martes, 31 de mayo de 2022

Grandes éxitos y tropiezos: The Black Crowes

 

The Black Crowes


     En esta ocasión aparece en esta sección la banda estadounidense The Black Crowes, una de las máximas exponentes del rock sureño. La historia de The Black Crowes comienza en 1984, en la Walton High School de la localidad de Marietta, Georgia (Estados Unidos), escuela a la que asisten los hermanos Chris y Rich Robinson. Es allí donde forman un grupo llamado Mr. Crowe's Garden, en honor al libro infantil Johnny Crow's Garden escrito por Leonard Leslie Brookes, un nombre que acabarían modificando para acabar llamándose The Black Crowes. En sus inicios están influenciados por grupos como REM, el rock sureño y el pop psicodélico de los años 60, si bien van evolucionando hacia un sonido mas blues rock con el paso del tiempo. Iniciaban una fulgurante carrera que nos deja ya para la historia 8 álbumes de estudio y 3 grabados en directo. Como ya sabéis esta sección trata de ser una guía para aquellos que quieran hacerse con la discografía del grupo de turno, recomendando por cuales habría que empezar y cuales dejar para el final, por lo que sin más preámbulos, vamos allá:

Estás tardando en comprarlo:



Shake your Money Maker
(1990), un disco que supondría el estreno de la formación con un rotundo éxito tanto por parte de la crítica especializada como por el público. Un disco con grandes dosis de blues rock, rock & roll e incluso algún que otro tinte de hard rock, y donde podremos apreciar influencias de grupos como los Rolling Stones, The Faces, Led Zeppelin, The Allman Brothers Band ó Lynyrd Skynyrd. Este disco con el paso del tiempo se convertirá en uno de los mejores álbum debut de todos los tiempos, siendo también un disco indispensable en cualquier biblioteca musical. Álbum de muchos kilates envuelto en una vorágine de sonidos de rock sureño y rock & roll. The Southern Harmony and Musical Companion (1992), disco con el que la banda iba más allá y mostraba un vertiginoso crecimiento musical, ampliando su gama de sonidos y matices. Un disco con una producción extremadamente cuidada, perfecta, donde los sonidos de los teclados y los coros cobran importancia. Disco con temazos como Sting Me, Remedy, Hotell Illness, Bad Luck Eyes Goodbye o Sometimes Salvation elevan este disco a la categoría de indispensable.

Si te queda pasta, llévate también: 



Amorica
(1994), considerado como el tercer gran álbum de la banda junto con Shake Your Money Maker y The Southern Harmony and Musical Companion. El grupo de Atlanta ya se encontraba asentado en la élite musical y se marcaba un álbum completamente diferente a sus anteriores trabajos. Con este disco el grupo demostraba que podían ser algo más que unos rockeros con alma de blues. Amorica es quizás el álbum con un sonido más vanguardista y contemporáneo de la banda, mostrándose más reflexivos, y donde predominan los medios tiempos y las baladas. La banda se abría a otras influencias y sonidos, como se pueden apreciar en P25 London con eso aires funkies, los aires latinos en Thorn on my Pride, grandes baladas como Cursed Diamond, o la brillante y minimalista A conspiracy. Otro álbum que no puedes dejar en el expositor si te queda algo de pasta es Lions (2001), disco que marca un antes y un después en la banda, pues es el primero que graban con una discográfica no internacional, concretamente lo hacen con V2, propiedad de Richard Branson. El grupo vuelve a sus orígenes con un sonido menos producido y más rudo, y donde más se notan las influencias de la música negra en el grupo, y que podemos apreciar en temas con aires soul como No Use Lying, o con influencias de música gospel como Soul Singing.

Vuelve a dejarlo en el expositor:



Three Snakes and One Charm
(1996) tuvo la mala suerte de ser el cuarto álbum de estudio de la banda e ir detrás de tres grandes discos como Shake Your Money Maker, The Southern Harmony and Musical Companion y Amorica, y eso pesó mucho. El disco no fue capaz de mantener el nivel de ventas, siendo además hasta el momento el trabajo con menos calidad que la banda había hecho hasta el momento. No es un  disco malo, pero tuvo la mala suerte de ir detrás de tres auténticos trallazos. La banda se dedica a explorar los sonidos psicodélicos de la década de los 60 en un disco que no llega al nivel de sus anteriores trabajos. Warpaint (2008) es el álbum que supuso el retorno de la banda, lo que hacía que el público y los fans del grupo se mostraran más que receptivos con la banda, y ese es el contexto en el que nace Warpaint, un disco que, estado lejos de sus mejores álbumes, es bastante respetable. En lo musical se queda en uno de los menos trascendentes de la banda, pero lo importante es que la banda había vuelto a la carga y todavía le quedaba cuerda.

Pero si lo que buscas on canciones sueltas, esta nuestra propuesta para ir adentrándose en el mundo de The Black Crowes:

1.- Remedy

2.- Twice As Hard

3.- Gone

4.- Soul Singing

5.- Hard To Handle

0516 Build Me Up Buttercup - The Foundations

0516 Build Me Up Buttercup - The Foundations

Build Me Up Buttercup es una canción escrita por Mike d'Abo y Tony Macaulay, y lanzada por The Foundations en 1968 con Colin Young como voz principal. Colin Young había sustituido a Clem Curtis durante 1968 y este fue el primer éxito de The Foundations en el que cantó.

Llegó al número 1 del Cash Box Top 100 y al número 3 del Billboard Hot 100 de Estados Unidos a principios de 1969. También fue un éxito número 2 en el Reino Unido, durante dos semanas no consecutivas, detrás de "Lily the Pink" de The Scaffold. La RIAA lo certificó rápidamente como disco de oro por las ventas de más de un millón de copias en Estados Unidos.

Build Me Up Buttercup es parte de la cultura popular por estar en películas y eventos deportivos. Esta canción Build Me Up Buttercup aparece en la película de comedia romántica de 1998 There's Something About Mary y en la película de 2020 The Kissing Booth 2. así como en una serie de anuncios de Geico de 2020-21. También es una de las melodías de la recta final de la séptima entrada que se tocan en el Angel Stadium desde 1990, hogar de los Ángeles. 

Daniel 
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lunes, 30 de mayo de 2022

0515.- Astral weeks - Van Morrison

 


Astral Weeks es un trabajo pleno de profundidad y belleza, de sensualidad y misterio. Se trata de una obra muy típica de aquel verano de 1968, cuando la filosofía hippie aún era creíble y la confianza en lograr un mundo de concordia, armonía, paz y amor parecía algo más que una mera utopía. Se trata de la obra más personal del irlandés Van Morrison, que, aunque todavía tenía poco más de 20 años, ya era un veterano de la industria de la música: el anárquico y de garganta viva había sido el líder de la influyente banda de rock de garaje (aunque solo parcialmente exitosa) Them, escribió "Gloria”, un estándar proto-punk que luego sería interpolado por todos, desde los Doors hasta Patti Smith. Aquí estamos ante un álbum en el cual se abre las entrañas y más se desgarra el corazón para mostrarse tal como es, con toda su vulnerabilidad y sus debilidades como individuo (hay quienes dicen que Astral Weeks es al rock lo que el Ulises de James Joyce —otro irlandés, aunque del sur— es a la literatura). Astral Weeks fluye a través del espacio y el tiempo vincula a una sociedad secreta de personas: soñadores, románticos, almas condenadas, tartamudos desafiantemente persistentes, y el amor que ama que ama que ama, en el lenguaje del corazón. “Me hizo confiar en la belleza”, dijo una vez Bruce Springsteen sobre Astral Weeks, uno de sus discos favoritos. “Me dio un sentido de lo divino”.

Nos vamos a detener en la homónima “Astral Weeks”, una larga pieza-río de siete minutos en la cual el autor habla sobre el hecho de volver a nacer, con una letra entre simbólica y hermética (“Si yo viajo en la estela, entre los viaductos de tus sueños…”) y una música de aparente desestructura que no parece tener principio y final, una invocación, una partida, una nave espacial hecha de nada más que guirnaldas de rosas que de alguna manera, milagrosamente, es funcional. El truco consiste en viajar ligero: las notas de bajo de gota de rocío de Davis, el aleteo ingrávido de la flauta y un solo acorde rasgueado suavemente son todo lo que la canción necesita para emprender un vuelo intergaláctico. “Si me aventurara en la estela, entre los viaductos de tu sueño”, pregunta Morrison, “… ¿podrías encontrarme?” Se trata del "Tears in Heaven" para las personas que, por mucho que lo intenten, no pueden creer en algo tan sencillo como el cielo y a la vez entramos en un paisaje de ensueño donde "las llantas de acero inmóviles se rompen" y Lead Belly regresa de entre los muertos para decir... ¿qué, exactamente? “Recuéstame en silencio con calma”, arrulla Morrison. “Para nacer de nuevo”. Su voz está quebrada, pero, como dice Leonard Cohen, así es como entra la luz. El canto de Morrison en Astral Weeks está plagado de lo que Lester Bangs llama cariñosamente "tics verbales", esos momentos en los que comienza a farfullar de éxtasis o dolor

domingo, 29 de mayo de 2022

Led Zeppelin - CODA (Mes Led Zeppelin)

La banda del mes: CODA un álbum de Led Zeppelin en el #MesLedZepplin

Como cada mes en 7dias7notas, tomamos como referencia un artista o banda, para dedicarles todo un mes a su historia y sus éxitos, mayo estuvo repleto de historias y éxitos de esta banda Británica Led Zeppelin, que hoy  llega a su fin, y con su despedida vamos con Coda que es un álbum recopilatorio del grupo de rock británico Led Zeppelin.

El álbum es una colección de temas no utilizados de varias sesiones durante los doce años de carrera de Led Zeppelin. Se publicó el 19 de noviembre de 1982, casi dos años después de que el grupo se disolviera oficialmente tras la muerte del batería John Bonham. Por eso se eligió como título la palabra coda, que significa un pasaje que termina una pieza musical después del cuerpo principal.

El Coda, fue lanzado para cumplir con los compromisos contractuales con Atlantic Records y también para cubrir las demandas de impuestos sobre el dinero ganado anteriormente. En él se eliminaron casi todos los temas sobrantes de las diversas sesiones de estudio de los años 60 y 70. Este  álbum es una colección de ocho temas que abarcaban los doce años de historia de Led Zeppelin. Atlantic Records contó el lanzamiento como un álbum de estudio, ya que Swan Song le debía al sello un último álbum de estudio de la banda. Según Martin Popoff, "hay conjeturas de que Jimmy [Page] llamó a 'We're Gonna Groove' un tema de estudio y a 'I Can't Quit You Baby' un tema de ensayo porque Swan Song le debía a Atlantic un álbum de estudio más específicamente".

El guitarrista Jimmy Page explicó que parte del razonamiento para la publicación del álbum estaba relacionado con la popularidad de las grabaciones no oficiales de Led Zeppelin que seguían circulando entre los fans: "Coda se publicó, básicamente, porque había mucho material pirata. Pensamos: "Bueno, si hay tanto interés, entonces también podemos sacar el resto de nuestro material de estudio"" Como recordaba John Paul Jones: "Eran buenos temas. Muchas de ellas se grabaron en la época en la que el punk estaba en auge... básicamente no había muchas canciones de Led Zeppelin que no salieran. Usamos todo".

El comienza en su lado A con "We're Gonna Groove" abre el álbum y, según las notas del álbum, se grabó en los estudios Morgan en junio de 1969. Más tarde se reconoció que procedía de un concierto de enero de 1970 en el Royal Albert Hall, con las partes de guitarra sobregrabadas y la parte de guitarra original eliminada, lo que se puede escuchar en el espectáculo original del Royal Albert Hall el 9 de enero de 1970. Esta canción se utilizó para abrir varios conciertos en sus giras de principios de 1970 y originalmente se pretendía grabar para incluirla en Led Zeppelin II. "I Can't Quit You Baby" se extrajo del mismo concierto que "We're Gonna Groove", pero se incluyó como un ensayo en las notas originales La grabación se editó para eliminar la sensación general de directo: se eliminó el ruido del público, así como el principio y el final de la canción. Los ruidos del público se silenciaron en la mezcla multipista de esta grabación, al igual que en "We're Gonna Groove".

"Poor Tom" procede de las sesiones para Led Zeppelin III, ya que se grabó en los Olympic Studios en junio de 1970, y "Walter's Walk" es un resto de las sesiones para Houses of the Holy.

Si damos vuelta el álbum nos encontramos con una segunda parte que está formada por tres tomas descartadas del anterior álbum de la banda, In Through the Out Door. La canción que abre el disco, la optimista "Ozone Baby", se grabó en las sesiones de ese álbum en los estudios Polar de Estocolmo en noviembre de 1978, al igual que "Darlene", de estilo rockers.

El tercer tema, "Bonzo's Montreux", se grabó en los Mountain Studios de Montreaux (Suiza) en septiembre de 1976. Se diseñó como una muestra de batería de Bonham, que Page trató con varios efectos electrónicos, incluido un armonizador.

El último tema, "Wearing and Tearing", se grabó en Polar en noviembre de 1978. Fue escrita como una reacción al punk y para demostrar que Led Zeppelin podía competir con las nuevas bandas. Estaba previsto que se lanzara como single promocional para el público del Festival de Knebworth de 1979, encabezado por Led Zeppelin, pero se canceló en el último momento. Se interpretó por primera vez en directo en el festival Silver Clef Awards de 1990 en Knebworth por la banda de Plant con Page como invitado.

En su re-edición del álbum como disco compacto de 1993 tiene cuatro temas adicionales de las cajas, Led Zeppelin Boxed Set (1990) y Led Zeppelin Boxed Set 2 (1993), el inédito "Travelling Riverside Blues", "White Summer/Black Mountain Side" y la cara b de "Immigrant Song" "Hey, Hey, What Can I Do" de la primera y el inédito "Baby Come On Home" de la segunda cara.

Con este álbum de Led Zeppelin finaliza un mes más de reconocimiento a los músicos y bandas que hacen posible esta cultura del rock, Led Zeppelin un claro ejemplo de ello, el mes de junio nos traerá nuevos artistas.

Daniel 
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0514.- Everybody's talking - Harry Nilsson



Everybody's Talkin' (Todo el mundo está hablando) fue escrita y grabada inicialmente por el compositor Fred Neil en 1966, pero no fue hasta que la versión grabada por Harry Nilsson para su disco Aerial Ballet de 1968 fue designada como tema principal de la banda sonora de la película Midnight Cowboy, cuando se convirtió en un enorme éxito internacional que alcanzó los primeros puestos de las listas de ventas y hasta consiguió un Grammy a la mejor interpretación vocal pop masculina.

Hasta recibir el empujón que supuso la película de John Voight y Dustin Hoffman en 1969, el sencillo de Everybody's Talkin en la versión de Harry Nilsson había pasado sin pena ni gloria por las listas de ventas, pero tras el estreno de la película se convirtió, junto al tema Without you en el single de mayor éxito comercial de toda su carrera.

Tampoco le fue mal a Fred Neil, que se retiró del mundo de la música solo dos años después, instalándose en los Cayos de Florida para vivir cómodamente de las rentas generadas por los derechos de autor de una de las mejores canciones de la fructífera década de los sesenta, una canción que sigue dando mucho que hablar y que cantar, porque hasta la fecha son más de trescientas las versiones que de ella se han hecho.

sábado, 28 de mayo de 2022

0513.- Black Magic Woman - Fleetwood Mac

 

Black Magic Woman, Fleetwood Mac 


     En 1969 Peter Green (voz, guitarra, armónia), Jeremy Spencer (voz, slide), Danny Kirwan (guitarra eléctrica, coros), John McVie (bajo) y Mick Fleetwood (batería), o lo que es lo mismo, Fleetwood Mac, publican English Rose, un álbum recopilatorio de la banda británica. El álbum es publicado a través del sello discográfico Epic Records únicamente para el mercado estadounidense. Este recopilatorio contiene seis temas extraídos de su primer disco de estudio, Mr. Wonderful, el cual no fue publicado en el mercado estadounidense, tres sencillos que solo habían sido publicados en el Reino Unido, dos canciones que habían sido grabadas para el futuro, y una pista escrita exclusivamente para este recopilatorio. El disco fue grabado en 1968 y publicado en enero de 1969.

El recopilatorio obtuvo el puesto número 184 en la lista estadounidense Billboard 200, convirtiéndose en el primer disco de la banda británica en entrar en las listas del citado país. English rose fue lanzado apenas unos meses antes del recopilatorio The Pious Bird of Good Omen, el cual sólo fue lanzado en el mercado británico y que contenía algunas canciones iguales.

Incluido en el recopilatorio se encuentra Black Magic Woman, canción que fue escrita por Peter Green y fue publicada en 1968 como sencillo a través del sello discográfico Blue Horizon Records para el Reino Unido y en 1969 por el sello Epic Records para Estados Unidos. La canción alcanzó el puesto número 37 en los UK Singles Charts del Reino Unido, convirtiéndose en el primer tema del grupo en conseguir entrar en dicha lista. Black Magic Woman tiene la misma estructura y pausas de guitarra, y una melodía similar a la canción I Loved Another Woman, incluida en el álbum debut de la banda británica, llamado también Fleetwood Mac. Peter Green se basó en esta canción para escribirla. También reconocería en posteriores entrevistas que la canción está también influenciada en All Your Love, escrita por Otis Rush, y que había sido grabada dos años antes, en 1966, por John Mayall & the Bluesbreakers with Eric Clapton.

El disco de la semana 277: Amapola del 66 - Divididos

El disco de la semana 277: Amapola del 66 - Divididos 

Vamos con otro de los álbumes de la banda Argentina Divididos, en especial porque este disco es uno de los discos con maypr influencia del floklore Argentino. 

Estamos hablando de su álbum Amapola del '66, que es el octavo álbum de estudio que ha sacado la banda de rock argentino Divididos, fue lanzado el 17 de marzo de 2010 por las discográficas La Calandria/DBN.
Divididos logra editar este álbum tras ocho años sin sacar un nuevo álbum, ya que el anterior había sido Vengo del placard de otro en 2002

Este álbum está compuesto por trece  canciones, muchos de los cuales ya habían sido presentados en los diferentes shows de la banda en el último tiempo como: "Hombre en U", "La Flor Azul" y "Todos". El álbum salió a la venta bajo el sello discográfico La Calandria que es un sello discográfico propio, también es el primero de los álbumes oficiales de Catriel Ciavarella el baterista de la banda. 

En un programa radial, la banda confirmó el lanzamiento ya anticipado de Amapola del '66 en versión de vinilo. El mismo cuenta con dos discos, con un orden de canciones distinto a la versión del CD, y la inclusión de 2 canciones: la ya conocida versión de Joe Cocker de "With a Little Help from My Friends" (la cual ya había sido ejecutada en varios conciertos en vivo) con invitados de lujo como Ciro Fogliata en el órgano, y un coro femenino compuesto por Fabiana Cantilo, Claudia Puyó, e Isabel de Sebastián. La segunda canción bonus es "Pereta Voyeur" canción nueva, también ya ejecutada en recitales. El LP es edición limitada y pesa más de 160 gramos.

En 2015, Divididos lanzó una nueva edición de Amapola del '66, tratándose de la tercera edición de este álbum, que incluye, además de los trece temas originales, las canciones "Pereta voyeur", "With a Little Help from My Friends" (cover de The Beatles) y un video con la grabación de "Living de trincheras", la última canción que compuso el trío para la película Infancia Clandestina, del director Benjamín Ávila. "Es como los alfajores, parecen iguales pero no lo son", dijo Mollo en la presentación del último volumen. Y cerró: "el que no compró el Amapola 1, ahora tiene el Amapola 3. Disculpen pero se fue dando así: fuimos creciendo a medida que fuimos creciendo nosotros también en edad porque ya tenemos unos años más."

En la presentación en vivo se ambientó con la hélice de un molino (similar al de la tapa del álbum) y se tocó junto a músicos folclóricos, ambientando también canciones de discos anteriores de forma más folclórica con diversos instrumentos del género.la banda toco dos noches en el mítico estadio Luna Park, en donde se grabaron su primer y hasta ahora único DVD en vivo, Audio y agua.

Daniel 
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viernes, 27 de mayo de 2022

0512.- Blackbird - The Beatles

Blackbird, The Beatles

 


     En muy pocos años John Lennon, Paul McCartney, Ringo Starr y George Harrison habían pasado por muchas cosas, habían tocado la cima con Revolver y Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, pero también habían sufrido los sinsabores de la crítica tras el fallido proyecto de Magical Mystery Tour. Según relata el ingeniero de sonido Geoff Emerick en sus memorias sobre el grupo, a su vuelta del viaje de la India, donde habían estado realizando meditación trascendental con el Masharishi Mahesh Yogi en Rishikesh, India, parecían personas diferentes, si antes eran modernos y exigentes, ahora iban desaliñados y descuidados, donde antes había ingenio y buen humor, ahora había irritación y enfado, si antes era divertido estar con ellos, ahora era un sufrimiento ya que siempre estaban enfadados.

Las sesiones de grabación fueron extremadamente difíciles, siempre estaban discutiendo y nunca se ponían de acuerdo, un álbum muy tenso en todos los sentidos. John, Paul, Ringo y George habían ido en busca de la paz interior, pero a su vuelta no se sabe si la encontraron. Un indicador fue cuando empezaron a llegar de su retiro en la India por separado, si antes hacían todo juntos, ahora no iba a ser el caso. A los problemas personales entre el grupo, entre los que también se encontraba la gran pérdida de Brian Eipstein, se le juntaron los problemas en los negocios. El grupo había decidido representarse a sí mismo y además habían creado una empresa llamada Apple Corps, para dar oportunidades a artistas desconocidos. En definitiva, los cuatro chicos de Liverpool, quizás acuciados por la presión, empezaron a llevarse los problemas al estudio. A todo esto hay que sumar que Ringo Starr abandona la banda brevemente en agosto de 1968, que Yoko Ono empieza a irrumpir y asistir a las sesiones de grabación del álbum, algo que molesta a Paul, George y Ringo, que George Martin decide bajarse del barco pidiendo un permiso vacacional, y que Geoff Emerick, el mago de la ingeniería de sonido, harto de tanta presión y ante la dificultad de trabajar en ese tumultuoso ambiente, el 16 de julio de 1968 renuncia y abandona el trabajo de grabación del álbum. Todo se desmoronaba. 

En ese ambiente fue creado The Beatles, también conocido como White Album (Álbum Blanco), publicado el 22 de noviembre de 1968 por la propia discográfica del grupo, Apple Records, y grabado entre el 30 de mayo y el 14 de octubre de 1968 en los EMI Studios y los Trident Studios de Londres. La mayoría de las canciones fueron escritas entre marzo y abril de 1968, durante el curso de meditación trascendental que el grupo había realizado en Rishikeshi, India. El álbum consiguió el puesto número uno tanto en las listas del Reino Unido como las de Estados Unidos, y si en un principio recibió críticas mixtas por parte de los críticos musicales, con el tiempo ha sido considerado como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. La revista Rolling Stone colocó en el años 2003 este álbum en el puesto número 10 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Irónico que en un clima de tanta tensión externa como interna del grupo, fueran capaces de sacarse una de sus mejores álbumes. The Beatles fue concebido como un doble álbum con 30 temas. Más adelante surgiría la duda en el grupo sobe si quizás hubiera sido mejor  haber sacado un LP normal en vez de doble. 

Incluido en el este álbum se encuentra la canción llamada Blackbird, escrita por McCartney mientras se encontraba en Escocia. Lo hizo como una reacción a las tensiones que se estaban intensificando en Estados Unidos en la  primavera de 1968. La canción es interpretada por Paul en solitario, acompañado únicamente de una guitarra acústica. También se puede oír de fondo un sonido que fue confundido en un principio con un metrónomo. En realidad es el sonido de los zapatos de Paul, que fueron capturados al poner Geoff Emerick un micrófono al lado de estos. El canto de los pájaros fue grabado con una de las primeras grabadoras portátiles de la discográfica EMI.

jueves, 26 de mayo de 2022

0511 - Ob-La-Di, Ob-La-Da - The Beatles

0511 - Ob-La-Di, Ob-La-Da -  The Beatles

Ob-La-Di, Ob-La-Da es una canción de la banda de rock inglesa The Beatles de su álbum doble de 1968 The Beatles, también conocido como "el Álbum Blanco". 
Fue escrita por Paul McCartney y acreditada a la pareja Lennon-McCartney. Tras el lanzamiento del álbum, la canción se publicó como sencillo en muchos países, aunque no en el Reino Unido ni en Estados Unidos, y ocupó los primeros puestos en las listas de singles de Australia, Japón, Nueva Zelanda, Suiza y Alemania Occidental. 
Cuando se publicó tardíamente como sencillo en Estados Unidos en 1976, alcanzó el número 49 en el Billboard Hot 100.

Paul McCartney comenzó a escribir Ob-La-Di, Ob-La-Da durante la estancia de los Beatles en Rishikesh, India, a principios de 1968.
McCartney escribió la canción cuando el reggae se estaba haciendo popular en Gran Bretaña; el autor Ian MacDonald la describe como "el tributo bastante aproximado de McCartney al lenguaje del ska jamaicano". 

El personaje de Desmond en la letra, desde la línea de apertura "Desmond has a barrow in the market-place", era una referencia al cantante de reggae Desmond Dekker, que había realizado recientemente una gira por el Reino Unido. La frase "Ob-la-di, ob-la-da, life goes on, brah" era una expresión utilizada por el conguero nigeriano Jimmy Scott-Emuakpor, un conocido de McCartney. 
Según la viuda de Scott, como parte de su actuación en el escenario con su banda Ob-La-Di Ob-La-Da, Scott gritaba "Ob la di", a lo que el público respondía "Ob la da", y él concluía: "La vida sigue". McCartney tuvo algunos problemas legales con la frase, pero finalmente se resolvió el litigio. 

Daniel 
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miércoles, 25 de mayo de 2022

0510.- While my guitar gently weeps - The Beatles




While My Guitar Gently Weeps
("Mientras mi guitarra llora suavemente") es una de las mejores composiciones de George Harrison para The Beatles, y fue publicada en 1968 dentro del álbum "The Beatles", más conocido como el "Álbum Blanco". Es una de las pocas canciones en las que la banda de Liverpool se abre a colaboradores externos, ya que Harrison invitó a su amigo Eric Clapton para que se hiciera cargo de la guitarra principal.

Harrison grabó una versión inicial en clave folk con guitarra acústica y armonio, que fue rescatada en el álbum recopilatorio Anthology 3 en 1996, y con el añadido de un arreglo de cuerdas de George Martin en el álbum Love de 2006, pero ninguna de esas versiones alcanza la perfección de la grabación que los cuatro Beatles realizaron en este tema. El folk original fue reemplazado en la versión final por una producción y unos arreglos más rockeros, y la guitarra de Clapton fue la guinda de un pastel ya de por sí antológico. Eric Clapton estuvo a punto de rechazar la propuesta, temeroso de enfrentarse al "registro de los Beatles" que según él solo ellos dominaban.

Y quizá fuera así, pero Clapton salió finalmente airoso de su "atrevimiento", y son muchos los músicos que, a lo largo de los años, han intentado emular las notas de esa guitarra que llora suavemente. McCartney, Ringo, Dhani Harrison, Jeff Lynne y el propio Clapton la interpretaron en el "Concert for George" en homenaje a Harrison, recientemente fallecido. El grupo Toto grabó su propia versión en 2002, y grandes guitarristas como Peter Frampton o Carlos Santana hicieron lo propio, pero la mejor versión hasta el momento quizá sea la que Tom Petty, Jeff LynneDhani Harrison y Prince hicieron en la ceremonia de inducción de Harrison en el Rock and Roll Hall of Fame de 2004, en la que el solo de guitarra de Prince dejó a todos boquiabiertos mientras lloraba más suavemente que nunca. 

Led Zeppelin - In Through the Out Door (Mes Led Zeppelin)

En medio de la grandiosa pero problemática gira norteamericana de Led Zeppelin, Robert Plant recibe la horrible noticia de que su pequeño hijo ha fallecido trágica y repentinamente, el resto de la gira se canceló y Zeppelin se retiraron por un tipo, se volvieron a juntar en 1978 para grabar su último álbum, In Through the Out Door. Lo que entregaron fue un disco muy singular en su carrera, quizás es el más flojo de su discografía, los primeros seis álbumes representan una banda poderosa y enérgica, que experimenta un inmenso crecimiento creativo con cada lanzamiento posterior en Through the Out Door, se nota la apatía y las pocas ganas de seguir.


 

'In the Evening' suena como si fuera un esfuerzo para crear un "rock de Zeppelin", pero es en vano, la introducción  con un sonido oriental recuerda un poco a 'In the Light', el sintetizador y la guitarra se fusionan para crear una textura única durante el riff principal, evitando así que suene demasiado obvio, y el puente silencioso en medio del solo de guitarra es increíble, incluso el coro "Oh, necesito tu amor" es terrible, pero el resto de la canción lo compensa. “South Bound Saurez”, es un pequeño funky - shuffle latino, con una guitarra igualmente descuidada y voces y letras poco entusiastas, aunque el piano y la percusión de John Bonham lo redime un poco... pero estas ya son dos de las siete pistas: ¿estaban tan escasos de material completo que tuvieron que incluir tales bichos raros?. "Fool in the Rain" es otra canción extraña de la colaboración Jones/Plant que impulsó este álbum, inspirada en la música de samba que escucharon durante las transmisiones de la Copa del Mundo de 1978 que se había llevado a cabo en Argentina, grande una vez mas el piano de Jones, el riff de Page es por una vez más moderado, la percusión de John Bonham está perfecta durante toda la canción, esta canción el último sencillo de Led Zeppelin, llegando al número 21 en los Estados Unidos en febrero de 1980.

 

“Hot Dog” es un caso particularmente extraño: es una aproximación mayormente inofensiva del country rock con algunas pistas de guitarra irremediablemente pegajosas y algunas letras cursis de último momento, y aunque su existencia está bien, su inclusión en el álbum es alarmante, puede ser literalmente una de las peores canciones que Led Zeppelin haya grabado. Sin embargo, es completamente obvio que no iban en serio, así que realmente no puedo reprocharles nada. Sin embargo, admito que de vez en cuando pongo esta canción porque y me quedo con que es una canción divertida. “Carouselambra” es la epopeya de In Through the Out Door, y aunque sigue los pasos de 'Achilles Last Stand', 'Kashmir', 'In The Light' y similares, es único en la discografía de Zeppelin por estar totalmente dominado por sintetizadores en lugar de guitarras, de hecho, los acordes de sintetizador de fanfarria amenazan con ahogar las voces (una pena, porque la letra es genial) y los acordes mínimos de guitarra. Sin embargo, Carouselambra se revela como una verdadera epopeya de Zeppelin, abriéndose camino a través de varios movimientos diferentes, una canción intrigante y la señal más clara del álbum de que todavía había energía creativa en el campamento de Zeppelin. “All My Love”, que fue la oda de Robert Plant a su hijo de cinco años fallecido, estamos ante una de las letras que ha hecho nunca, y la música se adapta perfectamente al estado de ánimo: la transición al puente y de regreso en particular (y esa guitarra clásica, Dios mío), donde Bonham se retira y Jimmy Page toca esas maravillosas y discretas curvas, es una de las cosas más hermosas que he escuchado en toda mi vida. En el cierre “I'm Gonna Crawl”, tenemos a Zeppelin manteniéndose fiel a sus raíces de blues mientras continúa mirando hacia el futuro (es decir, está tan dominado por sintetizadores como el resto del álbum), esa introducción de sintetizador 'romántica' es bastante hermosa, al igual que la guitarra desgarradora: suena como si tomara cada parte de La energía de Jimmy Page para hacer que su frágil yo evoque esas melodías... y Robert Plant se adapta bastante bien a su nuevo estilo vocal aquí. En ese sentido, cabe mencionar que Plant suena totalmente diferente aquí que cualquier otro álbum de Zeppelin; tal vez algún tiempo lejos del micrófono permitió que su voz se transformara en este tono más suave y 'maduro'.


In Through the Out Door es irregular, pero captura el sonido de una de las bandas más grandes del planeta que tira los dados y evoluciona su sonido para seguir siendo relevante a medida que ingresan a una nueva década. Claro, hay un par de fallas, pero al menos no están produciendo lo mismo perezosamente. Apenas 13 meses después del lanzamiento de In Through the Out Door , John Bonham fallecería, y Plant, Jones y Page posteriormente anunciarían que no podían continuar sin su amado compañero de banda. Y esto fue todo lo que nos dio Led Zeppelin, dejamos a un lado la colección de cosas raras, Coda y un puñado de lanzamientos de archivo / reunión en vivo y cerramos el #MesLedZeppelin con In Through the Out Door sabemos que está lejos de ser perfecto: en mis peores momentos me encuentro cuestionando el sentido de su existencia, pero sus mejores momentos son tan valiosos como cualquier otro momento en el catálogo de Zeppelin. Ciertamente, no es tan horrible como muchos te harán creer: después de todo, Zeppelin estaba entre las bandas menos modernas en 1979, por lo que tal vez todavía quede un poco de residuo elitista en lo que respecta a la opinión popular sobre el álbum.

martes, 24 de mayo de 2022

0509.- Back in URSS - The Beatles

 


Hace más de 50 años, cuando la Guerra Fría corría el riesgo de volverse nuclearmente caliente, los Beatles lanzaron una de sus canciones más controvertidas: "Back in the USSR".  ¿Qué inspiró a los Beatles a escribir la canción? ¿Y qué nos dice la letra sobre su significado original? ¿Estaban los Beatles haciendo una declaración política prosoviética, o simplemente se estaban burlando inocentemente del idealismo occidental expresado por la cultura predominante y sus pares musicales en ese momento? Lo principal es que “Back In The USSR” reflejó el deseo de The Beatles de volver a ser una banda de rock'n'roll después de los complejos experimentos de estudio de los años anteriores. “Chuck Berry una vez hizo una canción llamada “Back In The USA”, que es muy estadounidense, muy Chuck Berry”, ellos hicieron "Back in the USSR", que viene desde la perspectiva de un espía ruso, que después de una estancia prolongada en Estados Unidos, regresa a su hogar en la Unión Soviética y se entrega a las bromas más rusas: el paisaje helado y hermoso, y la calidez y los favores de las mujeres rusas. Para ser justos con la gente de 1968, entendieron la broma “Back in the USSR” era solo una muestra más cruda y contundente de la audacia que se presenta a lo largo del White album. Otros, sin embargo, no estaban tan felices, muchos la interpretaron como propaganda soviética en sí misma, y fueron diana de la ira política santurrona en los EEUU, Y acusaron a la banda de fomentar el comunismo y simpatizar con el enemigo.

Si bien la concepción de la canción puede haber sido relativamente sencilla, su grabación fue menos fácil. Al igual que muchas de las canciones del "Álbum blanco" escritas en la India, el grupo había grabado una demo de "Back In The USSR" en el bungalow Esther de George Harrison  en mayo de 1968, poco después de regresar a Inglaterra. Pero cuando llegaron a grabar la canción en Abbey Road, era a mediados de agosto y las tensiones iban en aumento. Ringo se sentía descontento con la forma en que iban las cosas. “Sentí que no estaba con ellos muy bien, y también sentí que los otros tres estaban muy felices y yo era un extraño”, dijo una tarde. Durante la sesión de "Back In The USSR", el baterista decidió que ya era suficiente y se fue, pasando un par de semanas en el yate de Peter Sellers en el Mediterráneo antes de regresar al redil después de que los demás le aseguraron su importancia.

Grandes éxitos y tropiezos: Lou Reed



Vamos con una nueva entrega de "Grandes éxitos y tropiezos", el manual perfecto para enfrentarse a la primera compra de un disco de ese grupo o artista que, por avatares del destino, acabes de descubrir. Hoy te daremos algunas pautas sobre que disco elegir del "poeta de Nueva York" en solitario. Ladies and Gentleman, estos son los grandes éxitos, y algún que otro tropiezo, de Lewis Allen Reed, más conocido como Lou Reed:

Estás tardando en comprarlo:

Transformer (1972), su segundo disco en solitario, es sin duda su obra maestra, un álbum a la altura de los mejores discos de su etapa anterior con la Velvet Underground. Buena culpa del resultado recae en David Bowie, que produjo el disco y participó en los coros, y de algunos de sus músicos de acompañamiento, como el guitarrista Mick Ronson o el bajista Herbie Flowers, que participaron en la grabación del disco. En Transformer, Lou Reed se aleja del rock oscuro y experimental, acercándose con éxito al glam rock en temas como Vicious, y entregando algunos de sus mayores éxitos como la descomunal Walk on the wild side, la melancólica Perfect Day o la excelsa Satellite of love, en la que los coros de Bowie son simplemente grandiosos.

Si te queda pasta, llévate también:

Berlín (1973), su tercer álbum publicado en solitario, producido por Bob Ezrin, que años más tarde produciría el disco The Wall de Pink Floyd, contó con la colaboración de músicos como Jack Bruce o Steve Winwood, entre otros, y aunque no tiene la fuerza y la inmediatez de Transformer, es una ambiciosa e interesante obra conceptual sobre una pareja de drogadictos. Temas como Lady Day, How Do You Think It Feels, Oh, Jim, Sad Song o Caroline Says II (en la que se encuentra el verso "It's so cold in Alaska" por el que Olvido Gara adoptó su famoso pseudónimo) se cuentan entre las mejores canciones de su discografía y eran habituales en sus conciertos.

Vuelve a dejarlo en el expositor: Vuelve a dejarlo en el expositor: 

Lulú (2011), grabado por Lou Reed junto a los todopoderosos Metallica en el que sería el último trabajo del músico en vida, y basado en la ópera Lulú y en la obra del dramaturgo alemán Frank Wedekind, se resiente por la falta de entendimiento y de química entre dos estilos musicales completamente diferentes. El artista y la banda nunca llegaron a encajar en este trabajo, dando como resultado un batiburrillo sonoro totalmente deslavazado e incoherente, en el que cada uno parece ir por su lado, como en aquella actuación de los Oscar de Hollywood en la que Antonio Banderas y Santana parecían estar interpretando cada uno una canción diferente mientras juntos versionaban "Al otro lado del río" de Jorge Drexler.

Y como "Lulú" podría entenderse como una colaboración con Metallica más que un disco propio, incluimos en esta sección también a Metal Machine Music (1975), su quinto álbum de estudio, considerado uno de los peores discos de la historia, y hay que decir que Reed se trabajó ese apelativo a conciencia, ya que su intención era precisamente entregar por compromiso una auténtica colección de distorsiones y ruidosos acoples de guitarra, una auténtica cacofonía abstracta y carente de toda lógica que para muchos oyentes fue una auténtica burla. A pesar de todo, Reed siempre defendió que no era un disco con el que buscara defraudar a los que lo compraran o burlarse de la compañía discográfica (RCA), que le obligaba por contrato a publicar un disco más,  y que se vio obligada a editarlo, pero lo hizo con solo 1.500 copias. La escasez de ejemplares disponibles lo convirtieron rápidamente en un objeto de culto, por el que a día de hoy se pagan cantidades astronómicas. Pero insistimos, esa es solo una razón más para que vuelvas a dejarlo en el expositor, y no dañes tu bolsillo y, lo que es peor, tus oídos con semejante artefacto sonoro.

Por último, si lo que buscas son canciones sueltas, este es nuestro "top five" de Lou Reed en solitario:

1- Walk on the wild side
2- Sweet Jane (versión en directo de Rock and Roll Animal)
3- Perfect Day
3- Satellite of love
5- Street Hassle (con Bruce Springsteen)

lunes, 23 de mayo de 2022

0508.- C'era una volta il west (Hasta que llegó su hora) - Ennio Morricone

 


Algunos lo consideran como el compositor más innovador de la música de cine. Y puede que no les falte razón. Aunque él, un trabajador incansable, reniega del talento. Piensa que el esfuerzo, el trabajo, el tesón y la entrega es la que te convierte en un grande. Tampoco le falta razón en ello, pero hay que reconocerle que a su descomunal filmografía, se le puede sumar una gran popularidad, múltiples premios (eso sí, el Oscar honorífico) y más de 40 millones de discos vendidos, 26 discos de oro, cinco de platino, un Grammy… Lo que avala que Ennio Morricone sea, sin duda, uno de los más grandes de la historia.

Creo un genero musical con el spaguetti-Western y sus trabajos en películas como El bueno, el feo y el malo o La muerte tenia un precio le subieron al cielo, pero aun faltaba la traca final, Sergio Leone iba a grabar otro spaguetti-western y en esta ocasión con el mayor presupuesto que nunca había tenido, con estrellas absolutas como Henry Fonda, Jason Robards, Charles Bronson y Claudia Cardinale, Leone le preparó el terreno a Morricone para que compusiera la mejor partitura posible sobre un western que era casi más que un western, era la muerte del propio género, la modernidad y la vida llegando a un lugar de muerte y de pistoleros vestidos de negro de la mano de una mujer fuerte. Esa muerte y ese nacimiento, y esa mujer en concreto, fue el motor y la inspiración de Morricone para la música de C'era una volta il west, una elegíaca partitura tan hermosa como triste, tan épica e implacable (esa armónica) como tierna, tan reveladora como réquiem. Gracias otra vez a Edda Dell'Orso, el tema principal sobrevuela el metraje y las imágenes en los momentos culminantes como un ángel que anunciara algo, tal vez el propio destino de sus protagonistas. Es posible que sea complicado decirlo y asegurarlo (teniendo en cuenta de donde venían y lo que vendría después), pero aquí, en C'era una volta il west, estuvo y está la cima de Leone y Morricone. Que es como decir una de las cimas de la propia Historia del cine.

 

La partitura de Morricone es probablemente mi partitura musical favorita de todos los tiempos. Morricone nunca deja de capturar a la perfección la trama y el escenario de la película, y convertirlos en algo tan memorable como la propia película. El trabajo innovador de Morricone siempre ha tenido mucho que ver con el atractivo general de las películas en las que ha compuesto la música, proporcionando a cada una su propia banda sonora única. La banda sonora presenta leitmotivs que se relacionan con cada uno de los personajes principales de la película, así como con el espíritu del oeste norteamericano.

domingo, 22 de mayo de 2022

Led Zeppelin - Physical Graffiti (Mes Led Zeppelin)



"Ojalá se nos recuerde por Kashmir en lugar de por Stairway to heaven” dijo Robert Plant sobre una de las canciones estrella de Physical Graffiti (1975), el sexto álbum de estudio de la banda y su último gran disco. La revista de heavy metal Kerrang! lo calificó en un ranking de 1989 como el mejor álbum de heavy metal de la historia, pero Physical Graffiti, pese a estar repleto de intensos riffs marca de la casa, va mucho más allá de esa etiqueta estilística y toca una impresionante variedad de estilos musicales, que van del hard rock al rock and roll, y de las baladas orquestales a los intensos blues acústicos o a los sonidos étnicos de la ya mencionada Kashmir.

CARA A

El tremendo banquete que supone la escucha de Physical Graffiti comienza con un "pastel de natillas" (Custard pie), un dulce aperitivo con referencias sexuales implícitas en la letra, para acompañar al primero de los platos fuertes del disco: The Rover es uno de los mejores temas de la discografía de Led Zeppelin, una pieza de intenso hard rock construida sobre un riff monumental. Escrita originalmente en formato acústico, durante las sesiones de Houses of the holy fue tomando cuerpo pero no fue hasta Physical Graffiti cuando tuvieron la canción lista para ser lanzada. Plant se luce con la voz en este tema, como lo hace justo después Jimmy Page con la guitarra en In My Time of Dying, la canción más larga del disco con sus más de 11 minutos de blues eléctrico y hard rock. Basada en una canción tradicional y en la versión que de la misma hizo Bob Dylan, el gran mérito de los Zeppelin fue convertirla en una intensa suite de blues rock con diferentes secciones, y es un colofón brutal para una primera cara tan completa como intensa.

CARA B

Houses of the Holy es, como su nombre indica, la canción que iba a dar título al anterior disco de la banda, pero pese a ser una canción eléctrica y pegadiza, no sintieron que encajara en aquel álbum. Afortunadamente, sí que encontró su sitio dentro de la gran obra que es Physical Graffiti. También recuerda al anterior disco el tema Trampled under foot, con una marcada influencia funk y un gran solo de guitarra de Page, con efectos wah-wah incluidos. Surgió de una improvisación de John Paul Jones, y tanto Plant como Page colaboraron después en darle forma y acabarla. La letra se basa en la de Terraplane Blues de Robert Johnson, pero sustituyendo la temática de la infidelidad por la de la tentación sexual. Tras estas dos grandes canciones, llega el auténtico cataclismo del disco, una canción llamada inicialmente "Driving to Kashmir", y planeada en un primer momento como un instrumental en el que Jones tocaba el mellotron, acompañado por una orquesta de músicos de sesión que interpretaban arreglos orquestales de influencias arábicas. Robert Plant aportó una letra que había escrito durante un viaje por el desierto del Sáhara, y las piezas encajaron al instante en Kashmir, una grandiosa pieza de rock progresivo y sinfónico.

CARA C

Sólo con lo que ofrece el primer disco de Physical Graffiti ya podemos hablar, sin riesgo a caer en la exageración, de uno de los mejores discos de rock de todos los tiempos, pero este gran "grafiti físico" aún esconde en su paleta de colores algunas tonalidades interesantes, como es el caso de In the light, que abre el segundo disco profundizando en la vertiente progresiva y psicodélica del grupo. Comienza con el exótico sonido de un arco de violín rasgando una guitarra acústica, y entremezclándose con el sintetizador de John Paul Jones, para dar paso después a la voz distorsionada de Plant, que a su vez será la antesala de una nueva demostración de hard rock de guitarras afiladas. Tras este tempestuoso arranque, llega la calma de Bron-Yr-Aur y Down by the seaside, temas acústicos que grabaron en una esotérica cabaña de Escocia durante las sesiones para Led Zeppelin III. Cierra esta tanda de manera brillante la compleja balada Ten Years Gone, en la que se llegaron a emplear hasta 14 pistas de guitarra, aunque no consigue alejar la sensación de que en esta cara del disco han bajado algo el listón.

CARA D

En la última cara del disco siguen apareciendo descartes de otros discos como Night Flight, rescatada de las sesiones de Led Zeppelin IV, un buen arranque a ritmo de órgano Hammond. Encontramos después una nueva composición llamada The Wanton song (la canción insensible), surgida de una improvisación en el estudio, a la que se le añadió en tomas posteriores una letra sobre la infidelidad y un solo de guitarra en el que se introdujo un eco que reprodujeron del revés, para que sonara por delante de las propias notas que lo generaban. Tras esta canción, volvieron a buscar en el baúl de las grabaciones para rescatar Boogie with Stu de entre las improvisaciones que realizaron junto a Ian Stewart, teclista de los Rolling Stones, para las sesiones de Led Zeppelin IV en 1971, en la misma sesión en la que grabaron el tema Rock and Roll. No sería la última repesca, porque Black country woman fue grabada por primera vez en 1972 para Houses of the holy, y descartada en ese primer momento porque un avión pasó sobre sus cabezas mientras la grababan. Para terminar, y aterrizar como es debido tras un vuelo musical tan intenso, la banda incluyó como cierre el frenético Sick Again, en el que destaca especialmente la intensa y rotunda batería de John Bonham y una letra que describe las relaciones del grupo con las LA Queens, nombre con el que se referían a las groupies.

LA PORTADA

Un artefacto de la potencia de Physical Graffiti no podía ser presentado en cualquier envoltorio, por lo que para la portada, una vez más, se esforzaron en la creación de algo que perdurara y resultara icónico. Lo encontraron entre el número 96 y el 98 de St. Mark’s Place en el East Village neoyorquino, un enclave relevante del movimiento hippy de los años 60 y del punk en los 70. Fue además el escenario elegido para grabar un video de los Rolling Stones (Waiting on a friend, grabado en 1981 en las escaleras del mismo edificio), y acogió los primeros shows de la Velvet Underground. Para convertir la fachada del edificio en la portada del disco, el ilustrador Mike Doud eliminó una de las cuatro plantas para que la fachada pudiera encajar en las dimensiones de la carpeta del vinilo.

En la funda original había huecos en las ventanas a través de las cuales se podían visualizar las fotos interiores, que aludían a canciones famosas de la banda como Black Dog o Stairway to Heaven. Como buena portada de Led Zeppelin, no escapa a las teorías e interpretaciones misteriosas. En este caso, se ha dicho que las dos puertas hacen referencia a los caminos mencionados en “Stairway to Heaven”. En la contraportada, dónde la foto aparece invertida, el portal iluminado permanece cerrado, mientras el otro muestra la puerta abierta a la oscuridad, en referencia al esoterismo y la brujería mística con la que jugaban los miembros del grupo. El hombre en las escaleras, que podría ser John Bonham, está sentado junto al camino oscuro. O quizá era Robert Plant el que estaba allí sentado, pensando si realmente serían más recordados por Physical Graffiti que por Led Zeppelin IV. En sus grandes momentos, el primero no palidece ante el segundo, aunque aquella escalera llevara al cielo y esta puerta conduzca a la oscuridad del infierno.

0507.- S.F Sorrow was born - The Pretty Things






The Pretty Things no eran más que una banda novel recién contratada por EMI, cuando el destino quiso que Norman Smith, antiguo ingeniero de sonido de The Beatles que había dejado su puesto para producir el disco de debut de una nueva banda llamada Pink Floyd, estuviera disponible y deseoso de abordar su segundo proyecto como productor, y se sintiera atraído por la ambición y las altas miras de una desconocida banda psicodélica que pretendía entregar una ópera rock en la que las canciones siguieran una narrativa conceptual.

El resultado fue el disco S.F. Sorrow, una obra maestra en la que The Pretty Things volcaron toda su creatividad y en la que, de paso, aprovecharon todas las ventajas técnicas y de sonido que Abbey Road destinaba normalmente a las complejas grabaciones de los de Liverpool.

La canción S.F Sorrow was born abría la cara A del disco, marcando desde el principio la pauta sonora de un disco ecléctico y plagado de sonidos de mellotron, trompetas y sonidos orientales. De acuerdo con el orden narrativo y cronológico que querían darle a la historia, era además la encargada de mostrar al mundo el nacimiento del personaje central de esta psicodélica ópera rock: "Durante diez semanas, el número tres de la calle estuvo vacío. Nadie pensó que habría risas familiares detrás de las ventanas. O un árbol de Navidad. Después, una pareja llegó del norte... No mucho tiempo después, en la calle sonó un grito. Del número tres vino un grito. S. F. Sorrow había nacido..."

sábado, 21 de mayo de 2022

0506.- Voodoo Chile - Jimi Hendrix

 

Voodoo Chile, Jimi Hendrix 


El 25 de octubre de 1968 se publica el tercer y último álbum de The Jimi Hendrix Experience, titulado Electric Ladyland. Sería el último trabajo donde Jimi hendrix colaboraría con el bajista Noel Redding y el baterista Mitch Mitchell. Concebido como álbum doble, es grabado entre los Olympic Studios de Londres y los Record Plant de Nueva York entre julio y diciembre de 1967, enero de 1968, y abril y agosto de 1968, bajo la producción del mismo Jimi hendrix, y publicado el 25 de octubre de 1968 por el sello discográfico Reprise Records y para Europa por Polydor Records.

La grabación del álbum no estuvo exenta de problemas. Después de una complicada gira por Escandinavia e Inglaterra, Hendrix decidió regresar a Estados Unidos. Frustrado por las limitaciones de las grabciones comerciales, decidió crear un moderno estudio de grabación en Nueva York en el que no tuviera ninguna limitación a la hora de expandir su particular visión musical. La construcción de este estudio, llamado Electric Lady, tuvo numerosos problemas y no fue terminado hasta mediados de 1970, por lo que Hendrix acabó grabando gran parte de Electric Ladyland en The Record Plant estudios. Los disciplinados hábitos de trabajo de Hendrix se habían vuelto erráticos, a los que se sumaban unas sesiones interminables y que los estudios solían estar llenos de gente sin nada que hacer más que adular al genial guitarrista. Todo esto hace que Chas Chandler renuncie como mánager de Jimi Hendrix en mayo de 1968.

Incluido en este álbum se encuentra el mítico Voodoo Chile, considerada como una jam de estudio, escrita por Jimi Hendrix, y cuya duración, con casi 15 minutos, hace que sea la más larga grabada en estudio por el guitarrista. La canción está basada en el tema de blues Rollin' Stone de Muddy Waters, pero con letra y música originales. El tema se grabó en los Record Plant estudios de Nueva York, después de una jam sesión nocturna en la que participaron además de Hendrix, Mitch Mitchell a la batería, Steve Winwood al órgano y Jack Casady al bajo. 

Voodoo Chile puede parecer una simple jam improvisada, nada más lejos de la realidad, y sobre esto Jack Casady comentaba: "No era tan simple, había una estructura completa en la canción, por lo que era una canción extendida en la que podías improvisar. Tomamos instrucciones a través del lenguaje de la interpretación. Jimi pudo experimentar con su habilidad y con efectos para crear una atmósfera. Voodoo Chile tiene un sonido espeluznante que te coloca en un mundo diferente". Voodoo Chile se convirtió en la base de Voodoo Child (Slight Return), tema de unos 3 minutos de duración que fue grabado por el trío The Jimi Hendrix Experience, el cual también aparece en Electric Ladyland, y que a la postre se convertiría en una de las canciones más conocidas de Hendrix.

viernes, 20 de mayo de 2022

0505 - All Along the Watchtower - Jimi Hendrix

0505 - All Along the Watchtower - Jimi Hendrix

La Jimi Hendrix comenzó a grabar su versión de "All Along the Watchtower" de Dylan el 21 de enero de 1968 en los estudios Olympic de Londres. 
Según el ingeniero Andy Johns, el publicista Michael Goldstein, que trabajaba para el representante de Dylan, Albert Grossman, le había dado a Jimi Hendrix una cinta con la grabación de Dylan. "(Hendrix) llegó con estas cintas de Dylan y todos las escuchamos por primera vez en el estudio", recordó Johns. Stubbs escribe que ésta fue la segunda canción de Dylan que Hendrix adaptó a su propio estilo, la primera fue "Like a Rolling Stone", tocada antes en Monterey. Una tercera canción que Hendrix adaptó de Dylan es identificada por Zak como "Can You Please Crawl Out Your Window".

Grabada por numerosos artistas de diversos géneros, "All Along the Watchtower" se identifica fuertemente con la interpretación que Jimi Hendrix que grabó para el álbum Electric Ladyland con la Jimi Hendrix, la versión de Hendrix, lanzada seis meses después de la grabación original de Dylan, se convirtió en un sencillo del Top 20 en 1968, recibió un premio del Salón de la Fama de los Grammy en 2001 y fue clasificada en el puesto 48 de las 500 mejores canciones de todos los tiempos de la revista Rolling Stone en 2004, y en el puesto 40 en la versión de 2021 de las 500 mejores canciones de todos los tiempos de la revista Rolling Stone. 

Daniel 
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El disco de la semana 276: Dummy - Portishead

 


Imagínate tu salón convertido en un bar, un salón con una sensual cantante de jazz en un escenario, tenuemente iluminado, con humo de cigarrillo llenando el aire formando una nube brumosa, estamos en los años 50 y seguramente llueve fuera, tus pupilas ven en blanco y negro, andas inclinado sobre tu bebida, porque algo terrible acaba de suceder, nadie sabe porque pero estás triste…. de repente suenan las primeras notas de este álbum, (¿musica electrónica en los años 50? Estas pirado narrador) y te das cuenta que la banda sonora de la desesperación.

Portishead está compuesto por 3 personas: la cantante Beth Gibbons, el programador/sampler/mezclador Geoff Barrow y el guitarrista/bajista Adrian Utley, juntos han creado una oda a la soledad, sombría, deprimente, desesperanzadora, pero eso no impide que sea absolutamente hermoso en todos los aspectos posibles. Este álbum, de 1994, popularizó un género que se conoció como “trip hop”que se caracteriza por ritmos, samples y paisajes sonoros de hip-hop downtempo, no es fácil de explicar, pero Portishead fue pionero, junto con el grupo Massive Attack, cuyos álbumes estelares Blue Lines y Protection utilizan el mismo estilo. Lo que Air hizo por el ambiente modernista de penthouse de los años 60, Portishead lo hizo por el ambiente noir de principios de los 60, ambos grupos actualizando esas sensaciones para los habitantes de los 90, mientras exploraban algunos de los colores de tono posibles dentro del género de la música electrónica. La voz de Beth es una parte sobresaliente del álbum, es enfermizamente dulce a veces, y a menudo te da la impresión de que está de luto, suplica y se lamenta, nunca es agresiva, siempre suave y gentil, algo nuevo surge en cada escucha, pero está claro cómo todo se une para crear hermosos paisajes sonoros arremolinados.


 

Arranca con "Mysterons", se titula apropiadamente porque 'misterioso' es la mejor manera de describir este disco. El tempo lento, las texturas suaves y, en particular, las ondas martenot, parecidas a alienígenas, formaron una atmósfera de otro mundo, Gibbons se presenta como una criatura emocionalmente fracturada tanto en la letra como en su voz directa, en contraste con la percusión de estilo militar, mientras el sintetizador chirriante, agrega una verdadera sensación de espeluznante. "Sour times", es un cambio de ritmo, agregando guitarras tintineantes y pasajes de guitarra al estilo bond, esta canción sobre el desamor, un sentimiento más siniestro que esperarías de una canción de ese tema, con unos estribillos muy desconcertantes, con una percusión traqueteante y gobernando el sample de bajo y guitarra vibrante de Lalo Schifrin. No es una combinación que pensarías que encontrarías en una canción de amor y una canción de asesinato al mismo tiempo, pero ahí lo tienes. Cuando Beth canta ese coro, es como el canto de una mantis religiosa que pronto te devorará la cabeza durante la cópula. ¿Estará triste por eso o es porque siempre está triste?. No es que eso importe en absoluto cuando tu tráquea se ahogue con tu lengua cortada. "Strangers" es la primera canción excelsa, el descenso de ese pungi en los primeros cinco segundos, que en realidad es una muestra de Weather Report, siempre me hace pensar en un extraño pájaro animado mientras se muestra su vida moviéndose de un vuelo feliz a una prisión de zoológico, su rostro y ojos entrecerrándose en una mirada demoníaca como se llenan de furia roja y vengativa, recortando los tambores justo antes de que azote tu garganta, y luego el ritmo real simplemente te engulle por completo, con ese zumbido antiséptico que impulsa la mayor parte de la canción, incluso esas inquietantes partes suaves de guitarra y voz que suenan como si estuvieran siendo grabadas al otro lado de un almacén. 

"It could be sweet" puede ser un cambio de estilo inesperado, no te esperas este cambio de estilo y eso hace mella, pero buen, siempre es maravilloso escuchar esa hermosa y suave voz, acompñada de pasajes de teclado tiernos y cálidos y una batería minimalista. Ella es la estrella, ella hace suya la canción y te puedes recrear en algo mas clásico de lo esperado, un poquito de calma no viene mal. "Wandering star", es probablemente la canción más triste hasta el momento, aunque es triste, lo es de la manera más hermosa posible y no puedo pensar en ninguna canción con una mejor línea de apertura que "Por favor, ¿podrías quedarte un rato para compartir mi dolor?..." El zumbido del bajo, un tono digital plano y muerto, se siente como una pieza de maquinaria que te ha estado manteniendo con vida... en el momento en que te das cuenta de que nunca volverá a funcionar. "It's a Fire" no estaba en la lista de canciones de la versión europea, no es que sea mala ni nada por el estilo, incluso aquí puede brillar mucho mas el sol, pero es demasiado sol para la mitad de este álbum, entiendo que pudieran pensar que necesitaríamos un respiro.

 

"Numb" es una exhibición vocal de Beth, donde presenta una interpretación vocal suave y espeluznante, mezclada con partes de órgano más siniestras y percusión más dura, la canción habla de sentirse perdido dentro de uno mismo, o sentirse distante y frío de todos los que te rodean. Las letra ayuda a crear un estado de ánimo muy triste y malhumorado junto con los ritmos lentos y la voz suave y casi desesperanzada de Beth. "Roads" es una canción tan desgarradora que no puedo ni ponerlo en palabras, una obra maestra absoluta, que debes escucharla incluso si el disco no te estaba gustando, un tono de sintetizador brumoso, una neblina que alcanza su punto máximo en la mezcla para que te sientas verdaderamente rodeado, envuelto en un desánimo que se tambalea suavemente. 'No tengo a nadie de mi lado, y seguro que eso no está bien... seguro que eso no está bien...' Pfuuuu esto nos rompe a cualquiera. "Pedestal" nos trae de vuelta la misma sensación de " Strangers ", no con tanta percusión dura, sino más encaminado al jazz, tambores atenuados en puntos mezclados con voces tratadas que le dan a la voz de Beth un sonido más como un cantante de los años 60 tocando en un viejo disco de vinilo polvoriento. Los primeros 30 segundos de "Biscuit" también son bastante evocadores, esa línea de bocina descolorida ... se corta hacia abajo como la banda de cuerdas, y la muestra distorsionada de Johnnie Ray cantando 'I'll never fall in love...again' es francamente perversa, casi como si se estuviera burlando y derritiendo el concepto del amor. A diferencia de las distorsiones vocales similares que muchas canciones hip-hop pop han utilizado en los últimos 10 años, esta todavía se siente como una voz real, y mientras se derrumba con un último gemido patético. La canción de cierre, "Glory box", es sin duda la canción más conocida de Portishead, y realmente le da a este álbum el cierre que se merece, con cuerdas dulces, con un gran trabajo de guitarra y unas grandes letras.

 Este álbum es un álbum que te sabrás de memorias si eres un ávido entusiasta de este estilo de música, si no lo eres, es un disco que debes escuchar para entender todo lo que te pueden ofrecer.