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lunes, 26 de agosto de 2024

1334 - The Who - Squeeze Box

1335 - The Who - Squeeze Box

"Squeeze Box" es una canción que encarna la creatividad desbordante y la irreverencia musical de la banda británica The Who. Lanzada en 1975 como parte de su álbum The Who by Numbers, este tema se destaca por su combinación de un ritmo pegajoso y una letra llena de dobles sentidos. A pesar de que en su momento generó controversia por su connotación sexual, "Squeeze Box" se ha mantenido como una de las canciones más queridas del repertorio de la banda, gracias a su frescura y simplicidad.

Musicalmente, "Squeeze Box" es una especie de regreso a las raíces del rock and roll, con un enfoque más acústico y folclórico en comparación con los trabajos anteriores de The Who. La canción es impulsada por el sonido del acordeón, un instrumento poco común en el rock, que aquí es utilizado para evocar el ambiente de una polka o una pieza de música country, lo que le da un carácter alegre y despreocupado. Esta decisión estilística es un testimonio del deseo de la banda de experimentar con diferentes sonidos y estilos, alejándose momentáneamente de la grandilocuencia de sus obras más ambiciosas, como Tommy o Quadrophenia.

En cuanto a la letra, escrita por el guitarrista y principal compositor Pete Townshend, "Squeeze Box" juega con las imágenes y metáforas sexuales de manera sutil pero inconfundible. La historia que narra la canción es, en su superficie, sobre una madre que toca un acordeón ("squeeze box") en la casa, pero rápidamente se hace evidente que hay un doble sentido en juego. Esta mezcla de humor y picardía es un elemento distintivo de la obra de Townshend, quien a menudo utiliza la ironía y la sátira para comentar sobre temas más amplios. En este caso, la letra se puede interpretar como una reflexión sobre la sexualidad y las normas sociales, envuelta en una melodía pegajosa y alegre que desarma cualquier intento de censura directa.

A pesar de su tono ligero y desenfadado, "Squeeze Box" fue un éxito comercial para The Who, alcanzando altos puestos en las listas de éxitos tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos. La canción demostró que la banda, incluso en medio de luchas personales y cambios en su sonido, aún podía crear éxitos radiales que conectaban con un público amplio.

"Squeeze Box" es una muestra de la versatilidad de The Who, que con una canción aparentemente simple logró fusionar humor, crítica social y experimentación musical. Es una pieza que captura la esencia juguetona y audaz de la banda, y que continúa siendo un favorito tanto entre los fanáticos como entre los críticos.

Daniel 
Instagram storyboy 

domingo, 21 de enero de 2024

1116.- The Real Me - The Who



The Real Me ("Mi yo real") o “Can You See the Real Me” ("Puedes ver mi yo real"), título con el que su autor Pete Townshend se refiere siempre a ella, fue el tercer single publicado por The Who en Estados Unidos y Canadá, con "I´m One" en la cara B, para promocionar su película y disco de ópera rock Quadrophenia, tras los singles "5:15" y "Love, Reign o’er Me". Se publicó también una versión del single para el mercado francés, en esa ocasión con "Doctor Jimmy" en la cara B.

En la letra, como en muchas de las canciones que conforman el doble álbum conceptual de Quadrophenia, el personaje del adolescente Jimmy es el protagonista, debatiéndose entre sus diversos conflictos internos  y su búsqueda de su propia identidad ("Mi yo real") entre las cuatro personalidades que se enfrentan y chocan en su interior, y que Pete Townshend construyó basándose en cada una de las personalidades y características de los miembros del grupo.

La banda al completo está excelsa en este tema, pero si hay algo que destaca muy por encima del conjunto, y que ha hecho de esta canción un tema mítico del grupo, es la línea de bajo de John Entwistle, surgida a modo de broma en la primera toma de la canción. El resto del grupo, en lugar de decirle a Entwistle que se tomara su parte en serio, alabo el resultado de aquella interpretación, y decidieron usarla para la versión definitiva de The Real Me.

sábado, 20 de enero de 2024

1115.- Love Reign O'er Me - The Who



Love, Reign o’er Me fue el segundo single extraído de la ópera rock Quadrophenia (1973) del grupo británico The Who, publicado el 27 Octubre de 1973 en Estados Unidos y Canadá, en una versión más corta (3:07 minutos) que la que estaba incluida en el disco (5:48 minutos), y con la canción Water como cara B. Esta versión alcanzó el puesto 76 del US Billboard Hot 100 y el 31 de las listas de ventas canadienses. Posteriormente, se publicó de nuevo como single en el mercado europeo (Bélgica y Países Bajos) con el tema Is It In My Head? en la otra cara.

Son muchas las diferencias entre la canción que se publicó como single y la que se incluyó en el disco, no solo porque en la versión corta de Love, Reign o’er Me se eliminaran los efectos de sonido de lluvia del inicio y la intro de piano para reducir su duración, sino porque hay también cambios en las letras y en la instrumentación. La versión del álbum culmina en un rotundo solo de batería, acompañado de guitarras, metales y hasta un gong, mientras que la versión editada para el single llega a su fin entre sintetizadores y teclados.

En cualquier caso, y con independencia de la versión que escuchemos, Love, Reign o’er Me es uno de los momentos álgidos de Quadrophenia y de la carrera de The Who. En el disco y la película, la canción está fuertemente ligada a Jimmy, el personaje principal, y a su crisis de adolescencia y sus pensamientos de suicidio, pero en su origen, Love, Reign o’er Me surgió en 1972 como parte de "Rock Is Dead – Long Live Rock!", un proyecto abandonado de ópera rock, que acabó siendo el germen de lo que finalmente sería Quadrophenia.

miércoles, 10 de mayo de 2023

0860.- Baba O'Riley - The Who



"Baba O'Riley" es, junto a "Won't get fooled again" "Behind Blue Eyes",  la tercera gran pieza de "Lifehouse", el abandonado proyecto de gran ópera rock en la línea de Tommy. Fue el segundo single de "Who's next", y tuvo además el honor de ser la elegida para abrir el disco. En la canción destaca, de nuevo y especialmente, el magistral uso de los teclados, que tejen una tela de araña sonora que acompaña a la perfección a los intensos ramalazos de guitarra de Pete Townshend.

Al final de la canción, poco después de que Roger Daltrey cante la mítica frase "It's only teenage wasteland" (Es solo yerma tierra adolescente) The Who nos sorprenden con la aparición de un ecléctico violín (a cargo de Dave Arbus), demostrando que "Baba O'Riley" es justo todo lo contrario, un terreno fértil de deslumbrante creatividad y maduros frutos musicales.

"Teenage Wasteland" fue precisamente el nombre inicial que planearon para la canción, pero al final se decantaron por "Baba O'Riley", en referencia al compositor minimalista Terry Riley y a Meher Babapor entonces gurú de Pete Townshend, en lo que es un nuevo rastro de la temática conceptual y de la ópera rock de la que provienen la mayoría de temas del disco, porque la canción "Bargain" comienza curiosamente con una frase de este particular gurú: "Me encantaría perderme para encontrarte".

martes, 9 de mayo de 2023

0859.- Behind blue eyes - The Who


"Behind Blue Eyes" fue escrita por Pete Townshend como la canción principal de su proyecto de ópera rock "Lifehouse", pero cuando The Who abandonó el proyecto, fue incluida junto con otras siete canciones en el disco "Who's next" (1971), y se convirtió en el segundo single publicado para ese álbum. Como single, alcanzó el número 34 en el Billboard Hot 100 estadounidense, y se convirtió en una de las canciones más famosas de la banda inglesa.

La canción se construyó con dos partes diferentes, en lo que supuso uno de los cambios de ritmo más brillantes del disco. En la primera parte, no aparece en ningún momento la batería, en lo que el biógrafo de la banda describió después como "el tiempo más largo que Keith Moon estuvo quieto en toda su vida". Comienza con una guitarra acústica, como único acompañamiento de la voz de Roger Daltrey, y poco a poco van entrando el bajo y las armonías y arreglos. Este primer tramo funciona como balada pausada y suave, y contrasta con el abrupto arranque eléctrico con el que se da paso a la segunda parte de la canción, que muta a un rock vibrante y enérgico con un riff similar al de "Won't get fooled again" (sin duda un rastro de su origen común en la ópera rock "Lifehouse"), hasta que, al final, retoma el esquema acústico y calmado del inicio.

La letra de "Behind Blue Eyes" está escrita desde el punto de vista de Jumbo, el villano de la ópera rock "Lifehouse", mostrando en primera persona su enfado y su angustia ante la soledad y la presión que sentía dentro del argumento de "Lifehouse". El resto de miembros de The Who pensaban que la canción era en realidad un reflejo de la situación personal de Townshend tras el éxito de "Tommy" (1969), agobiado por la presión de ser el miembro de la banda que ideaba los conceptos y escribía las canciones, y al que todo el mundo preguntaba cuál sería el siguiente paso de la banda.

lunes, 8 de mayo de 2023

0858.- Won't Get Fooled Again - The Who


Tras haber entregado una de sus obras magnas, la intrincada ópera rock de Tommy (1969), The Who se embarcaron en otro megalómano proyecto al que llamaron Lifehouse, una ópera rock futurista que planeaban grabar en vivo, e interactuando abiertamente con el público. La extrema complejidad de la propuesta, y la respuesta negativa del público, más interesado en escuchar los hits anteriores, estuvo a punto de costarles la separación, y tras varios infructuosos intentos, abandonaron ese enfoque, y rescataron varias canciones de Lifehouse para grabar Who's next (1971), su quinto álbum de estudio.

Hasta ocho de los nueve temas del disco provienen del proyecto Lifehouse, y liberados del complejo hilo argumental de aquella fallida ópera rock conceptual, perfeccionaron hasta tal punto las canciones en el estudio, que terminaron por entregar su mejor disco, y algunos de los singles más relevantes de su carrera. El primero de ellos, "Won't get fooled again" ("No nos engañarán de nuevo"), es además el primer tema que se grabó para el disco, un hit de más de siete minutos en el que manejaron con maestría los sintetizadores, un recurso nada habitual para la banda hasta entonces.

En busca de un nuevo rumbo musical, el órgano y los efectos de los sintetizadores de Pete Townshend toman con fuerza el timón de la canción, mientras Daltrey escupe proclamas que son, a la vez, anti-revolucionarias e instigadoras de la lucha en las calles. Con "Won't get fooled again", eran conscientes de la utopía que se escondía tras las proclamas para cambiar el politizado orden establecido, pero sí que lograron encontrar un nuevo enfoque para su música, y facturar con ello un tema tan épico y descomunal, que cierra en todo lo alto un disco que tiene la grandiosidad y la envergadura de la ópera rock que al final no fue.

sábado, 5 de noviembre de 2022

0674.- The Seeker - The Who



The Seeker ("El buscador") es una canción de The Who que salió publicada únicamente como single en 1970, con la composición de Roger Daltrey "Here for more" en la cara B, y posteriormente fue incluida en la recopilación de 1971 "Meaty Beaty Big and Bouncy". Como single, alcanzó el número 19 en las listas del Reino Unido y el número 44 del Billboard estadounidense.

Fue el primer tema en el que trabajaron después de Tommy, y es una de las canciones más valoradas por su autor, Pete Townshend. Incluye una colaboración al piano de Nicky Hopkins, habitual músico de sesión de los mejores discos de The Rolling Stones, entre muchos otros, y fue un tema habitual en la gira de The Who de 1970, pero desapareció después de las giras posteriores.

En la canción se mencionan los nombres de varios personajes relevantes de la época: Bob Dylan, The Beatles y Timothy Leary, gran defensor de las drogas psicodélicas, en una letra que trata sobre la desesperación de un hombre que acusa a todo el mundo de no preocuparse por él, mientras se comporta de un modo desagradable y egoísta y no hace nada por ganarse un trato diferente, confiado en que conseguirá lo que realmente busca en el momento de su muerte.

jueves, 28 de julio de 2022

0574.- We're not gonna take it / See me, feel me - The Who



We're Not Gonna Take It/See me, feel me es la última canción de la ópera rock Tommy, de los ingleses The Who. La canción es en realidad un compendio de dos canciones, ya que en su parte final retoma los temas See me, feel me y Listening to you, himnos centrales de la densa ópera rock ideada por Pete Townshend, autor de la letra de ésta y de la mayor parte de las canciones de la banda.

Sin embargo, We're Not Gonna Take It no fue originalmente escrita para Tommy, y su letra describía en realidad una reacción del pueblo a, en palabras del propio Townshend, las políticas "fascistas" de los gobernantes de la época en el Reino Unido. La canción encontró su lugar en el disco transformada en la respuesta airada de los seguidores de Tommy a la nueva religión de éste, que prohibía el alcohol y las drogas y se centraba en jugar al "pinball" ("Él dice 'no puedes beber, no puedes fumar droga, no puedes hacer esto, no puedes hacer aquello, tienes que jugar al pinball, tienes que hacerlo a mi manera; si no lo haces a mi manera, estás fuera").

Además de ser incluida en el álbum de TommyWe're Not Gonna Take It fue lanzada como single en Estados Unidos, como cara B de I'm Free, otro de los grandes temas del disco, mientras que ya en 1970, la parte de la canción en la que se retomaba See Me, Feel Me fue también lanzada como sencillo, esta vez como cara A, con la apertura del álbum (Overture from Tommy) en la cara B. En un formato o en otro, la combinación de estos tres temas (We're Not Gonna Take It/See me, feel me/Listening to you) es probablemente la mejor manera de acercarse y de entender la tan desproporcionada como impactante ópera rock de Tommy

miércoles, 27 de julio de 2022

0573 - Pinball Wizard - The Who

0573 - Pinball Wizard - The Who

Pinball Wizard 
es una canción escrita por Pete Townshend e interpretada por la banda de rock inglesa The Who, incluida en su álbum de ópera rock de 1969 Tommy. 
La grabación original se lanzó como sencillo en 1969 y alcanzó el puesto número 4 en las listas del Reino Unido y el número 19 en el Billboard Hot 100 de EE. UU.

Esta canción es una de las canciones en vivo más famosas de la banda y se toca en casi todos los conciertos de The Who desde su presentación en vivo en su debut el 2 de mayo de 1969. Las presentaciones en vivo rara vez se desviaron del arreglo del álbum, salvo por un atasco ocasional al final que a veces conduce a otra cancion. Las grabaciones piratas muestran que se sabe que esta canción dura hasta 8 minutos, y estos sucedió en un concierto en el Rainbow Theatre de Londres el 3 de febrero de 1981, aunque las versiones en vivo que duran tanto son extremadamente raras. Pinball Wizard también se jugó durante el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl XLIV el 7 de febrero de 2010.

La canción fue interpretada por el músico inglés Elton John en la adaptación cinematográfica de Tommy de Ken Russell de 1975. Esta versión se lanzó en 1975 como sencillo promocional solo en los EE. UU., y en 1976 en el Reino Unido, donde alcanzó el número 7. Debido a que no se lanzó como sencillo comercial en los EE. UU., no era elegible para ser incluido en el Billboard Tabla de 100 calientes. Sin embargo, llegó a la lista de reproducción al aire de US Radio & Records, donde alcanzó el número 9.

Daniel 
Instagram storyboy 

martes, 26 de julio de 2022

0572.- I'm Free - The Who

 

I''m Free, The Who


     Tommy es considerada la ópera prima de la banda británica The Who, el cuarto álbum de estudio del grupo, y que precedió a las mini óperas que el grupo ya había  compuesto anteriormente, A Quick One, While He's Away y Rael. El grupo, dentro de su creciente interés por técnicas de composición más refinadas en el campo de la música popular dentro de la década de los 60, culminó ese interés con la publicación de Tommy, su primera ópera rock completa, un disco de rock and roll con una narrativa lineal completa a través de su progresión de canciones.

Tommy es grabado entre septiembre de 1968 y marzo de 1969 en los IBC Studios de Londres, Inglaterra, bajo la producción de Kit Lambert, y publicado el 23 de mayo de 1969. El álbum se convirtió en uno de los discos más vendidos de la carrera de The Who, llegando a alcanzar la certificación de doble  disco de platino al superar la cifra de los dos millones de copias vendidas, cifra únicamente superada por su disco Who's Next, publicado por el grupo dos años después. 

Tommy fue compuesto en su mayoría por Pete Townshend, y se inspiró para escribirlo en las enseñanzas de Meher Baba, un gurú que enlazaba elementos de las escuelas de venta y mística a partes iguales. Townshend había sentido interés en las enseñanzas del gurú después de la publicación de The Who Sell Out en 1968. 

En esta ópera rock se detallan todas las etapas de la vida del protagonista, un chico que queda sordo, mudo y ciego tras un episodio traumático. Durante su convalecencia Tommy sufre abusos  de su primo Kevin y de su tío Ernie, es engañado por  una prostituta que intenta curarle mediante el uso de drogas y descubre su afición al pinball, al que juega con gran éxito mediante su único sentido disponible: el tacto. 

La trama evoluciona hacia la recuperación de sus sentidos cuando su madre rompe los espejos de la casa y la ganancia de adeptos que reconocen en Tommy una figura de culto por su cura milagrosa. Sin embargo, la actitud despótia de Tommy en el campamento de verano creado por su tío Ernie hace que sus discípulos le abandonen y el protagonista vuelva a refugiarse en su fuero interno. 

Incluido en este doble álbum se encuentra la canción I'm Free, compuesta por Pete Townshend. Esta canción relata la visión de Tommy para iluminar a otros espiritualmente debido a su inmensa y creciente popularidad. Tommy se ha liberado porque su madre acaba de romper el espejo de la casa en el cual se encontraba atrapado y se ha liberado. El riff principal de otro de los temas del álbum, Pinball Wizard, aparece en el final de la canción. Pete Townshend escribió Tommy, pero su mánager, Kit Lambert tuvo bastante que ver, el padre de Kit era director de orquesta y bastante reputado en el mundo de la música clásica, y Kit ayudó a Pete a pensar en la idea de una ópera rock.

miércoles, 4 de mayo de 2022

0489.- Magic Bus - The Who



Magic Bus fue grabada por The Who en 1968, pero es una canción que data de unos años atrás (1965), y que fue escrita por Pete Townshend casi al mismo tiempo que My Generation. Una versión demo interpretada por Townshend circuló en 1966, y una banda llamada The Pudding lanzó al mercado una versión de la canción en 1967. Ni The Pudding ni su versión tuvieron mucho recorrido, mientras que la versión definitiva de The Who en 1968 se convirtió, nada más publicarse, en una de las canciones más populares de la banda.

​ La canción se estructura en un formato de dueto, con Roger Daltrey cantando las partes del "pasajero" que, cada día, sube al autobús mágico para ir a ver a su chica. El pasajero acaba haciendo al "conductor" (Townshend) una oferta para comprarle el autobús. El conductor se niega en un principio, pero finalmente acaba vendiéndole el autobús al pasajero, para que cumpla su promesa de conducirlo a diario hasta la casa de su novia.

La canción destaca por el uso de claves en la percusión, y por un característico ritmo "a lo Bo Diddley", pero también por una línea de bajo casi inexistente, por la que John Entwistle declaró que no soportaba interpretarla en directo, en lo que para el suponía estar tocando una sola nota hasta sentir náuseas. Publicada únicamente como sencillo, alcanzó el puesto 26 de las listas inglesas y el 25 en las de Estados Unidos, pero el recorrido del mágico autobús fue mucho más largo, convirtiéndose, mal que le pese a Entwistle, en pieza imprescindible de los conciertos de la banda.

jueves, 17 de febrero de 2022

0413.- I can see for miles - The Who


I Can See for Miles ("Puedo ver a millas de distancia") fue el único single que The Who publicó de su disco The Who Sell Out, quizá por tratarse de un álbum que, en su mayor parte, parodiaba las canciones de las cuñas publicitarias radiofónicas, y no era fácil encontrar en él canciones que pudieran funcionar como sencillos. I can see for miles no solo lo hizo, sino que sigue siendo el sencillo de mayor éxito de la banda en los Estados Unidos, llegando al top 10 del Billboard. Su autor, Pete Townshend, la valoraba tanto que, pese a este éxito, se sintió decepcionado y consideró que no se había vendido lo suficiente.

Mucho se ha escrito sobre este tema de rotundas guitarras, intrincadas armonías vocales y complejas partes de batería, pero es especialmente curiosa la anécdota sobre la influencia que tuvo, sin siquiera haberla escuchado, en que Paul McCartney escribiera el tema Helter Skelter. Paul leyó una reseña de The Who Sell Out, en la que se tildaba a I Can See for Miles como la canción con el sonido más "pesado" ("heavy") que se había escuchado hasta el momento. Ese comentario alentó a McCartney a intentar escribir una canción cuyo sonido y estructura superaran en "peso" al tema de los Who.

La influencia de esta gran canción aumentó también, posteriormente, con su inclusión en la mítica película Easy Rider, y la gran Tina Turner la versionó en 1975 en su disco de debut en solitario. Algo de razón tendrían los que la catalogaron como una pieza marcadamente "heavy", porque fue uno de los temas que acabó formando parte de la banda sonora del juego Rock Band. Aunque Townshend se sintiera decepcionado, y hubiera esperado mucho más reconocimiento del que tuvo, la canción llegó tan lejos como la enorme capacidad de visión que su título indicaba. Se veía a la legua, o a millas de distancia, que acababan de entregar una de sus obras maestras.

viernes, 28 de enero de 2022

Disco de la semana 260: Who's Next - The Who


¿Puede realmente el éxito nacer de un fracaso? Es lo que me pregunto, mientras observo como cuatro tipos de aspecto setentero acaban de orinar sobre una especie de monolito de hormigón en mitad de un campo de Sheffield. Los cuatro tipos son Roger Daltrey (voz), Pete Townshend (guitarra y sintetizadores), John Entwistle (bajo) y Keith Moon (batería), integrantes del grupo The Who, y aparecen de esa guisa en la portada de Who's Next, su quinto álbum de estudio. El grupo venia de entregar una de sus obras magnas, la intrincada ópera rock de Tommy (1969), y se embarcó en otro megalómano proyecto llamado Lifehouse, una ópera rock futurista que planeaban grabar en vivo, interactuando con el público pero, tras muchos e infructuosos esfuerzos, lo cancelaron porque su extrema complejidad y la insatisfactoria respuesta de la audiencia, que esperaba escuchar sus éxitos, les estaba llevando al límite. En palabras de Roger Daltrey: "The Who nunca estuvieron más cerca de separarse".

Abandonado ese enfoque, y liberados de la enorme tensión que les había generado, rescataron algunas de las canciones de Lifehouse para el replanteado disco. Hasta ocho temas, de los nueve que componen el disco, fueron planeados inicialmente para el proyecto Lifehouse, y liberados en el estudio del complejo hilo argumental de aquel proyecto, pasaron a formar parte de lo que sería Who's next. Y así fue como, fracasando en el intento de hacer una nueva ópera rock en la línea de Tommy, acabaron facturando el que la mayoría consideramos el mejor disco de su carrera. Y su mayor éxito, nacido del mayor de sus fracasos.

Al no necesitar ceñirse a la estructura argumental cerrada de una ópera rock conceptual, les permitió centrarse en pulir al máximo las nuevas canciones, y eso se nota, sobre todo, en el acabado final de las mismas, especialmente en los singles, tan perfeccionados que se han convertido en auténticos hitos de la carrera de The Who. El primero de ellos, Won't get fooled again, es además el primer tema que se grabó para el disco, en el estudio móvil de los Rolling Stones, un hit de más de siete minutos en el que manejaron con maestría los sintetizadores, un recurso nada habitual en los discos más clásicos de la banda, que buscaba conscientemente un nuevo enfoque para su música.

Con la pista básica del primer tema grabada, se trasladaron a los estudios Olympic Sound Studios en Barnes, para seguir trabajando las canciones. La elegida para abrir el disco fue Baba O'Riley, el segundo single, y de nuevo destaca el magistral uso de los teclados, tejiendo una tela de araña sonora que acompaña a la perfección a los intensos ramalazos de guitarra de Townshend. Al final de la canción, poco después de que Daltrey cante la mítica frase "It's only Teenage Wasteland" (Es solo yerma tierra adolescente), que a punto estuvo de ser el título de la canción, nos sorprenden con un ecléctico violín firmados por Dave Arbus, demostrando que este disco es justo todo lo contrario, un terreno fértil de deslumbrante creatividad y maduros frutos musicales. 

Bargain comienza con la frase "Me encantaría perderme para encontrarte", de Meher Baba, por entonces gurú de Pete Townshend, al que hace también referencia el título del tema anterior (El "Riley" es por el compositor minimalista Terry Riley). En este tema vuelven a sus esquemas clásicos de rock, combinando la guitarra acústica del ritmo con los tradicionales rasgueos de Townshend. Tras dos cargas de profundidad, rebajan decibelios en Love ain't for keeping, un tema más melódico en el que la guitarra de Townshend nos lleva a terrenos más sureños y virtuosos.

My wife, escrita por John Entwistle. es la única canción que no procede del proyecto Lifehouse, y fue incluida a última hora en el disco, ya que inicialmente estaba destinada a un proyecto en solitario de su autor. Si este disco es un éxito nacido de un gran fracaso, este tema sería entonces un relleno que no sobra en absoluto, y la parte final, con varios instrumentos de metal sobre-grabados para emular una sección de vientos, constituye uno de los momentos instrumentalmente más acertados del álbum. Tras ella, cierra la cara A The song is over, con la colaboración de Nicky Hopkins al piano, e incluyendo en el final un fragmento de la intro de Pure and Easy, otro tema de Lifehouse que finalmente no fue incluido en Who's next.

La cara B abre con Gettin' in tune, la segunda colaboración de Nicky Hopkins en el disco, con una estructura musical similar a su antecesora en el inicio, pero el tema va evolucionando progresivamente y ganando en intensidad. La atmósfera de liberación y despreocupación que se generó tras abandonar el proyecto Lifehouse queda plasmada en los primeros versos: "Estoy cantando estas notas porque encajan bien con los acordes que estoy tocando". Así de sencillo, sin mayores complicaciones, y sin tener que ajustarse a esquemas o guiones preconcebidos, en el que quizá sea el tema más esperanzador y positivo del álbum, como demuestra el repetido estribillo, en el que el protagonista declara abiertamente "Estoy en sintonía".

De la esperanza a la alegría solo hay un paso, apenas unos segundos de silencio en los surcos del disco, los que separan Gettin' in tune de Going Mobile, el tema más alegre del disco. La letra describe un reconfortante viaje en camioneta de un granjero escocés y su familia, pero bien podría tratarse de un guiño a una caravana que Townshend compró en 1970, con la que fue al concierto de la banda en el Festival de la Isla de Wight.​ Pese a ser un tema más ligero, son reseñables los envolventes efectos de distorsión del solo de guitarra de Townshend.

Y en el final, como toda buena ópera rock que no fue realmente, un disco de esta envergadura tenía que tener un cierre tan épico y descomunal como el que conforman Behind Blue Eyes y la ya mencionada Won't Get Fooled Again. Para la primera, una de las mejores canciones de la historia de la banda, se construyeron dos partes diferentes, en lo que supuso uno de los cambios de ritmo más brillantes del disco. En la primera parte, no aparece en ningún momento la batería, en lo que el biógrafo de la banda describió después como "el tiempo más largo que Keith Moon estuvo quieto en toda su vida".

Para el tema de cierre, el órgano y los efectos de los sintetizadores de Townshend toman con fuerza el timón de la banda, mientras Daltrey escupe proclamas que son, a la vez, anti-revolucionarias e instigadoras de la lucha en las calles. Lucharemos, pero "no nos engañarán de nuevo", porque sabemos que no servirá de nada, y que no lograremos cambiar el politizado orden establecido. Sería como pretender desintegrar un monolito de hormigón, a base de orinar sobre una de sus caras. Mas fácil sería que el éxito pudiera nacer del mayor de los fracasos, como cuando los pedazos dispersos de una obra inabarcable se convirtieron en uno de los mejores álbumes de rock de la historia.

lunes, 22 de noviembre de 2021

0326: A quick one while he's away - The Who


 
A Quick One, While He's Away, del disco A Quick One (1966) de The Who, es una suite de seis partes diferenciadas, que marca el inicio de un estilo en la composición de Pete Townshend que se alejaría de los esquemas standard de canción de los sesenta, para adentrarse con éxito en estructuras más complejas, que culminarían en elaborados discos conceptuales (Quadrophenia) e intensas óperas rock (Tommy).

Los 9 épicos minutos de A Quick One, While He's Away son precisamente eso, un adelanto en clave de mini ópera, de lo que después vendría con Tommy. La canción narra la historia de una mujer sin nombre, que vive en la añoranza del amor de su vida (Her man's gone), ausente durante mucho tiempo (Crying Town). La mujer acaba sucumbiendo a la presión de su círculo cercano, que la empuja a conocer a otras personas (We have a Remedy), y mantiene una relación con un maquinista ferroviario llamado Ivor (Ivor the Engine Driver). Transcurrido un año, su amor regresa inesperadamente (Soon be Home), y la mujer le confiesa su infidelidad. A estas alturas, no creo que sea "spoiler" contaros que, al final de esta historia épica y cambiante (You are Forgiven), ella obtiene el perdón de su amado.

Una historia de lírica intensa, que en lo musical es un generoso despliegue de recursos y cambios, que abarcan desde una introducción a capella, interpretada por los cuatro miembros de la banda, pasando por un tramo en el que Roger Daltrey cede el testigo de la voz cantante al bajista John Entwistle o una sección en la que aparece un armónico coro, hasta llegar a la última parte en la que es Pete Townshend el que canta el esperado perdón, mientras el resto de la banda repite la palabra chelo, en una broma que incluyeron tras serles negada la aparición de una sección de cuerda para ese último tramo de la canción. Para recordarle al productor que su negativa había dejado incompleta la canción, repitieron de manera irónica el nombre del instrumento en los momentos en los que debería haber sonado.

miércoles, 29 de septiembre de 2021

0272: Substitute - The Who


Substitute
se ha interpretado a menudo como una reflexión de Pete Townshend sobre el papel de The Who en el mundo de la música de los sesenta, y su posible rol de "sustituto" del top que ocupaban los mismísimos Rolling Stones. Sin embargo, al ser preguntado por la letra de la canción y su significado, Townshend declaró que la canción no iba "acerca de nada".

En línea con las declaraciones de Townshend, que desmontaban la teoría del "sustituto", la canción no es comparable con ningún tema de los Stones, y su seña de identidad más característica es la potente línea de bajo de John Entwistle, que según cuenta la leyenda, esperó a que el resto de la banda no estuvieran presentes, para subir al máximo la pista de bajo en la grabación de estudio. Esa misma sesión de grabación es famosa por unas declaraciones de Keith Moon en las que reconocía que, habiendo grabado el tema en estado de embriaguez, no recordaba nada y acusó a sus compañeros de grupo de haberle reemplazado por otro batería.

Sea como fuere, esta canción publicada como sencillo en 1966 es una de las piezas más memorables de la discografía de The Who, a la altura de sus temas más populares y reconocidos, y aparece en los álbumes de directo más representativos de la banda (Live at Leeds y Live at the Isle of Wight Festival 1970. Varios son además los grupos que la han homenajeado con sus propias versiones, entre ellos grupos punk tan representativos como The Ramones o The Sex Pistols, y bandas de brit pop como Blur o Stereophonics. Todos ellos intentaron ejercer de sustitutos, pero no hay nada como ponerse en el tocadiscos la canción original.

miércoles, 22 de septiembre de 2021

0265: The Kids Are Alright - The Who


0264: The Kids Are Alright - The Who 

"The Kids Are Alright es un álbum de la banda de rock británica The Who que acompaña a la película documental de la banda del mismo nombre."

The Kids Are Alright es una canción escrita por el artista Pete Townshend u es parte de la banda de rock The Who. Esta canción es parte del álbum My Generation y ocupa la posición número 7 de My Generation, que fue el primer álbum del grupo (The Who Sings My Generation en con el nombre que se lanzo en Estados Unidos), en el año 1965. La canción no fue lanzada como single hasta seis meses después de ser lanzado por primera vez el álbum, primero en los Estados Unidos, y luego el mes siguiente se lanzó en el Reino Unido.

En el momento del lanzamiento del álbum no tuvo mucho éxito, solo alcanzó el puesto número 41 en el Reino Unido y el puesto número 85 en los EE. UU.. 
Pero tiempo después, el álbum The Kids Are Alright, junto con la canción que dio título a ese álbum, se convertirían en un himno para el grupo y sus fans en la década de los '60, de hecho tiempo después, ese álbum y canción se convertirían en un documental con su nombre que realizaría la banda en 1979. Todo un éxito. 

La canción fue editada como sencillo en el Reino Unido, siendo esta versión mucho más común que la versión original del álbum. Además de aparecer en My Generation, el comienzo de la canción se puede escuchar en Quadrophenia, y al final de la canción Helpless Dancer.

La canción ha sido versionada por muchos artistas, entre ellos se destacan The Queers, Goldfinger, Eddie and the Hot Rods, The Pleasers, Dropkick Murphys, Hi-Standard, Green Day, Pearl Jam y Belle & Sebastian, con la que cerró su show en el Bowlie Weekender en 1999. Otras versiones y artistas que hacen referencia a The Kids Aren't Alright son de The Offspring, The Kids Are All Wrong de Lagwagon y The Kids de The Parlor Mob.

Curiosidad: En las actuales presentaciones en vivo The Who añade una sección extra en el final de la canción, generalmente con letra improvisada. Tras la muerte de John Entwistle, la letra adicional en ocasiones, hace referencia a él y de su amor por el vino tinto, que más tarde inspiraría la canción Old Red Wine, un homenaje hacia el mítico bajista del grupo.

Daniel 
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martes, 21 de septiembre de 2021

0264 My Generation - The Who


My Generation
fue un éxito inmediato en Reino Unido desde su lanzamiento como sencillo en octubre de 1965, alcanzando el número dos de las listas de éxitos. En Estados Unidos la respuesta fue algo más tibia (llegó al puesto 74), pero en casa el tema de The Who se convirtió casi al instante en un himno para toda una generación de adolescentes. El tema fue incluido también en el álbum debut de la banda (titulado My Generation en Reino Unido y The Who Sings My Generation en Estados Unidos), y sería una parte importante de las giras y del disco en directo de 1970 Live at Leeds, en el que aparece en una versión extendida hasta llegar a los... 15 minutos!

Pete Townshend escribió la letra durante un trayecto en tren, incluida la famosa frase de "Espero morir antes de envejecer" que se convirtió en el mantra de la generación del momento, y en una de las frases más características del rock​. Toda la letra es un manifiesto de rebeldía adolescente, y la música es además precursora de lo que después sería el punk rock y el hard rock, reforzada por los solos de guitarra de Townshend y la potente línea de bajo de John Entwistle, que se marca el que para muchos es el primer solo de bajo de la historia del rock.

Roger Daltrey dotó a la canción del tantas veces analizado tartamudeo con el que terminaba los versos, interpretado por muchos como una manera de reflejar el nerviosismo, enojo y frustración de esa generación a la que estaba poniendo voz, mientras otros apuntan a que sólo pretendía sonar como un típico adolescente mod que hablara bajo los efectos de las drogas. La BBC lo consideró ofensivo para las personas con tartamudez, y se negaron a pincharla inicialmente, pero acabaron dando su brazo a torcer cuando My Generation se convirtió en el tema del momento. De su relevancia dan fe tanto la inclusión en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos de la revista Rolling Stone, como las múltiples versiones que de ella han hecho artistas del nivel de Alice Cooper, Iron Maiden, o grupos de generaciones posteriores como Oasis o Green Day, que muchos años después también tenían claro de lo que estaban hablando. "Hablo de mi generación..."

miércoles, 14 de julio de 2021

0195: I can't explain - The Who


No puedo explicar lo que, siendo adolescente, supuso para mí ver la película Quadrophenia. Aquel film sobre el despertar del sexo, drogas y rock and roll en un grupo de adolescentes mods marcó la línea divisoria entre el tipo de cine que había visto y el que optaría por ver después, pero sobre todo abrió la puerta a otro tipo de música, la de los discos de los tíos y hermanos mayores, y que era muy distinta a la que se escuchaba en los ochenta. Con los rescoldos de la banda sonora de The Who en la memoria, me lancé a buscar material de aquella banda, y así fue como di con I can't explain.

No puedo explicar que tiene este tema de The Who en particular, que se editó como sencillo en diciembre de 1964 en Estados Unidos, y en enero del año siguiente en el Reino Unido, pero el que fue segundo sencillo de la por entonces emergente banda británica supuso el verdadero pistoletazo de salida a una brillante carrera que les posicionaría por derecho propio entre las míticas bandas de los años sesenta y setenta.

No puedo explicar cómo una canción que en realidad se basaba en los esquemas rítmicos de temas como Louie Louie o All day and all of the night puede sonar a la vez tan característica del grupo de Townsend y Daltrey. Tampoco tiene explicación que en uno de los primeros temas de una banda primeriza, se acaba descubriendo que el músico de sesión que tocó la guitarra rítmica​ era ni más ni menos que Jimmy Page.​ Pero en el fondo nada de eso importa, porque basta con poner I can't explain en el tocadiscos para que sobren las explicaciones, y sólo quede espacio para disfrutar de la música de The Who en estado puro.​

viernes, 16 de octubre de 2020

El disco de la semana 195: The Who - Sell Out


El otro día fui de compras a un "Alcamfour", llamado así porque no quiero hacer publicidad gratuita de ningún supermercado, y porque están todos cortados por el mismo patrón y me cuesta realmente distinguirlos. Todos han ido poco a poco, desterrando y reduciendo a la mínima expresión sus secciones de discos, que ahora apenas ocupan un par de metros de largo, en un escondido estante cercano a la sección de electrodomésticos, en el que ya solo pueden encontrarse las últimas novedades de grupos y artistas tan comerciales que hasta dudaríamos en considerarlos música. Escuálidos y semiescondidos, llenos de huecos vacíos en los que podrían estar discos de Led Zeppelin o The Who, esos estantes me llenan de tristeza, cuando paso por delante con mi cesta llena de comida, y me planteo si realmente esa estrategia comercial es la correcta, porque precisamente los compradores de esa música, barata y perecedera, son los que ya no compran música en formato físico. ¿De verdad las mentes pensantes de "Mercarosky" no se han dado cuenta?

No será porque los Who no lo avisaran, ya en 1967, con su disco Sell Out ("Vendido"), un álbum conceptual en el que las canciones, aparentemente inconexas, se engarzan a través de pequeñas cuñas comerciales, como si realmente estuviéramos escuchando uno de aquellos memorables programas de radio, cuando la radio y la música formaban un todo robusto e indivisible. De ese modo, simulando la programación de una emisora de radio pirata a la que llamaron "Radio London", ironizaban con la idea de un falso grupo musical creado por y para la venta de otros productos de consumo, como las tostadoras y microondas que hoy en día conviven junto a los desterrados discos de música en los grandes supermercados mencionados previamente. Un disco irónico y psicodélico, con los habituales momentos cercanos a la ópera rock que, salvo Quadrophenia y Tommy, todos los discos de los Who iban a ser en su concepción, y que solo en esos dos casos llegaron finalmente a realizarse en ese formato. El tipo de formato que nunca encontraríamos hoy en día en la sección de música de un supermercado.

La ironía comienza directamente en la portada, en la que Pete Townshend (guitarra) está poniéndose desodorante de un desproporcionado frasco de la marca "Odorono", mientras Roger Daltrey (voz) se está dando un baño de judías "Heinz". En la contraportada, podemos leer como "Charles Atlas" hizo que un escuchimizado John Entwistle (bajo) pasara de sesenta a sesenta y dos kilos de peso, convirtiéndole con esa pequeña diferencia en un portento físico. Igualmente ventajoso es el uso de la crema "Medac", que hacía desaparecer el acné juvenil del rostro de Keith Moon (batería). Con esta publicidad, coincidiréis en que es imposible no comprar este disco, que al instante estaba ya..."VENDIDO"


SELL OUT (VENDIDO)

 

Armenia City in the sky, escrita por Speedy Keen, abre el disco con su vertiginosa oferta de rock psicodélico a granel. Tras este primer disparo certero, el primero de los cortes comerciales nos recuerda que las Heinz Baked Beans son las judías con tomate por excelencia del Reino Unido. Firmada por John Entwistle, se trata de la primera de las cuñas comerciales que saltearan el disco, piezas musicales breves e inacabadas pero en las que se intuye que podrían haberse convertido en canciones completas, con sólo un poco más de dedicación y revestimiento. El siguiente tema "completo" es Mary Anne with the shaky hand, firmada por Pete Townshend, compositor habitual de la mayor parte de los temas del grupo, es un tema más melódico y con cierto aire a la música de The Byrds, que actúa como reclamo para el siguiente comercial, porque en cualquier set básico de acicalamiento personal que se precie, no pude faltar el desodorante Orodono.

 

Llega después el turno a otro de los temas "serios" con Tattoo, donde destaca la interpretación vocal de un sentido Roger Daltrey. Los Who vuelven a la senda melódica con Our love was, antes de entregarnos uno de los temas más rotundos de su carrera con I can see for miles, su mayor éxito en Estados Unidos y una canción imprescindible en todos sus directos. En un disco más valorado por la frescura del conjunto y su satírica propuesta, que por la relevancia de sus canciones por separado, ésta canción seguiría destacando en cualquiera de sus míticos discos posteriores.

 

El tono melódico vuelve de nuevo en I can't reach you, finalizando un tramo del disco en el que ya echábamos de menos uno de esos frescos jingles publicitarios. Para calmar nuestro ansia consumista, llega el turno de John Entwistle y su tubo de crema Medac para los granos, ese que Keith Moon nos recomendaba en la contraportada del disco. Una crema a la que, inmediatamente después de usarla, le sigue un recomendable efecto Relax. Y tras relajarnos con la propuesta de Pete Townshend, llega el turno de Silas Stingy, la tercera y última pieza firmada por John Entwistle, antes de abordar el penúltimo escalón con Sunrise.

El disco cierra magistralmente con Rael, concebida en sus inicios como parte de una gran ópera rock que no llegó a concretarse, pero que a lo largo de sus casi seis minutos de duración, mantiene las señas de identidad de lo que la obra completa podría haber sido. Al completo o reducido, no busquéis este tema en la sección de discos del Alcamfour o del Mercarosky. No lo encontraréis, salvo que un cantante de reggaeton, de cuyo nombre no quiero acordarme, se levante un día con el pie izquierdo, y sus productores no consigan disuadirle de su intención de hacer una versión libre de esta canción. Lo peor de todo es que, pocos días después de publicarla, lo tendría todo "vendido".