jueves, 31 de octubre de 2024

1400 - Ramones - Judy Is a Punk


1400 - Ramones - Judy Is a Punk

"Judy Is a Punk" es una de las canciones más emblemáticas de los Ramones, incluida en su álbum debut de 1976. La pieza, con una duración de poco más de un minuto y medio, es un ejemplo claro del sonido crudo y enérgico que definió el punk rock neoyorquino de la época. La canción destaca por su simplicidad, con un ritmo acelerado, una estructura de tres acordes y letras directas y algo absurdas que reflejan la actitud irreverente de la banda.

La narrativa de la canción es casi surrealista, mencionando a Judy y Jackie, dos personajes ficticios que podrían estar involucrados en actividades subversivas como unirse a la resistencia o al grupo terrorista de la Baader-Meinhof. A pesar de lo caótico y fragmentado de la letra, la combinación de humor y rebeldía es una característica común en las canciones de los Ramones.

"Judy Is a Punk" es un himno punk por su energía desenfrenada, pero también es memorable por la manera en que encapsula el espíritu DIY (hazlo tú mismo) y la simplicidad que definirían al movimiento punk. La voz de Joey Ramone, con su estilo nasal y desganado, y la velocidad de la interpretación de la banda hacen que la canción sea infecciosa y pegajosa, siendo un gran ejemplo de cómo los Ramones podían transmitir tanto en tan poco tiempo.

"Judy Is a Punk" es una pieza icónica del punk que destaca por su frescura y despreocupación, además de su capacidad de conectar con un público que buscaba una ruptura con los excesos del rock de los 70.

Daniel 
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miércoles, 30 de octubre de 2024

1399.- The Theme From Mahogany - Diana Ross

En los años 60, Gordy había establecido Motown Records como, posiblemente, el sello discográfico más importante en existencia. Había coescrito canciones clásicas. Se había convertido, posiblemente, en el empresario negro más exitoso de Estados Unidos. En los años 70, Gordy, que había trasladado recientemente todo su imperio Motown a Los Ángeles, se propuso hacer algo similar con las películas. No funcionó, pero al menos obtuvo una gran canción. En su intento de conquistar Hollywood, Gordy reclutó los servicios de Diana Ross, la mujer que, más que cualquier otro artista, había sido responsable de que Motown se convirtiera en un gigante del pop. Las carreras cinematográficas de Gordy y Ross comenzaron de manera prometedora. Gordy produjo la exitosa película biográfica de Billie Holiday de 1972, Lady Sings The Blues . Ross interpretó a Holiday. Fue su primer papel en una película, y ganó un Globo de Oro y fue nominada al Oscar a la Mejor Actriz. Mahogany es la historia de Tracy Chambers, una secretaria de unos grandes almacenes de Chicago que sueña con convertirse en diseñadora de moda (Ross diseñó sus propios vestidos para la película). Finalmente consigue su oportunidad, pero sólo porque Anthony Perkins, que interpreta a un fotógrafo depredador, la transforma en una supermodelo y le cambia el nombre por Mahogany. En la película, el personaje de Ross se divide entre su vida en Roma con Perkins y su atracción por el organizador comunitario de Chicago Billy Dee Williams (Williams también había sido coprotagonista de Ross en Lady Sings The Blues ). Mahogany tiene que tomar algunas decisiones difíciles. Mahogany fue un fracaso. Recibió críticas terribles y tuvo malos resultados comerciales. Gordy nunca dirigió otra película. Ross solo aceptó un papel más en la pantalla grande, en el musical de 1978 The Wiz. Hoy en día, Mahogany tiene sus defensores, pero se la recuerda principalmente por su valor teatral. Sin embargo, la película generó un éxito rotundo: la suave y elegante canción principal, que se convirtió en el tercer número uno en solitario de Ross.


Gordy le había pedido al compositor y productor de Motown Michael Masser que escribiera la banda sonora de Mahogany, quería una canción temática para la película, y Masser tenía algo para él: "Do You Know Where You're Going To", una canción que se suponía que sería un sencillo para otro artista de Motown, la candidata era Thelma Houston, una de las cantantes persistentemente ignoradas de la extensa lista de Motown. Houston ya había grabado su versión de "Do You Know Where You're Going To", pero su grabación del tema nunca salió a la luz, aunque finalmente se filtró. En lugar de eso, Masser revisó sus letras, las reescribió un poco para que encajaran con los temas de la película y le dio la canción a Diana Ross. “Theme From Mahogany ” es una canción ligera, pero bonita. En “Theme From Mahogany ”, el personaje de Ross intenta hacer un balance de su vida y de los lugares a los que ha ido, canta principalmente en segunda persona, hablando con un ex sobre un pasado cálido y ambarino y un futuro incierto. Canta sobre su pasado con un rico y cariñoso sentido del arrepentimiento: “Ahora, al mirar atrás a todo lo que habíamos planeado, dejamos que tantos sueños se nos escaparan de las manos”. Y la pregunta central de la canción queda sin respuesta, como si ni siquiera estuviera segura de si se la está haciendo a otra persona o a sí misma.


Shapeshifting - Joe Satriani (Mes Joe satriani)

 

Shapeshifting, Joe Satriani


     Shapeshifting (Cambio de forma)  es el título del decimoséptimo álbum de estudio de Joe Satriani. La asociación entre los cambiaformas (Shapeshifting; seres que aparecen como una cosa y luego se transforman en otra) y los “maestros del canto” de las culturas tradicionales es una metáfora del complejo fenómeno que da forma a las obras musicales de Joe Satriani. Más un hechicero musical que un maestro de las artes vocales, el apodo “Satch” alude, sin embargo, a los poderes que se esconden tras el trabajo de un músico que busca constantemente expandir los parámetros por los que se define la música. Durante más de dos décadas, Satriani ha ampliado constantemente las definiciones convencionales de lo que es la música, de la misma manera que su guitarra ha ampliado los límites de la técnica de seis cuerdas. Su obra abunda en ejemplos de “mecánica cuántica” conceptual que dan lugar a cambios de forma musicales.



Dado que la alusión literal al cambio de forma está completamente ausente en los títulos de las canciones, las letras y las notas del álbum que contienen la música, abundan las preguntas. ¿Qué atractivo tiene la música de Satriani para un amplio sector representativo de la sociedad? ¿Qué es esta música y cómo puede Satriani permanecer fiel a esa música y, al mismo tiempo, ser tan fácilmente identificable como individuo? Preguntas como estas subrayan algunas características clave del cambio de forma. Dado que el fenómeno es tan personal, tan estrechamente vinculado a la construcción misma de creencias y valores comunitarios, nos dicen que el que cambia de forma se transforma para establecer una identidad que está en desacuerdo con estas creencias y valores. Son estas diferencias las que nos ayudan a definir y mantener quiénes somos. Aplicando este concepto a una escala musical más amplia, Satriani parecería ser la encarnación auditiva de este concepto intrigante. A lo largo de varias docenas de canciones grabadas, cambia continuamente de disfraces sonoros y se transforma sónicamente de innumerables maneras.

Shapeshifting fue grabado en los PLYRZ Studios del barrio de Valencia, en Santa Clarita, California, bajo la producción de Joe Satriani y del ingeniero y productor Jim Scott, conocido este último por su trabajo con Tedeschi Trucks Band, Tom Petty, Foo Fighters o Wilco entre otros, y publicado el 10 de abril de 2020 bajo el sello discográfico Sony Music. No pilla de sorpresa que el disco abarque una amplia variedad de estilos. Para esta aventura Satch contó con la participación del baterista Kenny Aronoff, que había tocado con él en giras de Chickenfoot y Ultimate Hendrix Experience, el bajista de Jane's Addiction Chris Chaney, el tecladista Eric Caudieux, además de la colaboración del piano de Lisa Coleman en Waiting y Yesterday's Yesterday, y de la mandolina de Christopher Guest en Yesterday's Yesterday.

Con una increíble habilidad para tocar la guitarra, las grabaciones de Joe Satriani siguen sonando frescas después de 18 álbumes. Esto se debe en gran medida a una destreza innata pero sofisticada para componer canciones (versos, estribillos y puentes) en lugar de pistas apiladas de riffs y solos técnicamente competentes. Satriani posee un don para combinar y recombinar estilos, dinámicas y diversas corrientes de una gran variedad de géneros. El "Sonido Satch" es icónico; esto se debe en gran parte al hecho de que el guitarrista busca continuamente reinventarse. Cada uno de sus álbumes es una reacción a su predecesor, no un ejercicio de repetición.



Comienza el álbum con el tema que da título al álbum,
Shapeshifting, tema que combina los solos de Satch bajo una línea funky con la caja y el bombo de Kenny Aronoff dando caña de fondo. En Big Distortion la línea melódica, las armonías y el puente son tan pegadizos que hacen que sea uno de esos temas que se nos pegan y no nos lo podamos quitar de la cabeza. All for Love es una excelente balada donde Satch hace guiños a "The Mressiah Will Come Again" del gran Roy Buchanan. El bajo y la batería muy sobresalientes en este tema. En Ali Farka, Dick Dale, an Alien and Me los sintetizadores de Caudieux impregnan el ambiente mientras Satch nos regala un soberbio solo que canta por si solo. Aquí el guitarrista opta por afinaciones, una distorsión y unos efectos que dan al tema esa sensación espacial o alienígena que tanto le gusta. Teardrops es un blues lento con Satriani entrelazando solos y repitiendo ciertas líneas a lo largo de la canción. 
Cierra la cara A Perfect Dust, un alegre boogie que suena casi como un instrumental de ZZ Top hasta llegar al puente, donde los sintetizadores al estilo Tangerine Dream crean una distracción antes de que el boogie regrese con el elemento de llamada y respuesta de la sección rítmica. 

Abre la cara B Nineteen Eighty, tema que nos transmite cierta sensación nostálgica. La estructura de la canción es dinámica, alternando entre secciones más melódicas y momentos de mayor intensidad, lo que crea un interesante contraste. Estamos ante un claro ejemplo de su habilidad para contar historias a través de la música instrumental. La estructura de All My Friends Are Here la estructura es muy dinámica, con momentos más suaves que contrastan con secciones más intensas. Spirits, Ghosts andOutlaws, al igual que el tema anterior, destaca por la combinación de melodías suaves con riffs más enérgicos. Satch es capaz de transmitirnos a través de su guitarra una sensación de nostalgia y misterio, y utiliza efectos y técnicas de guitarra que añaden profundidad y textura al tema. En Falling Stars los efectos de guitarra y su cuidada producción permiten que, en este viaje musical con Satch, cada nota y cada matiz de la canción se sienta y se disfrute. El ágil piano de la invitada Lisa Coleman (Wandy & Lisa, Prince & the Revolution) adorna Wating, una balada atmosférica con una magnífica interacción entre la pianista y SatchHere the Blue River es un reggae profundo con dubwise (término que se refiere al sonido únicamente de bajo y batería) con el ritmo de Satriani marcando el ritmo con la sección rítmica mientras toca acordes y riffs para acompañar su melodía. El escritor, director y actor Christopher Guest, que interpretó al personaje ficticio de Nigel Tufnel en Spinal Tap, añade su mandolina acústica al tema de cierre Yesterday's Yesterday.

Con Sahpeshiftng cerramos el mes dedicado al genial guitarrista de Neoyorkino. Es cierto que su catálogo cuenta con un notable nivel de calidad y consistencia, y en Shapeshifting, Satch sigue haciendo gala se de una inagotable imaginación, un gran lirismo y una contagiosa musicalidad.

martes, 29 de octubre de 2024

1398.- Blitzkrieg Bop - The Ramones

 


"Blitzkrieg Bop" es uno de los mayores éxitos de The Ramones, grupo estadounidense pionero del punk rock. Incluida en "Ramones" (1976), el disco de debut de la banda, es un auténtico himno del rock y el punk por los célebres coros con los que comienza la canción, que se van repitiendo además a largo de esta. Si hasta aquí no habéis caído en la cuenta de que canción es a la que nos estamos refiriendo, bastará con mencionar la frase "Hey! Ho! Let's go!" para disipar cualquier duda.

La canción fue escrita en su mayor parte por Tommy Ramone, batería de la banda, y además del pegadizo y ya mencionado coro de "Hey! Ho! Let's go!" , destaca por su afilado ritmo de punk con raíces de rock and roll primitivo y clásico, una combinación que será la base principal del estilo de The Ramones, auténticos expertos en tomar una base de rock and roll y acelerarla en canciones de apenas tres acordes y estribillos directos e inmediatos.

"Blitzkrieg Bop" es considerada por muchos como la primera canción punk, pero sin quitarle mérito a la canción de The Ramones, no podemos obviar que ya se encontraron las trazas más características del género en los primeros discos de The Stooges, a finales de la década anterior. En cualquier caso, lo que es innegable es que "Blitzkrieg Bop" fue una de las puntas de lanza de ese nuevo estilo musical, un año antes de que los grandes abanderados del género (The Sex Pistols) publicaran el mítico "Nevermind the Bollocks" (1977), el disco con el que todo saltó por los aires.

Canciones escondidas: He Is Without His Guns - Marisa Anderson (2016)



Marisa Anderson es una trotamundos de corazón, tan curiosa como competente en su creatividad, sus piezas que tienen sus raíces en la música folk estadounidense, están inspiradas en técnicas de guitarra clásica del siglo XX y de África occidental y los resultados son reveladores. La composición de Anderson está indeleblemente ligada a su proceso de grabación, al ser su propia ingeniera, Anderson es capaz de desarrollar sus piezas mientras graba, pasando de una canción a otra según la inspiración. Después de pasar meses rumiando ideas musicales y conceptuales, improvisa horas de material que luego suele reducir a composiciones concisas y ricas en texturas. A medida que se desarrollaban las canciones, un estado de ánimo distintivo comienza a instalarse en la escucha con largas colas de reverberación, tonos más limpios y ritmos ligeramente rebotantes que evocaban el aire, el viento, la respiración y el cielo. Los temas siguieron evolucionando mientras graba, a medida que Anderson comienza a embellecer las piezas con una instrumentación variada, desde el trino de su teclado Wurtlitzer hasta los punteos staccato del requinto jarocho. El trabajo de guitarra solista de Marisa Anderson debe sus tonos familiares a su conocimiento de la historia y su dominio de su instrumento, pero es completamente nuevo. Marisa Anderson filtra la historia musical a través de sus propias experiencias personales, como viajera en la vida y en la música. Anderson, una intérprete curiosa y talentosa, ha pasado más de 35 años tocando para forjar su voz singular e instantáneamente reconocible creando espacios de esperanza frente a cualquier discordia, un santuario de sonido resplandeciente y diverso que brilla, un espejo del horizonte hacia el que mira. Anderson es capaz de evocar imágenes vívidas a través de su música, y en muchas ocasiones recurre a la experiencia personal para crear esas imágenes. Un gran ejemplo es la triste “Angel’s Rest”, un elogio a uno de los senderos favoritos de Anderson cerca de su casa de Portland, que fue devastada por un incendio en 2017 o “Sant Feliu de Guíxols” que evoca la belleza de la ciudad costera española, una canción tranquila y conscientemente feliz que surge de una conversación con un fan que acusó a Anderson de tocar solo canciones tristes. Anderson usa un slide e incorpora elementos microtonales en “Lament”, una pieza inspirada en imágenes de la crisis de refugiados sirios. El peso emocional palpable de estas piezas está invariablemente ligado a la capacidad de Anderson para crear imágenes tan vívidas con su composición, timbre y elecciones tonales.

Una buena manera de introducirse en el ambiente musical de Marisa es escuchar el álbum Into the light, Anderson crea una banda sonora imaginaria para un western de ciencia ficción, que para algunos podría evocar inmediatamente el thriller protagonizado por Kevin Costner Westworld, pero que aquí tiene la tranquilidad y la crudeza de Solaris ambientada en el desierto de Sonora. En él, grabó y tocó todos los instrumentos (guitarra, lap steel, pedal steel, piano eléctrico y percusión), lo que le da a sus canciones no solo capas, sino también personajes. Hay un acento celestial que sustenta el disco; está en las lánguidas ondas de acero de la canción principal o el blues polvoriento de "The Old Guard". Pero es en la segunda mitad de Into The Light donde Anderson hace lo que mejor sabe hacer: descubrir lo desconocido. Pero con más instrumentos a mano, estas improvisaciones se convierten en diálogos internos. "Chimes" hace lo que dice el título, pero con guitarra eléctrica y piano, volviendo a las cifras para tintinear en el viento perezoso. "House Of The Setting Sun" es un blues mareado, que siempre amenaza con levantar tierra como suele hacer Anderson, pero es derrotado por el calor abrasador. Las guitarras y el acero se filtran a través de "The Golden West" como arena suave antes de los créditos finales de "End Of The Night", una canción que imagina a nuestro protagonista apretando un poco más el chal mientras las estrellas le recuerdan al visitante su hogar.

Nos quedamos con "He Is Without His Guns" un instrumental que transmite la urgencia de un enfrentamiento, pero que parece pequeño en sus movimientos sombríos. Anderson describe el próximo Into The Light como una banda sonora imaginaria para un western de ciencia ficción. En él, grabó y tocó todos los instrumentos, extendiéndose más allá de sus raíces de blues y folk estadounidenses. Hay tres personajes distintos en "He Is Without His Guns", una guitarra de cuerdas de nailon ancla la melodía de inspiración flamenca mientras una guitarra acústica y otra no luchan por llevar la voz cantante, sino que tiran y tiran como si estuvieran bailando. Es como si el enfrentamiento épico de El bueno, el feo y el malo se hubiera reducido de la estridente partitura de Ennio Morricone para revelar una nota de tranquila desesperación.


lunes, 28 de octubre de 2024

1397 - Diana Ross - Love Hangover


1397 - Diana Ross - Love Hangover

"Love Hangover" es una de las canciones más icónicas de la legendaria cantante Diana Ross, lanzada en 1976 como parte de su álbum Diana Ross. Con una duración de más de siete minutos, este tema captura perfectamente la esencia de la música disco de los años 70, mientras combina elementos del soul y el funk, que marcaron gran parte del sonido de la época.

La canción comienza con un ritmo lento y sensual, casi como una balada, que refleja la sensación de melancolía y deseo. La voz de Diana Ross, delicada y emotiva en esta primera parte, parece estar susurrando a los oyentes, envolviéndolos en una atmósfera de intimidad. La letra en esta sección inicial describe una relación amorosa intensa que deja una especie de "resaca emocional" (hangover), en la que el deseo de estar con esa persona es tan fuerte que incluso después de que el amor se ha ido, los efectos aún persisten.

Sin embargo, a medida que avanza, "Love Hangover" realiza una transición sorprendente. La canción se acelera, introduciendo un ritmo bailable con influencias claras del funk y del sonido disco. Este cambio repentino no solo añade energía al tema, sino que también refleja la dualidad en la experiencia del amor que plantea la canción: por un lado, está el anhelo y el dolor de un amor perdido, pero por otro lado, está la liberación y el éxtasis que puede traer un nuevo comienzo.

La producción musical de Hal Davis es un punto clave en "Love Hangover". Con una base rítmica dinámica, guitarras funky, y un uso prominente de los sintetizadores, Davis crea una atmósfera festiva y liberadora, que contrasta eficazmente con el tono más reflexivo de la primera parte de la canción. El uso de percusiones, acompañadas por la voz de Ross, que pasa de ser suave a un estilo más dinámico y efervescente, genera un efecto casi hipnótico en los oyentes.

Diana Ross, quien para ese momento ya había consolidado su carrera como solista después de dejar The Supremes, demuestra en "Love Hangover" su versatilidad vocal y su capacidad para adaptarse a diferentes géneros musicales. Su interpretación transmite tanto la tristeza como el éxtasis que conlleva una relación intensa, y lo hace de una manera que resulta completamente envolvente.

"Love Hangover" es un clásico del disco que no solo destacó en su tiempo, sino que ha perdurado como un himno de la música de los años 70. Su capacidad para fusionar la melancolía con la euforia, y la interpretación apasionada de Diana Ross, hacen de esta canción una experiencia única. El éxito del tema fue inmenso, alcanzando el número uno en el Billboard Hot 100, consolidando aún más a Ross como una de las grandes figuras de la música de esa década.

Daniel 
Instagram storyboy 

domingo, 27 de octubre de 2024

Professor Satchafunkilus and the Musterion of Rock - Joe Satriani (Mes Joe Satriani)

Professor Satchafunkilus and the Musterion of Rock 



     En 2008, Joe Satriani, uno de los guitarristas más dotados técnicamente en la historia de la música rock, lanzó un álbum llamado Professor Satchafunkilus and the Musterion of Rock. Ese álbum no recibió el tipo de atención que Satriani normalmente ha recibido por sus grabaciones. Quizás no esté a la altura de su mejor trabajo, pero hay cosas muy interesantes; piezas que nos permitirán entender más sobre qué es lo que tiene la música de Satriani que emociona a la gente. El enfoque del álbum se centra principalmente en el desarrollo de su uso de la guitarra y en el uso de diferentes tipos de técnicas con las que combina su estilo de blues con su afición por la música funk.  

Para darle al álbum todo lo que se merece, no hay solo una melodía o ritmo sencillo y luego una secuencia de variaciones sobre él. Satriani nos da algo inusual y refrescante para escuchar en cada interpretación, y es este es el tipo de música en la que los oyentes querrán centrarse en cada nota. Satriani ha sido fuertemente influenciado por una variedad de instrumentistas virtuosos, y a pesar del increíble virtuosismo de todos estos músicos, es raro encontrar música que sea tan exigente técnicamente como la de Joe Satriani. La naturaleza del arte musical de Satriani radica en su dominio casi total de su instrumento, y eso significa que nunca te relajas al escucharlo. Puede hacer cosas con una guitarra que los músicos comunes nunca creerían que fueran posibles.



Professor Satchafunkilus and the Musterion of Rock
 supuso su duodécimo álbum de estudio. Grabado en los Record Plant Studios de California y en 21 Studio de San Frncisco bajo la producción de John Cuniberti y del propio Satriani, fue  lanzado el 1 de abril de 2008, a través de Epic Records . El álbum consiguió alcanzar el puesto número 89 en el Billboard 200 de Estados Unidos y permaneció en esa lista durante dos semanas, además de llegar al top 100 en otros cuatro países. El título del álbum tiene dos significados: la primera parte es un homenaje al apodo de Satriani, "Satch" y su gusto por el funk, mientras que "Musterion" es una palabra grecobíblica que significa significa "cosa oculta","secreto" o "misterio". Desde la fecha de lanzamiento del álbum hasta el 11 de abril de 2008, Satriani comenzó una gira especial "Guitar Center Sessions", seguida de una gira mundial el 30 de abril.

El disco se aleja un poco del estilo de sus trabajos más conocidos y mezcla rock instrumental con elementos de funk, blues y fusión jazz. Comienza el disco con Musterion, un atmosférico tema que juega con sonidos oscuros y complejas técnicas de guitarras, dando a la canción un toque enigmático y sensación de misterio. Overdriver tiene un toque de groove y ya comienza a presentar una mezcla de rock ron toques funk. I Just Wanna Rock continúa con la exploración de lado humanista de los robots, algo que ya hizo Satch en Super Colossal (2006) con la canción "One Robot's Dream". La canción trata sobe las experiencias de un robot en un concierto de rock. Professor Satchfunkilus es el tema que da título al disco, donde destaca la estructura improvisada del tema sobre una atmósfera muy funky, mostrando el lado más experimental de Satch. Revelation cierra la cara A, y fue escrita sobre la muerta del padre de su amigo, el guitarrista Steve Morse. También es un tributo a la forma y estilo de de tocar de Morse.



La cara B comienza con Come On Baby, que, como explica Satriani, fue escrita en 1993 en medio de una tormenta de nieve durante unas vacaciones en el Lago Tahoe. Su hijo ZZ, quien colabora además en este disco con el saxofón, más tarde lo animó a terminar la pieza, con lo que se convirtió en la tercera canción dedicada a su esposa Rubina (después de "Rubina" de Not of This Earth '1986' , y "Rubina's Blue Sky Happiness" de The Extremist '1992' ). Más tarde también serái utilizada por el patinador artístico canadiense Vaughn Chipeur para su programa corto en el Campeonato  Canadiense de Patinaje Artístico de 2010. Out of the sunrise nos aporta una sensación relajante, invitando al oyente prácticamente a meditar, con sus tonos melódicos y suaves. Diddle-Y-A-Doo-Dat nos sigue aportando un toque muy funky y juguetón. Se nota que Satch está disfrutando con la dinámica y las armonías de esta canción. Asik Vaysel se inspiró en el fallecido músico turco Asik Veysel. Cuando Joe Satriani llegó a Turquía para dar un concierto, escuchó el disco del músico turco Asik Veysel y se sintió inspirado para escribir esta canción sobre él. En el álbum, el nombre de Asik Veysel está escrito incorrectamente: V a ysel. Satriani dijo que lo escribió correctamente en su cuaderno; pero en algún momento de la producción del álbum se produjo este error ortográfico. Cierra el álbum Andalusia, tema también dedicado a Asik Veysel. Es uno de los momentos más destacados del disco, y  Comienza con una introducción acústica inspirada en el flamenco, para luego transicionar a una parte eléctrica más potente y emocional. La canción presenta una melodía (de 1:40 a 1:53) que Satriani tocó previamente en su video de 1993 The Satch Tapes, durante un segmento de guitarra acústica. 

Professor Satchafunkilus and the Musterion of Rock quizás no tenga el mismo impacto que discos más icónicos como Surfing with the Alien o The Extremist, pero tiene momentos muy buenos, mezclando rock instrumental con elementos de funk, blues y fusión jazz, demostrando cómo Satriani puede transmitir emociones únicamente a través de su guitarra. También en una muestra de que a Satriani no le tiembla la mano a la hora de arriesgarse, innovar y no caer en el estancamiento.

1396.- A Passage to Bangkok - Rush

 

A Passage to Bangkok, Rush


     El 1 de abril de 1976 los candienses Alex Lifeson (guitarra), Geddy Lee (voz, bajo, teclados) y Neal Peart (batería), o lo que es lo mismo, el grupo Rush, publican su cuarto album de estudio, 2112, una de sus operas primas. El álbum es grabado en lo estudios Toronto Sound de Toronto, Canadá, bajo la producción del propio grupo y del británico Terry Brown. El disco llega a alcanzar un más que notable quinto puesto en las listas de ventas candienses. Y en Estados Unidos llega a alcanzar el puesto número 61 en la lista Billboard Top Lps & Tape, consiguiendo además la certificación de oro en dicho país.

El grupo ha editado ya tres discos de estudio y tiene serios problemas financieros, de hecho, su sello discografico, Mercury Records, quiere dejarlos abandonados a su suerte. Sin embargo, el mánager de la banda Ray Danniels consigue que la discográfica les de una última oportunidad y les concede la grabación de otro álbum, pero a cambio les exige que graben para éste un material más comercial y accesible. Lejos de arrugarse, Lifeson, Lee y Peart deciden que esa última oportunidad sea para reafimarse y seguir evolucionando con su sonido pase lo que pase. Así nace 2112, una de las obras maestras del rock progresivo.

Incluido en este álbum se encuentra el tema que abre la cara B A Passage To Bangkok, canción que habla sobre la marihuana. La canción es un pequeño y divertido viaje por todos los lugares del mundo donde se cultiva la mejor "hierba": Bogotá, Acapulco, Marruecos, Bangkok, Katmandú o Nepal. El guitarrista del grupo, Alex Lifeson, afirmaba que pensaban que sería divertido escribir la canción y que sentía que el baterista y letrista Neil Peart la había manejado de una "manera muy elocuente". Lifeson también creía recorar que la canción se escribió y esbozó con una guitarra acústica delante de un reproductor de casetes en la casa de campo. A Rush le gustaba hacer grabaciones iniciales de esa manera antes de ir al sótano a ensayar. Para el título de la cancion Neal Peart se basó en la novela A Passage To India de E. M. Forster. Sobre el tema de las drogas, Alex Lifeson llegó a admitir haber consumido hachís, y Neil Peart también llegó a firmar haber consumido drogas recreativas, incluida la marihuana y el LSD, cuando era joven.

sábado, 26 de octubre de 2024

1395.- 2112 - Rush

 

2112, Rush


     1976 es un año crucial para los canadienses Rush, pues tienen serios problemas financieros y su sello discográfico Mercury Records tiene la intención de dejarlos abandonados a su suerte, pero el mánager Ray Danniels consigue que la discográfica les de cuartel y les concede la grabación de otro álbum, pero les exige que graben material más comercial. Lejos de arrugarse, Geddy Lee (bajo y voz), Alex Lifeson (guitarra) y Neil Peart (batería y percusión) publican el que será su cuarto álbum de estudio titulado 2112 con la ayuda en la producción de su productor habitual Terry Brown. En marzo / abril de 1976 sale publicado el álbum.

Y lejos de arrugarse deciden seguir evolucionando pase lo que pase. Así nace 2112, una de las obras maestras del rock progresivo. Incluido en el álbum nos encontramos con el primer corte del disco, de título homónimo, 2112, el cuál ocupa todo el lado de la cara A del disco pues tiene una duración de más de 20 minutos. La letra del tema está basada en la novela Himno del novelista judío-estadounidense nacido en Rusia Ayn Rand. El tema nos cuenta una historia ambientada en la ciudad de Megadon en el año 2112, donde el individualismo y la creatividad están prohibidos y penados. Una ciudad que está controlada por unos sacerdotes malvados que residen en los Templos de Syrinx. Hay una guerra en la galaxia que provoca que todos los planetas se unan para luchar contra la Federación Solar, que se encuentra simbolizada por la Estrella Roja de la portada del álbum.

El tema como si de una suite se tratase se divide en siete partes, La primera Obertura, es la introducción al año 2122 que comienza con la letra "Y los humildes heredarán la tierra...", referencia a los pasajes del Libro de Salmos 37:11 y San mateo 5:5; la segunda Los Templos de Syrinx, trata de estos mismos y los sacerdotes que los habitan; la tercera Descubrimiento, relata el descubrimiento por parte de un hombre de un artilugio antíguo que en realidad es una guitarra; la cuarta Presentación, relata la presentación de ese artilugio a los sacerdotes y éstos destrozan la guitarra considerando que no es necesario ese camino; la quinta Oráculo, relata como el hombre vuelve a su cueva a dormir y sueña con que el Oráculo ó raza mayor lo lleve de vuelta a su mundo, lejos de los lazos implacables de la Federación controlada por los sacerdotes; la sexta Soliloquio, nos relata como el hombre ya no puede más y no quiere estar bajo el control de la Federación, y para ello su única esperanza es la muerte. Cree que así se librará del control de los sacerdotes; y la séptima y última parte Gran Final, que deja paso al final del tema con un gran final instrumental.

viernes, 25 de octubre de 2024

Disco de la semana 401: Kids off the State - The Reytons


Los que ya tenemos unos años y vivimos el debut de Arctic Monkeys y el tipo de música de rock y desparpajo adolescente que hicieron en sus primeros discos, notamos sin duda el parecido que muchos le achacan a la música de los británicos The Reytons, quizá un poco más suaves en las guitarras pero con evidentes similitudes en la voz y los ritmos con el mítico grupo de Sheffield. Pero lejos de criticar este hecho, y teniendo en cuenta que Alex Turner y compañía llevan ya unos cuantos discos alejándose a propósito del sonido y la actitud que les hizo famosos, recibimos con los brazos abiertos a The Reytons y su sana intención de rellenar el hueco que los Monkeys han dejado como consecuencia de ese extraño giro introspectivo y "crooner" en el que andan enredados.

En esa tesitura, no nos extraña que la primera canción de Kids off the State (2021), disco debut de The Reytons, lleve el título de Mind the Gap ("Cuidado con el hueco"), la advertencia que puede leerse en los andenes del metro de Londres para que los usuarios, que de paso podría ser un guiño a "Red lights indicate doors are secured", la canción de Arctic Monkeys construida también sobre una advertencia en un transporte público, en aquella ocasión sobre la frase que puede leerse en las puertas de los taxis en el Reino Unido. Los ritmos y las voces recuerdan también a los Monkeys, en una canción tan intensa como urgente.

El ritmo y la intensidad no decaen en temas como Antibiotics o Expectations of a Fool, esta última posiblemente la mejor canción del disco, un tema redondo y pegadizo que sin duda tuvo buena parte de la culpa de que esta primera aventura musical tuviera su continuidad en discos posteriores. Hablamos de un disco de canciones cortas y vibrantes, y por su juventud no están todavía The Reytons para guiños conceptuales, pero llama la atención que la temática de los medios de transporte públicos vuelva a aparecer en Sales Pitch for the Bus Fare Home, en la que se arriesgan con cambios de ritmo y tramos más melódicos e intimistas, o en Nothing to declare ("Nada que declarar"), título que juega con otra frase típica de viajes, en esta ocasión en avión.

El disco se escucha con facilidad gracias a los enérgicos subidones en los estribillos y los intensos ritmos de guitarra, que no decaen en temas como Slice of Lime o Car Crash, otra referencia a un transporte, en esta ocasión un coche accidentado. Le sigue una rockera referencia a la mala vida en Low Life (en la que suenan más que nunca a los Monkeys de "Whatever people say I am that's what I'm not"), pero en este tramo la canción que nos hipnotiza es la por momentos épica What you fighting for, que junto a Broke Boys Cartel, de indudable gancho comercial, dan brillo al tramo final del disco.

Landslide baja la intensidad sonora y nos recuerda a grupos como The Killers, y y Shoebox es lo más parecido a una balada que podemos encontrar en el disco, sin llegar a serlo realmente, pero sí que parece que The Reytons buscaran dejar para el final los temas más cercanos y menos afilados, pero no por ello de menor calidad, como demuestran en la melódica Trials & Tibulations, otro de los momentos álgidos del disco. Y para cerrar, nos dejan buen sabor de boca con Kids off the State, la canción que da título al disco, y el mejor ejemplo de la actitud y la intensidad con la que estos "chavales fuera del sistema" presentaron en 2021 sus credenciales al mundo musical.

1394.- Hoy tengo ganas de ti - Miguel Gallardo


José Miguel Gallardo Vera nació un 29 de septiembre de 1950 en Granada, pero a la edad de 8 años se trasladó con su familia a vivir en Barcelona. Después de los estudios escolares pasó a la Universidad de Ingeniería Técnica de Vilanova i la Geltrú Barcelona, aunque el curso no lo finalizo, pues necesitaba trabajar para ayudar a su familia que se había trasladado a Sevilla en condiciones económicas precarias. Un día se le despertó el gustillo de la música y decide matricularse en el conservatorio donde estudio solfeo, guitarra y piano, participo en varias agrupaciones y también compuso algunos temas para otros cantantes sus primeros dos sencillos los lanzó bajo el nombre «Eddy Gallardo» en 1972 y 1973, respectivamente. En 1973 lanza otros dos sencillos más, esta vez con el nombre «Miguel Gallardo», el cual utilizaría el resto de su carrera. Durante 1974 lanza primeros sencillos que destacaron en el mercado, «Recordando a Glenn» y «Quédate», canción inspirada en el poema «Farewell de Pablo Neruda con la que logra su primer número uno en España. En 1975 lanza su primer gran éxito: «Hoy tengo ganas de ti» y publica su primer álbum «Autorretrato» convirtiéndose en el primer artista español en ser distribuido por el prestigioso sello EMI, que le ayuda a consolidarse en el mercado hispano americano. Temas como «Hoy tengo ganas de ti», con la cual ha alcanzado más de dos millones en ventas y que ha sido versionada en otras lenguas como: francés, inglés, portugués, chino, finlandés, griego, y otros como: «Otro ocupa mi lugar», «Gorrión», «Y tú dónde estás», «Saldré a buscar el amor», «Y apago la luz», ratifican su éxito. En la década de los 80 lanzó varios álbumes que alcanzaron discos de oro y platino en la mayoría de países de habla hispana. En 1990 recibe el premio ACE (Asociación de Críticos del Espectáculo) de Nueva York, como el mejor cantante latino. Hacia mediados de la década de los 90’ crea su propia editorial y productora musical denominada «Veramusic», dedicada a buscar y lanzar nuevos compositores y cuenta con canciones grabadas por artistas como: Azúcar Moreno, Sergio Dalma, Ana Torroja (Mecano), Ana Belén, Alejandra Guzmán, Lucero, Greta y Los Garbo, Mijares, Missiego, entre otros.


En la canción de ‘Hoy tengo ganas de ti’ se convirtió rápidamente en un himno del romanticismo español, una balada con su melodía envolvente y su letra cargada de pasión y deseo, ha trascendido generaciones y sigue siendo una de las canciones más populares y queridas de la música española, en ella expresa su deseo de encontrar su camino en la vida a través de la conexión con esta persona, anhelando que ella se sienta plenamente mujer solo a su lado. La canción habla de un deseo ardiente por reencontrarse con ella, por apagar la sed de amor y pasión que siente en su alma con los besos de la mujer amada, y por descubrir el amor junto cada día. La voz de Gallardo, con su inconfundible timbre, dota a la canción de una intensidad que conmueve al oyente. Su interpretación, llena de sentimiento y entrega, logra transmitir la angustia y el anhelo de un amor no correspondido o perdido. La repetición de la frase «hoy tengo ganas de ti» enfatiza la intensidad del deseo y la necesidad emocional que siente Miguel Gallardo en el presente. La canción también menciona el dolor y la amargura que trae el silencio y la ausencia de la persona amada, así como la búsqueda desesperada de su voz en la noche. 


jueves, 24 de octubre de 2024

1393.- Silly Love Songs - Paul McCartney and Wings


"Silly Love Songs" ("Estúpidas canciones de amor"), la canción acreditada a Paul y Linda McCartney incluida en el álbum "Wings at the Speed of Sound" (1976) de la banda británica Wings, era en realidad un mensaje de respuesta a unas declaraciones de John Lennon, en las que acusaba a McCartney de escribir "estúpidas canciones de amor".

Paul McCartney recogió el guante que le había lanzado su antiguo compañero de banda en The Beatles, y contraatacó precisamente con una canción que defendía abiertamente el tipo de canciones ligeras y románticas que Lennon le había criticado, con una letra que era un auténtico alegato de defensa del sentimiento y la candidez de las canciones de amor ("Algunas personas quieren llenar el mundo de estúpidas canciones de amor, ¿Y qué hay de malo en eso? Es lo que necesito saber, así que ahí voy de nuevo... ¡Te quiero!"

Con la publicación en single de "Silly Love Songs", con la canción "Cook of the House" en la cara B, Paul McCartney consiguió su vigésimo séptimo top 1 en las listas de ventas, un récord que ningún otro compositor ha logrado. En Estados Unidos estuvo durante cinco semanas en el primer puesto del Billboard Hot 100, y fue también nº1 del chart de canciones pop del del año 1976. El single vendió más de un millón de copias, y fue además nº1 en Irlanda y nº2 en el Reino Unido. No está nada mal para tratarse solamente de otra "estúpida canción de amor".  

miércoles, 23 de octubre de 2024

1392.- Dance Sister Dance - Santana

Supongo que en realidad sólo hay dos formas de escuchar Amigos, el séptimo álbum de estudio de Santana. La primera opción sería recordar estar allí de pie en el concierto, o incluso en un club, con esta música dominando la escena a todo volumen. Hay humo por todas partes, y tu último intento de rendirte ha fracasado cuando alguien te pasan uno, Santana está en plena forma, como siempre, dejando que su guitarra y sus habilidades como líder de banda funcionen para permitir que la música impregne la atmósfera. A pesar de los que ya saben que se trata de otra fase de cambio, esperas que la música se mantenga. La atmósfera y la música son así de buenas.

Si no estuviste presente, entonces tu experiencia será diferente. Compararás el álbum con la música de otros artistas; otros géneros; otras experiencias, tal vez por primera vez. "Rock latino" es realmente un nombre inapropiado desde el principio. Si has pasado de la cultura anglosajona a la española, y aparece un artista, y una banda, del calibre de Carlos Santana, sabes que has experimentado algo que realmente no tendrá fin. Si escuchas el trabajo de guitarra en el tema "Europa", entonces podrás adivinar algo. Para mí, este es simplemente el trabajo de guitarra que me ha dado uno de los mayores placeres musicales que jamás tendré. Incluso los músicos de Londres estaban de acuerdo. Este tipo, y esta banda, tenían (tienen) un talento enorme, influyente y duradero. Un gran talento, por favor escuchen Europa (Earth's Cry, Heaven's Smile) y díganme que no es bueno. Puede que no te atraiga en absoluto el lado espiritual del disco, pero eso no le quitaría nada a un análisis objetivo.


"Dance Sister Dance" (Baila Mi Hermana), es una invitación a la celebración universal a través de la música, esta pieza se convirtió rápidamente en un himno de la fusión latina, demostrando una vez más la capacidad de Santana para crear sonidos que trascendieran fronteras culturales. Se abre con una introducción rítmica irresistible, que combina elementos de la música latina con el rock psicodélico característico de Santana. La percusión, con sus congas y bongós, establece un ritmo contagioso que invita a mover el cuerpo, la guitarra de Santana, como siempre, es el corazón de la pieza, tejiendo melodías que se entrelazan con las voces corales, creando una atmósfera de júbilo y celebración. La letra es simple pero poderosa, es una llamada a la unidad y a la alegría. La repetición de la frase "Dance sister dance" (Baila mi hermana) crea un mantra que invita a todos a unirse en la danza, sin importar sus orígenes. Es una celebración de la diversidad y de la capacidad de la música para conectar a las personas. Los años 70 fueron una época de experimentación y fusión, en la que artistas de diferentes culturas se unieron para crear nuevos sonidos. Santana, con su mezcla única de rock, blues y música latina, fue uno de los principales exponentes de este movimiento, la canción refleja el espíritu de la época, con su mensaje de amor y unidad, en un mundo marcado por las divisiones y los conflictos, "Dance Sister Dance" ofrecía una alternativa: una celebración de la vida y de la música como un lenguaje universal.


Super Colossal - Joe Satriani (Mes Joe Satriani)


Álbum Super Colossal, Joe Satriani #mesSatriani

Super Colossal, lanzado en 2006, es el décimo álbum de estudio del virtuoso guitarrista Joe Satriani. Conocido por su dominio técnico y su capacidad para transmitir emociones complejas a través de la guitarra eléctrica, Satriani ofrece en este trabajo una colección de piezas instrumentales que consolidan su lugar como uno de los grandes maestros del rock instrumental. A lo largo de sus 13 canciones, el álbum explora una variedad de estilos y estados de ánimo, destacando la inimitable habilidad de Satriani para contar historias sin palabras.

Desde el título del álbum, Super Colossal, se sugiere algo grande, potente y expansivo. Y ciertamente, el álbum entrega en este sentido. La canción que da nombre al disco, “Super Colossal”, abre con un riff de guitarra masivo y grueso que inmediatamente llama la atención. Hay un tono robusto y musculoso en esta pista que define el tono general del álbum: guitarras llenas de textura, rítmicas intensas y una producción impecable. La canción es un viaje dinámico, pasando de pasajes sombríos a otros más llenos de energía, pero siempre manteniendo la complejidad que caracteriza el estilo de Satriani.

Sin embargo, Super Colossal no es simplemente una colección de piezas de rock pesado. Satriani también muestra su capacidad para crear melodías delicadas y emotivas, como lo demuestra en la segunda canción, "Just Like Lightnin'". A pesar de su nombre electrizante, la canción es más suave, con una línea melódica que parece fluir sin esfuerzo, como una corriente de agua. La sensación de libertad en la interpretación de Satriani es palpable, y es aquí donde su destreza como compositor brilla con más claridad. A lo largo del álbum, esta combinación de fuerza y sutileza crea un equilibrio que lo hace destacar.

Una de las características más notables de Super Colossal es la amplitud de estilos que Satriani aborda. Si bien es conocido principalmente por su habilidad en el rock instrumental, este álbum demuestra que no está limitado a un solo género. Canciones como "Redshift Riders" tienen una sensación más cercana al heavy metal, con riffs agresivos y solos rápidos, mientras que "A Cool New Way" lleva al oyente en una dirección más relajada y atmosférica, casi bordeando el jazz fusión. Este tipo de diversidad es lo que ha hecho de Satriani una figura tan influyente en el mundo de la guitarra, ya que su enfoque no se centra únicamente en demostrar su destreza técnica, sino en explorar y experimentar con diferentes sonidos.

"La diversidad es crucial para mantener un álbum instrumental interesante," ha dicho Satriani en entrevistas. Y este principio está claramente presente en Super Colossal. “It’s So Good” es otro ejemplo de este enfoque variado, con una vibra funky y grooves contagiosos que son difíciles de ignorar. El uso innovador del fraseo y los efectos sonoros hace que esta pista se sienta fresca, a pesar de que el funk no es un género que muchos asocien inmediatamente con Satriani.

Por otro lado, "Ten Words", es una canción de balada que proporciona un respiro emocional en medio del álbum. Con un enfoque más melódico y menos centrado en la velocidad o la complejidad técnica, esta canción demuestra que Satriani es igual de competente en momentos de serenidad y reflexión, lo que contrasta maravillosamente con las piezas más pesadas del disco.

En términos de producción, Super Colossal no decepciona. Satriani colaboró nuevamente con John Cuniberti, un veterano ingeniero de sonido y productor que ha trabajado con él en numerosos proyectos. La producción de Cuniberti es clara y precisa, lo que permite que cada capa de la música de Satriani se escuche con claridad. Esto es particularmente importante en un álbum instrumental, donde la guitarra es el principal vehículo para transmitir emociones e ideas.

El tono de guitarra que Satriani logra en Super Colossal es notable. Utiliza una variedad de efectos y técnicas para crear una paleta sónica rica. Por ejemplo, en "Theme for a Strange World", Satriani emplea sonidos espaciales y etéreos que contrastan con los riffs más pesados de otras pistas. Esta atención al detalle en el tono y la textura es lo que separa a Satriani de otros guitarristas virtuosos. No es solo velocidad y técnica, sino una verdadera comprensión de cómo moldear el sonido para servir a la música.

Uno de los aspectos más impresionantes de Super Colossal es la capacidad de Satriani para contar historias a través de su guitarra. A pesar de que el álbum es completamente instrumental, hay una sensación clara de narración en muchas de las pistas. “One Robot’s Dream”, por ejemplo, evoca imágenes de una historia de ciencia ficción, con su combinación de melodías mecánicas y líneas de guitarra más humanas y emotivas. Este tipo de composición narrativa es una de las razones por las que Satriani ha sido tan influyente. No es solo un guitarrista que toca rápido, sino un músico que utiliza la guitarra como una herramienta para explorar paisajes emocionales y temáticos.

Super Colossal es una obra que resume las fortalezas de Joe Satriani como uno de los grandes guitarristas de nuestra era. Con una mezcla equilibrada de técnica, emoción y diversidad estilística, este álbum demuestra que incluso después de décadas en la industria musical, Satriani sigue siendo un innovador incansable. Cada pista ofrece algo único, desde los momentos más agresivos y pesados hasta los pasajes más suaves y melódicos, todos ejecutados con una precisión impecable y un tono de guitarra perfecto. Si bien no todos los oyentes pueden disfrutar de un álbum puramente instrumental, para los amantes de la guitarra y el rock, Super Colossal es una obra maestra que merece un lugar destacado en cualquier colección.

Daniel 
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martes, 22 de octubre de 2024

1391 - Invisible - El anillo del Capitan Beto

1391 - Invisible - El anillo del Capitan Beto

"El anillo del Capitán Beto" es una de las canciones más emblemáticas de la banda argentina Invisible, compuesta por el talentoso Luis Alberto Spinetta. Lanzada en 1976 como parte del álbum El jardín de los presentes, esta canción se convirtió en un himno del rock argentino, destacándose tanto por su complejidad lírica como por su profundidad musical.

El tema narra la historia de un colectivero (conductor de autobús) llamado Beto, quien tras obtener un anillo mágico se convierte en el Capitán Beto, un héroe que vaga por el espacio en su colectivo convertido en nave espacial. En esta travesía cósmica, Beto se enfrenta a su soledad, al olvido de la gente de su barrio y a la incertidumbre existencial de estar en el vasto e infinito universo. A través de esta premisa fantástica y surrealista, Spinetta logra retratar temas profundos sobre la condición humana, como la soledad, el desarraigo y la búsqueda de sentido en un entorno que puede ser hostil e indiferente.

Musicalmente, la canción es una joya del rock progresivo. El sonido de Invisible, que mezcla rock con elementos de jazz y fusión, se ve reflejado en la riqueza de los arreglos. La canción inicia con una atmósfera calmada, casi misteriosa, a medida que la narrativa de Beto se despliega. Luego, va escalando en intensidad, manteniendo un balance entre la melancolía de la historia y la grandiosidad de su odisea. La guitarra de Spinetta, siempre virtuosa y expresiva, junto con el bajo de Machi Rufino y la batería de Héctor "Pomo" Lorenzo, crean un paisaje sonoro que acompaña perfectamente el viaje espacial de Beto.

Una de las características más notables de la letra es la capacidad de Spinetta para crear metáforas complejas que hablan tanto de lo personal como de lo social. En "El anillo del Capitán Beto", el anillo puede interpretarse como una representación del poder o el destino, mientras que el colectivo espacial es una metáfora del aislamiento que muchas veces experimenta el hombre común en su día a día, separado del resto del mundo por barreras invisibles.

Además, muchos críticos han interpretado la canción en el contexto político de Argentina durante los años 70. La alienación de Beto, su alejamiento de la gente de su barrio y su sensación de desamparo, podrían leerse como una crítica sutil a la situación de incertidumbre y represión que vivía el país bajo la dictadura militar.

"El anillo del Capitán Beto" es una obra maestra que combina una narrativa fascinante con una ejecución musical impecable. Es una reflexión sobre la soledad, el poder y la condición humana, temas que trascienden su tiempo y lugar, manteniendo su relevancia y profundidad décadas después de su lanzamiento.

Daniel 
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Canciones escondidas: Water From A Vine Leaf - William Orbit (1993)

Si tuvieras que escuchar solo un álbum de William Orbit debería ser este Strange Cargo III, sin embargo, el disco más reconocible y el que más viaja de boca en boca es Pieces In A Modern Style al que se le etiqueta como su único álbum verdadero, pero sin el éxito de Strange Cargo III, puede que ni siquiera hubiera habido un Pieces In A Modern Style, vale, eso es exagerar. Orbit ya tenía una reputación en el mundo de los clubs a principio de los 90 como remezclador, proporcionando pinceladas para una variedad ecléctica de artistas (Prince, Nitzer Ebb, Erasure, Kraftwerk, Betty Boo, Peter Gabriel, Sven Väth, The Cure, The Shamen, The Human League, Madonna). También estaba publicando su música bajo distintos pseudonimos desde principios de los 80: synth-pop en el grupo Torch Song, house ravey del Reino Unido con Bassomatic. Sin embargo, William "Orbit" era el principal medio creativo de Wainwright, donde se entregaba artísticamente a la fusión de géneros ambient, pop, funk y cualquier otro que le atrajera en ese momento. Por lo tanto, Orbit no era un desconocido para los DJ de todo el mundo, en todo caso, eran bastante receptivos a cualquier música que produjera, aunque quizás con un oído cauteloso, ya que Orbit a menudo se movía entre las armas de club de elite y el material de crossover descarado. Sin embargo, cualquier recelo que los DJ pudieran haber tenido con el material anterior de Wainwright se apaciguó rápidamente cuando Water From A Vine Leaf se lanzó como el primer sencillo de Strange Cargo III, prácticamente una reintroducción de Orbit a toda una nueva generación de ravers y espectadores que no estaban familiarizados con su producción de los 80.


Water From A Vine Leaf se convirtió en un clásico instantáneo en los círculos de la música house balear y progresiva (los remixes de Spooky y Underworld ayudaron), y fue incluido en las listas de reproducción de los DJs más importantes de la escena e incluso fue elegida por la poderosa Virgin para su distribución, sería uno de los sencillos más exitosos de Orbit jamás lanzados bajo su propio nombre. Es una pista con mucho ritmo y una secuencia de notas hipnótica como base, la voz estuvo a cargo de Beth Orton, colaboradora frecuente de Will Orbit, su vívido diálogo sobre cuatro chicas jóvenes que le dan agua de una hoja de parra (simplemente dejándola caer sobre su lengua) la convirtió en una vocalista muy solicitada por los productores (Chemical Brothers se dieron cuenta). Los remixes realizados por Spooky fueron un gran éxito en las pistas de baile, May & Forbes despojaron la pista de sus sintetizadores y esqueleto eléctrico y dieron forma a dos trancers enérgicos. La versión de Xylem Flow es más enérgica, mientras que la versión de Acid Bath tiene tonos más sutiles. Las versiones de Underworld mantuvieron el tempo original y decidieron simplemente expandir las producciones de Orbit en dos grandes y deliciosas pistas etiquetadas como parte 1 y 2. La primera interpretación es esencialmente un gran refuerzo, el breakbeat se elimina a favor de un sólido four-on-the-floor, el bajo está mucho más acentuado y los paisajes sonoros son grandes y exuberantes. La segunda interpretación es lo opuesto a la primera, con una gran reducción ya que en la primera versión se reduce a sus paisajes sonoros y deja el ritmo a la mitad.

Es difícil superar un sencillo así, por lo que Orbit ni siquiera lo intenta, en su lugar pasa el resto de Strange Cargo III saltando de género en género y mezclando estilos de la época como solía hacer. Aparecen algunas melodías más progresivas ( Into The Paradise , The Story Of Light , A Touch Of The Night , Gringatcho Demento, completa con un solo de guitarra estridente), el proto trip-hop naturalmente tiene su lugar ( Time To Get Wize ; Best Friend, Paranoia)., aparecen indicios de su futuro flirteo con la música clásica moderna ( Harry Flowers , Water Babies ) y un poco de relax étnico-fusión ( A Hazy Shade Of Random , The Monkey King , Deus Ex Machina ). Strange Cargo III no es en absoluto un álbum perfecto, se arrastra con ciertos errores de Orbit en la segunda mitad, y algunas pistas han quedado anticuadas, pero, aun así, es mucho más interesante que gran parte de su trabajo y merece totalmente los elogios que recibió en su momento.


lunes, 21 de octubre de 2024

1390.- Island Girl - Elton John



Incluida en el disco de Elton John "Rock of the Westies" (1975) , "Island Girl" fue escrita por Elton John junto a su colaborador habitual Bernie Taupin, y destaca por su controvertida letra sobre una prostituta jamaicana que ejercía en Nueva York, a la que un hombre jamaicano quiere llevar de vuelta a su país de origen.

Quizá por la oscura y difícil temática, Elton John no volvió a interpretarla en directo desde 1990, a pesar de tratarse de una canción que, publicada como primer single de "Rock of the Westies", alcanzó el primer puesto del Billboard Hot 100 estadounidense y se mantuvo en esa privilegiada posición durante tres semanas, en lo que sería el último nº 1 del artista británico en USA durante más de veinte años.

El single de "Island Girl", con el tema "Sugar on the Floor" en la cara B (una canción escrita por Kiki Dee, con quién Elton John cantó a dúo un año en el éxito "Don't go breaking my heart") vendió más de un millón de copias en Estados Unidos, y llegó hasta el quinto puesto en las listas de ventas de Canadá y Nueva Zelanda, llegando además al puesto nº 20 en Reino Unido y Australia.

domingo, 20 de octubre de 2024

Joe Satriani - Is There Love In Space? (Mes Joe Satriani)

La vida de un virtuoso instrumental no siempre es fácil en el mundo de la música cuando se trata de aparecer con material nuevo y fresco en cada álbum. Considero que hay dos grandiosos guitarristas en este rock olvidado de Dios que están inventando de manera notable, esos hombres son Steve Vai y su maestro de corta duración, amigo de mucho tiempo y el hombre en cuestión aquí, Joe Satriani. Desde las excelentes instrumentaciones melódicas basadas en el groove de los años 80 hasta los toques más experimentales y basados ​​en la tecnología de los años 90, Satch ha producido álbumes a un ritmo constante y con una deliciosa variedad. Satriani nunca ha sido de los que evitan probar cosas nuevas y tomar riesgos. Is There Love In Space? es su noveno álbum de estudio, y debo decir que es mixto. Joe Satriani ha hecho del rock instrumental un arte. ¿Por qué, entonces, siguió intentando cantar? Creo que hablo por la mayoría de la gente cuando digo que las pistas instrumentales de Flying In a Blue Dream de 1989 eran el álbum "real", pero lamentablemente se vieron interrumpidas por una serie de pistas vocales bastante regulares, de hecho, eliminar esas pistas vocales y convertir todo en instrumental da como resultado una experiencia auditiva mucho más satisfactoria. Joe dejó de cantar por un tiempo, y sólo ofreció un mínimo esfuerzo vocal en su álbum homónimo con tintes blues de 1995, e incluso en ese entonces, su canto se vio atenuado por la distorsión y por estar oculto en la mezcla. Tal vez la grabación de Live In San Francisco de 2001 reavivó la necesidad de cantar de nuevo, porque incluía la pista vocal de Flying "Big Bad Moon". Luego Satriani volvió a sacar el micrófono en Is There Love In Space, que salió el 13 de abril de 2004, la fortaleza de Joe Satriani reside en su habilidad para crear música instrumental que puede cautivar tanto a los guitarristas como a los oyentes ocasionales, no hace falta saber nada de guitarra para apreciar el sentido de la melodía de este músico, y ese es realmente su mayor don. Puede que posea dedos de oro, pero lo que más llama la atención es la habilidad con la que maneja las canciones sin acompañamiento vocal.

El tema de apertura Gnaahh presenta un agradable ritmo funky que lleva el álbum hacia arriba con un excelente Groove, y destaca el riff de pedal whammy inquietante, hay mucho pedal whammy en este álbum, probablemente más que en los anteriores. Up in Flames se basa en un riff muy distorsionado que me recordó a algunas de las canciones de Strange Beautiful Music, el solo también recuerda al de Mystical Potato Head Groove Thing. En general, la canción fluye muy bien con una fusión de blues y rock. Hands in the Air es otra melodía que comienza con un riff muy distorsionado, no estoy seguro de si las guitarras están afinadas más abajo o se usa una guitarra de 7 cuerdas, porque suena un poco más bajo (algo similar a Mind storm de SBM), se muestra un Satriani sorprendentemente pesado en el trabajo con los grandes riffs de apertura. Cuando a uno le falta un vocalista en la mayor parte de la música, algún instrumento tiene que "tomar el control" del lugar del cantante, de alguna manera. Satch siempre ha sido un maestro en esto, usando la guitarra como un "vocalista" que lleva las melodías en lugar de tocar sin parar con velocidad. Lifestyle es una de las raras melodías en las que hay letra, a mí personalmente, no me gusta demasiado esta canción, tiene ese aire bluesero, pero la letra parece demasiado topica para una canción como esta. "And you never make sense because you're too busy having a blast; I know we have no future cause you just can't remember the past, whooaaa"... Oh, vamos, para un tipo que hizo canciones como Flying in a Blue Dream, Satch Boogie, Raspberry Jam Delta-V, etc., etc., cantar este tipo de cosas es un poco "raro". Aun así, creo que el solo es realmente bueno, la mejor parte de la canción. Su voz no ha cambiado mucho desde Flying In A Blue Dream, que considero su mejor momento, donde también canta en algunas pistas, pero las interpretaciones vocales no están realmente a la altura.


Is there Love in Space, tengo que decir que la canción principal no es mi favorita del álbum. Sin embargo, amigo, a pesar de su tono poco ortodoxo, te hace escucharla más de un par de veces antes de que realmente "la entiendas", no es una canción rápida de ninguna manera (al menos la primera mitad), aunque no la llamaría balada. La segunda mitad mejora bastante, llena del característico tono wah "cry-baby" de Joe, mi parte favorita de la canción es el final, muy suave y a la vez increíblemente rápido. If i could fly debe ser agregada a cualquier lista de los mejores momentos de Joe Satriani, la canción combina sus solos con una melodía pegadiza, enérgica y alegre que se queda en tu cabeza durante horas, es sin duda, mi canción favorita del álbum y una de las canciones favoritas de Satch de todos los tiempos. Comienza con un riff simple y limpio, que retoma con el solo de Joe, hay patrones fácilmente reconocibles en la canción, además de que es muy pegadiza. A veces, es imposible no asentir con la cabeza cuando la escuchas. ¡Brillantez pura! Y seguimos para bingo porque llega mi segunda canción favorita del álbum The Souls of Distortion, y sí, tiene tonos de distorsión, la canción está llena de fusiones realmente geniales de wah y distorsión que crean algunas entonaciones geniales en los riffs principales cuando llevas un tercio de la canción se rompe en un solo, que cambia un poco las cosas, el tono de la guitarra es lo que realmente hizo que me fijara en esta canción. Just Look Up es la única balada pura, recuerda mucho a canciones como Home, Cryin' y Until we Say Goodbye, la guitarra de Joe suena bien respaldada por un tono acústico suave, en general una melodía agradable y relajada. I like the Rain es la segunda canción en el álbum que realmente tiene letra, no soy fanático de las letras de Joe, pero aquellos de ustedes a quienes les gustó "Big Bad Moon", definitivamente disfrutarán de esta. En términos de estructura de la canción y riffs, las 2 canciones se recuerdan mucho entre sí, incluso los solos (aunque esta vez no hay armónica). Searching es un verdadero maratón de canción, en mi opinión, quitaria toda la parte del medio y la acortaba. La melodía comienza con un solo de Joe y rápidamente se convierte en un increíble riff de whammy que probablemente sea imposible de tocar. Sin embargo, justo después, la canción se convierte en un solo largo y aburrido. Sin subestimar la habilidad de Joe, toda esta parte podría haberse omitido fácilmente. El outro es prácticamente el mismo que el principio, y sí, el brillante riff de whammy está ahí, el único lado positivo de la canción. Finaliza el álbum con Bamboo que comienza con un riff de punteo limpio. Más tarde, la canción se convierte en un solo de jazz tocado sobre una línea de bajo interesante. Buena canción en general.

La producción del álbum es muy cruda y áspera, lo que funciona en su mayor parte, pero me hubiera venido bien un poco más de fuerza y ​​mordacidad en los sonidos. La batería también tiende a quedar sepultada en algunas partes, pero, por supuesto, la guitarra es el elemento principal aquí. En general, el álbum es una mezcla del rock estilo Surfing de los 80 de Satch y los sonidos más experimentales estilo Engines de los 90. No es su mejor trabajo, pero es un disco instrumental muy decente. Con algunos rockeros más animados, habría sido mucho mejor. Para aquellos que buscan un disco un poco más suave, pero aun así oscuro, este es definitivamente para ustedes.