Disco de la semana 348: American III: Solitary Man - Johnny Cash

No creo que haya un regreso en la historia de la música que sea tan sorprendente como el de Johnny Cash en 1994, pero escribiré más sobre eso cuando revise American Recordings. Solitary Man sigue formando parte de su racha de grandes discos que provienen directamente de la mejor etapa musical de su vida, los últimos 10 años antes de su muerte. Lo que vemos aquí en este álbum es a un hombre consciente de que es viejo y que su cuerpo no funciona tan bien como antes. Los días del forajido y héroe country Johnny Cash han quedado atrás, aquí está la versión frágil de sí mismo en la que se ha convertido a lo largo de los años (en la que la mayoría de nosotros llegaremos a ser algún día), pero claramente su mente y su espíritu están tan vivos como siempre. American III: Solitary Man, el tercer álbum de Johnny Cash que fue producido y lanzado en el propio sello discográfico de Rick Rubens. En este punto, el 'regreso' de Johnny Cash estaba en pleno apogeo y surtiendo efecto no sólo en los fanáticos de toda la vida sino también en las generaciones más jóvenes de MTV y Grunge. Puse comillas sobre su regreso porque Johnny realmente nunca se fue, aunque la calidad y la honestidad de su música pueden haber sido comprometidas en los años 1980, todavía se vendía muy bien, al menos entre el campo country. En las notas de esta tercera entrega de la serie American Recordings, Johnny Cash escribió: "La canción es lo que importa. Antes de poder grabar, tengo que escucharla, cantarla y saber que puedo hacer que se sienta como mi propia, o no funcionará. Trabajé en estas canciones hasta que sentí que eran mías". Aunque es difícil escucharlo en las canciones más populares que versiona (las apariciones especiales de Tom Petty y Sheryl Crow tampoco ayudan mucho), las oscuras canciones carcelarias y las baladas country que Cash eligió interpretar suenan tan honestas y sinceras como las suyas. La continuación del decente pero algo decepcionante Unchained de 1996, American III: Solitary Man fue ampliamente criticado por los críticos tras su lanzamiento, alegando que el álbum estaba sobreproducido y que las voces a menudo sonaban tensas.

La canción que abre Solitary Man, Won't Back Down de Tom Petty, de hecho suena como más de lo mismo. Quiero decir, es una pista de Tom Petty con Tom Petty cantando coros. Sin embargo, escucha y hay un cambio importante... no hay guitarra eléctrica ni batería. Y eso esencialmente crea la plantilla para la tercera salida de Cash y Rubin juntos. Al igual que los dos primeros, hay una mezcla de canciones modernas de fuentes inusuales, junto con gemas ocultas del catálogo anterior de Cash y números tradicionales que moldearon a Johnny como artista. Pero lo nuevo de este álbum es el énfasis en los arreglos acústicos y un mayor número de duetos, incluida la incorporación de algunos personajes sorprendentes. En las creíbles manos de Cash, la canción principal, “Solitary Man” de Neil Diamond, se reinstala exuberantemente como una balada de country alternativo sin tonterías, recordándonos que su autor alguna vez fue capaz de esto, sin las fanfarronadas exageradas del mundo del espectáculo. El enfoque funciona con una amplia gama de opciones de canciones, quizás lo mejor de todo sin caretas como “Lucky Old Sun”, previamente manejada en versiones desde Broadway hasta bluegrass y Deadhead, pero dulce y contundente desde una mecedora vestido de cowboy. Llega el momento del plato principal, One, la clásica y quizás mejor canción de todos los tiempos que U2 haya grabado queda completamente destruida aquí cuando 'Man in Black' una vez más la hace totalmente suya, es como si el original nunca hubiera existido, la versión de Cash está hecha perfectamente en su estilo tradicional de guitarra acústica, con una voz que brilla de sabiduría y motivación. "Nobody" es la canción perfecta para Cash, considerando especialmente su edad. Aunque Cash no se sentía solo ni miserable como el personaje de la canción, hace un buen trabajo al interpretar a un anciano solitario y gruñón en este tema arropada en una manta de ironia: “¡Y hasta que no obtenga algo de alguien, en algún momento/no tengo la intención de hacer nada por nadie, en ningún momento!” un devastador y afectuoso golpe contra la invisibilidad y el olvido ofrecido por primera vez por otro maestro del disfraz de cantante, The Man In Blackface, Bert Williams. Will Oldham canta junto con Johnny Cash en el coro de "I See a Darkness". Líricamente, esta canción de Bonnie Prince Billy (Will Oldham) del álbum del mismo nombre es una de mis favoritas. Cash y Oldham realmente tienen un gran impacto emocional juntos, es increíble lo que hacen, canciones que han sido antiguas desde antes del nacimiento de Cash, tranformadas en canciones cantadas por esta persona, y que hacen que todas y cada una de ellas resulten brillantes y actuales, tan llena de melancolía que es difícil no quedar atrapado en él mientras lo escuchas, debo admitir que tenía los ojos ligeramente húmedos cuando la escuché por décima vez. Creo que Will Oldham todavía es propietario de esa canción, pero su dueto aquí con Cash hace que sea cosa de dos desde el segundo uno. Otro de los momentos más destacados es "The Mercy Seat" de Nick Cave, que aquí es mucho mejor que el ya excelente original, con su desarrollo oscuro hacia el final que crea magistralmente una atmósfera inquietante y sombría, esta versión de Cash suena claramente diferente a la original, la guitarra acústica, el órgano y el piano son todos oscuros y misteriosos, Cash es muy convincente interpretando el papel de un hombre condenado a muerte. Esta no es la primera vez que Cash canta sobre la pena capital, quizás de manera más memorable a través del humor negro de 25 Minutes to Go. Pero también está la cara 1 de The Sound of Johnny Cash en la que el personaje de cada canción muere al final. La muerte ha estado siempre presente en las canciones de Cash, por lo que, si bien estos álbumes estadounidenses han sido criticados por ser demasiado oscuros, su morbilidad no carece de precedentes.  

La revitalización irónica (y conmovedora) que una lectura madura puede darle a una canción de un joven no es más evidente que en la lectura de Cash de “Would You Lay With Me (In A Field Of Stone)”. Escuchar a este hombre de 68 años probar un posible amor por ser verdadero antes de entregarse a ella es más convincente y de alguna manera más “inocente” de lo que podría haber sido la versión adolescente de Tanya Tucker y David Allan Coe (el autor de la canción). estado. De todos modos, la canción es casi una canción de cuna infantil, y aquí es inolvidable. Luego viene una aparicion de un invitado notable, Sheryl Crow y June Carter Cash cantando junto con Johnny en Field of Diamonds. Cash me rompe el corazón una y otra vez cada vez que escucho 'Before My Time', en ella encuentra puntos en común con aquellos que vinieron antes que él y cantaron sobre “sangre sobre sangre”, y con aquellos que han venido desde entonces, algo menos común para los viejos campesinos. "Nada ha cambiado excepto los nombres", nos dice. Es la única canción original nueva que se encuentra aquí y es un tema sombrío y pacífico. La guitarra de Johnny pasa a un segundo plano aquí y su voz es lo más destacado aquí, lo que la convierte en una de las mejores del álbum. "Country Trash" y "I'm Leavin' Now" provienen de sus álbumes olvidados de los años 70 y 80, y ambos son muy divertidos, el primero autocrítico y el segundo desafiante, ambos manteniendo un gran sentido de humor, calidez y personalidad sobre ellos, es prima de “Million Dollar Bash” de Dylan y de las fuentes antiguas que lo inspiraron. Si bien es un poco floja, también es absolutamente encantador y tradicional. Luego, escondidos al final hay dos números aún más antiguos que los tradicionales del primer lado. En el final encontramos Mary of the Wild Moors, una canción británica de principios del siglo XIX sobre una mujer traicionada que se queda sola con su hijo. El otro original que se destaca es “I'm Leaving Now”, que reúne, por fin, a Cash y su amigo y compañero, el viejo Merle Haggard. Me vienen a la mente los enfrentamientos en pantalla “por fin, años después” de Charlie Chaplin y Buster Keaton en Limelight, o el Pato Lucas y el Pato Donald en Roger Rabbit. Esta vez no es una batalla de chicos malos, sino una cómica doble sacudida de lucha “a la salida”, y no parece que ninguno de los dos lo sea. Y el tema final, Wayfaring Stranger, es un himno estadounidense del siglo XIX que recupera el tema tan visitado de Cash de cruzar el Jordán hacia la paz después de la muerte.

American III: Hombre solitario es tan digno como cualquier otro álbum de la serie American Recordings para un fanático de Johnny Cash o incluso para alguien nuevo para él. Y aunque puede que no tenga tantas canciones reconocibles al instante como otras suyas, es un álbum excelente en el que Cash obviamente puso todo su corazón y realmente lo demuestra. Ya sean versiones bien hechas, clásicos originales de Cash o canciones nuevas, cada una está llena de pasión y sabiduría, lo que crea una de las músicas más emotivas, inspiradoras y conmovedoras que existen de la leyenda que es Johnny Cash.

0806-. Man In Black - Johnny Cash

Man In Black, Johnny Cash

 

     Man In Black es el álbum de estudio número 38 del prolífico cantante Johnny Cash. El disco, que incluye géneros como country, folk, blues o gospel,  fue grabado en 1971 bajo la producción del mismo Cash y publicado el 31 de mayo de 1971 bajo el sello discográfico Columbia Records. Este trabajo contiene muchas referencias políticas.

Una de esas canciones es la que da título al disco, Man In Black, que se refiere tanto a la tendencia de Cash de vestirse habitualmente de negro tanto en los conciertos como en los tiempos difíciles en los que se creó la canción, en plena Guerra de Vietnam. La canción fue lanzada como sencillo en marzo de 1971, ocupando la cara A, y siendo acompañada en la cara B por Little Bit of Yesterday. 

Como todo el disco, Man In Black fue una canción de protesta escrita por Johnny Cash, y la letra es todo un manifiesto contra injusticias como el tratamiento de los pobres por parte de los políticos ricos, el encarcelamiento masivo o la Guerra de Vietnam. Johnny Cash reveló que justo antes de interpretar la canción por primera vez, había hablado con algunas personas de la Universidad de Vanderbilt ese fin de semana, y se inspiró para escribir la canción en aquellas reuniones. De hecho, Cash interpretó la canción por primera vez usando unas tarjetas donde había escrito y revisado la letra de la canción. 

Además de ser una canción protesta, Cash usó la canción para ayudar a explicar porque siempre llevaba ropa negra: "Llevo el negro para los pobres y los golpeados...", "...Lo uso para el prisionero que ha pagado mucho tiempo por su crimen pero está ahí porque es una víctima de los tiempos". Al principio Johnny Cash y su banda usaban camisas negras porque era el único color a juego que tenían en sus armarios. El cantante llegó a usar otros colores en el escenario al principio de su carrera, pero afirmaba que le gustaba usar el negro tanto dentro como fuera del escenario. La banda de punk rock cristiano One Bad Pig grabó una versión de esta canción en 1991 con el mismísimo Cash colaborando en la misma. En España sería el grupo Loquillo y Los Trogloditas quien se atreviera a realizar su propia versión de la canción en su álbum de 1993 Mientras Respiremos.

Johnny Cash – At San Quentin #Píldora 14

Cualquiera que tenga un poco de conocimiento sobre la música y la personalidad de Johnny Cash sabe que el Hombre de Negro se sentía demasiado cerca de los presos y de aquellos que habían tenido problemas con la justicia, se relacionó con ellos casi como si tuvieran un parentesco. Y quizas por esa complicidad el mejor álbum en vivo de Johnny Cash es una actuación en una prisión, no es muy diferente de su anterior álbum en vivo, At Folsom Prison, si quereemos compararlos quizas en este album las canciones son más rápidas y animadas. El publico formado por prisioneros la actuación de Johnny Cash y él está más que dispuesto a seguirle el juego, creando momentos cómicos.  Además de eso, hay incluso más canciones y momentos inolvidables en este álbum que en Folsom Prison, nos regala un complemento perfecto para At Folsom Prison, sin duda At San Quentin es uno de mis álbumes en vivo favoritos.

Empezamos por destacar la versión de 'I Walk The Line' aquí es mejor que la grabación original de estudio, la autenticidad de esos gritos de alegría de los reclusos crea una atmósfera diferente a cualquier otra grabación en vivo que haya escuchado en mi vida, es su verdadera magia, también cabe destacar el dueto con su esposa June Carter Cash en 'Darling Companion', siempre es algo especial cuando los dos toman el micrófono juntos. "A Boy Named Sue", escrita por Shel Silverstein, es maravillosa, supongo que la mayoría de los lectores han escuchado esta canción, por lo que no hay necesidad de discutir más sobre su letra cómica, también disfruto de "Peace in the Valley", es algo único ya que rara vez me gusta la música espiritual/góspel.

Johnny Cash era tan rudo, en serio, recorriendo prisiones vestido de negro como un predicador caído, hablando de que no le importa la autoridad, cantando sobre matar gente, ir a la cárcel y finalmente dando una serie de canciones espirituales para amansar a las fieros, esos convictos endurecidos lo amaban, él era el artículo genuino. At XSan Quentin es una prueba de humildad hecha historia, chillarle al Hombre de negro y reírle sus chistes, sus provocaciones y sus órdagos a la administración de la prisión los llevo mas lejos de lo que nadie pudo imaginar. Y así se quedó, con el tupé, la chaqueta tejana, la guitarra acústica y el repertorio mohoso de tanto pasearlo por la intemperie oclusa de esas paredes demasiado altas para ser trepadas. Si solo desea tener dos álbumes de Cash en su colección, entonces 'Live at Folsom Prison' y 'Live at San Quentin' son todo lo que realmente necesita. Son mejores que las grabaciones de estudio porque realmente tienes la oportunidad de escuchar a Cash.

0581 - A Boy Named Sue - Johnny Cash

0581 - A Boy Named Sue - Johnny Cash 

A Boy Named Sue es una canción escrita por el humorista, autor infantil y poeta Shel Silverstein y popularizada por Johnny Cash.

La canción cuenta la historia de la búsqueda de venganza de un joven de un padre que lo abandonó a los tres años de edad y cuya única contribución en toda su vida fue darle una guitarra y llamarlo Sue, comúnmente un nombre femenino, lo que resulta en el joven que sufre el ridículo y el acoso de todos los que conoce. Avergonzado de su nombre, de joven se convierte en un nómada de corazón duro; jura que encontrará y matará a su padre por darle "ese nombre horrible".

Más tarde, Sue localiza a su padre en una taberna un día de verano en Gatlinburg, Tennessee, y lo confronta diciendo: "¡Mi nombre es Sue! ¿Cómo estás? ¡Ahora vas a morir!". Esto da como resultado una pelea feroz que se extiende al aire libre en una calle embarrada. Mientras los dos apuntan con sus armas el uno al otro, el padre de Sue sonríe con orgullo y admite que él es el hombre ("hijo de puta" en la versión de Johnny Cash) que lo llamó Sue. Debido a que el padre de Sue sabía que él no estaría allí para su hijo, le dio el nombre como un acto de amor duro, creyendo (correctamente) que el ridículo resultante lo obligaría a "ponerse duro o morir". Al enterarse de esto, Sue hace las paces y se reconcilia con su padre. Sue cierra la canción admitiendo el punto de vista de su padre, pero que si alguna vez tiene un hijo, lo llamará "Bill, o George, cualquier maldita cosa menos Sue" porque "todavía odia ese nombre".

Daniel 

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0464.- Folsom Prison Blues - Johnny Cash

Folsom Prison Blues fue escrita en 1953 por Johnny Cash, pero no se grabó hasta 1955 para ser incluida en su disco debut Johnny Cash with His Hot and Blue Guitar! (1957). La canción original alcanzó en 1956 el cuarto puesto del Billboard, pero no fue hasta 1968, con la versión que grabó en directo desde la prisión estatal de Folsom para su álbum en vivo At Folsom Prison (1968), cuando la canción se convirtió en un éxito absoluto, ganando el Grammy a la mejor interpretación vocal country y llegando al primer puesto de las listas de música de ese género y al 32 del Billboard Hot 100 estadounidense.

Para la grabación original, Cash se inspiró en la película Inside the Walls of Folsom Prison (1951), pero tomó además prestados elementos de la letra y la melodía de la canción Crescent City Blues, publicada en 1953 en el álbum conceptual Seven Dreams de Gordon Jenkins. Cash no incluyó a Jenkins en los créditos de la canción, y cuando Folsom Prison Blues se convirtió en un éxito, tuvo que llegar a un acuerdo compensatorio de 75.000 dólares para evitar que la demanda de Jenkins siguiera su curso.

Grabada en los estudios Sun Studio en Memphis (Tennessee) con Cash a la voz y guitarra, con el acompañamiento de Luther Perkins (guitarra) y Marshall Grant (bajo), salvaron la circunstancia de no disponer de un batería insertando un billete de un dólar bajo las cuerdas de una guitarra, y rasgueando para lograr un sonido similar al de una caja. El resultado es una obra maestra cuyo sonido mezcla magistralmente elementos del country, el rock and roll y el folclore popular de canciones de trenes y prisiones, y una de las piezas más emblemáticas de la carrera de Johnny Cash, considerada por la revista Rolling Stone como la 51 de la lista de 100 mejores canciones country de todos los tiempos.

0122: Ring of fire - Johnny Cash

 

Lanzado el 19 de abril de 1963, "Ring of Fire" fue uno de los mayores éxitos de Cash y apareció en el álbum Ring of Fire: The Best of Johnny Cash. La canción fue coescrita por la futura esposa de Cash, June Carter, y la compositora y productora Merle Kilgore. A Carter supuestamente se le ocurrió la idea de "Ring of Fire" mientras conducía una noche, pensando en el hecho de que se sentía atraída por este hombre peligroso, a pesar de su estilo de vida salvaje y confuso. Ella no pudo resistirse a él. Carter, que se casaría con Cash cinco años después, supuestamente tomo el título de la canción de un libro de poesía isabelina que pertenecía a su tío. Sin embargo, no escribió la canción con la intención de que fuera para su futuro esposo, sino para su hermana, Anita Carter, quien grabó una versión de la canción bajo el título “(Love's) Ring of Fire”. Cuando la escucho a Cash le gustó la canción y quiso hacer su propia versión. Le dijo a Anita que le daría a su versión seis meses y que si no se convertía en un éxito, la grabaría a su manera.

 

Así fue que el 25 de marzo de 1963, Johhny Cash entró en el estudio con el legendario productor de country Don Law para grabar su versión de "Ring of Fire", la estructura musical e instrumental de la interpretación más famosa de dicha canción nació en un sueño de Cash, quién cuenta que escucho la canción acompañada de trompetas mexicanas y procedio a hacerla realidad en su version de "Ring Of Fire" en colaboración con su banda Tennessee Three, que contaba con Luther Perkins a la guitarra. Perkins, quien murió trágicamente en 1968 después de quedarse dormido con un cigarrillo encendido, jugó un papel decisivo en la innovación del sonido característico de Cash, “boom-chicka-boom”. Miembro fundador de la banda original de Cash, Tennessee Two, el guitarrista tocó en todas las primeras grabaciones de Cash, incluidas "Folsom Prison Blues", "I Walk the Line" y, por supuesto, "Ring of Fire". Hijo de un predicador bautista, Perkins tenía un estilo de guitarra vibrante y se adaptaba perfectamente a la calidad de tren desbocado de las primeras grabaciones de country con rockabilly de Cash.

 

"Ring of Fire" es una canción perfecta, universalmente identificable, contiene ese acento de la música country, pero también ese ambiente de rock and roll, y también podría ser una visión divina de la relación entre dos íconos de la música (Cash y Carter) que vivieron vidas complicadas, fascinantes y edificantes tanto separados como juntos. Clasificada en el puesto 87 en "Las 500 mejores canciones de todos los tiempos" de la revista Rolling Stone y en el número 4 en "Las 100 mejores canciones de música country" de CMT, "Ring of Fire" ha inspirado a una legión de versiones de todo el mundo, y se ha convertido en una de las canciones más emblemáticas de la historia de la música y unas de las que más han sido versionadas en otros repertorios, haciéndola suya entre otros Eric Burdon and The Animals, Wall Of Voodoo, Social Distortion, Frank Zappa, Coldplay y muchos artistas más.

0060: Johnny Cash - I Got Stripes

 

I Got Stripes, Johnny Cash

     El 12 de marzo de 1959 Johnny Cash graba I Got Stripes, tema que es lanzado por el sello discográfico Columbia Records como single en julio de ese año junto con el tema Five Feet High And Rising en la cara B, el cual tamién fue grabado en esa misma sesión. El tema fue escrito por Johnny Cash y por Charlie Williams, un amigo suyo que trabajaba como DJ en Los Ángeles.

Para la composición de I Got Stripes se basan en la canción On a Monday (1943), de Lead belly. A su vez, para la composición de On a Monday Lead belly también se basó en un tema suyo de 1939, Yallow Women's. Lead Belly fue un músico y compositor estadounidense de blues y folk que destacó por sus claras y poderosas interpretaciones, de las cuales muchas se han convertiso en clásicas, y por el virtuosismo con que tocaba la guitarra de 12 cuerdas, si bien dominaba también piano, violín, acordeón y armónica.

I Got Stripes se apoya en una atractiva melodía donde predomina la guitarra en primer plano, mientras Johnny nos narra la amarga experiencia de ser arrestado y las limitaciones a las que está sometido mientras se encuentra en la carcel. La letra se basa en un sencillo patrón que se repite durante todo el tema, "El lunes me arrestaron... / El martes me encerraron en la carcel / El miércoles se celebró mi juicio / El jueves me declararon culplabe...". El tema no acabó de despegar todo lo que se esperaba en las listas de ventas, alcanzando el puesto número 43 en la lista estadounidense Billboard Hot 100, y el puesto número 4 en la lista Billboard Hot Country Songs.

0009 La musica en canciones : I walk the line - Johnny Cash.

Johnny Cash nace en una granja de Arkansas en 1932. Son los años de la Gran Depresión y su infancia fue lugar de penalidades, trabajo duro, la muerte de su hermano mayor en un accidente laboral en un molino le marcaría profundamente. Empezó en la música merced a su madre que le enseña a tocar la guitarra y a aficionarse al góspel

I walk the line fue grabada el 2 de abril de 1956, en un principio Cash soñaba con una balada lenta, pero el productor Sam Phillips le convenció de que hiciera un tema más rápido y fue un acierto absoluto, el single fue número uno durante seis semanas en la lista de música country y llegó a encaramarse al puesto 19 en las listas de pop. La guitarra marcando el “Freight Train” (un ritmo de tren de carga), el juego de bajos, y esa imperturbable y característica voz grave con ese zumbido gutural de Cash eran ingredientes suficientes para el éxito, pero nadie pensaba que iba a llegar tan alta. El tema habla de lo que le supuso al cantante llevar sus días al límite, atrapado en una profunda adicción al alcohol y las anfetaminas, un infierno de donde logró salir gracias al cariño y apoyo incondicional de June Carter, que fue quien recogió los pedazos de su vida y en cierta manera le hizo resucitar, y juntos pasarían el resto de sus vidas y Cash en su autobiografía mencionaría que “….June era mis señales del camino, me hacía alzarme cuando estaba débil, me animaba cuando me desanimaba, y me amaba cuando estaba solo y me sentía desamparado. Es la mujer más grande que jamás he conocido. Nadie más, excepto mi madre, se le acerca….”

 

Estamos ante una canción excelsa, que cuenta con cerca de 160 versiones y regaló a Cash su primer número uno, pero, por encima de esto, fue una de las bases sobre las que Cash asentaría su estilo, unas canciones nacidas del country y con tendencia marcadamente rockabilly. Tal fue el impacto que solo en su año de lanzamiento ya se habían grabado dos versiones, las de Carole Bennett y la de Benny Barnes.

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Historia del rock and roll: 12.- Johnny Cash

Hemos hablado de Elvis Presley, también dedicamos otro articulo a Jerry Lee Lewis y a Carl Perkins le dedicamos una historia de la música y es el turno del cuarto grande de Sun Records, que junto a los tres anteriores formaron lo que se denomino Million Dollar Quartet (o el Cuarteto del millón de dólares) estamos hablando de Johnny Cash.
Nacido en Kingsland, Arkansas, el 26 de febrero de 1932 Johnny Cash fue bautizado con las siglas de J. R. Cash debido a que sus padres no pensaron en ningún nombre. Cuando se alistó en las Fuerzas Aéreas, no le dejaron utilizar sus iniciales como nombre, por lo que comenzó a llamarse John R. Cash. En 1955, cuando firmó su primer contrato discográfico con Sun Records, comenzó a utilizar Johnny Cash como nombre artístico. Con apenas cinco años comenzó a trabajar en los campos de algodón. Con trece años, Cash sufrió la muerte de su hermano mayor, Jack. En mayo de 1944, Jack se acercó accidentalmente a una sierra eléctrica en el molino donde trabajaba y sufrió severos cortes. Los primeros recuerdos de Cash estuvieron dominados por la música gospel y la radio, así como por la música tradicional irlandesa que oía con frecuencia en el programa de radio de Jack Benny. Comenzó a tocar la guitarra y a componer canciones con apenas doce años, y una vez en la escuela, comenzó a cantar en una estación de radio local. En 1954, trasladaron su residencia a Memphis, Tennessee, donde comenzó a vender electrodomésticos mientras estudiaba para ser locutor de radio. Por la noche solía tocar con el guitarrista Luther Perkins y el bajista Marshall Grant, ambos conocidos como Tennessee Two. Cash reunió el coraje suficiente para visitar el estudio de grabación de Sun Records, con la esperanza de obtener un contrato discográfico. En 1955, Cash grabó su primera canción con Sun Records, "Hey Porter" y "Cry! Cry! Cry!", publicadas a finales de junio y con cierto éxito en la lista de éxitos musicales de country. El siguiente sencillo, "Folsom Prison Blues", entró en el Top 5 de la lista de country, mientras que "I Walk the Line" llegó al primer puesto de las listas de éxitos.  Cash se sentía limitado porque solo obtenía un 3% de las regalías, en lugar del 5% habitual, asi un año mas tarde abandono Sun Records fichando por Columbia Records, con quien "Don't Take Your Guns to Town" se convirtió en uno de sus sencillos más exitosos.

A finales de la década de 1950, Cash comenzó a beber con frecuencia y se hizo adicto a las anfetaminas y los barbitúricos. Aunque en el plano personal Cash seguía una espiral fuera de control, su creatividad seguía produciendo nuevos éxitos como "Ring of Fire", que alcanzó el número uno en la lista de éxitos de country, o "Jackson" cantada a duo con su mujer, uno de los pilares mas importantes a lo largo de su vida. Entre 1965 y 1967 Johnny Cash llegó a ser encarcelado en siete ocasiones, por causas que incluyen desde el incendio forestal que fue provocado cuando su camión apareció ardiendo, al hallazgo de un pequeño alijo de drogas en el interior de su guitarra cuando intentaba cruzar la frontera por El Paso, Texas. Cash publicó varios álbumes conceptuales como Sings the Ballads of the True West (1965), un álbum experimental con canciones de la frontera entremezcladas con narraciones, Bitter Tears (1964), entre otras canciones. En esa época, su adicción y su comportamiento autodestructivo estaban en un punto cúspide pero iba a cambiar, dejó de consumir drogas durante varios años a partir de 1968, tras una epifanía espiritual en Nickajack Cave, donde intentó suicidarse. El músico comentó estar exhausto y sentirse al final de sus fuerzas cuando sintió la presencia de Dios en su corazón y le mandó salir de la cueva, siguiendo una luz tenue y una ligera brisa. Entre 1969 y 1971 Cash presentó su propio programa de televisión, The Johnny CashShow, en la cadena ABC.

Entrada la década de 1970, Cash adoptó el apodo de «The Man in Black» (que en español puede traducirse como: «El hombre de negro»), debido a que vestía con frecuencia largos abrigos de color negro hasta las rodillas, compuso la canción "Man in Black" en la que explicaba las razones de su nueva conducta, según la cual el color negro en nombre de la pobreza, del hambre y de «los presos que han pagado demasiado por su crimen», pero esta seria su década del declive, ya en 1975 sus discos pasaban sin pena ni gloria por las listas de éxitos.




En 1980, Cash se convirtió en el cantante más joven en entrar en el Museo y Salón de la Fama del Country con 48 años. Sin embargo, su repercusión mediática y popular en la época, debido a un menor interés popular por el country y a la popularidad de nuevos géneros musicales, siguió declinando. Su carrera profesional alcanzó su punto mínimo a finales de la década de 1980. Tras treinta años en Columbia Records, el músico observó que su compañía se mostraba indiferente con él y que no le promocionaba adecuadamente. Sin embargo fue en esta epoca donde publico uno de sus temas mas recordados "Hurt" donde versionea el clásico de Nine Inch Nails una tristisima canción que narra su estado mental después de la vida que había llevado, el amor y las drogas fue donde giró su existencia y con voz pausada y triste narra sus sentimientos. Es quizás el vídeo musical mas triste de la historia. En 1997, a Cash fue diagnosticado con una enfermedad neurodegenerativa conocida como síndrome de Shy-Drager, un diagnóstico posteriormente reemplazado por el de neuropatía autonómica asociada a la diabetes. El 12 de septiembre, apenas cuatro meses después de la muerte de su mujer, Cash falleció en el Baptist Hospital de Nashville por complicaciones de diabetes.