1961.- Beautiful Boy (Darling Boy) - John Lennon

"Beautiful Boy (Darling Boy)" fue incluida en el álbum "Double Fantasy" (1980) de John Lennon, el último que publicaría en vida. Escrita para su hijo Sean, fruto de su matrimonio con Yoko Ono, es una bella descripción del amor que siente por él y de la alegría que su llegada al mundo había traído a su vida, y esa satisfacción se aprecia especialmente en el tono suave y agradable que tiene la canción.

La canción comienza con Lennon consolando a su hijo tras lo que parece ser una pesadilla. Luego se convierte en una suave meditación sobre la paternidad, el afecto y la satisfacción de ver crecer a un hijo. Paul McCartney declaró que "Beautiful Boy (Darling Boy)" era una de sus canciones favoritas de entre todas las que Lennon había compuesto en solitario, y es además el tema de John Lennon que contiene en su letra la famosa cita "La vida es lo que te pasa mientras estás ocupado haciendo otros planes", una frase atribuida a Allen Saunders en un número de 1957 del Reader's Digest. 

"Beautiful Boy (Darling Boy)" fue lanzada en single como cara B del tema "Watching the Wheels" en marzo de 1981. Más tarde se utilizó de nuevo como cara B de la canción "Happy Xmas (War Is Over)" que sirvió de apoyo promocional al disco recopilatorio "The John Lennon Collection" en noviembre de 1982.

1958.- (Just like) Starting Over - John Lennon

 

"(Just Like) Starting Over" ("Como si empezáramos de nuevo") fue el primer sencillo del disco "Double Fantasy" (1980) de John Lennon. Fue publicada como single el 9 de octubre de 1980, con la canción "Kiss Kiss Kiss" en la cara B, el día en que Lennon cumplía cuarenta años, y llegó inicialmente hasta el sexto puesto de las listas de ventas de Estados Unidos y el octavo en el Reino Unido, pero se disparó al número uno en ambos países apenas dos meses después, tras la muerte de Lennon el 8 de diciembre de 1980.

Aunque Lennon había escrito una versión básica de "(Just Like) Starting Over" hacía tiempo, fue una de las últimas canciones que grabó en el estudio para el álbum "Double Fantasy". Lennon la perfeccionó durante unas vacaciones en Bermuda, y la presentó a los músicos en el último día de ensayos previos a entrar al estudio de grabación, que se llevó a cabo en los estudios The Power Station en Nueva York, inicialmente con el título de "Starting Over". Lennon añadió en el último momento la coletilla previa de "(Just Like)" al verlo en una canción country que tenía un título similar.

El single de esta nueva canción era realmente "como empezar de nuevo", ya que supuso el primer trabajo con nuevo material de John Lennon desde 1975, tras un retiro voluntario del mundillo musical para dedicarse al cuidado de su nuevo hijo, Sean Lennon. Durante las sesiones de grabación, los allegados a Lennon se referían a ella como "la canción de Elvis y Orbison" por el estilo y modo de cantar del músico británico, que parecía emular a esos dos grandes del rock and roll clásico, en un registro que no había explotado en los álbumes anteriores, y que hizo de "(Just Like) Starting Over" una curiosa rareza de su discografía, a la altura de sus mejores composiciones.

1954 - Woman - John Lennon

Woman - John Lennon

“Woman” de John Lennon es una de esas canciones que, con aparente sencillez, logra transmitir una carga emocional profunda y duradera. Publicada en el álbum Double Fantasy, esta pieza se siente como una declaración íntima, casi un susurro convertido en canción, donde John Lennon se dirige directamente al universo femenino, pero especialmente a Yoko Ono, su compañera y musa.

Desde el primer instante, “Woman” se despliega con una delicadeza poco habitual incluso dentro del repertorio más introspectivo de John Lennon. La introducción, con ese aire casi etéreo, prepara el terreno para una melodía suave que fluye sin sobresaltos. No hay urgencia ni tensión: todo en la canción parece estar cuidadosamente medido para sostener una atmósfera de calma, reflexión y agradecimiento.

La interpretación vocal de John Lennon es uno de los pilares fundamentales del tema. Aquí no encontramos al artista combativo o irónico de otras etapas, sino a un John Lennon vulnerable, consciente de sus errores y dispuesto a reconocerlos. Su voz suena cercana, casi doméstica, como si estuviera cantando en la intimidad de una habitación. Esa cercanía es clave para entender el impacto de la canción: no se trata de un mensaje grandilocuente, sino de una confesión honesta.

La letra funciona como una especie de carta abierta. John Lennon no solo celebra a la mujer como figura abstracta, sino que también reconoce las tensiones, los conflictos y las deudas emocionales que pueden surgir en una relación. Hay una mezcla de admiración y arrepentimiento que le da profundidad al texto. No idealiza sin más: reflexiona, agradece y, en cierto modo, pide perdón.

Musicalmente, “Woman” se apoya en arreglos sutiles que nunca eclipsan la voz. Las guitarras, los teclados y los coros aparecen en el momento justo, construyendo un paisaje sonoro cálido y envolvente. Todo está al servicio de la emoción central de la canción. Es un ejemplo claro de cómo menos puede ser más cuando cada elemento está bien colocado.

También es imposible separar “Woman” del contexto en el que fue lanzada. Formando parte de Double Fantasy, un álbum que marcaba el regreso de John Lennon a la música tras años de retiro, la canción adquiere un significado adicional. Se siente como el reflejo de una etapa más madura, donde las prioridades han cambiado y la vida personal ocupa un lugar central.

Con el tiempo, “Woman” se ha consolidado como una de las baladas más representativas de John Lennon. No por su complejidad, sino por su honestidad. Es una canción que no busca impresionar, sino conectar. Y lo logra precisamente porque habla desde un lugar genuino.

“Woman” es un testimonio de amor, pero también de aprendizaje. Una pieza que muestra a un artista en paz con sus emociones, dispuesto a mirar hacia adentro y a reconocer la importancia de quienes lo acompañan. En su aparente simpleza, esconde una profundidad que sigue resonando con cada escucha.

Daniel 

Instagram storyboy 

1866.- Coming Up - Paul McCartney

 

"Coming Up" es la canción de apertura del álbum de estudio "McCartney II" (1980) de Paul McCartney. Fue además el primer single promocional que se extrajo del disco, y como la mayor parte de las canciones del disco, destaca por su sonido sintetizado, la distorsión electrónica de la voz y unos alegres arreglos y guitarras de acompañamiento, marcando una clara ruptura con el enfoque acústico y minimalista de "McCartney" (1970), el disco con el que debutó en solitario tras la ruptura con The Beatles.

Más recientemente, Paul McCartney cerró la trilogía con "McCartney III" (2020), y como ya sucedió en los dos discos anteriores, Macca interpretó la práctica totalidad de los instrumentos. Eso es lo que diferencia a estos tres discos tan dispares del resto de las publicaciones de McCartney o de su banda Wings. Sin ningún tipo de acompañamiento ni influencia externa, en los surcos de temas como Coming Up se filtra y se respira la frescura de la experimentación y del "todo vale si es lo que quiero hacer".

Coming Up fue todo un éxito de ventas cuando fue lanzada como sencillo, pero sorprendentemente no fue gracias a la canción extraída del disco y publicada como cara A, sino por la versión en directo grabada en una actuación en Glasgow un año antes con Wings, que Paul McCartney incluyó en el single como cara B, y que llegó al primer puesto de las listas de ventas en Canadá y Estados Unidos, y al segundo puesto de las listas de singles del Reino Unido.

En 1980 la relación entre Paul McCartney y John Lennon volvía a ser cordial y amistosa, y Lennon alabó abiertamente Coming Up, declarando además que prefería la versión de estudio con McCartney en solitario a la versión en directo junto a Wings: "Pienso que Coming Up es genial y me gusta la versión friki de estudio más que la versión en directo, es lo que le hubiera dicho si hubiera estado con él en el proceso de grabación: ¡Esta es la buena!. Pienso que la discográfica estaba nerviosa y le propuso ese cambio, querían escuchar al hombre real cantando, pero a mí me gusta la versión friki".

1322.- Young Americans - David Bowie

En una de las muchas mutaciones artísticas que le hicieron ganarse el apodo de "El Camaleón", en su noveno álbum de estudio "Young Americans" (1975) David Bowie se alejó radicalmente del sonido de glam rock de sus celebrados discos anteriores, para abrazar lo que la crítica llamó "música soul de ojos azules" y lo que el mismo definió como "soul de plástico".

El disco entero se había grabado en varias sesiones en los estudios Sigma Sound de Philadelphia, pero la canción titular ya incluía una curiosa y premonitoria referencia a The Beatles en una frase en la que el coro de aires góspel canta "I read the news today oh boy", del tema de John Lennon "A day in the life", meses antes de que Bowie coincidiera con Lennon durante unas sesiones en los estudios Record Plant de Nueva York y terminaran grabando juntos "Across the Universe" y "Fame" en los Electric Lady Studios de la urbe neoyorquina, y estas acabaran reemplazando a algunas de las canciones que inicialmente iban a formar parte de disco.

"Young Americans" es el ejemplo más representativo del cambio estilístico con el que Bowie volvió a sorprender al mundo, cantando sobre una pareja estadounidense de recién casados que no tienen claro si realmente se quieren. Atrás quedaban los personajes sombríos de antaño, para contar ahora la confusión y las dudas de la adolescencia en los Estados Unidos de la época de la dimisión de Nixon, acontecida apenas unas semanas antes del comienzo de la grabación de un disco que no cosechó grandes críticas, pero que contiene joyas del calibre del exitoso single "Fame" o de este excelso "Young Americans" con el que dejó a todo el mundo sorprendido y boquiabierto.

1265.- Stand by me - John Lennon

La versión original de "Stand by Me" data de 1962 y fue compuesta por Ben E. King junto a la pareja de compositores Jerry Leiber y Mike Stoller, basándose en la adaptación de un tema góspel. En principio, Ben E. King no tenía intención de grabarla e incorporarla a su repertorio, y pretendía dársela al grupo The Drifters, pero el manager de éstos la rechazó, y Ben E. King acabó grabándola e incluyéndola en su tercer álbum en solitario, "Don't Play That Song!" (1962).

Posteriormente, "Stand by Me" fue interpretada en muchas otras versiones, como la de Adriano Celentano ("Rezaré", 1963) o la que hizo Otis Redding en 1964 para su álbum "Pain in My Heart", pero la más interesante es sin duda la que John Lennon grabó en 1974 y que incluyó posteriormente en su sexto álbum de estudio, el disco de versiones "Rock 'n' Roll" (1975). Esta intensa versión del tema de Ben E. King fue, además, el único single que Lennon publicó de aquel disco, cosechando un éxito menor en el Reino pero logrando llegar al top 20 de las listas de Estados Unidos, en lo que a la postre sería el último gran hit de Lennon antes de su retirada temporal de la música durante cinco largos años.

Varias fueron las versiones que John Lennon grabó de "Stand by Me" en aquella época, empezando por una fallida jam session en la que estuvieron presentes Paul McCartney, Stevie Wonder, Jesse Ed Davis, Bobby Keys, y Harry Nilsson. Mucho más redonda salió la versión interpretada después junto a los músicos que habían grabado el disco "Walls And Bridges" (1974), y esta grabación fue la base para la canción que puede escucharse en "Rock 'n' Roll". Por último, para el single realizaron una nueva remezcla y se añadieron overdubs de arreglos de cuerda, en la que sería la versión que más ha trascendido y que bien merecía un puesto en esta revisión de las mejores canciones de la historia.

1264.- Slippin' and Slidin' - John Lennon

Rock N Roll fue el sexto trabajo en solitario de John Lennon, grabado antes de Walls And Bridges pero lanzado después, encontramos al autor regresando a sus primeras raíces e influencias con un álbum completo de covers de la era prehistórica del rock and roll. La fotografía icónica de la portada del álbum, una toma de principios de los años sesenta de John Lennon merodeando en una puerta de Hamburgo, es probablemente más destacada que cualquier material grabado que se encuentre en el álbum en sí, pero eso no quiere decir que el Rock N Roll no sea un desastre sino que no pasa de una colección decente de canciones y dado que fue esencialmente una especie de liberación de obligación contractual para Lennon, semicomatoso y pronto semi-retirado, algo de eso es sorprendentemente bueno. El álbum fue grabado y coproducido por Phil Spector durante la segunda mitad de 1973, pero debido a una serie de importantes disputas legales y algún misterio inicial sobre el paradero de las cintas maestras (!), en realidad no se lanzó hasta principios de 1975: posteriormente llegó al top 10 en las listas de álbumes del Reino Unido y Estados Unidos. Por supuesto, Lennon estaba soportando su infame período de "fin de semana perdido" y estaba separado de Yoko Ono. No debería sorprendernos que su lanzamiento se haya retrasado tanto. Según todos los informes, las sesiones de grabación de Rock N Roll fueron un proceso bastante libertino e infundido de alcohol, y la supuesta mala atmósfera en el estudio se atribuyó más que en parte a la propia agresión de Lennon y su prevaleciente sensación de angustia (todo lo que necesitabas era amor, John). Al decir esto, la presencia de Spector sin duda añadió más leña a las llamas si las revelaciones sobre los propios hábitos de trabajo de Spector tienen algún elemento de verdad. Seamos honestos: Lennon y Spector presentan una combinación bastante explosiva. De hecho, después de completar el álbum Walls And Bridges, igualmente ordinario, en 1974, Lennon volvería a las cintas maestras de Rock N Roll (eventualmente aseguradas por Spector) para retocar las voces menos que impresionantes (léase: borracho), arreglar algunas de las voces más evidentes fallos técnicos y, según los informes, Lennon incluso llegó a grabar nueve temas nuevos.

La mejor pieza del álbum y la que ha quedado para la historia es Stand by me, pero me gustaría detenerme también en Slippin' and Slidin', la canción fue escrita por Little Richard, Edwin Bocage (Eddie Bo), Albert Collins y James Smith. Fue grabado por primera vez por Eddie Bo en 1956 con el título "I'm Wise", pero se le cambió el nombre cuando Little Richard grabó su versión ese mismo año. Lennon siempre ha tenido un gran aprecio a la canción, hizo unas declaraciones en este sentido: “La primera vez que escuché esta canción de Little RIchard, un amigo la importó de Holanda. Salió primero en Europa. Slippin' And Slidin' fue la cara B de Long Tall Sally, que es la primera canción de Little Richard que escuché y también fue grabada por Buddy Holly, por lo que cubre un poco de ambas. Era una canción que conocía. Era más fácil hacer canciones que conocía que intentar aprender algo desde cero, incluso si estaba interesado en las canciones.”

1218.- Whatever gets you thru the night - John Lennon

"Whatever Gets You Thru the Night" ("Cualquier cosa que te lleve a través de la noche") fue el single de lanzamiento del disco "Walls and Bridges" de John Lennon, publicado en 1974 por Apple Records. Lennon tomó el título de una frase que escuchó a un reverendo evangelista en uno de los programas de televisión nocturnos de los que le gustaba sacar frases sueltas que apuntaba en un pequeño cuaderno para usarlas en sus canciones. Para la música, se inspiró en el ritmo de la canción "Rock Your Baby" de George McCrae, un número 1 del momento que a Lennon le encantaba, aunque el parecido final fue muy pequeño, y solo se hace evidente el rastro de la influencia de McCrae en una versión alternativa que fue incluida en la caja recopilatoria "John Lennon Anthology" (1998).

"Whatever Gets You Thru the Night" fue un éxito instantáneo que llegó al primer puesto de las listas de ventas estadounidenses (su único nº1 en solitario en USA en toda su carrera) en sus tres charts principales: Billboard Hot 100, Cashbox y Record World, y al número 36 en el Reino Unido. Fue un éxito que pilló desprevenido a un Lennon que nunca confió demasiado en la capacidad de "Whatever Gets You Thru the Night" como potencial single, a pesar de su intenso y animado ritmo y de contar con la colaboración de Elton John al piano y a los coros.

Por el contrario, Elton John estaba tan seguro del éxito de aquel tema, que apostó con Lennon que si llegaba al nº 1 tendría que aparecer en escena en una de sus actuaciones para tocarla juntos, y éste no tuvo más remedio que cumplir su promesa. Quizá no tuviera mayor importancia, y solo fuera cualquier cosa con la que lograr atravesar la noche, pero lo cierto es que Lennon salió a escena en la actuación de "Acción de Gracias" de Elton John en el Madison Square Garden de Nueva York, el 28 de Noviembre de 1974, e interpretó "Whatever Gets You Thru the Night" con su buen amigo Elton John y su banda.

1216.- Number 9 Dream - John Lennon

 

Number 9 Dream, John Lennon

     El 26 de septiembre de 1974 John Lennon publica Walls and Bridges, su quinto álbum de estudio en solitario. Fue escrito, grabado y lanzado durante su separación de 18 meses de Yoko Ono y mientras mantenía una relación sentimental con su asistente personal May Pang. Este periodo de 18 meses es lo que Lennon definió y llamó como su "Fin de semana perdido". Fue grabado ente junio y agosto de 1974 en los Record Plant Studios de Nueva York, bajo la producción del mismo Lennon, y publicado por el sello discográfico Apple Records. El disco consiguió el puesto número uno en las listas estadounidenses Billboard y Record World, y consiguió tener dos sencillos de éxito, Whatever Gets You thu the Night, que fue el primer éxito de Lennon en Estados Unidos y Number 9 Dream, tema en el cual nos vamos a centrar.

Number 9 Dream fue escrita por Lennon y lanzada como sencillo varios meses después del álbum en el que estaba incluída, Walls and Bridges, y consiguió alcanzar el puesto número 9 en la lista estadounidense Billboard Hot 100 y el puesto número 23 en la lista de sencillos británica. Cuando la canción fue lanzada, una parte de la crítica y la audiencia la describió como una deprimente canción sentimental con un falso coro haitiano. La voz misteriosa que dice el nombre de "John" durante el primer puente de la canción fue interpretada por su amante, May Pang, y en el segundo puente, Lennon invirtió la cinta de ella diciendo  nombre. Lennon no convenció a Pang para cantar las voces, ella las cantó porque la vocalista programada para la sesión no se presentó, por lo que sería ella quien acabara grabando dichas voces. En cuanto a la música de la canción, Lennon admitió que tomó prestado el arreglo de cuerdas de la canción Many Rivers To Cross del álbum Pussy Cats (1974) de Harry Nilson y que él mismo produjo. La canción contiene la frase "Ah bowakawa, posse, posse", que eran palabras sin sentido que sonaban extranjeras y que se le ocurrieron a Lennon en un  sueño. Más tarde se dio cuenta de que contenían nueve sílabas. John Lennon tuvo durante su vida fascinación por el número 9: 

• Nació el 9 de octubre.
• Su primera casa estaba ubicada en el Newcastle Road, Wavertree, Liverpool: tres nombre que contienen en inglés cada uno nueve letras.
• El primer concierto de los Beatles en The Cavern fue el 9 de febrero de 1961.
• Brian Epstein, el mánager de los Beatles, los vio actuar por primera vez el 9 de noviembre de 1961.
• El contrato de los Beatles con EMI fue firmado el 9 de mayo de 1962.
• El sencillo debut de los Beatles, Love Me Do, estaba registrado en Parlophone R949.
• El hijo de Lennon, Sean, también nació el 9 de octubre
• Number 9 Dream alcanzó el puesto número 9 en l lista estadounidense Billboard Hot 100.
• Lennon escribió otras dos canciones que contenían dicho número: Revolution 9 y One After 909.

1184.- Rock your baby - George McRae

George McCrae debutó a lo grande con el single "Rock Your Baby", tema precursor de los grandes himnos dance de los setenta, que fue escrito y producido por Harry Wayne Casey y Richard Finch de KC and the Sunshine Band. Fue un éxito absoluto de ventas en 1974, alcanzando el primer puesto tanto del "Hot 100" como del R&B chart en Estados Unidos, y llegando también a lo más alto del UK Singles Chart.

El aluvión de ventas y popularidad de "Rock Your Baby" fue totalmente inesperado tratándose de una canción destinada originalmente a la KC and the Sunshine Band, cuya base musical fue grabada en tan solo 45 minutos como una demo con Jerome Smith a la guitarra, los teclados de Harry Wayne Casey y con Richard Finch en el bajo y la batería programada. Casualmente, George McCrae andaba por el estudio y añadió la parte vocal, y la curiosa mezcla entre el ritmo pegadizo de la base y la suavidad y calidez de su interpretación vocal resultó ser mágica.

"Rock Your Baby" despertó a la vez admiración y sana envidia entre otros músicos de su generación. Por ejemplo, el popular grupo sueco ABBA la usó como inspiración para la base rítmica de su célebre "Dancing Queen" de 1976, y el mismísimo John Lennon declaró que "habría dado uno de sus dientes por haber escrito esa canción", y se basó en ella para la progresión de acordes de su éxito "Whatever Gets You thru the Night", grabada solo unos meses después que "Rock Your Baby".

1132.- One day (at a time) - John Lennon

"One Day (at a time)" es una de las canciones que John Lennon dedica a su mujer Yoko Ono en el disco "Mind games" (1973), un disco con menor carga socio-política que sus discos anteriores, y profundamente marcado por la crisis emocional y de inseguridad en la que el genial músico estaba inmerso durante la época en que compuso y grabó las canciones que lo integraron.

Compuesta entre julio y agosto de 1973, es una de las últimas declaraciones de amor hacia su compañera y musa, antes de caer en lo que el mismo denominó su "Lost Weekend" ("fin de semana perdido"), un período de varios meses que pasó separado de Yoko Ono y abandonado a los excesos, pero todavía en "One Day (at a time)", Lennon describía su matrimonio y su amor con Yoko como la conjunción de dos partes que se complementaban y que no tenían sentido por separado ("Soy el pez y tú el mar, soy la manzana y tú el árbol, soy la puerta y tú la llave, tú eres la miel y yo la abeja...")

Fue precisamente Yoko Ono quién le sugirió que cantara "One Day (at a time)" de un modo diferente a su rango normal de voz, motivo por el que la versión final está interpretada por Lennon en falsete, aunque se grabó una versión previa con una guía vocal de Lennon con su voz normal, que finalmente vio la luz dentro de la colección "The Beatles Anthology". Esa particularidad la convierte en una auténtica rareza de su discografía, como valor añadido de una pieza que melódicamente es, además, de lo mejor que puede encontrarse dentro del generalmente poco valorado "Mind Games". 

1130.- Bring on the Lucie (Freda Peeple) - John Lennon

John Lennon, un hombre misterioso del que estoy convencido nadie en este mundo sabe todo sobre él, no se podía señalar todos sus rasgos de personalidad, Lennon estaba lleno de color y vivía su vida en un mundo donde no existían reglas, pero lo que tenemos todos claro es que laa creatividad fue el primer lenguaje de Lennon en lo que respecta a las artes y dominó cada elemento de ella. Después de The Beatles, afloro otro rasgo con gran fuerza, Lennon (y Yoko) se volvio mu político y no rehuía hablar en contra de diferentes personas o hablar en nombre de diferentes movimientos, creía firmemente en la paz mundial y estaba apasionadamente en contra de la guerra, especialmente las guerras en las que participaba Estados Unidos. A lo largo de todas sus diferentes opiniones y declaraciones, dividió a muchas personas en lugares donde simplemente podían estar de acuerdo o en desacuerdo, Lennon podía hacer declaraciones que separarían a las personas como Moisés separó el mar rojo y luego las volvería a unir a todas cuando cogiera una guitarra o se sentara al piano.

Tras esta reflexión se me ha venido a la mente Bring on the Lucie (Freda Peeple) una canción emblemática de John Lennon, lanzada en su álbum de 1973, "Mind Games", donde se nos presenta una combinación distintiva de rock y elementos de folk, fusionando la aguda crítica social con la influencia musical de la época. En la canción, Lennon parece cantar sobre personas en el mundo de otros países que están causando daño y destrucción y, como él dice, tienen sangre en sus manos, acompañada de melodía relajante detrás. Este oxímoron musical muestra el poder que Lennon puede poseer al equilibrar la música y la política. Transmite su mensaje en la melodía sin dejar de cantar una gran canción, refleja en la letra su deseo de un mundo más justo y equitativo. La mención de "Freda Peeple" puede interpretarse como una referencia a la gente común, subrayando la importancia de empoderar a la sociedad para que asuma un papel protagonista en la construcción de un futuro mejor. La canción no solo aborda cuestiones políticas, sino que también expresa una filosofía de vida personal. Lennon insta a la audiencia a no perder la fe y a mantener la esperanza, incluso en momentos de adversidad. Este mensaje optimista se convierte en un tema recurrente, resonando con la idea de que, a pesar de los desafíos, hay espacio para la esperanza y la transformación. La instrumentación diversa, que incluye guitarras eléctricas, teclados y una percusión enérgica, contribuye a la atmósfera dinámica de la canción. La combinación de estos elementos musicales crea una experiencia auditiva rica y emocionante, lo que refleja la habilidad de Lennon para fusionar distintos estilos de manera magistral, destaca por su enérgico riff de guitarra y la voz distintiva de Lennon, que transmite un mensaje de esperanza y cambio en medio de la agitación social y política de la década de 1970.

1128 - John Lennon - Mind games

1128 - John Lennon - Mind ganes

"Mind Games" de John Lennon es una joya musical lanzada en 1973 que destaca por su combinación única de letras reflexivas y arreglos eclécticos. El tema central de la canción gira en torno a la idea de participar en un juego mental, desafiando las barreras autoimpuestas que limitan nuestra comprensión del mundo.

La apertura intrigante con la frase "We're playing those mind games together, pushing the barriers, planting seeds" establece la tonalidad de la canción, invitando a los oyentes a un viaje introspectivo. John Lennon aboga por la conexión mental, sugiriendo que la clave para la comprensión mutua y la paz radica en superar las limitaciones superficiales.

A lo largo de la canción, las metáforas y referencias literarias añaden capas de significado, enfatizando la importancia de la comunicación profunda. El estribillo pegajoso, donde John Lennon proclama "Love is the answer," resuena como un mantra optimista, instando a los oyentes a buscar el amor como un poder unificador.

La música complementa magistralmente el mensaje de la canción, con arreglos fluidos, cambios de ritmo y una instrumentación diversa que reflejan la dinámica del pensamiento. Desde los acordes iniciales de piano hasta los toques de cuerdas, cada elemento contribuye a crear una experiencia auditiva envolvente.

En resumen, "Mind Games" va más allá de ser simplemente una canción; es una invitación a la reflexión profunda y a la conexión mental. La habilidad de John Lennon para fusionar estilos y transmitir complejas ideas a través de la música se destaca, creando una obra atemporal que sigue resonando con su llamado a superar barreras y cultivar el amor como respuesta universal.

Daniel 

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0866.- How Do You Sleep? - John Lennon

 

How Do You Sleep, John Lennon

El 9 de septiembre de 1971 John Lennon lanza su segundo álbum de estudio, Imagine. Coproducido por el mismo Lennon junto a Yoko Ono Y Phil Spector, es grabado entre febrero, mayo y julio de 1971 en los estudios Ascot Sound de Berkshire (Inglaterra), los Record Plant de New York y los Abbey Road de London, bajo el sello Apple Records. Al contrario que su primer disco, donde los arreglos son más básicos, en este segundo trabajo destaca la exuberancia de los mismos. El disco se convirtió en todo un éxito, tanto comercial como por parte de la crítica, llegando a alcanzar el puesto número uno tanto en las listas de ventas del Reino Unido como en las de Estados Unidos. El disco es considerado, junto a John Lennon/Plastic Ono Band, uno de sus mejores trabajos en solitario. En 2012, el disco ue votado en el puesto 80 en la  lista de la revista Rolling Stone de Los 500 mejore álbumes de todos los tiempos.

Incluida en este álbum se encuentra la pieza How do You Sleep?, canción donde Lennon muestra su enojo hacia su compañero de banda en The Beatles, Paul McCartney. Cuando se lanzó originalmente el álbum Imagine, este contenía una postal de John sosteniendo las orejas de un cerdo grande, una clara alusión a modo de burla del disco de Paul McCartney, Ram, lanzado unos meses antes que Imagine, donde Paul McCartney aparecía en la portada sosteniendo los cuernos de un carnero, mientras en la parte posterior aparecía una imagen de dos escarabajos en una actitud explícita, lo que podía ser considerado como otro claro mensaje hacia John Lennon. La canción contó con la colaboración de George Harrison quien aportó el solo de guitarra slide que aparece en la misma. Nos encontramos en el momento de máximo apogeo de la enemistad entre Lennon y McCartney, y eso se nota en las letras de este tema, pues cada línea de la canción es un ataque a algún aspecto de la vida o la música de Paul McCartney.

0865.- Jealous Guy - John Lennon

Jealous Guy fue escrita por Lennon después de separarse de The Beatles. La historia dice que Yoko Ono quería ser el quinto miembro de The Beatles y a pesar de muchos intentos de persuadirla, no hizo caso y exigió ser el quinto miembro. Finalmente, The Beatles decidieron separarse; como intuían, ella habría empeorado aún más las cosas. John Lennon luego le dedicó esta canción a Paul McCartney y trató de decirle que la ruptura fue culpa suya y no de Yoko Ono. Pero para entonces ya era demasiado tarde. Toda la canción se basa en la disculpa de Lennon a McCartney. La canción era originalmente 'Child Of Nature' , de la cual Lennon grabó una demostración en el bungalow Esher de George Harrison antes de las sesiones de grabación del White Album.

La canción comienza con una hermosa melodía de piano (Cortesía de Nicky Hopkins), John Lennon inicia las voces, el tono y la suavidad de su voz hacen que la canción sea tan realista que duele. La letra de la canción es SIMPLEMENTE EXCEPCIONAL y si escucha con atención, puede escuchar la guitarra acústica tocando de fondo, se introduce la batería y el tempo de la canción se establece en un ritmo lento y constante. Un hecho sorprendente sobre esta canción es que el bajo se usa como instrumento principal. Todo se combina perfectamente, y el resultado es una canción alucinante. John Lennon comienza a silbar, no hace falta decir que los silbidos también agregan un poco más de emoción a la canción.

Jealous Guy cuenta la historia de un hombre impulsado por la inseguridad y la paranoia a hacer algo de lo que se arrepiente. Nunca se especifica lo que hace, ni el tema de la canción. Pero las emociones que transmite son claras: por favor, perdóname, actué por dolor y miedo. Lennon nunca explicó en detalle la inspiración de lo descrito en la letra, pero a menudo (repetidamente) habló ampliamente sobre los problemas de celos que lo atormentaron a lo largo de su vida. En 1971, cuando se le preguntó sobre los celos, aludió tanto a experiencias pasadas como a su relación actual con Ono.

0864.- Gimme Some Truth - John Lennon

"Gimme Some Truth" está incluida en el disco "Imagine" (1971) de John Lennon, y aunque eclipsada por la célebre y universal canción titular, es una de las mejores canciones de uno de los mejores discos del ex-beatle. Podríamos catalogarla como "canción protesta" por la multitud de referencias políticas que contiene, de la época en la que fue escrita (con Nixon al frente de la Casa Blanca, durante los últimos años de la guerra de Vietnam) y sus ácidos alegatos contra la hipocresía y las mentiras de la propaganda política de los gobiernos, que le enferma y le cansa, y "solo quiere que le digan la verdad".

Co-producida por Phil Spector junto al propio Lennon, en la grabación participó George Harrison, que se encargó de la guitarra eléctrica, mano a mano con Lennon, y del solo de slide guitar, mientras Nicky Hopkins estuvo al piano, Klaus Voormann al bajo, Alan White a la batería, y Rod Linton y Andy Davis aportaron guitarras acústicas a la grabación final del tema. Sin embargo, las primeras tomas de la canción datan de 1969, de las grabaciones y ensayos del proyecto "Get back" de The Beatles, que acabaría saliendo a la luz con el título final de "Let it be". Según Lennon, fue escrita "uno o dos años antes, probablemente en La India". La canción estuvo un tiempo rondándole en la cabeza, hasta que, finalmente, y tras las sesiones de "Get back", tomó cuerpo para el disco "Imagine" con un sustancial cambio en las letras.

Considerada una de las mejores canciones de Lennon en solitario, dio nombre al film documental "Gimme Some Truth: The Making of John Lennon's Imagine Album", y son muchas las versiones que, desde su publicación, otros artistas han querido hacer de ella. Generation X la grabó como cara B de su single "King Rocker" en 1978 y la incluyó en su disco homónimo y como bonus track de la reedición de 1979 de su "Valley of the Dolls". Travis hizo lo propio en la cara B de su single "More Than Us", de 1998, y Primal Scream como cara B de la canción "Country Girl". Matthew Sweet y Susanna Hoffs hicieron una versión en su disco de versiones "Under the Covers, Vol. 2" (2009), y más recientemente, Cheap Trick la grabó como single en 2019, y un año después, Billie Joe Armstrong (Green Day), la incluyó también en un disco de versiones en clave de power rock y punk.

0863 - John Lennon - Imagine

0863 - John Lennon - Imagine

"Imagine" es una de las canciones más icónicas e influyentes de la carrera de John Lennon, y se ha convertido en un himno para la paz y la unidad en todo el mundo. Fue lanzada en 1971 como la canción principal de su álbum del mismo nombre.

La letra de la canción es una reflexión sobre la visión de un mundo sin fronteras, sin religiones y sin propiedad privada, en el que todos los seres humanos viven en paz y armonía. La canción comienza con las palabras "Imagine there's no heaven" ("Imagina que no hay cielo"), sugiriendo que si no hubiera divisiones religiosas en el mundo, entonces todos podrían vivir juntos en paz.

La canción también hace referencia a otros temas importantes, como la abolición de las guerras, la eliminación de las barreras culturales y la creación de una comunidad global en la que todos los seres humanos son iguales. La canción es especialmente conocida por su coro optimista y pegajoso, que invita a los oyentes a imaginar un mundo mejor.

Musicalmente, "Imagine" es una canción sencilla, con un piano suave y melancólico como su instrumento principal. La voz de John Lennon es cálida y emotiva, transmitiendo la importancia y la urgencia de su mensaje. La canción ha sido versionada innumerables veces por artistas de todo el mundo y se ha utilizado en varias ocasiones como un himno para la paz y la justicia social.

"Imagine" de John Lennon ha sido un gran éxito comercial desde su lanzamiento en 1971. En los Estados Unidos, alcanzó el número 3 en el Billboard Hot 100 y se mantuvo en las listas de éxitos durante 14 semanas. A nivel internacional, la canción también tuvo un gran éxito, alcanzando el número 1 en las listas de varios países como Reino Unido, Canadá, Australia y España.

Además, el álbum "Imagine" se convirtió en un éxito mundial, llegando al número 1 en las listas de varios países, incluidos los Estados Unidos, Reino Unido, Japón y Australia. También fue certificado como Disco de Platino en varios países.

Desde su lanzamiento, la canción "Imagine" ha sido versionada por numerosos artistas y ha aparecido en varias películas, programas de televisión y anuncios publicitarios. Además, su mensaje de paz y unidad ha resonado en todo el mundo, convirtiéndola en un himno para la paz y la justicia social.

En resumen, "Imagine" es una canción icónica que se ha convertido en un llamado a la unidad y la paz en todo el mundo. Su letra sencilla pero poderosa y su melodía conmovedora la convierten en una de las canciones más importantes e influyentes de la historia de la música.

Daniel
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0782: God - John Lennon

El primer disco en solitario de John Lennon, fue su álbum de "terapia", su forma de dejar salir su yo más personal, su forma de mostrarle al mundo su verdadera esencia, porque, sinceramente, muchas de las cosas que hizo con The Beatles seguían siendo solo eso, The Beatles, y no “Lennon” en sí mismo. No aprendió el arte de escribir canciones "personales" hasta este mismo período de tiempo, y gran parte de eso provino de su terapia primaria: la teoría de que mientras retrocedes a los dolorosos recuerdos de la infancia, puedes liberarte de ellos desde, incluso retrocediendo al momento en que aprendes a llorar cuando eras un bebé, de esa manera repites los sentimientos que una vez tuviste y enterraste profundamente dentro de ti, y los que no entendías en ese entonces, y así poder formar un círculo completo en tu vida y seguir adelante…….Y, no hace falta decir que Lennon tenía muchas cosas en mente.

God es una de las canciones más brutalmente honestas y directas jamás grabadas en la historia del rock and roll, y ese era el fuerte de Lennon, sobre todo siendo honesto, directo y admitiendo sus debilidades. La letra de la canción pasea sobre todas las cosas en las que en ese momento no creía, que son, dicho sea de paso, todas las cosas en las que puede o no haber creído en el pasado. Elvis y Zimmerman (Bob Dylan), siendo dos de sus grandes héroes e inspiraciones en la vida, ¿no significan nada para él? ¿Qué pasó? ¿Qué lo hizo cambiar? ¿Qué hizo que el mundo cambiará? ¿Qué le hizo perder la fe? Con desprecio apenas disimulado, termina este mantra de todas las cosas con las que ahora deja de lado con un “No creo en The Beatles”. Oh, espera, espera, perder la fe en Elvis lo puedo entender, incluso en Dylan, porque estaba empezando a perder relevancia en ese momento, pero ¿perder la fe en The Beatles? ¿El mito dorado de la historia del rock and roll? ¿Su propia banda, su propia creación y su propio destino? Estaba buscando algo en lo que creer, algo en lo que descansar su laurel creativo, alguien en quien confiar, alguien para reemplazar sus sentimientos de abandono, y con bastante frecuencia se sintió decepcionado. Esta canción fue la eligió Lennon para dejarlo todo y empezar una nueva vida para sí mismo… y quería que lo supiera todo el mundo y se encargó de dejarlo muy claro: “Se acabó el sueño ¿Qué puedo decir? ell sueño se acabó, ayer yo era el tejedor de sueños, pero ahora renací, yo era la morsa, pero ahora soy John, y así, queridos amigos, tendrán que continuar”. También es su forma de consolar a un mundo que creció con The Beatles, de asegurarles que el fin de The Beatles no significó el fin del mundo, el fin de él. Que The Beatles no era él, era solo una mera parte de él y un momento de su vida. Al igual que todas las fases de la vida, tuvo un comienzo e inevitablemente tuvo un final. Y así, solo tienes que seguir.

0781.- Isolation - John Lennon

Isolation es uno de los temas del debut en solitario de John Lennon, el áspero y aclamado "John Lennon / Plastic Ono Band" (1970), una canción oscura y mágica sobre el miedo a la soledad y como ese miedo ha provocado malas decisiones y muchos de los problemas con los que el mundo se ha enfrentado en el pasado.

La canción de Lennon, grabada con la ayuda de Klaus Voormann al bajo y el ex beatle Ringo Starr a la batería, tiene un embrujo especial en la manera en la que combina los tonos más bajos y calmados con el desgarrador estribillo, y a lo largo de los años, ha conquistado a artistas de la talla de Roger Waters, que la citó como una de sus canciones favoritas de todos los tiempos, Joe Cocker, que la versionó en su disco "Unchain My Heart" de 1987, o Snow Patrol, que lanzó también su propia versión en 2005.

Fue una de las últimas canciones interpretadas en directo por el genial guitarrista Jeff Beck, como parte del repertorio de la gira en la que apoyaba a Johnny Depp en su vuelta a sus raíces y a su hasta entonces casi desconocida faceta de músico, la que abandonó antes de poderse abrir camino, para emprender una exitosa carrera como actor, en lo que fue un nuevo y sentido homenaje a esta particular canción, una de las composiciones más aparentemente sencillas, y a la vez una de las más celebradas e influyentes del genial músico de Liverpool.

0780 - John Lennon: Working Class Hero

0780 - John Lennon: Working Class Hero

Working Class Hero es una canción de John Lennon de su álbum de 1970 John Lennon y Plastic Ono Band, su primer álbum después de la disolución de The Beatles.

Un escándalo ocurrío en 1973, el representante de EE. UU., Harley Orrin Staggers, escuchó la canción, que incluye las líneas "Hasta que estés tan jodidamente loco que no puedas seguir sus reglas" y "Pero aún eres un jodido campesino hasta donde yo puedo". ver" – en WGTB y presentó una queja ante la Comisión Federal de Comunicaciones (FCC). El gerente de la estación, Ken Sleeman, enfrentó un año de prisión y una multa de $ 10,000, pero defendió su decisión de reproducir la canción diciendo: "La gente de Washington DC es lo suficientemente sofisticada como para aceptar la palabra de cuatro letras ocasional en contexto, y no excitarse, ofenderse o molestarse sexualmente". Se retiraron los cargos. Otras estaciones de radio estadounidenses, como WBCN de Boston, prohibieron la canción por el uso de la palabra "fucking". En Australia, el álbum fue lanzado con la palabrota eliminada de la canción y la letra censurada en la portada interior. (En el lanzamiento estadounidense, todas las letras de todas las canciones del álbum se imprimieron claramente en la portada interior tal como se cantaron, incluida la palabra "fucking").

En cambio la crítica del mundo del rock puso en valor y calificó a Working Class Hero como una de las mejores canciones de John Lennon, por ejemplo el crítico de Classic Rock, Rob Hughes, calificó a Working Class Hero como la cuarta mejor canción política de Lennon, y dijo que "La guerra de clases proporciona el ímpetu para el mordaz comentario de Lennon sobre la naturaleza represiva del poder institucional". Y otro ejemplo de ello fue el crítico de Ultimate Classic Rock, Nick DeRiso, calificó como la cuarta canción política en solitario más grande de Lennon, calificándola como "uno de los momentos más brutalmente francos y emocionalmente apasionantes de Lennon".

Daniel 

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