Mostrando entradas con la etiqueta Grandes éxitos y tropiezos. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Grandes éxitos y tropiezos. Mostrar todas las entradas

jueves, 17 de noviembre de 2022

Grandes exitos y tropiezos: The Replacements

 




The Replacements combinó la intensidad del punk con ganchos melódicos y letras suaves para ese estilo musical y proporcionó un puente importante entre el movimiento punk de finales de la década de 1970 y el rock alternativo de finales de la década de 1980. Los miembros principales fueron el guitarrista y vocalista Paul Westerberg (n. 31 de diciembre de 1960, Minneapolis, Minnesota , EE. UU.), el baterista Chris Mars (n. 26 de abril de 1961, Minneapolis), el guitarrista Bob Stinson (n. 17 de diciembre de 1959, Mound , Minnesota—m. 15 de febrero de 1995, Minneapolis), y el bajista Tommy Stinson (n. 6 de octubre de 1966, San Diego , California). Formado en 1979 por Westerberg, Mars y Bob Stinson, todos adolescentes, y el hermano de 12 años de Stinson, Tommy, The Replacements surgieron de la próspera escena musical de Minneapolis de principios de la década de 1980 que también produjo a Prince y la influyente banda de hardcore. Hüsker Dü , con quien se comparó a The Replacements en virtud del sonido punk directo de su álbum debut, Sorry Ma, Forgot to Take Out the Trash (1981). Con una actitud tan petulante como la de sus primeras canciones, The Replacements eran famosos por sus actuaciones en vivo erráticas que iban desde la anarquía inspirada hasta el caos ebrio .

 

Estás tardando en comprarlo: Let it be

Estamos ante el disco en el que se están reinventando a sí mismos como los independientes que ven el mundo a su manera. De repente ya no son parte de la comunidad punk, sino una unidad independiente que quiere aprender algo del mundo, en lugar de luchar contra él. Entre eso hay música, con una suave combinación de acordes sencillos y un motivo pegadizo, te llega para en lugar de mover tus piernas mover tu corazón. Era un pop tan nostálgico e íntimo que sonaría fuera de lugar en una de las principales radios del país. Tenemos un solo de guitarra, un movimiento prohibido para los punks desde siempre, que no solo es odiosamente pegadizo sino que también se rompe en otro solo, tocado con mandolina (cortesía de Peter Buck de REM, quien más tarde adaptaría la mandolina a REM Records en „you -ahora-cuál-single”). Al final tienes una joya pop, muy atrevida y conmovedora pero que de alguna manera sigue siendo punk con la producción imperfecta, como si hubiera polvo en esas guitarras. No se trataba del aullido y la distorsión, sino de adónde ir ahora. Un disco de una banda de punk que proclamó su fragilidad, una especie de rendición al hecho de que no pueden ganar a la vida, solo adaptarse a ella.

 

Si te queda pasta, llévate también: Tim

Tim aparece en el precipicio de la edad adulta joven: el alboroto con la cara de mierda de su carrera temprana todavía está allí, pero está atenuado por los pensamientos más aleccionadores de arrepentimiento y responsabilidad. La imagen de la portada muestra un largo pasillo con puertas o pasadizos a lo largo de los lados, tal vez para representar las diversas elecciones que tenemos que hacer en nuestras vidas. Tim debería haber sido el álbum que llevara a The Replacements a una audiencia más amplia. Pero el desprecio de la banda por los videos musicales, junto con una infame actuación en estado de ebriedad en Saturday Night Live, redujo el impulso que recibió el álbum debido a sus enormes elogios de la crítica. En cambio. Tim descansa en medio de la santísima trinidad de álbumes del grupo, después de Let it Be y antes de Favored to Meet Me, como discos que inspiraron a la siguiente generación de grupos alternativos que los imitaría y convertiría en oro comercial.

 

Vuelve a dejarlo en el expositor: All shock Down

All Shook Down es un álbum de The Replacements solo por el nombre, mas bien es un disco del cantante y compositor principal Paul Westerberg y podria ser básicamente su debut en solitario. Westerberg acababa de cumplir 30 años y, por lo que parece, ya no quería rockear. Por supuesto, todos se suavizan con la edad, pero apenas hay rastro de las raíces de la banda de garaje que dieron a The Replacements su fama, una explicación para el ruido que falta podría ser que Westerberg se había secado después de una década de beber mucho. Muy posiblemente, sin el alcohol, el deseo de subir el volumen simplemente no existia. Los mejores momentos, por lo tanto, son cuando Westerberg se vuelve acústico, o al menos rústico, con guitarra rítmica y batería enterradas profundamente en la mezcla. En estas canciones, Westerberg demuestra que no ha perdido su toque lírico, como en la triste canción de un padre, "Sadly Beautiful" o cuando da consejos a los descorazonados en "The Last".

 

jueves, 3 de noviembre de 2022

Grandes éxitos y tropiezos: Phil Collins


Grandes éxitos y tropiezos: Phil Collins

Phil Collins, es un cantante, baterista, compositor, productor y actor británico, y uno de los artistas de mayor éxito de la música rock. Phil Collins ha liderado la lista de éxitos estadounidense Billboard Top 100 como cantante en ocho ocasiones, siete como solista y una con junto a la banda Genesis, se podría decir un artista de éxito.

La discografía completa de la carrera en solitario de Phil Collins, consta de ocho álbumes de estudio, un álbum en vivo , dos bandas sonoras, dos álbumes de compilación, un álbum de remezclas, un box set y cuarenta y cinco sencillos. Y ha vendido más de 33 millones de álbumes en los Estados Unidos, y en todo el mundo alrededor de 150 millones de discos.

El primer álbum como solista de Collins, Face Value, fue lanzado en el Reino Unido en febrero de 1981 y alcanzó el puesto número uno en el UK Albums Chart y fue certificado 5 veces por Platino por la Industria Fonográfica Británica (BPI). Su segundo álbum, Hello, I Must Be Going! , fue lanzado en 1982 e incluía el número uno del Reino Unido " No puedes apurar al amor ". El álbum alcanzó el número dos en el Reino Unido y fue certificado 3 veces de Platino.​ En 1984, Collins grabó "Against All Odds (Take a Look at Me Now)", la balada que disparó al número uno en los EE. UU. en el Billboard Hot 100 y el número dos en el Reino Unido. Él también realizó un dúo con Philip Bailey, para la canción "Easy Lover" (1985), que alcanzó el número dos en los EE. UU. y pasó cuatro semanas en el número uno en el Reino Unido. También en 1984, Collins participó con Bob Geldof en la Band Aid para la caridad los tambores de los proyectos, y tocó en el sencillo de Band Aid "Do They Know It's Christmas?".

A principios de 1985 Collins lanzó su tercer álbum, No Jacket Required, que contenía los éxitos "Sussudio" y "One More Night". También grabó la canción "Separate Lives", donde formó un dueto con Marilyn Martin, que alcanzó el número uno en los EE. UU. No Jacket Required debutó en el número uno en los EE. UU. y el Reino Unido, es el álbum más vendido de su carrera y ha sido certificado por Diamante en los EE. UU. por las ventas de más de 10 millones y seis veces Platino en el Reino Unido. En 1988, Collins contribuyó con canciones para la banda sonora de la película Buster, en el que también interpretó: "Two Hearts", y la contraportada de " Un lindo tipo de amor ", el último de los cuales se convirtió en un número uno por el Reino Unido y en EE. UU. En 1989, Collins produjo otro álbum exitoso álbum, ...But Seriously, con el himno de lucha contra la falta de vivienda "Another Day in Paradise", que alcanzó el número uno en los EE. UU. y el número dos en el Reino Unido. Un álbum en vivo, Serious Hits... Live! fue publicado en 1990.

El quinto álbum de Collins, Both Sides, fue lanzado en noviembre de 1993, a pesar de que tuvo menos éxito que sus anteriores discos, el álbum alcanzó el número uno en el Reino Unido. Su siguiente álbum, Dance into the Light , fue lanzado en 1996 y fue aún menos exitoso, alcanzando el número cuatro en el Reino Unido y fue solamente certificado Plata. Una recopilación de grandes éxitos fue lanzado en 1998 y fue éxito, volviendo Collins al número uno y multi-platino en el Reino Unido y los EE. UU.

Collins también escribió e interpretó canciones para la película animada de Disney "Tarzán", y "Brother Bear". Testify fue el séptimo álbum de estudio de Collins y fue lanzado en 2002. Fue un éxito en Europa, con un pico en el número quince en el Reino Unido y dentro de los primeros cinco en Austria, Alemania y los Países Bajos. Después de la publicación de Testify, Collins anunció que iba a entrar en un semi-retiro, y lanzó dos compilados. En septiembre de 2010, Collins lanzó su octavo y último álbum de estudio, Going Back.

Pero no todo es éxito para el británico, una rebelde lesión en su espalda que le impide moverse con normalidad, un complejo divorcio y una recaída en el alcohol han marcado el camino reciente de la leyenda británica de 70 años, quien esta semana reapareció en los escenarios junto a Genesis, evidenciando su frágil estado de salud. "Apenas puedo sostener una baqueta", ha confesado el músico, quien tras una depresión y hasta pensar en el suicidio ha decidido darse una última oportunidad frente al público.

Daniel 
Instagram storyboy 

martes, 25 de octubre de 2022

Grandes éxitos y tropiezos: Helloween

 

Heloween


     Esta semana cambiamos radicalmente de estilo, y para ello traemos a una de las bandas más grandes de Metal de todos los tiempos, considerada como los padres del power metal, siendo además una de las bandas más influyentes para el desarrollo de éste género musical, Helloween. Si en sus comienzos su estilo estaba orientado hacia un sonido como el speed metal, fueron virando en su estilo hasta convertirse en una de las bandas más influyentes de la historia del power metal. Como siempre, en esta sección vamos a indicar nuestras recomendaciones si queréis navegar por la amplia discografía de esta banda alemana, que atesora nada menos que 17 álbumes de estudio y 6 en directo. 


Estás tardando en compralo:



Keeper of the seven keys: part II (1988)
; Estamos hablando de uno de los discos más importantes de la historia del power metal, un álbum en el que muchas bandas se inspiraron posteriormente. Este brutal trabajo está repleto de himnos como Rise And Fall, March Of Time, Dr. SteinI Want Out, Eagle Fly Free o Keeper Of The Seven Keys. Keeper of the seven keys: Part I (1987); Si la segunda parte de éste álbum está considerado como la obra cumbre, no menos importante es este primero de la saga. No olvidemos que el I y II fueron concebidos como un álbum doble y no llegó a salir por la negativa del sello discográfico, por lo que el material salió dividido en dos partes. Un gran disco con mucho peso e influencia en el Metal de los años 80, con temazos como Future World, A Little Time, I'm Alive o Twilight Of The Gods, éste último tema caracterizado por la utilización de sólos de guitarra de gran técnica donde Kai Hansen incluye por primera vez en la historia del power metal la técnica del barrido, llamado sweep Picking, consiguiendo que los 17 sólos de guitarra a dúo de esta canción la conviertan en una obra maestra.  The Dark ride (2000); Es el disco más oscuro y potente de la carrera del grupo, con una excelente producción que corrió a cargo de Roy Z y Charlie Bauerfeind. La banda apostó por un sonido más agresivo que sus anteriores trabajos. Contiene temazos como Mr Torture, I Live For Your Pain y If I Cold Fly. Este disco marcó el final de una época, pues ese sonido potente, rápido y oscuro del álbum generó disputas internas que acabó con la expulsión de la banda de Uli Kusch y Roland Grapow.


Si te queda pasta, llévate también:



Better Than Raw (1998)
; Un disco con una producción muy cuidada y con un sonido muy atípico para lo que venía haciendo el grupo. El grupo explota muy bien la creatividad con un sonido crudo y unas muy buenas composiciones, entre las que encontramos I Can y Hey Lord entre otras, que hacen de este disco muy apetecible y recomendable. Master Of The Rings (1988); Disco en el que debutaron el vocalista Andi Deris y el baterista Uli Kusch. Una época de cambios no sólo en la formación, también en el sonido del grupo que regresó a las raíces del power metal, estilo que habían abandonado en los trabajos anteriores y que dominan a la perfección. Straight out of hell (2013); Trabajo con un excelente producción, grabado en los estudios Mi Sueño en Tenerife, donde ya habían grabado anteriormente. Contiene otros tantos buenos temas como Nabatea o Wanna Be God, este último dedicada a la figura de Freddie Mercury


Vuelve a dejarlo en el expositor:



Chameleon (1993)
; El último trabajo de la primera etapa de Michael Kiske en la formación, y la salida del baterista Ingo Schwichtenberg. Un disco donde la tónica fue la experimentación musical. Dicha experimentación musical pasaría factura, ya que no fue del agrado de gran parte de la crítica ni de los fans de la banda, donde no gusto ni siquiera la portada del disco. Abandonar el power metal y apostar por otros estilos como el rock, el funk o incluso el pop, no fue una idea muy buena. Keeper Of The Seven keys: The Legacy (2005); Estar a la altura de la las partes I y II de Keeper Of The Seven Keys no era tarea fácil, y con esta tercera parte no se acercaron ni de lejos. Esta tercera parte, concebida más de quince años después, con otro cantante y en una etapa en claro declive de la banda, sólo puede ser entendida con un objetivo puramente comercial. El tema Light The Universe, cantado por Andi Deris a dúo con Candice Night, integrante del grupo Blackmore's Night, es de lo poquito salvable del álbum. Gambling with the devil (2007); Un disco no puede ser juzgado por su portada, pero en este caso no se cumple esa premisa. Este álbum, con esa portada no ayuda, y está relleno de temas normalitos. Esta banda sabía hacerlo mucho mejor, como ya habían demostrado en tantas ocasiones, y así había que exigirle.


Si por otra parte te interesan temas sueltos de la banda, amén de la infinidad de listas que circulan por ahí, recomendamos nuestras cinco canciones top:

1. Eagle Fly Free

2. If I could Fly

3. Ride The Sky

4. I Want Out

5. Dr. Stein

martes, 18 de octubre de 2022

Grandes éxitos y tropiezos: Beck



Nueva edición de "Grandes éxitos y tropiezos", en esta ocasión desgranamos la trayectoria de Beck, autor de varios discos tan geniales como irreverentes, pero que en la búsqueda del cambio y de nuevos horizontes también ha dado algún que otro mal paso en su ya extensa y variada discografía. Así que si vas a una tienda de discos en busca de algún álbum del artista angelino, éstas son nuestras recomendaciones:

Estás tardando en comprarlo:

Odelay (1996), irresistible ya desde el riff inicial de Devils Haircut, su single más reconocible, y uno de los mayores éxitos de Beck. Estamos ante un disco que es un auténtico derroche de creatividad y variedad estilística, con cambios constantes de ritmo y estilo que hacen imposible poder encasillarlo en un género. Country, blues, rock, hip hop y otros muchos estilos se combinan en un puzzle multicolor y atípico que te atrapa con cada escucha, y que no ha perdido ni un ápice de su fuerza y su descaro con el paso de los años.

En esta misma sección incluiría también el disco Sea Change (2002), no solo por la calidad que atesoran sus canciones, sino por el increíble cambio estilístico que supone con respecto a Odelay y otras obras de Beck. Tras una ruptura sentimental, el músico californiano se torna reflexivo y profundo, en un disco sosegado y equilibrado en el que destacan los arreglos de cuerda y los ambientes acústicos, arropando a un Beck que canta como un crooner con el corazón abatido.

Si te queda pasta, también puedes llevarte:

Mellow Gold (1994) Quizá haya otros discos en esta categoría que, en conjunto, sean mejores que éste, pero aquí ya se intuía el camino que condujo hacia Odelay, en las imposibles mezclas de estilos en las que tenían cabida tanto el pop como el rap, el folk, mezclados en una dinámica de sonido low-fi y con un single que es historia del post-grunge de los noventa: Loser. ¿Y cuáles son esos discos que, seguramente, son mejores en conjunto que éste Mellow Gold? Pues en nuestra opinión serían tanto Modern Guilt (2008), que podría denominarse como el álbum psicodélico de Beck, como Mutations (1998), otro ejemplo de lo que el californiano es capaz de facturar cuando se muestra contenido y se acerca al pop elegante y calmado, aunque tenga también tramos en los que la cabra tira al monte y saca su abanico de referencias del country y hasta de la bossa nova (Tropicalia)

Vuelve a dejarlo en el expositor:

En este apartado haremos una referencia general a todos sus discos anteriores a Mellow gold, porque el genio del artista angelino no había encontrado aun el cauce adecuado, y es poco o ninguno el interés de discos como Golden Feelings (1993), Stereopathetic Soulmanure (1994) o One Foot in the Grave (1994), seguramente en ese orden. Y de su obra más reciente, discos como The information (2006) o Morning Phase (2014) son también, en cierta manera, tropiezos que palidecen ante sus grandes obras y ante otras publicaciones de la misma época.

Por último, si hablamos de canciones, con una obra tan extensa habrá listas y gustos para todos los colores. Estas son nuestras cinco canciones top:

1. Loser
2. Devil's Haircut
3. Lost cause
4. The golden age
5. Tropicalia

martes, 11 de octubre de 2022

Grandes éxitos y tropiezos: Siniestro total

 





Como ya sabéis, en la sección de Grandes éxitos y tropiezos solemos profundizar un poco más en el artista elegir, hablando de su obra y por qué discos empezar, algo que te puede venir muy bien si estás empezando a escuchar al artista de turno, y así tener una ayuda para saber por donde ir empezando. También hablamos sobre que discos dejar para el final, pues además de sus grandes trabajos, en 7dias7notas no somos ajenos a aquellos trabajos que no tuvieron el impacto deseado o simplemente no llegaron a estar a la altura del resto de su obra. El grupo que proponemos en esta ocasión es Siniestro total. En 1981, cuatro amigos -Julián Hernández, Alberto Torrado, Miguel Costas y Germán Coppini- deciden formar un grupo de música que años más tarde sería reconocido como uno de los pioneros del movimiento ‘punk’ en España, desde su primer álbum “¿Cuándo se come aquí?”, editado en 1982, la banda ha sufrido diversos cambios en su formación, hasta llegar a la formación actual. Además de sus ya decenas de álbumes oficiales publicados en España, Portugal, México, Argentina Chile, etc, Siniestro Total ha colaborado con Álex de la Iglesia en las bandas sonoras de las películas "El día de la bestia" y "800 balas". Siniestro total es la historia de una banda de currantes de la música con más de 30 años de exitosa carrera en el rock nacional.

 

Estás tardando en comprarlo: ¿Cuando se come aqui?

Estamos ante un disco magistral, a pesar de no ofrecer filosofía profunda ni desarrollar conceptos que hagan pensar, tiene algo por lo que muchos matarían: diversión sin límite y adicción desmedida. Porque, como también hay ratos en los que simplemente queremos pasarlo bien con la música, este disco reivindica su lugar en tu estantería. Se le puede achacar que es de mal gusto, irreverente, vulgar, absurdo... Sí ¿y no es maravilloso? Y lo es porque podemos disfrutar en nuestro idioma de los patrones del punk británico a cinco años de su irrupción. Por supuesto había que darle el toque hispano. ¿Panderetas, muñeiras?..... Nada de eso. Un humor muy sui generis, un cachondeo "descerebrado" que puede surgir del no tener qué contar. De acuerdo, pero también hace falta ingenio y mala leche para cantar cosas como "Matar jipis en las Cíes", "las tetas de mi novia tienen cáncer de mama", "los esqueletos no tienen pilila" o incluso tirarse por el post-punk más "oscuro" con "Nocilla, ¡qué merendilla!". versos que hoy son imposibles. Conservadurismo, mojigatismo, no lo sé. Dejando a un lado lo políticamente incorrecto de los temas (o no) hay que alabar el disco. Y es que ha habido pocos en este país tan punkarras y tan directos. Sin la ira antisistema de Eskorbuto, tampoco renuncian a la crítica política (a su manera) como en esa "Fuera las manos chinas del Vietnam socialista".

 

Si te queda pasta, llévate también: Bailare sobre tu tumba

Todo un clásico en la carrera de los vigueses, cuarto LP de su discografía, un álbum editado en el año 1985, primero con Xavier Soto a las guitarras, un disco donde continuaron virando, con muchas precauciones, eso sí, su sonido, a favor de un Hard Rock algo más denso en comparación con su Punk Rock ácido e hiper simple de sus dos primeros álbumes. Los gallegos continuaban incidiendo en sus letras y en sus mensajes transgresores, sin demasiado trasfondo, metiendo la directa en todos sus mensajes, eso sí, como decía anteriormente, con mayor madurez en sus postulados musicales, con las guitarras algo más protagonistas.  La cara A nos dejaba algunos de los grandes imprescindibles de su carrera, como el tan aclamado "Bailaré Sobre Tu Tumba", tema título, o los algo más escondidos "Demasiado Lejos" o "¿Qué Tal Homosexual?", mientras que en la cara B aparecían un puñado de versiones de temas míticos del Blues Rock británico, como "Can't Get Enough" de Bad Company o "Emilio Cao" de The Kinks, interpretados en vivo y siempre entendidos bajo la personal perspectiva de los gallegos. Punk/Rock desde Galicia que acabó marcando a una generación.

 

Vuelve a dejarlo en el expositor: Policlinico nacional

Con este disco confirman que el nuevo libro de ruta de la banda son el blues y el rhythm and blues. Lo cierto es que a pesar de momentos de lucidez como la delirante “España se droga” con unos brillantes arreglos de cuerda -“No señor está usted equivocado / no me inyecto hachís ni bebo caballo / nada con exceso rima con mesura / la droga dura, lo que dura, dura”- estamos ante un trabajo bastante irregular. En cortes como “Depende” se acercan al hard rock sin chispa y en otros como “Volanteiro cabrón” -en gallego- o “El regreso del hijo del zombie Paco” consiguen robarnos más de una sonrisa pero falta fuelle. Tras dejarnos claro que “Sólo los estúpidos tienen la conciencia tranquila” y que son “Jóvenes, vírgenes y castos” -pero les invaden “pensamientos puros y duros / como nuestra anatomía / y no puedo dejar de fornicar”- llegan los saxos de Jorge Beltrán y los aires sureños de “Doctor Juan”. Los pildorazos cargados de energía vienen después con “Y yo me callo” y “Respeten nuestro dolor”, y la melancolía y los guiños a Cangas de Narcea -Constante, el propietario del mítico bar Kwai de Madrid era oriundo de allí- con “Melancólico (¡miserere!)”.

jueves, 29 de septiembre de 2022

Grandes éxitos y tropiezos Soda Stereo

Éxitos y tropiezos Soda Stereo  

Todos sabemos del éxito de Soda Stereo y para quienes no lo han vivido. Soda Stereo fue una banda argentina de rock alternativo formada en Buenos Aires en 1982 por Gustavo Cerati su líder y guitarrista, Zeta Bosio en bajos y Charly Alberti en batería.

Es considerada por la crítica especializada como la banda de rock más importante, popular e influyente en español de todos los tiempos y una leyenda de la música latinoamericana.

Y esto lo demuestra sus logros, fueron el primer grupo de habla hispana en conseguir un éxito masivo en Latinoamérica y tuvieron un papel muy importante en el desarrollo y la difusión del rock latinoamericano y el rock en español durante las décadas de 1980 y 1990. Durante su carrera, fueron vanguardistas y marcaron tendencia en Latinoamérica, en la que protagonizaron diversos géneros como la música divertida de sus inicios, la new wave, el dark wave, el hard rock, el rock alternativo y el rock electrónico de sus finales.

Dentro de sus éxitos más sonados, esta su segundo álbum de estudio Nada Personal, que contiene una de las 500 mejores canciones del rock iberoamericano por la crítica Al Borde en 2006, que premió la canción Cuando pase el temblor con el puesto 84°, como así también esta dentro de las 100 mejores canciones del rock argentino por Rock.com.ar en 2007 premió la canción con el 74°. 

El video de Cuando pase el temblor fue nominado finalista del 12.º "World Festival of Video and TV" en Acapulco.

Otro gran éxito es su tercer álbum de estudio Signos, que es considerado por la mayoría de los críticos como el segundo mejor álbum de la banda, después de Canción animal, de 1990. En este álbum se destacan canciones como: Signos, Prófugos, El rito y Persiana americana.

Ya establecidos como un grupo de alcance internacional, la Gira Signos que promocionó el disco visitó Argentina, Paraguay, Bolivia, Ecuador, Colombia, Costa Rica, México, Venezuela, Chile y Perú.
Signos es destacado en la historia de la industria discográfica argentina: en 1987 se convirtió en el primer álbum de un artista argentino en ser lanzado en formato de CD. 

Canción animal es el quinto álbum de estudio, y es considerado como el mejor álbum de la banda en toda su carrera, y dejó una huella no solo en el rock argentino sino en todo el continente. Es considerado como uno de los discos más importantes y emblemáticos en la historia del rock en español, apareciendo entre los primeros puestos en múltiples listados de los mejores álbumes del rock en español de todos los tiempos.

El álbum posee un sonido roquero, más duro y sanguíneo que el de los anteriores de la banda, e instrumentalmente cuenta con gran protagonismo de la guitarra eléctrica en riffs y solos. Para hacer Canción animal, la banda se inspiró fundamentalmente en el sonido de las bandas de rock argentinas de los años setenta que habían escuchado durante su adolescencia, como Pescado Rabioso, Vox Dei, Color Humano y Aquelarre. Este cambio de sonido en Soda Stereo pronto influiría en la evolución que tomaría el rock en todo el continente.

Pero todos estos éxitos y muchos más que cosechó Soda Stereo, no evitaron que la banda se separace. 

Todos nos pregúntanos ¿Por qué se separó una de las bandas más importantes del rock en español?

Todavía retumba en los fanáticos de Soda Stereo, las palabras de Gustavo Cerati “¡Gracias… totales!”, que estuvieron acompañadas de un riff de guitarra. Ese momento quedó inmortalizado en el álbum en vivo ‘Último concierto’. Con el paso de los años, sigue la pregunta: ¿por qué se separó la banda más grande de Latinoamérica? 

Muchas cosas se especularon en su momento, se pensó en la agonía que provocó el álbum ‘Dynamo’ y su gira para promocionar la producción de 1993. La relación entre Gustavo, Zeta y Charly era inestable, se señaló que, tras una gira en Chile, Paraguay, Venezuela y México, Gustavo Cerati abandonó la agrupación y se fue con su pareja, Cecilia Amenábar, a disfrutar la espera de su hijo, por lo que dejó inconclusos conciertos en Estados Unidos y España

La decisión de abandonar la gira aumentó los problemas entre los integrantes de la agrupación, y a partir de ahí salieron a la luz varios reclamos como que Gustavo ganaba más dinero. Más tarde Gustavo respondería. 

“Zeta decía que el grupo debía firmar todas las canciones. Eso me parecía válido, siempre y cuando el esfuerzo fuera compartido, pero cuando soy yo el que está haciendo prácticamente todo, no me parece justo”, expresó Gustavo Cerati a la revista Rolling Stone. 

Así llegó a su fin el ‘sueño’ de Soda Stereo, tras diversos reclamos y declaraciones de los integrantes, Soda Stereo se tomó una pausa durante año y medio. Sin embargo, una tragedia familiar los volvería a reunir, y es que el 4 de julio de 1994, Tobías, el hijo de tres años de Zeta, fue hospitalizado de emergencia. Charly y Gustavo acudieron a apoyar al bajista. 

A los pocos meses, se reunieron en una sala del estudio Supersónico para hablar si todavía podía continuar tocando juntos. Sin embargo, los primeros ensayos fueron catastróficos y tras varios días de intentarlo, lograron mantener una buena comunicación.

De acuerdo con Rolling Stone, en ese momento, cada integrante tenía sus proyectos personales. Gustavo Cerati ya había grabado ‘Amor Amarillo’ tras volverse un fiel seguidor de los ritmos electrónicos del acid house y ambient. Zeta era productor de grupos como Peligrosos Gorriones y Aguirre, mientras que Charly empezaba en los negocios.

Después de su exitoso ‘Sueño Stereo’ y la gira mundial que incluyó su presentación ‘Unplugged’, los integrantes siguieron con sus proyectos personales. Cerati volvió con la banda tras el lanzamiento de ‘Confort y música para volar’, pero nuevamente la banda emprendió una gira llena de altibajos y problemas. 

En las últimas etapas llegamos a ni hablarnos. Lo hacíamos sólo por medio de personas y para juntarnos a tocar”, recordó Zeta en una entrevista. 

A finales de 1996, Gustavo se reunió con Charly y Zeta para decirles que no estaba seguro del futuro de la banda y les pidió que descansaran por unos meses para ver cómo iban las cosas. Quedaron de verse en febrero para analizar la situación, pero Gustavo Cerati no apareció. 

En marzo, Zeta se enteraría de la disolución de Soda Stereo mediante una declaración a un periódico de Gustavo Cerati. El anuncio oficial de la banda se dio el primero de mayo de 1997. 
La etapa de Soda Stereo concluiría el 20 de septiembre de 1997 en el Estadio River. 

Daniel 
Instagram storyboy 

martes, 20 de septiembre de 2022

Grandes éxitos y tropiezos - Red Hot Chili Peppers

Red Hot Chili Peppers


     Como ya sabéis, en la sección de Grandes éxitos y tropiezos solemos profundizar un poco más en el artista elegir, hablando de su obra y por qué discos empezar, algo que te puede venir muy bien si estás empezando a escuchar al artista de turno, y así tener una ayuda para saber por donde ir empezando. También hablamos sobre que discos dejar para el final, pues además de sus grandes trabajos, en 7dias7notas no somos ajenos a aquellos trabajos que no tuvieron el impacto deseado o simplemente no llegaron a estar a la altura del resto de su obra. El grupo que proponemos en esta ocasión es Red Hot Chilli Peppers:

Estás tardando en comprarlo: 



Blood Sugar Sex Magic
(1991), si no el mejor, sin duda uno de sus mejores trabajos. 
El grupo quería grabar un álbum diferente, algo que se saliera de lo convencional, y para ello decidieron encerrarse en una mansión en la que vivió un tiempo el mago Harry Houdini y acordaron que no saldrían hasta que el disco estuviera terminado. En este disco se atreven a ir más allá y aparte de los ritmos punk, rock o funk que estaban acostumbrados a tocar, deciden meter también riffs más duros, coqueteando también con el Heavy metal. Un disco que no deja indiferente pues la tematica que emplearon en los temas fueron el sexo, las drogas, la muerte o la lujuria. El disco les catapultó al super estrellato mundial, vendiendo sólo en Estados Unidos más de 7 millones de copias. El disco fue editado por la discográfica Warner Bros, y para tal aventura contaron con el productor Rick Rubin, el cual había trabajado entre otros para Beastie Boys, un tipo de mente abierta, algo que iba a necesitar para trabajar con Kiedis, Flea y compañía. Mother's Milk (1989) es otro disco que no puedes dejar de llevarte. Era su cuarto álbum de estudio, y tiene el honor de ser el primero en conseguir el primer disco de oro para el grupo. Casi un año antes del lanzamiento de este disco, el guitarrista Hillel Slovak fallecía por sobredosis, lo que causó que el batería Jack Irons abandonase el grupo. John Frusciante y Chad Smith llegaban para suplirlos. La llegada de Frusciante se nota de inmediato, pues alterará en gran medida el sonido de la banda, poniendo más énfasis en sonidos melódicos. Un disco muy funk, pero con poderosos toques metaleros. También te recomendamos Californication (1999). Es cierto que es un disco bastante controvertido entre los fans de la banda, pues hay a quienes le resultan un gran disco y hay a quienes le parece insufrible. A nosotros nos parece un gran trabajo. Un disco que volvía a poner a California en el mapa del rock. Un disco que contiene temazos como Around the World, Otherside, Californication o Scar Tissue.

Si te queda pasta, llévate también:




One Hot Minute
(1995), disco que fue grabado con Dave Navarro, el antiguo guitarrista de Jane's Addiction. Con la presencia de Dave Navarro el grupo recuperó ese estilo arrollador de sus comienzos. La presencia del guitarrista altera el sonido del grupo en un disco que contiene menos temas sexuales que en albumes anteriores y explora asuntos más oscuros como las drogas, la depresión, la angustia o el dolor. By the Way (2002) suponía un disco diferente a sus anteriores trabajos. Este disco es un acercamiento más sincero y reflexivo por parte de Anthony Kiedis en las letras, y se caracteriza por unas melodías menos animadas a las que nos tienen acostumbrados, dando un cambio de dirección en la grabación. Un trabjo muy interesante.

Vuelve a dejarlo en el expositor:



Si te has quedado sin dinero, o simplemente quieres ir poco a poco y tomártelo con calma, deja para el final I'm With You (2011). Este disco, el décimo de la banda, era el primero del guitarrista Josh Klinghoffer, que sustituía a John Frusciante. Se nota demasiado la marcha de John Frusciante, y el grupo se muestra por momentos perdido. El estilo y el sonido que John Frusciante había aportado al grupo eran algo único, además de la gran química que había entre Kiedis y Frusciante en la parte compositora. Los resultados ya no serían lo mismo sin Frusciante. The Red Hot Chili Peppers (1984), el album debut del grupo. La grabción del disco no fue fácil, pues se produjeron constantes desacuerdos entre la banda y el productor del álbum, el guitarrista de Gang of Four, Andy Gill. Gill quería llevar  la banda a un lado más pop. Al final el disco fue lanzado con el título The Red Hot Chili Peppers, algo con lo que también estuvo el grupo en desacuerdo, pues querían llamarlo True Men Don't Kill Coyotes. Entusiasmo y ganas no les faltan, pero los problemas y desacuerdos en la producción se notan, aunque es cierto que por momentos nos muestran pequeños destellos de la gran banda en que se iban a convertir.

Si lo que buscas son canciones sueltas, este es nuestro Top 5 de Red Hot Chili Peppers:

1.- Can't Stop

2.- Give It Away

3.- Under The Bridge

4.- Dani California

5.- Otherside




 






 

martes, 13 de septiembre de 2022

Grandes éxitos y tropiezos: Oasis



Volvemos con una nueva edición de Grandes Éxitos y Tropiezos, y en esta ocasión suben a la palestra los controvertidos hermanos Gallagher y su particular Oasis musical, que fueron punta de lanza del britpop en los noventa y dejaron grandes discos para la historia, pero también tropezaron lo suyo, hasta que el choque de estas dos fuertes personalidades les llevó a tomar caminos que, hasta hoy, y a pesar de que sus todavía miles de fans claman por una reunión, siguen siendo separados. Así que si te da por bucear en la discografía de los de Manchester, te vendrá bien esta breve guía antes de plantarte en la tienda de discos.

Estás tardando en comprarlo:

Gran parte de la culpa del desmedido éxito de Oasis en los noventa la tuvo su primer disco, Definitely Maybe (1994), con el que se presentaron al mundo armados con la actitud contestataria de los Sex Pistols (y cierto parecido en la manera de Liam de estirar la última palabra en cada fraseo con la peculiar manera de cantar de Johnny Rotten), y una estética sonora que tomaba cosas de Stone Roses, Rolling Stones y, como no, de su adorado Lennon y los Beatles. Este disco es, sin lugar a dudas, uno de los mejores discos británicos de todos los tiempos, una sucesión de arrogantes hits de intensas y sobrecargadas guitarras y acertadas melodías. La lista de hits es apabullante: Rock ‘n Roll Star, Live Forever, Shakermaker, Supersonic, Cigarettes And Alcohol, Columbia, Slide Away... Si no conocieras al grupo, podrías incluso pensar que estabas escuchando el recopilatorio definitivo (o quizás) de sus mejores canciones.

Tengo que incluir aquí también al archiconocido (What’s The Story) Morning Glory? (1995), el mayor éxito de su carrera por temas como Wonderwall, Roll with it o Don't look back in anger, que en conjunto, y siendo también uno de los mejores discos del brit pop y de la historia de la música inglesa, en mi opinión está un escalón por debajo de su álbum de debut, aunque para ello haya que recurrir a la "photo finish". Este disco supuso un cambio sonoro respecto a su predecesor, las guitarras son aquí menos saturadas y aunque hay temas de rock intenso (Hello) o que encajarían estilísticamente en el anterior disco (Some might say), el tono general de Morning Glory es más pausado, con coros e instrumentaciones menos crudas y directas, e incluyendo arreglos de cuerda y, en general, una instrumentación más accesible y variada. La auténtica joya del disco es la excelsa Champagne Supernova, uno de los mejores temas de toda la discografía de la banda, y su momento más alto a nivel de épica y de intensidad tanto vocal como musical. Un final glorioso para un disco remarcable.

Si te queda pasta, llévate también: 

Don’t Believe The Truth (2005) Cuando ya nadie esperaba un buen disco de Oasis, tras varios tropiezos que veremos en la siguiente sección, aparece este disco en el que se nota el aire fresco y las contribuciones de otros miembros de la banda, en lugar del omnipresente Noel que empezaba a mostrar ya signos de desgana y agotamiento. Las tareas se reparten en el disco más democrático del grupo, firmando su mejor disco en muchos años, y el primero en contar con la batería de Zak Starkey (hijo de Ringo Starr), tras la salida del habitual Alan White. Los temas que aporta Liam Gallagher son mucho más robustos que los torpes acercamientos de discos anteriores, y las aportaciones de Noel, aunque más escasas, siguen siendo muestras de su genio creativo (The Importance Of Being Idle) o hits redondos y efectivos (Lyla). Las aportaciones de Andy Bell y Gem Archer están también a la altura, y toda la banda parece haber recobrado los bríos del pasado en esta nueva formación. Muy destacable también el intenso comienzo con Turn up the Sun, con la que de hecho consiguieron volver al número 1 en el Reino Unido, y alcanzar la mejor posición en las listas estadounidenses desde 1997, y el himno Beatle de Let there be love, un tema antiguo de Noel que encontró aquí su lugar privilegiado para brillar como merecía.

Be Here Now (1997) La continuación de Morning Glory es un disco bastante denostado con el paso de los años, y muchos lo incluirían en la sección de "Vuelve a dejarlo en el expositor" por su sobreproducción y por no resistir la comparación con sus dos antecesores. El primer pinchazo de Oasis surgió de unas difíciles sesiones de grabación, en las que las discusiones entre los hermanos, y el abuso de las sustancias, deterioraron un lanzamiento que yo reivindico aquí porque, pese a todo, sigue ofreciendo un buen puñado de canciones clave del repertorio de Oasis, junto con otras más criticables o descartables. Los temas en este disco se alargan demasiado en ocasiones, y las sobre-grabaciones de guitarra son también excesivas en algunos momentos, lo que no quita que temas como D’You Know What I Mean?, Stand by me, Don’t Go Away All Around The World están a la altura de lo exigido y esperado de la banda. 

Dig Out Your Soul (2008) El hasta ahora último disco publicado por Oasis fue un claro intento de reinvención y modernización de su sonido y sus planteamientos, dejándose influenciar por otros estilos como la psicodelia y el rock alternativo, pero el tema que más brilla en el conjunto es The Shock of the Lightning, un tema al más puro estilo de Oasis. Este tema o el también intenso Bag it up dan muestra de lo que Oasis podía haber hecho en el futuro, de haber surtido efecto este renacer creativo. I’m Outta Time es el enésimo homenaje a su admirado Lennon (incluye, de hecho, una grabación de su voz) pero también es otro de los momentos álgidos del disco. Otros temas como (Get Off Your) High Horse Lady o Falling Down se acercan a lo que Noel haría después en solitario. El resultado en conjunto es un buen disco y una despedida digna para una banda de su nivel, sonando como nunca pero sin caer en la excesiva pompa de otros proyectos, y hasta explorando la sonoridad de Pink Floyd en Soldier on, diciendo adiós de la manera más curiosa y sorprendente posible. 

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Heathen Chemistry (2002) supuso un intento de vuelta al rock, con algún toque psicodélico, pero solo consiguieron transmitir el sonido de un grupo gastado y sin ideas, que replica o copia las estructuras que les habían llevado al éxito sin la gracia y la frescura de antaño. Es sin duda el disco más flojo de la banda, y salvo The Hindu Times, el tema más enérgico y destacable, y uno de sus mejores temas en años, el disco se centra en su mayor parte en los medios tiempos y las baladas, y aunque Stop crying your heart out, Little by little y Songbird son temas de calidad, el disco al completo carece del carácter y el carisma que anteriormente había mostrado la banda.

Standing On The Shoulder Of Giants (2000) marca el comienzo serio del declive de la banda. Pese a un comienzo enérgico y prometedor con el desatado instrumental de Fuckin' in the bushes, al que sigue Let it out, temazo marca de la casa a ritmo de mellotron y guitarra, y una no menos efectiva y psicodélica balada de sitar y toques electrónicos (Who feels love?), después es como si la ciudad de Nueva York de la portada sufriera el mayor apagón de su historia. El intento de mezclar la psicodelia de los sesenta con la electrónica del momento habría resultado curioso, de haber mantenido el resto de las canciones el nivel de las tres primeras. La primera aportación compositiva de Liam con Little James es un sonrojante y torpe intento de facturar su propio Hey Jude, y en temas como Put Yer Money Where Yer Mouth Is, I can see a liar o la progresiva Gas Panic! suenan encorsetados y repetitivos donde deberían sonar intensos y contundentes. Noel se pregunta en Where Did it All Go Wrong? ("Donde empezó todo a ir mal"), que pudo fallar en la "Cool Britannia” de Blair, pero con ese título era inevitable para mí pensar en por qué, y en qué momento, un disco con un arranque tan bueno acabaría en esta sección.

martes, 6 de septiembre de 2022

Grandes exitos y tropiezos: Paco de Lucia


Con Grandes éxitos y tropiezos iniciamos una nueva sección en 7días7notas, en las que os ayudaremos a elegir los mejores discos de los grupos y artistas más relevantes de la historia de la música, casi como si os estuviéramos acompañando en una de esas viejas tiendas de discos de segunda mano, esas pequeñas y escondidas anomalías que aún pueden encontrarse dentro del Matrix en el que se está convirtiendo este mundo en el que vivimos. Para esta cuarta visita a nuestra imaginaria tienda virtual, hoy nos vamos a detener en unos de los grandes iconos de la música española, es cierto que no es un rockero al uso, pero su forma de tocar la guitarra es eterna y a todo el mundo enamora. Nos estamos refiriendo a Paco de Lucia.

Estás tardando en comprarlo:


“Fuente y caudal” (1973) un álbum donde Paco de Lucía aborda ocho "palos" (subgéneros flamencos) magistralmente dándoles espacio para respirar y espacio para brillar, destacando lo que hace especial a cada uno. Ocho buenos ejemplos que se convertirán en estándares con los que comparar otras obras. Ahora, entiendo que un álbum de guitarra solista puede ser decepcionante para los no iniciados, su sonido es tan limitado que es solo una guitarra. Pero, por supuesto, ese es el punto, es solo una guitarra, ¿qué puede hacer? O más bien, ¿qué puede decir? Esto tiene mucho más que ver con la expresión que con el virtuosismo. La música exige tu atención, cada nota cuenta, si escuchas atentamente puedes escuchar el corazón de Paco a través de sus uñas. La rumba "Entre dos aguas" es el único tema pop aquí, lo que puede ser engañoso. Lo más destacado es la canción principal "Fuente y caudal", un subgénero que se originó como un canto minero. Una pieza profunda que suena como el sufrimiento y las esperanzas de varias generaciones de mineros a lo largo del paisaje ibérico casi desértico. A veces, las meras palabras no pueden resumir las cualidades de una música como esta, pasión y fuego mezclados con emoción son los elementos clave de este álbum, las meras palabras no pueden resumir las cualidades de una música como esta, pasión y fuego mezclados con emoción son los elementos clave de este excelente álbum, las meras palabras no pueden resumir las cualidades de una música como esta.

Si te queda pasta, llévate también:


Nos vamos a llevar también Almoraima (1976) podemos describir este trabajo como "Flamenco", 'nuevo' o no, lo que está claro es que abre una lata que había que abrir en algún momento. Su guitarra virtuosa suena extravagante y apasionada, apoyado en un poco de percusión y muchas palmas que improvisa sobre los ritmos de las danzas españolas. Utiliza el modo frigio, combinando la influencia morisca con la tradición española y sus propias ideas modernas. Las técnicas especiales son rasgueado, trémolo y golpe. Las melodías son deslumbrantes con un trasfondo triste. El tema principal es una bulería, un baile en 12/8 con un patrón complejo de acentos. A la perla de Cádiz comienza como una cantiña, un género vocal. Río Ancho está influenciado por el jazz gitano.
Paco es de Andalucía en el sur de España, la región que vio nacer el flamenco, pero este disco no es ni el más típico ni el mejor trabajo del flamenco "andaluz", pero es tan buen punto de partida como cualquier otro, y por mucho que busques, pocos guitarristas que puedan tocar mejor la guitarra acústica que Paco de Lucía.

Vuelve a dejarlo en el expositor ( o no ):


“Luzia” (1998) fue sin duda un disco muy querido por el autor, el principal motivo es porque estamos ante una álbum homenaje a su madre, gravemente enferma en aquel momento, aun así es un gran disco, suena la guitarra acústica y te conmueve como la toca Pac , escuchando este disco y prestando atención te das cuenta de porque a este señor lo llaman el mejor guitarrista de flamenco del mundo. En este disco se escucha por primera vez la voz de Paco de Lucía cantando (su pasión frustrada): “Yo canté como referencia en la grabación para que luego un cantaor pusiese su voz encima, pero me parece mucho más intimista, mucho más de verdad y más directo, dar ese homenaje con mi propia voz, a pesar de que cualquier cantaor lo hubiese hecho mejor”.


martes, 31 de mayo de 2022

Grandes éxitos y tropiezos: The Black Crowes

 

The Black Crowes


     En esta ocasión aparece en esta sección la banda estadounidense The Black Crowes, una de las máximas exponentes del rock sureño. La historia de The Black Crowes comienza en 1984, en la Walton High School de la localidad de Marietta, Georgia (Estados Unidos), escuela a la que asisten los hermanos Chris y Rich Robinson. Es allí donde forman un grupo llamado Mr. Crowe's Garden, en honor al libro infantil Johnny Crow's Garden escrito por Leonard Leslie Brookes, un nombre que acabarían modificando para acabar llamándose The Black Crowes. En sus inicios están influenciados por grupos como REM, el rock sureño y el pop psicodélico de los años 60, si bien van evolucionando hacia un sonido mas blues rock con el paso del tiempo. Iniciaban una fulgurante carrera que nos deja ya para la historia 8 álbumes de estudio y 3 grabados en directo. Como ya sabéis esta sección trata de ser una guía para aquellos que quieran hacerse con la discografía del grupo de turno, recomendando por cuales habría que empezar y cuales dejar para el final, por lo que sin más preámbulos, vamos allá:

Estás tardando en comprarlo:



Shake your Money Maker
(1990), un disco que supondría el estreno de la formación con un rotundo éxito tanto por parte de la crítica especializada como por el público. Un disco con grandes dosis de blues rock, rock & roll e incluso algún que otro tinte de hard rock, y donde podremos apreciar influencias de grupos como los Rolling Stones, The Faces, Led Zeppelin, The Allman Brothers Band ó Lynyrd Skynyrd. Este disco con el paso del tiempo se convertirá en uno de los mejores álbum debut de todos los tiempos, siendo también un disco indispensable en cualquier biblioteca musical. Álbum de muchos kilates envuelto en una vorágine de sonidos de rock sureño y rock & roll. The Southern Harmony and Musical Companion (1992), disco con el que la banda iba más allá y mostraba un vertiginoso crecimiento musical, ampliando su gama de sonidos y matices. Un disco con una producción extremadamente cuidada, perfecta, donde los sonidos de los teclados y los coros cobran importancia. Disco con temazos como Sting Me, Remedy, Hotell Illness, Bad Luck Eyes Goodbye o Sometimes Salvation elevan este disco a la categoría de indispensable.

Si te queda pasta, llévate también: 



Amorica
(1994), considerado como el tercer gran álbum de la banda junto con Shake Your Money Maker y The Southern Harmony and Musical Companion. El grupo de Atlanta ya se encontraba asentado en la élite musical y se marcaba un álbum completamente diferente a sus anteriores trabajos. Con este disco el grupo demostraba que podían ser algo más que unos rockeros con alma de blues. Amorica es quizás el álbum con un sonido más vanguardista y contemporáneo de la banda, mostrándose más reflexivos, y donde predominan los medios tiempos y las baladas. La banda se abría a otras influencias y sonidos, como se pueden apreciar en P25 London con eso aires funkies, los aires latinos en Thorn on my Pride, grandes baladas como Cursed Diamond, o la brillante y minimalista A conspiracy. Otro álbum que no puedes dejar en el expositor si te queda algo de pasta es Lions (2001), disco que marca un antes y un después en la banda, pues es el primero que graban con una discográfica no internacional, concretamente lo hacen con V2, propiedad de Richard Branson. El grupo vuelve a sus orígenes con un sonido menos producido y más rudo, y donde más se notan las influencias de la música negra en el grupo, y que podemos apreciar en temas con aires soul como No Use Lying, o con influencias de música gospel como Soul Singing.

Vuelve a dejarlo en el expositor:



Three Snakes and One Charm
(1996) tuvo la mala suerte de ser el cuarto álbum de estudio de la banda e ir detrás de tres grandes discos como Shake Your Money Maker, The Southern Harmony and Musical Companion y Amorica, y eso pesó mucho. El disco no fue capaz de mantener el nivel de ventas, siendo además hasta el momento el trabajo con menos calidad que la banda había hecho hasta el momento. No es un  disco malo, pero tuvo la mala suerte de ir detrás de tres auténticos trallazos. La banda se dedica a explorar los sonidos psicodélicos de la década de los 60 en un disco que no llega al nivel de sus anteriores trabajos. Warpaint (2008) es el álbum que supuso el retorno de la banda, lo que hacía que el público y los fans del grupo se mostraran más que receptivos con la banda, y ese es el contexto en el que nace Warpaint, un disco que, estado lejos de sus mejores álbumes, es bastante respetable. En lo musical se queda en uno de los menos trascendentes de la banda, pero lo importante es que la banda había vuelto a la carga y todavía le quedaba cuerda.

Pero si lo que buscas on canciones sueltas, esta nuestra propuesta para ir adentrándose en el mundo de The Black Crowes:

1.- Remedy

2.- Twice As Hard

3.- Gone

4.- Soul Singing

5.- Hard To Handle

martes, 24 de mayo de 2022

Grandes éxitos y tropiezos: Lou Reed



Vamos con una nueva entrega de "Grandes éxitos y tropiezos", el manual perfecto para enfrentarse a la primera compra de un disco de ese grupo o artista que, por avatares del destino, acabes de descubrir. Hoy te daremos algunas pautas sobre que disco elegir del "poeta de Nueva York" en solitario. Ladies and Gentleman, estos son los grandes éxitos, y algún que otro tropiezo, de Lewis Allen Reed, más conocido como Lou Reed:

Estás tardando en comprarlo:

Transformer (1972), su segundo disco en solitario, es sin duda su obra maestra, un álbum a la altura de los mejores discos de su etapa anterior con la Velvet Underground. Buena culpa del resultado recae en David Bowie, que produjo el disco y participó en los coros, y de algunos de sus músicos de acompañamiento, como el guitarrista Mick Ronson o el bajista Herbie Flowers, que participaron en la grabación del disco. En Transformer, Lou Reed se aleja del rock oscuro y experimental, acercándose con éxito al glam rock en temas como Vicious, y entregando algunos de sus mayores éxitos como la descomunal Walk on the wild side, la melancólica Perfect Day o la excelsa Satellite of love, en la que los coros de Bowie son simplemente grandiosos.

Si te queda pasta, llévate también:

Berlín (1973), su tercer álbum publicado en solitario, producido por Bob Ezrin, que años más tarde produciría el disco The Wall de Pink Floyd, contó con la colaboración de músicos como Jack Bruce o Steve Winwood, entre otros, y aunque no tiene la fuerza y la inmediatez de Transformer, es una ambiciosa e interesante obra conceptual sobre una pareja de drogadictos. Temas como Lady Day, How Do You Think It Feels, Oh, Jim, Sad Song o Caroline Says II (en la que se encuentra el verso "It's so cold in Alaska" por el que Olvido Gara adoptó su famoso pseudónimo) se cuentan entre las mejores canciones de su discografía y eran habituales en sus conciertos.

Vuelve a dejarlo en el expositor: Vuelve a dejarlo en el expositor: 

Lulú (2011), grabado por Lou Reed junto a los todopoderosos Metallica en el que sería el último trabajo del músico en vida, y basado en la ópera Lulú y en la obra del dramaturgo alemán Frank Wedekind, se resiente por la falta de entendimiento y de química entre dos estilos musicales completamente diferentes. El artista y la banda nunca llegaron a encajar en este trabajo, dando como resultado un batiburrillo sonoro totalmente deslavazado e incoherente, en el que cada uno parece ir por su lado, como en aquella actuación de los Oscar de Hollywood en la que Antonio Banderas y Santana parecían estar interpretando cada uno una canción diferente mientras juntos versionaban "Al otro lado del río" de Jorge Drexler.

Y como "Lulú" podría entenderse como una colaboración con Metallica más que un disco propio, incluimos en esta sección también a Metal Machine Music (1975), su quinto álbum de estudio, considerado uno de los peores discos de la historia, y hay que decir que Reed se trabajó ese apelativo a conciencia, ya que su intención era precisamente entregar por compromiso una auténtica colección de distorsiones y ruidosos acoples de guitarra, una auténtica cacofonía abstracta y carente de toda lógica que para muchos oyentes fue una auténtica burla. A pesar de todo, Reed siempre defendió que no era un disco con el que buscara defraudar a los que lo compraran o burlarse de la compañía discográfica (RCA), que le obligaba por contrato a publicar un disco más,  y que se vio obligada a editarlo, pero lo hizo con solo 1.500 copias. La escasez de ejemplares disponibles lo convirtieron rápidamente en un objeto de culto, por el que a día de hoy se pagan cantidades astronómicas. Pero insistimos, esa es solo una razón más para que vuelvas a dejarlo en el expositor, y no dañes tu bolsillo y, lo que es peor, tus oídos con semejante artefacto sonoro.

Por último, si lo que buscas son canciones sueltas, este es nuestro "top five" de Lou Reed en solitario:

1- Walk on the wild side
2- Sweet Jane (versión en directo de Rock and Roll Animal)
3- Perfect Day
3- Satellite of love
5- Street Hassle (con Bruce Springsteen)