domingo, 28 de junio de 2020

Iron Maiden - The Book Of Souls (Mes Iron Maiden)

The Book Of Souls


     El 4 de septiembre de 2015 se publicaba y veía la luz The Book Of Souls, este supondría el decimosexto álbum de estudio de Iron Maiden y último hasta la fecha. Pero este doble álbum se había gestado mucho antes...

Dos años antes, en septiembre de 2013 Bruce Dickinson ya había dejado caer que la banda tenía la intención de sacar un nuevo trabajo. Sería justo un años después, concretamente en septiembre de 2014 cuando Iron Maiden se marchan a grabar a los Guillaume Tell Studios de París, poniéndose en manos del productor Kevin Shirley. El grupo acaba las grabaciones de su nuevo trabajo en diciembre de 2014. La intención de la banda era publicar el disco a principios de 2015, pero deciden retrasar su publicación hasta que Bruce Dickinson se encuentre recuperado ya que le había sido detectado un tumor canceroso en la garganta y  estaba siendo tratado.


     El doble álbum salía publicado en Estados Unidos con el sello Sanctuary Copyrights / BMG y en el resto del mundo con el sello discográfico Parlophone el 4 de septiembre de 2015, justo dos años después de la predicción de Dickinson. Los componentes de la banda en el momento de la grabación son los mismos desde que volvieran a sus filas allá por el año 1999 Bruce Dickinson y Adrian Smith, quedando conformada por los nombrados Adrian Smith (guitarra) y Bruce Dickinson (voz), y Steve Harris (bajo), Dave Murray (guitarra), Janick Gers (guitarra) y Nicko McBrain (batería).

La portada de The Book Of Souls fue diseñada por Mark Wilkinson quien ya había trabajado anteriormente en varias portadas de Iron Maiden. Este sería el primer disco desde The X Factor (1995) en el que el grupo utiliza en la portada su logotipo original. La portada, con la mascota Eddie está vinculada al tema principal del disco The Book Of Souls, pues según Harris "Las almas viven después de la muerte".




 
El disco se desarrolla básicamente bajo la misma temática, trata mucho la cultura maya, y para ello la banda contrato al erudito en la materia Simon Martin, pues el grupo quería que el trabajo fuera lo más preciso y fiel preciso. Simon Martin también se encargó de transcribir las canciones del álbum a jeroglíficos. Según Simon, aunque los mayas no tenían Libros de almas (The book of souls), sí eran muy grandes con las almas, por lo que el título era muy apropiado. Harris defendía que el álbum no era conceptual aunque estuviera repleto de referencias a las almas y reflexiones sobre la muerte, pues según vas haciéndote mayor cada vez piensas más en tu propia muerte. Cabe destacar que durante el proceso de creación del álbum Steve Harris sufrió dos importantes pérdidas personales, por aquellas fechas fallecen un familiar y un viejo amigo de la escuela lo que hace que Harris, que suele llevar casi todo el peso a nivel de composición no lo tenga aquí tanto, y que el resto de la banda asuma más participación a la hora de la gestación del álbum.








 Al contrario que en otros discos donde la banda se pasaba tiempo escribiendo y ensayando, esta vez se meten en el estudio con esquemas de canciones, y una vez allí las acaban dando forma y graban rápidamente, lo que le dota al disco de la sensación de haberlo
grabado en vivo. El resultado es un buen trabajo, 92 minutos de duración en once temas editados en un doble álbum y que se encarga de abrir como si de la banda sonora de una película se tratase If Eternity Should Fail, tema que fue escrito por Bruce Dickinson y que había sido pensado para su álbum en solitario, pero al final fue rescatado para este disco. Tema de más de 8 minutos donde el tema va cogiendo fuerza como una apisonadora hasta que la percusión corta el tema y empieza a evocar ritmos tribales. Es el primer tema y ya tienen toda nuestra atención.
Speed Of Light, compuesta por Smith y Dickinson. Este fue el primer sencillo del álbum, publicado antes del mismo en agosto de 2015, y el video musical del tema es un homenaje a cuatro décadas de videojuegos mientras Eddie viaja a través de la historia. Según admitiría Dickinson el tema tiene influencias de Deep Purple, y cuando Adrian Smith creó el riff del tema lo tuvieron claro, ellos son grandes admiradores de Deep Purple y en este tema iban a hacer un homenaje a los mismos, incluyendo hasta un grito a lo Ian Gillan al principio del tema.
The Great Unknown, compuesta por Smith y Harris. Tema con un comienzo lento y pausado donde toda la banda empieza a sumarse poco a poco hasta llegar al momento álgido con toda la banda a pleno rendimiento, diversos cambios de ritmo y solos encadenados que desatan la locura.
The Red And The Black, compuesta por Harris. Tema en el que destaca la complejidad de las letras escritas por Steve Harris, que comentaba que Dickinson se quejaba de que no podría cantar todo aquello que había escrito dada su complejidad, y que él a no ser cantante no es consciente de la dificultad de cantar ciertas cosas. Pero Harris sabía que Dickinson es un cantante excepcional y que podría con aquello. Sobre este tema Harris también admitía que en ocasiones Dickinson se enfadaba con él cuando le presentaba este tipo de retos y lo entiende perfectamente, y también sabe que al final Dickinson siempre consigue hacerlo. Es este tema una de las joyas del disco, que además nos recuerda a temas del estilo de Rime Of The Ancient Mariner.
When The River Runs Deep , compuesta por Smith y Harris. Otro tema con una velocidad vertiginosa y donde los sólos de guitarra tienen todo el protagonismo.
El tema que se encarga de cerrar la primera parte del doble álbum es precisamente el que le da título, The Book Of Souls, compuesto por Gers y Harris. Empieza el tema con una preciosa intro acústica de guitarra que da paso a un riff de estilo oriental, Dickinson raya a gran altura, McBrain con las baquetas se encarga de marcar los tiempos de este tema de más de 10 minutos y Murray, Gers y Smith están sensacionales a las guitarras. Tema basado en la civilización maya que creía que las almas vivían después de la muerte. Harris se interesó por la cultura maya al igual que lo hizo por la egipcia cuando crearon Powerslave (1984). Los mayas tenían miedo al inframundo y tenían miedo a perder sus almas, y ese elemento místico es la clave de la canción.

Abre la segunda parte del doble Death Or Glory, compuesta por Smith y Dickinson. Tema más sencillo entre comillas y menos elaborado musicalmente, pero no desentona y mantiene el tipo.
Shadows Of The Valley, compuesta por Gers y Harris. El comienzo es un claro guiño a Wasted Years, y con los riffs del tema el grupo nos vuelve a recordar que Deep Purple es una de sus claras influencias.
Tears Of A Clown, compuesta por Smith y Harris. Es conocido que los chicos de Iron Maiden son fans de humoristas como los Monty Phyton, Mr. Bean o al que dedican esta canción, Robin Williams. Aquí nos muestra el grupo la amarga realidad y el drama de muchos cómicos, que están obligados a reír siempre por fuera cuando por dentro están en realidad verdaderamente mal, y que en el caso de Robin williams le condujo primero a la depresión y posteriormente al suicidio.
The Man Of Sorrows, compuesta por Murray y Harris. Tema cantado por Dickinson en un tono dramático donde destacan el intercambio de solos y punteos que se marcan Gers, Murray y Smith.
Llegamos al cierre del disco, Empire Of The Clouds, compuesta por Dickinson. Sus 18 minutos la convierten en el tema más largo de la banda desbancando a Rime Of The Ancient Mariner (Powerslave, 1984). La canción trata sobre la tragedia de la aeronave británica R101; esta fue en su momento la aeronave más grande del mundo jamás construida. Esta nave se estrelló en Francia en su primer viaje al extranjero el 5 de octubre de 1930, y perdieron la vida 48 de sus 54 pasajeros. Originalmente Dickinson quería escribir el tema sobre aviones de combate de la Primera Guerra Mundial, pero lo descartó al componer junto a Smith Death Or Glory donde ya tocaba esa temática. Dickinson quería que quedara reflejado con la batería el momento en el que el avión se estrella, y McBrain lo clava.

     Este disco no es comparable a otros trabajos míticos de la banda pues a lo largo de los años ha experimentado una evolución y hay quien dirá que para bien y quien dirá que para mal, pero lo que si está claro es que The Book Of Souls, su último trabajo hasta la fecha es de largo su mejor disco de los últimos 20 años.

sábado, 27 de junio de 2020

Canciones que nos emocionan: Fast Car, Tracy Chapman

Fast Car, Tracy Chapman


     11 de junio de 1988, estadio de Wembley, Londres (Reino Unido), concierto tributo celebrando el 70 cumpleaños de Nelson Mandela. Una joven de 24 que en abril de ese año había publicado bajo el sello discográfico Elektra Records su primer álbum de estudio formaba parte del amplio elenco de artistas que ese día iban a actuar, tales como Sting, George Michael, Eurythmics, Al Green, Joe Cocker, Wet Wet Wet, Bryan Adams, Bee Gees, UB40, Sly, Peter Gabriel, Stevie Wonder ó Whitney Houston entre otros muchos.

Llegado el turno, Tracy acompañada de su guitarra interpretó tres temas de su repertorio, Why?, Behinf The Wall y Talkin' Bout A Revolution, todos pertenecientes a su primer álbum y que había publicado apenas un par de meses antes. Después de su actuación Tracy pensó que ya podía relajarse y disfrutar del resto del concierto, un concierto al que todavía le quedaba mucha tela por delante. Sin embargo entrada la noche y avanzado el concierto Tracy no se esperaba que debido a un retraso con la preparación de la actuación de Stevie Wonder iba a ser llamada ella y subida de nuevo al escenario para cubrir aquella pequeña demora. Y allí ataviada de nuevo con su guitarra acústica interpretó Fast Car, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan.

Rápidamente aquél tema se convirtió en un rotundo éxito y catapultó la carrera de la genial artista, alcanzando con este tema el puesto número 6 en la famosa lista americana Billboard Hot 100. La revista Rolling Stone en 2010 situaría este tema en el puesto número 167 de de Las 500 mejores canciones de todos los tiempos. El álbum debut de Tracy, tiulado Tracy Chapman consiguió varios discos de platino a ambos lados del Altántico y fue premiado con tres premios Grammy. Tracy se convertiría en uno de los artistas más destacados de las giras de Amnistía Internacional en pro de los Derechos Humanos.

Fast Car se encuentra incluido en el álbum debut de la artista estadounidense, publicado el 5 de abril de 1988, y aunque pueda parecer que el tema habla de coches, en realidad trata de una relación que no funciona pues ha comenzado desde el lugar equivocado, a la vez que nos relata la la historia de una mujer trabajadora que intenta escapar de la pobreza con su música.

You got a fast car

I want a ticket to anywhere
Maybe we make a deal
Maybe together we can get somewhere
Anyplace is better
Starting from zero got nothing to lose
Maybe we'll make something
Me, myself I got nothing to prove
You got a fast car

I got a plan to get us out of here
I been working at the convenience store
Managed to save just a little bit of money
Won't have to drive too far
Just 'cross the border and into the city
You and I can both get jobs
And finally see what it means to be living
You see my old man's got a problem

He live with the bottle that's the way it is
He says his body's too old for working
His body's too young to look like his
My mama went off and left him
She wanted more from life than he could give
I said somebody's got to take care of him
So I quit school and that's what I did
You got a fast car

Is it fast enough so we can fly away
We gotta make a decision
Leave tonight or live and die this way
So remember we were driving, driving in your car

Speed so fast I felt like I was drunk
City lights lay out before us
And your arm felt nice wrapped 'round my shoulder
I had a feeling that I belonged
I had a feeling I could be someone, be someone, be someone
You got a fast car

We go cruising to entertain ourselves
You still ain't got a job
I work in a market as a checkout girl
I know things will get better
You'll find work and I'll get promoted
We'll move out of the shelter
Buy a bigger house and live in the suburbs
I remember we were driving, driving in your car

Speed so fast I felt like I was drunk
City lights lay out before us
And your arm felt nice wrapped 'round my shoulder
I had a feeling that I belonged
I had a feeling I could be someone, be someone, be someone
You got a fast car

I got a job that pays all our bills
You stay out drinking late at the bar
See more of your friends than you do of your kids
I'd always hoped for better
Thought maybe together you and me would find it
I got no plans I ain't going nowhere
So take your fast car and keep on driving
I remember we were driving, driving in your car

Speed so fast I felt like I was drunk
City lights lay out before us
And your arm felt nice wrapped 'round my shoulder
I had a feeling that I belonged
I had a feeling I could be someone, be someone, be someone
You got a fast car

But is it fast enough so you can fly away
You gotta make a decision
Leave tonight or live and die this way

jueves, 25 de junio de 2020

La música en historias: El día que Dios falló a James Hetfield

James Hetfield


     James Hetfield nace en 1963 en Downey, California (Estados Unidos), y tiene una infancia bastante complicada, pues sus padres eran miembros de un grupo religioso de ciencia cristiana, lo que hace que la infancia de James se desarrolle en torno a la fe y a numerosas actividades religiosas. Por otra parte su padre sufría de alcoholismo.

James empieza a tocar su primer instrumento a la edad de 9 años, concretamente el piano, para luego más tarde pasar a tocar la batería de su hermano David. A la edad de 14 años decide centrarse en el instrumento con el que hoy le conocemos, la guitarra eléctrica. Es entonces, en la adolescencia, cuando James forma su primera banda, Obsession, influenciada en grupos de la talla de The Beatles, Black Sabbath, Thin Lizzy, Aerosmith ó Motörhead entre otras.
Más tarde, James se muda a Brea, California, y mientras cursa sus estudios en el Brea Olinda High School, conoce al baterista Jim Mulligan. Estos dos forman junto al también estudiante Hugh Tanner la banda Phantom Lord. Esta banda dura hasta la graduación de James, pues después de graduarse james vuelve a su Downey natal.

Ya en Downey James sigue con sus proyectos musicales, esta vez con al formación de un grupo llamado Leather Charm, compuesto por sus dos compañeros de anterior grupo Tanner y Mulligan, un amigo de James, Ron McGobney y el propio James. Con esta banda James consigue grabar incluso una demo, pero el grupo finalmente acaba separándose.

En 1981 James ve publicado un anuncio en la revista Recycler, el anuncio estaba puesto por el baterista Lars Ulrich, y en el mismo estaba buscando un guitarrista para formar una banda con influencias de bandas de la NWOBHM (Nueva ola del heavy metal británico). Con la respuesta a aquel anuncio nacía Metallica, banda que hasta la fecha ha publicado 10 álbumes de estudio, vendido más de 120 millones de copias de sus discos y es una de las grandes bandas de thrash metal de la historia.

Me voy a centrar en un hecho que marca la historia y la vida de james y que ha reflejado en varias composiciones con Metallica. Anteriormente he comentado que James se crió en un entorno muy religioso. Durante la adolescencia de James su madre enferma de cáncer, y resulta que la doctrina religiosa a la que pertenece su familia prohibía el uso de medicinas para la curación. Su madre, fiel a los dictámenes de su doctrina rehúsa tomar medicina alguna confiando únicamente en la fe como remedio para su enfermedad. La madre de James fallece debido a su enfermedad cuando éste tiene 16 años.

Este hecho influirá en en el músico, produciéndose en el interior de James un conflicto entre éste y las enseñanzas y doctrinas practicadas por su familia, las cuales le habían enseñado desde pequeño. El conflicto entre la doctrina religiosa y si la gente se apoya demasiado en ésta buscando la solución a sus problemas quedará reflejado por James en futuras composiciones con Metallica, tales como Dyers Eye (...And Justice For All, 1988), The God That Failed (The black Álbum, 1991), Mama Said y Until It Sleeps (Load,1996).

The God That Failed

Pride you took

Pride you feel

Pride that you felt when you'd kneel
Not the word, not the love
Not what you thought from above
It feeds it grows

It clouds all that you will know

Deceit deceive
Decide just what you believe
I see faith in your eyes
Never your hear the discouraging lies
I hear faith in your cries
Broken is the promise, betrayal
The healing hand held back by the deepened nail
Follow the god that failed
Find your peace
Find your say
Find the smooth road in your way
Trust you gave
A child to save
Left you cold and him in grave
It feeds it grows

It clouds all that you will know

Deceit deceive
Decide just what you believe
I see faith in your eyes
Never you hear the discouraging lies
I hear faith in your cries
Broken is the promise, betrayal
The healing hand held back by the deepened nail
Follow the god that failed
I see faith in your eyes

Broken is the promise, betrayal

The healing hand held back by the deepened nail
Follow the god that failed
Pride you took pride you feel

Pride that you felt when you'd kneel

Trust you gave a child to save
Left you cold and him in grave
I see faith in your eyes

Never you hear the discouraging lies

I hear faith in your cries
Broken is the promise, betrayal
The healing hand held back by deepened nail
Follow the god that failed
Follow the god that failed
Broken is the promise, betrayal, betrayal yea

miércoles, 24 de junio de 2020

La música en historias: Las portadas de Iron Maiden (Mes Iron Maiden)

Iron Maiden


     Aparte del gran legado musical de Iron Maiden, hay otro aspecto que le diferencia de muchas otras bandas, sus portadas y las historias y polémicas que traen estas consigo. Portadas que a a lo largo de su extensa discografía y através de su mascota Eddie The Head nos han contado historias y situaciones no exentas de polémica muchas veces. Vamos a contar algunos detalles de alguna de ellas.


     Empezamos con una de sus primeras y más polémicas portadas. Año 1980 y el grupo había publicado su primer álbum de estudio, titulado también Iron Maiden. En la edición del álbum no aparecía originalmente el tema Sanctuary, un tema que sí incluyeron en la edición americana del disco. Pues bien, en mayo de 1980 la banda publica el tema como sencillo. Hasta aquí todo bien, sólo había un pequeño problema, el diseño de la carátula del sencillo, un diseño donde Derek Riggs su creador, mostraba a Eddie  arrodillado con un cuchillo en la mano sobre el cuerpo de la por entonces primera ministra británica Margaret Thatcher. El motivo, al parecer la ministra había arrancado un poster de Iron Maiden de la pared, y esto no hizo ninguna gracia a la banda. Sin duda este hecho reportó una suculenta publicidad en la prensa británica al grupo. La portada fue censurada en el Reino Unido pero no en el resto de Europa.


     El grupo se tomaría cumplida venganza por la censura de aquella portada y volvería a la carga en octubre de 1980 con la publicación del sencillo Women in Uniform, una versión del tema de la banda australiana Skyhooks. En esta ocasión aparece en la portada otra vez Margaret Thatcher, pero esta vez es ella la que se encuentra armada con una ametralladora, y espera tras una esquina la llegada de nuestro amigo Eddie que pasea acompañado de dos mujeres. En esta ocasión la portada no fue censurada pero fue criticada por asociaciones de feministas que tachaban aquella portada de machista.

     Otro polémico momento protagonizado por la banda en forma de portada  fue el famoso concierto donde Ozzy Osbourne arrancaba la cabeza de un murcielago de un mordisco. A nuestros amigos se les ocurrió entonces sacar un cartel donde aparecía Eddie arrancando la cabeza del mismísimo Ozzy. Evidentenemente Ozzy no acabó muy contento y Iron Maiden tuvo que retirar el cartel.


     Pero quizás una de las mayores controversias fue la que provocó la portada del tercer álbum de la banda The Number Of The Beast (1982). La portada, como todas las que fueron creadas hasta justo antes de Fear of The Dark, fue creada por Derek Riggs, y en un principio fue concebida para la canción Purgatory, del disco Killers, pero esta era tan buena que el manager del quiso aprovecharla mejor y convenció a la banda para que la guardaran para su siguiente disco. En esta portada parece Eddie controlando a Satán como una marioneta, y a su vez Satán controla a un pequeño Eddie. El concepto de la portada era preguntar quien era el verdadero diablo y quién controlaba a quién. La portada original del álbum incluye el cielo de color azul de fondo, ésto fue un error de impresión pues el cielo era negro, ésto se corregiría posteriormente para la portada de la reedición de 1998.
La portada del disco ayudó en gran medida a que el grupo fuera criticado sobre todo en Estados Unidos por grupos conservadores que acusaban a la banda de ser satánica. Estos grupos organizaron quemas masivas de vinilos del grupo que luego sustituirían por destrozarlos a martillazos. De hecho la gira de promoción del disco The Beast on the Road fue objeto de numerosos boicots y manifestaciones.


     Con ó sin polémicas lo que está claro es que las portadas de Iron Maiden son pequeñas obras de arte llenas de matices y detalles, como por ejemplo la portada de Powerslave (1984), donde Eddie aparece transformado en una estatua en la entrada de una pirámide, donde se encuentra escoltado a ambos lados por dos grandes chacales y dos esfinges que reposan majestuosas a sus pies.


     Otra de las portadas memorables de la banda es Somewhere In Time (1986), una de las mas recargadas pero lleno de menciones y guiños a la propia banda y a motivos de la cultura pop de la época: En el pecho de Eddie podemos observar la firma de Derek Riggs; Junto a Eddie hay una señal donde pone "Acacia", seguramente en alusión al tema 22 Acacia Avenue; También hay expuesto junto a Eddie un póster del álbum de la banda de 1980; Detrás de Eddie, en la parte superior hay un rascacielos, y en ese edificio hay ubicado un Ojo de Horus,antiguo símbolo de protección egipcio que se menciona en la canción Powerslave, que da títuloo también a ese disco; En la entrepierna de Eddie hay un símbolo de peligro biológico (Biohazard). Al lado de la pierna izquierda de Eddie hay un recipiente de plástico amarillo que hace referencia a la portada del álbum del grupo Iron Maiden (1980); Debajo de Eddie podemos observar un gato negro sentado, el cuál aparece también en la portada del álbum en directo Live After Death (1985). Detrás de Eddie, en una pasarela elvada aparece el texto "Webster", Charlie Webster fue director artístico de la compañía discográfica EMI.


     Fear Of The Dark (1992), fue el noveno álbum de la banda y el primero en el que no se encargaría del diseño de la portada Derek Riggs, encargándose de la misma Melvyn Grant. En la portada aparece Eddie como una especie de figura de árbol Nosferatu mirando a la luna. Según palabras del propio Melvyn, "se inspiró para la portada en el enfoque del miedo a la oscuridad pero desde un aspecto más psicológico. Por eso creó a Eddie como parte de un árbol situado en  algún agradable campo por el que la gente pasearía mientras hace una hermosa noche de luna, y sin saberlo se dirigen directamente a la guarida de Eddie."


     Por último y para finalizar no quiero dejar de mencionar Dance Of Death (2003). Si es probablemente el disco más controvertido de la banda, también lo es su portada. Esta portada fue polémica por no gustar demasiado a los fans de la banda considerada como la más fea e indigna del grupo. Esta portada fue diseñada por David Patchett y en ella se muestra un Eddie  casi testimonial que representa a la muerte, el cuál se encuentra rodeado de personajes generados por computadoras.


domingo, 21 de junio de 2020

Iron Maiden - Fear Of The Dark (Mes Iron Maiden)


Fear Of The Dark


     Finales de 1991, y Steve Harris (bajo), Bruce Dickinson (voz), Dave Murray (guitarra), Janick Gers (guitarra) y Nicko McBrain (batería) se meten en los Barnyard Studios de Essex (Inglaterra) para preparar y grabar Fear Of The Dark, que supondrá el noveno álbum de estudio de Iron Maiden. Éste disco marcaría el final de la etapa dorada de la banda, pues a partir de entonces y durante la década de los 90 el grupo inició una larga travesía por el desierto que no acabaría hasta el retorno de Bruce Dickinson y Adrian Smith a finales de los 90.

Muchos cambios simultáneos se producen en torno a este disco, que dan como resultado un disco excelente, pero la formación quedará tocada. Por una parte este supone el último disco que graba Bruce Dickinson, que después de la multitudinaria gira del disco llamada Fear of the Dark Tour decidiría abandonbar la formación, una despedida que si bien en un principio se produjo de forma amistosa al final acabaría dejando entrever los problemas entre Dickinson y Harris que fueron el detonante para que el vocalista decidiera centrarse en su carrera en solitario.
El grupo decide dejar de contar con los servicios de Derek Riggs,  ilustrador habitual hasta la fecha de la mascota Eddie y deciden contar con los servicios de Melvin Grant, pues al parecer la banda quería evolucionar a Eddie acorde a la década de los 90 y las contribuciones de Dereck Riggs no habían gustado. Un tercer hecho y que tuvo mucha importancia fue que Fear Of The Dark se convertiría en el último disco producido por el genio Martin Birch (compartiría producción con Steve Harris) quién después de este disco decide retirarse. El mago del sonido y la producción abandonaba a la Doncella a su suerte, era hora de separar los caminos.

El resultado de todos estos factores fue que Fear Of The Dark se convetiría en el último gran álbum de la banda hasta bien entrada la década de los 2000. Comercialmente el disco obtuvo buenas críticas si bien los especialistas en la materia lo comparaban con su etapa dorada de los 80, y es que las comparaciones son odiosas. Fear Of The Dark también supuso un cambio en el sonido de la formación, pues lo hacen algo más pesado y le dotan de cierta oscuridad, llegando a experimentar con sonidos como el trash metal. También se convierte en el primer doble álbum de la formación, pues hasta la fecha no había publicado todavía ningún trabajo en este formato.


Doce temas que abren con Be Quick Or Be Dead, compuesta por Dickinson y Gears. Tema donde la banda experimenta con un sonido más trash, y donde se hacen eco de varios escándalos políticos que habían tenido lugar, tales como el escándalo del banquero Robert Maxwell, la caía del Mercado de valores europeo ó el caso del BCCI (Banco de Crédito y Comercio Internacional). todo un trallazo y uno de los temas más cañeros de la banda de toda su carrera.
From Here To eternity, compuesta por Harris. Es el cuarto tema de la saga Charlotte The Harlot, y en esta ocasión nos relata un fatídico viaje de la prostituta en motocicleta con el diablo. tema con un sonido en una línea más hard rock.
Afraid To Shoot Strangers, compuesta por Harris. Tema que Harris escrbió durante la primera Guerra del Golfo y donde se hace eco de cómo políticos, generales y gobiernos usan a su antojo a los soldados como peones, unos soldados que realmente no quieren guerras ni tampoco matar a nadie. Estamos ante una de las joyas del disco, donde empiezan con cierta calma y el tema va in crescendo hasta acabar en una vorágine de cambios de ritmo de los que nos tienen acostumbrados.
Fear Is The Key, compuesta por Dickinson y Gears. Escrita cuando la banda se enteró de la muerte de Freddie mercury y donde ponen de manifiesto el miedo a las relaciones sexuales y que daban como resultado contraer la enfermedad del SIDA. Fiel reflejo de nuestra sociedad la frase donde Dickinson canta "A nadie le importa hasta que alguien famoso muera", Sólo cuando celebridades empezaron a morir a causa de la enfermedad las masas empezaron a preocuparse de verdad.
Destacables los sólos de guitarra con tintes árabes.
Childood's End, compuesta por Harris. tema donde Dickinson acompañado de McBrain a los timbales nos cuentan la historia de un desdichado que allá donde va sóloo encuentra sange, miseria, pobreza y dolor, y donde sólo sacan provecho los tiranos.
Wating Love, compuesta por Dickinson y Gers. una balada donde el protagonista se encuentra abatido y deprimido pues a perdido su oportunidad para amar, por lo que decide irse a vivir a un lugar frío y solitario donde le aguarda una muerte lenta.
The Fugitive, compuesta por Harris. El argumento de este animado y movido tema es el de un hombre que se ve obligado a huir pues es perseguido injustamente por la ley y quiere limpiar su nombre.
Chains Of Misery, compuesta por Dickinson y Murray. En este tema nos hablan de como ciertos entes intentar influenciar en nosotros para que hagamos lo que ellos quieren. Tema donde cambian ese halo de oscuridad que rodea al disco y le dotan de más alegría y luminosidad.
The Apparition, compuesta por Harris y Gears. Nos relatan una aparación que tiene el protagonista, la cuál le dice que sea fiel a sus principios y a sus amigos, y que en este mundo de confusión viva su vida con pasión.
Judas Be My Guide, compuesta por Dickinson y Murray. Otra de las joyas de este disco, con un comienzo demoledor donde un Dickinson lleno de rabia lo da todo, y donde los sólos encadenados de Gers y Murray dejan el listón muy alto.
Weekend Warrior, compuesta por Harris y Gears. Cómo buenos aficionados al fútbol en éste tema se hacen eco de esa lacra que lo rodea y que es el vandalismo en el mundo del futbol.
Fear Of The Dark, compuesta por Harris. Y para cerrar el álbum llegamos a la joya del disco, tema que tiene todo lo que suelen tener los grandes temas de Iron Maiden, historia, épica y mucho sentimiento, donde las melodías se entremezclan con la voz de Dickinson para regalarnos una de sus grandes joyas. Tema donde un hombre algo paranóico teme que en cualquier momento pueda surgir algo o alguien de la oscuridad. El tema fue compuesto por Harris para rememorar que él de pequeño también tenía miedo a la oscuridad.

Fear Of The Dark, el noveno álbum de estudio de la banda es un muy buen trabajo y al que nos agarramos como a un clavo ardiendo, pues a partir de ahí la banda inciaba una travesía por un desierto que tardarían años en cruzar, pero eso es otra historia...



sábado, 20 de junio de 2020

Canciones que nos emocionan: Breaking The Law, Judas Priest

Judas Priest


     Corre el año 1980, y Rob Halford (voz), K.K. Downing (guitarra), Glenn Tripton (guitarra), Ian Hill (bajo) y Dave Holland (batería), ó lo que es los mismo, Judas Priest publican el álbum que les consagra tanto en las listas de ventas como entre los fans del género heavy metal, e incluido en ese álbum se encuentra otro de esos temas que mí tanto me emocionan y en el que nos vamos a centrar...

Atrás quedaba ya cuando once años antes el grupo veía la luz en una pequeña localidad a 10 kilómetros de la ciudad inglesa de Birmingham, concretamente en West Bromwich, y empezaban a hacer sus pinitos. Se habían convertido por derecho propio en una de las referentes y grandes bandas del género heavy metal, siendo precursores además el sonido de las guitarras gemelas dentro del género.

En enero de 1980 el grupo decide meterse en el estudio para grabar el material que conformará su sexto álbum de estudio, Britsh Steel. Para ello vuelven a contar con los servicios del productor Tom Allom, con el que están muy satisfechos por su anterior trabajo con la banda, el álbum en directo Unleashed in the East, publicado en septiembre de 1979. Lo tienen tan claro que graban el material en tan sólo 28 días en los Startling Studios de Ascot, en el condado de Berkshire (Reino Unido), cuyos estudios eran de propiedad de Ringo Starr. Posteriormente emplean un par de meses para las mezclas, las cuales son realizadas en los CBS Recording Studios de Nueva York. El 14 de abril de 1980 salía publicado y veía la luz British Steel.

Con el paso del tiempo este disco ha sido señalado por revistas, críticos y sitios especializados como uno de los mejores álbumes del heavy metal. The Guardian lo citaba como uno de los 1000 discos que debes escuchar antes de morir; Classic Rock lo incluía entre los 200 grandes álbumes de los años 80; la revista Kerrang lo situó en el puesto número 12 de la lista de los mejores discos británicos; Y la revista Rolling Stone en 2017 lo situó en el tercer lugar de los mejores álbumes de heavy metal de todos los tiempos.

Incluido en British Steel se encuentra el tema Breaking The Law, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan. Compuesto por Rob Halford, K.K. Downing y Glenn Tripton y lanzado como segundo sencillo del álbum el 23 de mayo de 1980. Este tema se convirtió en una de los más grandes y revolucionarios temas de Judas Priest. El tema trata de una persona que está aburrida con la vida monótona y ordinaria que lleva y decide romper con esto, por lo que decide empezar a arriesgarse y para ello también comienza a violar la ley.

Este tema fue compuesto por Halford, Downing y Tripton en una época en la que en Reino Unido hubo mucha lucha con el gobierno, los mineros y los sindicatos del ramo del automóvil estaban en huelga, hubo mucha pelea en las calles y se produjeron multitud de disturbios. Fue un momento terrible, y esa fue según Halford la fuente de inspiración para componer este tema.
Como antes no existían los recursos de efectos de sonido que hay ahora, para hacer el sonido del cristal que se rompe que aparece en el tema el grupo utilizó unas botellas de leche que el lechero había llevado aquella mañana a los estudios propiedad de Ringo Starr, lugar donde estaban grabando, y procedieron a romper las botellas en el porche para grabar aquel sonido. En cuanto a la sirena que aparece, ésta fue grabada por el guitarrista K.K. Downing con el trémolo de su Fender Stratocaster, luego el productor Tom Allom revirtió y comprimió aquel sonido en el estudio dando como resultado la sirena.

There I was completely wasted, out of work and down

All inside it's so frustrating as I drift from town to town

Feel as though nobody cares if I live or die
So I might as well begin to put some action in my life
Breaking the law, breaking the law

Breaking the law, breaking the law

Breaking the law, breaking the law
Breaking the law, breaking the law
So much for the golden future I can't even start

I've had every promise broken, there's anger in my heart

You don't know what it's like, you don't have a clue
If you did you'd find yourselves doing the same thing too
Breaking the law, breaking the law

Breaking the law, breaking the law

Breaking the law, breaking the law
Breaking the law, breaking the law
You don't know what it's like
Breaking the law, breaking the law

Breaking the law, breaking the law

Breaking the law, breaking the law
Breaking the law, breaking the law
Breaking the law, breaking the law

Breaking the law, breaking the law

Breaking the law, breaking the law
Breaking the law, breaking the law

viernes, 19 de junio de 2020

El disco de la semana 181: Charles Bradley - Changes


El disco recomendado esta semana encajaría perfectamente en nuestra sección de "La música en historias", y es imposible que el hilo conductor en el que se base esta reseña no sea la complicada vida de Charles Edward Bradley (5 de Noviembre de 1948 – 23 de Septiembre de 2017). Nació y vivió hasta los ocho años en Gainesville (Florida), al cuidado de su abuela después de que su madre marchara a Nueva York y lo abandonara a los ocho meses de edad, por no poder hacerse cargo de él. Con ocho años, su madre decide por fin hacerse cargo, y Charles viaja a Nueva York para conocerla y empezar una nueva vida en el barrio de Brooklyn, dónde las cosas tampoco serían fáciles.

La situación económica de la recién unificada familia era angustiosa, pero cuando Charles tenía catorce años, su hermana pequeña encontró la manera de conseguir entradas para un concierto de James Brown en el Apollo Theater en Harlem (actuación que se grabó para la historia en el disco James Brown Live At the Apollo). Charles quedó tan impresionado, que empezó a imitar en casa la forma de cantar y los gestos del Padrino del Soul.

Ese mismo año, cansado de pasar penalidades, decide marcharse de casa, y durante dos años vive en la calle y duerme en vagones y estaciones de metro, o en coches abandonados. Charles empieza entonces a ganarse la vida con trabajos temporales, trasladándose en "auto stop" allí donde surjiera cualquier oportunidad. Cocinero de beneficencia en Maine, pescador de temporada en Alaska o encargado de mantenimiento de edificios, esto último de vuelta de nuevo a Nueva York. En paralelo, algún intento de formar un grupo, que tuvo poco recorrido porque al resto de componentes les acabaron alistando para la guerra de Vietnam, y un dinero extra haciendo imitaciones de James Brown en actuaciones en pequeños locales, en los que actuaba con nombres artísticos como "The Screaming Eagle of Soul", "Black Velvet" o incluso "James Brown Jr."


Ya entrado en los cincuenta, tocando como "Black Velvet" en uno de esos conciertos de imitación de James Brown, es descubierto por  Gabriel Roth (también conocido como "Bosco Mann"), fundador del sello Daptone, en cuyas oficinas Bradley había hecho precisamente trabajos de mantenimiento. Roth le presenta a Tom Brenneck, que acabaría siendo el productor de los discos de Charles y que le invita a los ensayos de la banda en la que toca la guitarra, la Menahan Street Band, que acabaría siendo la banda de acompañamiento que toca en todos los discos de Bradley.

Tras unos años de actuaciones con la banda, habría que esperar hasta 2011 para que la vida le diera por fin su primera oportunidad en el mundo de la música. Ese año, Brenneck y Bradley seleccionan diez grabaciones que conformarán el disco de debut: "No time for dreaming". No se puede decir que el título esté mal escogido, ya que con 63 años cumplidos, no había mucho tiempo para perder en sueños, si quería por fin abrirse paso y darse a conocer. A este disco le seguirían Victim of love (2013) Changes (2016), nuestro protagonista de hoy.


CHANGES

Changes es orgullo, historia y actitud. El orgullo de pertenencia a su patria, reflejado en el gospeliano arranque de God Bless America (Dios bendiga América) y del soul-funk desgarrado de Good to be back home (Es bueno estar de vuelta en casa). Es historia de la música negra, por el cuidado sonido retro de sentidas baladas como Nobody but you, y es actitud en temas como Ain't gonna give it up, dónde solo alguien que ha conocido los infiernos puede desgarrarse y decirnos que no va a rendirse, sin que nos quede ninguna duda de que va totalmente en serio.


Changes es descaro y locura. El descaro de versionar un tema de Black Sabbath y dejarnos impresionados con la forma en la que la lleva a su terreno, transformándola como si se la hubiera realmente llevado del Birmingham industrial a las orillas del Mississipi en los años 60, en un tremendo viaje en el espacio y en el tiempo. Descaro además por reconocer, abiertamente, que lo que hace puede ser pecado (Ain't it a sin) pero no le importa, porque está bien hecho. Son las cosas que se hacen por amor (Things we do for love), y eso lo justifica todo. Incluso la locura (Crazy for your love), que puede llevarte a cometer imprudencias o tonterías, pero que también puede ser el vehículo que te lleve a entregar un disco cuidado hasta el detalle, una auténtica golosina para los oídos, algo en lo que sin duda influyó el sello Daptone, una referencia imprescindible para todos los amantes del soul, por el cuidado con el que siguen facturando discos que suenan como en los sesenta, pero creados por músicos de esta generación actual. El que no me crea, o se quede con ganas de más, puede escuchar discos de Sharon Jones & The Dap-Kings o de Naomi Shelton & The Gospel Queens y repetir viaje en el tiempo todas las veces que quiera.

De modo que Changes es también respeto. Por las raíces y los sonidos. La manera en la que, a lo largo de los temas, se cuidan y se respetan los sonidos del género, es una de las grandes armas de este disco. No hay más que escuchar You think I don't know (but I know) para comprobarlo. Y saco este ejemplo porque, siendo difícil elegir un tema por encima del resto, el ritmo y la cadencia de los coros gospel me resulta absolutamente hipnótico, y el poder de esa hipnosis está en la música y la voz, y en cómo te hacen cerrar los ojos para trasladarte a otra época, para que negarlo, mejor en lo que a música se refiere.

Y por último, y como no podría ser de otra manera, Changes es cambio. Un cambio que Charles considera necesario en el mundo (Change for the world). El disco cierra con la aterciopelada balada Slow love, haciendo honor a su apodo de "Black Velvet" pero, afortunadamente, muy lejos de aquellos tiempos de penurias y sinsabores. Esta fue su brillante despedida, casi cuando acababa de empezar, antes de que un año después un cáncer de estómago se lo llevara.

Si hacemos caso de la temática de la mayoría de canciones gospel, Charles fue al cielo a reencontrarse con el Señor. Y seguro que, una vez hechas las presentaciones, encontró un momento para dejarse caer por el Teatro Apolo (en concreto por la sucursal que del mismo debe haber en el más allá) para saludar a James Brown y contarle cómo sus andanzas habían estado irremediablemente ligadas a su figura en las diferentes etapas de su vida, a veces en lo bueno y, muchas otras, en lo malo. Pero eso es lo que tienen los cambios. ¿No?