Hotel" es una balada introspectiva que refleja los sentimientos de aislamiento de un artista en el apogeo de su fama. La canción, con una melodía melancólica, captura la soledad que a menudo acompaña el éxito y la vida pública.

Otro tema destacado es "Celluloid Heroes", una de las canciones más famosas y duraderas de The Kinks. Aquí, Davies reflexiona sobre la fragilidad de las estrellas de cine, glorificadas por el público, pero igualmente vulnerables a las tragedias humanas. "Celluloid heroes never really die" canta Davies, pero a pesar de esta aparente inmortalidad en la pantalla, las estrellas siguen siendo personas reales con sus propias luchas y desafíos. La canción es una crítica conmovedora y melancólica al mito de la celebridad, y sigue siendo una de las piezas más memorables del álbum.

Musicalmente, el álbum es una mezcla ecléctica de estilos, desde el rock tradicional hasta el cabaret y el pop orquestal. Canciones como "Supersonic Rocket Ship" ofrecen un enfoque más ligero y fantasioso, con una mezcla de reggae y pop que suena despreocupada y optimista, en marcado contraste con las canciones más melancólicas del álbum. Sin embargo, incluso en esta canción hay un subtexto escapista: el protagonista de la canción sueña con escapar a un lugar donde los problemas terrenales ya no lo afecten, otra indicación del deseo de Davies de alejarse de las presiones del estrellato.

La segunda mitad de Everybody’s in Show-Biz consiste en grabaciones en vivo del Carnegie Hall. Estas actuaciones muestran a The Kinks en su faceta más teatral y exuberante. Se puede percibir la energía y el entusiasmo de la banda en canciones como "Alcohol", una sátira tragicómica sobre los peligros del alcoholismo, presentada con una teatralidad digna del vodevil. La banda se sumerge en un estilo casi cabaretesco, con vientos y arreglos exuberantes que aportan un aire de espectáculo y extravagancia.

Las canciones en vivo también destacan la habilidad de The Kinks para mezclar géneros y adoptar un enfoque casi burlesco en sus actuaciones. La combinación de los saxofones y el tono más lúdico de las interpretaciones ofrece un contraste refrescante con la melancolía y la introspección de las canciones de estudio.

Al momento de su lanzamiento, Everybody's in Show-Biz recibió críticas mixtas. Algunos críticos elogiaron la honestidad de Davies al tratar temas como el cansancio y la alienación de la fama, mientras que otros consideraron que el álbum carecía de cohesión y lo percibieron como una obra menor en comparación con los proyectos más ambiciosos de The Kinks. Sin embargo, con el tiempo, el álbum ha sido revalorizado por su originalidad y su enfoque en los temas de la fama, el éxito y la industria del entretenimiento.

"Celluloid Heroes", en particular, ha perdurado como una de las canciones más icónicas de la banda, y sigue siendo interpretada en conciertos y compilaciones. El álbum también puede considerarse un precursor de los trabajos futuros de The Kinks, en los que Ray Davies continuaría explorando la vida cotidiana y las complejidades de la experiencia humana.

Everybody’s in Show-Biz es un álbum complejo, cargado de ironía, melancolía y un agudo comentario sobre la fama y la vida en la carretera. A través de una mezcla ecléctica de géneros y estilos, The Kinks ofrece una reflexión sincera y, en ocasiones, amarga sobre las tensiones de la vida pública. Aunque no siempre es coherente en su ejecución, el álbum captura a una banda en plena transición, enfrentándose a las presiones del éxito con una combinación de cinismo, humor y humanidad. Es una obra que, a pesar de no ser tan celebrada como otros discos de la banda, sigue siendo fascinante por su honestidad y su atemporalidad.

Daniel 

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Muswell Hillbillies - The Kinks (Mes The Kinks)

 

Muswell Hillbillies, The Kinks

     Las canciones y el estilo del álbum Muswell Hillbillies presentan algunos de los motivos musicales más importantes de la música de The Kinks desde el comienzo de sus auspicios discográficos, fusionando una nostalgia melancólica con una fuerte crítica social. The Kinks fueron una banda de clase trabajadora desde su nacimiento, pues tanto Ray Davies como Dave Davies, como bien afirmaban, procedían de la clase media trabajadora. Ray dejó la Escuela de Arte para convertirse en músico, y Dave estuvo a punto de convertirse en un delincuente juvenil adolescente. Muswell Hillbillies es un fiel reflejo de sus preocupaciones sociales y musicológicas, dotado de una perspectiva específicamente británica de clase trabajadora. Un pueblo trabajador cosmopolita y joven que vive en una atmósfera de seguridad garantizada por un Estado de bienestar que no siempre es seguro. Muswell Hill está encuadrada en la parte Noreste del Londres Metropolitano, un lugar lleno de opulencia y, más sutilmente, de las minucias de la clase. Estos códigos postales profundamente conscientes de la clase son abordados irónicamente, y la yuxtaposición de Hill y Billy forma una rima semántica y cultural estéticamente rica, y aunque hay más variedad de modelos de clase trabajadora, es el grupo de los Hillbillies en el que The Kinks se fijaron.

Muswell Hillbillies es el décimo álbum de estudio del grupo. Fue grabado entreagosto y octubre de 1971 en los Morgan Studios de Londres, bajo la producción de Ray Davies, y publicado el 24 de noviembre de 1971 por el sello discográfico RCA Records. El disco lleva el nombre de la zona de Muswell Hill en el norte de Londres, donde los hermanos Davies se criaron y donde se formó el grupo. El álbum presenta a una serie de figuras de la clase trabajadora y las tensiones con las que deben lidiar. Fue el primer álbum de la banda para RCA Records. Sus grabaciones anteriores habían sido lanzadas en Pye Records (Reprise Records en los Estados Unidos). El álbum fue grabado entre agosto y octubre de 1971 en Morgan Studios, Londres, utilizando una nueva sección de metales, Mike Cotton Sound, que incluía a Mike Cotton en la trompeta, John Beecham en el trombón y la tuba, y Alan Holmes en el clarinete.

El álbum no fue un éxito comercial (no llegó a las listas del Reino Unido y alcanzó el puesto número 100 en los EE. UU), y sus ventas fueron una decepción después del éxito que habían cosechado con Lola el año anterior. La foto de la portada fue tomada por Rod Shone en Archway Tavern , un pub situado en Archway, a más de dos millas de Muswell Hill. La foto del recuadro posterior, que muestra a la banda debajo de un cartel que indica las direcciones a Muswell Hill, fue tomada en la pequeña isleta de tráfico en la intersección de Castle Yard y Southwood Lane en Highgate. Como ya hemos comentado, este disco marca una desviación notable de los trabajos anteriores del grupo, adoptando una estética que mezcla el rock británico con influencias del country y el folk estadounidense. Muswell Hillbillies no solo es una obra musical, sino una crónica sociopolítica, un reflejo de los cambios urbanos que estaban moldeando la vida en el Reino Unido durante esa época. Ray Davies retrata con ironía y melancolía los efectos de la reurbanización, la gentrificación y la alienación de la clase trabajadora, temas que resonaban en su entorno y en la sociedad en general.

En lo musical, el álbum es una fusión fascinante de géneros. The Kinks, conocidos por su habilidad para contar historias a través del rock y el pop británico, se adentraron en el terreno del country, el blues y el folk estadounidense en este álbum. Esta influencia estadounidense se hace patente en canciones como "Acute Schizophrenia Paranoia Blues" y "Alcohol", donde los sonidos de guitarras acústicas y metales brindan un aire casi sureño, contrastando con las letras sobre el paisaje urbano británico. Ray Davies, el principal compositor y letrista de la banda, enmarca en este álbum sus observaciones sobre la sociedad con una mezcla de humor negro y crítica social. Canciones como “20th Century Man” y “Here Come the People in Grey” expresan la ansiedad y frustración de las personas comunes ante la creciente burocratización y la pérdida de control sobre sus propias vidas. A través de la narrativa de personajes ficticios pero representativos, Davies retrata la disolución de la comunidad tradicional frente a las fuerzas impersonales del modernismo.

Comienza el disco con 20th Century Man, donde Ray Davies se pone en la piel de un hombre común y expresa su desconcierto y desesperación ante los efectos de la modernidad. La letra critica la industrialización y el control estatal sobre la vida de las personas. El protagonista se siente atrapado en el siglo XX, anhelando un tiempo más simple y auténtico. Musicalmente, empieza con una guitarra acústica suave, pero va creciendo en intensidad conforme la frustración del personaje se incrementa. Acute Schizophrenia Blues a pesar de su dramático título tiene un ritmo animado con influencias del jazz y el blues. La letra narra la vida de un hombre que se siente perseguido y alienado por las crecientes complicaciones del mundo moderno. El uso de la trompeta y los metales da a la canción una sensación casi de cabaret, lo que contrasta con las preocupaciones mentales y la paranoia del protagonista. Toda una crítica a cómo la vida urbana puede desencadenar problemas mentales y emocionales. Holiday es una canción que nos da un respiro, pues aquí el narrador sueña con escapar de las presiones del mundo moderno tomando unas vacaciones. La melodía es relajada y tiene una atmósfera casi tropical, con un ritmo suave que refuerza el deseo de desconectar. Sin embargo, también tiene una sensación de resignación, como si las vacaciones fueran solo un alivio temporal para problemas más profundos. En Skin and Bone Ray Davies aborda el tema de la obsesión por la delgadez y las modas de salud de la época, burlándose de los extremos a los que las personas iban para perder peso y seguir las tendencias. La letra habla de una mujer que pasa de estar "rellenita" a ser "solo piel y hueso". El estilo musical es un alegre rockabilly, lo que aporta una ligereza que contrasta con la crítica social del tema. Alcohol es una oscura y cómica balada que cuenta la historia de un hombre que cae en la ruina por su adicción al alcohol. La canción mezcla el jazz y el cabaret, con metales que acentúan el tono irónico de la historia. A lo largo de la canción, el narrador describe cómo el alcohol destruye la vida del personaje, arruinando su matrimonio, su trabajo y su dignidad. Es una crítica mordaz a la decadencia personal y social causada por el vicio. Cierra la cara A Complicated Life, que aborda el tema de la alienación y la ansiedad de la vida moderna. El protagonista está harto de las complicaciones de la vida cotidiana y anhela una existencia más sencilla. Con un ritmo lento y arrastrado que refuerza el cansancio del narrador, la canción captura el malestar y la frustración de las personas comunes ante las crecientes demandas y complejidades de la sociedad.

Comienza la cara B con Here Come the People in Grey, canción donde Ray Davies se burla de las autoridades que vienen a desalojar a las personas de sus hogares debido a la reurbanización. Los "hombres grises" simbolizan la burocracia fría e impersonal que arrasa con las comunidades trabajadoras. Musicalmente, es una canción simple pero efectiva, y con un ritmo enérgico. Have a Cuppa Tea celbra ocn tono humorístico la costumbre británica de tomar té. Sin embargo, debajo de su alegre ritmo de music hall, hay una crítica a la forma en que las personas se aferran a pequeños rituales reconfortantes mientras su vida cambia radicalmente. Ray Davies sugiere que el té es un refugio en medio de un mundo caótico. Musicalmente es una de las canciones más ligeras del álbum, con una mezcla de folk y music hall británico. Holloway Jail es una de las canciones más dramáticas del álbum, y narra la historia de un hombre que es enviado a prisión, posiblemente por su desesperación ante la pérdida de su hogar o empleo. La letra explora el sentimiento de injusticia y opresión. Musicalmente, es más oscura, con un enfoque en los metales y un ritmo pesado, lo que refuerza la sensación de encarcelamiento físico y emocional. Oklahoma U.S.A. es otra de las canciones más melancólicas y nostálgicas del disco. La protagonista sueña con escapar de su dura realidad y encontrar consuelo en la América idealizada que ve en las películas de Hollywood. En cuanto a sonido,la canción es más tranquila y suave, con un arreglo minimalista que refuerza el tono soñador de la letra. Toda una reflexión sobre cómo la gente se refugia en fantasías para sobrellevar una vida monótona o difícil. Uncle Son trata sobre la figura del "tío Son", un hombre trabajador de la clase obrera que representa una generación que está siendo desplazada por los cambios sociales y económicos. Ray Davies muestra empatía por este personaje, quien mantiene su dignidad a pesar de las dificultades. Presenta una mezcla de folk británico y country estadounidense, reflejando la dualidad de influencias presentes en todo el álbum. Cierra el álbum la canción Muswell Hillbilly, que supone el cierre perfecto para este más que interesante disco, resumiendo muchos de los temas que se exploran a lo largo del disco. El protagonista se describe a sí mismo como un "hillbilly" (campesino) de Muswell Hill, orgulloso de sus raíces y resistente a los intentos de la modernidad de cambiar su vida. La canción mezcla country con rock británico, y es todo un himno a la resistencia cultural y la identidad. 

Aunque no fue un éxito comercial en su momento, Muswell Hillbillies recibió elogios de la crítica y con el tiempo se ha fue ganando el aprecio y el reconocimentos de los fans. The Kinks logran dibujar un retrato sobre la vida cotidiana, abordando temas como la alienación, la pobreza y la nostalgia por un pasado que se desvanece. Nos encontramos ante una obra que invita a la reflexión sobre los cambios sociales y personales.

The Kinks - Arthur or the Decline and Fall of the British Empire (Mes The Kinks)

The Kinks termina los años 60 en una extraña burbuja, no fueron lo suficientemente populares como para consolidarse como una banda "clásica" indiscutible, como sus contemporáneos como The Beatles, The Who o The Rolling Stones pueden reclamar. Su audiencia en los Estados Unidos se vio disminuida por una prohibición nacional por parte de la Federación Estadounidense de Músicos durante la "Invasión Británica" de los años 60, y su producción excesivamente teatral y criticada a fines de los años 70 y 80 alejó a muchos, y solo sus fanáticos acérrimos permanecieron como seguidores fieles. Liderados por los hermanos Ray y Dave Davies, los primeros discos de los Kinks eran principalmente rock de garaje abrasivo. Ray se dedicó a la composición de canciones inspiradas en el rock blusero y a la guitarra rítmica, mientras que Dave tocaba la guitarra principal con gran maestria y potencia. Como sucedió con la mayoría de las bandas de los años 60, su producción se volvió más psicodélica y extravagante, después de algunos álbumes, los Kinks comenzaron a experimentar con instrumentación de clavicémbalo y sitar, y Ray adoptó letras más socialmente conscientes sobre la sociedad británica. "Something Else", con un pop barroco de 1967, y "The Kinks Are the Village Green Preservation Society", con nostalgia infantil de 1968, vieron a la banda alcanzar un éxito crítico moderadamente creciente fuera de los EE. UU. (su prohibición de conciertos aseguró una popularidad atrofiada en Estados Unidos) mientras aún conservaba un lirismo anglocéntrico único y una paleta instrumental en expansión.

"Arthur, or the Decline and Fall of the British Empire" (al que me referiré como "Arthur" en el resto de esta reseña) pertenece a esta era de máxima creatividad y logros críticos de los Kinks. El proyecto fue concebido inicialmente como una colección de canciones para una obra de televisión a principios de 1969. El programa estuvo a punto de completarse, pero se canceló en el último minuto debido a razones financieras. El álbum que los Kinks tenían previsto acompañar, "Arthur", sobrevivió y se lanzó el 10 de octubre de 1969. "Arthur" son 12 temas de psicodelia de ópera rock emparejados con la composición teatral, sardónica, socialmente crítica y conceptual de Ray Davies.

La cara A se abre con la poderosa Victoria, que establece temas que aborda el álbum, incluida la disparidad de clases, la guerra y la pobreza generalizada en Gran Bretaña. La canción prepara el escenario para la historia suelta del álbum en la Inglaterra victoriana, pero indica que estos problemas han continuado hasta la actualidad, debo admitir que fue un tema que ignoré en gran medida durante mucho tiempo. Pensé que era otra canción de amor cliché con el nombre de una chica como título (¿Cómo pude ser tan ingenuo?), pero no había profundizado en el tema de la canción. El título, por supuesto, es una referencia a la Reina Victoria y su imperio, que alguna vez fue poderoso. También se menciona la división de clases y la mayoría azotada por la pobreza que es continuamente robada por sus superiores, pero que es la primera en la fila para defender su país cuando estalla la guerra.

Las dos canciones siguientes, Yes Sir, No Sir y Some Mother's Son, critican la guerra, la primera critica la forma en que se trata a los soldados como esclavos sin mente y la segunda lamenta las implicaciones familiares y sociales de la muerte de un soldado, es una pista bien construida, comienza con una marcha de tambores con sabor militar y continúa aplastando el espíritu de cualquier recluta de pensamiento libre: "empaca tu ambición en tu vieja bolsa de equipo, pronto serás feliz con un paquete de cigarrillos, pecho afuera, estómago adentro, haz lo que te digo". El ritmo de la canción cambia a una fanfarria más elaborada en el punto medio y comienza a hablar desde el punto de vista frío y clínico de las autoridades: "dale a la escoria un arma y haz que el cabrón luche y asegúrate de que los desertores sean fusilados en cuanto los veas, si muere le enviaremos una medalla a su esposa".

En Drivin' escuchamos la superficialidad de aquellos en la sociedad que eligen rechazar estas cuestiones en favor de actividades materiales. Brainwashed, mi canción favorita, aborda las formas sutiles en que los aristócratas oprimen a sus subordinados de clase baja, pueden pensar que tienen los derechos que se les prometen, pero en realidad las clases altas los aplastan para su propio beneficio, es uno de los arreglos más oscuros y crueles de los Kinks, el sorprendentemente duro trasfondo musical agrega un fuego considerable a las letras que escupen sangre y que suenan totalmente disgustadas con la sumisión impuesta a la sociedad y felizmente aceptada por la mayoría del público. El lado cierra con la épica Australia, es una canción fabulosa y describe la promesa de una tierra "sin distinción de clases" ni "adicción a las drogas". Un lugar donde los sueños se pueden hacer realidad con un sol ininterrumpido y tablas de surf, esta canción realmente lo ve desde el punto de vista de Arthur, pero la línea sobre las "sonrisas perpetuas" en sus rostros es algo cruel por parte de Davies. Los "ooh, ooh oohs" al estilo de los Beach Boys simplemente se suman a un número enormemente disfrutable. Concluye con una improvisación extendida de cuatro minutos, acentuada por una sección de vientos y el trabajo de guitarra blues de Dave Davies.

El lado B continúa con esta idea de encontrar la utopía con Shangri-La, esta compleja canción comienza con un sonido triunfal y nostálgico que habla de cómo un hombre ha trabajado duro toda su vida, logrando así una comodidad razonable en su jubilación. Sin embargo, la sección central de la canción insinúa la ligereza de la sociedad cerrada y la tensión constante de las hipotecas y las facturas que pesan sobre las cabezas de todos. El alegre estallido de metales que impulsa el cuarto verso es apropiadamente irónico considerando que contiene líneas tan incómodas como “las facturas de gas y las tarifas de agua y los pagos del auto, demasiado asustado para pensar en lo inseguro que eres”. Luego se repite la apertura de la canción, pero ahora suena mucho menos positiva y casi sentimos pena por el anciano porque el trabajo de toda su vida ha logrado una recompensa tan modesta. Mientras Arthur lidia con esta ansiedad, Mr. Churchill Says explica la vida en Gran Bretaña, ahora en la Segunda Guerra Mundial, no ha cambiado mucho: a los soldados de clase baja todavía les están lavando el cerebro para que luchen por la clase alta. She's Bought a Hat like Princess Marina, el estallido inicial del clavicémbalo sonaba vagamente real y sugería agradablemente la obsesión de la mujer con la princesa del título. Sin embargo, la pista luego estalló en una melodía novedosa de tipo music hall que resaltaba inteligentemente lo ridículo de admirar a la monarquía adinerada cuando apenas puedes permitirte alimentar y vestir a tu propia familia. Los tres temas finales, Young and Innocent Days, Nothing to Say y Arthur, forman una trilogía reflexiva y deprimente de la actualidad: volvemos a Arthur en Australia, donde desearía tener la visión ingenua del mundo que tenía cuando era más joven. Sin embargo, su hijo, formado en una sociedad que Arthur no hizo nada por solucionar, reprende a su padre, que cree que no tiene nada que ofrecer en sus últimos años más que una conversación banal. El álbum termina con una mirada cínica hacia el futuro, sobre cómo no tiene sentido detenerse en el pasado o el presente. El futuro te pasará de largo: puedes escapar como Arthur y compadecerte de ti mismo, o puedes actuar e intentar limpiar la sociedad.

La música que se encuentra aquí está llena de estribillos pegadizos y tiene tintes de psicodelia y hard rock sin adherirse a un solo género. Recorre múltiples géneros: “Australia” se siente como una banda de jam, pero el clavicémbalo en “She's Bought a Hat...” le da un toque antiguo, pero no se puede negar el impulso de rock más duro en “Victoria” o “Brainwashed”. Es difícil incluso aplicar un solo género a canciones individuales, ya que la mayoría de las pistas divergen de su sonido inicial a una segunda (o tercera) parte completamente diferente. Esta mezcla de géneros dentro de cada canción da como resultado un álbum que nunca pierde el ritmo por mucho tiempo. El uso de una sección de instrumentos de viento y cuerdas transmite vibraciones de ópera rock y música barroca, pero como se dijo antes, no distrae ni es exagerado. Los últimos álbumes de los Kinks, como "Lola Versus Powerman and the Moneygoround, Part One" de 1970, se adentrarían demasiado en esta tendencia dramática, pero "Arthur" lo mantiene conciso. Desde el punto de vista de un álbum conceptual, la "historia" aquí es vaga; Arthur solo se menciona por su nombre en algunas canciones, pero es más un concepto temático que mantiene unidas las pistas. La contraportada del lanzamiento le da a Arthur una historia de fondo familiar completa que probablemente se desarrolló más en la película destruida. El público actual puede encontrar las letras un poco demasiado pesimistas y la crítica de la sociedad británica es un tema que no se explora realmente en la música actual, por lo que es difícil identificarse con el lirismo. Sin embargo, el sonido salvaje y crudo de los Kinks en "Arthur" todavía suena emocionante hoy.

The Kinks - The Kinks Are the Village Green Preservation Society (Mes The Kinks)

"The Kinks Are the Village Green Preservation Society" es el sexto álbum de estudio de la banda de rock británica The Kinks. Lanzado en noviembre de 1968, es considerado por muchos como el primer disco conceptual de la historia, o un precursor temprano de ese tipo de discos, porque la realidad es que el término "álbum conceptual" no existía en el momento en el que esta obra maestra de The Kinks fue lanzada, y el propio Ray Davies quitó hierro a esta honorífica etiqueta, refiriéndose a "The Kinks Are the Village Green Preservation Society" como un álbum que "no era una historia, sino un hilo emocional".

Fue el primer álbum producido íntegramente por su líder Ray Davies, y el último disco de The Kinks grabado por su formación original, antes de que el bajista Pete Quaife abandonara la banda en 1969. También fue el último disco en el que el reputado músico de sesión Nicky Hopkins colaboró con el grupo, con memorables contribuciones al piano y el mellotron. Estas particularidades ya lo convertirían en un disco relevante desde un punto de vista histórico para los fans de la banda, pero lo que de verdad hace grande a "The Kinks Are the Village Green Preservation Society" es la sorprendentemente unitaria temática de sus canciones y el impresionante despliegue de estilos musicales que The Kinks ponen sobre la mesa, con predominio de estructuras del pop y el rock, pero con poderosas referencias estilísticas del folk, el blues, el music hall, el calipso y la psicodelia.

Ray Davies centró el disco en la temática central de la preservación de las costumbres y la cultura inglesa, que a su juicio se estaban perdiendo en beneficio de una innecesaria modernización y de un excesivo e inexplicable interés olvidar la tradiciones y abrazar todo que viniera de Estados Unidos o del continente europeo. Con ese punto de partida, concibió el álbum como una serie de nostálgicas historias y personajes inspirados especialmente en "Under Milk Wood", un drama radiofónico de Dylan Thomas emitido en 1954 en el Reino Unido, que retrataba un día normal en la vida de los habitantes de un pequeño pueblo de Gales, en la novela de George Orwell de 1939 "Coming Up for Air", y en la novela de 1925 "El gran Gatsby" de F. Scott Fitzgerald.

La grabación del disco se realizó en los estudios Pye Londinenses, con la banda aprovechando cualquier horario en el que estuvieran libres, lo cual sucedía casi siempre a última hora de la tarde o a medianoche. La producción de "The Kinks Are the Village Green Preservation Society" destacó por su sobriedad y escasez de adornos, con un sonido que por momentos recuerda a los de una grabación de demos, y que sin embargo incluyó una amplia gama de instrumentos como el mellotron, la armónica, el clavecín, la flauta o una sección de cuerdas, que se unían a los habituales de batería, bajo, piano y guitarras. Tras muchas y muy productivas sesiones, a mediados de agosto de 1968, los Kinks grabaron la última canción, "The Village Green Preservation Society", que completaba lo que iba a ser un LP de doce pistas, y que acabó dando nombre al disco. Sin embargo, en el último momento Ray Davies pidió que se detuviera la producción del álbum y se retrasara su lanzamiento, al parecer porque quería transformarlo en un disco doble con veinte canciones. Finalmente el sello discográfico rechazó esta propuesta por no considerarla rentable, pero aceptó que el disco se lanzara como sencillo con quince canciones. The Kinks grabaron entonces las canciones "All of My Friends Were There", "Big Sky" y "Last of the Steam-Powered Trains", completando por fin el álbum.

El disco comienza con "The Village Green Preservation Society", el himno principal del álbum y una auténtica declaración a favor de la defensa y preservación de las cosas bellas del pasado, entre las que se mencionan específicamente el vodevil, la medalla George Cross y sus destinatarios y la cerveza de barril, entre otros. El ritmo se basa en un ritmo de batería predominante y en un efectivo piano acompañando a las armonías vocales de los dos hermanos Davies. Le sigue el tema "Do You Remember Walter?", que arranca con un gran redoble de batería y que, sobre un ritmo de bajo y piano, va disparando una letra inspirada en un encuentro de Ray Davies con un amigo de la infancia, al que recordaba de una manera idealizada, y al coincidir años después se da cuenta de que ya no tenían nada en común. En "Picture Book", uno de los temas que más destaca musicalmente en "The Kinks Are the Village Green Preservation Society" por su efectiva mezcla de guitarras acústicas y eléctricas, los Kinks nos cuentan la nostálgica historia de un anciano mirando un viejo álbum de fotos. Tras este gran tema, llega el turno de "Johnny Thunder", inspirada en la película de 1953 "Salvaje" de László Benedek y protagonizada por Marlon Brando, que estuvo prohibida por la censura británica hasta 1968. En la canción, una pieza de corte rockero que combina ritmos de guitarras acústicas con melodías eléctricas, Johnny Thunder es también un rudo motociclista que se rebela contra el orden establecido.

"Last of the Steam-Powered Trains" fue la última canción que Ray Davies compuso para el álbum, con una letra que describe un antiguo tren de vapor, relegado ahora a pieza de museo. Para la música, el grupo se basó en el riff del éxito de 1956 de Howlin' Wolf "Smokestack Lightning". A continuación suena "Big Sky", otra de las tres canciones con las que se completó el disco a última hora. Ray Davies la compuso en el balcón de un hotel, inspirado por un grupo de ejecutivos que caminaban bajo el balcón en el momento en el que el sol salía en el horizonte. Algunas teorías sobre el significado de la canción compararon la parte recitada con la voz de Dios, mientras que Dave Davies dijo que su hermano estaba simplemente imitando a Burt Lancaster. Tras este curioso tema, "Sitting by the Riverside" supone un cambio musical relevante, con su efectiva combinación de piano honky-tonk y del mellotron imitndo el sonido de un acordeón. La canción alterna momentos de calma y tranquilidad con tramos de sueño agitado, representados por un tumulto creciente que recuerda a los tramos orquestales del "A Day in the Life".

La segunda cara comienza con "Animal Farm", en la que destaca la aparición de una sección de cuerdas y cuyo título recuerda a otra obra del ya mencionado George Orwell ("Rebelión en la granja", 1945), pero con una temática que nada tiene que ver con esa novela, y que por el contrario defiende las bondades de vivir en una granja. la percusión añadida y un prominente piano de tachuelas. En "Village Green" las cuerdas hacen de nuevo su aparición, apoyando musicalmente una historia en la que los protagonistas (Tom y Daisy) llevan los nombres de los personajes de "El Gran Gatsby". Se trata de la canción más antigua de "The Kinks Are the Village Green Preservation Society", ya que Ray Davies la compuso en agosto de 1966, en mitad de una gira por la Inglaterra rural. En una de sus visitas a un tradicional pub inglés, sufrió la gran decepción de comprobar que la cerveza se almacenaba en un barril de metal, en lugar de en el clásico barril de madera, y la temática de "Village Green" sobre la nostalgia y declive de los pueblos tradicionales le vino entonces a la cabeza. El protagonista, abrumado por los cambios y la modernidad, recuerda a su amada Daisy, y jura volver para revivir los recuerdos del pasado. La música complementa a la perfección este sentimiento de añoranza del pasado, con instrumentos barrocos como el clavicémbalo (interpretado por Nicki Hopkins) y los arreglos orquestales de oboe, violonchelo, viola y flautín.

"Starstruck" fue el único single del álbum (y solo en Estados Unidos y Europa), con el tema "Picture Book" como cara B, y es un homenaje a bandas Motown como los Four Tops y los Temptations. Su conexión con la temática de exaltación de la vida rural está en una letra que alerta sobre los peligros de la vida en la gran ciudad. Tras este buen tema, escuchamos una intro de mellotron imitando el sonido de una flauta, con la que da comienzo "Phenomenal Cat", con una letra sobre un gato volador que, tras viajar por todo el mundo, decide retirarse a vivir tranquilo y comer en abundancia. No menos sorprendente es el estilo de music hall de "All of My Friends Were There", con un galopante órgano y un ritmo alocado y caótico, e inspirada en la sensación de vergüenza que Ray Davies pasó al tener que dar un concierto estando enfermo, al saber que no había estado a la altura y que sus amigos habían ido a verle esa noche.

"Wicked Annabella" es la única canción del disco en la que la voz principal corre a cargo de Dave Davies, cantando sobre una malvada bruja llamada Annabella, en lo que es todo un cuento psicodélico con moraleja incluida (es mejor que los niños se queden en el pueblo y no se adentren en el peligroso bosque). Musicalmente, el riff principal recuerda a la canción "Light my Fire" de los californianos The Doors, y es la pieza psicodélica del álbum, en la que probablemente sea la única incursión de The Kinks en ese terreno musical en toda su trayectoria. Un nuevo giro estilístico se produce en "Monica", un tema al más puro estilo calipso, mezclando ritmos caribeños y de jazz con guitarras acústicas y teclados, y con una cuidada letra (para evitar prohibiciones en las radios) que habla de una prostituta, inspirada en uno de los personajes de "Under Milk Wood" de Dylan Thomas. Es la antesala del final del disco, y la designada para tal fin es "People Take Pictures of Each Other", una afilada sátira contra las personas que están continuamente haciéndose fotografías (quizá los turistas que tanto le molestó ver en mitad de la Inglaterra más tradicional y profunda) a todas horas y en todos lados, como si con ello fueran a conseguir "preservarse" para la eternidad. 

Pese a los elogios recibidos de la prensa y la crítica especializada, y a que el lanzamiento del disco se planificó estratégicamente para que coincidiera con las Navidades, la casualidad jugó en contra de "The Kinks Are the Village Green Preservation Society", y su publicación coincidió con la del "White Album" de The Beatles y el "Beggars Banquet" de The Rolling Stones, y sus ventas se vieron totalmente ensombrecidas por las de estos otros dos monumentales discos. Al conocer esta circunstancia, Ray Davies dijo que "tendríamos suerte si llegáramos a vender 100.000 copias", y el tiempo no le quitó la razón hasta la década de los noventa, cuando grupos emergentes de la talla de Blur y Oasis clamaron a los cuatro vientos que "The Kinks Are the Village Green Preservation Society" era un disco de referencia y una enorme fuente de inspiración para ellos. Tal fue el resurgimiento que este apoyo proporcionó al disco, que con las sucesivas reediciones y versiones ampliadas que se publicaron, acabó convirtiéndose en el álbum más vendido de The Kinks en el Reino Unido. Y así fue como, aunque los turistas siguieron turbando la tranquilidad de los pequeños pueblos rurales con su cháchara y sus fotos, y ya nunca más las cervezas se volvieron a almacenar en barriles de madera, la ilustre "Sociedad para la Preservación Verde del Pueblo" acabaría por fin triunfando y siendo reconocida en todo el mundo.

Something Else - The Kinks (Mes The Kinks)

Something Else ilustra la época en la que los Kinks se convertían cada vez más en una excepción entre las excepciones. Para entenderlo, el comienzo de la era de los años revolucionarios, que se extendió de 1966 a 1969, daría origen a un gran número de artistas/grupos lógicamente importantes en el desarrollo de la música. Un movimiento originalmente vinculado a 3 factores muy importantes, la Invasión Británica, la popularidad del Pop Rock y la transformación social y societaria gracias a la contracultura. Cuando estudiamos su carrera en retrospectiva, es difícil comprender realmente la situación de los Kinks, actores principales de la Invasión Británica, que pasaron de estrella mundial a nacional por diversos azares si nos basamos solo en el maravilloso contenido que ofrecieron todos los años hasta los años 70. De hecho, hay que tener en cuenta que los Kinks estuvieron prohibidos en el mercado estadounidense desde 1965, lo que explica por qué desde el single Waterloo Sunset (1967) hasta Lola en 1970, los Kinks no colocaron ningún single en las listas americanas. Es por eso que los Kinks se encuentran en una situación particular, basada en un mercado más nacional, aunque eso no significa que no tengan audiencia internacional.

Este es uno de los discos más perfectos que se han hecho jamás... No cambiaría ni una sola nota de este disco, de principio a fin, absolutamente nada. Me encanta cada nota, cada matiz y me sorprende lo rápido que Ray dio el salto, ya que Face to Face demostró que algo estaba por venir, pero Something Else lo cumplió todo, me encanta el sarcasmo del título. Estoy seguro de que Ray sabía que tenía algo cocinándose en este punto, había tenido un montón de éxitos en Inglaterra, y estaba empezando a escribir canciones para Cher, etc. en ese momento convirtiéndolas en éxitos, y estaba en la cima de sus poderes. Ray Davies afronta su depresión por la vía de la salida, sin tener miedo de deplorar lo más oscuro de sus pensamientos, los elementos más dolorosos de su dolor. Por eso, Someting Else va totalmente a contracorriente de la contracultura y de la tendencia de los temas espirituales del momento. Musicalmente, Something Else nunca ha sonado tan a lo Kinks como a partir de este momento, aunque bastante convencional en comparación con la época, sobre todo porque el grupo amplificará su fórmula para consolidar una experimentación con arreglos intimistas, más barrocos, de cámara, folclóricos, acústicos. Incluso multiplicarán la inspiración y la aportación del Music Hall, ya incorporado en Face To Face, que por otra parte probablemente habrá influido en los Beatles para Sgt Peppers. Los métodos abordados en Something Else intentarán, pues, lógicamente, apoyar al máximo la introspección y la intimidad que quiere ser la narración de Ray Davies, como artista cantautor en disposición de grupo. 

Ni una sola nota o pizca fuera de lugar. Cada canción es un clásico de las perversiones, David Watts tiene el estilo de britpop punk. ¿Quién no conoció a un personaje tipo David Watts cuando crecía? Ray Davies ofrece una narración atrevida para la época, contando personalmente los celos que Ray tenía hacia un tal David Watts, un homosexual atraído por su hermano Dave y cuya vida parecía envidiarlo e irritarlo de alguna manera. Finalmente, Ray Davies describe fantásticamente una situación loca que puede sentir un humano cuando está celoso de algo, dividido entre el deseo y el odio. También encontramos el típico riff de los Kinks en realidad es la típica canción de los Kinks en realidad. Death Of A Clown se la reservó Dave Davies que también quería algunas pistas en este álbum, mientras Ray Davies vivía principalmente en la autarquía de la banda, los Kinks seguían actuando en el escenario, liderados por su hermano Dave. Lo que representa Death Of A Clown es, en primer lugar, el florecimiento personal de Dave Davies como compositor, empujándolo a ocupar un lugar más importante en el contenido de los Kinks. En este caso, Dave Davies ofrecerá una sátira a la manera de un Bob Dylan inglés, exponiendo un agotamiento/descontento de encadenar conciertos como animales de feria. Es fascinante cómo el enfrentamiento de personalidades fraternales estuvo omnipresente en el comienzo de este álbum.  Two Sisters, wow, la vida de casada es perfecta, unisex para dos, es la respuesta definitiva de Ray Davies. Además de la belleza infernal de esta canción, una balada pop barroca divina para la época, Two Sisters es una narración que pone en escena a 2 hermanas que representan de hecho a los 2 hermanos Ray y Dave, una es ama de casa y la otra es más volátil. Es decir, en ese punto se alcanza un nivel de escritura y matices absolutamente irresistibles, articulados en torno a 2 hermanos que se pelean por medio de canciones interpuestas. El clavicémbalo toca acordes que realmente se inventaron para el clavicémbalo y suena realmente genial, fijaros en el pequeño recorrido que hace el clavicémbalo después de "She threw away her dirty dish, just to be free again". Por cierto, Ray realmente canta esta canción a la perfección. Convence totalmente la forma en que canta "solo para ser libre de nuevo". No Return, es una canción flojita, la verdad, no te puedes meter en esta canción, y no puedes escuchar ni una maldita palabra de lo que dice, una balada bossa nova muy personal en la que Ray Davies expresa sus preocupaciones a través de su ansiedad. No sabemos realmente si esta canción trata sobre el amor o si, como se encuentra a menudo en el álbum, Ray prefiere dejar hablar la nostalgia de un tiempo que parecía desaparecido. Más caricaturesca, Harry Rag es una canción que combina el pop rock y el music hall en una sátira social que apunta a un hombre desesperado que encuentra consuelo en sus pequeños placeres personales. este si es una canción realmente genial. Estilo polka, sin sonar falso ni nada. Cantas ese estribillo el resto del día... belleza de music hall. Tin Soldier Man, es lo mismo que Harry Rag con ese riff brillante seguirá por siempre en tu cabeza, tengo arena en los zapatos cada vez que pienso en Tin Soldier Man... pero, ¿hay una canción más pegadiza en el rock and roll? ¿Especialmente una canción más pegadiza que sea tan ridículamente increíble como Tin Soldier Man? No lo creo, la mayoría de las veces las canciones súper pegadizas se vuelven ridículamente molestas después de unos meses... Tin Soldier Man simplemente mejora con los años. Situation Vacant es otra canción en la que realmente no me puedo meter, la introducción de piano suena muy dulce, pero el resto, bueno, es demasiado extraño como para encajar con ese comienzo, las letras también son otra vida de casado a la perfección. 

La otra cara del vinilo comienza con el arrasador garage rock Love Me Till The Sun Shines, la cara B de Death Of The Clown, que muestra una vez más el progreso de Dave Davies en su escritura, gran riff de introducción, pero no tan brillante, hermoso y perfecto como el resto, deja de lado la acústica por unos riffs mezquinos. Una canción rockera al estilo de Hendrix, que podría tener algún tipo de puente o variación en su estructura. Lazy Old Sun es a menudo considerada como una canción mala y aburrida... no les creas, es simplemente hermosa, la línea "you make the rainbows..." sobre esa guitarra acústica es uno de los mejores momentos de los Kinks. Nuevamente, esta es una especie de melodía de espectáculo, sin sonar falsa. Realmente melancólica y hermosa, es la mejor canción psicodélica de Ray, un estilo que no utilizó mucho a pesar de ser posiblemente uno de los padres fundadores. Afternoon Tea es otra de las canciones más flojitas, pero de todos modos muy decente. La forma de cantar de Ray en End of the Season es otra de esas melodías que él hace clásicas y que nadie o muy pocos podrían versionar para obtener el mismo efecto, una auténtica joya. La introducción es una de las mejores de la historia, Ray canta tan hermoso como siempre y el resto de la canción es realmente convincente, como el tipo de melodía de espectáculo que parece. Hermosos acordes, una melodía muy agradable y lenta. Por supuesto, es la introducción Waterloo Sunset la que se lleva casi toda la atención, porque para mucha gente es la canción favorita del repertorio de los Kinks. A riesgo de escandalizar a alguien, no es mi opinión, aunque es obvio que es una de las más hermosas. En Waterloo Sunset, Ray Davies hace hablar todo su genio, una melodía imparable, una escritura pegadiza y profundamente sincera, los arreglos y la contribución del resto de la banda también son cruciales, porque es una canción perfecta que describe a los Kinks como banda. Diré incluso que las líneas de guitarra y bajo son únicas, atemporales incluso hoy en día. Por eso entiendo completamente las opiniones sobre esta maravilla.

 

Este álbum es pura genialidad de principio a fin, pero el LP fue un fracaso sin paliativos en ventas a ambos lados del Atlántico. Una maravilla que no se vendió bien. No pasó del 35 en Inglaterra y no entró siquiera en listas USA. Aun siendo difícil de entender, su mejor disco fue su mayor fracaso hasta el momento. Esto sirvió para que Ray se radicalizara en su estilo. Los Davies ya no mirarán a las listas. La batalla con los Beatles y los Stones es inútil. Serían ellos pesara a quien pesara.

The Kinks - Face to Face (Mes The Kinks)

 

Face to Face, The Kinks

     The Kinks fueron una de las bandas más importantes de los inicios de la Invasión Británica, lanzando varios singles exitosos que siempre parecieron atender al estado de ánimo adolescente de la época. Con el nacimiento del llamado "The Summer of Love", la banda se vio incapaz de alcanzar el Top 40 en los Estados Unidos. Este hecho, sumado a las disputas entre los hermanos Davies, harían que la banda se viera aislada en el Reino Unido sin poder llegar a los Estados Unidos. Entonces decidieron desarrollar una pieza teatral para el teatro británico y un álbum conceptual que vería la luz del día en Village Green Preservation Society (1968). Antes de ese álbum vendría Face to Face, un álbum lanzado en 1966 cuando la banda estaba en su apogeo creativo absoluto con un Ray Davies desatado.

Para los seguidores de los primeros grandes éxitos de The Kinks, la música de Face to Face les cogería por sorpresa. Ray Davies demostró que podía escribir mucho más que aullidos de tres acordes, incorporando elementos del Music Hall inglés, las melodías de Broadway y el pop puro. Estas canciones tomaron por sorpresa al público británico, ya que muy pocas bandas, durante esta gran ola de experimentación musical que se extendió más allá de mediados de los años 60, lograrían lanzar un álbum o canciones individuales que abrazaron tan fervientemente una gama tan amplia de temas.

Face to Face fue entre mediados de abril y el 21 de junio de 1966 bajo la producción de Shel Tamy, y publicado el 28 de octubre de 1996 por el sello discográfico Pye Records en el Reino Unido y por el sello discográfico Reprise Records en Estados Unidos. El disco marcó un cambio de estilo en la música del grupo, del puro estilo beat que catapultó al grupo a la fama internacional pasaron a marcarse un álbum conceptual en toda regla, con elementos de music hall, rock psicodélico o rock art entremezclados con el pop puro.

Ray Davies había sufrido una crisis nerviosa antes de las sesiones principales de grabación del disco. El grupo, paso del sonido "obsceno" de sus anteriores trabajos para acercarse a un estilo de composición de canciones más suave. El avance del disco con el sencillo Sunny Afternoon, alcanzando el puesto número 1 en Reino Unido, demostró que el grupo había acertado con este nuevo estilo de composición. La crítica especializada del mundillo del rock llegó a acreditar este trabajo como uno de los primeros álbumes conceptuales de pop/rock que dedicaba la temática del mismo a la observación social. Originalmente, Ray Davies intentó unir las canciones con efectos de sonido, pero se vio obligado por la compañía Pye Records a volver al formato del álbum estándar antes del lanzamiento del mismo. Se llegaron a mantener algunos de aquellos efectos sonoros, como en temas como Party Line, Holiday in Waikiki o Rainy Day in June.

El álbum consta de 14 canciones, cada una con su propia identidad y enfoque temático, comenzando con Party Line, que a través de un tono ligero y humorístico nos describe la frustración de compartir una línea telefónica con extraños, algo que solía ser habitual en la década de 1960. La voz de Ray Davies alterna entre la narración y la interpretación del propio personaje atrapado en esta situación. Rosy Won't You Please Come Home es una lenta pieza donde Davies nos relata la tristeza de unos padres que añoran el regreso de su hija. Dandy se convirtió un éxito en Europa, especialmente en Alemania. Es una sátira relatada en tono humorístico sobre la despreocupada vida de un joven mujeriego. Too Much on My Mind es una introspectiva balada que nos habla sobre la ansiedad y las preocupaciones. Session Man rinde homenaje a los músicos de sesión, al trabajo que suelen hacer a la sombra y al poco o nulo reconocimiento que suelen recibir por ello. Rainy Day in June a través de una melancólica melodía nos describe un día lluvioso que parece reflejar el estado emocional del protagonista en ese momento. Cierra la cara A A House in the Country, que a través de su irónico tono, critica a los ricos que se alejan de las preocupaciones cotidianas de la mayoría de las personas para irse a vivir al campo.

La cara B comienza con Holiday in Waikiki, otra canción con mensaje, toda una crítica contra el turismo de masas hacia destinos exóticos como Hawai. Most Exclusive Residence for Sale critica el materialismo y las falsas apariencias. El protagonista de la canción se ve obligado a vender su lujosa casa por no poder hacerse cargo de ella. En  Fancy Davies y compañía experimentaron con el sonido, fusionando elementos del rock psicodélico y de la música india. Little Miss Queen of Darkness presenta un fuerte contraste entre su alegre ritmo y la tristeza de la letra, que trata sobre una joven atrapada en una vida de la que desea escapar. You're Looking Fine es una de las canciones más rockeras del álbum, con un ritmo acelerado y lleno de energía, y una letra directa que nos habla sobre la atracción física. Sunny Afternoon es la canción más famosa del disco, toda una crítica en toda regla del sistema impositivo británico y la decadencia de la clase alta. I'll Remember cierra la cara B, y por tanto este interesante álbum. La canción, con un tono nostálgico y reflexivo, aborda el tema del paso del tiempo y la importancia de los recuerdos.

Como podemos comprobar, Face to Face es un disco con una extensa variedad de estilos y temáticas, que abordan desde las críticas sociales hasta las complejas reflexiones y emociones personales. Todo un reflejo del talento compositivo de Ray Davies y la capacidad de The Kinks para evolucionar musicalmente. Problemas contractuales retrasaron el lanzamiento del álbum durante varios meses después de que se completara su grabación. La portada del disco también tuvo su polémica, pues el tema psicodélico de la misma originó un conflicto con la discográfica Pye Records, que la veía como inapropiada. A esto hay que sumar los problemas internos del grupo, como los del bajista Pete Quaife, que se lesionó, renunció al grupo, y posteriormente se reincorporó. El disco fue bien recibido por la crítica, pero no se vendió demasiado bien en el momento de su lanzamiento, especialmente en Estados Unidos, lo que hizo que estuviera agotado durante muchos años debido a la falta de reediciones. Face to Face llegó a ser incluído en el libro "1001 álbumes que debes escuchar antes de morir".

Artista del mes The Kinks: Álbum The Kinks Kontroversy (Mes The Kinks)

Artista del mes The Kinks: Álbum The Kinks Kontroversy #mesTheKinks

"The Kinks Kontroversy," lanzado en 1965, es el tercer álbum de estudio de The Kinks, una banda británica que se destacó por ser pionera en el desarrollo del rock británico de la década de 1960. Este álbum representa un punto de inflexión en la carrera del grupo, ya que captura el final de su fase más temprana, marcada por su característico sonido de rock crudo y directo, y comienza a esbozar la sofisticación y madurez lírica que caracterizaría sus trabajos posteriores.

"The Kink Kontroversy" llega en un momento crítico para The Kinks. Tras el éxito de sencillos como "You Really Got Me" y "All Day and All of the Night", que definieron el sonido del rock pesado y agresivo, la banda enfrentaba la necesidad de evolucionar más allá de los riffs contundentes y las letras simples que les habían ganado fama. Este álbum es un reflejo de esa evolución, con Ray Davies, el líder y principal compositor de la banda, comenzando a explorar temas más personales y sociales en sus letras.

La recepción del álbum fue positiva, aunque no tan entusiasta como la de sus primeros éxitos. Los críticos reconocieron la creciente habilidad de Davies para escribir canciones con contenido lírico más profundo, aunque la banda aún estaba lejos de alcanzar el estatus de icono cultural que lograrían con discos como "The Village Green Preservation Society" o "Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire)".

1. "Milk Cow Blues"

El álbum comienza con "Milk Cow Blues", una versión de un clásico del blues que originalmente fue popularizado por Sleepy John Estes. La interpretación de The Kinks es feroz y energética, con guitarras distorsionadas y una interpretación vocal agresiva por parte de Ray Davies. Este tema conecta con las raíces del rock and roll y el blues, pero también anticipa el enfoque más crudo y directo que la banda adoptaría en su posterior trabajo. Aunque es un cover, muestra la habilidad de The Kinks para apropiarse de una canción y hacerla suya, añadiendo su marca distintiva.

2. "Ring the Bells"

Esta canción marca un contraste significativo con la apertura del álbum. "Ring the Bells" es una balada más suave y melódica, con una lírica introspectiva que refleja la habilidad de Davies para escribir canciones emocionales y personales. La melodía es conmovedora y destaca la versatilidad de la banda, capaces de moverse entre el rock pesado y las baladas melancólicas con facilidad.

3. "Gotta Get the First Plane Home"

Con un ritmo más rápido y un enfoque más enérgico, "Gotta Get the First Plane Home" vuelve al estilo rockero que caracteriza a gran parte del álbum. Las letras expresan un deseo de escapar, un tema recurrente en la música de The Kinks, y la interpretación es urgente y apasionada. La canción es un buen ejemplo de cómo The Kinks podían combinar letras significativas con música rockera accesible.

4. "When I See That Girl of Mine"

Este tema continúa con la energía del anterior, pero con una estructura más cercana al pop. La letra, que describe el amor juvenil y la devoción, es sencilla pero efectiva, y la melodía pegajosa hace que sea una de las canciones más accesibles del álbum. Aunque no es tan compleja como otras composiciones de Davies, "When I See That Girl of Mine" funciona bien dentro del contexto del álbum como una pieza ligera y agradable.

5. "I Am Free'

"I Am Free" es una de las pocas canciones del álbum escritas por Dave Davies, el hermano de Ray y guitarrista principal de la banda. La canción tiene un aire optimista y celebra la libertad personal, tanto lírica como musicalmente. Dave Davies aporta una frescura a la composición, con un estilo que difiere ligeramente del enfoque más introspectivo de su hermano. Es una pieza destacada que añade variedad al álbum.

6. "Till the End of the Day"

Uno de los sencillos más exitosos del álbum, "Till the End of the Day" es un ejemplo perfecto del sonido característico de The Kinks en esta época. Con un riff de guitarra potente y una estructura simple pero efectiva, la canción captura la energía y el espíritu rebelde de la banda. Las letras, que hablan de vivir la vida al máximo, resuenan con el optimismo juvenil y la despreocupación de la época.

7. "The World Keeps Going Round"

Aquí, Ray Davies muestra una madurez lírica, explorando temas de resignación y la inevitabilidad del cambio. "The World Keeps Going Round" es una canción más reflexiva que destaca por su estructura menos convencional y su tono sombrío. Este tema es un precursor de las composiciones más elaboradas y temáticamente complejas que Davies escribiría en los próximos años.

8. "I'm On an Island"

Con un ritmo relajado y una atmósfera que evoca el aislamiento y la soledad, "I'm On an Island" es una canción que destaca por su simplicidad y sinceridad. La letra expresa un deseo de desconexión, tanto física como emocional, lo que la convierte en una de las piezas más introspectivas del álbum. La melodía suave y el acompañamiento mínimo refuerzan el sentimiento de aislamiento que transmite la canción.

9. "Where Have All the Good Times Gone"

Esta es una de las canciones más conocidas del álbum y una de las primeras en mostrar el estilo nostálgico y crítico que definiría gran parte del trabajo posterior de Ray Davies. La canción lamenta la pérdida de la inocencia y los buenos tiempos pasados, con una mezcla de cinismo y melancolía que se convertiría en una firma del estilo de Davies. Musicalmente, es un rock contundente con un riff de guitarra memorable que le da una sensación de urgencia.

10. "It's Too Late"

Con una melodía simple y letras directas, "It's Too Late" es una canción que aborda la decepción y la pérdida. Aunque es una de las piezas más cortas y menos complejas del álbum, su sencillez le otorga una efectividad que la hace destacar. La interpretación vocal de Ray Davies es particularmente emotiva, capturando el sentimiento de resignación que impregna la letra.

11. "What's in Store for Me"

Esta canción retoma el ritmo rápido y la energía del rock que caracteriza al álbum. "What's in Store for Me" trata sobre la incertidumbre y la búsqueda de propósito, temas que resonarán en la audiencia joven de la época. Aunque musicalmente no es tan innovadora, sigue siendo una pieza sólida que complementa bien el resto del álbum.

12. "You Can't Win"

El álbum cierra con "You Can't Win", una canción que encapsula el tono ambivalente y resignado de gran parte del álbum. Las letras reflejan una lucha constante contra las adversidades, con un tono pesimista que se equilibra con la melodía pegajosa y el ritmo animado. Es un cierre adecuado para un álbum que explora tanto las altas como las bajas de la vida juvenil.

"The Kink Kontroversy" es un álbum que, aunque a menudo se pasa por alto en comparación con los trabajos más aclamados de The Kinks, es fundamental para entender la evolución de la banda. Es un punto de transición que muestra a Ray Davies desarrollando su voz como compositor y a la banda comenzando a explorar un rango más amplio de temas y estilos musicales. Aunque no es un álbum perfecto, su mezcla de rock directo, baladas introspectivas y letras cada vez más sofisticadas lo convierten en una obra significativa en la discografía de The Kinks. Es un testimonio del talento de la banda para capturar tanto la energía cruda del rock como la complejidad emocional de la experiencia humana.

Daniel 

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0778-. This Time Tomorrow - The Kinks

 

This Time Tomorrow, The Kinks

     This Time Tomorrow, publicada en 1970 por eol grupo The Kinks, es, quizás, una de las canciones más subestimadas del grupo, pero una de las favoritas del mismo según Ray Davies, quien escribio la misma. 

El 27 de noviembre de 1970 veía la luz el octavo álbum de estudio del grupo británico The Kinks, Lola Versus Powerman and the Moneygoround, Part One, más comúnmente conocido como Lola Versus Powerman, o simplemente Lola. Este disco es conceptual, una evaluzación satírica de la industria de la música, incluyendo todo lo que le rodea, editores de canciones, sindicatos, prensa, gerentes y la vida misma en la carretera, entre otras muchas cosas. 

El disco fue grabado en dos etapas, entre abril y mayo, y agosto y septiembre de 1970 en los Morgan Studios de Londres, bajo la producción de Ray Davies, y publicado por el sello Pye para Reino Unido y por el sello Reprise para Estados Unidos. A pesar de nacer en un periodo de transición de la banda, el disco obttuvo un gran éxito tanto por parte de la crítica especializada como de la audiencia, llegando a colarse en el Top 40 en las listas de ventas de Estados Unidos, y varios sencillos alcanzando muy buenas cifras tanto en el país norteamericano como en Reino Unido. 

Incluido en este exitoso álbum se encuentra This Time Tomorrow, tema escrito por Ray Davies y que trata sobre lo que nos puede deparar el futuro, sobre adentrarse en un territorio inesperado e inexplorado. Según el propio Davies, la inspiración de la canción surgió de la siguiente forma: "Sentí que había perdido el contacto con mi familia, porque había estado en una burbuja de música durante cinco años, y no conocía a la gente que me rodeaba. This Time Tomorrow trata sobre esa fugacidad y sobre un mundo efímero. ¿Dónde estaremos y que estaremos haciendo mañana?". La canción, al igual que la mayoría de las pistas del disco, también critica el negocio de la música, concretamente la monotonía de estar siempre en la carretera. La canción comienza con el sonido de un avión volando, seguido de una guitarra y una guitarra resonadora National Steel. También cuenta con el pianista del grupo John Gosling, siendo esta una de las primeras apariciones del pianista en un disco de The Kinks. Curiosamente este fue el primer tema que el pianista tocó el día audicionó para entrar en la banda.