1951 - Passion - Rod Stewart

Passion - Rod Stewart

En “Passion”, Rod Stewart se lanza de lleno a capturar una época marcada por el exceso, el movimiento constante y una necesidad casi urgente de sentir. Lejos de sus baladas más reconocidas, aquí apuesta por una energía directa, casi física, que conecta de inmediato con el oyente. La canción, incluida en Foolish Behaviour, funciona como un reflejo del pulso de comienzos de los años 80, donde las fronteras entre el rock, el pop y el disco empezaban a diluirse.

La base rítmica es, sin duda, el corazón del tema. Desde el inicio, ese groove insistente marca el camino y se mantiene como columna vertebral durante toda la canción. No hay grandes pausas ni cambios bruscos: todo fluye con una continuidad que invita al movimiento. Es un ritmo que no solo acompaña, sino que arrastra, generando una sensación casi hipnótica.

Sobre esa estructura, la voz de Rod Stewart se mueve con soltura. Su tono rasgado y característico aporta personalidad, pero también una cierta distancia emocional. No parece completamente inmerso en la “Passion” que describe, sino más bien observándola con una mezcla de ironía y complicidad. Esa dualidad le da un matiz interesante a la interpretación, evitando que la canción caiga en lo previsible.

Si analizamos la canción, esta juega con una idea ambigua de la pasión. Por un lado, la presenta como motor vital, como impulso que atraviesa todos los aspectos de la vida. Pero, al mismo tiempo, deja entrever una crítica a su carácter superficial y repetitivo. La pasión aparece como algo que se consume rápido, que se busca una y otra vez sin llegar a llenarse del todo. Esa lectura le aporta una profundidad inesperada a una canción que, en la superficie, parece puramente festiva.

En cuanto a la instrumentación, todo está cuidadosamente equilibrado para no romper el flujo. Las guitarras se integran en la base rítmica sin imponerse, mientras que los arreglos refuerzan la sensación de continuidad. No hay protagonismos individuales claros: cada elemento cumple una función dentro de un conjunto que prioriza la atmósfera y el ritmo.

Escuchar “Passion” hoy es también asomarse a una etapa de transición en la carrera de Rod Stewart. Es un momento en el que el artista experimenta con nuevos sonidos sin perder del todo su identidad. Puede que no tenga la carga emocional de otros temas de su repertorio, pero sí muestra una versatilidad que resulta clave para entender su evolución.

“Passion” no busca detenerse en la introspección, sino capturar el vértigo de una época. Es una canción que se siente más que se analiza, pero que, al mirarla de cerca, revela una mirada más crítica sobre ese impulso constante de desear. Entre ritmo e ironía, Rod Stewart construye un tema que sigue transmitiendo inmediatez y carácter.

Daniel 

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1704.- “Da Ya Think I’m Sexy?” - Rod Stewart

Rod Stewart sorprendió al mundo en 1978 con el disco "Blondes have more fun", por el drástico giro de estilo que supuso ese álbum dentro de una carrera discográfica que hasta entonces había estado enmarcada sobre todo en el folk rock, el soul y el blues rock. Cierto es que el experimento fue en general fallido, y que el disco no está ni mucho menos entre sus mejores obras, pero la canción “Da Ya Think I’m Sexy?” si que supuso un éxito rotundo y una audaz incursión en el disco pop que reinaba a finales de los setenta y que contrastaba con su hasta entonces imagen de rockero desenfadado.

Aunque algunos la interpretaron como una parodia del estilo disco, Rod Stewart siempre defendió la autenticidad de “Da Ya Think I’m Sexy?” y su intención de explorar nuevos sonidos. El tema se construye sobre un ritmo disco irresistible, con sintetizadores brillantes, una línea de bajo pegajosa y una pulida producción al más puro estilo de la estética y la tendencia musical de aquel momento. La melodía es simple pero efectiva, diseñada para la pista de baile, y la voz rasposa de Rod Stewart añade un toque de ironía y sensualidad a una letra que narra de manera narcisista, provocadora y superficial un encuentro amoroso. 

Pese a su enorme éxito comercial, “Da Ya Think I’m Sexy?” no estuvo exenta de varias controversias, empezando por el abierto rechazo que inicialmente generó entre sus seguidores más tradicionales, y acabando por las acusaciones de plagio por parte del músico brasileño Jorge Ben Jor, que le acusó de haber copiado el coro de su canción "Taj Mahal". La cosa no fue a mayores, ya que Stewart evitó un pleito en los tribunales admitiendo que había caído en un "plagio inconsciente" tras asistir a un concierto de Ben Jor en el Festival de Río de 1978, y creer después que la melodía que le rondaba la cabeza era una idea propia. Además, decidió donar todas las ganancias del single a UNICEF, en una salomónica decisión que dejó contentas a todas las partes.

1561.- Hot Legs - Rod Stewart

 

"Hot Legs" ("Piernas calientes") es una de las grandes canciones de corte rockero que Rod Stewart grabó en los setenta, una década en la que el cantante británico facturó sus mejores discos, muchos de ellos separados en dos caras totalmente distintas, una para los temas más rock y blues rock, y otra para los temas más románticos y lentos.

Escrita por Rod Stewart y el guitarrista Gary Grainger, y lanzada en 1977 como parte del álbum Foot Loose & Fancy Free, "Hot Legs" se ha convertido con el paso de los años en un clásico en la discografía de Stewart y sigue siendo una favorita en sus conciertos. Buena parte de la culpa de su éxito la tiene su letra desenfadada y sexual, que aborda de manera directa y sin complejos la temática de la atracción física y la desinhibición del deseo.

Musicalmente, "Hot Legs" es un tema de rock clásico, cercano al estilo de The Faces o The Rolling Stones. La canción comienza con un potente riff de guitarra, acompañando a la característica voz rasposa de Stewart, mientras que la batería y el bajo proporcionan un ritmo vibrante a una canción de estructura aparentemente sencilla pero muy efectiva.

1559 - Rod Stewart - You're in My Heart (The Final Acclaim)

1561 - Rod Stewart - You're in My Heart (The Final Acclaim)

Rod Stewart ha sabido escribir canciones que atraviesan generaciones, y "You're in My Heart (The Final Acclaim)" es una de sus composiciones más emblemáticas. Lanzada en 1977 como parte del álbum Foot Loose & Fancy Free, esta balada romántica se convirtió rápidamente en un clásico, gracias a su combinación de letra sentimental, melodía envolvente y la inconfundible voz rasposa del cantante británico.

Rod Stewart, quien escribió la canción en solitario, logra capturar con maestría la nostalgia y la devoción de un amor duradero. La instrumentación es elegante pero sin excesos: una base de guitarra acústica, piano y arreglos de cuerdas que elevan la emoción sin opacar la voz principal. Su interpretación transmite una sinceridad palpable, lo que ha permitido que la canción resuene con el público durante décadas.

A lo largo de los años, se ha especulado sobre la inspiración detrás de la canción. Algunos sostienen que Rod Stewart la escribió para Britt Ekland, la actriz sueca con quien tuvo una relación en esa época. Otros creen que, además de ser una oda al amor, es un homenaje velado al Celtic Football Club, equipo del que es ferviente seguidor. Sea como sea, la canción ha trascendido cualquier anécdota personal y se ha convertido en un himno romántico atemporal.

Desde su lanzamiento, "You're in My Heart" tuvo un gran impacto comercial. Alcanzó el puesto número 4 en el Billboard Hot 100 y llegó al número 1 en Canadá, consolidando aún más la carrera de Rod Stewart en la cima de las listas internacionales. Su éxito no se limitó a la época de su estreno: ha sido incluida en numerosas recopilaciones, interpretada en conciertos multitudinarios y versionada por otros artistas.

Más allá de los números, lo que hace especial a "You're in My Heart" es su capacidad de conectar con el oyente. La canción es un recordatorio de que el amor, con sus altibajos, sigue siendo una de las mayores fuentes de inspiración en la música. En una discografía repleta de éxitos, esta balada se mantiene como una de las más queridas por los fanáticos y una de las mejores representaciones del talento de Rod Stewart para escribir melodías inolvidables.

Hoy, más de cuatro décadas después, "You're in My Heart" sigue sonando en radios, bandas sonoras y playlists de amantes de la música de todas las edades. Su vigencia demuestra que algunas canciones nunca pasan de moda y que la voz inconfundible de Rod Stewart seguirá emocionando a generaciones por venir.

Daniel
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Rod Stewart - Foot Loose & Fancy Free (Mes Rod Stewart)

 

Si hay un artista con el que siempre me ha costado conectar fue Rod Stewart, y es que desde joven fui expuesto a algunos de sus hits, considerando que a mis padres le encantaban, muchos de los temas sueltos que le escuché eran bastante malos, y años después supe que pertenecían a su etapa más cuestionada, los discos post 1978, así que a la tarea encomendada de reseñar este Foot Loose & Fancy Free no llegue con mucha confianza aunque es uno de sus trabajos más celebrados y vendidos en los 70, más sabiendo que abre con “Hot Legs”, tema del que nunca fui tan fan, pero que al menos si le tenía tolerancia, ya que había cierto desplante en el vocalista coqueteando con ese riff clásico. A Rod algo le salió terriblemente mal entre 1971, cuando Stewart lanzó el clásico Every Picture Tells a Story, y 1977, cuando Foot Loose & Fancy Free llegó a las estanterías de discos. ¿Qué había sido del Rod Stewart que vagaba por los bosques de abedules blancos de la provincia de Saskatchewan, cantando con todo su corazón? Se había convertido en un periodista, vendió su alma por un dinero inmundo, Sin embargo hubo un cambio de timon, lo que me encontré fue una grata sorpresa, ya que el buen Rod experimenta con varios géneros y cuenta con unos aliados bastante potentes, creando algunas de las mejores canciones de su catálogo. El álbum ofrece un valor tremendo desde la perspectiva de los éxitos, ya que contiene algunos de los éxitos más grandes, adiós a Hollywood y todo eso... con una mirada borrosa y embelesada, Rod Stewart mira fijamente desde la portada de este álbum, con su traje blanco arrugado. Tras deshacerse de Britt, Stewart no ha conseguido librarse del todo de su aburrimiento en Los Ángeles, pero ha hecho un buen intento, con lo que parece ser un retorno deliberado a tiempos pasados. El libreto interior del álbum enfatiza la imagen de peleas borrachas (ahí está Rod, bebiendo a todo trago). Una de las claves del vigor del álbum puede ser la elección de los músicos -no los músicos de sesión de los dos lanzamientos anteriores- sino la banda que Stewart trajo consigo al local Western Springs de Nueva Zelanda a principios de 1977, la empatía entre Stewart y su banda le da a la música una base mucho más firme.

El comienzo es espectacular con “Hot Legs”, una potente pieza de rock 'n' roll inspirado en los Rolling Stones con el enorme sonido de batería de Appice al estilo John Bonham, un gran riff de guitarra y Stewart lamentando memorablemente “I love ya honey” al final de cada estribillo. Se adentra en el territorio más funky de los Stones en “You're Insane”, que está impulsada por un ritmo cargado de bajos (cortesía del coautor Chen). Me encanta el ritmo escalonado que sigue a la última línea de los estribillos: “This whole mad town thinks you're insane”. Una de las baladas mas queridas de su carrera se encuentra a continuación, “You're In My Heart (The Final Acclaim)” fue un éxito Top 5 en los EE. UU, este lento shuffle es una declaración de amor a su novia en ese momento (“Eres una rapsodia, una comedia, eres una sinfonía y una obra de teatro. Eres cada canción de amor jamás escrita pero cariño, ¿qué ves en mí?”), pero admite que “ha habido muchos amoríos y muchas veces he pensado en irme”. Hasta hace poco no había notado la similitud vocal con Steve Forbert, cuyo debut se lanzó al año siguiente. Cierra la cara A con "Born Loose", otro tema rockero con aires de los Stones que es innecesariamente largo y, en última instancia, olvidable, algo que no se puede decir de las otras 7 canciones.

Su versión de 7 minutos y medio de “You Keep Me Hangin' On” de The Supremes se inspiró en la antigua banda de Appice, Vanilla Fudge, que grabó una versión similar a una versión más lenta una década antes, no coincide del todo con esa grabación anterior, pero la voz de Stewart es fantástica, el arreglo es ajustado y rockero y hay un solo de dos guitarras delicioso, a continuación se adentra en el territorio del deep soul con una versión del éxito de R&B número uno de Luther Ingram de 1972, “(If Loving You Is Wrong) I Don't Want To Be Right”. Aparentemente, esta canción fue grabada por The Faces a principios de los 70, pero nunca se lanzó oficialmente, por lo que esta fue la oportunidad de Stewart de corregir ese error (sin juego de palabras). “You Got A Nerve” es una balada folk inquietante en la línea de Fairport Convention, que se destaca por un sonido similar al del sitar (quizás cortesía de un sitar real). Rod tiene un don para interpretar baladas lentas, podría hacer llorar a un gigante tuerto y extrañar a su madre. Esta canción tiene a Rod cantando una balada encantadora sobre decirle a una antigua ex amante que se pierda y se vaya a la mierda, simplemente encantador. En el cierre del álbum, “I Was Only Joking”, lo encuentra en modo narrador completo, con melodías impresionantes, un arreglo principalmente acústico (que se interrumpe con un solo de guitarra eléctrica de un minuto de duración en 3:45) y un coro enérgico con toques del folk que hizo que los éxitos anteriores “Maggie May” y “You Wear It Well” fueran tan entrañables.

En resumen, este es un muy buen álbum de Rod, y sus fans deberían estar encantados. Los oyentes ocasionales tal vez prefieran limitarse a sus grandes éxitos, ya que este álbum es desenfadado y elegante, pero no gratuito, un disco bastante versátil y que sorprenderá gratamente. Menos mal no hice caso a mis prejuicios para llegar al que quizás es uno de los mejores discos de Rod Stewart… Lo que me hace preguntar: ¿Qué pasó después?  Si hay una crítica sobre el álbum, es que las canciones son demasiado largas y duran unos cinco minutos en promedio. Habría sido mejor acortar un poco y luego agregar un par de canciones más divertidas.

Rod Stewart - A Night on the Town (Mes Rod Stewart)

Dentro del #MesRodStewart en 7dias7notas.net le llega el turno a "A Night on the Town", el que fuera séptimo álbum de estudio de Rod Stewart, lanzado en 1976. Y aunque estoy de acuerdo con el dicho de "No hay que juzgar un libro (o en este caso un disco) por su portada", la verdad es que la cosa ya apuntaba maneras desde la cubierta del disco, que reproduce una pintura de Pierre-Auguste Renoir, en la que insertaron a Rod Stewart en el centro del cuadro, ataviado con un traje de época. No se me ocurre mejor portada para un disco que combina canciones de rock clásico y elegantes baladas, y que fue el último álbum de Stewart en alcanzar el número 1 de las listas de ventas hasta el más reciente "Time" de 2013.

La cara A de "A Night on the Town" está dedicada a los temas más suaves y melódicos, pero comienza con fuerza con el hit "Tonight's the Night (Gonna Be Alright)", una de las canciones más famosas de Rod Stewart, y un tema que no estuvo exento de cierta polémica por su contenido sexual, especialmente en la frase: "Vamos, ángel, mi corazón está en llamas, no niegues el deseo de tu hombre, serías muy tonta si detuvieras esta marea, despliega tus alas y déjame entrar", censurada por algunas emisoras de radio. La canción fue prohibida por la BBC e incluso generó una protesta pública del célebre reverendo Jesse Jackson por su letra y los más que sugerentes susurros femeninos, a cargo de Britt Ekland, novia de Stewart en ese momento, que también aportó una parte vocal recitada en francés.

Rod Stewart se inspiró para la composición en el éxito del grupo America "Today's the Day". Al escucharla un día que Dan Peek (America) y Rod Stewart estaban tocando juntos en el estudio, Peek tocó la canción que había compuesto y Stewart comentó que le acababa de dar una idea para una canción nueva. Stewart se basó en esa idea y cambió el día por la noche, un momento mucho más interesante para ciertas cosas. "Tonight's the Night" se convirtió en un gran éxito comercial en la carrera de Rod Stewart, alcanzando por segunda vez el top del Billboard Hot 100 estadounidense y manteniéndose en lo más alto durante ocho semanas consecutivas, un récord personal que no volvió a repetir con ninguna otra de sus canciones. 

Le sigue a la zaga y en el orden del disco la delicada "The First Cut Is the Deepest", una acertada versión de un tema de Cat Stevens de 1967, que en la voz de Stewart fue también un gran éxito, manteniéndose en el puesto nº 1 del UK Singles Chart durante cuatro semanas, y alcanzando el puesto nº 21 del Billboard Hot 100 estadounidense. Desde entonces, "The First Cut Is the Deepest" se ha convertido en una de las canciones más emblemáticas de la carrera de Rod Stewart. La letra describe las dudas del protagonista sobre si será capaz de volver a enamorarse, después de haber perdido su primer amor, teniendo en cuenta que "El primer corte es el más profundo", refiriéndose metafóricamente a la herida que la primera decepción amorosa deja para siempre en el corazón.

Tras una correcta "Fool for You", firmada por el propio Rod Stewart, la tercera joya de la cara A y del disco es "The Killing of Georgie", con una contundente y melancólica letra que narra la historia de un amigo gay que es expulsado por su familia y se convierte en la sensación de la vida nocturna de Nueva York, pero cuyo destino le depara una violenta muerte a manos de unos pandilleros de New Jersey, durante un intento de robo.

La cara B es la parte rockera del disco, con momentos relevantes como "The Balltrap", firmada por Stewart y con un rock cercano a The Faces y The Rolling Stones, la más melódica "Pretty Flamingo", escrita por Mark Barkan y la rítmica e intensa "Big Bayou" firmada por Gib Guilbeau, en la que destaca de nuevo un ritmo de guitarras muy stoniano y una abrasiva sección de metales. No menos influenciada por sus Satánicas Majestades es "The Wild Side of Life", en la que destacan sobremanera las guitarras y los ritmos estilo Stones, combinados con violines y con la certera y potente voz de Rod Stewart en su mejor momento.

El disco cierra con "Trade Winds", el único momento de calma de la segunda cara, una pieza melancólica y taciturna de piano, teclado y saxofón, con Rod Stewart cantando en el estilo pausado y con aire crooner que tanto explotaría en décadas posteriores de menor brillo e inspiración. Pero esa época estaba aún por llegar, y aquí no solo no desentona sino que queda como curioso e inspirado final, en contrapunto con la intensidad del resto de canciones de la segunda mitad de un disco que, como ya hemos comentado, es uno de sus grandes trabajos, y tiene por derecho propio su lugar en la revisión del #MesRodStewart en 7dias7notas.net

Rod Stewart - Atlantic Crossing (Mes Rod Stewart)

 

Cuando miro los primeros discos en solitario de Stewart, siempre me da miedo pensar que quizás este sea el que logre abandonar su sonido inicial para dedicarse a la búsqueda de dinero de su carrera posterior. Pero la verdad nunca es tan sencilla, así que me encuentro escuchando un disco que logra sonar lo suficientemente parecido a su sonido inicial como para no dejarlo, pero que también tiene suficientes signos de desastre inminente como para pregutarme ¿Es Rod Stewart? Con la separación de Faces y su último álbum grabado en el Reino Unido, "Smiler", un fracaso comercial y crítico, Rod hizo como el título del álbum y grabó este álbum en Memphis bajo la dirección de Tom Dowd, el hombre detrás del exitoso álbum de regreso de Eric Clapton, "461 Ocean Boulevard". Así que con una nueva banda de músicos de sesión flotantes y un sonido menos desvencijado y estridente a sus espaldas, Stewart se propuso impulsar su carrera con un sonido más amigable con el AOR y hay que decir que, en general, lo encontró. Curiosamente, el disco tuvo mucho más éxito en Gran Bretaña que en Estados Unidos, ayudado por el éxito masivo Sailing que no llego ni al top 40 de Billboard.

El primer desastre es cuando Stewart llama a un lado "Fast Side" (lado rápido) pero incluye una balada. Tal vez mis oídos me traicionen, pero al menos una canción del "Slow Side" (lado lento) es más rápida que una canción del "Fast Side" (lado rápido). Y es que lo que no ayuda es que las baladas suenan considerablemente más pulidas, aunque el conjunto es definitivamente más pulcro que sus discos anteriores. Y aunque todo está más pulido, las pistas de rock al menos pueden darte la impresión de que no ha cambiado mucho, es fácil escucharlas y dejar que la voz de Stewart te distraiga de cómo todo está más unido, menos crudo. Pero una vez que empiezan las baladas (y son versiones, por cierto), te das cuenta de que las cosas realmente han cambiado, que las cosas se han limpiado demasiado. ¿No habríamos preferido todos escuchar un álbum grabado con los MG (que hacen una aparición) que con los músicos de sesión por los que los reemplazó? Yo sé que lo habría hecho. El simbolismo de la portada era claro; Stewart tiene un pie en el Nuevo Mundo, pero está mirando hacia atrás, al Viejo País, y lo que es más importante, tiene un pie todavía en suelo británico. Es cierto que no podría haberse quedado con una fórmula que había durado más de lo que era bienvenido

 

Este album parece el comienzo de una nueva etapa en su carrera, en la que quería mantener la fama que ganó tocando música rock de verdad, yendo a donde el dinero lo llevara. Dicho esto, sigue siendo un disco aceptable, especialmente la primera cara, le penaliza que adolece de una canción rock cerca del sobresaliente. “Three Time Loser", toma impulso, no puedes evitar preguntarte si Rod quiere tener su pastel y comérselo. Otra historia de perros peludos al estilo de Jack el muchacho (o Rod el Mod) (esta vez sobre enfermedades venéreas). El oyente casual no tarda mucho en darse cuenta de las disparidades: el acompañamiento musical es un poco demasiado limpio, los coristas demasiado eficientes, el solista de saxo tenor demasiado suave y, sobre todo, Rod, un poco demasiado desesperado por impresionar con sus gritos, haciendo todo lo posible por convencernos de que sigue siendo el mismo Rod Stewart de pub rockero a pesar de saber que las reglas del juego han cambiado. El problema es, en realidad, bastante simple: obviamente está tratando de encontrar su lugar en un nuevo entorno y, aunque los músicos están evidentemente más que dispuestos a ayudarlo con este material, él y ellos no hablan exactamente el mismo idioma, por lo que existe un problema de incompatibilidad estética. Las aventuras de una noche en el tibio reggae-funk de "Alright For An Hour" y emborracharse en la más atrevida "Stone Cold Sober", a todo lo cual contribuye el hecho de que es coautora de Steve a Cropper. En cuanto a "All In The Name Of Rock And Roll", una canción menor sobre la búsqueda de una banda de rock and roll que su anterior, suena tanto como "Bitch" de los Stones de "Sticky Fingers" que en realidad debería llamarse "Son of a Bitch".

De las baladas, "Drift Away" debe clasificarse como una de sus versiones más inútiles, el original de Dobie Gray era casi por definición un disco del período de Watergate, una reflexión de un sobreviviente sobre lo que lo había llevado a este estado de aceptación resignada en primer lugar. Fatalmente, Stewart sustituye el "free" en el estribillo de "Give me the beat, boys, to free my soul" por un segundo "soothe" y simplemente no tiene peso emocional; lo mismo puede decirse de las líneas de guitarra puntillistas y francamente demasiado recargadas de Steve Cropper: nuevamente, parece querer convertir la canción en reggae, y los wah-wahs sobrecargados con micrófonos en los estribillos son innecesarios. "It's Not The Spotlight" y "Still Love You" intentan de manera poco convincente reintroducir la mandolina en su sonido que tanto caracterizó a sus éxitos anteriores. Su famosa versión de “I Don't Want To Talk About It” de Danny Whitton sacó a relucir una sensibilidad y compasión en su interpretación que habían estado ausentes en su obra durante algún tiempo. El original de Crazy Horse de 1971 se desmorona mientras se está interpretando; si no lo hubiera sabido mejor, lo habría tomado por una de esas pruebas de lo-fi de Lou Barlow con Sebadoh en los primeros álbumes de Dinosaur Jr. Pero aquí, Stewart no se deja apurar por las guitarras o el bajo, ni por las cuerdas de Arif Mardin, todos parecen estar conversando con él, o en todo caso escuchándolo.

Eso solo deja los dos lanzamientos originales de sencillos, ¿cómo se sostiene “Sailing” de Stewart? Lena se aventuró a opinar que la canción era una especie de compromiso entre “Sail Away” de Randy Newman y “Na Na Hey Hey Kiss Him Goodbye” de Steam, noto la participación de Steve Cropper y el tema general del agua y la etiquetaría como el reverso de “Dock Of The Bay”: no se trata de un viaje sin rumbo; Stewart suena vulnerable a veces, pero sabe exactamente a dónde va y cómo llegar allí. Suena arrepentido –como sólo él podría hacerlo– porque sabe que está dejando toda una vida, toda una historia, detrás de él. Pero, como sucede con tantos sencillos de rock “clásicos”, “Sailing” tiene mucho más sentido en su contexto original; las cuerdas de Mardin se hinchan a medida que Stewart se aleja hacia el atardecer, hacia la oscuridad; el cantante está diciendo su verdadero adiós a “nosotros” siempre y cuando pueda recordar quiénes se supone que somos “nosotros”. Así, el espacio vacío y oscuro representa lo desconocido, y Atlantic Crossing , aunque irregular a la hora de encontrar sus objetivos, merece más que la historia que posiblemente se dio a sí misma, tan lista como el modesto juego de palabras latente en su título. Y el segundo una versión centelleante y lenta del clásico de Motown "This Old Heart Of Mine", aunque años después lo llevaría a la velocidad original junto con el cantante original Ronald Isley. También es digno de mención el tema que, de alguna manera, nunca llegó a la selección final de las sesiones, una magnífica y sobria interpretación de "To Love Somebody" con la formación original de los MG de una canción que los Bee Gees escribieron irónicamente pensando en Otis Redding. Lamentablemente, el baterista metronómico Al Jackson murió poco después de que se grabara el tema, la última vez que el gran grupo de estudio grabó junto y fue un canto del cisne muy apropiado.

 

"Atlantic Crossing" es un buen álbum, no un gran álbum, irregularmente inconsistente como tantos de sus álbumes, pero con una producción intuitiva y comprensiva de Tom Dowd, ayudó a allanar el camino para el éxito y el exceso futuros, muchos de los cuales son inferiores a lo que logró aquí. En definitiva, este disco es fácilmente recomendable para los adictos a Rod Stewart. Pero los fans en general deberían comprar primero todos los álbumes anteriores (así como los álbumes de Faces). Después, procedan con cautela. Atlantic Crossing no se merece este tratamiento suntuoso, pero sin duda intenta que los fans aprovechen al máximo su dinero. El sonido remasterizado es potente y las notas del álbum son extensas.

Album Smiler de Rod Stewart, celebrando el legado de una leyenda musical (Mes Rod Stewart)

Album Smiler de Rod Stewart

#MesRodStewart: celebrando el legado de una leyenda musical

Lanzado en 1974, Smiler es el quinto álbum de estudio de Rod Stewart, un disco que encapsula un período de transición tanto en su carrera como en la escena del rock británico. Aunque no logró la misma recepción que sus predecesores, como Every Picture Tells a Story (1971) o Never a Dull Moment (1972), Smiler es una obra llena de matices que merece atención, especialmente durante este #MesRodStewart, donde celebramos el impacto y la versatilidad de este icono de la música.

Rod Stewart lanzó Smiler en un momento en el que su fama como solista estaba alcanzando niveles estelares, mientras seguía liderando The Faces, una banda que representaba lo mejor del rock desenfadado. Esta dualidad entre su carrera individual y su rol dentro del grupo es palpable en el álbum, que combina versiones de clásicos y composiciones originales. Sin embargo, esta mezcla también dejó en evidencia ciertas tensiones estilísticas que, según algunos críticos, impidieron que el disco alcanzara la coherencia de sus antecesores.

En este #MesRodStewart, es importante reflexionar sobre cómo este álbum marcó el cierre de un capítulo significativo en su carrera antes de adentrarse en un sonido más comercial con álbumes posteriores como Atlantic Crossing (1975).

Con 12 temas que varían entre el folk, el soul y el rock, Smiler es un álbum diverso en cuanto a estilos, aunque desigual en su ejecución.

"Sweet Little Rock 'n' Roller"

El álbum abre con este dinámico cover de Chuck Berry, un homenaje al espíritu del rock 'n' roll. Aunque Rod Stewart ofrece una interpretación cargada de energía, la versión carece del toque único que marcó otros covers de su carrera. A pesar de ello, es una declaración de intenciones que establece el tono inicial del álbum.

"Farewell"

Esta balada nostálgica es uno de los puntos altos del disco. Con tintes folk y una narrativa lírica melancólica, Rod Stewart brilla al contar una historia de despedida con su característica mezcla de vulnerabilidad y carisma. Es un tema que conecta profundamente con la sensibilidad emocional que define muchos de sus trabajos más icónicos.

"Bring It On Home to Me/You Send Me"

El medley de dos clásicos de Sam Cooke es un homenaje sentido al soul que siempre ha sido una gran influencia en la música de Rod Stewart . Este momento del álbum resalta su habilidad para reinterpretar canciones ajenas con una autenticidad que pocas veces falla. En este #MesRodStewart, este tema se destaca como un recordatorio del amor de Rod Stewart por la música negra estadounidense.

"Let Me Be Your Car"

Escrita por Elton John y Bernie Taupin, esta colaboración debería haber sido un punto culminante, pero el resultado es algo caótico. Aunque la energía está presente, la canción parece una mezcla desordenada de estilos. Aun así, es un experimento interesante que muestra la disposición de Rod Stewart para probar cosas nuevas.

"Girl from the North Country"

En este cover de Bob Dylan, Rod Stewart entrega una interpretación minimalista y respetuosa que refleja su capacidad para capturar la esencia emocional de una canción. Aunque no supera la profundidad de la versión original, añade un toque personal que la convierte en uno de los momentos destacados del álbum.

"Mine for Me"

El álbum cierra con esta composición de Paul y Linda McCartney, un tema melódico que funciona como un cierre ligero y agradable. Aunque no es una canción especialmente memorable, deja una sensación cálida que encapsula el tono general del disco.

En términos de producción, Smiler mantiene el enfoque en el folk rock y el blues rock que habían definido la etapa inicial de Rod Stewart como solista. Sin embargo, a diferencia de sus álbumes anteriores, aquí se percibe una falta de cohesión. Mientras que algunas canciones destacan por su calidad lírica y vocal, otras se sienten como experimentos que no logran integrarse plenamente en la narrativa del disco.

La participación de músicos como Ron Wood e Ian McLagan, junto con otros colaboradores de The Faces, aporta un sólido respaldo instrumental, pero también subraya la desconexión entre el Rod Stewart que miraba hacia un futuro más comercial y el Rod Stewart que aún estaba profundamente arraigado en el rock de raíces.

Smiler debutó en el número 1 en las listas del Reino Unido, pero tuvo una recepción crítica dispar. Muchos señalaron que el álbum no alcanzaba la frescura ni la chispa de trabajos anteriores, en gran parte por la dependencia de versiones y la falta de un hilo conductor claro. Aun así, con el paso de los años, el disco ha ganado una valoración más justa, especialmente entre los seguidores más acérrimos de Rod Stewart.

Este álbum, aunque no es su obra más icónica, juega un papel importante en el desarrollo de su carrera. Marca el final de una era en la que Rod Stewart navegaba entre el rock tradicional y el folk antes de embarcarse en un viaje hacia un sonido más comercial que definiría la segunda mitad de los años setenta.

En el contexto del #MesRodStewart, Smiler merece ser revisitado como un testimonio de la versatilidad de este artista y su capacidad para reinventarse constantemente.

Aunque Smiler no está a la altura de los clásicos más aclamados de Rod Stewart, es un álbum que ofrece momentos brillantes y permite apreciar diferentes aspectos de su estilo musical. Desde baladas conmovedoras como "Farewell" hasta homenajes al soul como "Bring It On Home to Me/You Send Me", este disco es un recordatorio de la amplitud del talento de Rod Stewart.

Durante este #MesRodStewart, Smiler representa una oportunidad para explorar un capítulo menos conocido de su carrera y reflexionar sobre cómo incluso los discos más irregulares pueden ser fundamentales en la evolución de una leyenda musical.

Daniel
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Never a Dull Moment - Rod Stewart (Mes Rod Stewart)

 

Never a Dull Moment, Rod Stewart

     En el mundo del rock, nunca es fácil forjarse una carrera de éxito, y muy pocas son las estrellas del rock que pueden afirmar su condición de leyendas. En las últimas décadas, pocos hombres han conseguido construir una carrera tan fructífera y sólida como la de Rod Stewart. Le hemos visto triunfar en todo lo que ha hecho, y le hemos visto crecer tanto como artista como hombre, creyendo hasta el día de hoy en la música. Su discografía es asombrosa, sus premios dan testimonio de su historia musical, su talento está fuera de toda duda y tiene en su haber algunos de los mayores éxitos de la historia de la música.

Rod Stewart ha construido una carrera a lo largo de cinco décadas y no es fácil repasar la notable vida y obra de un gigante como él.  Su verdadero hogar está en el escenario, y aunque ha sido bastante seguido fuera del mismo por la prensa de todos los colores, el ha elegido la música para hablar de sí mismo, la única ventana segura al mundo que siempre ha sido su verdadera pasión. El enorme éxito que ha alcanzado demuestra una vez más lo poderoso que es su talento. Son cincuenta años de éxitos, giras y logros. Sus canciones son conocidas, apreciadas, tarareadas y amadas por fans. Sus acciones, sus elecciones y sus éxitos dan testimonio de una voluntad incansable. Concierto tras concierto, álbum tras álbum, nuestro artista nos ha demostrado su amor y dedicación a la música, y dicha pasión por la música ha sabido combinarla con su inteligencia y su curiosidad por aprender y mejorar siempre, porque la música es como el vino: mejora con el tiempo. Y esta es la idea que pretendemos seguir al explorar la maravillosa carrera musical de Rod Stewart.

El 21 de julio de 1972 el Stewart publica su cuarto álbum en solitario, Never a Dull Moment. Dicho trabajo es grabado entre marzo y mayo de 1972 en los Morgan Studios y los Olympic Studios de Londres, bajo la producción del propio artista, y publicado bajo el sello discográfico Mercury Records. El disco consiguió ese mismo año posicionarse en el puesto número uno durante dos semanas en las listas de ventas de Reino Unido, llegando a alcanzar el puesto número dos en las listas de Estados Unidos. Como era costumbre del aritsta en aquella época, cuenta con numerosas e importates contribuciones musiales de los miembros de la banda Faces y de otros tantos músicos: Ronnie Wood (guitarra), Ronnie Lane (bajo), Micky Waller (batería), Kenney Jones (batería), Ian McLagan (piano, teclados), Neemoi "Speedy" Aquaye (congas), Pete Sears (piano y bajo), Brian (piano), Spike Heatley (bajo), Dick Powell (violín), Martin Quittenton (guitarra acústica), Gordon Huntley (guitarra) y Ray Jackson (madolina).

El álbum, que alcanzó un gran éxito en las listas de ventas, incluye una mezcla de temas orioginales y versiones, comenzando por True Blue, acreditada a Rod Stewart y Ron Wood. Cuando empezó a lanzar álbumes en solitario en 1969, Stewart también estaba en la banda Faces, cuyos miembros solían colaborar en sus canciones, y True Blue es esencialmente una canción de la época de Faces; Stewart la escribió con su compañero de banda Ronnie Wood, que también tocó la guitarra en la canción, y los otros músicos son los miembros de Faces, Ronnie Lane (bajo), Ian McLagan (piano) y Kenney Jones (batería). Stewart solía escribir asumiendo el papel del personaje, lo que explica el personaje oprimido de esta canción y la primera línea, "Nunca he sido millonario". Como curiosidad, "true blue" nunca aparece en la letra de esta primera canción de Rod Stewart. El siguiente tema es Los Paraguayos, acreditada también a Stewart y Wood. Un tema lleno de humor y energía que refleja la habilidad de Stewart para contar historias, usando como hilo conductor una mezcla de toques acústicos con matices de country-rock. Mama, You Bee on My Mind es la primera versión que aparece en el álbum. Fue escrita por Bob Dylan en 1964 durante un viaje a Europa. La canción trataba sobre la reciente ruptura de Dylan con su novia por entonces, Suzie Rotolo. Italian Girls cera la cara A. Acreditada al dúo Stewart-Wood, es un divertido tema con una mezcla de rock y folk que hace alusión a referencias culturales. 

Rod stewart & Ron Wood

Comienza la cara B con una maravillosa versión de Angel de Jimi Hendrix. La canción original fue incluida en el álbum póstumo de Hendrix "The Cry Of Love" en 1971. La canción fue escrita por Hendrix como un homenaje a su madre. Ron Wood y Hendrix habían compartido un apartamento a finales de los años 60 y ambos se encontraban en un club en el Soho la noche en que el guitarrista murió. Interludings, la breve pieza instrumental que sigue, es una composición de Art Wood, el cual era hermano de Ron Wood. You wear It Well fue escrita  entre Rod Stewart y Martin Quittenton. El tema de esta canción es Stewart escribiendo una carta a un antiguo amor, y teniendo una actitud bastante buena al respecto. Esta canción encaja perfectamente en el trabajo central de Stewart como otra balada soul folklórica. La frase "Madame Onassis no tiene nada que envidiarle a ti" hace referencia a Jacqueline Kennedy Onassis, ex primera dama y viuda del presidente John F. Kennedy. En la época de esta canción, Jacqueline, era la esposa del magnate naviero griego Aristóteles Onassis hasta su muerte en 1975, cuando ella volvió a enviudar. Jacqueline se ganó una gran reputación como mujer de gracia, encanto y estilo, lo que llevó al periódico London Evening Standard a comentar: "Jacqueline Kennedy le ha dado al pueblo estadounidense... algo de lo que siempre ha carecido: majestuosidad". El siguiente tema es otra versión, en esta ocasión de I'd Rather Go Blind, popularizada por la gran Etta James en 1967. Es una canción de blues escrita por Ellington Jordan con créditos de coautoría de Billy Foster y Etta James. Etta James se refirió muy favorablemente a la versión de Stewart en su autobiografía, "Rage to Survive ". Cierra la cara B, y por tanto el álbum, otra versión, en este caso el tema Twistin' the Night Away, escrito por Sam Cooke y lanzada por el mismo en 1962. Rod Stewart lanzó su versión como tercer sencillo del disco. Esta versión logró notable éxito, alcanzando el puesto número 59 en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos. En 1987 Stewart volvió a grabar la canción para la banda sonora de la película Innerspace, dirigida por Joe Dante.

En Never a Dull Moment destaca la química ente Rod Stewart y Ron Wood, siendo uno de los puntos fuertes de este trabajo. Este disco está considerado como un clásico y es una clara muestra más del gran talento que atesora Rod stewart.

Every Picture Tells a Story - Rod Stewart (Mes Rod Stewart)

Every Picture Tells a Story es para mí algo más que el tercer disco de estudio de Rod Stewart, publicado el 28 de mayo en 1971 en Mercury Records, y uno de los mejores discos de su carrera. Es algo más porque, cuando lo encontré en un viejo armario de casa de mis abuelos, junto con una copia del Dark Side of the Moon de Pink Floyd. Siendo solo un niño, no sabía aún gran cosa de Gilmour y Waters, y aún menos de Rod Stewart, pero sentía ya gran atracción por el formato de música en vinilo, y durante mucho tiempo guardé aquellos discos como oro en paño, junto a mis primeras adquisiciones de discos propios. Y fue por aquellos tiempos cuando cometí el gran error de mi vida de coleccionista de discos, porque en un inexplicable arrebato, un (mal) día me desprendí de Every Picture Tells a Story en una tienda de vinilos de segunda mano.

Con el tiempo, y lamentando aquella absurda decisión, me hice con otra copia en otra tienda de discos, pero como le pasaba a Eric Spitznagel en su libro "En busca de los discos perdidos", en el que se embarcaba en la difícil búsqueda de los discos de su juventud (no otra copia, sino exactamente los que tuvo y en algún momento perdió o vendió) siempre me quedó la sensación de que no era lo mismo. En mi caso, soy consciente de que sería imposible recuperar exactamente el mismo disco, y me consuelo escuchando a su sustituto, y la verdad es que, lógicamente, las canciones suenan igual de bien en mi tocadiscos. Al fin y al cabo, siguen siendo las mismas, y con la misma exitosa mezcla de rock, country, folk y blues que Stewart aplicó al que probablemente sea su mejor obra.

El disco comienza con la canción que le da título, la animada y acústica "Every Picture Tells a Story", con la participación vocal de Maggie Bell, y compuesta a la par por Rod Stewart y Ron Wood, su gran amigo y excompañero en The Faces, que toca la guitarra en varios temas del álbum. De hecho, todos los miembros de The Faces aparecen colaborando en algún momento del disco. Tras este primer momento álgido, es momento para la calma en la melancólica "Seems Like a Long Time", compuesta por Theodore Anderson, en la que la voz de Stewart está acompañada en esta ocasión por Madeline Bell en el estribillo.

Llega después el turno para un par de versiones de clásicos del rock y el blues, empezando por el country blues de "That's All Right / Amazing Grace", una versión del viejo tema de Arthur Crudup, y una canción tradicional estadounidense que fue el primer single publicado por Elvis Presley, y terminando por una revisión del "Tomorrow Is a Long Time", un tema descartado por Bob Dylan para su disco The Freewheelin' Bob Dylan (1963), con el que concluye la cara A de Every Picture Tells a Story.

La cara B comienza con "Henry" que no aparecía en los créditos de algunas de las primeras ediciones del disco, y la verdad no recuerdo si aparecía en aquella copia del armario de mis abuelos,  pero sí que está en el vinilo que me compré después. Este breve pasaje instrumental se omitió también en algunas ediciones en CD, o se incluyó como intro en la misma pista que "Maggie May", el auténtico hit del disco.

"Maggie May" es un tema mítico de la discografía de Rod Stewart, por más que este la considerara inicialmente una canción menor y la publicara como cara B de "(Find a) Reason to Believe", una gran versión de un tema de Tim Hardin de 1966, y el sencillo de lanzamiento de Every Picture Tells a Story. No contaba Stewart con que el público hiciera de "Maggie May" la canción que triunfara de aquel single, llevándola al nº1 de las listas de ventas de Reino Unido y Estados Unidos, donde fue pinchada en las radios en lugar de la canción principal del single, que dicho sea de paso, es también muy buena. Como lo es "Mandolin Wind", con un estilo tradicional similar al de "Maggie May", con la que conforma un tándem poderoso y uno de los mejores arranques de cara B que se pueden escuchar en un disco.

Every Picture Tells a Story cierra con una impactante versión en clave de blues rock eléctrico y abrasivo del "(I Know) I'm Losing You" de The Temptations, que fue también publicada como single, y la ya mencionada "(Find a) Reason to Believe", que iban a ser las dos canciones estrella del álbum, y a las que "Maggie May" y "Mandolin Wind" adelantaron sorprendentemente por la derecha, para ser las canciones que, con los años, más se recuerdan de un disco que fue nº1 en el Reino Unido durante seis semanas, y durante cuatro en Estados Unidos.

Como dice el título del disco, "cada foto tiene una historia", y la imagen que yo tengo en el recuerdo de Every Picture Tells a Story es la del momento de descubrirlo en aquel armario de mi infancia. Pero esa historia ya os la he contado, así que cierro aquí esta reseña y me voy a escucharlo tranquilamente mientras sigue avanzando el #MesRodStewart y llegan nuevas historias sobre discos de Rod Stewart en 7dias7notas.net

Gasoline Alley - Rod Stewart (Mes Rod Stewart)

 

Gasoline Alley, Rod Stewart

     Rod Stewart ha sido una de las figuras más importantes e influyentes de la música desde finales de los años 60. Durante este tiempo, ha formado parte de varios grupos y proyectos importantes, como The Jeff Beck Group y The Faces. Fundamentalmente, la música de Rod se ha desarrollado a partir de una sólida base de rhythm and blues estadounidense. En el álbum de 1970 Gasoline Alley, Rod y su banda cruzaron parcialmente el puente del rhythm and blues a la música folclórica estadounidense de calidad tradicional mediante una combinación de versiones de canciones folclóricas tradicionales y canciones originales excepcionales.

Rod Stewart comenzaba sus andanzas en la música a mediados de los años 60 como miembro de un par de modestas bandas londinenses, Steampacket y Shotgun Express, antes de unirse al proyecto de Jeff Beck junto a éste y a Ron Wood en el llamado Jeff Beck Group. En 1969 daba por finalizada dicha colaboración y se unía al grupo The Faces, anteriormente llamado Small Faces. Dicha banda quedaría integrada por el propio Rod junto a Ronnie Lane, Ian McLagan, Ron Wood y Kenney Jones. A principios de la década de los 70, The Faces ya eran una de las bandas más populares de Gran Bretaña, y Rod stewart, lejos de conformarse y limitarse, seguiría paralelamente su carrera en solitario.

El 12 de junio de 1970 Rod Stewart lanza su segundo álbum de estudio en solitario, Gasoline Alley. El disco es grabado en los Morgan Studios de Londres bajo la producción del propio Rod Stewart y de Lou Reizner, y publicado por el sello disográfico Vertigo Records en Reino Unido y por Mercury Records en Estados Unidos. El disco es una colección de covers combinados con composiciones propias de Rod, contó con importantes colaboraciones musicales de los otros miembos de su banda The Faces, y al igual que su disco debut, incluyó diverso géneros musicales, tales como rock and roll, rhythm and blues, folk rock o el llamado white soul. El disco llegó a alcanzar el puesto 27 en la lista estadounidense Billboard 200, siendo además su primer álbum en entrar en la lista Uk Albums Chart, llegando a ocupar el puesto 62. El disco utilizó la misma fórmula que su primer álbum, el cual no tuvo el éxito esperado. Sin embargo este segundo disco sería mejor recibido tanto en ventas como por la crítica, demostrando que la fórmula de mezclar canciones originales con versiones funcionaba. 

Y uno de los mejores ejemplos es la canción que da título al disco, Gasoline Alley, escrita y compuesta por Rod Stewart y Ron Wood, donde las percusiones suenan con fuerza, las guitarras acústicas suenan con contundencia, y Rod Stewart da ese plus de sentimiento y calidad vocal para evitar que las canción suene como una mera canción acústica más. En este tema, Rod muestra nostaliga por sus años de adolescencia a principios de los años 60, cuando creció en Londres y sus alrededores. le sigue una versión de It's All Over Now, canción escrita por Bobby Womack y su cuñada Shirley Womack. La canción fue lanzada por primera vez por el grupo del que formaba parte Bobby Womack, The Valentinos, en 1964, y popularizda por Los Rolling Stones ese mismo año, ya que al escuhcar su lanzamieno decidieron grabar su propia versión rápidamene. Only a Hobo es otra versión, en este caso de una canción Bob Dylan, una íntima, conmovedora y sensible canción que nos relata la vida de un hombres sin hogar. My Way of Giving cierra la cara A. Stewart, que en ese momento era miembro de Faces, había criticado la grabación original de Small Faces (Nombre anterior de la banda). La había llegado a llamar "monstruosa" en una entrevista. Esto probablemente se debió al hecho de que Steve Marriott había dejado recientemente Small Faces y había sido reemplazado por Stewart y Ronnie Wood. En comparación con la versión de Small Faces (que es relativamente corta, con apenas dos minutos de duración), la interpretación de Stewart de la canción es una balada larga y prolongada en la que Ian McLagan toca en gran medida su característico órgano Hammond. Cuenta con miembros de Faces, que proporcionan instrumentales de acompañamiento, junto con Lane, que también proporciona coros a la canción. 

Abre la cara B Country Comfort, una versión de la canción escrita por Elton John y Bernie Taupin, y que fue incluída en el álbum de Elton "Tumbleweed Connection". Stewart le da un toque muy comfortable y cálido al tema. Cut Across Shorty es otra versión. En este caso fue escrita por Marijohn Wilkin y Wayne P. Walker, y originalmente lanzada y popularizada por el gran Eddie Cochran . Fue el lado B de su éxito número uno en el Reino Unido "Three Steps To Heaven" y la última canción que grabó. Ronnie Wood tocó varios instrumentos en la grabación de Stewart. Lady Day es una introspectiva y vulnerable balada escrita por Stewart, y muestra su lado más sensible y emocional. La canción da paso a otra composición del artista, Jo's Lament,, otra triste composición donde el cantante nos habla sobre la pérdida de un amor. Atentos a la magistral y desgarradora de Rod stewart en esta canción. Cierra la cara B, y por tanto este álbum, You're My Girl (I Don't Want to Discuss It), una versión de un tema soul donde Stewart le da un enfoque muy rockero, mostrando además la habilidad del cantante para fusionar géneros.

Gasoline Alley es un trabajo que refleja las raíces musicales de Rod Stewart, con una mezcla de covers bien seleccionados y composiciones propias que capturan su esencia. El álbum fue muy bien recibido por la crítica y cimentó su reputación como uno de los grandes vocalistas de la época. Un gran álbum que muestra a un joven Rod Stewart en su mejor momento, en un punto donde su talento crudo y su personalidad carismática comenzaban a brillar. 

Rod Stewart: An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down (Mes Rod Stewart)

Rod Stewart: El Artista del Mes y su álbum An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down. #MesRodSteward

Este mes nos dedicaremos a la carrera de Rod Stewart, una de las voces más icónicas y versátiles de la música. Con más de cinco décadas de trayectoria, Rod Stewart ha conquistado géneros como el rock, el folk, el pop y el soul, dejando una marca indeleble en la historia musical. A lo largo de noviembre, exploraremos sus álbumes, éxitos y legado, comenzando por el disco que lo inició todo: An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down.

En este primer paso de su carrera solista, Rod Stewart demostró ser mucho más que una voz única; reveló su talento como intérprete, narrador y renovador de géneros. Este álbum no solo marcó el inicio de una carrera histórica, sino que también destacó su capacidad para reinventar canciones y fusionar estilos, elementos que se convertirían en el sello distintivo de su música.

Lanzado en 1969, An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down presentó al mundo a un joven británico que ya había trabajado junto a Jeff Beck y The Faces, pero que buscaba establecerse como solista. El álbum capturó su esencia más pura, mezclando folk, blues, rock e incluso soul, creando una experiencia que rompió con los moldes del rock de finales de los sesenta.

La producción, a cargo del propio Rod Stewart junto a Lou Reizner, tiene un tono crudo e íntimo que lo distingue de otros discos de la época. Acompañado por músicos de renombre como Ron Wood y Martin Quittenton, el álbum tiene una atmósfera que recuerda a una sesión en vivo, con interacciones naturales entre los músicos. Este enfoque orgánico y desenfadado dotó al disco de una autenticidad que sigue resonando décadas después.

El álbum abre con “Street Fighting Man”, una reinterpretación del clásico de The Rolling Stones. Desde el primer momento, Rod Stewart demuestra su capacidad para tomar canciones icónicas y hacerlas suyas, transformando esta pieza en una versión más folk, menos agresiva pero igual de apasionada.

Le sigue “Man of Constant Sorrow”, un tradicional americano que Rod Stewart adapta con su distintiva voz y un acompañamiento minimalista. Esta canción destaca su respeto por las raíces del folk, un género que influyó profundamente en sus primeros años como artista solista.

Las composiciones originales como “Cindy’s Lament” y “Jo’s Lament” revelan el talento narrativo de Rod Stewart. Ambas canciones exploran temas de nostalgia y pérdida con una sensibilidad que encaja perfectamente con la textura rasposa de su voz. En contraste, “Handbags and Gladrags”, escrita por Mike d’Abo, brilla por su lirismo y un arreglo de viento que añade profundidad y sofisticación al disco.

La pieza que da título al álbum, “An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down”, encapsula el espíritu del proyecto. Aunque breve, la canción utiliza la metáfora del impermeable como símbolo de resiliencia y protección emocional, una imagen que conecta con el carácter humilde y auténtico que define tanto al disco como al propio Rod Stewart.

A pesar de que An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down no fue un éxito comercial inmediato, su importancia radica en cómo estableció las bases de la carrera de Rod Stewart. Su habilidad para combinar géneros, reinterpretar clásicos y contar historias a través de sus letras destacó en una época dominada por producciones grandilocuentes y virtuosismo técnico.

Con el tiempo, este álbum ha sido revalorizado tanto por críticos como por fanáticos. Canciones como “Handbags and Gladrags” y “Man of Constant Sorrow” se han convertido en favoritas, mientras que la diversidad estilística del disco prefiguraba el enfoque ecléctico que caracterizaría su carrera posterior.

En el contexto de finales de los años sesenta, el álbum también contribuyó al movimiento del roots rock, que buscaba regresar a las raíces más auténticas del rock y el folk. La sensibilidad de Rod Stewart para combinar lo tradicional con lo contemporáneo lo convirtió en un pionero dentro de esta corriente, y este debut fue el primer paso en ese camino.

Hablar de An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down es hablar de un joven Rod Stewart que buscaba su lugar en el mundo musical. Este álbum no solo marcó el inicio de una carrera legendaria, sino que también es un recordatorio de que los comienzos humildes muchas veces contienen la esencia más pura de un artista.

La calidez y la sinceridad de este disco hacen que sea tan relevante hoy como lo fue en 1969. Si estás explorando la discografía de Rod Stewart por primera vez o redescubriéndola, este álbum es un excelente punto de partida. Más allá de su contexto histórico, sus canciones transmiten una atemporalidad que demuestra por qué Rod Stewart es, y siempre será, un ícono de la música.

A medida que avancemos este mes explorando su legado, recordemos que todo comenzó aquí, con un viejo impermeable que nunca nos dejará solos.

Daniel
Instagram storyboy

1415.- Tonight's the Night - Rod Stewart

 

"Tonight's the Night (Gonna Be Alright)", incluida en el disco "A Night on the Town" (1976),  es una de las canciones más famosas de Rod Stewart, y un tema que no estuvo exento de cierta polémica por su contenido sexual, especialmente en la frase: "Vamos, ángel, mi corazón está en llamas, no niegues el deseo de tu hombre, serías muy tonta si detuvieras esta marea, despliega tus alas y déjame entrar", censurada por algunas emisoras de radio. La canción fue prohibida por la BBC e incluso generó una protesta pública del célebre reverendo Jesse Jackson por su letra y los más que sugerentes susurros femeninos, a cargo de Britt Ekland, novia de Stewart en ese momento, que también aportó una parte vocal recitada en francés.

Rod Stewart se inspiró para la composición en el éxito del grupo America "Today's the Day". Al escucharla un día que Dan Peek (America) y Rod Stewart estaban tocando juntos en el estudio, Peek tocó la canción que había compuesto y Stewart comentó que le acababa de dar una idea para una canción nueva. Stewart se basó en esa idea y cambió el día por la noche, un momento mucho más interesante para ciertas cosas.

"Tonight's the Night" se convirtió en un gran éxito comercial en la carrera de Rod Stewart, pues con ella alcanzó por segunda vez el top del Billboard Hot 100 estadounidense, manteniéndose en lo más alto durante ocho semanas consecutivas, un récord personal que no volvió a repetir con ninguna otra de sus canciones. La canción fue también nº 1 en Canadá, y llegó al tercer puesto en Australia y a la quinta posición en las litas del Reino Unido. No sabemos si finalmente aquella noche fue "su noche", pero definitivamente "Tonight's the Night" si que fue "su canción" con mayúsculas, un éxito tan polémico como impresionante.

1414.- The First Cut is the Deepest - Rod Stewart

 

"The First Cut Is the Deepest" ("El primer corte es el más profundo") es una canción original de Cat Stevens, que la escribió y grabó en 1967, aunque su versión no saldría publicada hasta el mes de diciembre de ese año en el disco "New Masters" (1967), mientras que una versión grabada por P. P. Arnold salió a la venta en abril de 1967. No sería esa la única versión grabada de este popular tema, que fue un gran éxito de ventas en la voz de hasta seis artistas diferentes (Arnold y Stevens en 1967, Keith Hampshire en 1973, Rod Stewart en 1976, Papa Dee en 1995 y Sheryl Crow en 2003).

La versión de Rod Stewart de "The First Cut Is the Deepest" se grabó en los estudios Muscle Shoals Sound de Sheffield, Alabama (Estados Unidos), y fue publicada como single promocional del disco "A Night on the Town" (1976). La canción fue un éxito inmediato, manteniéndose en el puesto nº 1 del UK Singles Chart durante cuatro semanas, y alcanzando el puesto nº 21 del Billboard Hot 100 estadounidense.

La letra de "The First Cut Is the Deepest" describe las dudas del protagonista sobre si será capaz de volver a enamorarse, después de haber perdido su primer amor, teniendo en cuenta que "El primer corte es el más profundo", refiriéndose metafóricamente a la herida que la primera decepción amorosa deja para siempre en el corazón. Rod Stewart respetó la mayor parte de la letra, pero eliminó la frase final del estribillo del original de Cat Stevens ("Pero cuando se trata de ser amada, ella es la primera").

1363.- I don't wanna talk about it - Rod Stewart

"I Don't Want to Talk About It" es originalmente una canción escrita por el guitarrista Danny Whitten, y vio por primera vez la luz en una grabación de la banda estadounidense Crazy Horse, que la incluyó en el disco "Cray Horse" (1971), pero fue la versión posterior de Rod Stewart para su disco "Atlantic Crossing" (1975) la que colocó esta bella balada melódica sobre el dolor de una ruptura sentimental, desde la perspectiva de la persona a la que han dejado ("No quiero hablar de ello, de como me rompiste el corazón"), en lo más alto de las listas de ventas a nivel internacional.

La canción se publicó también como single en 1977, con "The First Cut Is the Deepest" como doble cara A en la edición británica y con "The Best Days of My Life" como cara B en la versión del sencillo publicada en Estados Unidos. La versión británica se lanzó a bajo precio para lograr que la políticamente incorrecta "God Save the Queen" de The Sex Pistols llegará a lo más alto de las listas británicas.

En 1979 se publicó como sencillo en Estados Unidos, para promocionar el álbum recopilatorio "Greatest Hits", llegando al puesto 46 del Billboard Hot 100 estadounidense. Diez años después, Rod Stewart grabó de nuevo "I Don't Want to Talk About It" para una nueva compilación de éxitos publicada en 1990 ("Storyteller - The Complete Anthology: 1964-1990"), apareciendo también es mismo año en "Downtown Train - Selections from Storyteller", y llegando al segundo puesto del Billboard Adult Contemporary.

1361.- Sailing - Rod Stewart

 

Sailing, Rod Stewart

     A mediados de los años 70, Rod Stewart alcanzó la cima de su éxito comercial y su atractivo musical popular. Los álbumes "Atlantic Crossing" y "A Night on the Town" consolidaron a Stewart como un consumado baladista de rock que llenaba estadios. Sailing es probablemente su himno más conocido de esta época. Ayudó también el hecho de que fuera usada como himno principal de una serie de televisión llamada Sailor, una importante serie documental de televisión de la BBC , emitida por primera vez en 1976, sobre la vida a bordo del portaviones británico HMS Ark Royal. La serie siguió al barco en un despliegue de cinco meses y medio por América del Norte en 1976. Sailing se convirtió en un éxito internacional en 1975. Está basada en una canción tradicional que celebra la asociación tradicional de los pescadores a vela con el mar.

La canción fue escrita originalmente por Gavin Sutherland, del grupo sutherland Brothers, en 1972. Fue grabada por Rod Stewart para su primer álbum grabado en Norteamérica en lugar de Gran Bretaña: Atlantic Crossing , que fue grabado entre abril y junio de 1975 en los Muscle Shoals Sound Studios, con la producción de Tom Dowd . El hecho de grabar en Estados Unidos de debió a la alta tasa de impuestos que había en Reino Unido, lo que animó al cantante a mudarse a Estados Unidos. Fue precisamente el primer sencillo del disco, y se conviritó en un éxito internacional, especialmente en el Reino Unido, donde fue número 1 durante cuatro semanas en septiembre de 1975. Regresó a la lista británica en 1976 y, con menos éxito, en 1987. Esa memorable canción sigue siendo el mayor éxito de Stewart en el Reino Unido. En el aspecto musical, comienza con una acumulación lenta y constante de cuerdas y trompetas orquestales, su fraseo es corto y descordinado, puntuado por respiraciones profundas. Parece como si Stewart estuviera luchando una batalla contra el proceso de canto, siempre aparentemente recuperando el aliento. El estilo musical de la canción es a gran escala, romántico en estadios, y se basa en grandes crescendos de poder para calar en el público, algo que consigue con creces.