1542.- Paul Simon - Slip Slidin' Away

1545 - Paul Simon - Slip Slidin' Away

Paul Simon, uno de los más grandes narradores de la música popular, nos regaló en 1977 Slip Slidin' Away, una canción que encapsula la melancolía y la reflexión sobre la vida, el amor y las oportunidades perdidas. Aunque inicialmente no formaba parte de ningún álbum, la canción se convirtió en un éxito y fue incluida posteriormente en Greatest Hits, Etc.. Con su estilo característico, Paul Simon combina letras profundas con una melodía sencilla pero emotiva, creando una pieza que resuena en el alma del oyente.

La canción comienza con una suave guitarra acústica y un ritmo pausado que invita a la introspección. La voz de Paul Simon, cálida y cercana, nos guía a través de una serie de historias que exploran temas universales: el paso del tiempo, las decisiones que tomamos y cómo estas nos llevan por caminos inesperados. La frase "Slip slidin' away, slip slidin' away, you know the nearer your destination, the more you're slip slidin' away" funciona como un estribillo que resume la sensación de que, a veces, cuanto más nos acercamos a nuestros objetivos, más se nos escapan de las manos.

En las estrofas, Paul Simon nos presenta personajes que luchan con sus propias realidades. Un hombre que intenta comunicar su amor pero no encuentra las palabras adecuadas, otro que reflexiona sobre su vida y se da cuenta de que ha dejado atrás lo que realmente importaba, y una mujer que enfrenta las consecuencias de sus decisiones. Cada historia es un pequeño retrato de la condición humana, lleno de empatía y comprensión. Simon no juzga a sus personajes; simplemente los observa y nos invita a hacer lo mismo.

Musicalmente, la canción es un ejemplo de la maestría de Simon para crear atmósferas íntimas. El uso de instrumentos como el bajo, la guitarra y los coros sutiles en el fondo añaden capas de profundidad sin restarle protagonismo a la letra. La producción es limpia y minimalista, lo que permite que la narrativa sea el centro de atención.

Slip Slidin' Away es una de esas canciones que te acompañan en momentos de reflexión. No es una pieza alegre, pero tampoco abrumadoramente triste. Es realista, honesta y, en cierto modo, reconfortante. Nos recuerda que la vida está llena de altibajos, y que a veces, incluso cuando sentimos que todo se nos escapa, hay belleza en el proceso de intentar mantener el equilibrio.

Esta canción es un testimonio del talento de Paul Simon para contar historias que conectan con lo más profundo de nuestra humanidad. Es una obra maestra atemporal que sigue resonando con nuevas generaciones, demostrando que la buena música no tiene fecha de caducidad. Si aún no la has escuchado, es momento de darle una oportunidad y dejarte llevar por su poesía musical.

Daniel 

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Disco de la semana 422: Screamadelica - Primal Scream

 

Cada vez que escribo una nueva reseña, tengo el hábito de escuchar el álbum sobre el que estoy escribiendo, para ayudarme a sumergirme y asegurarme de que no se pierda ningún detalle, me calzo los cascos, cierro los ojos y vuelvo a escuchar el álbum una o dos veces. “Screamadelica”, la obra maestra de la banda escocesa Primal Scream, sin embargo, se ha convertido en una notable excepción, ya que la he estado escuchando en bucle durante casi un mes y posponiendo una reseña sobre ella solo para engañarme a mí mismo pensando que la escucharía nuevamente solo una vez. Conocí a Primal Scream en la época de los “bailes” alternativos, donde casi siempre tocaban “Rocks”, una de sus canciones más famosas. Dos cosas me dejaron perplejo mientras miraba el clip que se reproducía en la pantalla mientras sonaba la canción: por mucho que pareciera, no eran los Rolling Stones los que tocaban esa canción y, por convincente que fuera, Bobby Gillespie literalmente no era una mujer. Sentí curiosidad por esa banda, así que decidí investigarla y descubrí que era una de las bandas más importantes en combinar el rock y la psicodelia con la música dance y house. Lo cierto es que el sonido de “Screamadelica” escapa a cualquier tipo de clasificación. Las influencias que dieron forma al álbum son absurdamente distintas: Beach Boys, Sly and the Family Stone, Can, Brian Eno, Thin Lizzy, Siouxsie and the Banshees, P-funk, así como toques aquí y allá de dub, reggae, gospel, música industrial y disco. “Screamadelica” es un caleidoscopio de referencias que recrean para satisfacer sus propias ambiciones, Ninguna canción se parece a otra, pero al mismo tiempo todo fluye de forma extremadamente natural, todo converge para convertirse en uno de los álbumes más psicodélicos de la década de 1990.

Movin' on up es la canción que abre el disco, es uno de los dos temas producidos por Jimmy Miller, y su mano es notoria, la entrada en guitarra acústica tiene una fuerza y potencia que parece un riff por sí mismo. El sol pica en verano, piano alegre, tambores tropicales, gospel ceremonial, ángeles en las nubes, el sol es realmente su felicidad, un bajo más débil/oscuro no logra superar, esta canción es la hija normal del álbum, el sol me está mirando (de la portada del álbum). Consigue tener la épica de los Rolling Stones en pleno sur de Estados Unidos en 1972, la percusión de Tomanov es impecable, el piano de Duffy evoca a la tradición de las iglesias negras, lo que se confirma con los coros gospel a todo reventar, además de un solo de Young realmente impecable. Así iniciado, el disco se abre paso como dinamita pura, con la intensidad de verdaderas estrellas del rock. Slip inside this house es un cover a la banda psicodélica de los 60s, The 13th Floor Elevators, el cual es adaptado magistralmente al estilo acid house con un toque indie en la esencia de Primal Scream, llama profundamente la atención la interpretación vocal de Robert Young, que provee al tema de una voz espectral pero incluso más suave que la de Bobby Gillespie. Tubos de madera tintineantes, tambores callejeros (estilo hip hop), voces risueñas, voces que hablan, cuerdas suaves/meneantes, vocalización de anuncios, arpa eléctrica, rayos sinápticos, dominó de dedos (en el piano), distribución cóncava de las voces, guitarras que entran y salen de la canción varias veces, distorsión al final de las grabaciones saqueadas, nunca me di cuenta de lo apagada que estaba su voz. La producción a cargo de Hypnotone, Andrew Weatherall y Andrew Innes, sumado a la modificación de la letra, dejan a este cover totalmente a tono con el disco, reforzando el rock sesentero del tema anterior con este tema en sí, pero introduciendo el elemento acid house de forma contundente. 

Don't fight it, feel it es acid house en estado puro, interpretado vocalmente por Denise Johnson y producido por la dupla Weatherall-Nicholson, el tema es una rave en sí mismo, hecho para invitar al baile, con toda una gama de efectos house y predominio del piano de Duffy en varias partes. Me encanta la diversidad étnica, el silbato gordo del árbitro, los desgarros psicológicos (¿tal vez un sintetizador de guitarra pellizcado?), el láser de encendido, risa de gato, retardo de batería, rasguños en la guitarra mientras está configurada en ambiente eléctrico, canales de vocalización divididos, instrumento de fuente, torbellino rasposo (con velocidad intermitente)..  todo es un exceso maravilloso. Higher than the Sun esta canción es parte de la gama de canciones de Primal Scream que entran en una peculiar categoría de temas reflexivos, profundos e intensos, la voz de Gillespie es sencillamente cósmica, la melodía invita literalmente al despegue del planeta tierra e instrumentalmente todo va adquiriendo un ascenso imparable que de repente explota en un gran clímax; la atmósfera, gracias a la producción de The Orb es una de las mejores del disco y consagra la atmósfera general de Screamadelica en su faceta más honesta, espiritual y espacial. Inner flight: Un gran tema instrumental en el que se eleva la apuesta atmosférica del tema anterior, y es que literalmente el ascenso al espacio aquí es explícito, la belleza cósmica es materializada por arreglos y sonidos que parecen la respuesta extraterrestre a "Pet Sounds" de los Beach Boys, las guitarras, teclados y esporádicas voces de Gillespie alcanzan la inmortalidad en un nocturno campo elíseo. Come together en el álbum aparece la versión remixada por Weatherall y Nicholson para el disco del tema del mismo nombre publicado poco entes, en dicho single era interpretada por Gillespie, con una melodía pegajosa y un coro impresionante; la versión del disco en cambio es principalmente instrumental, sólo se escucha una intervención gospel de Denise Johnson y una grabación de un discurso del político afroamericano Jesse Jackson, se trata de un remix extenso y con toques de dub, con un órgano dándole una fuerte potencia eclesiástica, enfocada a una atmósfera que tributa a las comunidades negras del sur de Estados Unidos, Primal Scream se siente como si fueran uno con el mundo en LSD, perturbación de 16 bits, la música es su vida y esto es lo mucho que la aman, trompa de Broadway (vibras positivas), superando a LaGWAFiS fácilmente, el violín al final de una película, outro de ángulo agudo 

Sin Loaded este disco no hubiese sido lo que es, el famoso remix de Andrew Weatherall a 'I'm losing more than I'll ever have' del disco homónimo de la banda, es como lo opuesto a una banda sonora de película, deleite de saxofón, clic de semilla de manzana, ventosa invertida, bajo bajo pero agradable, guitarras despertando, instrumentos que recuerdan el pasado, cantando a través del tiempo, sonando la alarma, ecos de cámara, órgano fresco en el medio, límites de cuerdas, aplausos de intervalo, cuerda espástica, patrones en alineación, el evangelio es omnipresente. Llama la atención que es un remix principalmente instrumental, la voz de Gillespie aparece sólo un par de veces a lo más, siendo mucho más notorio un sample de 'I don't want to lose your love' de The Emotions, mantiene un ritmo muy pegajoso con notables samples y uso de percusiones y en el que las guitarras tienen un rol protagónico, especialmente en un interludio en la mitad de la canción donde la guitarra de Innes entra con la fuerza demoledora de verdaderos truenos, el resultado es un tema que resume de forma magnífica la esencia del house y la fuerza del rock n roll rollingstonense. Damaged es el segundo tema producido por Jimmy Miller en el disco, se trata de una balada que suena extraída de los más hondo de Mississippi, la guitarra acústica bluesera, el piano doloroso de Duffy, la voz sufriente de Gillespie llevan de lleno a un bar perdido en la carretera del sur de Estados Unidos, la melodía vocal llega a un clímax desgarrado y entra un solo de guitarra épico grabado por Olsen coronado por un órgano solemne que evoca al gospel, no hay rastros de acid house aquí, sin embargo no hay ninguna contradicción entre este maravilloso sonido y lo que ha sonado en el resto del disco, se han salido con la suya, han revivido el glam-hard rock para la escena rave y no han necesitado esconderlo, Jimmy Miller ha hecho renacer a los Rolling Stones. 

I'm comin' down como indica su título es un tema algo más cabizbajo que lo que ha sonado hasta aquí, siguiendo la ruta de 'Higher than the sun', pero producido por Weatherall y Nicholson, destaca el uso magistral de vientos y los efectos de sintetizador y house, Tomanov realiza un meticuloso trabajo en percusiones; Gillespie canta como si estuviera a la deriva en pleno espacio exterior. Higher than the Sun (A dub symphony in two parts) sólo en un disco de estas características los autores pueden darse el lujo de repetir un tema en forma de remix, esta vez este tema sería algo así como la versión de Weatherall y Nicholson de 'Higher than the Sun', puesto que ese tema fue producido por The Orb. Como indica el nombre está compuesto de dos secciones, la primera es una delirante y paranóica introducción de sonidos del tema como un mantra, Gillespie repitiendo el título, y las percusiones colapsando en eco, la segunda arte hace su ingreso con un bajo estilo dub tocado por el mítico bajista Jah Wobble, de la banda Public Image Ltd., esta sección sigue una cadencia más ordenada hasta que es coronado por un fantasmagórico y apoteósico teclado de Martin Duffy que rememora el sonido de un reloj milenario. Shine like stars es la canción que despide el disco también sigue la línea de pop psicodelia más introspectiva de Primal Scream, elaborada aquí a lo largo de 'Higher than the Sun', 'Inner flight' y 'I'm comin' down'. El sonido del sintetizador evoca la soledad de la noche representando a las estrellas, la voz de Gillespie es clara, confesional y fuertemente melancólica, acompañada de un órgano de Duffy lleno de dulzura e inocencia de tiempos perdidos. Una forma genial de concluir un disco de tanta potencia, pues deja con un profundo desasosiego por volver a oírlo o escuchar más de la banda. 

Concluye así un disco que nació casi involuntariamente para una banda que quería revivir el rock n roll y que se vio transformada en un grupo de magos que lo hicieron a través del dominio de la electrónica sin perder su esencia. El apoyo del sello Creation Records fue fundamental y todo se alineó para que este disco fuera el punto cúlmine de todo un movimiento musical. Desde el arte alucinógeno hasta una producción y orden del disco impecable que no hace perder la atmósfera ni en las tornamesas ni en las guitarras, este disco se transforma en una joya del pop psicodélico que merece +1 punto a su nota promedio.

1541.- Blue Bayou - Linda Ronstadt

 

"Blue Bayou" es una de las canciones más icónicas de Linda Ronstadt, que la grabó en 1977 como parte de su álbum "Simple Dreams". Escrita originalmente por Joe Melson y Roy Orbison, "Blue Bayou" es una balada melancólica y vibrante que, ya sea en la versión de Orbison o en la de Ronstadt, consigue capturar la emoción de las grandes canciones sobre lugares a los que la nostalgia y el recuerdo nos hacen volver una y otra vez.

Producida por Peter Asher, en lo musical “Blue Bayou” tiene una atmósfera igualmente intensa y melancólica, con una notable combinación de guitarra acústica, bajo y teclados, con arreglos suaves y sencillos que envuelven y acompañan a la voz de Ronstadt, cuya interpretación en "Blue Bayou" es particularmente emotiva y profunda, transmitiendo la tristeza y la melancolía del que recuerda desde la lejanía el lugar del pasado en el que fue feliz.

El éxito comercial de "Blue Bayou" y los elogios generalizados de la crítica especializada ayudaron a consolidar la carrera de Linda Ronstadt como una de las principales voces femeninas de su generación, y su conmovedora interpretación de este tema y la calidad de la producción hicieron que "Blue Bayou" pasara a engrosar la lista de grandes clásicos atemporales de los años setenta, y se convirtiera en una canción imprescindible de cualquier recopilatorio o lista de lo mejor de esa época.

1540.- Dancing in the Moonlight (It's Caught Me In Its Spotlight) - Thin Lizzy

 

Dancing in the Moonlight, Thin Lizzy

     Bad Reputation es el octavo álbum de estudio de la banda de rock irlandesa Thin Lizzy. Fue grabado entre mayo y junio de 1977 en los Toronto Sound and Sound Intercharge Studios de Toronto, Canadá, bajo la producción de Tony Visconti, y publicado el 2 de septiembre de 1977 bajo el sello discográfico Vertigo Records. Tal y como sugiere la portada, la mayoría de las canciones presentan solo tres cuartas partes de la banda, y el guitarrista Brian Robertson solo aparece acreditado en tres temas. Se perdió la mayor parte de su gira anterior debido a una lesión en la mano sufrida en una pelea. Quizá fue esa misma "mala reputación" de persona difícil y conflictiva la que alejó a Brian Robertson del resto de la banda, hasta el punto de ser expulsado y, posteriormente, readmitido para tocar en tan solo alguno que otro tema del disco. Con Robertson fuera de la ecuación, Lynott decidió que Scott Gorham asumiera la totalidad de las guitarras del álbum. Gorham no lo tenía tan claro, y dejó sin grabar los solos de guitarra de un par de canciones, antes de convencer a Lynott para que llamara de nuevo a su antiguo compañero y le dejara grabarlos.Robertson regresó temporalmente, grabando los solos de Opium Trail y Killer Without a Cause, y compartiendo la guitarra principal con Gorham en That Woman's Gonna Break Your Heart, pero Bad Reputation quedó para siempre identificado como el álbum de Thin Lizzy sin Brian Robertson.

Incluído en este álbum se encuentra Dancing in the Moonlight (It's Caught Me In Its Spotlight), un tema con un alegre ritmo y con un toque Boogie que estaba claramente influenciado por Van Morrison, de quien Phil Lynott era un gran admirador. El subtítulo de la canción fue agregado por la compañía discográfica estadounidense de la banda, Mercury Records, para distinguirla de la canción de King Harvest con el mismo título y que había sido lanzada cuatro años antes. Estamos ante una alegre y optimista canción de rock suave que nos invita a recodar nuestra juventud, a disfrutar de los buenos momentos bajo la luz de la luna, a dejarnos llevar y disfrutar el momento. Dancing in the Moonlight es toda una oda a la juventud, la libertad y la rebeldía.

Queen - The Works (Mes Queen)

Quizás es el álbum más "meh" de Queen, The Works rara vez impresiona, aunque tampoco resulta aburrido, dependen menos de los sintetizadores que Hot Space, y menos mal, porque ahora tienen la suficiente habilidad para saber cuándo usarlos en las canciones. Como curiosidad, este es el único álbum de Queen donde cada canción se ha publicado como sencillo o cara B y si alguna vez te has preguntado por qué este álbum es el que más canciones aporta a sus recopilatorios, esa es la razón. "Radio Ga Ga" es el sencillo imprescindible del álbum, y sus fragmentos de sintetizador primitivos, burbujeantes y brillantes transmiten la romántica era pasada, el estribillo es un poco... infantil, como mínimo. ¿Qué esperarías de una línea inspirada en el hijo recién nacido de Roger Taylor? Aun así, me siguen gustando mucho las estrofas, así que diría que es un sencillo que vale la pena tener. Pero quedémonos que es entretenido como el infierno, mejor que la basura que hoy se hace pasar como álbumes (estoy hablando de unos pocos seleccionados que no tienen concepto de lo que significa hacer un buen álbum. Es una forma de arte. ¡Trátenlo de esa manera!), eso es lo que Queen siempre hizo. Los 80 los encontraron más comerciales, pero eso es una hazaña aún más difícil. Las canciones de éxito son más esquivas de escribir que las locas gemas creativas, pero llegan a aquellos que son dignos.

Radio Ga-Ga quizás fue el último gran éxito de Queen y es una gran canción, pero es básicamente un ataque a los videos musicales, algo que Queen ayudó a innovar. Hay un montón de sintetizadores extraños, ademas es una excelente canción para interpretar en vivo, con todos los aplausos que haces. Brian toca un solo de guitarra slide realmente bueno, lo único malo es que no ha envejecido bien, como la mayoría de las cosas de Queen de los 80. Tear It Up es un hard rock de ritmo rápido lleno de la energía de Queen. La voz de Freddie se eleva aquí. Los versos son bastante extraños y me recuerdan a la canción Body Language. Es fácil amar esta canción, satisface esa parte del rock típico pero aún así exclusivo de Queen ejemplificado antes en discos como 'Jazz'. It's A Hard Life es una canción que suena triste sobre la ruptura. Lamentablemente, Queen suena como si estuvieran tratando de hacer nada más que recrear Bohemian Rhapsody y Play The Game, algo en lo que fallaron. Sin embargo, la ejecución del piano y la guitarra combinan muy bien. El solo de Brian es maravilloso. No es una mala canción, simplemente no suena muy original en ningún sentido, una canción mala y un buen éxito. Realmente no sé cómo describirlo. Muestra partes de su pasado, pero también con la nueva energía de redundancia y el simple disfrute de escribir que trajeron los 80. Man On The Prowl en mi opinión, es la peor canción del álbum. La línea de bajo es exactamente la misma que Crazy Little Thing Called Love, pero a esta canción le falta la melodía que tenía esa canción. Suena como si se hubiera hecho en los años 50. Machines (Or Back To Humans) es otro de los temas flojillos, pero la verdad es que no me molesta, no puedo describir a Queen, pero este tema llega cuando se necesita en el álbum. Le da a Queen esa esencia robótica, maravillosa y carnal, y se puede relacionar con ellos, como la fusión de Queen con algo nuevo, así como con lo que habían aprendido musicalmente en su vida pasada. Freddie canta sobre cómo la gente cree que el futuro se arruinará con la creación de robots. Se han hecho muchas teorías sobre cómo las máquinas eventualmente superarán a los humanos, debido al hecho de que su capacidad mental es ilimitada y que no sienten dolor.

 

I Want To Break Free es otro de los clásicos de Queen. La voz de Freddie es muy buena como siempre aquí y resalta incluso por el sintetizador, el solo de guitarra de Brian esta un poco "fuera de lugar". Básicamente, todo lo que tengo que decir es que tienes que amar esta canción. Just Keep Passing The Open Windows es una verdadera sorpresa, sigue la premisa de que Freddie irradia mucha confianza y tormentos emocionales. Cualquiera en una situación emocionalmente problemática podría aprender un par de cosas de la forma en que Freddie maneja su vida, y la forma en que lo demuestra en esta canción y la confianza que tiene, se siente como un gran viaje, y es una melodía brillante. Las canciones únicas se vuelven cada vez más escasas a medida que la música popular avanza, con melodías predecibles en auge hoy en día, melodías sin alma creadas para simplemente sacar dinero mediante un sistema de atractivo sin sentido, no sé qué esperar. Tiene que haber más como esto por ahí. Hammer To Fall destaca por la forma de tocar la guitarra, es tan rockera que te tiene que encantar con un enorme riff que grita de un lado a otro durante toda la canción. La letra trata completamente sobre los lados negativos de la guerra. "¿Por qué demonios estamos luchando? / Solo ríndete y no dolerá nada". También escuché que Brian escribió esto sobre el fin del mundo, y cómo nada importaría en absoluto si el mundo terminara mañana. El solo es hermoso, y básicamente cada línea que canta Freddie es poética y encaja perfectamente con la música. Definitivamente la mejor canción del álbum. Is This The World We Created…? No es más que un outro acústico de Hammer To Fall, La letra es muy triste y se centra en cosas como el hambre y la superpoblación. Es una canción muy corta, y el álbum termina con una nota muy triste.

 Durante la década de 1970, Queen fue uno de los grupos de rock más importantes. Crearon un grupo de seguidores de culto que sigue vigente hoy en día, 15 años después del fallecimiento del cantante Freddie Mercury. Durante los 70, básicamente alardeaban en cada álbum sobre cómo no usaban un sintetizador. En The Game, su primer álbum de los 80, usaron un sintetizador. Después de eso, aprovecharon su poder constantemente. Este es probablemente su peor álbum, pero no está mal ya que básicamente fue escrito y grabado en un instante. Básicamente, Queen simplemente creó algunas canciones y las grabó lo más rápido posible. Así que el álbum se siente un poco apresurado, pero no me quejo. Ojalá las bandas de hoy en día hicieran álbumes con más frecuencia. Si puedes encontrarlo a un buen precio, deberías comprarlo, porque los álbumes de Queen siempre son mucho mejores que los miles de grandes éxitos que ofrecen.

1539.- The Passenger - Iggy Pop

"The Passenger" ("El pasajero") es, junto a la canción que le da título, el tema más relevante de "Lust for Life" (1977), el segundo álbum de estudio en solitario del estadounidense Iggy Pop. Grabada en Berlín como el resto del disco, y con la inestimable colaboración y producción de David Bowie, tiene en la aparente sencillez de su estructura rítmica y en su reflexiva y decadente letra sus armas más efectivas.

Para la letra, Iggy Pop se inspiró en un poema de su admirado Jim Morrison, líder de The Doors, que veía "la vida moderna como un viaje en automóvil". Precisamente, Iggy la escribió mientras viajaba en el S-Bahn (metro) de Berlín, y la canción podría compartir cierta conexión temática y misteriosa con el pasajero de "Always Crashing in the Same Car" del disco "Low" de David Bowie de la misma época.

La música fue escrita por el guitarrista Ricky Gardiner, antiguo miembro de la banda de rock progresivo Beggars Opera, y que se encontró con las secuencia de acordes de lo que después sería "The Passenger" mientras tocaba su guitarra tranquilamente sentado al pie de un árbol cercano a su casa. A Iggy le encajó como un guante aquella sucesión de acordes con la idea y la letra escrita durante su viaje en metro, y la canción tomo forma gracias a esos dos momentos tan diferentes.

1538.- Lust for Life - Iggy Pop

 

Lust for Life es el tema principal y que da título al segundo álbum de estudio en solitario del músico estadounidense Iggy Pop, grabado en los Hansa Studios de Berlín Oeste bajo la producción de David Bowie y Colin Thurston bajo el pseudónimo de The Bewlay Brothers (llamado así por la última pista del disco de Bowie "Hunky Dory") y publicado el 9 de septiembre de 1977 por RCA Records.

Iggy Pop se inspiró para el ritmo de "Lust for Life" en el código Morse que abría las noticias del programa de la  televisión berlinesa American Forces Network, y la compuso con la ayuda de Bowie al ukelele. La canción tiene un sonido más rotundo y rockero que los temas del anterior disco (The Idiot, 1977) y más cercano a lo que Iggy Pop había hecho anteriormente con The Stooges.

El título de la canción y del disco proviene de la película "Lust for life" (1956), que es una adaptación de la novela biográfica que Irving Stone escribió en 1934 sobre Vincent Van Gogh, pero el tema de Iggy y Bowie trata sobre el desordenado estilo de vida que habían llevado durante su adicción a la heroína. Esa temática contribuyó a que la canción, que aunque funcionó bien en el Reino Unido (dónde alcanzó el puesto 28 de las listas de ventas) no tuvo todo el éxito que hubieran esperado en su momento, tuviera un importante renacer comercial al ser incluida en la banda sonora de la película "Trainspotting" (1996), sobre un grupo de jóvenes de clase baja de Edimburgo que estaban enganchados a las drogas.

Una recomendación rockera y sabrosa

Hoy os traemos una recomendación muy curiosa, un libro sobre música con un enfoque bastante peculiar y sorprendente. “Las Recetas de Loretta Clark” (Comida en clave pop rock) recopila cuarenta recetas inspiradas en platos y alimentos que han dado título a canciones y discos del rock, el pop y el cancionero popular tanto nacional como internacional.

Las recetas de Loretta Clark: Cocina en clave pop rock (Spanish Edition): Clark, Loretta: 9798860672604: Amazon.com: Books

En la introducción, Loretta Clark cuenta cómo surgió la idea para escribir este peculiar libro. Aficionada por igual a la música y a la cocina, casi nunca hacía una sin escuchar la otra, y una noche, mientras preparaba la cena antes de sentarse a comer frente al televisor, empezó a sonar en la radio la canción “TV Dinners” (“Cenas de televisión”) de ZZ Top, en lo que para ella fue “una mágica y casual conexión entre la comida y la música, que hizo que prendiera en mí la idea de escribir un libro que combinara ambas pasiones”.

Días después de aquella coincidencia, y mientras leía “Vida”, la autobiografía de Keith Richards, encontró en las palabras del genial guitarrista el impulso definitivo para poner en marcha su idea y, según sus propias palabras “recoger el guante que, días antes, me habían lanzado los ZZ Top”. Hacia el final del libro, cuando ya no tenía mucho más que contar, Richards se desmarcaba de las autobiografías al uso con una inesperada receta sobre cómo le gustaba preparar las salchichas. Al leer la receta, Loretta tuvo claro que su misión en la “Vida” no era otra que “encontrar la mayor cantidad posible de referencias a platos y comidas en el mundo de la música”, para después buscar las recetas y recopilarlas en un libro.

Así nació “Las recetas de Loretta Clark”, un trabajo de búsqueda y recopilación que no se queda en la mera mención y descripción de las canciones, sino que incluye las recetas completas de los platos, con todos sus ingredientes e instrucciones para prepararlos de una manera clara y sencilla. Y para los que penséis que la cosa va solo del “Cocidito madrileño” de Manolo Escobar o el “Arroz con bacalao” de Lolita, os sorprenderá que las recetas incluyan “recomendaciones” de intérpretes y grupos internacionales como Prince, De La Soul, Weezer, Guns and Roses, B’52, Led Zeppelin, The Beatles o The Supremes, y de artistas patrios como Joaquín Sabina o Siniestro Total, en un apetecible menú de música y cocina al que te recomendamos que le hinques el diente en formato kindle o tapa blanda, en Amazon.es:

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Queen: Artista del Mes – Un Vistazo a su Álbum "The Game"

Queen: Artista del Mes – Un Vistazo a su Álbum "The Game"

En nuestra sección del Artista del Mes, dedicamos este espacio a una de las bandas más legendarias e influyentes de la historia del rock: Queen. Con una carrera llena de éxitos, innovación y un legado que perdura hasta hoy, Queen ha dejado una huella imborrable en la música. En este post hablaremos de uno de sus álbumes The Game, lanzado en 1980. Este disco no solo marcó un antes y un después en la carrera de la banda, sino que también demostró su capacidad para reinventarse y explorar nuevos sonidos sin perder su esencia.

Queen: Una Banda en Constante Evolución

Queen siempre ha sido sinónimo de versatilidad. Desde sus inicios en los años 70, la banda, compuesta por Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon, se destacó por su capacidad para fusionar géneros como el rock, la ópera, el glam y el hard rock. Sin embargo, con The Game, Queen dio un paso audaz hacia nuevos territorios musicales, incorporando elementos de funk, disco y rockabilly. Este álbum no solo consolidó su estatus como superestrellas globales, sino que también demostró que estaban dispuestos a arriesgarse y evolucionar.

Se podria entonces decir que The Game es un álbum innovador. Grabado entre 1979 y 1980 en los estudios Musicland de Múnich, The Game fue producido por Reinhold Mack y se convirtió en el primer álbum de Queen en utilizar sintetizadores. Este fue un cambio significativo para la banda, que hasta entonces había evitado el uso de estos instrumentos, prefiriendo crear sonidos complejos con instrumentos tradicionales. Sin embargo, en The Game, los sintetizadores se integraron de manera orgánica, añadiendo nuevas texturas sin restar protagonismo a los elementos clásicos de Queen.

El álbum es una mezcla perfecta de baladas emotivas, canciones energéticas y ritmos contagiosos. Con hits como "Another One Bites the Dust" y "Crazy Little Thing Called Love", The Game se convirtió en un éxito comercial masivo, llegando al número uno en las listas de cinco países, incluidos Estados Unidos y el Reino Unido.

Lista de Canciones de The Game

1. "Play the Game" (Mercury) El álbum abre con esta poderosa balada escrita por Freddie Mercury. Con un piano melódico y una guitarra emotiva de Brian May, la canción crea una atmósfera introspectiva que explora temas como el amor y las relaciones. El solo de guitarra de May es uno de los más memorables del álbum.

2. "Dragon Attack" (May) Esta canción, escrita por Brian May, es un ejemplo del lado más pesado y funkero de Queen. Con un riff de bajo prominente de John Deacon y un ritmo contagioso, "Dragon Attack" es una pista energética que demuestra la versatilidad de la banda.

3. "Another One Bites the Dust" (Deacon) Sin duda, uno de los mayores éxitos de Queen y una de las canciones más icónicas de la historia del rock. Escrita por John Deacon, esta pista es una incursión en el funk y el disco, con un bajo pegajoso y un ritmo irresistible.

4. "Need Your Loving Tonight" (Deacon) Otra composición de John Deacon, esta canción tiene un sonido pop-rock con un ritmo alegre y optimista. La voz de Mercury es fresca y llena de energía, y la canción sirve como un contraste ligero a algunas de las pistas más serias del álbum.

5. "Crazy Little Thing Called Love" (Mercury) Un homenaje al rockabilly de los años 50, esta canción escrita por Freddie Mercury es sencilla pero efectiva. Fue compuesta por Mercury mientras se daba un baño. Él mismo grabó la guitarra acústica en el estudio antes que la banda llegara y ejecutara las bases de la canción. Brian May dijo que la ejecución de Freddie fue perfecta y únicamente se le agregó un solo de guitarra en la mitad de la canción, después del consejo de su productor Mack, más bien parodiando el sonido de televisión de su famosa guitarra "Red Special". Freddie tocó la guitarra en todas las versiones en vivo en las que se interpretó esta canción; esto constituyó el único momento en el que tocó otro instrumento que el piano o la pandereta. El video promocional fue dirigido por Dennis De Vallance y filmado en los Trillion Studios de Londres, en el que Brian May aparece tocando una Fender Telecaster en vez de la mítica Red Special.

6. "Rock It (Prime Jive)" (Taylor) Roger Taylor tuvo dificultades para aportar temas a The Game. "Rock It (Prime Jive)" fue generadora de disputas dentro de la banda. Se grabaron dos versiones del tema, una cantada íntegramente por Freddie y otra grabada por Roger. La polémica vino al decidir cuál de las dos iría. Brian y Mack se inclinaban por la cantada por Freddie, mientras John y Roger por la de Roger. Finalmente se decidió que el intro sería de Freddie y el resto de la canción de Roger. En vivo, era Freddie quien la cantaba.

7. "Don't Try Suicide" (Mercury) Este tema de Freddie, sin sintetizadores, cuenta con un juego entre el bajo y la batería, y solos de Brian que rompen cada cierto rato la hegemonía del Sonic Volcano. En un álbum posterior, Made in Heaven, hay una canción de cuatro segundos llamada "Yeah", la cual es un fragmento de "Don't Try Suicide".

8. "Sail Away Sweet Sister" (May) Grabada en las sesiones preliminares de 1979 junto a "Crazy Little Thing Called Love", "Save Me" y "Coming Soon", "Sail Away Sweet Sister" se sustenta en la delicada voz de Brian y en el bajo de John (que es un poco el instrumento principal en el disco y tiene un solo al cierre del track), con un desgarrador solo de guitarra, y Freddie cantando unas cuantas líneas.

9. "Coming Soon" (Taylor) Roger tenía tres temas para este disco. Ya vimos el primero, "Rock It", el segundo estaba entre "A Human Body" y "Coming Soon". Quedó esta última quizás por estar musicalmente más cerca de los demás temas que "A Human Body", que quedó guardada para que fuera el lado B de "Play The Game" por ser demasiado melódica para el resto del álbum.

10. "Save Me" (May) Cierra el álbum esta emotiva balada escrita por Brian May. Con un piano y una guitarra llenos de sentimiento, la canción es una despedida melancólica pero esperanzadora. Fue el segundo sencillo de The Game y alcanzó el puesto #11 en las listas de Reino Unido. Para este sencillo se grabó el primer vídeo promocional de animación de Queen, mezclando una actuación en directo con una animación. El vídeo fue filmado en el Alexandra Palace de Londres y dirigido por Keith McMillan durante la gira de diciembre conocida como Crazy Tour.

The Game no solo fue un éxito comercial, sino que también marcó un momento de madurez creativa para Queen. La banda demostró que podía evolucionar y adaptarse a las tendencias musicales sin perder su identidad. Canciones como "Another One Bites the Dust" y "Crazy Little Thing Called Love" se convirtieron en clásicos instantáneos y siguen siendo parte integral del repertorio de la banda.

Además, el álbum consolidó a Queen como una de las bandas más versátiles e innovadoras de su época. Aunque algunos puristas del rock criticaron el uso de sintetizadores, The Game es una prueba de la capacidad de Queen para reinventarse y mantenerse relevante en un panorama musical en constante cambio.

Queen ha dejado un legado imborrable en la música no cabe duda, y The Game es una parte fundamental de ese legado. Este álbum no solo demostró la versatilidad y el genio creativo de la banda, sino que también sentó las bases para su éxito en la década de los 80. Con una mezcla de baladas emotivas, canciones energéticas y ritmos contagiosos, The Game es un testimonio del genio musical de Queen y su capacidad para crear música que trasciende generaciones.

The Game es un álbum esencial en la discografía de Queen. Combina lo mejor del sonido clásico de la banda con influencias nuevas y frescas, creando un disco que es tanto innovador como atemporal. Este mes, celebramos a Queen como nuestro Artista del Mes, recordando su capacidad para sorprender, emocionar y, sobre todo, jugar el juego de la música como nadie más lo ha hecho.

Daniel 

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1537 - Ian Dury - Sex and drugs and rock and roll

1543 - Ian Dury - Sex and drugs and rock and roll

Ian Dury, una de las figuras más icónicas y excéntricas del punk y el new wave británico, dejó un legado imborrable con su canción Sex & Drugs & Rock & Roll. Lanzada en 1977 como parte de su álbum debut New Boots and Panties!!, esta pieza se convirtió en un himno generacional que encapsulaba la esencia rebelde y hedonista de la música de la época. Con su estilo único, Ian Dury logró combinar letras ingeniosas, ritmos contagiosos y una actitud desafiante que resonó en una juventud ávida de romper con las convenciones.

La canción es una celebración irreverente de los tres pilares que, según Ian Dury, definían la vida de un rockero: el sexo, las drogas y el rock and roll. Aunque el título podría sugerir una glorificación superficial de estos temas, Ian Dury los aborda con un tono sarcástico y autocrítico. Las letras, cargadas de humor y dobles sentidos, reflejan tanto la fascinación como el desencanto hacia un estilo de vida que, aunque lleno de placeres momentáneos, también conlleva sus propias trampas y contradicciones. Ian Dury no solo canta sobre la diversión, sino que también insinúa los riesgos y la vacuidad que pueden acompañar a este tipo de existencia.

Musicalmente, Sex & Drugs & Rock & Roll es una obra maestra de la fusión de géneros. La base rítmica, impulsada por los Blockheads, la banda que acompañaba a Ian Dury, mezcla elementos del funk, el reggae y el rock, creando un sonido que es a la vez crudo y sofisticado. La voz distintiva de Dury, con su acento cockney y su entrega casi teatral, añade una capa de autenticidad y carisma que hace imposible ignorar la canción. Cada verso está impregnado de una energía contagiosa que invita al oyente a moverse, reír y reflexionar al mismo tiempo.

Uno de los aspectos más notables de la canción es su capacidad para trascender el tiempo. Aunque fue escrita en un contexto específico —la escena punk británica de finales de los 70—, su mensaje sigue siendo relevante hoy en día. El trío de temas que aborda (sexo, drogas y rock and roll) sigue siendo un símbolo de la cultura popular, y la forma en que Ian Dury los trata —con una mezcla de admiración y escepticismo— sigue resonando con audiencias de todas las edades.

Sex & Drugs & Rock & Roll no es solo una canción, sino una declaración de principios. Ian Ian Dury logró capturar el espíritu de una época mientras creaba una obra que, gracias a su ingenio y su energía, sigue siendo atemporal. Es un recordatorio de que la música no solo es un medio de entretenimiento, sino también una herramienta para cuestionar, provocar y celebrar la vida en todas sus facetas. Para cualquier amante del rock, esta canción es una parada obligatoria en el viaje musical. 

¿Qué opinas de este clásico? ¿Crees que el mensaje de Ian Dury sigue vigente? Déjanos tus comentarios y no olvides compartir esta reseña en tus redes sociales.

Daniel 

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1536 - Talking Heads - Psycho Killer

1542 - Talking Heads - Psycho Killer

En el panorama del rock post-punk de finales de los 70, pocas canciones han logrado capturar la esencia de la angustia moderna y la alienación urbana como "Psycho Killer" de Talking Heads. Lanzada en su álbum debut Talking Heads: 77, esta canción se ha convertido en un himno atemporal que combina una letra inquietante con una instrumentación minimalista pero efectiva, marcando el inicio de una carrera brillante para la banda liderada por David Byrne.

Desde el primer acorde, "Psycho Killer" te atrapa con su ritmo contagioso y su bajo pulsante, creado por Tina Weymouth. La guitarra de Byrne, aunque sencilla, es hipnótica, y los arreglos de percusión de Chris Frantz mantienen un tempo que oscila entre lo tenso y lo danzable. Sin embargo, lo que realmente destaca es la letra, que explora la mente de un asesino desde una perspectiva casi introspectiva. Byrne, inspirado en parte por la canción "Psycho" de Alice Cooper y en parte por su fascinación por las películas de terror, logra transmitir una sensación de incomodidad que es a la vez personal y universal.

La frase "I can't seem to face up to the facts / I'm tense and nervous and I can't relax" encapsula la ansiedad y la paranoia que muchos experimentan en la vida cotidiana, pero llevadas a un extremo perturbador. Byrne no solo habla de un asesino, sino que también parece cuestionar la naturaleza de la locura y la desconexión humana. El coro en francés, "Qu'est-ce que c'est?" (¿Qué es esto?), añade un toque de misterio y sofisticación, reflejando la influencia de la cultura europea en la banda y su deseo de romper con las convenciones del rock tradicional.

Uno de los aspectos más fascinantes de "Psycho Killer" es su capacidad para ser a la vez oscura y divertida. La canción no pretende ser una declaración seria sobre la violencia, sino más bien una exploración irónica y casi teatral de la mente humana. Byrne, con su voz característicamente nerviosa y entrecortada, logra transmitir una sensación de desesperación que es a la vez cómica y escalofriante. Es como si estuviera actuando el papel de un personaje sacado de una película de Hitchcock, pero con un toque de humor absurdo.

En términos de producción, la canción es un ejemplo perfecto del enfoque minimalista de Talking Heads. No hay excesos ni adornos innecesarios; cada elemento está ahí por una razón. Esto no solo refleja la filosofía de la banda en sus inicios, sino que también contribuye a la atmósfera claustrofóbica de la canción. La simplicidad de la instrumentación permite que la letra y la interpretación vocal brillen, creando una experiencia auditiva que es a la vez inquietante y adictiva.

"Psycho Killer" es una obra maestra del rock moderno que combina inteligencia, ironía y una ejecución musical impecable. No solo es una de las canciones más icónicas de Talking Heads, sino también un reflejo de la genialidad de David Byrne como compositor y performer. Más de cuatro décadas después de su lanzamiento, la canción sigue siendo tan relevante y fascinante como el primer día, demostrando que la verdadera genialidad no tiene fecha de caducidad. Si aún no la has escuchado, es hora de que te sumerjas en este clásico y descubras por qué sigue siendo una de las canciones más influyentes de su época.

Daniel 

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1535.- Love Gun - Kiss

 

Love Gun, Kiss

     Love Gun es el sexto álbum de estudio de la banda estadounidense Kiss. Fue grabado entre el 3 y el 28 de mayo de 1977 en los Record Plant Studios de Nueva York, bajo la producción de Edie Kramer y del propio grupo, y publicado el 30 de junio de 1977 bajo el sello discográfico Casablanca Records. El mismo día del lanzamiento el grupo vendió un millón de copias y se convirtió en el primer álbum de la banda en llegar al top 5 de las listas de ventas Billboard 200Estados Unidos. El álbum, además, es el primero de estudio que incluye la voz principal de Ace Frehley, lo que lo convierte en el primero en incluir las voces principales de los cuatro miembros de la banda. 

Incluido en el álbum se encuentra la canción que da título al mismo, Love Gun. La canción fue escrita por Paul stanley, quien además interpretaba la canción. Sobre la letra de la canción, Stanley afirmaba de que trataba la misma: "Un arma de amor es el arma con la que naces, que nunca te quitas encima", a buen entendedor pocas palabras. Según el libro editado en 2004, KISS: Behind the Mask, Stanley escribió la canción en un vuelo a Japón: "Lo tenía todo escrito en mi cabeza"... "Cuando aterrizamos, tuve que tocarla para asegurarme de que funcionara y que estuviera todo en su sitio. Creo que la mayoría de las veces, cuando escribes canciones geniales, lo sabes. Siempre pensé que 'Love Gun' era una canción genial, y hoy en día, sigo pensando que es una canción tremenda. Probablemente sea la canción que más disfruto interpretar. Para mí, 'Love Gun' es la quintaesencia de Kiss y probablemente una de las cinco canciones emblemáticas esenciales". La canción ha sido intepretada en todas las giras de Kiss desde su lanzamiento. Stanley la ha citado como la canción del grupo de la que se siente más orgulloso. Quizás tuviera que ver el hecho de que fue la primera canción que escribió, arregló y produjo en su totalidad.

Disco de la semana 421: Kings & Queens of the Underground - Billy Idol

 

"Kings and Queens of the Underground" es el octavo álbum de estudio de Billy Idol, lanzado el 17 de octubre de 2014. Este álbum marca un regreso significativo para Idol, siendo su primer trabajo de material original desde el también excelso "Devil's Playground" en 2005. Producido por Trevor Horn y Greg Kurstin, el disco es una mezcla de punk rock clásico y power pop, manteniendo la esencia rebelde y energética que ha caracterizado la carrera de Idol, pero con la novedad de la inclusión de ciertos toques nostálgicos en las letras de varias canciones.

Comienza sin tregua con Bitter Pill, una de las mejores canciones del disco, un compendio de energía rockera, sabor a carretera polvorienta y cuentas pendientes en el alma, narrado a base de guitarras contundentes y sintetizadores atmosféricos. La letra es una amarga reflexión sobre una vida de peligros y excesos, casi una road movie emocional, sobre una vida pasada que el protagonista sacrifica por seguir teniendo a su pareja a su lado. La voz rasposa de Idol está más en forma que nunca, y transmite la sensación agridulce de alguien que ha vivido esa vida canalla, y se aleja de ella asumiendo el sacrificio por amor, pero no por ello dejando de echarla de menos en ocasiones ("Es una pastilla amarga que me trago, solo para mantenerte a mi lado").

Es difícil superar este arranque, pero entre las candidatas a lograrlo estaría sin duda Can't Break Me Down, otro himno de actitud canalla, con un toque mucho más desafiante y nada resignado ("Es una reacción natural, cuando golpeo contra el suelo, soy como el asesino originario, me levanto a por más"). Dotada de un ritmo acelerado, unos coros de estadio y un estribillo pegadizo, tiene una producción más elaborada que el tema anterior, que abunda en efectos electrónicos y que está claramente diseñada para ser un single de impacto. Algo así podría decirse también de Save Me Now, otra gran canción con una temática similar a Bitter Pill, pero mientras en la canción que abre el disco el protagonista se resigna y asume que tiene que sacrificar cosas por vivir en pareja, aquí directamente le pide a su amada: "Sálvame ahora" de esa vida desatada y peligrosa. La producción vuelve a ser brillante, combinando guitarras acústicas y eléctricas con efectos electrónicos.

One Breath Away tiene un comienzo más aterciopelado y de menor octanaje instrumental, en el que Idol explota su vena de cantante de voz profunda, para subir después la intensidad en un efectivo estribillo y acabar igualmente explotando en un tramo final de intensas guitarras. Es una buena canción, pero es con Postcards From The Past con la que Idol vuelve a la primera división del disco, en lo que es una nueva reflexión sobre el pasado y las experiencias vividas durante una carrera musical de lo más intensa. Más allá de la temática y de la letra, lo que hace grande a este tema es la inesperada fiereza e intensidad de un Idol en plena madurez, con un tema plagado de potentes guitarras y sintetizadores, que no desentonaría en cualquiera de sus mejores discos de los ochenta.

Tras el bombazo anterior, llega el turno de la canción que da título al disco. Kings & Queens Of The Underground es quizá la más autobiográfica del álbum, una épica y melancólica revisión de su carrera en la que menciona los títulos de algunas de sus mejores canciones ("Kiss me deadly", "Rebel Yell", "Eyes Without a Face", "Hot in the City"...). En un tema de corte acústico y clásico, Idol narra su ascenso a la fama y las cicatrices que las mil batallas que libró le dejaron por el camino. El estribillo es una vez más memorable y épico, conformando en conjunto la mejor de las baladas del disco.

A continuación suena Eyes Wide Shut, que nada tiene que ver con la película de Stanley Kubrick, y que tiene un sonido más suave y menos energético que los grandes temas del arranque. Idol aborda aquí el tema del engaño y la desilusión, y la necesidad de escapar de ello y abrir los ojos a la realidad, para volver después a la nostalgia en la balada Ghosts in my Guitar, una nueva mirada relajada a los recuerdos de los buenos tiempos del pasado. Tras estos dos temas, merece una mención destacable Nothing To Fear, el tema en el que más brilla la voz de Idol en su modalidad grave y crooner de "Elvis del Punk", con otro efectivo estribillo y letras sobre la valentía y la determinación necesarias en la vida.

Con tanta buena canción, da miedo enfrentarse al momento en que el listón baje, pero afortunadamente, no hay "nada que temer", porque a continuación suena Love And Glory, una nueva mezcla de letra nostálgica y música de toques épicos, que se llegó a considerar como título del disco, y que suena sorprendentemente parecida a la música de ¡U2! Es verdad que su sonido es algo más rebajado y comercial que otras canciones, pero el cambio es curioso y no deja de ser una agradable sorpresa, que además contrasta con el salvaje tema final, porque Whiskey and Pills es todo un ejercicio de intensidad y frescura punk con el que Billy Idol se despide como empezó, con un nuevo despliegue de crudeza vocal e instrumental, y reflexionando sobre los excesos y las consecuencias de una vida de lo más rockera, en la que el whisky y las pastillas formaban parte del menú de cada día. Se agradece en este punto la vuelta a una producción más intensa, con una energizante línea de bajo, una batería contundente y una capa de guitarras pesadas con las que logra poner un destacable punto y final a la altura de los mejores momentos de "Kings and Queens of the Underground".

Algunas versiones del disco incluyen la canción Hollywood Promises como tema extra, extendiendo el cierre con una mirada crítica a la industria del entretenimiento y una mordaz letra en la que Idol cuestiona las promesas vacías y la superficialidad de Hollywood. Con o sin ella, "Kings and Queens of the Underground" es un regreso de primer nivel para uno de los "reyes del underground" de los ochenta, que demuestra en este disco que, a pesar de los años, sigue siendo capaz de sacudir con fuerza los cimientos del panorama musical con su poderosa mezcla de punk rock comercial y su actitud rockera y canalla de siempre. No es nada nuevo, es simplemente el "puto Billy Idol" de siempre, y eso sigue siendo mucho en los descafeinados tiempos que corren.

1534.- Black Betty - Ram Jam

 

Black Betty, Ram Jam

     En la década de los años 60 hubo un grupo llamado The Lemon Pipers, grupo que se caracterizaba por hacer un sonido basado en el pop psicodélico. Entre los miembros de ese grupo se encontraba el guitarrista Bill Bartlett, y nos vamos a centrar en Bill, que una vez acabada la aventura de los Lemon Pipers decidió formar un grupo llamado Startruck.

Durante su aventura en Startruck, Bill cogió un tema llamado Black Betty, el cuál era una composición de Leadbelly (1888-1949), cantante y compositor americano de blues y folk, un tema que tenia una duración de unos 59" al cuál le hizo unos arreglos y compuso la música. El tema lo editan con el sello perteneciente a la banda Startruck, TruckStar Records, y tiene una buena acogida comercial a nivel regional. A partir del éxito cosechado con Black Betty varios productores le recomiendan a Bill Bartlett que forme un grupo para dar un salto cuantitativo a la vez que cualitativo. Es en ese momento cuándo Bill decide hacer caso a las recomendaciones y crea el grupo llamado Ram Jam, y lo primero que hace es reeditar el tema Black Betty. En la reedición de Black Betty con Ram Jam, Bill contó con los componentes de su antigua formación Startruck.

El single del tema se convierte a partir de su reedición en un exitazo para la formación, consiguiendo el puesto nº 18 en las listas de ventas en Estados Unidos, y el álbum homónimo de la banda donde se incluye dicho tema alcanza el puesto nº 40 en dichas listas. El tema también estuvo rodeado de cierta polémica, la letra del mismo habla sobre una mujer de étnia negra de Alabama que tiene un hijo salvaje, esto hizo que numerosos grupos en pro de los derechos civiles en Estados unidos consideraran que la letra del tema era racista pues faltaba el respeto a las mujeres negras.

1533.- I Wouldn't Want to Be Like You - The Alan Parsons Project

 

"I Wouldn't Want to Be Like You" ("No quisiera ser como tú") es una canción de la banda británica de rock progresivo The Alan Parsons Project, incluida en su álbum de 1977, "I Robot". Escrita por Alan Parsons y Eric Woolfson, cuenta con la colaboración vocal del cantante pop Lenny Zakatek, que posteriormente cantaría en otras muchas de las canciones del grupo.

La estructura musical de "I Wouldn't Want to Be Like You" es un ejemplo del clásico y distintivo rock progresivo de The Alan Parsons Project, en el que combinan las características básicas del genero con elementos de corte más pop y de electrónica. Comienza con un marcado ritmo de batería y una sólida línea de bajo, para ir a partir de ahí avanzando con el progresivo añadido de sintetizadores y guitarras, en diversas capas que consiguen crear una atmósfera musical densa y envolvente.

La letra transmite el sentimiento de rechazo hacia alguien que ha traicionado o decepcionado al narrador, y la intensa interpretación vocal de Lenny Zakatek aporta energía y emoción a la canción, y la dota de una mayor carga comercial, a pesar de lo cual, "I Wouldn't Want to Be Like You" tuvo un éxito moderado en Estados Unidos, alcanzando el puesto 36 en el Billboard Hot 100, pero cosechó una mejor posición en Canadá, donde llegó hasta el puesto 22 de las listas de ventas. 

News Of The World - (Mes Queen)

 

News Of The World, Queen

     En 1977, los grupos punk, encabezados por los Sex Pistols, provocaron una reacción masiva en contra de los artistas de rock conceptual, sinfónico y progresivo, entre los que se encontraba Queen. La respuesta de Queen fue la de simplificar su sonido sinfónico y orientarse hacia un hard rock más espontáneo. News of the World supuso el sexto álbum de estudio de la banda. Fue grabado en los Sarm East and Wessex Sound Studios de Londres, bajo la producción del propio grupo y de Mike Stone, quien también si hizo cargo de la ingeniería de sonido, y publicado el 28 de octubre de 1977 bajo el sello discográfico EMI Records en Reino Unido y Elektra Records en Estados Unidos. El álbum alcanzó el número 4 en la lista de álbumes del Reino Unido y el número 3 en la lista de los mejores álbumes de Estados Unidos, logrando también muy buenas cifras en todo el mundo. La reacción crítica a News of the World fue inicialmente mixta,a una parte de la crítica le gustó el cambio de estilo musical de la banda y otra parte no. Sin embargo, con el tiempo ha llegado a ser considerado como uno de los mejores álbumes de Queen, mientras que We Are the Champions y We Will Rock You se han convertido desde entonces en himnos del rock.

Durante las grabaciones de este nuevo trabajo el grupo redujo la complejidad de sus arreglos y se centró en un sonido más "raíz" (como dijo Brian May). Sin embargo todavía se puede apreciar, aunque mucho menos y de una forma muy sutil, en este disco el sonido característico de Queen basado en armonías multipistas y orquestaciones de guitarra .El grupo había recibido críticas que defendían que su primer álbum completamente autoproducido, A Day at the Races , era un álbum "aburrido". Por este hecho el grupo decidió cambiar su enfoque musical hacia el mainstream pero permanecer como productores del próximo álbum .La crítica consideraba que A Days at the Races que era demasiado similar a A Night at the Opera, algo que los propios miembros de la banda reconocieron. Si a esto le sumamos el hecho de la llegada del punk rock, liderado por los Sex Pistols, se puede entender el cambio de dirección que el grupo decidió dar a su sonido. Brian May declaró en una entrevista que "ya habíamos tomado la decisión de que... [después de] A Night at the Opera y A Day at the Races , queríamos volver a lo básico para News of the World . Pero era muy oportuno porque el mundo estaba mirando al punk y las cosas como algo muy simple. Así que en cierto sentido éramos conscientes, pero era parte de nuestra evolución de todos modos".

A diferencia de A Day at the Races, que había tardado cinco meses en grabarse, solo se reservaron dos meses para grabar en Sarm East y Wessex Sound Studios de Londres. La mayoría de las sesiones de grabación se llevaron a cabo en Wessex Studios, que también fue donde los Sex Pistols estaban ocupados grabando Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols. Como tal, los dos grupos tuvieron varias interacciones, incluida la famosa reunión entre Mercury y Sid Vicious. Vicious, al tropezar con el estudio de grabación de Queen, preguntó "¿Ya has logrado llevar el ballet a las masas?" en respuesta a un comentario que el cantante había hecho en una entrevista con NME, a lo que Mercury lo llamó "Simon Ferocious" (una referencia juguetona al nombre artístico de Vicious) y respondió "Estamos haciendo lo mejor que podemos, querido". Johnny Rotten también expresó su deseo de reunirse con Mercury. Según Bill Price, el ingeniero de sonido de Never Mind the Bollocks, Rotten se arrastró a cuatro patas por el estudio de Queen hasta Mercury, que estaba tocando el piano, y le dijo "Hola Freddie" antes de irse. La historia de Queen con los Sex Pistols se remonta a diciembre de 1976, cuando Queen iba a aparecer en el programa Today de Bill Grundy. Sin embargo, Mercury tenía dolor de muelas y se vio obligado a programar una cita con el dentista el mismo día, su primera en 15 años. Como reemplazo, EMI ofreció a los Sex Pistols, lo que llevó a su ahora famosa aparición en el programa Today.  Si su álbum anterior, Day at the Races, era un álbum elegante y estilizado, su sucesor, News of the World, era su polo opuesto, una explosión de estilos que no parecían apegarse a ningún núcleo en particular. 

Entramos en materia y la canción que abre el álbum es ni más ni menos que uno de sus temas más aclamados, We Will Rock You, el cántico que se ha convertido en todo un himno y que podemos escuhar prácticamente en cualquier estadio deportivo del mundo. Brian May quera crear una canción quería crear una canción en la que el público pudiera participar. El guitarista afima que recordó un concierto en el que la multitud coreó el himno del Liverpool Football Club, "You'll Never Walk Alone", mientras la banda salía del escenario. "Me fui a la cama pensando: '¿Qué les podrías pedir que hicieran?' Están todos apretados allí, pero pueden aplaudir, pueden patear el suelo y pueden cantar", señaló. "Por la mañana, me desperté y tenía la idea de 'We Will Rock You' en mi cabeza". La idea de May era hacer una canción simple ycon un aire himno "(pisar, pisar, aplaudir, pausa" por compás de 4/4), para que su público en vivo pudiera involucrarse más directamente en el espectáculo. En el vídeo de esta canción May utilizó una copia de su legendaria guitarra, pues temía que debido a las inclemencias del timpo pudiera dañarse. A este himno le sigue otro, quién no ha cantado alguna vez We Are the Champions. Freddie Mercury escribió esta canción. Mercury afirmó: "Estaba pensando en el fútbol cuando la escribí. Quería una canción participativa, algo con lo que los fans pudieran engancharse. Por supuesto, le he dado una sutileza más teatral que un canto de fútbol normal. Supongo que también podría interpretarse como mi versión de ' I Did It My Way '. Lo hemos logrado, y ciertamente no fue fácil. No es un lecho de rosas como dice la canción. Y sigue sin ser fácil". Según Freddie Mercury esta canción ya había sido escrita en 1975, pero no fue grabada hasta 1977. Estos dos himnos vienen seguidos del feroz Sheer Heart Attack, un rock frenético que resuena muy contundente. El baterista Roger Taylor escribió esta canción, que trata sobre una chica de 17 años que puede provocar un paro cardíaco en muchos hombres. La primera línea, "Bueno, solo tienes 17 años", es un guiño al éxito de los Beatles "I Saw Her Standing There", que comienza con "Bueno, ella solo tenía 17 años". También se puede considerar una especie de tributo al punk rock, el cual se encontraba en pleno apogeo. La canción estaba pensada para el tercer álbum, llamado Sheer Heart Attack (1974), pero no apareció hasta tres años después en este disco. Roger Taylor consideraba que la canción estab adelanta a su tiempo: "Comencé la canción cuando estábamos haciendo el álbum Sheer Heart Attack, pero no llegué a terminarlo. Para cuando lo hice, el punk ya había llegado. Pero la canción llegó antes del punk". Taylor cantó la voz principal en el demo, pero para la versión final la banda decidió que Mercury debía cantar la voz principal, con Taylor cantando el coro. Llevamos Tres canciones, tres cambios rápidos de humor, pero ese no es el final, pues a estos le sigue la lenta y armónica All Dead, All Dead, escrita y cantada por May, quien también tocaba el piano con Mercury en los coros. sobre la canción, May confirmó los rumores de que la canción está inspirada en parte por la muerte de su gato de la infancia. Spread Your Wings es una de las aportaciones del bajista John Deacon en este álbum.  El vídeo musical se filmó en el jardín del baterista Roger Taylor en Surrey, Inglaterra. El suelo estaba cubierto de nieve y hielo, y la banda se sentía visiblemente incómoda. Brian May comenta durante la grabación del vídeo: "Mirando atrás, no se podía hacer allí, ¡no se podía hacer eso!". Durante el rodaje, el hielo y la nieve en el suelo complicaron las cosas, tanto que aquí May también usó una copia de su guitarra Red Special para que no resultara dañada. Cierra esta primera cara Fight from the Inside, una canción con aires disco. Fue escrita y cantada por Taylor, que además de la batería, también toca la guitarra rítmica y el bajo; para este último, tomó prestado el instrumento de Deacon. También es una de las pocas canciones en la discografía de la banda grabada casi en su totalidad por un solo miembro. Como curiosidad: El guitarrista Slash ha citado el riff de guitarra de esta canción como uno de sus riffs favoritos de todos los tiempos. 

Turno para la cara B, que abre con Get Down, Make Love, un tema con un rollo muy funk. Escrita por Mercury, es una de las canciones más sexuales del catálogo de Queen. La canción tiene un clima muy funk que por momentos cambia y le da un aire psicodélico que imita los gemidos sexuales. La canción fue introducida en el show en vivo de la banda inmediatamente después de su lanzamiento, y permaneció como un elemento básico de sus giras hasta el final del Hot Space Tour de 1982. En el Hot Space Tour, la canción fue reducida al primer verso/estribillo solamente como una forma de conducir al solo de guitarra de May. Sleeping on the Sidewalk, escrita y cantada por May, es la excursión al blues que el grupo se marca en este trabajo. Es la única canción en su discografía que se grabó (a excepción de las voces) en una sola toma. Líricamente, trata sobre la carrera de un aspirante a trompetista. May canta con acento estadounidense y mide el éxito del trompetista mencionado anteriormente en "bucks" (dólares), en lugar de libras o "quid". Si prestamos atención, se puede escuchar a Deacon tocando las notas incorrectas en algunas partes de bajo, y también se puede escuchar a May riendo al final de la canción. También es una de las pocas canciones de Queen que no presenta ninguna voz de Mercury, aunque interpretó la voz principal en presentaciones en vivo. Who Needs You es una alegre canción con ritmos latinos. Fue escrita por Deacon, quien, junto con May, toca la guitarra española. La voz principal de Mercury está completamente enfocada en el canal de audio derecho, mientras que la guitarra principal está en el canal izquierdo. May también toca maracas y Mercury toca un cencerro. La canción ha llegado a ser descrita como un "homenaje tentativo al reggae ", aunque con "guitarras españolas en lugar de jamaicanas". Tuno para el majestuoso y rockero It's Late. La canción fue idea de May de tratar una canción como una obra de teatro de tres actos, de hecho, los versos se llaman "actos" en la hoja de letras. May hace uso de la técnica del tapping unos meses antes de que fuera usada por parte de Eddie Van Halen en el álbum Van Halen. May le dijo a la revista Guitar Player que su uso de la técnica del tapping se inspiró en el guitarrista texano Rocky Athas, después de ver una de sus actuaciones en Mother Blues, un club de Dallas. En cuanto a la letra, Mercury nos describe una historia de amor que está a punto de terminar. Cierra la cara B, y por tanto el álbum, My Melancholy Blues, compuesta por Mercury, es un blues lento que sirve como cierre y colofón. En la canción no hay coros ni guitarras. Deacon solía tocar el bajo sin trastes en esta canción, pero en el disco utilizó un bajo con trastes normal.