1003.- Snowblind- Black Sabbath

 

Snowblind, Black sabbath

     En mayo  de 1972 el grupo británico Black Sabbath se encierra en los Record Plant Studios de Los Angeles para grabar Vol. 4, que supondrá su cuarto álbum de estudio. Este disco fue el primero no producido por Roger Bain, recayendo tal tarea en Patrick Meehan y en el propio grupo. La función de producción de Meehan, quien entonces era mánager de la banda, fue mínima, y aunque figuraba también el grupo, quien asumió realmente las tareas de producción fue el guitarrista Tony Iommi. Fue publicado en septiembre de 1972 por el ello discográfico Vertigo Records.

La grabación estuvo repleta de problemas, la mayor parte de ellos por el abuso de drogas. Habitualmente el grupo solía recibir en el estudio altavoces llenos de cocaína, lo que da una idea de como eran las sesiones de grabación. La portada del disco presenta una fotografía monocromática de Ozzy Osbourne con las manos levantadas haciendo el signo de la paz. Dicha foto fue tomada por Keith Macmillan durante un concierto del grupo en el Ayuntamiento de Birmingham en enero de 1972. El disco alcanzó en menos de un mes el disco de oro, y fue el cuarto lanzamiento consecutivo en conseguir vender más de un millón de copias en Estados Unidos. Toda la música fue escrita por el grupo, y las letras por Geezer Butler.

 Incluido en este disco se encuentra Snowblind, que es una clara referencia de labanda a la cocaína, la droga que la banda más consumía por aquel entonces. En las notas el grupo hace un juego de palabras agradeciendo a "la gran COKE-cola Company", otra clara alusión a dicha sustancia. La banda quería que este tema fuera el título del álbum, pero la compañía discográfica se negó por razones obvias. Según Ozzy Osbourne: "Snowblind fue uno de los mejores álbumes de Black Sabbath, aunque la compañía no nos permitió conservar el título... porque en aquellos días la cocaína era un gran problema y no querían la molestia de una controversia. No discutíamos".

El disco de semana 346: Electric Pentagram - Lovebites

 

Electric Pentagram, Lovebites

     En esta ocasión viajamos a Japón para escuchar el trabajo que catapultó fuera de dicho país al grupo de power metal Lovebites. Este grupo se formó en 2016 y actualmente está compuesto por cinco mujeres, Haruna (batería), Midori (guitarra y voces), Miyako (guitarra, teclado y voces), Asami (vocalista), y Fami (bajista), que llegó en 2021 para sustituir a la bajista Miho. Lovebites se forma en Tokio en 2106, cuando Destrose, el grupo en el que se encuentran Miho y Haruna, se disuelve. Deciden las dos reclutar a la guitarrista Midori y a otra guitarrista y tecladista de apoyo, Miyako. que más tarde será miembro de pleno derecho. Después las cuatro deciden fichar a la vocalista Asami basándose en una demo que esta había realizado. Para el nombre de la banda, el grupo se inspiró en una canción del grupo Halestorm, llamada precisamente Lovebites.

rupo debuta en mayo de 2017 con el EP The Lovebites EP. Realmente era una demo para conseguir atraer a algún sello discográfico, pero al sello Victor Entertainment le gustó tanto que decidió publicarlo como EP. Ese mismo año la banda debuta con su primer disco de larga duración, Awakening From Abyss, publicado en Japón, y América el 25 de octubre de 2017, y dos días después en el Reino Unido. Gracias a este trabajo, a finales de año el grupo ya está dando conciertos fuera de Japón. En diciembre de 2018 el grupo lanza su segundo álbum de estudio, Clockwork Inmortality, publicado por el sello discográfico Victor Entertainment. El grupo sigue con con un sonido dedicado al power metal, pero influenciado por el NWOBHM (Nueva ola de heavy Metal británico). El disco es lanzado en Japón, Europa, Nueva Zelanda y Australia, y consigue ir expandiendo el sonido y el nombre del grupo en el extranjero. Pero no será hasta la publicación de su tercer álbum de estudio, Electric Pentagram, cuando el grupo de el verdadero salto internacional haciéndose un nombre fuera de Japón.

Las influencias de la banda pasan por el sonido de la vieja escuela NWOBHM, el hard rock o  el heavy metal Así por ejemplo, las influencias de Miho pasan por bandas como Iron Maiden, Pantera, Mötely Crüe, y Anthrax. Haruna siempre ha nombrado como una de sus grandes influencias Helloween y su álbum Master of the Rings. Los guitarristas que han influenciado en el estilo de Midori, según ella, han sido, Kiko Loureiro, Nuno Bettencourt o Yngwie Malmsteen entre otros. Las influencias de Miyako pasan por clásicos como Deep Purple o Rainbow, y por grupos más actuales como Polyphia y sus dos guitarristas, Timothy Henson y scott LePage. Sin embargo las influencias de la vocalista Asami vienen del R&B y la música soul, y llegó a estudiar cuando se mudó con 16 años jazz y danza hip - hop. 

Toda esta mezcla de géneros han influenciado en el sonido Lovebites, que contiene influencias del hard rock clásico, del heavy metal y el power metal clásico de finales de los años 80 y 90 mezclado con el power metal más actual y que podemos  comprobar en su tercer álbum de estudio, Electric Pentagram, el recomendado para la ocasión. Este disco fue publicado el 29 de enero de 2020 por el sello discográfico Victor Entertainment en Japón y dos días después en Estados Unidos por el sello discográfico JPU Records. Llegó a alcanzar un meritorio decimosegundo puesto en la lista japonesa Billboard Japan. 

El grupo había estado muy ocupado durante la primera mitad del año 2019, pues la gira japonesa de su segundo álbum de estudio había comenzado en enero de ese año. La preproducción de Electric Pentagram comenzó precisamente durante la gira de su segundo disco, Clockwork Inmortality. Miyako, compositora de la música de la mitad de los temas, comentaba al respecto que había estado escribiendo canciones desde finales de 2018 hasta marzo de 2019, y luego trabajó en los arreglos de marzo a mayo, comenzando a grabar en junio de 2019. Las restantes canciones fueron escritas entre Miho, Midoi y Asami, contando con la colaboración de la tecladista Mao, del grupo Light Bringer. Durante la referida gira de 2019,despues de los conciertos, la bajita Miho y la vocalista Asami se quedaban en las habitaciones de los hoteles escribiendo las letras de las canciones. 

El título del álbum, Electric Pentagram, significa que Lovebites está "protegiendo el heavy metal", ya que los pentagramas también se asocian a los amuletos utilizados para la protección, y los cinco puntos del pentagrama representan a las cinco miembros del grupo. Había cierto miedo entre algún que otro sector de los seguidores de la banda porque su popularidad iba en aumento y temían que el estilo de la banda cambiara y se volvieran hacia el pop, algo que el grupo se encargó de desmentir, seguirían el camino del metal. Para la portada del álbum, donde aparece un lobo y un pentagrama, Lovebites recurrió al dúo de artistas españoles, David López Gómez y Carlos Vicente León a través de su empresa The EasyRabbit CreArtions. El disco
sería publicado en enero de 2020 por el sello discográfico Victor Entertainment.

Comienza el álbum con Thunder Vengeance, caracterizado por su potente riff. Miho creó el riff después de ver a Slayer en el Download Festival Japan el 21 de 2019. Holy War es la única canción donde está acreditada toda la banda en la composición de la letras. El grupo se inspiró en el grupo brasileño Angra para escribir esta canción, y en los solos de su ex guitarrista Kiko Loureiro. Golden Destination fue escrita en honor y para honrar el metal británico, una de las grandes influencias de la banda. Un tema con ciertos toques de AOR y que nos recuerda por momentos mucho a una de las grandes precursoras del power metal, Halloween. Raise Some Hell, con su toque de hard rock, se inspiró en el grupo Halestorm. Las letras del grupo generalmente son bastante serias y la banda quería hacer una canción con letras menos serias. Después de la descarga de Today Is the Day, le llega el turno a When Destinies Align, con la que llegamos al ecuador del disco, una pista descrita por la propia banda como speed metal melódico. Asami escribió la letra sobre las cinco componentes del grupo. La música fue escrita por Miyako, que había titulado originalmente la canción Lovebites, quería usar el nombre de la banda para titular alguna canción que merecise tal honor. Finalmente acabó cambiándose el título.

A Frozen serenade surgió como un apuesta personal de Asami, la cantante quería una "triste balada de invierno". La cantante quería incluir una guitarra acústica en este tema, aún sabiendo que es más difícil que la guitarra eléctrica en el sentido de que se notaría el más mínimo error, algo que no llegó a suceder, pues el resultado es más que notable. Dancing With The Devil es la primera canción donde Midori aparece como compositora de la banda, escribiendo la letra con Asami. Mientras que la música fue escrita por Mao y la propia Midori. En realidad esta canción había sido escrita para su álbum anterior, pero esta no encajaba. Para ser incluida en este tercer álbum se reelaboraron los riffs y los arreglos de guitarra. La canción Sign of Deliverance en realidad había sido escrita a principios de 2018 y el grupo la había estado tocando en directo desde julio de 2019, cuando no tenía ni siquiera título. La canción se caracteriza porque sus dos guitarristas, Miyako y Midori tocan realzando la técnica del Tapping, Miyako quería precisamente una canción donde las dos guitarristas tocaran utilizando dicha técnica. Set The World Fire, con su toque de trash metal, es una de las canciones más potentes del álbum, mientras que The Unbroken, según Miho, fue la canción más difícil del disco, tanto por sus arreglos como a la hora de grabarla. Cierra este notable disco con Swan song. Miyako, para escribir la música, combinó elementos de sus clásicos favoritos, Revolutionary Étude (Estudio Revolucionario) de Frédéric Chopin, y New World Symphony (Sinfonía del Nuevo Mundo) de Antonín Dvorák. Posteriormente Asami escribió las letras de forma que estas coincidieran y transcurrieran a la par que el estado de ánimo de la canción. La formación clásica de Asami le hizo pensar en el El lago de los cisnes, y basándose en el tema agregó un coro de acompañamiento similar a una ópera, y también agregó un piano, el cual representa en su parte final la muerte del cisne.

Electric Pentagram es un disco más que recomendable, pues además de su gran evolución con respecto a trabajos anteriores, el grupo muestra una solidez, una compenetración y una técnica increíbles, y una gran madurez en la composición de las canciones.

1002.- The Cisco Kid - War

War fue una banda conocida por su capacidad de combinar diferentes géneros musicales a la perfección. Los miembros de la banda procedían de diversos orígenes y etnias, incluidos afroamericanos, latinos y nativos americanos. Esta diversidad se reflejó en la música que crearon. La música de War era una fusión de rock, jazz, funk, latín y R&B. Sus canciones a menudo incluían letras en español u otros idiomas, lo que hacía que su música fuera accesible a una amplia audiencia aunque procedían de diferentes barrios de Los Ángeles y sus alrededores con orígenes dispares y edades diferentes, los músicos encontraron un hilo común de interés en la creación musical. "Mezclamos y mezclamos todo, incluso la música de mariachi", recordó el teclista de War, Lonnie Jordan. “Tocábamos blues constantemente. Intentábamos imitar lo que oímos, pero salió otra cosa”. Influenciados por la diversidad racial de los jóvenes músicos, también se combinaron elementos de soul, jazz, reggae y rock and roll convencional para crear una mezcla auditiva que definió el sonido distintivo de War. Después de una serie de nombres, incluidos los Creators, los Romeos y Nightshift, en 1969 en Hollywood, un productor discográfico los captó y les presentó a la superestrella británica Eric Burdon, quien recientemente se había separado de los Animals. Nightshift cambió su nombre a War y respaldó a Eric en el sencillo de MGM Records de 1970, "Spill the Wine", que indujo a la ensoñación y vendió millones de copias. . Además, la música de War no se trataba sólo de entretenimiento. Fue un reflejo de los tiempos y de las cuestiones sociales y políticas del momento. El mensaje de unidad y aceptación de War se adelantó a su tiempo y su música sirvió como vehículo para el cambio social.

 “The Cisco Kid”, publicada en 1973, fue el mayor éxito de War y cuenta la historia de un personaje icónico del oeste americano. Cisco Kid era un personaje de una serie de películas del oeste estadounidense que apareció por primera vez en 1914. El personaje fue creado por O. Henry, el seudónimo de William Sydney Porter, y luego se adaptó a cómics, películas y programas de televisión. Cisco Kid era conocido por su encanto, ingenio y sentido del humor. Siempre estuvo dispuesto a ayudar a los necesitados y sus aventuras a menudo transcurrieron en un contexto de injusticia y corrupción. En 1972, los productores de un nuevo programa de televisión, "The Cisco Kid", se acercaron a War y le pidieron a la banda que escribiera e interpretara el tema principal. War aceptó la oferta y “The Cisco Kid” se convirtió en un éxito instantáneo. La canción alcanzó el puesto número 2 en la lista Billboard Hot 100 y permaneció allí durante dos semanas. Sigue siendo una de las canciones más reconocibles del catálogo de War. El ritmo alegre de la canción y el estribillo pegadizo hacen que sea fácil bailar, pero la música también tiene un significado más profundo. La canción fue lanzada en 1973, una época en la que Estados Unidos enfrentaba agitación social y política. La música de War fue un reflejo de estos tiempos, y The Cisco Kid no fue la excepción. En esencia, The Cisco Kid es una canción de esperanza y unidad. Reúne a las personas, independientemente de su raza, etnia o estatus socioeconómico. El mensaje de la canción es simple: todos somos parte de la misma familia humana y debemos amarnos y respetarnos unos a otros.

1001.- You are the sunshine of my life - Stevie Wonder

Lanzada en 1972 dentro del álbum "Talking Book", "You Are the Sunshine of My Life" ("Eres el sol de mi vida") es una de las canciones más románticas de la carrera de Stevie Wonder, todo una declaración de amor arropada en suaves arreglos y un cálido ritmo de piano acompañando a la prodigiosa y apasionada voz del gran músico estadounidense, que regala a los oídos y los corazones de los oyentes una pieza melódica y cautivadora.

La canción es una optimista celebración del amor, y de la alegría y la felicidad de tener a la persona amada a tu lado, a priori un tema tan simple y tantas veces repetido, pero que en "You Are the Sunshine of My Life" está tratado con una belleza instrumental y lírica de lo más sencillas y, paradójicamente, de lo más impactantes. La imprescindible y característica armónica, tan presente en muchas de las grandes canciones de Stevie Wonder hace aquí también su aparición estelar, y el tema se completa con unos suaves coros que son el complemento perfecto para la voz principal.

Su mensaje es tan sencillo y, a la vez, tan universal, que la canción no ha quedado relegada al olvido ni ha sufrido las consecuencias del paso del tiempo como otras canciones de Wonder, sonando hoy en día con la misma vigencia e intensidad que antaño. Al fin y al cabo, el sol sigue saliendo cada día, y el sentimiento que produce tener a la persona adecuada a tu lado sigue siendo el mismo.

1000.- Superstition - Stevie Wonder

"Superstition" es, probablemente, la canción más icónica del músico estadounidense Stevie Wonder. Fue el gran single de su disco de 1972 "Talking Book". Considerada una de las grandes obras maestras del funk y el soul, su increíble ritmo de teclado, que tendría casi la categoría de "riff icónico", y su potente ritmo de acompañamiento con una batería y un bajo sensacionales, impresionan de principio a fin de la canción, y provocan que, para cuando la voz de Stevie Wonder entra en escena, estemos ya entregados a una canción legendaria.

Wonder le aporta además una interpretación vocal intensa y apasionada, alejada de la suavidad melódica de otras grandes piezas de su repertorio, y con una letra que explora la idea de la influencia negativa de la superstición en nuestro comportamiento y en las decisiones que tomamos en nuestras vidas, introduciendo una capa de crítica social al defender la importancia de mantenerse firme y no dejarse llevar por creencias falsas o irracionales que nos distraen de los problemas reales.

La inclusión de una sección de vientos es la guinda perfecta para terminar de darle el efectivo toque funk a la pieza y elevarla hasta la categoría de obra memorable, que tras su lanzamiento se convirtió en uno de los mayores éxitos comerciales y de crítica de la carrera de Stevie Wonder, y que a lo largo de las décadas ha sido versionada y sobre todo, sampleada hasta la saciedad por un buen número de artistas, atrapados por el embrujo y la adictiva cadencia de su mágico ritmo de teclado. ¿Embrujo? ¿Magia? No seamos supersticiosos, es mucho más evidente hablar, directamente de "obra maestra".

Funkadelic - The Electric Spanking of War Babies (Mes Funkadelic)

El artista del mes Funkadelic y su álbum The Electric Spanking of War Babies #mesFunkadelic

El álbum "The Electric Spanking of War Babies" de Funkadelic es un fascinante capítulo en la trayectoria de la banda, marcando su regreso a la escena musical en 1981 con una mezcla única de funk, rock y elementos electrónicos. Con su distintiva fusión de géneros y letras provocativas, este álbum ofrece una experiencia auditiva emocionante y a menudo subversiva.

El álbum se inicia con la pista homónima "Electric Spanking of War Babies", que establece un tono enérgico y rítmico desde el principio. Con ritmos pulsantes y guitarras vibrantes, la canción encapsula la habilidad de Funkadelic para combinar elementos de rock y funk en una mezcla electrizante. La voz característica de George Clinton agrega una capa adicional de personalidad, mientras que las letras crípticas y provocativas invitan a los oyentes a adentrarse en la narrativa.

"Shockwaves" continúa con una energía contundente, impulsada por sus ritmos contagiosos y las capas de sintetizadores. La canción muestra la habilidad de la banda para abrazar influencias electrónicas, creando un ambiente futurista y experimental que se suma a la paleta sonora del álbum. La voz de Clinton, llena de carisma y entrega, sigue siendo un punto focal que guía a los oyentes a través de las diferentes pistas.

Canciones como "Funky Kind (Gonna Knock It Down)" y "Electro-Cuties" mantienen el ritmo en alto con su combinación de ritmos funk y elementos de rock. Las letras juguetonas y a veces provocativas son un recordatorio del enfoque audaz de Funkadelic en la música y la expresión lírica. Estas pistas también destacan por sus arreglos instrumentales intrincados y su capacidad para mantener a los oyentes moviéndose.

El álbum se toma un momento para explorar territorios más serenos y melódicos con "Icka Prick" y "The Blender". Estas pistas muestran un lado más suave y melódico de Funkadelic, revelando su versatilidad y capacidad para crear ambientes cambiantes dentro del álbum. La voz suave y melancólica en "Icka Prick" contrasta con la instrumentación más estratificada de "The Blender", que crea una sensación de inmersión sonora.

Una de las pistas destacadas del álbum es "One of Those Summers", que presenta una mezcla de nostalgia y reflexión. Con su tono más melódico y letras que capturan la esencia de la época, la canción ofrece una mirada introspectiva sobre la vida y el paso del tiempo. La voz emotiva de Clinton agrega profundidad emocional a la pista, creando una conexión con los oyentes.

En "The Electric Spanking of War Babies", Funkadelic logra un equilibrio hábil entre la experimentación y la accesibilidad. La combinación de influencias musicales y la mezcla de elementos electrónicos con el funk y el rock demuestran la evolución constante de la banda. Las letras enigmáticas y a veces provocativas complementan la narrativa sonora, invitando a los oyentes a desentrañar el significado detrás de la música.

En resumen, "The Electric Spanking of War Babies" es un álbum audaz y ecléctico que muestra la capacidad de Funkadelic para desafiar las convenciones musicales y fusionar géneros de manera única. A través de su mezcla de funk, rock y elementos electrónicos, la banda crea un paisaje sonoro en constante cambio que invita a la reflexión y al movimiento. Este álbum demuestra que, a pesar de los años transcurridos desde su fundación, Funkadelic seguía siendo una fuerza creativa e innovadora en la música.

Daniel 

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0999 - Stevie Wonder - You and I

0999 - Stevie Wonder - You and I

Stevie Wonder, un prodigio musical venerado por su innovación y talento, ha dejado una marca indeleble en la industria. Nacido como Stevland Hardaway Judkins en 1950, su ceguera desde la infancia no fue obstáculo para convertirse en un ícono de la música. Conocido por su habilidad multifacética como cantante, compositor, productor e instrumentalista, Stevie Wonder ha demostrado su versatilidad a lo largo de su extensa carrera.

Una de las gemas dentro de su discografía es la canción "You and I", lanzada en 1972 como parte del álbum "Talking Book". Esta canción encarna la esencia de Stevie Wonder: letras profundas, arreglos musicales ricos y una voz distintiva que transmite emociones palpables. "You and I" es un himno atemporal de amor y conexión. La canción resuena con la intimidad y la vulnerabilidad, elementos que caracterizan muchas de las creaciones de Stevie Wonder.

En "You and I", Stevie Wonder nos guía a través de una serenata emotiva. La canción comienza con un piano suave y una melodía delicada que establece una sensación de calidez. La voz de Wonder entra con su distintivo timbre, transmitiendo ternura mientras expresa sus sentimientos hacia la persona amada. La lírica, sencilla pero evocadora, pinta un retrato de amor genuino y duradero. Wonder canta sobre compartir momentos y sueños, creando un aura de romanticismo que ha resonado con generaciones de oyentes.

Los arreglos musicales en "You and I" son un testimonio del virtuosismo de Stevie Wonder como músico. Su habilidad para fusionar elementos de soul, R&B y pop resulta en una melodía exquisita que cautiva los sentidos. Los coros enriquecen la canción, añadiendo profundidad y coro a la expresión de sus emociones. El puente instrumental, típico de muchas canciones de Stevie Wonder, muestra su destreza con la armónica, un instrumento que él domina con maestría.

"You and I" también destaca por su producción cuidadosa. Stevie Wonder siempre ha sido un innovador en el estudio de grabación, experimentando con tecnología y sonidos para crear un ambiente único. La canción logra capturar la esencia del amor íntimo al combinar la emotividad lírica con una instrumentación excepcional y una producción meticulosa.

En resumen, "You and I" de Stevie Wonder trasciende el tiempo como un himno atemporal al amor. A través de su voz inconfundible, su talento instrumental y sus arreglos magistrales, Stevie Wonder nos lleva en un viaje emocional que perdura a lo largo de las décadas. La canción es un recordatorio conmovedor de la capacidad de la música para conectar profundamente con las experiencias humanas, y Stevie Wonder sigue siendo un faro resplandeciente en el panorama musical.

Daniel 

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0998 - Stevie Wonder - I Believe (When I Fall in Love It Will Be Forever)

0998 - Stevie Wonder - I Believe (When I Fall in Love It Will Be Forever)

Stevie Wonder, una leyenda musical ciega desde la infancia, ha dejado una huella indeleble en la industria con su talento versátil y su habilidad para fusionar géneros. Su canción "I Believe (When I Fall in Love It Will Be Forever)" es un ejemplo conmovedor de su genio creativo. 

Lanzada en 1972 como parte de su álbum "Talking Book", la canción destaca por su emotiva letra y la impresionante interpretación vocal de Wonder. La canción se adentra en el terreno del amor y la esperanza, retratando la convicción de que el amor verdadero es eterno y transformador. La voz apasionada de Stevie Wonder transmite una sensación de sinceridad que llega directo al corazón de los oyentes.

La pista es una amalgama de diversos elementos musicales, que es una característica distintiva de la música de Stevie Wonder. Mezcla su característico estilo de soul con elementos de pop y balada, creando una experiencia auditiva que trasciende los límites de un solo género. La instrumentación es rica y armoniosa, con arreglos cuidadosamente elaborados que respaldan la emotiva narrativa de la canción.

"I Believe (When I Fall in Love It Will Be Forever)" no solo es una canción sobre el amor romántico, sino que también toca temas más profundos y universales sobre la esperanza y la fe en algo más grande que uno mismo. La letra habla de la confianza en que el amor tiene el poder de transformar vidas y superar obstáculos, creando una conexión significativa con los oyentes que pueden relacionarse con estos sentimientos.

La canción ha perdurado en el tiempo, convirtiéndose en un clásico atemporal en el repertorio de Stevie Wonder. Su impacto trasciende generaciones y continúa resonando con audiencias de todas las edades. La emotividad de la canción y la autenticidad de la interpretación de Stevie Wonder le otorgan una calidad atemporal que sigue siendo relevante décadas después de su lanzamiento.

En resumen, Stevie Wonder y su canción "I Believe (When I Fall in Love It Will Be Forever)" son testigos del profundo impacto que un artista visionario puede tener en la música. A través de su mezcla única de géneros, letras conmovedoras y voz apasionada, Wonder logra crear una experiencia musical que toca los corazones y las almas de los oyentes, recordándonos el poder duradero del amor y la esperanza.

Daniel 

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0997.- I'm Still In Love With You - Al Green

 

I'm Still In Love With You, Al Green

     I'm Still In Love With You es el quinto álbum de estudio del cantante estadounidense de soul y gospel Al Green. Este trabajo fue grabado en los Royal Recording Studios de Memphis, Tennessee, bajo la producción del trompetista, director de orquesta, productor y arreglista de soul, R&B, rock and roll, pop y funk estadounidense Willie Mitchell, y publicado en octubre de 1972 por el sello discográfico Hi Records. Al Green consiguió con este disco alcanzar el puesto número cuatro en la lista estadounidense Billboard 200, y el número uno en la lista de los mejores álbumes de R&B / Hip Hop, también de dicho país. En su autobiografía editada en el año 2000, Al Green afirmaba sobre la llamativa portada del disco: "Con mi jersey de cuello alto blanco, mi zapatos blancos de charol con tacones y un sólo toque de diamantes y oro, era tan genial, y además teniendo el control sobre la música en esta versión".

Incluido en este disco se encuentra el tema que da título al mismo, I'm Still In Love With You, acreditada al propio Al Green junto con Al Jackson Jr. y el productor Willie Mitchell. Fue lanzada como sencillo promocional del disco ocupando la cara A, y acompañada en la cara B por Old Time Lovin'. El sencillo llegó a alcanzar el puesto número 1 de la lista estadounidense Hot Soul Singles en agosto de 1972 durante do semanas, y el puesto número 3 en la lista de sencillos Billboard Hot 100. Esta canción ha conseguido vender con el tiempo más de un millón de copias y está considerada como una de las más exitosas, influyentes y populares de Al Green. Estamos ante una romántica confirmación del amor que ha sido bastante versionada, siendo una de las más destacables la realizada por el músico británico Seal en su álbum Soul de 2008.

0996 - Miles Davis - On the corner

0996 - Miles Davis - On the corner

Miles Davis, un ícono indiscutible del jazz, sigue cautivando a oyentes de todas las generaciones con su innovadora obra "On the Corner". Lanzada en 1972 como parte del álbum homónimo, esta canción encarna la vanguardia y la audacia que caracterizaban a Miles Davis.

En "On the Corner", Miles Davis se aventura audazmente en terrenos desconocidos, fusionando el jazz con elementos del funk, rock y música electrónica, lo que en su momento generó controversia y desconcierto entre los puristas del jazz. La canción se caracteriza por su estructura en capas, donde se superponen grooves rítmicos y líneas melódicas que se entrecruzan de manera caótica y, sin embargo, cohesiva. La incorporación de sintetizadores y efectos electrónicos, considerados arriesgados en ese momento, aporta una textura única y una sensación futurista a la música.

La innovación de "On the Corner" radica en su enfoque repetitivo y hipnótico, que refleja la influencia de la música minimalista y las tendencias vanguardistas de la época. Esta elección estilística permite a Davis explorar las posibilidades de la improvisación, convirtiendo la canción en una plataforma para la expresión individual de los músicos. Los solos de trompeta de Davis son destellos de genialidad, donde su característico sonido melancólico se entrelaza con la frenética energía de la música de fondo.

La pieza evoca una atmósfera urbana y frenética, como si fuera una banda sonora de la vida en la ciudad. Los ritmos infecciosos y las capas de sonido en constante cambio reflejan la agitación y el ritmo acelerado de la vida moderna. Es como si Miles Davis hubiera capturado la esencia misma de la ciudad en su música, transformando los sonidos y el caos en una forma de arte sonora.

Aunque inicialmente incomprendida, "On the Corner" ha resistido el paso del tiempo y ha ganado reconocimiento como una obra maestra de la experimentación musical. Su influencia se extiende a lo largo de géneros y generaciones, inspirando a músicos de diversas disciplinas a abrazar la exploración y la innovación en su propio trabajo.

En conclusión, "On the Corner" es un testimonio del genio creativo de Miles Davis y su disposición a desafiar las convenciones artísticas. La canción sigue siendo un monumento al poder de la experimentación y la audacia en la música, y una ventana a la mente de un músico legendario que nunca temió explorar lo desconocido.

Daniel 

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One nation under a groove - #mesFunkadelic

Tras diez años entregando increíbles discos de colorido funk que llegaban únicamente a un privilegiado y reducido número de seguidores, "One nation under a groove" fue el disco que catapultó a Funkadelic a las grandes ligas del mainstream, con una tan perfecta como original combinación de funk, rock, pop, and R&B.

Era su décimo álbum de estudio, que contaba con la novedad de la llegada de Walter “Junie” Morrison, que colaboró en todo el proceso compositivo del disco. No fue la única incorporación al grupo, ya que para cubrir la sensible baja de Eddie Hazel ficharon al por entonces "chico prodigio" Mike Hampton, que evolucionó su particular sonido de guitarra hacia una explosiva mezcla entre los registros de su antecesor y los del gran Jimi Hendrix, convirtiéndose con ello en una de las sensaciones del momento en el mundillo de la guitarra y el funk.

El disco comienza con el tema titular y el single más potente del disco, "One Nation Under a Groove", una intensa pieza funk de más de siete minutos de duración que es una de las mejores composiciones de Funkadelic, y la canción más "accesible" del disco, creada a partir de una pegadiza línea de bajo y palmas sustituyendo al rol de la batería. El conjunto rítmico se completa con campanas tubulares, metales creados con sintetizadores y riffs de guitarra, mientras múltiples voces van apareciendo a lo largo de una canción que es una auténtica obra maestra de creatividad funk.

Aún reconociendo que la canción principal está por encima del resto del disco, eso no le quita relevancia e interés a temas tan geniales como "Groovallegiance", en un tono más relajado pero igualmente pegadiza, o la rockera Who Says A Funk Band Can't Play Rock Music, en la que sacan pecho mezclando el funk con el sonido de Jimi Hendrix, completando una primera cara de disco sin desperdicio.

La segunda cara abre con "Promentalshitbackwashpsychosis Enema Squad (The Doo Doo Chasers)" la canción más larga del disco, no solo por la longitud de su título, sino por sus 11 minutos de duración. A pesar de poseer un ritmo groove bastante pegadizo, la enmarañada estructura vocal, compuesta de múltiples voces diferentes, complica excesivamente la escucha y deja la sensación de haberse beneficiado de una mayor brevedad, algo que Funkadelic consiguen mejor en las otras dos canciones que completan la cara B: Tanto "Into You" como "Cholly (Funk Getting Ready To Roll!)" son piezas más accesibles y con una duración mucho más ajustada.

Con todas sus genialidades y excesos, es innegable que "One nation under a groove" fue, y sigue siendo, el álbum más exitoso de la imprevisible banda liderada por George Clinton, llegando a alcanzar el primer puesto del Billboard en la modalidad de discos de R&B/Hip-Hop y el 16 del Billboard 200. Más allá de las ventas cosechadas, es junto a "Maggot Brain" el álbum de Funkadelic más elogiado por la crítica especializada, que lo calificó como un disco de funk sorprendentemente cercano al rock progresivo, una mezcla tan inclasificable y mágica que podríamos llamar "soul funk progresivo", que combinaría las bases más clásicas del funk con la música de Hendrix, Sly & The Family Stone y un sinfín de otras variadas influencias, todas ellas genialmente combinadas en la gran coctelera de "One nation under a groove".

El disco de la semana 345: Captain Beyond - Captain Beyond

 

Captain Bewyond

     Para la recomendación de esta semana traemos una formación estadounidense que a pesar de las contínuas disputas y los problemas internos, nos regalaron buenos momentos, como el disco recomendado para la ocasión.

Captain Beyond es un grupo estadounidense que se formó en Los Angeles allá por el año 1971. El grupo original estaba formado por el ex vocalista de Deep Purple Rod Evans, el ex baterista de Johnny Winter Bobby Caldwell, el ex guitarrista de Iron Butterfly Larry Reindhardt y el ex bajista también de Iron Butterfly Lee Dorman. El grupo fue capaz de desarrollar un estilo propio, muy ecléctico, uniendo elementos propios de hard rock, rock progresivo, jazz fusión y del llamado space rock. 

Ya desde sus inicios el grupo tenía problemas bastantes importantes, pues Evans, Reindhardt y Dorman arrastraban disputas legales con sus anteriores bandas, Deep Purple y Iron Butterfly, unido a una disputa sobre el estilo musical del fundado Captain Beyond, con su sello discográfico, Capricorn Records. Y por si esto fuera poco, hay que sumarle los constantes problemas entre los mismos miembros del grupo, Rod Evans estuvo entrando y saliendo varias veces, hasta que en 1973 acabó saliendo definitivamente de la banda después del lanzamiento de su segundo álbum de estudio. A estos cuatro componentes fundadores habría que sumar un quinto, el teclista Lewie Gold, que acabaría marchándose por motivos personales antes de grabar el primer disco de la banda.

Nos vamos a centrar en la recomendación, su álbum debut, de título homónimo, Captain Beyond, grabado durante 1972 en los Sunset Sound Recorders estudios de Hollywood, bajo la producción del grupo y publicado ese mismo año por el sello discográfico Capricorn Records, famoso por tener entre sus filas a los míticos The Allman Brothers Band. De hecho, el álbum estaba dedicado a la memoria de Duane Allman, con quien el baterista Bobby Caldwell, había tocado de manera informal. La portada del álbum fue diseñada por el artista e ilustrador Josh Garnett, y presentaba un diseño muy psicodélico con elementos abstractos. En Estados Unidos la portada incluía ilustraciones en 3-D. 

La mayor parte del álbum consta de tres bloques de canciones interconectadas entre sí. El rpimer bloque comienza con "Dancing Madly Blackwards (On a Sea Of Air)" y termina con "Myopic Void". El segundo bloque comienza con "Thousand Days Of Yesterdays (intro)" y termina con "Thousand Days Of Yesterdays (Time Since Come And Gone)". El tercer y último bloque comienza con "I Can't Feel Nothin' (part 1)" y termina con la última canción del disco, "I Can't Feel Nothin' (part 2)". Toda la composición del álbum es atribuida y acreditada a Rod Evans y Bobby Cladwell, aunque todas las canciones fueron escritas por todos los componentes, pero ni Reindhardt ni Dorman pudieron figurar en los créditos por razones legales derivadas de su paso por su anterior grupo.

Estamos ante un álbum diferente, pues es una rareza entre los discos de hard rock, ya que contiene una amplia gama de influencias, incluida la música latina, el jazz, o el space rock, y todo con el rock progresivo como hilo conductor. El disco va fluyendo incluso con varios tipos de compás dentro de una misma canción, al más puro estilo de The Moody Blues, y las canciones fluyen sin ningún espacio entre unas y otras. Líricamente, el álbum explora temas del mundo exterior y los significados de la existencia, haciendo referencias a la luna, el mar, el sol, la guerra o la muerte, lo que nos da la sensación de estar realizando un viaje por el espacio en un cohete con destino desconocido. El álbum, a medida que avanza, crece y crece, merced a unas letras de fantasía, unos compases salvajes y una interpretación muy compenetrada entre los componentes del grupo. La forma en la que las canciones están secuenciadas no nos deja tiempo para recobrar el aliento. 

Este disco debut es considerado todo un clásico del rock progresivo y del hard rock de la época gracias a la magistral fusión de estilos donde tienen cabida el rock progresivo, psicodélico, jazz o la música latina. Presenta unas composiciones musicales muy complejas y elaboradas que incluyen experimentación con el sonido, cambios de tempo, y unas estructuras inusuales. Los miembros del grupo eran muy talentosos y así lo demuestran a la hora de ejecutar los temas. 

Captain Beyond es un claro ejemplo de creatividad, donde las canciones brillan por los cambios de tempo, la fusión, las letras poéticas, la experimentación, y la mezcla de secciones suaves y melódicas con momentos más pesados y dinámicos. El grupo demuestra su gran versatilidad para crear piezas complejas y crear una atmósfera progresiva, logrando juntar todo para que funcione como una única obra cohesionada entre sí. Todo esto hace que el álbum debut de Captain Beyond sea considerado como un clásico atemporal, muy apreciado por los amantes del rock progresivo y del hard rock. 

Desafortunadamente, la formación original, debido a sus problemas internos, no duró mucho tiempo, y la banda experimentó varios cambios de miembros durante los años siguientes. A pesar de esto, lograron lanzar varios discos a lo largo e los años, pero ninguno como su debut, Captain Beyond, considerado por derecho propio como un disco de culto.

0995 - Genesis - Watcher of the Skies

0995 - Genesis - Watcher of the Skies

"Watcher of the Skies": Un Viaje Épico a Través del Tiempo y el Espacio

La icónica banda británica Genesis ha dejado una huella indeleble en la historia del rock progresivo, y su canción "Watcher of the Skies" es un ejemplo magistral de su genio musical y lírico. Lanzada en 1972 como la pista de apertura de su álbum "Foxtrot", la canción cautiva a los oyentes desde los primeros acordes con su atmósfera enigmática y su narrativa única.

Con una duración de casi diez minutos, "Watcher of the Skies" es una odisea sonora que transporta a los oyentes a un viaje a través del tiempo y el espacio. La pieza comienza con una introducción etérea de sintetizador, cortesía de Tony Banks, que crea una sensación de misterio y anticipación. Luego, las percusiones de Phil Collins se unen gradualmente, estableciendo un ritmo constante pero inquietante que impulsa la canción hacia adelante.

La voz inconfundible de Peter Gabriel entra en escena, y con sus letras poéticas, lleva a los oyentes a un mundo de fantasía y ciencia ficción. La canción se basa en una narrativa que describe la llegada de una entidad cósmica antigua, "el observador de los cielos", que regresa a la Tierra después de siglos de ausencia. Las letras evocan imágenes de una civilización olvidada y un futuro incierto, fusionando el pasado, el presente y el futuro en un tapiz lírico intrincado.

La composición musical de "Watcher of the Skies" refleja la ambición creativa de Genesis. Los cambios de ritmo y dinámicas crean una sensación de tensión que se acumula a lo largo de la canción. El interplay entre las partes de teclado de Tony Banks y las guitarras de Mike Rutherford y Steve Hackett añade profundidad y textura a la pieza, mientras que la sección instrumental central lleva a los oyentes a un frenesí emocional con su explosión de energía musical.

Uno de los aspectos más memorables de "Watcher of the Skies" es su capacidad para evocar imágenes vívidas en la mente del oyente. La música y las letras se combinan para crear una experiencia auditiva que trasciende las barreras del tiempo y la realidad. A medida que la canción llega a su clímax, los elementos musicales convergen en un clímax épico, capturando la atención y la imaginación de quienes la escuchan.

En conclusión, "Watcher of the Skies" es un testimonio del ingenio artístico y la visión innovadora de Genesis. La canción no solo es una pieza de música progresiva, sino también una aventura sonora que transporta a los oyentes a un mundo de maravilla y asombro. A lo largo de sus casi diez minutos de duración, la canción teje una narrativa intrincada y emocionalmente resonante que sigue siendo tan cautivadora hoy como lo fue en su lanzamiento.

Daniel 

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0994.- Rocky Mountain High - John Denver

 

Rocky Mountain High, John Denver

     Rocky Mounain High es el sexto álbum de estudio del cantautor estadounidense John Denver. Grabado en los RCA Studios de Nueva York bajo la producción de Milton Okun, fue publicado el 15 de septiembre de 1972 por el sello discográfico RCA Records. Este fue el primer disco del cantante en colarse en el Top 10 de ventas en Estados Unidos. La fotografía del álbum fue tomada en Slaughterhouse Falls, Rio Grande, Aspen, Colorado.

Incluido en este disco se encuentra la canción que da nombre al mismo, Rocky Mountain High, una canción de folk rock escrita por John Denver. Este tema se convirtió en una de las dos canciones oficiales del estado Colorado. La canción llegó a alcanzar el puesto número 9 en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos en 1973. 

Para escribir la canción, John Denver se inspiró en su traslado a la localidad de Aspen, en Colorado tres años antes de escribirlo. El cantautor se había enamorado del estado, de hecho esto queda patente en una de las estrofas, donde hace referencia a la destrucción de la belleza de las montañas debido al turismo comercial que había en la zona. La canción fue considerada como una pieza importante de la cultura pop de la década de los años 70, llegando a convertirse en una pieza tan importante, que se convirtió en un himno oficial del estado de Colorado. 

La canción no estuvo exenta de polémica, pues un fallo legal permitió a la Comisión Federal de Comunicaciones de Estados Unidos censurar la canción, ya que consideraban que promovía el abuso de las drogas. Muchas emisoras de radio se abstuvieron de pincharla  hasta que John Denver salió y explicó públicamente que la "euforia" era su descripción inocente de la sensación de paz que encontró en las Montañas Rocosas. En 1985 John Denver tuvo que testificar en 1985 ante el congreso en las audiencias del polémico PMRC (Parents Music Resource Center), sobre su experiencia con la canción: "Obviamente, esto fue hecho por personas que nunca habían visto o estado en las Montañas Rocosas, y tampoco habían experimentado la euforia, la celebración de la vida o la alegría de vivir que uno siente cuando observa algo tan maravilloso como la lluvia de meteoritos de las Perseidas en un cielo sin luna ...noche sin nubes, cuando hay tantas estrellas que tienes una sombra de luz de estrellas, y estás acampando con tus mejores amigos, y presentándoles uno de los espectáculos de luces más espectaculares de la naturaleza por primera vez."

0993.- 20th Century Boy - T. Rex

"20th Century Boy" es una de las canciones más enérgicas y representativas de Marc Bolan y su banda de glam rock T. Rex. Publicada como single en 1973 y posteriormente incluida en el álbum "Tanx", comparte con himnos anteriores de la banda como "Children of the Revolution" (1972) la temática de la arrolladora juventud, pero en esta ocasión más abiertamente orientada al exceso y el desenfreno característicos de los años setenta, y en un tono mucho más rockero.

Salpicada de crudos y potentes riffs de guitarra, su enérgico ritmo es el marco perfecto para el desarrollo de una historia basada en el día a día de un "chico del siglo veinte" que presume de desafiar las convenciones y el status quo impuestos por una sociedad anclada en reglas que considera completamente pasadas. En lo que puede considerarse una gran oda a la rebeldía y la búsqueda de la propia identidad, el "chico del siglo veinte" de T. Rex vive la vida al máximo y lanza orgulloso su desinhibido grito de guerra contra la monotonía y lo establecido, entre guitarras distorsionadas y pura osadía "glam rock".

Su embrujo y su fuerza se han mantenido hasta nuestros días, y no son pocos los artistas que han cantado la proclama rebelde de "20th Century Boy", y entre ellos cabría destacar la revisión que los británicos Placebo, grandes revitalizadores del glam rock en los noventa y en los primeros años del nuevo milenio, realizaron para la banda sonora de la película "Velvet Goldmine" y para su álbum "Covers" (2003) un disco que comercializaron como material extra de su exitoso álbum "Sleeping with ghosts"), y que llegaron a interpretar en directo junto a David Bowie, el gran tótem del género.

0992.- Children of the Revolution - T. Rex

"Children of the Revolution" es una de las canciones más icónicas de T. Rex, la banda liderada por el extravagante y desmedido Marc Bolan, uno de los máximos representantes del glam rock de los setenta junto al gran David Bowie. Lanzada como sencillo en 1972, se convirtió rápidamente en uno de los himnos del género, que a su manera buscaba precisamente una revolución cultural y artística en aras de la libertad sexual y de género en los primeros años setenta.

Este gran hit de T. Rex comienza con un distintivo y electrizante riff de guitarra que le da a la canción un toque inconfundible, acompañando a la rotunda y rebelde letra de Marc Bolan, que culmina en la efectiva estribillo de "You won't fool the children of the revolution" ("No engañarás a los hijos de la revolución"), todo un alegato de la revolución y el cambio que aquella generación de jóvenes estaba demandando.

Combinando elementos de rock and roll clásico con guitarras distorsionadas y la casi teatral actitud "glam" de su carismático cantante, T. Rex crearon un auténtico himno de la contracultura musical y social de los setenta, una áspera píldora que pretendía derribar las convenciones arcaicas de la sociedad, para conseguir la libertad cultural, sexual y artística que demandaba toda una generación de jóvenes del momento, representados a la perfección por los "Young dudes" ("chicos jóvenes") de Mott the Hoople y Bowie o los "hijos de la revolución" de T. Rex.

0991.- Me and Mrs. Jones - Billy Paul

 

Kenny Gamble y Leon Huff fueron músicos y compositores que se conocieron mientras tocaban en la escena musical de Filadelfia a principios de los años 60. Y poco a poco fueron espesando su sonido, añadiendo cuerdas y arreglos de trompeta barrocos y efectos de guitarra psicodélicos. Junto con el genio de la producción Thom Bell, desarrollaron lo que se convirtió en el sonido soul de Filadelfia y con ese sonido crearon Philadelphia International Records que si bien no fue el primer sello que fundaron Gamble y Huff, si que fue el que consiguieron que perdurara. Comenzaron firmando un acuerdo de distribución con Clive Davis en CBS, para entonces, ya tenían su enfoque definido: escribir y producir ellos mismos, grabar todo en el mismo estudio (Sigma Sound) con el mismo grupo de músicos de estudio tremendamente talentosos (la banda que se conocería como MFSB). Todo esto venía directamente del manual de Motown, pero con su sonido aterciopelado y extravagante, Gamble y Huff aprovecharon las tendencias cambiantes, siguiendo la música pop en la dirección más suave y ornamentada en la que viajaba. Los éxitos empezaron a llegar de inmediato. En 1972, Gamble y Huff triunfaron con " Back Stabbers " de los O'Jays (alcanzó el puesto #3, a 9) y " If You Don't Know Me By Now " de Harold Melvin And The Blue Notes (también alcanzó el puesto # 3, 7). Y al final del año, Gamble y Huff obtuvieron su primer número uno con “Me And Mrs. Jones” de Billy Paul. No sería el último.

Billy Paul era un cantante veterano de discotecas casi una década mayor que Gamble o Huff. Paul, nativo de Filadelfia como Gamble y Huff, había comenzado a grabar sencillos de jazz a principios de los años cincuenta. Había tenido una carrera larga e irregular: cantaba con algunos grupos de R&B, entabló amistad con Marvin Gaye, intentó que Elvis se uniera a una banda con él cuando sirvieron juntos en el ejército en Alemania. Gamble y Huff habían lanzado un álbum de jazz en vivo de Billy Paul en 1968 en Gamble Records, uno de sus sellos anteriores a Filadelfia Internacional. Gamble y Huff iban a tomar algo todos los días al bar que estaba abajo en el edificio de oficinas de su sello, y todos los días, el mismo hombre reunía con una mujer en este bar, se sentaban juntos durante unos minutos, hablaban en voz baja y ponían algunas canciones en la máquina de discos para luego tomaban caminos separados. A Gamble y Huff se les ocurrió una historia sobre la historia de amor que imaginaban que estaba teniendo esta pareja y la convirtieron en una canción. Hay muchas canciones pop sobre la infidelidad, pero normalmente se cantan desde el punto de vista de la parte agraviada en cambio, en ese caso, el narrador de Billy Paul es el que tiene “algo” con una mujer casada. Es una especie de relación obsesiva. Se reúnen todos los días en el mismo café a la misma hora. Hablan y hacen planes, pero no pueden estar juntos, "Ambos sabemos que está mal", canta Paul, pero no parece que piense que esté mal ya que canta sobre ella con una especie de cálido anhelo y no tiene la intención de interrumpir las cosas: “Mañana nos encontraremos en el mismo lugar, a la misma hora”. Paul insinúa que él también está engañando a alguien: "Ella tiene sus propias obligaciones / Y yo también". Paul ni siquiera canta sobre sexo, simplemente canta sobre tomarse de la mano y escuchar juntos la máquina de discos, quizás ni siquiera sea una cuestión física, seguramente sea sólo emocional. Nunca juzga a sus personajes ni imagina una salida a su situación.

Musicalmente la composición es circular, mientras que la canción pop típica sigue una estructura de verso, coro, verso, coro, puente, etc., la canción realmente tiene un movimiento unidireccional que se repite. comienza con Billy Paul cantando el título de la canción, las cuerdas en cascada, estableciéndose en un delicado ritmo de 6/8, una declaración acentuada por un golpe de caja seguido de una puñalada orquestal, el ritmo se separa para convertirse en una acumulación y luego regresar al título de la canción cantanda en agonía contenida, hasta la saciedad.

Billy Paul nunca volvería a estar cerca del top 10, aunque pasó el resto de la década grabando para Philadelphia International. Un par de décadas después, demandó a Gamble y Huff por falta de derechos de autor en “Me And Mrs. Jones”, y ganó. Llegó a los 81 años, cuando el cáncer se lo llevó.

0990.- Dama, dama - Cecilia

Evangelina Sobredo vivió una infancia cargada de traslados, durante su niñez, su padre, diplomático de profesión, estuvo destinado en Gran Bretaña, Estados Unidos, Portugal y Jordania. Desde pequeña se aficionó a la música, simultaneando el español y el inglés en sus canciones y primeras composiciones a su regreso a España, estudia la carrera de Derecho en la universidad madrileña conoce al pope del folk español, Joaquín Díaz, este le pone en contacto con otros dos músicos importantes: Nacho Saenz de Tejada y Julio Seijas, que formaban parte de Nuestro Pequeño Mundo y Aguaviva respectivamente. Juntos graban un single en 1970 bajo el nombre de Expresión pero aquella aventura apenas dura unos meses. En el descanso de una actuación en la sala JJ en la que hacía coros para Canarios, toma el micrófono y canta su tema “Portraits and pictures”, la escucha Tomás Muñoz, director de la CBS, recién instalada en España y la ficha inmediatamente y cambia su nombre por el de Cecilia en honor a un tema de Simon & Garfunkel, muy en boga por aquellas fechas.

La canción "Dama, Dama" de Cecilia retrata la vida de una mujer que aparenta ser una esposa obediente y cumplidora, que se ajusta a las expectativas sociales y principios religiosos. Las letras la describen como alguien que sigue el tercer mandamiento (presumiblemente "Recuerda el día de reposo para santificarlo") y mantiene una fachada adecuada como buena madre y esposa con una educación religiosa. Sin embargo, debajo de esta apariencia bien comportada, se esconde un deseo oculto de independencia y libertad. La frase "Y si no fuera por miedo, sería la novia en la boda" sugiere que si no fuera por el miedo, ella rompería con sus circunstancias actuales y elegiría su propio camino, simbolizado por ser la novia en una boda. Esto implica que ella se siente atrapada o limitada en su matrimonio. Las letras también mencionan que ella es amante de un "vividor", que puede interpretarse como un hombre que vive a costa de los demás o lleva un estilo de vida despreocupado. Esto podría simbolizar su anhelo de una relación más apasionada y emocionante, en contraste con su papel de esposa obediente de su esposo. A lo largo de la canción, las letras la retratan como una mujer que se esfuerza por ser más que solo una esposa y madre. Se la describe como una ávida lectora y escritora, expresando su lado intelectual y su deseo de ser creativa, incluso si va en contra de las normas de la sociedad. Sin embargo, sus intereses y ambiciones pueden ser considerados anticuados o pasados de moda, resaltando las limitaciones impuestas sobre ella. Éste era un tema bastante sorprendente para la época. Contaba muy ácidamente las miserias y las alegrías de una mujer de la aristocracia de entonces, se trataba de un mundo que conocía perfectamente, ya que la carrera diplomática de su padre la había puesto de sobrados antecedentes. “Dama, dama”, al margen de una letra que bien podría formar parte de cualquier selectiva antología de poesía social del siglo XX, es una de esas sencillas canciones perfectas con los que uno se topa de tarde en tarde. El tono airado de la voz de la cantante contrata con la suave cuerda y el ritmo comedido del acompañamiento. Los arreglos de Juan Carlos Calderón también ayudan lo suyo a la brillantez de uno de los temas más conocidos de su década. Las dos canciones de este disco pequeño formaron parte del LP “Cecilia” (CBS, 1972) que consagraría a su autora.

Cecilia es parte de la mejor historia de la música española. Su sensibilidad, su rebeldía, su dulce protesta feminista y sus composiciones inolvidables la convierten seguramente en la más grande cantautora que ha dado nuestro país. La universalidad de sus músicas y de sus letras se pone de manifiesto cuando vemos que artistas tan dispares como Manzanita, Mocedades, Julio Iglesias, Fangoria, Rocío Durcal, Manolo Tena, Le Mans, Rosario Flores y un largo etcétera han grabado sus composiciones.

Funkadelic - Standing On The Verge Of Getting It On (Mes Funkadelic)

 

Standing On The verge If Getting On, Funkadelic

     Corre el año 1974, Y Funkadelic viene de tener algún que otro problema provocado en su mayoría por el abuso de las drogas. El guitarrista Tawl Ross había dejado la banda debido a una mala experiencia con el LSD. El baterista Ramon "Tiki" Fulwood al igual que el gran guitarrista Eddie Hazel consumían drogas, por lo que George Clinton había decidido suspender sus salarios para que no se gastaran el dinero consumiéndolas. El bajista Billy Bass Nelson y Eddie Hazel habían abandonado Funkadelic a finales de 1971 por disputas financieras con George Clinton, aunque Hazel siguió contribuyendo de forma esporádica en los álbumes American Eats Its Young (1972) y Cosmic Slop (1973), y en canciones de Parliament entre 1970 y 1973.

En ese ambiente nace Standing on the Verge of Getting It On, el sexto álbum de estudio de Funkadelic, disco donde regresará Eddie Hazel, quien tendrá un mayor peso en la fase creativa y composición del disco. Para esta aventura el grupo cuenta nada menos que con 15 músicos.  El disco, producido por George Clinton, es publicado el 19 de julio de 1974 por el sello discográfico Westbound Records. La portada del disco, que presenta una provocativa imagen, también contribuyó a que el álbum fuera notorio tanto por fuera como por su contenido, donde siguen con ese único y característico sonido de musica funk fusionada con soul, rock y música psicodélica.

Hay momentos, mientras escuchamos el disco, donde todo parece caótico, extravagante y psicodélico. Hace tiempo leí una reseña donde se afirmaba este disco como un desastre loco, y no puedo estar más de acuerdo, pero Clinton y los suyos lo hacen todo entro de un orden, "loco" pero con mucho sentido. Ahí radica la grandeza de un álbum que sigue combinando con una facilidad y exquisitez extraordinarias estilos musicales, y donde nos regalan algunas muy buenas jam sesions de funk rock. 

Todo este magnífico "Desastre" comienza con uno de los mejores temas del disco, Red Hot Mama, acreditado a Bernie Worrel, George Clinton y Eddie Hazel. Es todo un enérgico trallazo de funk rock que presenta unas guitarras distorsionadas y un ritmo que se nos pega al instante. La voz de Clinton lidera la canción mientas Hazel nos demuestra por qué es uno de los guitarristas más influyentes del funk. Alice in My Fantasies, acreditada a George Clinton y Eddie Hazel, es otro de los momentos más brillantes del álbum, una pista psicodélica que juega con multitud de efectos de sonidos mezclados con unas letras surrealistas. Es uno de los temas más experimentales del disco, todo un ejemplo de lo bien que puede encajar algo que por momentos parece psicótico y extravagante. I'll stay (George Clinton, Eddie Hazel), es tranquilo y agradable momento entre tanta locura y desorden lo que nos regalan los quince músicos, una conmovedora balada soul que nos demuestra la gran versatilidad de estos músicos. Sexy Ways (George Clinton, Eddie Hazel), es otra pista de funk llena de groove y sensualidad. La sección de viento y los coros cobran un gran protagonismo en esta canción. Esta canción se encarga de cerrar la cara A del disco. 

Abre la cara B Standing on the Verge of Getting It On (George Clinton, Eddie Hazel), la canción que da nombre al álbum. Una mezcla de funk crudo con unas guitarras muy funky y unas letras muy provocativas. Este tema, junto con Red Hot Mama y Alice in My Fantasies es otro de los grandes momentos del álbum. Atentos a la guitarra de un Eddie Hazel descomunal. En Jimmy's Got a Little Bit of Bitch in Him (George Clinton, Eddie hazel) dan un sorprendente pero efectivo giro. Esta es una canción en clave de humor y con toques de hip hop que nos habla de un amigo Gay. Una canción que por aquel entonces se salía de la norma, pues en aquellos años la homofobia era reinante y mayoritaria en la música. Cierra la cara B y por tanto el disco Good Toughts, Bad Toughts (George Clinton, Eddie Hazel), Una épica y reflexiva canción con unas letras filosóficas rodeada en un ambiente psicodélico. Una experiencia auditiva única para cerrar el disco. Una curiosidad: En todas las canciones excepto en la primera, Red Hot Mama, Eddie Hazel figura en los créditos de composición con el nombre de su madre, Grace Cook. 

Stading on the Verge Of Getting It On es un caótico y psicodélico viaje musical a través de varios géneros, desde el funk más crudo, hasta la psicodelia, el rock, el hip hop o el soul entre otros. El disco tiene ese distintivo y exclusivo toque experimental que solo Funkadelic era capaz de aportar en sus trabajos, mezclar tantos estilos, darle un toque experimental, y que además todo encajara y sonara bien es algo que Funkadelic sabía hacer como pocos, y en este disco lo consiguen. El sonido P-Funk seguía evolucionando y en plena forma.

0989.- Ben - Michael Jackson

 

El 14 de Octubre de 1972, Michael Jackson fue número 1 en Billboard, una fecha para recordar pues era la primera vez que el cantante ocupa ese puesto en solitario, años mas tarde escribiría la historia sobre todo con dos de sus albums. Este primer numero 1 fue gracias a la canción “Ben”, una emotiva balada que retrata la amistad entre un niño y una rata, pero lo que esconde este single es que fue hecho originalmente para una película de terror sobre una rata sanguinaria. El filme que tiene el mismo nombre que la afamada canción es la secuela de Willard (1971). En esta película, Ben es una rata entrenada por un humano, Willard Stiles, para que actúe a su voluntad, al igual que los otros roedores que habitan en su casa. Es así como estos animales matan cuando se le ordena, pero al final se vuelven contra él. En la segunda parte de este thriller, un niño, Danny Garrison, se vuelve amigo de Ben, quien es una enorme rata. Sin embargo, se vuelve malvada y recluta a más roedores asesinos que atacan y matan a los ciudadanos de Los Ángeles. Ciertamente, una trama que se aleja de la ternura de la balada interpretada por Jackson. Si bien Ben no le fue muy bien taquilla, la canción fue un éxito superó 1.7 millones de copias solo en Estados Unidos. Con este track el joven Michael ganó un Globo de Oro a Mejor Canción y estuvo nominada a un Oscar a Mejor Canción Original en 1973. La canción de mayor éxito del segundo álbum en solitario de Michael Jackson fue "Ben" que también da título al álbum, ganó el Globo de Oro por mejor canción original y estuvo nominada para un Óscar por mejor canción original.

 

“Mi primera relación con el cine llegó cuando interpreté la canción que daba título a la película ‘Ben’ de 1972. ‘Ben’, significa muchísimo para mí. Nunca antes había hecho nada me emocionara tanto como ir al estudio a poner mi voz en el filme. Me lo pasé fenomenal”, mencionó Michael Jackson en su libro Moonwalk. Pocos fans del músico sabían realmente el trasfondo de la historia de Ben, ya que se comercializó independientemente de la película y nunca supieron que estaba dirigida a una rata… violenta y asesina. En contraste al horror descrito en la película, Ben es una tierna balada, una canción sobre la amistad, emotiva y tierna, no hay referencia alguna a los roedores: "Ellos no te ven como lo hago/ Me gustaría que lo intentaran/ Estoy seguro que lo pensarían otra vez, si tuvieran una amiga como Ben". En su libro biográfico, Jackson señalaba: "Me encanta la canción y adoro la historia". Y comparaba la trama de 'Ben' con la del filme de Steven Spielberg 'E.T., el extraterrestre', en la que él cantaba el tema Someone in the dark. Jackson explicaba: "la gente no entendió el amor del chaval por esta pequeña criatura. Él estaba moribundo, aquejado de alguna enfermedad, y su única amiga verdadera era Ben, la lideresa de las ratas de la ciudad en la que vivían. Mucha gente pensaba que la película era un poco extraña, pero yo no era uno de ellos".

0988.- Close To The Edge - Yes

 

Close To The Edge, Yes

     Close to the Edge es el quinto álbum de estudio de la banda inglesa de rock progresivo Yes. Fue grabado entre mayo y junio de 1972 en los Advision Studios de Londres bajo la producción de Eddy Offord y de la propia banda, y publicado el 8 de septiembre de 1972 por el sello discográfico Atlantic Records. Este sería el último disco de la década en el que colabora el baterista original Bill Bruford, quien encontró el disco demasiado laborioso de hacer, lo que hizo que dejara la banda y se incorporara a King Crimson. Este disco se convirtió en el mayor éxito comercial del grupo en el momento de su lanzamiento, llegando a ocupar el puesto número 4 en las listas de ventas del Reino Unido y el número 3 en la lista estadounidense Billboard 200. 

Nos vamos a centrar en la canción principal del disco, Close to the Edge, de unos 18 minutos de duración y con letras inspiradas en la novela Siddhartha de Hermann Hesse. Acreditada tanto la letra como la música a los miembros Jon Anderson y Steve Howe, se convirtió en la pieza más larga escrita del grupo en aquel momento. Anderson tuvo la inspiración inicial en su habitación de hotel mientras estaban con la gira de Fragile, su anterior álbum, mientras estaba leyendo El Señor de los Anillos de JRR Tolkien y escuchaba las Sinfonías números 6 y 7 de Jean Sibelius. 

Close to the Edge ocupa toda la cara A y se compone de cuatro movimientos. Abre The Solid Time of Change (El tiempo sólido del cambio), que transcurre bajo sonidos de agua corriente, campanillas de viento y el canto de los pájaros, sonidos que son superposiciones de cintas ambientales recopiladas en su mayoría por Jon Anderson. Estos sonidos avanzan in crescendo para desembocar en una amenazadora melodía de guitarra, la cual cambia tras un repentino cambio hacia una melodía más tradicional. El segundo movimiento, Total Mass Retain (Retención de masa total), continúa con la misma melodía y estilo, aunque la parte del bajo cambia significativamente. El coro cambia a un ritmo más rápido para luego ir disminuyendo al final de la sección. Esta es la sección más corta de las cuatro que componen la canción. En I Get Up, Get Down (Me levanto, me bajo), ralentizan significativamente el tempo y disminuyen el volumen. Esta parte consta de dos conjuntos de voces: la voz principal, cantada por Anderson, y los coros, cantados por los miembros Chris Squire y Steve Howe. Finaliza la canción con el cuarto movimiento, Seasons of Man (Estaciones del hombre), donde vuelven a un ritmo rápido con una estructura lírica y musical muy similar al primer movimiento, The Solid Time of Change, pero con unos acordes exclusivamente mayores. Las partes del órgano de Rick Wakeman son muy complejas, pues crea un efecto politonal general con la parte de guitarra en un tono diferente al del teclado. El coro se canta por última vez antes de que las voces lleguen al climax de la canción en la que se reproducen los tres temas de los movimientos anteriores.

El disco de la semana 344: Estelares álbum "El Costado Izquierdo"

El disco de la semana 344: Estelares álbum "El Costado Izquierdo"

Amigos amantes de la buena música, les tengo una recomendación que no querrán perderse, Se trata del increíble álbum "El Costado Izquierdo" de la reconocida banda argentina Estelares. Si aún no han tenido el placer de escuchar a esta banda, están a punto de embarcarse en un viaje musical fascinante que les llevará por un espectro emocional único.

Estelares, originarios de la ciudad de La Plata, Argentina, han estado en la escena musical desde 1994, "El Costado Izquierdo", es una auténtica joya que merece ser descubierta. Este álbum representa una evolución en el sonido de la banda, mostrando su versatilidad y creatividad en todo su esplendor.

En el vibrante panorama musical argentino, la banda Estelares saca a la luz su sexto álbum de estudio, titulado "El Costado Izquierdo". Con un enfoque renovado en la canción pop y la habilidad lírica de Manuel Moretti su lider, este álbum promete ser un hito en la carrera de la banda y en la escena musical local. En esta reseña, exploraremos las joyas y los momentos destacados de este álbum que demuestran por qué Estelares es una fuerza creativa en la música argentina.

Explorando la Evolución de Estelares: "El Costado Izquierdo" muestra una evolución notable en el sonido de Estelares. El liderazgo de Manuel Moretti y la colaboración de talentosos músicos enriquecen este álbum con una variedad de influencias, desde el tango hasta el pop romántico. La banda demuestra que está dispuesta a experimentar y evolucionar, sin perder su esencia.

Colaboraciones Destacadas: El álbum presenta colaboraciones notables que añaden un toque especial a cada canción. Enrique Bunbury se une a la banda en la hermosa "Aleluya", mientras que Ale Sergi de Miranda aporta su voz a "Internacional". Estas colaboraciones inyectan frescura y diversidad al álbum, mostrando la versatilidad de Estelares.

Canciones que Deleitan el Oído: En "El Costado Izquierdo", encontramos una mezcla de canciones que prometen convertirse en éxitos radiales y otras que resonarán en el corazón de los fanáticos. Desde el cautivante sencillo "Doce Chicarras" hasta la emotiva balada "Islas", el álbum ofrece una experiencia auditiva variada y emocional.

Destacando las Letras: La habilidad lírica de Manuel Moretti brilla en cada canción. Sus letras profundas y poéticas exploran temas de amor, nostalgia y reflexión. Canciones como "Rimbaud" y "Necesito" son ejemplos de su destreza para contar historias a través de la música.

"El Costado Izquierdo" es un testimonio de la madurez artística de Estelares. Este álbum demuestra que la banda sigue siendo una fuerza innovadora en la música argentina, dispuesta a explorar nuevos territorios sonoros sin perder su identidad. Con colaboraciones sorprendentes y letras conmovedoras, este álbum es una joya que merece un lugar destacado en la colección de cualquier amante de la música. Estelares demuestra que la música argentina está más viva que nunca y que su legado musical continúa creciendo.

Para aquellos que buscan nuevas voces en el rock argentino, este álbum es una parada obligatoria. Estelares demuestra que la música argentina está más viva que nunca y que su legado musical continúa creciendo. Cada canción es una invitación a un viaje musical lleno de emoción y evolución, y es una recomendación que espero que todos disfruten al máximo.

Entonces, ¿qué están esperando? Asegúrense de escuchar "El Costado Izquierdo" de Estelares en su plataforma de música favorita y permitan que la música los envuelva en un mundo de sonidos exquisitos y letras profundas. No se arrepentirán de este viaje musical, y estoy seguro de que este álbum se convertirá en una parte inolvidable de su biblioteca musical. ¡Disfrútenlo y compartan la magia de Estelares con todos sus amigos!

Daniel

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