0828.- Uncle Albert / Admiral Halsey - Paul McCartney

"Uncle Albert/Admiral Halsey" fue publicada dentro del álbum "Ram" (1971) de Paul McCartney, y salió a la venta también como sencillo en Estados Unidos, convirtiéndose en el primer sencillo en solitario de McCartney en alcanzar el primer puesto del Billboard Hot 100 estadounidense. Acreditada a Paul y Linda McCartney (que aparece además en los coros), es un claro ejemplo del tipo de canciones que McCartney empezó a hacer en el último tramo de su carrera con The Beatles, jugando con diferentes ritmos y mezclando partes de posibles canciones, como tan magistralmente había hecho en el disco "Abbey Road".

En "Uncle Albert/Admiral Halsey" abundan los efectos de sonido para lograr el efecto paródico y casi cinematográfico que tiene la canción (lluvia, truenos, viento, gaviotas, y hasta un teléfono sonando a la espera de que alguien responda a la llamada), pero lo más impactante son los cambios de ritmo y de melodía, que hacen pensar que, como el propio título indica, estemos ante la fusión de dos canciones bien diferenciadas. La primera estaría inspirada en el tío de McCartney, al que éste recordaba con cariño y añoranza, mientras que el "Admiral Halsey" de la segunda parte estaba inspirado en un almirante estadounidense (William F. Halsey).

Para lograr el efecto nostálgico y clásico que buscaba para la canción, McCartney llamó a su amigo y productor de siempre George Martin, que realizó los arreglos de las partes orquestales, a cargo de la Orquesta Filarmónica de Nueva York, por los que "Uncle Albert/Admiral Halsey" ganó el Grammy al mejor arreglo instrumental con acompañamiento vocal en 1971.

Flaming Pie - #mesPaulMcCartney

Una noche de sábado de 1997, saliendo con los amigos por Getafe, en la céntrica calle Madrid nos topamos con un vendedor de cassettes piratas. Eran los últimos años de un formato que, aunque peor en prestaciones que el vinilo, era tan fácil de piratear como después lo sería el cd. Recuerdo perfectamente que José María Hernández, mi amigo y compañero en 7días7notas, estaba conmigo en aquel momento, pero he olvidado cuáles fueron los cassettes que se compró. Yo me llevé a casa el "Filthly lucre tour" de unos recién reunidos Sex Pistols, y el Flaming Pie de Paul McCartney.

McCartney venía de un largo silencio tras el irregular Off the Ground (1993), silencio en parte motivado por una obligación contractual con la discográfica, que le pidió que no publicara ningún trabajo durante los dos años que duró el proyecto de The Beatles Anthology, para no entrar en competencia consigo mismo, o más bien con su antiguo yo, ese que maravilló al mundo entero junto a los otros tres magníficos de The Beatles. Durante ese tiempo, McCartney limó asperezas con George Harrison y Ringo Starr, y el trabajo tanto de grabación de temas inéditos (Free as a bird y Real Love, coproducidos por George Martin y Jeff Lynne) como de revisión de las múltiples versiones y rarezas que formaron aquella antología, despertaron en él el gusto por la forma de tocar y de grabar de aquellos tiempos pasados. Todo ello, en mayor o menor medida, acabó contagiando el espíritu y el tono de Flaming Pie, uno de sus mejores trabajos en solitario.

Una de las conexiones más evidentes con aquella revisión de su pasado con The Beatles, junto a la presencia de Ringo Starr en varios temas o la producción de Jeff Lynne, es el título que McCartney decidió para el álbum, una clara referencia a una historia que Lennon contó en el diario Mersey Beat en 1961, sobre cómo habían escogido el nombre del grupo. Lennon dijo que un tipo que había salido de una "tarta en llamas" se lo había sugerido en un sueño. Y eso siempre fue para mí lo peor de este disco, porque un álbum tan personal y acertado habría merecido un título más centrado en todo lo bueno que Macca estaba ofreciendo, en lugar de volver a mirar hacia el pasado. Así que, para qué os lo voy a negar, el título me generó aquel día muchas dudas sobre lo acertado de mi compra, y le di bastantes vueltas en el camino a casa.

A la mañana siguiente, lo primero que hice al despertarme fue poner el cassette de McCartney, y todas las dudas se disiparon al escuchar The Song We Were Singing, una canción que tiene también una mirada nostálgica hacia "las canciones que cantábamos en cualquier momento determinado" y a los buenos ratos con Lennon escribiendo canciones en Forthlin Road,​ pero esa mirada es alegre y renovada, y es un energizante comienzo de disco junto a The World Tonight, uno de los sencillos del disco (el único publicado en los Estados Unidos) e If You Wanna, la primera de las tres colaboraciones con Steve Miller que se incluyen en el disco. McCartney y Miller habían colaborado anteriormente en el tema My Dark Hour (1969),​ y cuando reparó en que su hijo James era un gran seguidor de su música, le llamó para que colaborara en el disco.

Somedays es la primera balada del disco, compuesta mientras acompañaba a su mujer Linda a una sesión de fotos. Una pieza delicada y melancólica, y reforzada por los arreglos orquestales de George Martin. Tras este breve y agradable respiro, el tándem McCartney-Miller regresa con Young Boy, grabado con Steve Miller en 1995 en un estudio de Idaho en 1995. Por esa época, y hasta ya entrado 1997, se grabaron la mayor parte de los temas de Flaming Pie, y solo dos temas del disco son anteriores a ese período. Uno de ellas es Calico Skies, escrita en Long Island en 1991, en la época en que fue asolada por el huracán Bob​, y grabada en 1992, antes incluso de las sesiones de Off the Ground (1993).

Hasta aquí el disco es brillante y sin fisuras, pero la segunda parte del disco alterna buenos temas con canciones que se quedan en correcto relleno. A medio camino entre ambas categorías estaría precisamente Flaming Pie, una de esas canciones animadas y algo paródicas de Macca, que reafirma que elegirla como título del disco no fue una buena decisión, porque no encaja con la atmósfera de un disco en el que tanto McCartney como Lynne habían buscado crear una producción seria y no demasiado elaborada. En el capítulo de aciertos estaría Heaven on a Sunday, compuesta por Macca durante unas vacaciones en Estados Unidos, y que cuenta con su hijo James McCartney a la guitarra y con Linda McCartney en los coros. Por contra, Used to be bad, la tercera y última colaboración con Steve Miller, es un tema de corte blues sin demasiado gancho, y al que se le nota demasiado que proviene de una instrumentación en el estudio, más que de un trabajo compositivo específico. 

Tras un par de baladas en la que McCartney vuelve a demostrar la facilidad con la que factura melodías delicadas (Souvenir) y sentidos homenajes (Little Willow, compuesta para el hijo de Ringo Starr, tras la muerte de su madre, el disco transita por un tramo en el que la colaboración con el mítico batería se hace notar en Really Love You (compuesta por los dos ex Beatles y con Ringo en la batería) y, sobre todo, en Beautiful Night, uno de los mejores temas del álbum, una canción compuesta una década antes, en la que Ringo colabora también en las voces, y que contó también con el refuerzo de las orquestaciones de George Martin, añadidas en Abbey Road. Fue uno de los singles publicados del disco, y habría sido el final perfecto, pero Macca optó por incluir también la canción Great Day, el otro tema del disco que fue grabado en 1992, que contrasta con el tema anterior no solo por su título antagónico, sino por la sencillez de su estructura. Una canción con un simbolismo especial, pues incluye de nuevo a Linda McCartney en los coros, para acabar cerrando el que sería el último trabajo discográfico de McCartney junto a su esposa, que fallecería el año siguiente a la publicación de Flaming Pie.

Sólo una cosa me quitó más el sueño que el desafortunado título de Flaming Pie, y es que le impidiera llegar al número uno del Billboard estadounidense y de las listas de Reino Unido el disco Spice de las Spice Girls. Sin duda, un presagio de lo que le iba a pasar a la música en décadas posteriores. El picante pudo con la tarta, y hoy en día, de las llamas que gente como Lennon o McCartney una vez prendieron, solo parecen quedar las brasas.​ Menos mal que, por si aprieta el frío o me apetece un dulce, aún guardo aquel cassette de Flaming Pie, para acabar volviendo siempre que quiera a "las canciones que cantábamos en cualquier momento determinado".

Band on the run - Wings - #mesPaulMcCartney

"Banda a la fuga", el título del tercer disco de estudio de Wings, parece una nueva referencia a la separación de The Beatles, tras la que cada uno de los "fab four" emprendieron sus carreras en solitario. La de McCartney comenzó marcada por la incomprensión de su primera propuesta ("McCartney", 1970) y una más trabajada segunda entrega ("Ram", 1971) en la que lanzaba algunas pullas a su ex compañero y amigo John Lennon. Ambos discos contenían un buen puñado de canciones que dejaban entrever lo que podía ser una gran carrera en solitario, pero Macca necesitaba sentirse arropado bajo la manta de un grupo, y fundó una banda hecha a su antojo y a su medida, incluyendo a su esposa Linda McCartney a los teclados. Con Wings la cosa no empezó bien con el primer disco ("Wild life", 1971) y mejoró algo con el segundo ("Red Rose Speedway", 1972), dejando a McCartney con la sensación de necesitar escapar de alguna manera, y lanzarse a la búsqueda del camino correcto para su música.

Y eso fue lo que hizo. Casi literalmente, y cansados de la monotonía y la repetición de las grabaciones en estudios del Reino Unido, los Wings se dieron "a la fuga" y buscaron un lugar exótico en el que las nuevas canciones cobraran vida. Revisando una lista de estudios de EMI por el mundo, a McCartney le llamó la atención que hubiera uno disponible en Lagos (Nigeria), y decidió que ese sería el destino de aquella particular fuga. La idea era que toda la plana mayor de Wings viajara para las grabaciones, pero a pocas semanas del viaje, Henry McCullough abandonó el grupo, y Denny Seiwell hizo lo propio solo un día antes de la partida, dejando a los Wings en un reducido trío (McCartney, Linda y Denny Laine). Para reforzar la parte técnica de la grabación, y al no tener la certeza de qué personal se iba a encontrar en aquellos recónditos estudios africanos, McCartney recurrió al ingeniero de sonido de The Beatles, Geoff Emerick, enrolándole en el exótico viaje de una banda cada vez más "a la fuga".

Al llegar a Lagos, se encontraron un estudio de grabación localizado en un suburbio, mal equipado y en un alarmante estado de abandono, sin mesa de control y un único magnetófono de ocho pistas. La situación política del país era además complicada, gobernado por militares y sumido en una atmósfera de caos y corrupción. En una de las salidas de la pareja, Paul y Linda fueron atracados a punta de navaja, y los asaltantes se llevaron, entre otros objetos de valor, los manuscritos de McCartney y cintas con demos de las canciones que se disponían a grabar. Sin músicos, en un estudio desvencijado y teniendo que recordar las canciones de memoria, la "fuga" de McCartney parecía condenada al fracaso, pero el de Liverpool asumió las labores de guitarra principal y batería, y con Denny Laine en la guitarra rítmica, Linda en los teclados y Geoff Emerick haciendo milagros con el equipo de sonido del que disponían, entre todos sacaron adelante (con los arreglos orquestales a cargo de Tony Visconti que se añadieron ya de regreso en Londres) el que todos consideran el mejor disco de McCartney sin los Beatles, y posiblemente, el mejor disco de cualquiera de los cuatro músicos por separado, en un empate técnico con el "John Lennon/Plastic Ono Band".​ 

El disco arranca con la propia Band on the run, que fue publicada como segundo single del álbum, convirtiéndose de inmediato en un éxito a nivel mundial y vendiendo más de un millón de copias solo en Estados Unidos. A lo largo de sus más de cinco minutos de duración, Band on the run atraviesa por tres partes muy diferenciadas, que van de la balada lenta del tramo inicial, al funk-rock de la parte central, y terminando en un gran final al más puro estilo country, en la que las guitarras acústicas y el slide se entremezclan con los coros. La letra es el nexo entre las tres partes, con un claro mensaje de huida en busca de la ansiada libertad, inspirada en un comentario de George Harrison durante una reunión en las oficinas de Apple. "Si alguna vez salimos de aquí", dijo su ex-compañero, y eso es lo que McCartney se propuso hacer, inventándose "una historia sobre personas que escapan de la cárcel" y adaptando lo que recordaba de la letra tras el robo sufrido, para reflejar el estado en el que se encontraba la banda "atrapada dentro de cuatro paredes" en el estudio africano, en un estado de "sombría incertidumbre".

Tras este espectacular arranque, el ritmo no decae con Jet, la elegida como single de lanzamiento, un tema de fuerte instrumentación de guitarras eléctricas y teclados que cosechó también gran éxito, llegando al nº 7 de las listas de ventas británicas y estadounidenses, aunque no fue comparable a lo que conseguiría después Band on the run. El título de la canción se basa en el nombre de un "perro labrador retriever" de los McCartney, aunque el músico también se ha referido a un pony como el origen de la inspiración, mientras que la críptica letra parece referirse al momento en el que conoció al padre de Linda. Es una de las pocas canciones que no se grabó en Lagos, ya que fue registrada en su totalidad en los estudios Abbey Road después del regreso del grupo de su experiencia africana.

Le sigue una balada marca de la casa McCartney/Beatles, la delicada Bluebird, y la inspirada Mrs. Vanderbilt, con McCartney en uno de sus mejores momentos interpretativos y compositivos. Esta última salió publicada como single, pero solamente en Europa y Australia, y su repercusión fue, por tanto, menor a la de los dos grandes hits con los que abría fuego el disco. Cuenta con la colaboración de Howie Casey al saxofón, y durante la grabación en Lagos, se produjo un corte eléctrico que, afortunadamente, no afectó al sonido de la canción, que se registró con los generadores de emergencia.

Let Me Roll It era otra de las grandes canciones del disco, y aunque desde el principio se le negó la repercusión que habría merecido, al designarla como cara B del sencillo de Jet, se ha mantenido como pieza habitual de los conciertos de McCartney. Escrita tiempo atrás en la granja familiar en Escocia, fue finalmente grabada en las sesiones de Band on the run, y llamó especialmente la atención de la crítica especializada, que encontraba en ella un riff áspero y unos patrones compositivos más cercanos al estilo compositivo de su ex compañero John Lennon.

La cara B comienza con la delicada Mamunia y la "beatleliana" No words, que encajaría por calidad y melodía en muchos de los discos de la banda de Liverpool, para después virar hacia la experimentación y el toque conceptual que tanto le gusta a McCartney, en un tramo en el que de nuevo mezcla pequeñas partes de canciones en parece mezclar pequeñas partes de canciones en ​Picasso's Last Words, grabada junto al batería y antiguo miembro de Cream, Ginger Baker, que usó una lata como instrumento de percusión en uno de los tramos de la canción, con breves guiños a Jet y a Mrs. Vandervilt que dotan al final del disco de un aire cíclico y conceptual. Esa es también la tónica reinante en la animada Nineteen Hundred and Eighty-Five, el tema de marcado ritmo de piano con el que cierra el disco, que vuelve brevemente a la canción Band on the run tras un apoteósico tramo final con toda la banda tocando y apoyada en una exuberante orquesta.

Publicado en diciembre de 1973, Band on the run alcanzó el primer puesto en la lista Billboard 200 en tres ocasiones, y pasó siete semanas en lo alto de las listas del Reino Unido, convirtiéndose en el disco mejor vendido de 1974. La fuga de la banda no pudo tener un final mejor, y el mejor disco de McCartney tuvo también un curioso paralelismo con el mejor disco de su mítica banda de origen. Si en "Sgt. Pepper's Lonely-Hearts Club Band" los Beatles se rodeaban de imágenes de muchas personalidades históricas en una portada icónica, en Band on the run son también varias las celebridades que aparecen, sorprendidas por un gran foco de vigilancia, en el momento de intentar fugarse junto a Paul, Linda y Denny Laine. Vestidos todos como reclusos de una prisión, personajes de la talla de James Coburn, Christopher Lee, o el boxeador de Liverpool John Conteh, entre otros, participaban de la fotografía con la que se inmortalizaba una mágica e irrepetible fuga musical, que llevó a Wings al primer puesto de las listas de éxitos en Estados Unidos, Reino Unido, Australia, Nueva Zelanda, España y Noruega, y que hasta el habitualmente resentido John Lennon consideró un gran álbum.

El artista del #mesPaulMcCartney con su disco Ram

El artista del #mesPaulMcCartney, presentamos su álbum Ram

Comienza un nuevo año y con él no podía faltar un artista de la talla de Paul McCartney, que no se ustedes, pero yo creo que se merecía estar entre lo que hemos denominado el artista del mes.

Y para comenzar este mes iremos con uno de sus álbumes como solista, su titulo Ram, que es el segundo álbum de estudio de su carrera como solista después de la separación de The Beatles. 

Pero no sólo es el segundo álbum sino que Ram es el único álbum acreditado al dúo musical entre Paul McCartney y Linda McCartney, lanzado el 17 de mayo de 1971 por Apple Records. Que fue grabado en Nueva York con los guitarristas David Spinozza y Hugh McCracken, y el futuro baterista de Wings Denny Seiwell. 

De este álbum se editaron tres singles, "Uncle Albert / Admiral Halsey", y este fue el primer éxito número 1 de Paul McCartney  en Estados Unidos sin The Beatles, luego "The Back Seat of My Car" y "Eat at Home".

Las canciones básicas del álbum se grabaron en el Estudio B de Columbia del 12 de octubre al 20 de noviembre de 1970 antes de que los Paul McCartney regresaran a su granja escocesa para las vacaciones de Navidad. El trabajo continuó en los Studio B y A&R Recording Studios, Nueva York, donde desde la segunda semana de enero de 1971 hasta febrero. Tocando la guitarra o el piano y cantando al mismo tiempo, Paul McCartney optó por sobregrabar su bajo más tarde. Aunque era un proyecto colaborativo, las funciones vocales de Linda McCartney se limitaban principalmente a cantar armonías y apoyar a Paul McCartney, quien cantaba casi todas las partes principales. Linda McCartney cantó como co-líder en "Long Haired Lady". Así también la hija de los McCartney, Heather, que había sido adoptada por Paul McCartney el año anterior, cantó coros en "Monkberry Moon Delight". de la secuencia del álbum incluía "Little Woman Love" y canciones que luego aparecieron en el álbum Red Rose Speedway de Wings de 1973 : "Get on the Right Thing", "Little Lamb Dragonfly" y "Big Barn Bed". "I Lie Around", publicado como cara B del single de Wings de 1973 "Live and Let Die", se grabó durante estas sesiones. También se grabó la primera encarnación de "Seaside Woman". Paul McCartney también grabó "Hey Diddle", "A Love for You", "Great Cock and Seagull Race", "Now Hear This Song of Mine", "Rode All Night", "Sunshine A veces" y "When the Wind Is Blowing".

Según Peter Brown, ex socio comercial de The Beatles, John Lennon creía que varias de las canciones de Ram contenían burlas personales dirigidas a él y a Yoko Ono, entre ellas "Dear Boy" y, en particular, "Too Many People". Paul McCartney admitió más tarde que algunas de las letras de "Too Many People" habían sido "una pequeña provocación para John y Yoko", con "prácticas de predicación" y "tomaste tu golpe de suerte y lo partiste en dos" como referencias directas a Lennon. Brown también describió la imagen de dos escarabajos copulando en la contraportada como un símbolo de cómo McCartney sentía que los otros Beatles lo estaban tratando. Se dijo que George Harrison y Ringo Starr interpretaron la canción "3 Legs" como un ataque contra ellos y Lennon. Según McCartney, "Dear Boy" estaba dirigida al exmarido de Linda, y no a Lennon.

Todo ello hizo que tras su lanzamiento, el álbum Ram fue recibido de manera negativa por parte de la prensa musical, la cual estaba mayormente influenciada por la reciente separación de The Beatles aunque, con el paso de los años, la crítica ha sido mucho más favorable con el álbum, y es un álbum que a pesar de las críticas, a nivel comercial Ram obtuvo un mayor éxito y encabezó las listas de álbumes más vendidos en países como Canadá, España, Noruega, Países Bajos, Reino Unido y Suecia. 

Por todo ello, en este el primer mes del año seguiremos recorriendo la carrera de Paul McCartney en su etapa solista, en lo que hemos denominado como #mesPaulMcCartney. 

Daniel 

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0694.- The long and winding road - The Beatles

Si hay que elegir una canción que personifica el triste final de The Beatles, sin duda 'The Long and Winding Road' es esa canción. Escrita por Paul McCartney en 1968 cuando las tensiones en el grupo comenzaban a llegar a un punto crítico, es fundamentalmente una canción triste donde destaca el genio de McCartney para escribir canciones. Para crearla se refugio en su High Park Farm en Kintyre, inspirado por la tranquila belleza de la costa oeste de Escocia y con su héroe Ray Charles en mente. Ha dicho que, cuando la escribió, se sentía "enloquecido y tropezado", un mejor giro de frase que cualquier cosa que escribiría en la canción. Sobre el papel, es una canción sobre la disolución de una relación romántica. Y tal vez eso es en parte lo que hizo que McCartney escribiera la canción; después de todo, estaba terminando una relación y comenzando otra. Pero el metatexto, la historia que todos deben haber entendido cuando escucharon la canción, es que los Beatles se estaban alejando unos de otros y que la canción era la reacción de McCartney a lo que estaba sucediendo, los desacuerdos sobre quién iba a manejar el grupo aumentaron las tensiones y la desconfianza, Paul McCartney estaba pensando en la figura de su futuro suegro, Lee Eastman, mientras que John Lennon estaba a favor de Allen Klein, veterano de la compañía discográfica de Nueva York y gerente de los Rolling Stones. Ringo Starr y George Harrison se pusieron del lado de Lennon y, para aumentar la frustración de McCartney, Klein le dio las cintas de 'Let it Be' al productor estadounidense Phil Spector, quien agregó cuerdas y un coro a Long and Winding Road. McCartney sintió que su idea de volver a lo básico había sido completamente saboteada. No sería una exageración decir que Paul detestaba la versión de Phil Spector de 'The Long and Winding Road' y dijo que no había aprobado la mezcla, pero esa es la que terminó en el álbum 'Let It Be'. Antes de su lanzamiento en abril de 1970, un furioso McCartney había enviado una carta al entonces gerente Allen Klein de Apple Corps Ltd objetando el uso de cuerdas, trompetas y el coro en "su" canción, pero fue en vano. George Martin se puso del lado de las objeciones de McCartney alegando que las mezclas de Spector se habían hecho sin su conocimiento o participación. La 'alteración' de 'The Long and Winding Road' de Spector fue en realidad una de las seis razones citadas por McCartney en la audiencia de disolución de The Beatles en el Tribunal Superior.

La canción en sí, que provocó tantas discusiones, es una balada simple pero inspirada que evoca lo inalcanzable, el camino que nunca se llega al final. La voz de McCartney es inquietante y melancólica y es como si supiera que este era literalmente el final de The Beatles, no tiene un coro tradicional como tal y el tema de apertura se repite a lo largo, es obvio que McCartney quería que siguiera siendo una balada simplificada, pero las cosas se le escaparon de control. Los críticos de la época tampoco quedaron impresionados, se burlaron del uso de orquestación de Spector, un crítico de la revista Rolling Stone afirmó que 'Long and Winding Road' era prácticamente imposible de escuchar debido a la producción de Spector. Cuando escuchas la versión simplificada de 'The Long and Winding Road' que se lanzó en 2003 en 'Let It Be... Naked' la voz de McCartney es verdaderamente magnífica. 'The Long and Winding Road' se convirtió en el último número 1 de The Beatles en los EE. UU. (su vigésimo), estableciendo un nuevo récord de Billboard. Desde entonces, Paul McCartney ha vuelto a grabar la canción muchas veces sin orquestación y es una característica habitual de sus conciertos 'en vivo', es como si estuviera tratando de exorcizar al fantasma de Phil Spector. entonces, Paul McCartney ha vuelto a grabar la canción muchas veces sin orquestación y es una característica habitual de sus conciertos 'en vivo'; es como si estuviera tratando de exorcizar al fantasma de Phil Spector. 

0693-. Get Back - The Beatles

 

Get Back, The Beatles

     El 8 de mayo de 1970 el mítico cuarteto de Liverpool, The Beatles, publica su duodécimo álbum de estudio, Let It Be, el cual supondría el último debido a su separación. El disco es grabado entre febrero de 1968 y enero de 1969, y entre enero y abril de 1970, en los estudios Apple, EMI y Twickenham, todos situados en Londres, bajo la producción de Phil Spector, y publicado por la compañía discográfica Apple Records.

A pesar de haberse grabado en su mayoría a comienzos de 1969, es considerado el último trabajo del grupo puesto que fue lanzado después de Abbey Road, que fue publicado en septiembre de 1969. Los ensayos fueron tensos, con constantes discusiones entre los miembros del grupo, que desde sus anteriores discos ya venían teniendo unas relaciones más que tensas entre ellos. No obstante, a pesar del ambiente en el que fue concebido, es considerado como uno de los mejores álbumes de la historia de la música, a pesar incluso de que no gozó de la adeptación de la crítica en aquel momento. 

Incluido en este disco se encuentra el corte Get Back, escrito principalmente por Paul McCartney pero acreditado finalmente al dúo Lennon / McCarteny. Como sencillo, lanzado el 11 de abril de 1969, alcanzó el puesto número 1 en Reino Unido, Estados unidos, Alemania Federal, Australia y México, siendo el único sencillo (junto con el lado B Dont't Let Me Down) donde comparten créditos con otros artistas (Billy Preston).

Las primeras versiones de la canción incluían la línea "No me gustan los paquistaníes". La canción comenzó como un comentario sobre la inmigración, diciéndole a la gente que "regresara" a sus propios países. Estaba destinada a burlarse de los defensores anti inmigrantes de Gran Bretaña. Paul McCarteny acabaría pensándoselo mejor al final y suavizó la letra de la canción. Get back iba a ser en un principio el título del álbum y de un documental sobre como harían el álbum. El grupo había dejado de hacer giras en 1968 debido al agotamiento, pero reavivaron su pasión por las actuaciones en vivo después de filmar la película promocional Hey Jude en septiembre de 1968. Get Back fue la canción que más cerca estuvo de captar el espíritu de un álbum que querían concebir como si se tratara de un directo, pero el disco acabó convirtiéndose en algo completamente diferente. Se le pidió a Glyn Johns, que diseñara y ensamblara las sesiones a partir de lo que en realidad eran cintas de ensayo. Después de ensamblar el álbum, se editaba el documental Let It Be a partir de la película del grupo ensayando en el estudio y tocando en la famosa azotea de Apple Records. Phil Spector, que había trabajado en la canción Instant Karma, fue contratado para producir el álbum Get Back, que acabaría siendo titulado Let It Be.

0692 - The Beatles - Let it be

0692 - The Beatles - Let it be

Let It Be es una canción de la banda de rock inglesa The Beatles, lanzada el 6 de marzo de 1970 como sencillo y en una mezcla alternativa como la canción principal de su álbum Let It Be. Fue escrita y cantada por Paul McCartney y acreditada a la asociación Lennon-McCartney. La versión single de la canción, producida por George Martin, presenta un solo de guitarra más suave y la sección orquestal mezclada en voz baja, en comparación con la versión del álbum, producida por Phil Spector, que presenta un solo de guitarra más agresivo y las secciones orquestales mezcladas en voz más alta.

McCartney dijo que tuvo la idea de Let It Be después de haber tenido un sueño sobre su madre durante el tenso período que rodeaba las sesiones de The Beatles ("The White Album") en 1968. Mary Patricia McCartney murió de cáncer en 1956, cuando tenía catorce años. Al ensayar la canción con The Beatles en enero de 1969, en lugar de la letra de "Mother Mary", McCartney ocasionalmente cantaba "Brother Malcolm", una referencia al asistente de The Beatles, Mal Evans. McCartney dijo más tarde: "Fue genial volver a visitarla. Me sentí muy bendecido de tener ese sueño. Eso me llevó a escribir 'Let It Be'". En una entrevista posterior, dijo sobre el sueño. que su madre le había dicho: "Todo estará bien, simplemente déjalo estar". Cuando se le preguntó si la frase "Madre María" en la canción se refería a María, madre de Jesús, McCartney generalmente respondió que los oyentes pueden interpreten la canción como quieran.

El single usó las mismas fotografías de portada que el álbum Let It Be y fue lanzado originalmente el 6 de marzo de 1970, respaldado por "You Know My Name (Look Up the Number)", con un crédito de producción de George Martin. Esta versión incluye orquestación y coros doblados el 4 de enero de 1970, bajo la supervisión de Martin y McCartney, con coros que incluían la única contribución conocida de Linda McCartney a una canción de The Beatles. Fue durante esta misma sesión que Harrison grabó el segundo solo de guitarra sobregrabado. En un momento dado, la intención era que los dos solos sobregrabados tocaran juntos. Esta idea se abandonó para la mezcla final del single, y solo se utilizó el solo del 30 de abril, aunque la sobregrabación del 4 de enero se puede escuchar débilmente durante el verso final. Martin mezcló la orquestación muy bajo en esta versión.

La mezcla del single hizo su debut en el álbum recopilatorio de The Beatles de 1967-1970. Las ediciones originales muestran erróneamente el tiempo de ejecución de 4:01 (del álbum Let It Be), y no el tiempo de ejecución de la versión single de 3:52. Esta versión también se incluyó en 20 Greatest Hits, Past Masters Volume 2 y 1.

El álbum Let It Be  de 1972 de Melodiya fue el primer lanzamiento de The Beatles en la Unión Soviética. El álbum de vinilo de 3 pistas y 7 pulgadas, también incluía "Across the Universe" y "I Me Mine".

Daniel 

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0691.- Across the Universe - The Beatles

Across the Universe hizo en su 40 aniversario honor a su título, y viajó "A través del Universo" el 5 de febrero de 2008, a las 00:00 UTC, en una transmisión de la NASA en dirección a la estrella Polaris, a 431 años luz de la Tierra, desde el DSN's Madrid Deep Space Communication Complex, en las afueras de Madrid. Casi treinta años antes, el que escribe estas líneas era solo un crío cuando en la radio escuchó por primera vez la que, desde entonces, es su canción favorita de The Beatles.

Compuesta por John Lennon en 1968, y acreditada como siempre al dúo Lennon-McCartney, antes de ser incluida en el disco Let it be (1970) apareció en un álbum benéfico titulado No One's Gonna Change Our World (1969). Tras una discusión con Cintia Powell, a Lennon le vino a la cabeza la frase "pools of sorrow, waves of joy" ("estanques de pena, olas de alegría"), y a partir de ahí construyó la canción, que poco después acabaría grabando con The Beatles en una única ocasión, aunque a partir de esa única grabación se editaran después dos versiones de la canción, con elementos añadidos que hacían que parecieran diferentes.

Lennon no estaba muy seguro de la grabación original, por lo que estuvo guardada en un cajón hasta 1969, cuando fue incluida en No One's Gonna Change Our World con el añadido de sonidos de pájaros. Los Beatles trabajaron con ella prescindiendo de los pájaros y acelerando la canción un semitono, hasta que el productor Phil Spector la ralentizó de nuevo, incluso por debajo de la velocidad original, para añadirle un coro y una orquesta. La versión original, tal y como la grabaron los "Fab Four", se encuentra en el disco Let It Be... Naked (2003), una reedición en la que McCartney eliminó los añadidos de Spector, intentando recuperar el alma del proyecto original de Let it be, pensado como una vuelta a los orígenes de los cuatro Beatles, en un disco "desnudo" de arreglos y añadidos. No en vano, el primer título del disco iba a ser Get Back ("Vuelve atrás"). El bueno de Macca no sabía que esa vuelta iba a ser en realidad un camino sin retorno, como si una gran explosión cósmica los hubiera lanzado a cada uno en una dirección, a toda velocidad, a través del Universo.

0686: Maybe I'm amazed - Paul McCartney

El álbum McCartney (1970) recibió en general malas críticas en el momento de su salida al mercado, quizá perjudicado por la atmósfera de disputa que Paul McCartney vivía con el resto de The Beatles, y durante mucho tiempo tanto los críticos como sus excompañeros solo tuvieron buenas para algunas pocas canciones del disco, en especial para Maybe I'm Amazed, el tema más completo y más elaborado de una grabación, en general, bastante casera y minimalista.

Aunque por decisión de McCartney no hubo ningún single de promoción del disco, Maybe I'm Amazed es, de facto, el sencillo estrella de aquel álbum, porque fue emitido en numerosas radios estadounidenses. Su compañero George Harrison la describió como "genial" junto a That Would Be Something, mostrando escaso interés en el resto del disco.

Fue una de las últimas canciones en ser grabadas para McCartney, cuando salió de su retiro en su granja escocesa, y regresó a los estudios de Abbey Road para dar los últimos toques a los temas ya grabados. Así, el 22 de febrero de 1970 grabó allí los que probablemente sean los dos mejores temas del disco: Every Night y Maybe I'm Amazed, una balada dedicada a Linda e interpretada al piano que se encuentra a la altura de los mejores temas de la carrera de McCartney tanto en solitario como con The Beatles. Ambas siguen hoy mostrando las dotes para la melodía del genial músico de Liverpool.

0666.- Instant Karma - John Lennon

Instant Karma! (We All Shine On) es una canción publicada por John Lennon en formato single en 1970. Lennon se despertó una mañana con la idea de una canción sobre el concepto de que las consecuencias de las propias acciones fueran inmediatas, en lugar de irse desarrollando durante la vida. Escribió la letra y trabajó en el piano de su casa una melodía que encajara con aquella primera composición, y quiso después grabarla de inmediato, así que llamó a George Harrison, y acto seguido al productor Phil Spector, al que le dijo simplemente: "Ven a Apple rápido, acabo de escribir un monstruo".

La canción fue creada, escrita, grabada y lanzada en tan solo diez días, convirtiéndose en una de las canciones más rápidas en ver la luz en la historia de la música, algo que Lennon resaltó durante la promoción del single, comentando que "se escribió para el desayuno, se grabó para el almuerzo y se sacó para la cena". Fue grabada en los estudios de Abbey Road, con John Lennon a la voz y la guitarra acústica y con la contribución de George Harrison (guitarra eléctrica), Klaus Voormann (bajo), Alan White (batería) y Billy Preston (órgano) en la pista básica de la canción, a la que después se añadieron los múltiples overdubs característicos del "muro de sonido" de Spector.

Lennon pidió a Spector que Instant Karma! tuviera el sonido y el eco de las viejas grabaciones de los 50, y para crear el efecto deseado y el muro de sonido con tan solo cinco músicos, Lennon añadió un piano de cola, mientras Harrison y White compartían otro piano y Voormann hacía lo propio a las teclas de uno eléctrico. El que fuera ayudante de los Beatles, Mal Evans, tocó unas campanillas, y se incluyo una segunda parte de batería amortiguada. En lugar de un solo instrumental, Lennon soltó una serie de ruidos y gruñidos, y para grabar los coros invitaron a los clientes de un pub cercano a que se unieran a la grabación. Spector quiso después agregar sus habituales secciones de cuerda y orquesta, pero Lennon insistió en que Instant Karma! estaba ya completa.

La canción recibió críticas muy positivas y es considerada como una de las mejores grabaciones de la carrera en solitario de Lennon, elogiando que tenía un sonido retro único y decadente que nunca antes había conseguido en sus grabaciones con The Beatles. Comercialmente fue también un éxito, llegando al nº 3 del Billboard y el nº 5 de las listas británicas. Todo un "Instant hit!" en palabras de Chris Welch de la revista Melody Maker. Un éxito directo e inmediato, como el Karma del que todo el mundo hablaba, que para Lennon era como el café de los anuncios de televisión. Lo pensó, lo grabó y lo presentó al mundo en muy poco tiempo, para que su idea del Karma instantáneo nos atrapara en un abrir y cerrar de ojos.

0617.- Golden Slumbers / Carry that weight – The Beatles

 

Cierra el álbum un medley o como se llama coloquialmente un popurrí de canciones que crearon, con respecto a este particular tema McCartney lo dejo claro, "Tenía un par de fragmentos que no estaban terminados, eran canciones que necesitaban tal vez un medio, un segundo verso o un final. Estaba tocando el piano en Liverpool en la casa de mi padre, y el libro de piano de mi hermanastra Ruth estaba en el atril, lo estaba hojeando y vi la letra de 'Golden Slumbers', no puedo leer música y no podía recordar la vieja melodía, así que comencé a tocar mi propia melodía. Me gustaban las letras, así que las conservé y encajaba con otra parte de la canción que tenía".

 

Paul McCartney compuso "Carry That Weight" como reacción a los diversos problemas de la banda. En Many Years from Now , McCartney le dijo al autor Barry Miles que “en ciertos momentos, las cosas me afectan tanto que ya no puedo estar optimista y esa fue una de esas veces. Estábamos tomando tanto ácido y tantas drogas y toda esta mierda con el abogado Allen Klein estaba revoloteando y todo se estaba complicando y se estaba volviendo más y más loco, llevar ese peso mucho tiempo, como si estuviera ahí para siempre, a eso me refería con esta canción.  Finaliza el popurrí “The end”, estamos en puertas de lo se convertiría en el género “Hard Rock” de la década de 1970, Paul decidió que la conclusión del popurrí debería tener un sonido pesado de guitarra, siguiendo la tendencia de finales de los 60, liderada por artistas como Jimi Hendrix, Mountain y Iron Butterfly, por citar solo algunos ejemplos, The Beatles tocaron un intrincado y bien ensayado instrumento instrumental de guitarra eléctrica distorsionada. Este segmento final simplemente titulado "Final", sólo duró un minuto y veinte segundos, concluyendo con una parada repentina. No fue hasta principios de agosto que a Paul se le ocurrió una idea lírica final para acompañar la conclusión temática de "The End". El libro de Paul “Muchos años a partir de ahora” dice: “Shakespeare terminó sus actos con un pareado en rima para que la audiencia supiera que habían terminado. Quería que terminara con un pequeño pareado significativo, así que seguí al Bardo y escribí un pareado”. John lo aprobó, como dijo en su entrevista de 1980: “Tenía la frase perfecta: ' El amor que recibes es igual al amor que haces '. Justo lo que han sido The Beatles, no se puede expresar mejor un final, el final de los mas grandes.

0616.- Here Comes The Sun - The Beatles

 

Here Comes The Sun, The Beatles

     El 26 de septiembre de 1969 se publica el undécimo álbum de estudio de The Beatles, Abbey Road. El disco es grabado en sesiones entre el 22 de febrero y el 20 de agosto de 1969 entre los Emi, Olympic y Trident estudios, todos en Londres, bajo la producción de George Martin, y con Geoff Emerick como ingeniero de sonido, quien se embarcaba en el proyecto tras haber abandonado un año atrás y dejando a medias la grabación de las sesiones del álbum The Beatles. Abbey Road ha sido catalogado por la crítica como uno de los álbumes mejor elaborados de The Beatles. En 2005 la revista Rolling Stone lo colocó en el puesto número 5 de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Incluido en el álbum se encuentra el tema Here Comes The Sun, escrita por George Harrison, una de sus dos contribuciones en la composición de temas del disco junto a Something. Here Comes The Sun fue escrita por Harrison y para su composición influyó la canción Badge del grupo Cream, que había sido coescrita por Eric Clapton y George Harrison. Esta fue una de las pocas canciones en las que no participó John Lennon en ningún instrumento. George Harrison se encargó de la voz, coros, guitarra acústica, sintetizador mog y palmas, Paul McCartney de los coros, bajo y palmas, y Ringo Starr de la batería y las palmas. Además, en la canción podemos escuchar 4 violas, 4 violonchelos, 1 contrabajo, 2 piccolos, 2 flautas, 2 flautas altas y 2 clarinetes.

La canción fue escrita por Harrison mientras se encontraba en el jardín de la casa de Eric Clapton mientras descansaba de las interminables reuniones de negocios de Apple, la corporación del grupo. La canción se inspiró en los largos inviernos de Inglaterra, y según Harrison el día que la escribió estaba soleado: "Era un día soleado muy agradable, y tomé la guitarra, que era la primera vez que la tocaba en un par de semanas porque había estado muy ocupado". Y lo primero que salió fue lo que a la postre sería la canción, una canción que terminaría más tarde mientras se encontraba de vacaciones en Cerdeña.

0615.- Something - The Beatles

Tras las tensas sesiones del Álbum Blanco y Let it be, los rumores de un nuevo proyecto de The Beatles ponían los pelos de punta al personal de Abbey Road, anticipando los problemas y los conflictos de esas grabaciones. Sin embargo, en las sesiones de Abbey Road, Paul McCartney se mostró más conciliador, John Lennon menos sarcástico, Ringo igual de apacible, y George Harrison aportó la confianza y la madurez que había volcado en sus nuevas composiciones, brillando con luz propia en temas como Here comes the sun y, muy especialmente, Something, la primera canción de Harrison en aparecer como cara A de un single de The Beatles.

Harrison había empezado a trabajar en Something en la época en la que The Beatles grabaron su "disco blanco". Mientras McCartney grababa un overdub para otra canción de aquel disco, Harrison fue a una sala vacía y escribió los primeros versos de la canción, que no llegaría a entrar finalmente en aquel disco, porque ya habían completado todas las pistas que necesitaban, y porque la primera intención de Harrison fue cederla a otro artista, por considerarla demasiado simple. El primer candidato fue Jackie Lomax, pero acabó en manos de Joe Cocker, que llegó a grabarla y publicarla dos meses antes de que la versión de The Beatles encontrara por fin su momento estelar en single y su hueco en el disco Abbey Road. Durante la grabación, las primeras versiones duraban hasta ocho minutos, con una parte final de piano a cargo de Lennon y un cambio de melodía en mitad del tema. Ambos tramos fueron eliminados de la versión final, pero la parte del piano no se logró borrar del todo, y se escucha parcialmente en la pista de los coros. Lennon aprovecharía después el piano eliminado para construir su canción Remember, ya en su faceta en solitario. 

Para la difusión de la canción se rodó un video promocional, consistente en escenas de cada uno de los Beatles con sus respectivas parejas. Eso llevó a que muchos asumieran que la letra de la canción estaba inspirada en la pareja de Harrison (Pattie Boyd), pero él siempre dijo que escribió la canción sin pensar en nada o nadie en concreto, llegando incluso a comentar que, en el momento de escribirla, la única persona que tenía en mente era Ray Charles. Podemos asumir que su fuente de inspiración no tuviera nombre y apellidos concretos, pero entonces estaríamos hablando de la mejor canción de la historia inspirada en temas como la duda y la incertidumbre, y con una carga sentimental fuera de lo común para esos dos sentimientos o estados de ánimo. No es que no te creamos George, pero nos cuesta creer que no hubiera "algo" de amor en una obra tan grande.​

0565 With a Little Help from My Friends - Joe Cocker

0565 With a Little Help from My Friends - Joe Cocker 

Uno de los clásicos de la música de The Beatles es With a Little Help from My Friends, pero también es el álbum debut del cantautor Joe Cocker, lanzado a fines de abril de 1969 donde Joe Cocker hace una versión de esta canción. El álbum fue certificado oro en los EE. UU. y alcanzó el puesto 35 en el Billboard 200. 1972 en el número 29 cuando fue relanzado como un paquete doble con el segundo LP de Cocker, Joe Cocker!.

With a Little Help from My Friends fue escrita por John Lennon y Paul McCartney e interpretada originalmente por los Beatles en el álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band; ha sido incluido tanto en el Salón de la Fama de los Premios Grammy como en el Salón de la Fama del Rock and Roll. 

La versión de Cocker fue el tema principal de la serie de televisión The Wonder Years durante las décadas de 1980 y 1990.

En 2015, la compañía Audio Fidelity lanzó una reedición limitada del álbum en formato SACD híbrido como tributo a Joe Cocker.

Daniel 

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0512.- Blackbird - The Beatles

Blackbird, The Beatles

 

     En muy pocos años John Lennon, Paul McCartney, Ringo Starr y George Harrison habían pasado por muchas cosas, habían tocado la cima con Revolver y Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, pero también habían sufrido los sinsabores de la crítica tras el fallido proyecto de Magical Mystery Tour. Según relata el ingeniero de sonido Geoff Emerick en sus memorias sobre el grupo, a su vuelta del viaje de la India, donde habían estado realizando meditación trascendental con el Masharishi Mahesh Yogi en Rishikesh, India, parecían personas diferentes, si antes eran modernos y exigentes, ahora iban desaliñados y descuidados, donde antes había ingenio y buen humor, ahora había irritación y enfado, si antes era divertido estar con ellos, ahora era un sufrimiento ya que siempre estaban enfadados.

Las sesiones de grabación fueron extremadamente difíciles, siempre estaban discutiendo y nunca se ponían de acuerdo, un álbum muy tenso en todos los sentidos. John, Paul, Ringo y George habían ido en busca de la paz interior, pero a su vuelta no se sabe si la encontraron. Un indicador fue cuando empezaron a llegar de su retiro en la India por separado, si antes hacían todo juntos, ahora no iba a ser el caso. A los problemas personales entre el grupo, entre los que también se encontraba la gran pérdida de Brian Eipstein, se le juntaron los problemas en los negocios. El grupo había decidido representarse a sí mismo y además habían creado una empresa llamada Apple Corps, para dar oportunidades a artistas desconocidos. En definitiva, los cuatro chicos de Liverpool, quizás acuciados por la presión, empezaron a llevarse los problemas al estudio. A todo esto hay que sumar que Ringo Starr abandona la banda brevemente en agosto de 1968, que Yoko Ono empieza a irrumpir y asistir a las sesiones de grabación del álbum, algo que molesta a Paul, George y Ringo, que George Martin decide bajarse del barco pidiendo un permiso vacacional, y que Geoff Emerick, el mago de la ingeniería de sonido, harto de tanta presión y ante la dificultad de trabajar en ese tumultuoso ambiente, el 16 de julio de 1968 renuncia y abandona el trabajo de grabación del álbum. Todo se desmoronaba. 

En ese ambiente fue creado The Beatles, también conocido como White Album (Álbum Blanco), publicado el 22 de noviembre de 1968 por la propia discográfica del grupo, Apple Records, y grabado entre el 30 de mayo y el 14 de octubre de 1968 en los EMI Studios y los Trident Studios de Londres. La mayoría de las canciones fueron escritas entre marzo y abril de 1968, durante el curso de meditación trascendental que el grupo había realizado en Rishikeshi, India. El álbum consiguió el puesto número uno tanto en las listas del Reino Unido como las de Estados Unidos, y si en un principio recibió críticas mixtas por parte de los críticos musicales, con el tiempo ha sido considerado como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. La revista Rolling Stone colocó en el años 2003 este álbum en el puesto número 10 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Irónico que en un clima de tanta tensión externa como interna del grupo, fueran capaces de sacarse una de sus mejores álbumes. The Beatles fue concebido como un doble álbum con 30 temas. Más adelante surgiría la duda en el grupo sobe si quizás hubiera sido mejor  haber sacado un LP normal en vez de doble. 

Incluido en el este álbum se encuentra la canción llamada Blackbird, escrita por McCartney mientras se encontraba en Escocia. Lo hizo como una reacción a las tensiones que se estaban intensificando en Estados Unidos en la  primavera de 1968. La canción es interpretada por Paul en solitario, acompañado únicamente de una guitarra acústica. También se puede oír de fondo un sonido que fue confundido en un principio con un metrónomo. En realidad es el sonido de los zapatos de Paul, que fueron capturados al poner Geoff Emerick un micrófono al lado de estos. El canto de los pájaros fue grabado con una de las primeras grabadoras portátiles de la discográfica EMI.

0511 - Ob-La-Di, Ob-La-Da - The Beatles

0511 - Ob-La-Di, Ob-La-Da -  The Beatles

Ob-La-Di, Ob-La-Da es una canción de la banda de rock inglesa The Beatles de su álbum doble de 1968 The Beatles, también conocido como "el Álbum Blanco". 

Fue escrita por Paul McCartney y acreditada a la pareja Lennon-McCartney. Tras el lanzamiento del álbum, la canción se publicó como sencillo en muchos países, aunque no en el Reino Unido ni en Estados Unidos, y ocupó los primeros puestos en las listas de singles de Australia, Japón, Nueva Zelanda, Suiza y Alemania Occidental. 

Cuando se publicó tardíamente como sencillo en Estados Unidos en 1976, alcanzó el número 49 en el Billboard Hot 100.

Paul McCartney comenzó a escribir Ob-La-Di, Ob-La-Da durante la estancia de los Beatles en Rishikesh, India, a principios de 1968.

McCartney escribió la canción cuando el reggae se estaba haciendo popular en Gran Bretaña; el autor Ian MacDonald la describe como "el tributo bastante aproximado de McCartney al lenguaje del ska jamaicano". 

El personaje de Desmond en la letra, desde la línea de apertura "Desmond has a barrow in the market-place", era una referencia al cantante de reggae Desmond Dekker, que había realizado recientemente una gira por el Reino Unido. La frase "Ob-la-di, ob-la-da, life goes on, brah" era una expresión utilizada por el conguero nigeriano Jimmy Scott-Emuakpor, un conocido de McCartney. 

Según la viuda de Scott, como parte de su actuación en el escenario con su banda Ob-La-Di Ob-La-Da, Scott gritaba "Ob la di", a lo que el público respondía "Ob la da", y él concluía: "La vida sigue". McCartney tuvo algunos problemas legales con la frase, pero finalmente se resolvió el litigio. 

Daniel 

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0510.- While my guitar gently weeps - The Beatles

While My Guitar Gently Weeps ("Mientras mi guitarra llora suavemente") es una de las mejores composiciones de George Harrison para The Beatles, y fue publicada en 1968 dentro del álbum "The Beatles", más conocido como el "Álbum Blanco". Es una de las pocas canciones en las que la banda de Liverpool se abre a colaboradores externos, ya que Harrison invitó a su amigo Eric Clapton para que se hiciera cargo de la guitarra principal.

Harrison grabó una versión inicial en clave folk con guitarra acústica y armonio, que fue rescatada en el álbum recopilatorio Anthology 3 en 1996, y con el añadido de un arreglo de cuerdas de George Martin en el álbum Love de 2006, pero ninguna de esas versiones alcanza la perfección de la grabación que los cuatro Beatles realizaron en este tema. El folk original fue reemplazado en la versión final por una producción y unos arreglos más rockeros, y la guitarra de Clapton fue la guinda de un pastel ya de por sí antológico. Eric Clapton estuvo a punto de rechazar la propuesta, temeroso de enfrentarse al "registro de los Beatles" que según él solo ellos dominaban.

Y quizá fuera así, pero Clapton salió finalmente airoso de su "atrevimiento", y son muchos los músicos que, a lo largo de los años, han intentado emular las notas de esa guitarra que llora suavemente. McCartney, Ringo, Dhani Harrison, Jeff Lynne y el propio Clapton la interpretaron en el "Concert for George" en homenaje a Harrison, recientemente fallecido. El grupo Toto grabó su propia versión en 2002, y grandes guitarristas como Peter Frampton o Carlos Santana hicieron lo propio, pero la mejor versión hasta el momento quizá sea la que Tom Petty, Jeff Lynne, Dhani Harrison y Prince hicieron en la ceremonia de inducción de Harrison en el Rock and Roll Hall of Fame de 2004, en la que el solo de guitarra de Prince dejó a todos boquiabiertos mientras lloraba más suavemente que nunca. 

0509.- Back in URSS - The Beatles

 

Hace más de 50 años, cuando la Guerra Fría corría el riesgo de volverse nuclearmente caliente, los Beatles lanzaron una de sus canciones más controvertidas: "Back in the USSR".  ¿Qué inspiró a los Beatles a escribir la canción? ¿Y qué nos dice la letra sobre su significado original? ¿Estaban los Beatles haciendo una declaración política prosoviética, o simplemente se estaban burlando inocentemente del idealismo occidental expresado por la cultura predominante y sus pares musicales en ese momento? Lo principal es que “Back In The USSR” reflejó el deseo de The Beatles de volver a ser una banda de rock'n'roll después de los complejos experimentos de estudio de los años anteriores. “Chuck Berry una vez hizo una canción llamada “Back In The USA”, que es muy estadounidense, muy Chuck Berry”, ellos hicieron "Back in the USSR", que viene desde la perspectiva de un espía ruso, que después de una estancia prolongada en Estados Unidos, regresa a su hogar en la Unión Soviética y se entrega a las bromas más rusas: el paisaje helado y hermoso, y la calidez y los favores de las mujeres rusas. Para ser justos con la gente de 1968, entendieron la broma “Back in the USSR” era solo una muestra más cruda y contundente de la audacia que se presenta a lo largo del White album. Otros, sin embargo, no estaban tan felices, muchos la interpretaron como propaganda soviética en sí misma, y fueron diana de la ira política santurrona en los EEUU, Y acusaron a la banda de fomentar el comunismo y simpatizar con el enemigo.

Si bien la concepción de la canción puede haber sido relativamente sencilla, su grabación fue menos fácil. Al igual que muchas de las canciones del "Álbum blanco" escritas en la India, el grupo había grabado una demo de "Back In The USSR" en el bungalow Esther de George Harrison  en mayo de 1968, poco después de regresar a Inglaterra. Pero cuando llegaron a grabar la canción en Abbey Road, era a mediados de agosto y las tensiones iban en aumento. Ringo se sentía descontento con la forma en que iban las cosas. “Sentí que no estaba con ellos muy bien, y también sentí que los otros tres estaban muy felices y yo era un extraño”, dijo una tarde. Durante la sesión de "Back In The USSR", el baterista decidió que ya era suficiente y se fue, pasando un par de semanas en el yate de Peter Sellers en el Mediterráneo antes de regresar al redil después de que los demás le aseguraron su importancia.

0507.- S.F Sorrow was born - The Pretty Things

The Pretty Things no eran más que una banda novel recién contratada por EMI, cuando el destino quiso que Norman Smith, antiguo ingeniero de sonido de The Beatles que había dejado su puesto para producir el disco de debut de una nueva banda llamada Pink Floyd, estuviera disponible y deseoso de abordar su segundo proyecto como productor, y se sintiera atraído por la ambición y las altas miras de una desconocida banda psicodélica que pretendía entregar una ópera rock en la que las canciones siguieran una narrativa conceptual.

El resultado fue el disco S.F. Sorrow, una obra maestra en la que The Pretty Things volcaron toda su creatividad y en la que, de paso, aprovecharon todas las ventajas técnicas y de sonido que Abbey Road destinaba normalmente a las complejas grabaciones de los de Liverpool.

La canción S.F Sorrow was born abría la cara A del disco, marcando desde el principio la pauta sonora de un disco ecléctico y plagado de sonidos de mellotron, trompetas y sonidos orientales. De acuerdo con el orden narrativo y cronológico que querían darle a la historia, era además la encargada de mostrar al mundo el nacimiento del personaje central de esta psicodélica ópera rock: "Durante diez semanas, el número tres de la calle estuvo vacío. Nadie pensó que habría risas familiares detrás de las ventanas. O un árbol de Navidad. Después, una pareja llegó del norte... No mucho tiempo después, en la calle sonó un grito. Del número tres vino un grito. S. F. Sorrow había nacido..."

0500.- Hey Jude - The Beatles

¡Naaa, Naaa Naaa Nanananaaa, Nanananaaa,Hey Jude! ¿Quién no ha tarareado alguna vez el épico final de este histórico tema de The Beatles? El que fuera primer sencillo de la banda en su sello discográfico Apple Records nació inicialmente con el título de "Hey Jules", escrito por Paul McCartney para que Julian Lennon se sintiera mejor tras el divorcio de sus padres. Posteriormente, McCartney le cambió el nombre por el de Hey Jude, simplemente porque le sonaba mejor. Julian no descubrió que aquel tema, que ostentaba el record de ser el que más tiempo había logrado mantener la banda de su padre en el nº1 de las listas estadounidenses (9 semanas), estaba realmente dedicado a él, hasta casi veinte años después de su publicación. El propio Lennon pensó que su compañero la había escrito para él, y que "Jude" era en realidad "John", e incluso se especuló con la posibilidad de que "Jude" fuera en realidad el propio McCartney, dándose ánimos a sí mismo tras su propia ruptura con la actriz Jane Asher.

De los más de siete minutos de duración de este tema, que la convirtieron en su momento en la canción más larga de la historia en el top 10 de las listas británicas, cuatro minutos corresponden a la famosa coda final. Tras el tramo inicial en el que predominan la voz de McCartney y su piano, es en la coda final en la que todo explota, con la ayuda del resto de la banda y de una orquesta de 36 miembros, incluyendo un coro, dirigidos todos ellos por George Martin. Como ensayos previos a la inclusión de la orquesta, entre el 29 y 30 de julio de 1968 se grabaron hasta veinticinco tomas de la canción en los estudios de EMI, pero no fue hasta el 31 de julio de 1968 cuando, en los estudios Trident y con un equipo de ocho pistas (por las cuatro que tenían en EMI), que The Beatles grabaron la pista final. La canción se completó el 1 de agosto, con la inclusión de las partes orquestales y los coros, para los que The Beatles animaron a los miembros de la orquesta a participar. La idea les salió cara, porque solo uno de ellos se negó (enérgicamente) y los demás aceptaron a cambio del doble del salario pactado.

Esa no fue la única anécdota durante la accidentada grabación de la canción. Si prestamos atención, poco antes del tercer minuto se puede escuchar a McCartney decir "¡Maldita sea!" tras equivocarse con una tecla del piano. Lennon insistió en dejarlo, aunque enterrado en el sonido de la mezcla, porque "la mayor parte de la gente no se dará cuenta, pero nosotros sabremos que está ahí". También durante la grabación de la pista final, Ringo Starr estuvo a punto de no llegar a tiempo al momento en el que entraba la batería. Ringo se había ido al baño, y el resto de los Beatles no repararon en su ausencia y comenzaron la grabación. McCartney sintió como Ringo pasaba a su espalda, a toda prisa y de puntillas de camino a su instrumento, justo a tiempo de llegar y comenzar a tocar en el momento exacto.

El sencillo de Hey Jude, con la canción Revolution en la cara B, llegó al primer puesto de las listas inglesas solo una semana después de su publicación. En Estados Unidos hubo emisoras de radio que rechazaron la canción por su excesiva duración, por lo que se llegó a publicar una versión más corta. Entre una y otra versión, las ventas superaron los ocho millones de copias en todo el mundo, así que fuera quién fuera Jude, vino con un pan debajo del brazo. Más esquivos le fueron los premios en su primer año de andadura, ya que pese a estar nominada a varios premios Grammy en 1969, no terminó ganando ninguno. En 2004, la revista Rolling Stone la posicionó en el octavo lugar de su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. Después de tantos años y del enorme reconocimiento que sigue teniendo, parece que Jude siguió a rajatabla el consejo de la letra, y cogió esa canción triste, y la hizo mejor. Y la moraleja de este cuento es... Que no hay moraleja. Quién la necesita, si se puede terminar cantando a voz en grito, con una gran sonrisa y los ojos cerrados: ¡Naaa, Naaa Naaa Nanananaaa, Nanananaaa,Hey Jude!