1339.- Melina - Camilo Sesto

Como ocurre con Mónica Naranjo, donde la unanimidad es apabullante, no hay cantante de heavy metal español que no alabe y elogie las capacidades vocales de este cantautor y productor, Una bestia escénica de incuestionables méritos que, por desgracia, acabo siendo fagocitado por su propio personaje en un ‘envejecimiento artístico’ que no estuvo a la altura de su época estelar o de otros compañeros de generación como pueden serlo Raphael o Miguel Ríos.

 En el año 1975 sale Amor libre, disco en el que Camilo sigue jugando, como los grandes de la canción melódica, con pequeños devaneos estilísticos, dentro de la canción romántica. Un poco de clásico, un poco de ritmos brasileros, otra de folclore griego, un poco de funk disco, góspel, y, siempre, con unos pulmones y una tesitura y registro vocal infinito. De ahí la barba. Curiosamente, Gillette pagó una campaña publicitaria para que se afeitara con una de sus cuchillas. Camilo accedió, pero donó el dinero a un orfanato. Estuvo producido por el propio Camilo y se publicó el 27 de octubre de 1975, lanzado meses antes que Sesto estrenara su propia adaptación de Jesucristo Superstar, contiene no solo algunas de las canciones más hermosas compuestas por el español, sino que nos encontramos en su punto de interpretación más alto. “Jamás” y “Adiós” muestran al cantante llegando a las notas con total tranquilidad, en medio de arreglos de cuerda que adornan y elevan de forma majestuosa el ambiente del disco. con un título libertario valiente, puesto que todavía quedaban unas semanas para que se muriera el dictador. No solo nos habla de un tipo de amor que no se relaciona con los típicos clichés de la época, evidenciado en el tema que da título a esta producción que explora un lado más erótico, 

La canción principal del disco y quizás la mejor canción de Camilos Sesto rescata la figura de Melina Mercouri, en un tema titulado con su nombre, y que tiene uno de los versos que caracterizan tanto el legado de la artista, como el suyo propio: “La fuerza de tu canto echó raíces”. Camilo Sesto le cantaba a una mujer real, a la actriz, cantante y política Melina Mercouri, a la que le dedicó versos como éstos: "Has vuelto, Melina, alza tus manos hacia Dios, que Él escuche tu voz" o "la huella de tu canto echó raíces". Maria Amalia Merkoúri, más conocida como Melina Mercouri, fue una cantante, actriz, política y activista griega nacida en 1920. Entre sus películas, rodadas entre 1955 y 1978, destacan “Stella”, “Fedra”, “Topkapi” o “Nunca en domingo”. Su faceta como cantante se desarrolló, principalmente, durante el tiempo que estuvo viviendo en Francia, donde grabó varios álbumes. Hija, nieta y sobrina de políticos y mandatarios griegos, fue una de las más firmes opositoras a la dictadura militar griega instaurada en 1967, conocida como “Dictadura de los coroneles”. Organizó conciertos y marchas contra la Dictadura, y se reunió con intelectuales y políticos de renombre internacional, eso sí, siempre desde Francia, país donde residió durante los siete años que duró la Dictadura (1967-1974). La Junta de los coroneles confiscó sus bienes, censuró sus discos y películas, y también retiró su ciudadanía, a lo que ella debió responder con una frase que ya forma parte de la leyenda que envuelve a Melina Mercouri: “Nací griega y moriré griega. Stylanos Pattakos nació fascista y morirá fascista”. Regresó a su país tan pronto se reinstauró la democracia; ya en Grecia, fue parlamentaria por el Movimiento Socialista Panhelénico (PASOK) y, en 1981, se convirtió en la primera mujer griega en ocupar el cargo de ministra de Cultura, puesto que desempeñó entre 1981 y 1989 y, posteriormente, entre 1993 y 1994. Fumadora empedernida, falleció en 1994, a los setenta y tres años, víctima de un cáncer de pulmón; parece que, cuando murió, su tumba se llenó de cientos de cajetillas de tabaco de la marca que fumaba, puestas allí por sus seguidores.

Disco de la semana 393: "Nunca tuve tanto blues" (1988) de Memphis La Blusera

Disco de la semana 393: "Nunca tuve tanto blues" (1988) de Memphis La Blusera

En el panorama musical argentino de los años 80, donde el rock y el pop dominaban las listas, surgió una banda que, con su estilo único y auténtico, se estableció como pionera del blues en español. Memphis La Blusera, con su inconfundible sonido que fusionaba el blues, rock y ritmos urbanos, lanzó en 1988 un álbum que no solo consolidó su carrera, sino que también dejó una huella indeleble en la música argentina: "Nunca tuve tanto blues."

A finales de los 80, Argentina estaba en un proceso de recuperación tras años de dictadura, y el rock nacional se había convertido en un vehículo de expresión popular. Sin embargo, el blues, un género que nació del sufrimiento y la lucha, todavía era un nicho. En ese contexto, Memphis La Blusera se atrevió a llevar el blues al público masivo, cantando en español y adaptando las historias de los viejos bluesmen norteamericanos a las vivencias del argentino urbano.

Memphis La Blusera ya había logrado cierta notoriedad con su álbum homónimo de 1982 y con "Medias Negras" en 1986, pero fue con "Nunca tuve tanto blues" que alcanzaron su madurez artística y comercial. Este álbum es un testimonio de la habilidad de la banda para mezclar la melancolía del blues con letras que capturaban el espíritu de la vida en Buenos Aires, todo envuelto en un sonido que era a la vez crudo y sofisticado.

"Nunca tuve tanto blues" es un álbum que consta de 10 pistas, cada una de las cuales aporta algo único al conjunto. La banda, liderada por el inconfundible vozarrón de Adrián Otero, nos lleva a un viaje por las calles de Buenos Aires, abordando temas universales como el amor, la soledad, la nostalgia y las dificultades de la vida, pero siempre desde una perspectiva muy porteña.

El disco abre con "Montón de nada," una canción que se ha convertido en un himno para los fans de la banda. Con una introducción de armónica que inmediatamente te transporta al corazón del blues, la letra refleja el sentimiento de desilusión y vacío que a menudo acompaña a la vida moderna. La voz de Otero, cargada de emoción, se complementa perfectamente con la instrumentación de la banda, creando una atmósfera melancólica pero poderosa.

Otra pista destacada es "La flor más bella," una canción que, aunque mantiene la esencia blues, tiene un aire más optimista. Aquí, la banda muestra su capacidad para crear melodías pegajosas sin perder la profundidad emocional que caracteriza su música. La letra es un homenaje a la belleza y la complejidad del amor, y la interpretación de Otero es tanto apasionada como vulnerable.

"Nunca tuve tanto blues," la canción que da título al álbum, es quizás la mejor representación de lo que Memphis La Blusera estaba intentando lograr con este disco. Es una canción que encapsula la esencia del blues, pero con un toque rioplatense. La letra habla de la tristeza y la desesperación, pero lo hace con una ironía que es típicamente porteña. La interpretación de la banda aquí es sublime, con cada miembro contribuyendo al sentimiento de desolación que permea la canción.

El álbum también incluye "Qué clase de amor," una canción con una letra más introspectiva que examina las complejidades del amor y las relaciones. La guitarra de Emilio Villanueva se destaca en esta pista, con riffs que son a la vez dolorosos y hermosos, capturando la esencia del blues en cada nota.

Un momento más relajado llega con "Blues de las 6 y 30," un tema que, como sugiere el título, captura la monotonía y el cansancio de la rutina diaria. Es una canción que, aunque es simple en su estructura, tiene un impacto emocional profundo gracias a la honestidad de su letra y la autenticidad de su interpretación.

Finalmente, el disco cierra con "Pocoequivocado," una pista que resume el viaje emocional del álbum. Con un ritmo más animado y una letra que mezcla humor con reflexión, es una conclusión perfecta para un álbum que ha explorado tanto el lado oscuro como el luminoso de la vida.

La producción de "Nunca tuve tanto blues" está a cargo de Ricardo Pegnotti, quien hizo un trabajo sobresaliente al capturar la esencia de la banda. La producción es limpia pero nunca pierde la crudeza que es esencial para el blues. Cada instrumento tiene su espacio, y la voz de Otero está perfectamente situada en el centro, permitiendo que las emociones de las letras se transmitan con claridad y fuerza.

El sonido del álbum es un testimonio de la habilidad de Memphis La Blusera para tomar un género nacido en las orillas del Mississippi y hacerlo suyo, sin perder la autenticidad. La influencia de grandes bluesmen como Muddy Waters y B.B. King es evidente, pero siempre filtrada a través de la experiencia argentina, lo que resulta en un sonido que es a la vez familiar y único.

"Nunca tuve tanto blues" no solo fue un éxito comercial para Memphis La Blusera, sino que también fue crucial en la difusión del blues en español. El álbum abrió puertas para que el género fuera más aceptado y apreciado en el mundo hispanohablante, y mostró que el blues podía ser adaptado y transformado sin perder su esencia.

Este disco consolidó a Memphis La Blusera como una de las bandas más importantes de Argentina y les permitió seguir explorando y experimentando con su sonido en los años siguientes. Las canciones de este álbum siguen siendo parte fundamental de su repertorio en vivo y continúan resonando con nuevas generaciones de oyentes.

"Nunca tuve tanto blues" es una obra maestra del blues en español y un álbum fundamental en la historia de la música argentina. Es un disco que captura la melancolía, la belleza y la complejidad de la vida urbana, todo ello envuelto en un sonido que es a la vez universal y profundamente local. Para los amantes del blues y del rock, este álbum es imprescindible, una joya que sigue brillando más de tres décadas después de su lanzamiento.

Daniel 

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1338.- Poetas Andaluces - Aguaviva

El disco Poetas Andaluces de ahora de Aguaviva supone un regreso a las raíces del grupo, que va a usar como leitmotiv de este álbum conceptual su mayor éxito popular: Poetas andaluces, que va a sonar hasta tres veces con distintos arreglos; unos arreglos, por cierto sobresalientes, a cargo de José Nieto, que elabora unas instrumentaciones más elaboradas que en anteriores LP. Es menester comenzar diciendo que la canción, interpretada por Aguaviva, se convirtió rápidamente en un gran éxito generalizado tras su lanzamiento en 1969. Lo cual era casi más lógico en el extranjero (incluso se grabó una versión en inglés unos meses después) que dentro de las fronteras españolas, bajo los convulsos años finales de la dictadura.  Y sin embargo, Poetas andaluces escaló rápidamente las listas nacionales y obtuvo el favor del gran público, para asombro de un régimen que debió de alucinar ante la acogida a un tema cuya letra era un poema de... ¡Rafael Alberti! ¡Un poeta todavía vivo, en el exilio y comunista! (“no hemos ganado la guerra para que ahora se escuche a Alberti en nuestras radios”, parece que se llegó a decir). Por no mencionar su estilo casi experimental: ciertamente, ya habían precedentes de poemas musicados (por ejemplo, lo que Serrat acababa de hacer con Antonio Machado muy poco antes), pero ninguno de ellos era directamente recitado de manera literal con un trasfondo melódico.

Con fondo de guitarra andaluza, la voz del solista masculino (José Antonio Muñoz) recita versos de Rafael Alberti, con réplica primero de un coro femenino y después de un coro mixto. Está considerado un clásico de la música española contemporánea. La letra retoma los versos escritos por Alberti en 1950 en el poema Balada para los Poetas Andaluces. Se trata de una crítica soterrada a los poetas andaluces del momento por no alzar su voz frente a las injusticias que se vivían en la España de la época, Dos de los componentes de la banda, José Antonio Muñoz y Manolo Díaz, se desplazaron a Roma, donde vivía exiliado el escritor, para recabar su permiso para utilizar sus palabras en la canción. Alberti opuso inicial resistencia, ya que la crítica contenida en su texto ya había perdido vigencia, pues habían transcurrido 20 años desde que fue escrita, a lo largo de los cuales ya se habían alzado voces condenando el empobrecimiento y las injusticias del país. Pero finalmente consintió, siempre que se especificara que la letra había sido escrita en 1950. El tema, pese a contener versos de un autor en aquel momento proscrito por la dictadura en España, logró superar la censura de la época, pese a que algún comentarista radiofónico del momento, aun proclamó que no se había hecho una guerra (civil española) para oír la voz de un comunista en la radio de España. La canción tuvo un enorme éxito tanto en España como en los mercados internacionales, especialmente el italiano, en el que llegó a situarse en las listas de los más vendidos. En Italia participaron en varias ediciones del Festival de San Remo. La canción fue editada en formato sencillo, con el tema "Cantaré" en la cara B. Editaron un disco en Estados Unidos, "12 Who Sing of Revolution" (1971), en el que aparece la versión en inglés recitada por el actor Raúl Juliá.

1337.- Hurricane - Bob Dylan

Compuesta por Bob Dylan para denunciar la situación del boxeador Rubin Carter, acusado injustamente de haber cometido un triple homicidio, "Hurricane" se convirtió en la canción de más éxito de su álbum "Desire" (1976), y dio además a conocer públicamente el caso a través de su letra, desencadenando un apoyo popular que no habría tenido de no haber existido esta canción. Tras visitar a Carter en la prisión de New Jersey en la que se encontraba recluido, Dylan comenzó a escribir "Hurricane", tomando el título del apodo de Carter como boxeador de los pesos medios, e inspirándose para la letra en la lectura de "The Sixteenth Round", la autobiografía que el boxeador le había enviado.

El proceso de composición no fue fácil, y Dylan tuvo que cambiar parte de la letra y regrabar la canción, alertado por los abogados de la discográfica Columbia Records del alto riesgo de enfrentarse a una demanda por algunas de las frases de la versión original. Pese a los cambios realizados, una de las testigos del juicio demandó a Dylan, y la canción tampoco estuvo exenta de polémica al considerar sus detractores que el músico no había sido totalmente objetivo en la descripción del protagonista y lo había ensalzado por encima de sus logros reales, refiriéndose a Carter como "the number one contender" ("el aspirante número uno"), cuando en el momento de su detención estaba en el noveno puesto del escalafón mundial.

Alejado como estaba durante la década de los setenta de las temáticas de protesta social y política que poblaron sus mejores éxitos de la década anterior, "Hurricane" fue todo un soplo de aire huracanado que se convirtió en uno de los singles de más éxito de su carrera (llegó al puesto 31 del Billboard estadounidense), y generó además los fondos y la publicidad necesaria para abrir un nuevo proceso del caso, aunque Carter fue encontrado de nuevo culpable en 1976, y no obtuvo la libertad condicional hasta 1985. En 1988 los cargos fueron por fin retirados, poniendo punto final a "...la historia de un huracán, al que culparon las autoridades de algo que nunca hizo, y le encerraron en una prisión, pero una vez pudo ser campeón del mundo".

1336 - Mr. D.J. (5 for the D.J.) - Aretha Franklin

En 1975 Aretha Franklin lanza el álbum n.° 28, You, y su segundo álbum que no salió en CD ni llegó a los servicios de transmisión, You tiene sentido que se haya quedado en el olvido. Solo comercialmente, fue un desastre, llegando al puesto n.° 83 en las listas de éxitos del pop, aunque no tanto como parece, llegando al puesto n.° 9 en las listas de R&B. Lo que sugiere que tal vez su alma no encajaba con la suficiente fluidez en el panorama disco, a pesar de sus esfuerzos o era demasiado negro para cruzar a las listas generales. En realidad, ninguna de las anteriores. Arruinó el audio subiendo los BPM para impresionar al público disco y no sucedió. Dicho esto, las canciones están lejos de la calidad a la que estamos acostumbrados. Cada vez que veas un crédito de Van McCoy, se te aconseja que recuerdes lo increíblemente concurrido que puede llegar a estar, y cuando el sonido, producido por Aretha y Jerry Wexler, lo deja metálico y un poco estridente, es muy probable que haya sido intencional. Sin embargo, You es un buen álbum. Nadie diría que You es una obra maestra, y aun así es Aretha y Aretha en su mejor momento a los 33 años, luce impresionante en la portada del álbum y tiene la fuerza para transformar material de segunda categoría. Cuando llegas a la canción principal, no importa si es disco o funk, es una canción llena de suspenso, una fiesta de baile desenfrenada y Atlanta necesitaba lanzar esto.

La primera canción, la propia Aretha la borda, titulada “Mr. DJ (5 for the DJ)” es un buen momento de música disco y, sí, fue emocionante con sus palmas vocales, las interrupciones de los instrumentos de viento y los lamentos que se descontrolan. Esa es razón suficiente para lanzar el álbum en servicios de streaming, pero es una gran canción que no logró alcanzar las alturas que Aretha esperaba. Aretha le agrega una voz conmovedora y poderosa, pero la letra se queda corta. La canción solo alcanzó el puesto 53 en las listas de éxitos. Realizó una interpretación entusiasta y prolongada de “Mr. DJ” en The Midnight Special en 1976. “Mr. DJ (5 For The DJ)” fue una de las 4 canciones de los 5 LP de Aretha que se reeditaron. Fue remasterizada para el box set de 1994 The Queen of Soul: The Atlantic Recordings .

1335. - Out on the western plain - Rory Gallagher

Out on the Western Plain, Rory Gallagher

     Against the Grain es el quinto álbum de estudio del guitarrista irlandés de blues rock Rory Gallagher, lanzado en octubre de 1975. Fue su primer álbum con la discográfica Chrysalis Records. El título y la portada del álbum juegan con el concepto de "ir contra la corriente" (against the grain), reflejando tanto la textura de la madera de la famosa guitarra Stratocaster de Gallagher como su enfoque independiente en la industria musical. Gallagher siempre se mantuvo fiel a su estilo de blues y folk, evitando caer en la comercialidad. El álbum recibió críticas muy favorables, llegando la revista Rolling Stone a comparar a Gallagher con leyendas de la guitarra como Eric Clapton o Alvin Lee.

El álbum incluye una mezcla de temas originales y versiones, destacando entre ellos la versión de Out on the Western Plain, una versión de un tema tradicional de Lead Belly, un legendario músico de blues y folk estadounidense. Lead Belly, conocido por su estilo de tocar la guitarra de doce cuerdas y su poderosa voz, creó esta canción a principios del siglo XX. La canción es una balada que evoca imágenes del Viejo Oeste americano, un tema recurrente en la música folk y blues de la época, que exploraba la expansión hacia el oeste, la vida en las praderas y las figuras arquetípicas de ese periodo. La versión de Rory se destaca por su compleja técnica de guitarra, que incluye fingerpicking y slide guitar, lo que le da un sonido muy característico y auténtico. La letra de la canción habla de la vida en las vastas llanuras del oeste, evocando imágenes de paisajes abiertos y la libertad del campo.

La versión de Rory Gallagher es notable por su enfoque minimalista pero efectivo utilizando una guitarra acústica resonadora, un tipo de guitarra metálica que produce un sonido brillante y fuerte, ideal para el estilo slide que Gallagher dominaba como pocos. La canción mantiene un ritmo constante y un tono que remite a la sensación de vastedad y soledad del paisaje occidental. La canción nos dibuja una imagen clara del paisaje y la vida en el Oeste. Hablan de figuras emblemáticas como los cowboys, los cazadores de búfalos y la dura realidad de la vida en las llanuras. Rory Gallagher se mantiene fiel a la estructura y la temática original de la canción, pero lo hace dotando a la canción de su propia perspectiva y estilo artístico.

1334 - The Who - Squeeze Box

1335 - The Who - Squeeze Box

"Squeeze Box" es una canción que encarna la creatividad desbordante y la irreverencia musical de la banda británica The Who. Lanzada en 1975 como parte de su álbum The Who by Numbers, este tema se destaca por su combinación de un ritmo pegajoso y una letra llena de dobles sentidos. A pesar de que en su momento generó controversia por su connotación sexual, "Squeeze Box" se ha mantenido como una de las canciones más queridas del repertorio de la banda, gracias a su frescura y simplicidad.

Musicalmente, "Squeeze Box" es una especie de regreso a las raíces del rock and roll, con un enfoque más acústico y folclórico en comparación con los trabajos anteriores de The Who. La canción es impulsada por el sonido del acordeón, un instrumento poco común en el rock, que aquí es utilizado para evocar el ambiente de una polka o una pieza de música country, lo que le da un carácter alegre y despreocupado. Esta decisión estilística es un testimonio del deseo de la banda de experimentar con diferentes sonidos y estilos, alejándose momentáneamente de la grandilocuencia de sus obras más ambiciosas, como Tommy o Quadrophenia.

En cuanto a la letra, escrita por el guitarrista y principal compositor Pete Townshend, "Squeeze Box" juega con las imágenes y metáforas sexuales de manera sutil pero inconfundible. La historia que narra la canción es, en su superficie, sobre una madre que toca un acordeón ("squeeze box") en la casa, pero rápidamente se hace evidente que hay un doble sentido en juego. Esta mezcla de humor y picardía es un elemento distintivo de la obra de Townshend, quien a menudo utiliza la ironía y la sátira para comentar sobre temas más amplios. En este caso, la letra se puede interpretar como una reflexión sobre la sexualidad y las normas sociales, envuelta en una melodía pegajosa y alegre que desarma cualquier intento de censura directa.

A pesar de su tono ligero y desenfadado, "Squeeze Box" fue un éxito comercial para The Who, alcanzando altos puestos en las listas de éxitos tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos. La canción demostró que la banda, incluso en medio de luchas personales y cambios en su sonido, aún podía crear éxitos radiales que conectaban con un público amplio.

"Squeeze Box" es una muestra de la versatilidad de The Who, que con una canción aparentemente simple logró fusionar humor, crítica social y experimentación musical. Es una pieza que captura la esencia juguetona y audaz de la banda, y que continúa siendo un favorito tanto entre los fanáticos como entre los críticos.

Daniel 

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1333.- Feelings - Albert Morris

¿No es Morris Albert un nombre extraño para un brasileño? Sí. Es su nombre artístico, por supuesto. Su nombre real suena mucho más brasileño: nacido como Mauricio Alberto Kaisermann en São Paulo, el 7 de septiembre de 1951), es un cantante y compositor brasileño de ascendencia alemana, famoso por su canción hit de 1975, "Feelings". Nacido en el seno de una familia de inmigrantes austriacos, Albert empezó a dedicarse a la música tocando en varios grupos locales antes de lanzar su carrera en solitario como cantautor. Albert empezó su carrera cantando y tocando la guitarra en diversas bandas. En 1973, en una época en la que muchos artistas brasileños utilizaban nombres al estilo anglosajón intentando destacar en el mercado de Estados Unidos, Albert lanzó su primer álbum, que incluía "Feelings", la canción que finalmente le proporcionaría éxito mundial. Su primer álbum, publicado en 1975, fue un gran éxito que le llevó a lo más alto de las listas de éxitos. La canción que da título al álbum, la romántica y desgarrada balada "Feelings ", se convirtió en la canción de cabecera de Albert y en un éxito masivo en el auge del soft-rock y la música fácil de mediados de los 70. Desde entonces, Albert ha publicado una serie de canciones, entre las que se incluyen: "Feelings", "Feelings" y "Feelings". Desde entonces, Albert ha publicado una serie de singles, como "She's My Girl" y "Sweet Loving Man", así como álbumes como Once Upon a Man (1979), Beginnings(1983) y Lover(1999). En 2004 publicó Cuore, una colección de baladas pop en inglés e italiano. La canción que da título al álbum, un dúo con la cantante y actriz italiana Mietta, obtuvo éxito y sonó en la radio.

Albert, una estrella en Brasil, escribió y grabó “Feelings” a principios de 1975. Se convirtió en un gran éxito en Brasil, Venezuela, Chile y México, lo que demuestra que incluso América Latina tiene muchos bares de cócteles. RCA se apresuró a lanzarlo en los Estados Unidos y Gran Bretaña. El resto es historia. ¿Fue el mayor éxito de todos los tiempos? Técnicamente, no. Técnicamente, ni siquiera fue el mayor éxito de toda la semana. El 23 de agosto de 1975, alcanzó su punto máximo en el puesto número 6 de las listas de Billboard. Pero en realidad, no fue un mal desempeño dadas las circunstancias. Compitió contra “Jive Talkin” y “Rhinestone Cowboy”, por nombrar solo dos, pero el legado de “Feelings” sigue vivo hoy en día, ¿no? Sí, es cierto, tienes toda la razón. Se ha convertido en un clásico de los cantantes de salón de todo el mundo. La han grabado miles de artistas en docenas de idiomas. En un principio, Morris Albert tenía el mérito exclusivo de escribirla, pero en 1987 el compositor francés Louis Gaste demandó a Albert por “adaptar” (“copiar”) la melodía de la canción de Gaste “Pour Toi”. Gaste ganó la demanda y desde entonces figura como coautor. Algunos estudiosos creen que “Feelings” aborda el hastío generalizado de la existencia espiritual en la sociedad industrial moderna. Sin embargo, yo creo que “Feelings” trata en realidad de sentimientos, nada más que sentimientos.

1332.- Can't Hide Love - Earth, Wind & Fire

 

Can't Hide Love, Earth, Wind & Fire

      La banda Earth, Wind and Fire fue formada en 1969 por Maurice White, líder visionario del conjunto hasta que dejó de participar en giras en 1994. El grupo, junto al vocalista Philip Bailey, grabaron cuatro singles en Capitol Records bajo el nombre de The Salty Peppers, con escaso éxito en el mercado tanto en el plano comercial como en el artístico, en su intento por ubicarse dentro del nuevo sonido soul predominante a fines de los 60. A pesar de ello, el futuro acabaría siendo muy prometedor para estos inquietos músicos, siendo catalogados como poseedores de un espíritu intrépido, siendo capaces de pasar durante su dilatada actividad por prácticamente todos los estilos provenientes, directa o indirectamente, del jazz y del soul. Evolucionarían en pocos años desde el soul psicodélico del disco Earth, Wind and Fire (1971) hasta la colisión final con el sonido predominante de finales del siglo: suprimieron el free jazz de sus orígenes para grabar una docena de discos con claras raíces disco, su época más productiva. La evolución de Earth, Wind & Fire durante los años 70 ha seguido distintas corrientes prioritariamente en función de las orientaciones musicales de los dos cabezas pensantes de la formación: Maurice White y el productor, saxofonista y corista principal, Verdine White Jr.

En ese marco se encuadra la canción  Can'tHide Love, grabada originalmente por el efímero grupo de R&B Creative Source, que la publicó como su primer sencillo bajo el nombre You Can't Hide Love en 1973. Su versión llegó al puesto 114 en la lista estadounidense Billboard Hot 100, pero cuando Earth, Wind & Fire la grabó dos años después, la canción tuvo mejores resultados, llegando al puesto 39, siendo  nominada a un premio Grammy en la categoría de Mejor Arreglo Instrumental Acompañando a Vocalista.  La versión de Creative Source era de medio tiempo con sus tres cantantes femeninas compartiendo la voz principal. EW&F ralentizaron la canción y dividieron las tareas vocales entre Maurice White y Philip Bailey.  La versión de Earth, Wind & Fire fue producida por Maurice White y Charles Stepney, y se incluyó en el álbum Gratitude de 1975. Este álbum es una mezcla de grabaciones en vivo y de estudio, y Can’t Hide Love es una de las pistas de estudio que destaca por su sofisticada producción y arreglos. La canción trata sobre una chica que niega sus sentimientos por el cantante, quien le dice que no puede ocultar el amor que siente. Fue escrita por el compositor estadounidense Skip Scarborugh, y es una de las canciones favoritas de Earth, Wind & Fire en sus conciertos.  suele implicar la participación del público, especialmente durante el largo fundido final de la canción. El bajista del grupo Verdine White llegó a afirmar sobre la canción: "Cuando tocamos para nuestro público y ellos conocen la canción, hacen ese final sin nosotros. Simplemente ponemos el micrófono ahí arriba, todo nuestro público conoce esos cambios de acordes".

Disco de la semana 392: For the First Time - Black Country, new road

Lo que distingue a Black Country, new road de la mayoría de las bandas de la escena y en general es esta casi perfección de química pura sin filtros entre siete jóvenes adultos extremadamente talentosos y con mentalidad musical. La comprensión musical que tienen estas personas es francamente de otro mundo, juntos realizan un fuerte cóctel de noise rock, rock experimental, jazz, free jazz, pop, música tradicional de Oriente Medio y mucho más que llena tus oídos, Una ráfaga de influencias se extrae de este gigantesco caldero de absoluto amor y respeto por la música.

I. Instrumental: Con tambores tribales atronadores y un bajo monótono, el álbum irrumpe en tu puerta con un ritmo frenético, desesperado y casi asfixiante. No mucho después tenemos una línea de sintetizador que se repite y busca sin cambiar casi nunca, que se estrella y se adentra en la pista, es en este punto que te das cuenta de que las capas son el juego de BC NR, cada capa y dinámica fluye y se solidifica en lo mejor que hayas escuchado nunca. El ritmo avanza sin descanso con una percusión magistral y florituras de los otros seis antes de calmarse un poco y de estallar en un inmenso solo de saxo surrealista. Te sientes como si hubieras entrado en el peor viaje en una taza de té del mundo con 7 demonios girando y girando la maquinaria hasta este punto y se asienta en un outro ardiente y nos lleva directamente a II. Atenas, Francia, su primer single, que se lanzó a principios de 2019, ahora lo escuchamos con un nuevo traje, completamente regrabado y con las letras cambiadas. Al abrir con un riff irregular y una sección rítmica contundente, tenemos la primera aparición de la voz del líder Isaac Wood, y queda claro de inmediato que no se trata de la típica entrega vocal y fluidez. Comienza casi descontrolada y desenfocada y, como si acabara de entrar en la habitación completamente ajeno a la masacre absoluta de la pista anterior, crea una atmósfera bastante irreal y juega maravillosamente con la instrumentación frenética y frenética. Continuamos con esto antes de llegar de repente a una parte tranquila y tranquila mientras Wood divaga simplemente con fluidez. Hay algo de tensión de nuevo, pero rápidamente llegamos a este momento absolutamente hermoso y elevado con algunos saxofones ligeros flotando sobre un ritmo de batería sabroso y un riff de guitarra centelleante antes de que la canción se resuelva naturalmente y estemos en el III. Science Fair, fundiéndose con un bajo y una batería con groove, una guitarra ruidosa y estridente comienza a dominar instantáneamente y de repente se corta de nuevo, mientras una guitarra rítmica tranquila se une a un saxofón y un violín en un hermoso dueto, creando el ambiente perfecto para que Wood comience a contar la historia de conocer a una chica en una feria de ciencias, riffs apasionados sobre cómo nuestro narrador prendió fuego a una chica en la feria de ciencias mientras suena "el segundo mejor acto tributo a Slint del mundo". Es una imagen surrealista mientras la música hipnótica continúa de fondo, creciendo hasta convertirse en un colapso histérico con un solo de saxofón que solo puede describirse como John Coltrane con esteroides cayendo directamente a una línea de sintetizador absolutamente desagradable. Las imágenes surrealistas continúan mientras la canción se transforma y crece y la claustrofización y la asfixia continúan, casi como si estuvieras bajo el agua en un videojuego a punto de ahogarte. Otro colapso perfecto mientras Wood grita "¡Es un país negro ahí fuera!" Una y otra vez, se produce un gran colapso con otra euforia épica del saxofón, qué belleza de lado A, es hora de dar vuelta el disco.

 IV. Sunglasses fue el segundo sencillo lanzado a mediados de julio de 2019, como Atenas, Francia, ha visto una nueva grabación y se han cambiado las letras, una señal de madurez y también un paso vital ya que las letras anteriores estaban relacionadas con acusaciones de agresión sexual contra un miembro de la mayoría de las bandas anteriores de BC,NR, pero las nuevas líneas tienen la misma fuerza, si no más. La característica nueva más sorprendente es una introducción de solo de guitarra distorsionada y aireada que conduce directamente a ese dulce y dulce riff de guitarra. El sonido de la guitarra es absolutamente impecable y sería difícil encontrar a alguien en el mismo nivel. Solo un minuto más o menos en la canción real ya puedes decir que este es un momento enorme, hay algo tan inmensamente innegable en él. Desde el riff hasta el groove absolutamente impresionante. Wood entra en escena exclamando "Bienvenido al mejor drama criminal danés de seis partes" y continúa con un riff frágil que muestra hasta ahora la mayor emoción del disco. Entramos en una pequeña parada de descanso mientras algunos hermosos saxofones entregan un riff angelical mientras la batería y la guitarra disminuyen la velocidad por un momento mientras Wood habla sobre su madre exprimiendo sandías y agarrando un nutribullet, todo es un momento de ensueño mientras la música se construye lentamente para acompañar el cada vez mayor divagación y desvarío frenético de Wood y se establece en un momento absoluto de felicidad antes de que las cosas se vuelvan amargas y la pista de repente implosiona sobre sí misma rompiéndose y luego un solo acorde de guitarra corta a través del lodo reiniciando completamente la canción entramos en la segunda parte de la canción. La batería entra con mucha más confianza y se establece en un ritmo innegable mientras el acorde simplemente se niega a soltarse y Wood habla de ser un completo desastre pero seguir adelante, como si dijera que la primera mitad fue la mierda que estaba pasando y este es el amanecer y pensar con claridad sobre lo que acaba de pasar y darse cuenta de que las cosas nunca volverán a ser lo mismo. El bajo retumba en un momento hermoso en el que una vez más se recuerda lo increíble que es esta gente para superponer y construir música, se escucha un desesperado siseo de saxofón mientras otro instrumento se suma y el caos se genera una vez más, antes de alcanzar un pico absolutamente asombroso de bloqueo en un ritmo mortal, entre gritar sobre Kanye y Scott Walker y ser invencible con sus gafas de sol, Wood repite "deja tu sertralina en el gabinete y quema lo que quede de todas las tarjetas que guardaste" y se abre paso como un inmenso momento de claridad debajo de las capas de divagaciones lunáticas hipnóticas, la canción avanza mientras suena "ella vende estelas químicas a los estudiantes de Bedales" mientras el ritmo de la batería vuelve a asentarse en algo similar a la primera mitad, solo que infinitamente más maravilloso. La pista llega a su final después del inmenso clímax, llevándonos a V. Track X que es tal vez la sorpresa del álbum, abre con un riff discreto y algunos tintineos de violín mientras Wood recita las letras más íntimas del álbum abriendo la canción con "tienes unas caderas estupendas, he estado temblando desde entonces" continuando con temas de desamor y un amor adolescente tonto que quizás nunca se haya ido después de todo, junto con referencias bíblicas al sacrificio de cabras y referencias a compañeros de jerskin y midi negro, todo envuelto en el momento más hermoso del álbum, es la balada, la que no tiene batería. Y lo logran perfectamente con impresionantes coros agradables y canto melódico (en términos bc, nr) y una gran acción de dúo de violín y saxo. El coro es una verdadera belleza. Es un número lento y sombrío ubicado entre los dos mamuts del lado B, un respiro, un momento para disfrutar de la belleza, una línea de sintetizador arrolladora lo reproduce antes de llegar rápidamente al final, VI. Opus aparentemente otra balada o un número lento a primera vista pero... 40 segundos en el tono cambia antes de que lenta pero también aterradoramente rápido cambie el ritmo a un toro veloz que pisotea el freno esperando ser liberado y causar una carnicería, se acumula durante otros 30-50 segundos antes de explotar en un ritmo loco que suena como una banda de gitanos perseguidos por lobos rabiosos. Es increíblemente frenético y tan rápido como sucede, cambia dinámicamente de nuevo al silencio mientras Wood recuerda el pasado y habla de lo valiente que alguna vez fue mientras la pista literalmente bordea y grita para volver a ese riff RIDÍCAMENTE increíblemente asombroso, todo el infierno se desata de nuevo y la salvaje persecución gitana continúa una vez más antes de un cambio al silencio nuevamente. Sigue queriendo desesperadamente llegar a esa cima de nuevo y en cierto modo se siente como un borde musical mientras una energía intensa llena el aire, parece entrar en un falso apagón pero no, estás muy equivocado mientras los instrumentales explotan entre Wood admitiendo que todos están subiendo mientras que él tal vez llega un poco tarde a la fiesta y debería tener algo más que decir, y ahora todo lo que se ha construido debe caer ante la llama ascendente mientras los saxofones suenan y una euforia sensorial completa inunda al oyente en un glorioso clímax final como si todo el álbum hubiera estado avanzando durante 40 minutos hacia esta eyaculación y fuera solo la confirmación final absoluta de que todos acabamos de escuchar el nacimiento de un álbum clásico. Lentamente se adormece como si nada hubiera pasado, yéndose tan silencioso como llegó, confirmando una vez más este enigma que es BC,NR.

 Es difícil describir lo que has escuchado incluso después de mi, al momento de escribir esto, vigésima escucha en dos días del álbum que salió. Es un hermoso y loco lío de jóvenes adultos que viven y respiran absolutamente lo que hacen, entregando una visión absolutamente fresca del movimiento más emocionante en la música actual. Simplemente no hay nadie ahí afuera que lo haga como esta gente. Lucho por asimilar que son 7 personas de apenas 20 años con técnica, química y habilidad en este nivel de locura. No hace falta decir que estoy extremadamente emocionado por lo que sea que venga después, este es uno de los debuts más interesantes de los últimos años y es un comienzo brillante y prometedor para una de las bandas más emocionantes del mundo. Te lo prometo, no dejes que este te pase de largo.

1331 - Parliament - P-Funk

1331 - Parliament - P-Funk

La canción "Parliament" de la legendaria banda Parliament-Funkadelic, comúnmente conocida como P-Funk, es una obra que encapsula la vibrante esencia del funk de los años 70. Liderada por el visionario George Clinton, esta agrupación rompió moldes en la música al fusionar el funk tradicional con elementos del rock psicodélico, el soul, y una pizca de ciencia ficción. El resultado fue un sonido único que no solo definió una era, sino que también dejó una huella indeleble en la historia de la música.

"Parliament" es un claro ejemplo de la habilidad del colectivo para crear un groove irresistible, cimentado en líneas de bajo profundas y ritmos sincopados que invitan al oyente a moverse. La base rítmica es sólida y poderosa, con un enfoque en el bajo y la batería que crea una atmósfera casi hipnótica. Esta es complementada por el uso innovador de sintetizadores, que añaden capas de textura y complejidad al sonido. Los efectos espaciales y las distorsiones, características del estilo de P-Funk, transportan al oyente a una dimensión casi futurista, reforzando la reputación de la banda como pioneros en el uso de la tecnología en la música.

Las voces en "Parliament" también son un elemento clave que no debe pasarse por alto. Las armonías vocales y los coros colectivos reflejan una energía comunitaria y festiva, que es una de las marcas distintivas del grupo. George Clinton y su equipo usaban estos coros como una forma de celebrar la cultura afroamericana, así como de explorar temas de libertad y resistencia. A menudo, las letras de P-Funk pueden parecer surrealistas o abstractas, pero detrás de esa fachada, hay mensajes profundos sobre la autodeterminación y el empoderamiento, que resonaban fuertemente con el clima social y político de la época.

Un aspecto fascinante de "Parliament" es su capacidad para trascender el mero entretenimiento y convertirse en un vehículo de comentario social. En una época marcada por la lucha por los derechos civiles y la búsqueda de la identidad cultural, la música de P-Funk ofrecía una visión alternativa y afirmativa del futuro. Esto se ve claramente en la estética del grupo, que combinaba elementos afrofuturistas con una fuerte dosis de humor y teatralidad.

El impacto de "Parliament" y de P-Funk en general se siente en muchos géneros musicales que surgieron después, especialmente en el hip hop. Artistas de todas las épocas han sampleado y rendido homenaje a su trabajo, reconociendo la influencia perdurable que ha tenido en la forma en que entendemos la música funk y la cultura pop en general.

"Parliament" no es solo una canción; es un testamento del poder creativo de George Clinton y su colectivo. A través de su innovación sonora y su capacidad para capturar el espíritu de una época, P-Funk se ha consolidado como una de las fuerzas más influyentes y duraderas en la música moderna. La canción es una celebración del funk en su forma más pura, una obra maestra que sigue resonando con fuerza en el panorama musical contemporáneo.

Daniel 

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1330.- Nuevo Dia - Lole y Manuel

Lole y Manuel fueron unos artistas fundamentales que dieron un vuelco al flamenco tradicional aportando frescura y nuevos aires a uno de los géneros más genuinos del mundo entero. La particular voz de Lole Montoya y el duende de Manuel Molina fueron capaces de romper esquemas ancestrales sin perder por ello el respeto que la tradición merece. Las letras del poeta José Manuel Flores engalanaban de pura sensibilidad los paisajes sonoros que Molina recreaba enarbolando su guitarra al viento. El resto del mérito hay que atribuírselo al bueno de Ricardo Pachón, otro loco visionario anticipado a su tiempo que les produjo sus tres primeros discos. Lole y Manuel, dúo flamenco formado por: Dolores Montoya Rodríguez, Lole, cantaora y nacida en Sevilla (1954), junto con Manuel Molina Jiménez, nacido en Ceuta (1948), guitarrista, compositor y cantaor. Pareja artística por raíces y formación, no en vano, Lole es hija de la temperamental cantaora y bailaora Antonia Rodríguez Moreno, "La Negra" y del bailaor Juan Montoya, mientras que Manuel es hijo de Manuel Molina Acosta, conocido como "El Encajero". Criados entre cante y genio de casta gitana, desde pequeños y antes de conocerse han estado en contacto con el mundo del espectáculo. Ella, bailaora en los tablaos de su Sevilla natal; sin embargo, él, más precoz y curtido en otros lares fue acompañante con 12 años de Chiquetete y Manolo Domínguez "El Rubio" en el trío de Los Gitanillos del Tardón, o guitarrista tras la mili del grupo de rock andaluz Smash. Estupendos aperitivos en ambos casos de lo que sus portentosas personalidades fusionadas llegarían a producir.

1972 es la fecha clave de su nacimiento artístico y sentimental, y 1975 el momento fijado para la publicación de su debut. Nuevo Día representó una revolución y un disco a contracorriente de su tiempo, el ejemplo de un nuevo flamenco joven. Sus letras no entraban en el contexto de la transición, nada de política o cantos a la libertad, sino más bien un discurso hippie plagado de amor o paz, nutrido de la deliciosa pluma del poeta José Manuel Flores y opuesto a lo habitual. La canción que da titulo al disco es una joya, Nuevo dia tiene un espectacular inicio que no deja lugar a la indiferencia: un tímido chelo primero y después toda una troupe de violines que arrastran consigo el alba acompañan la voz orgullosa de Lole Montoya mientras desgrana sílaba a sílaba unos versos inolvidables: “El sol joven y fuerte / ha vencido a la luna / que se aleja impotente / del campo de batalla” (…) Y ahí encaja la renovación lírica de las letras de Juan Manuel Flores, llenas de bellos motivos campestres que conectan con el espíritu del hippismo que impregnaba la escena internacional (…) “Lole y Manuel han hecho una música que todavía no se ha entendido”, dice la Lole de ahora. De ahí en adelante, seis discos defensores a ultranza de su estilo personal han completado una carrera que en 1995, con la realización del disco Una Voz y una Guitarra, selló su punto final. Pareja de revolucionarios y eternos horizontes, son cátedra viva de un flamenco que les debe privilegios y desmedido reconocimiento, a una labor insondable que en gran medida es culpable de su actual evolución.

1329 - Queen - Love of My Life

1330 - Queen - Love of My Life

"Love of My Life" es una de las baladas más emblemáticas de Queen, lanzada como parte de su álbum de 1975 *A Night at the Opera*. Compuesta por Freddie Mercury, la canción destaca no solo por su melodía suave y conmovedora, sino también por la profundidad de sus letras, que capturan el dolor, el amor y la nostalgia de una relación perdida.

Desde el primer acorde, "Love of My Life" cautiva con su introducción acústica, interpretada por Brian May, que establece un tono íntimo y melancólico. La simplicidad instrumental, centrada en la guitarra acústica y más tarde complementada por el piano, permite que la voz de Mercury brille en su máxima expresión. Freddie Mercury, conocido por su poderosa y versátil voz, entrega una interpretación cargada de emoción, proyectando una vulnerabilidad que contrasta con su imagen habitual de showman extravagante. Su interpretación es tan sincera y apasionada que logra conectar con el oyente a un nivel profundo, transmitiendo el sentimiento de pérdida y añoranza con una autenticidad que solo los grandes artistas pueden lograr.

Las letras de "Love of My Life" son, en esencia, una súplica de reconciliación. La canción aborda la desesperación de perder a alguien amado y el deseo de volver a estar juntos. Mercury canta: "Bring it back, bring it back, don't take it away from me, because you don't know what it means to me" (Devuélvemelo, devuélvemelo, no me lo quites, porque no sabes lo que significa para mí). Estas líneas, cargadas de dolor y anhelo, resuenan con cualquiera que haya experimentado una ruptura o la pérdida de un ser querido. Aunque Mercury nunca reveló oficialmente a quién estaba dirigida la canción, muchos especulan que estaba inspirada en su relación con Mary Austin, una persona muy cercana a él durante gran parte de su vida.

En los conciertos en vivo, "Love of My Life" se convirtió en un momento icónico para la banda y sus fans. Durante las giras, era común que Freddie Mercury dirigiera al público, permitiendo que los asistentes cantaran partes de la canción, creando una atmósfera de unidad y emoción compartida. Este ritual en vivo solidificó la canción como una de las favoritas del público y un himno para los seguidores de Queen.

"Love of My Life" es más que una simple balada de amor; es un testamento al talento de Freddie Mercury como compositor e intérprete. La canción logra capturar la esencia del amor perdido y la fragilidad humana, resonando a lo largo de generaciones. Su atemporalidad y la universalidad de sus temas aseguran que seguirá siendo una pieza central en la discografía de Queen y en los corazones de sus admiradores por muchos años más.

Daniel 

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1328.- You're my best friend - Queen

Elegir una continuación de “Bohemian Rhapsody”, que rápidamente se convirtió en uno de los sencillos más vendidos de todos los tiempos después de su lanzamiento, el 31 de octubre de 1975, habría sido un desafío para cualquier banda. Sin embargo, Queen tenía la respuesta: una pegadiza canción de amor escrita por su bajista, John Deacon, y que recibió el nombre de “You're My Best Friend”. Deacon escribió una sola canción para A Night At The Opera , el cuarto álbum de estudio de Queen, “You're My Best Friend” fue escrita sobre su esposa, Veronica Tetzlaff, una ex maestra en prácticas de Sheffield, y resultó ser un éxito duradero.

La canción expresaba su devoción en una letra sincera: “Eres mi sol y quiero que sepas/Que mis sentimientos son verdaderos/Realmente te amo/Oh, eres mi mejor amiga”. Freddie Mercury dijo que siempre le gustó “el estilo casi Tamla Motown de las canciones de Deacon”. El bajista de la banda escribió la canción en casa. “A Freddie no le gustaba el piano eléctrico, así que me la llevé a casa y comencé a aprender con el piano eléctrico y básicamente esa es la canción que salió cuando estaba aprendiendo a tocar el piano”, dijo Deacon. “Fue escrita en ese instrumento y suena mejor en él”. La canción, que presenta arreglos ingeniosos que muestran la brillante armonización de la banda, fue grabada en agosto de 1975 en Londres. La hábil batería de Roger Taylor, con bajo, caja y charles, combinaba bien con el bajo Fender de Deacon. “John no escribió muchas canciones, pero cuando lo hizo –como con 'Another One Bites the Dust' y 'I Want To Break Free'– fueron grandes éxitos”, dijo May. “'You're My Best Friend' se convirtió en uno de los temas más escuchados en la radio estadounidense. El éxito del vídeo de Bohemian Rhapsody convenció a la banda de volver a utilizar esa herramienta promocional. El clip de You're My Best Friend, que muestra a la banda en un enorme salón de baile, con una lámpara de araña brillante y rodeada de más de mil velas, fue dirigido por Bruce Gowers. Se filmó en los estudios Elstree de Londres durante un día de primavera inusualmente cálido. No había aire acondicionado y el calor de las velas y las luces hizo que la sesión fuera incómoda. Para el vídeo, Deacon tocó un piano de cola, el mismo instrumento que Mercury utilizó cuando interpretó la canción en concierto. “Me negué a tocar esa maldita cosa”, dijo Mercury sobre el piano eléctrico. “Es diminuto y horrible y no me gustan. ¿Por qué tocarlos cuando tienes un piano maravilloso?” La canción de Queen ha aparecido en numerosas películas y programas de televisión, incluidos Los Simpson , Padre de familia y EastEnders . La dulce balada de Deacon, que también se reproduce al final de la parodia de la película de zombis Shaun Of The Dead , también ha sido versionada por otros artistas, incluidos The Supernaturals (1997) y Stevie Ann (2014). Décadas después del éxito de “You're My Best Friend”, Deacon vive tranquilamente en Londres y todavía está casado con Verónica, el amor de su vida, con quien crió seis hijos. “Si no has aprendido el significado de la amistad, en realidad no has aprendido nada”, dijo el boxeador Muhammad Ali, otro hombre capaz de conseguir grandes éxitos en los años 70. La canción de Deacon sigue siendo una de las más populares jamás escritas sobre el tema.

1327.- Bohemian Rhapsody - Queen

"Bohemian Rhapsody" fue compuesta por Freddie Mercury para el álbum "A Night at the Opera" (1975) de la banda británica de rock Queen, y pese a su compleja y poco convencional estructura, más cercana a una rapsodia clásica que a las estructuras típicas de la música pop que marcaban las radiofórmulas, fue publicada también como sencillo, convirtiéndose en un gran éxito comercial que se mantuvo en lo más alto de las listas británicas durante nueve semanas, en un primer puesto que volvería a ocupar en 1991 tras el fallecimiento de Freddie Mercury, convirtiéndose en el tercer sencillo más vendido en la historia del Reino Unido. El éxito de la canción fue todo un hito y una gran sorpresa para muchos, considerando que "Bohemian Rhapsody" carece de estribillo y es una canción de larga duración compuesta de varias partes: una introducción al piano, un tramo de balada, un solo de guitarra, una sección operística, un tramo rockero y finalmente una coda que recupera el ritmo y tono de la introducción.

En contra del proceso habitual de composición de las canciones del grupo, que solían trabajarse e ir creciendo en el estudio, Mercury compuso "Bohemian Rhapsody" casi en su totalidad en su domicilio de Londres. La canción y sus diferentes tramos estaba en su cabeza, y el resto de miembros de Queen se esforzaron por convertir sus ideas y sus letras en una realidad, lo cual supuso una tarea extremadamente compleja que llevó más de tres semanas en el estudio, porque Mercury pretendía romper con las convenciones del rock y seguir un enfoque operístico totalmente innovador. Para lograrlo, Freddie Mercury, Brian May y Roger Taylor dedicaron hasta doce horas diarias a grabar las voces y coros, utilizando 180 grabaciones distintas que se sobregrabaron y mezclaron para crear la grandiosidad vocal que puede escucharse en "Bohemian Rhapsody".

La canción comienza con un canto a capela, y aunque en el video de la canción se vea a los cuatro integrantes de Queen cantando, esa parte se creó superponiendo cuatro cintas con la voz de Freddie Mercury.​ La letra cuestiona si la vida es "real" o "sólo fantasía", antes de concluir que "no hay escape de la realidad", antes de que haga su entrada el piano de cola de Mercury y comience el espectacular despliegue de música y voces de la canción. Con la entrada del bajo de John Deacon, da comienzo el tramo de balada en tono desesperado, marcada por el ritmo y del piano de Freddie Mercury. El narrador explica a su madre que acaba de matar a un hombre con "una pistola contra su cabeza", y que con ello ha arruinado su propia vida.​ La batería de Taylor se incorpora a la canción, mientras el narrador pide perdón a la madre por sus acciones y por haberla hecho llorar, despidiéndose a continuación del mundo y preparándose para "enfrentarse la verdad".

El mítico solo de guitarra de esta canción llega al tiempo que Mercury canta "I sometimes wish I'd never been born at all" ("A veces desearía nunca haber nacido"), momento en el que la banda sube la intensidad de la interpretación y Brian May ejecuta el que está considerado el vigésimo mejor de la historia en el Reino Unido. Con las pastillas del mástil y central desfasadas, May logró eliminar gran parte de las frecuencias graves, obteniendo un timbre tan agudo que parecía que la guitarra estuviera gritando, creando un dramático puente sonoro para el tránsito del narrador hacia un extraño mundo, un descenso a los infiernos representado por el tramo operístico, en el que se desplegaron la mayor parte de los efectos y de las múltiples grabaciones superpuestas. En este punto, Queen crea un auténtico muro de sonido a través de voces que van magistralmente de lo grave a lo agudo, mientras la letra hace referencia a Scaramouche, Galileo, Fígaro Magnífico (refiriéndose al Magnificat de Bach) y Bismillah, personajes que luchan por el alma del narrador, hasta concluir con un gran coro cantando el verso "Beelzebub has a devil put aside for me" ("Belcebú tiene un demonio reservado para mí").

Esa frase da entrada al tramo de música rock en el que la guitarra de Brian May predomina sobre el resto, y Freddie Mercury canta de manera rabiosa sobre la traición y el engaño que el narrador siente haber recibido por parte del diablo, que le ha empujado a la situación en la que se encuentra, antes de que la canción desemboque en una coda en la que regresa al tiempo y la forma de la introducción y la balada, con Mercury cantando de nuevo "nothing really matters" ("nada realmente importa") en un intenso momento de resignación o de libertad final en la que, después de todo lo pasado, ya nada realmente puede afectarle, lo cual puede apreciarse en la frase final "Anyway the wind blows" ("de todos modos, el viento sopla").​ Es un final sobresaliente para una canción de la que se han hecho numerosas lecturas sobre el significado de su fatalista letra. Las más repetidas hablan del momento personal que atravesaba Mercury, que tras una relación con Mary Austin durante siete años, estaba afrontando sus primeras experiencias homosexuales, y se debatía entre sentimientos encontrados de deseo y de culpa, emociones que se entremezclan y se filtran a raudales en los versos de "Bohemian Rhapsody", su auténtica obra maestra.

Disco de la semana 391 - Saviors - Green Day

"El Retorno de los Días Verdes" bien podría ser el título de una novela romántica y de época, pero no es más (ni menos) que la vuelta de Green Day a sus mejores registros desde los tiempos de "American Idiot" (2004) y "21st Century Breakdown" (2009), las dos óperas punk rock conceptuales con las que asaltaron la década de 2000. Desde entonces, varios han sido los intentos de, por un lado, alejarse de estructuras musicales complejas y volver a la senda del punk rock directo y desenfadado de sus primeros discos, y por otro, de acercarse al nivel de uno de ellos, el aclamado Dookie (1994).

Tras otra década marcada por varios intentos fallidos, que se quedaron en buenos discos o, peor aún, en discos simplemente aceptables, la banda estadounidense liderada por Billie Joe Armstrong parece haber dado al fin con la tecla en "Saviors" (2024), su decimocuarto disco de estudio, publicado por la discográfica Reprise Records, un álbum en el que vuelven a contar con Rob Cavallo, que precisamente trabajó con ellos en los mencionados Dookie (1994) y American Idiot (2004), y con el que no habían coincidido desde la grabación de Tré! (2012).

Grabado en Londres y Los Angeles, la primera intención de la banda fue titularlo "1972", como homenaje al año de nacimiento de sus tres componentes, y así se publicitó en algunos posts iniciales, allá por el año 2021, pero finalmente el título cambió a Saviors, el título de una de los quince temas que finalmente engrosaron el disco, sin una idea o concepto general que las una o relacione entre ellas. Son, simplemente, quince retazos de punk rock desenfadado y sin pretensiones, casi todas ellas por debajo de los cuatro minutos de duración.

El disco comienza con "The American Dream Is Killing Me", que es precisamente la primera canción que se escribió para el álbum y el single de lanzamiento de "Saviors". Compuesta y grabada algún tiempo atrás, inmediatamente vieron en ella el potencial para ser el single principal, y tuvieron que mantenerla guardada con siete llaves para que no viera la luz hasta el momento de ser publicada. Musicalmente, es una memorable y típica canción "Made in Green Day" de riff pesado y estribillo de himno para corear en directo, con la inevitable carga de crítica social y política hacia el tradicional sueño americano, convertido en la canción y en el video promocional en una pesadilla de zombies vivientes vagando por las calles.

Le sigue a continuación el segundo single del disco, "Look Ma, No Brains!", una canción que según Billie Joe Armstrong es su favorita del álbum, y que nada tiene que envidiar a su antecesora o a muchas de las grandes canciones de punk rock que el músico californiano ha escrito a lo largo de sus ya más de treinta años de trayectoria. "Bobby Sox" sigue la misma línea desenfadada y sin grandes pretensiones, con una letra aún más sencilla y un video que lo dice todo acerca de las intenciones de sus autores, tocar y divertirse en una fiesta. Con algo más de empaque en las letras ("La vendetta es mi amiga, la venganza es más dulce que el vino") llega otro de los grandes temas del disco, "One Eyed Bastard", que fuera cuarto single y que transforma el estribillo de una canción de Pink ("Nananana..., I'm gonna start a fight") en un intenso riff de guitarra y bajo que encaja a la perfección con el intenso ritmo de una canción de pegadizo estribillo y renovada actitud punk.

Capítulo especial merece "Dilemma", el que sería tercer single de "Saviors", otra de las canciones "Made in Green Day" que se convertirá sin duda en imprescindible en conciertos y listas de reproducción de la banda. En poco más de tres minutos, Green Day entregan otro de sus clásicos, con el efectivo estribillo de "I don't wanna be a dead man walking" ("No quiero ser un muerto viviente") planeando sobre nuestras cabezas, relatando la lucha y los conflictos de un alcohólico fiestero que se debate entre períodos de sobriedad y episodios de desenfrenada farra.

"1981" es punk rock californiano en estado puro y despachado en poco más de dos minutos, un chorro de intenso aire fresco antes de bajar un poco los decibelios en con "Goodnight Adeline", más comercial en el buen sentido de la palabra, y más trabajada a nivel de solos y estructuras rítmicas más pausadas. En "Coma City" vuelven a la carga en cuanto a intensidad, pero la sensación es que no consigue llegar al nivel de los temas previos del disco. Lo mismo podría decirse de la correcta "Corvette Summer", con la que conforma un tramo del disco que tiene cierto aire a período "valle". No importa demasiado, porque recobran el pulso en el momento justo con "Suzie Chapstick", una de esas canciones con las que solo puedes quitarte el sombrero y entender por qué les sigues siguiendo y admirando después de tantos años.

El punk rock directo y de estribillo pegadizo sigue presente en temas como "Strange Days Are Here to Stay" y las guitarras pesadas pueblan la intensa "Living in the '20s", pero la siguiente parada reseñable la encontramos en "Father to a Son", en la que la añoranza y el recuerdo de la figura paterna en las letras nos trasladan a temáticas de hits anteriores como el ya clásico "Wake me up when September ends". A estas alturas, y salvo un par de momentos menos reseñables, el disco ya ha alcanzado el notable alto, y "Saviors" mantiene el nivel sin elevarlo especialmente, lo que demuestra que la decisión de titular el disco así no obedecía a ninguna razón excesivamente trabajada, y y que hay un buen puñado de canciones que podrían haber tenido ese mismo honor.

Y una de ellas podría haber sido, por qué no, "Fancy Sauce", la canción más larga del disco, por ser la única que llega a los cuatro minutos, que cierra el disco con cierto aire a himno pero sin excesivos alardes, pues no tienen cabida en un disco que prefiere ir directo y al grano a lo largo de sus cuarenta y seis minutos de duración, en los que Billie Joe Armstrong, Mike Dirnt y Tré Cool se dedican a hacer lo que mejor sabe hacer, algo que, de cuando en cuando, y aunque a veces tengan que pasar diez años, es una obra que se acerca a la perfección de épocas más verdes y fértiles, que con "Saviors" parecen al fin de vuelta.

1326 - Queen - I'm in Love with My Car

1327 - Queen - I'm in Love with My Car

"I'm in Love with My Car", lanzada en 1975 como parte del álbum *A Night at the Opera* de Queen, es una pieza que resalta no solo por su inusual temática, sino por su capacidad para transformar lo que podría parecer un tema trivial en una celebración apasionada de la velocidad y la máquina. Escrita y cantada por el baterista Roger Taylor, la canción se aleja de los temas románticos convencionales para sumergirse en un afecto ferviente hacia un automóvil, un Alfa Romeo según algunas interpretaciones.

La apertura con un ritmo fuerte y el sonido de un motor rugiendo marcan inmediatamente el tono de la canción. Taylor, conocido por su amor por los coches, compone una oda a la libertad que siente al volante, algo que muchos fans de la banda, y de los autos en general, pueden entender. La letra, aunque simple a primera vista, es un testamento de esta conexión casi espiritual entre el hombre y la máquina, personificando al coche como un objeto digno de devoción y admiración. Líneas como "Told my girl I’d have to forget her, rather buy me a new carburetor" ilustran un humor seco, mientras revelan la seriedad de su sentimiento.

La interpretación vocal de Taylor es feroz y apasionada, capturando perfectamente la sensación de aceleración y el pulso rápido de la carretera. Su tono áspero contrasta con la voz más refinada de Freddie Mercury, que suele dominar las canciones de Queen. Esto le da a la canción un carácter distintivo dentro del álbum, destacando su independencia estilística. En lugar de suavizarse para encajar en el molde del sonido más grandioso y teatral del resto de *A Night at the Opera*, Taylor se mantiene firme en su estilo directo y energético.

Musicalmente, la canción también se destaca por su estructura simple pero efectiva. El riff de guitarra de Brian May es poderoso y contundente, reforzando la sensación de poder y movimiento que evoca la letra. La percusión, por supuesto, es otra pieza clave, con Taylor manejando tanto la batería como las voces, lo que le da una coherencia y unidad que resuena a lo largo de la canción. Esta cohesión entre la letra, la música y la producción es lo que hace que "I'm in Love with My Car" sea más que una simple canción sobre un coche; es una declaración de amor que, aunque centrada en un objeto inanimado, está cargada de emoción genuina.

"I'm in Love with My Car" es un testamento de la versatilidad de Queen y del talento de Roger Taylor como compositor. No solo es una curiosidad dentro del catálogo de la banda, sino una pieza que ejemplifica cómo la música puede capturar y transmitir incluso las pasiones más inesperadas con intensidad y autenticidad.

Daniel 

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1325.- Hablo de una tierra - Granada

Granada fue una banda madrileña pionera del rock sinfónico, que solo estuvo en activo entre 1974 y 1979. Liderados por el multi instrumentista Carlos Cárcamo, ex miembro del grupo underground madrileño Skorpis, publicaron tan solo tres discos de estudio, de los cuales el más destacado fue "Hablo de una tierra" (1975), su excelente disco de debut, en el que despliegan una original mezcla de flamenco y rock progresivo a lo largo de seis temas de exuberante instrumentación, destacando especialmente el uso del mellotrón y la flauta, esta última con una clara influencia de Jethro Tull.

Inicialmente, el grupo estaba integrado por Carlos Cárcamo (flauta, violín, piano acústico y eléctrico, mellotrón, clavicordio, guitarra de 12 cuerdas, percusión y voz., el bajista Chicho y el batería Buji, pero a lo largo de su breve trayectoria, Cárcamo fue realmente el único miembro fijo y los músicos fueron cambiando en cada proyecto, algo que acabó influyendo negativamente en la estabilidad y la identidad del grupo.

A lo largo de los más de seis minutos de duración de "Hablo De Una Tierra", la canción titular del álbum, encontramos un impactante mano a mano entre el brillante mellotrón de Cárcamo y la virtuosa guitarra flamenca de Manolo Sanlúcar, rutilante invitado especial para la grabación de un tema irrepetible y absolutamente recomendable, como lo es en realidad todo el disco al completo, una obra sinfónica y atmosférica capaz de trasladarnos a los bellos parajes de una tierra real o imaginaria, quién sabe si en la propia Granada o, ¿por qué no?, mucho más lejos, allá dónde solo la mejor música puede hacernos llegar.

1324.- That's The Way I Like It - KC and The Sunshine Band

Formada en 1973 en Miami, Florida, la KC and the Sunshine Band se caracterizó por su mezcla de estilos bailables, en canciones que incluían sonidos del funk, el R&B, la música disco, el dance e incluso el pop rock, y "That's the Way (I Like It)" es sin duda su canción más relevante y reconocida, todo un hit para las pistas de baile y uno de los temas más recordados del funk de los setenta.

La canción fue el single principal y la canción que dio título a su segundo disco de estudio, "That's the Way (I Like It)", publicado en 1975. Como single de lanzamiento del disco, se convirtió en el segundo número 1 en el Billboard Hot 100 alcanzado por el grupo liderado por Harry Wayne Casey (KC), que previamente a la creación del grupo trabajaba a media jornada en una tienda de discos en Miami (Florida).

Esta pegadiza canción de disco funk es, además, uno de los pocos casos de la historia en los que un tema logra alcanzar el número 1 en más de una ocasión, como lo hizo entre noviembre y diciembre de 1975 cuando lideró las listas de ventas estadounidenses durante una semana, y fue reemplazada temporalmente por otro éxito de la música disco del momento ("Fly, Robin, Fly" de Silver Convention, que estuvo en lo alto de las listas durante tres semanas), para volver después de nuevo al top durante una semana más.

1323.- In Dulci Jubilo - Mike Oldfield

Ommadawn es un álbum extremadamente especial, Virgin Records contrató a Mike Oldfield, le dio libertad artística y él les devolvió el favor con su primer LP, "Tubular bells", que vendió un millón de copias. Pero, ¿qué hacer después de un primer trabajo tan brillante y exitoso? Bueno, en mi opinión, este tercer álbum es el mejor donde Mike Oldfield reúne todo lo que había aprendido de sus dos trabajos anteriores y de alguna manera los supera a ambos en esta obra maestra elaborada, dramática, conmovedora y, francamente, perfectamente ejecutada. Oldfield siempre ha sido un artista que se dedica principalmente a grabar álbumes, pero eso no significa que no haya tenido varios momentos de gloria en las listas de singles. Uno de ellos no fue solo su primer single en el Top 5 del Reino Unido, sino que se ha convertido en parte del sonido navideño en su país natal. El alegre instrumental "In Dulci Jubilo" entró en los mas vendidos en Gran Bretaña el 20 de diciembre de 1975. Oldfield había sido parte de la escena de singles solo una vez antes, cuando "Mike Oldfield's Single (Theme From 'Tubular Bells')", como se titulaba idiosincrásicamente, alcanzó el puesto número 31 en 1974. Esta vez, el multiinstrumentista se dirigía específicamente al mercado navideño con una versión festiva y alegre de un villancico tradicional alemán del mismo nombre. El villancico original, "In Dulci Jubilo", se remonta a la Edad Media y se atribuye al místico alemán Heinrich Seuse. La versión de Mike Oldfield se destaca por su tono alegre y festivo, con una variedad de instrumentos que incluyen flautas dulces, guitarras y percusión. El arreglo se caracteriza por sus intrincadas capas y ricas texturas, que son características del estilo de Oldfield. La pieza muestra el talento multiinstrumental de Oldfield y su capacidad para combinar melodías tradicionales con técnicas de producción contemporáneas.

“In Dulci Jubilo” (a veces escrito “dulce”) se traduce como “en dulce regocijo”. La canción, generalmente con letra (originalmente de una combinación de alemán y latín), fue popular en toda Europa en varias encarnaciones a lo largo de los siglos. Hubo dos traducciones separadas de la letra al inglés en el siglo XIX, primero por el compositor Robert Lucas de Pearsall y luego por el sacerdote, erudito y escritor de himnos John Mason Neale. Aunque tenía un aire festivo, “In Dulci Jubilo” no era una melodía navideña como tal, por lo que su atractivo se extendió hasta bien entrado el año nuevo de 1976, cuando alcanzó el puesto número 4 a mediados de enero, mientras que “Bohemian Rhapsody” de Queen llegaba al final de su recorrido en el número 1. La canción suena alegre y fresca, comienza de forma muy modesta con flautas dulces y percusión sencilla, pero hacia el final Mike deja que su guitarra eléctrica tome el papel principal, lo que hace que sea inmediatamente reconocible como su versión. La experiencia fue tan exitosa que Oldfield la repitió al año siguiente con otro sencillo instrumental para el mercado navideño, “Portsmouth”. Ese éxito fue aún mayor, alcanzó el puesto número 3 y ganó un disco de plata. Ambos éxitos se agregaron a la reedición de Mercury Records de Ommadawn  en 2010.

1322.- Young Americans - David Bowie

En una de las muchas mutaciones artísticas que le hicieron ganarse el apodo de "El Camaleón", en su noveno álbum de estudio "Young Americans" (1975) David Bowie se alejó radicalmente del sonido de glam rock de sus celebrados discos anteriores, para abrazar lo que la crítica llamó "música soul de ojos azules" y lo que el mismo definió como "soul de plástico".

El disco entero se había grabado en varias sesiones en los estudios Sigma Sound de Philadelphia, pero la canción titular ya incluía una curiosa y premonitoria referencia a The Beatles en una frase en la que el coro de aires góspel canta "I read the news today oh boy", del tema de John Lennon "A day in the life", meses antes de que Bowie coincidiera con Lennon durante unas sesiones en los estudios Record Plant de Nueva York y terminaran grabando juntos "Across the Universe" y "Fame" en los Electric Lady Studios de la urbe neoyorquina, y estas acabaran reemplazando a algunas de las canciones que inicialmente iban a formar parte de disco.

"Young Americans" es el ejemplo más representativo del cambio estilístico con el que Bowie volvió a sorprender al mundo, cantando sobre una pareja estadounidense de recién casados que no tienen claro si realmente se quieren. Atrás quedaban los personajes sombríos de antaño, para contar ahora la confusión y las dudas de la adolescencia en los Estados Unidos de la época de la dimisión de Nixon, acontecida apenas unas semanas antes del comienzo de la grabación de un disco que no cosechó grandes críticas, pero que contiene joyas del calibre del exitoso single "Fame" o de este excelso "Young Americans" con el que dejó a todo el mundo sorprendido y boquiabierto.

1321.- Rhiannon - Fleetwood Mac

Rhiannon, Fleetwood Mac

     A finales de los años 60, Fleetwood Mac era una importante banda de blues en la que el guitarrista Peter Green estaba en plena carrera como solista. Cuando Peter Green dejó Fleetwood Mac, sus fans los abandonaron y la banda empezó a incorporar diferentes estilos musicales, inclinándose por el rock y el pop, con cambios en la formación que incluían nuevos vocalistas. Mick Fleetwood, cofundador de la banda, regresó de los EE. UU. y encontró a la banda sin dirección, contratos ni dinero. 

En 1974, Fleetwood se enteró de la existencia de los Sound City Studios de Keith Olsen en Los Ángeles. Mick estaba convencido con entusiasmo de la calidad del estudio y Fleetwood escribió un artículo de cuatro páginas sobre la banda para la revista Rolling Stone, ofreciendo la dirección del estudio. En 1974, el resto de la banda abandonó el Reino Unido para intentar triunfar en Estados Unidos, y Mick Fleetwood organizó acuerdos con Warner Bros. Records (sello discográfico estadounidense) e intentó conseguir contratos estadounidenses para los miembros de la banda que vivían en el Reino Unido.  Rápidamente fueron fichados por el sello discográfico de Estados Unidos y comenzaron a grabar el álbum Fleetwood Mac en septiembre de 1974. Experimentaron con diferentes estilos de música para encontrar el que mejor se adaptaba a ellos como grupo y terminaron con un álbum con un estilo que era único para ellos. Este estilo musical recordó a algunas personas el sonido de California, que se asociaba con los Eagles y algunas otras bandas que habían emigrado a la zona.

En ese contesto nace Fleetwood Mac, el décimo álbum de estudio de la banda, lanzado el 11 de julio de 1975 en los Estados Unidos y el 1 de agosto de 1975 en el Reino Unido por Reprise Records, propiedad de Warner Bros. Es el segundo álbum homónimo de la banda después de su disco debut, y los fanáticos a veces se refieren a él como el Álbum Blanco . Supuso el primer álbum de la banda con Lindsey Bucingham como guitarrista y Stevie Nicks como vocalista, después de que Bob Welch abandonara la banda a fines de 1974. También fue el último álbum de la banda en ser lanzado en el sello Reprise Records hasta The Dance (1997), los álbumes posteriores de la banda hasta entonces fueron lanzados a través de Warner Bros. Records, la compañía matriz de Reprise.

Incluido en este álbum se encuentra la canción Rhiannon, escrita por Stevie Nicks. Fue lanzada como sencillo en 1976. La canción alcanzó el puesto número 11 en la lista Billboard Hot 100 en Estados Unidos y el número 46 en el Reino Unido tras su re-lanzamiento en 1978. Stevie Nicks se inspiró para escribirla después de leer la novela "Triad" de Mary Bartlet Leader, que menciona a una bruja galesa llamada Rhiannon. Nicks descubrió más tarde que Rhiannon es también una diosa de la mitología galesa, lo que añadió más mística a la canción. La canción es conocida por sus intensas interpretaciones en vivo, donde Nicks a menudo la presentaba diciendo: "Esta es una canción sobre una vieja bruja galesa". Durante los conciertos, la interpretación de Nicks de Rhiannon era tan apasionada que el baterista Mick Fleetwood llegó a describirla como "una especie de exorcismo".