Disco de la semana 419: Red - Kim Crimson

Red, Kim Crimson

     Red es el séptimo álbum de estudio dela banda inglesa de rock progresivo King Crimson. Fue grabado entre el 30 de junio y el 8 de julio y agsto de 1974 en los Olympic Studios de Londres. Contó con la producción del propio grupo y fue publicado por el sello Island Recods para Reino Unido y por el sello Atalntic Records para EstadosUnidos y Japón.

El grupo ya venía teniendo problemas internos, y el detonante para la separación del grupo pudo ser, aparentemente, cuando el componente David Cross se alejó durate la realización del álbum, lo que derivó en su despido. Aproximadamente dos semanas antes del lanzamiento de Red, King Crimson se disolvió. Su posicionamiento comercial fue el más bajo en las listas en ese momento, pasando solo una semana en la lista de álbumes del Reino Unido en el puesto 45, llegando únicamente a alcanzar el puesto 66 en la lista estadounidense Billboard 200 de EE. UU. Sin embargo, fue bien recibido entre los fanáticos y los críticos, llegando a ser reconocido como uno de los mejores trabajos de la banda y ha sido reeditado muchas veces.

Estamos ante un álbum de rock progresivo con un sonido notablemente más pesado que sus álbumes anteriores-. El sonido denso del álbum se creó mediante el uso de capas significativas, múltiples sobregrabaciones de guitarra y apariciones clave de músicos como el miembro fundador de King Crimson, Ian McDonald, el oboísta clásico Robin Miller y el trompetista de jazz inglés Marc Charig.

Entramos en materia y nos enocntramos con la canción de apertura, Red, que fue escrita originalmente para su álbum anterior, Starless and Bible Black (1974), pero se consideró demasiado primitivo para ser lanzado en ese momento. Fue compuesto únicamente por Fripp. En un diario en línea de 2012, Fripp escribió en un diario en línea que con lo que tenía no daba por sí mismo para una pieza completa. Sobre lo que tenía, Fripp recordó: "La reproducimos y Bill dijo: 'No la entiendo, pero si me dices que es buena, confío en ti'. ... Dije: 'No tenemos que usarla'. John no tenía ninguna duda: "Lo usaremos".  Una variación no utilizada de la sección central de la canción surgiría más tarde en los ensayos de Three of a Perfect Pair (1984), como se recopiló más tarde en Rehearsals & Blows (2016), y finalmente vio la luz como parte de "VROOOM VROOOM" en THRAK (1995). La siguiente pista es Fallen Angel. Los motivos que finalmente se usarían para la canción fueron interpretados por primera vez por Fripp en 1972 como parte de las improvisaciones realizadas con la formación de quinteto que grabó Larks' Tongues in Aspic 8 (1973) ; estas improvisaciones están documentadas como "Fallen Angel" y "Fallen Angel Hullabaloo" en la caja recopilatoria Larks' Tongues in Aspic: The Complete Recordings (2012) y en lanzamientos independientes de sus respectivos conciertos. La canción también usó el estribillo de una balada inédita de Wetton, "Woman", como pasaje instrumental. Wetton luego lanzó la canción completa en su primer álbum en solitario, Caught in the Crossfire en 1980. Cierra la cara A One More Red Nightmare. Su distintiva introducción fue utilizada por Wetton y Fripp en varias improvisaciones a lo largo de 1974, que se pueden escuchar en los box sets Starless (2014) y The Road to Red (2013).

Abre la cara B Providence, que fue fue editada a partir de una improvisación grabada por la formación anterior de la banda, con el violinista y tecladista David Cross además de Fripp, Wetton y Bruford, en una actuación en vivo en Providence, Rhode Island; Cross había sido despedido de la banda cuando comenzaron las sesiones del álbum. Starless es el último tema de la cara y del álbum. Fue escrita originalmente por Wetton, con la intención de que fuera la canción principal de su sexto álbum de estudio Starless and Bible Black (1974) . En ese momento, la pieza consistía solo en la sección vocal de la canción, y Wetton afirma que tuvo una "recepción fría" por parte de de Fripp y Bruford. Fripp luego escribió un tema introductorio interpretado en violín por Cross, y se agregaron dos secciones adicionales después de las contribuciones de Wetton, una de las cuales fue aportada por Bruford. La sección final repite varios temas escuchados anteriormente en la canción y reutiliza una parte de bajo escrita originalmente para la pista "Fracture" de Starless and Bible Black. La letr fue coescrita por Wetton y el letrista Richard Palmer-James. La canción iba a llamarse "Starless and Bible Black", pero como ya había sido utilizado en el álbum anterior, el título de la canción se acortó a "Starless". 

Red está considerado como unaobra fundamental dentro del género del rock progresivo, por su complejidad técnica, por sus innovadoras estructuras musicales, y por su marcado tono oscuro y pesado. Quizás no tenga la misma popularidad que otras obras del género rock progresivo, pero sin duda es un álbum a tener muy en cuenta.

1520.- Go Down - AC/DC

Go Down, AC/DC

 

     Después de haber centrado sus esferzos tanto en el mercado europa como el americano, donde la banda comienza a funcionar verdaderamente bien, al regresar a casa, después de ocho meses, el grupo AC/DC se encuentra una situación bien diferente. La banda tuvo que ponerse las pilas en casa y realizar una gira verdaderamente difícil, con aforos medio llenos y tragando mucha "mierda" para volver al lugar que les correspondía por naturaleza.

Por si esto no fuera poco, el por entonces manager de la banda Michael Browning recibe una llamada en medio de aquella tediosa gira, es la compañía discográfica de la banda para sus publicaciones fuera de Australia, Atlantics Records; al parecer a la compañía en Estados Unidos no le había gustado nada el anterior disco de la banda, Dirty Deeds Donde Dirt Cheap, y se estaba pensando muy seriamente eliminar de la discográfica a AC/DC si esta no lanzaba un disco más "suave" y "comercial". La banda a pesar de sus problemas y su precaria situación se niega a hincar la rodilla ante la todopoderosa discográfica.

Pero el grupo no estaba dispuesto a ceder ante las exigencias de la discográfica y se sacararon de la manga Let There Be Rock. Y menos mal que no hicieron caso, pues nos habrían negado el derecho a disfrutar de éste brutal disco. Incluído en el mismo encontramo el tema Go Down, que literalmente significa "mamar", y que al parecer está inspirada en una conocida groupie de la banda llamada Ruby Lips y a la que Bon Scott parece que conocía muy bien. Una curiosidad del tema, la composición tenía una duración de 5 minutos y 20 segundos, aunque en la versión en CD es un poco más larga, tiene 5 minutos y 33 segundos.

1519.- Let There Be Rock - AC/DC

 

Let There Be Rock

     Corre el año 1976 y Bon Scott (vocalista), Angus Young (Guitarra solista), Malcolm Young (guitarra rítmica), Mark Evans (bajo) y Phil Rudd (batería), o lo que es lo mismo, los chicos de AC/DC han centrado sus esfuerzos en la conquista del mercado europeo y americano. En el mercado europeo las cosas empiezana ir realmente bien. Pero Angus y compañía al volver a casa tras estar ocho meses de ausencia descubren que en su propio país las cosas son diferentes, al parecer el seguimiento de la banda en su propio país había diminuido.

La compañía Atlantic Records pretendía que en su siguiente disco el grupo modificara su sonido y lo hiciera más agradable de cara al público estadounidense. El grupo no tiene más remedio que meterse en el estudio, y para ello se marchan a los Alberts Studios de Sideny para grabar su siguiente trabajo. ¿Pleagarían la rodilla para la realización del disco?, Pues según Mark Evans, el bajista por entonces de la banda, la actitud de Atlantic Records de acoso y derribo les había cabreado y tocado las narices, ¡A la mierda! ¿Quién coño creen que son?, y a partir de ese momento se conjuraron: ¡Joder, les mostraremos!, no necesitaban discutir nada porque todos los tenían muy claro ¡Íbamos a entrar y hacer ese álbum y meterselo por el culo!. Y así es como la banda se mete en primavera de 1977 en el estudio para grabar su siguiente álbum.

Así nace Let There Be Rock. Si el disco en el apartado musical tiene un sonido salvaje, con las letras no iba a ser menos, picantes, con la habitual temática de las drogas, el sexo, los chicos malotes y el rock & roll. Todos los temas son acreditados a los hermanos Malcolm y Angus young y Bon Scott. Incluído en este disco encontramos el tema que da título al mismo, Let There Be Rock, donde nos relatan una ficticia historia sobre el nacimiento del rock & roll con alusiones a Chuck Berry o a Tchaikovsky. Anécdota sobre este tema: el amplificador de la guitarra de Angus no soportó la presión de la grabación y estallo literalmente en la sesión, y su hermano George desde la producción miraba enloquecido a Angus y le gritaba que no parase, y Angus no paró.

Hardwired... to Self-Destruct - #MesMetallica

 

Hardwired... to Self-Destruct

     Con su décimo álbum de estudio, Hardwired... to Self-Destruct, cerramos el mes dedicado al grupo estadounidense Metallica, grupo que desde su creación en 1982, ha generado un gran número de seguidores y sus álbumes de estudio han encabezado de forma constante la lista Billboard 200 de Estados Unidos. Fue grabado entre mayo de 2015 y agosto de 2016 en lo Metallica's HQ Studios de San Rafael, California, bajo la producción de Greg Fidelman, y de Lars Ulrich y James Hetfield, y publicado el 18 de noviembre de 2016  bajo el sello discográfico Blackened Records.

Fue el primer álbum de estudio de Metallica en ocho años después de Death Magnetic (2008), marcando la brecha más larga entre álbumes de estudio en la carrera de la banda, y su primer álbum de estudio lanzado a través de Blackened Records. Hardwired... to Self-Destruct fue el sexto álbum de estudio consecutivo de Metallica en debutar en el número uno en el Billboard 200 de Estados Unidos , vendiendo 291.000 unidades en su primera semana y encabezando las listas en 57 países El álbum recibió críticas generalmente positivas de los críticos, incluso el baterista de Metallica, Lars Ulrich, llegó a clasificar el álbum en el año 2020 como el mejor de la banda. 

El germen del álbum comenzó en el año 2011, cuando el grupo se juntó en un estudio con el productor Rick Rubin. El grupo daría forma a ese proyecto cinco años más tarde bajo la producción de Grag Fidelman. Hardwired... to Self-Destruct marca el primer álbum de estudio de la banda que no presenta contribuciones de composición de Hammett desde que se unió a la banda en 1983 antes de la grabación de Kill 'Em All . En 2015, Hammett había perdido su teléfono en el aeropuerto de Copenhague, el cual contenía casi 250 ideas de riffs.  Dado que Hammett no hizo una copia de seguridad de los datos, afectó su aporte creativo para el nuevo álbum y tuvo que comenzar de cero nuevamente mientras que  Hetfield y Ulrich tenían material para las canciones". El único crédito de escritura de Trujillo en el álbum fue la introducción de ManUNkind, que luego dijo que fue escrita como un tributo al ex bajista de Metallica Cliff Burton. En cuanto a las letras, siguen un tema general de nihilismo y pesimismo. El título, "Hardwired... to Self-Destruct", proviene de una frase que Hetfield escuchó. "Alguien me dijo el otro día, y se me quedó grabado, 'Hardwired... Hardwired to Self-Destruct'. Así que es como que no importa lo que hagas en tu vida, realmente estás tratando de no seguir ese camino que tal vez estás programado para seguir". 

Entramos en meteria y abre fuego Hardwired, con un sonido trash metal de la vieja escuela del que el grupo nos tenía acostumbrados en sus inicios. Fue lanzada como el primer sencillo del álbum el 18 de agosto de 2016, y es una de las canciones más cortas de la banda, con solo unos tres minutos de duración. Las letras pesimistas de la canción se centran en el concepto de una civilización consumida por la paranoia, el dolor y la locura. Si bien el concepto inicial de la canción era representar la idea de que las elecciones y los errores que comete una persona son parte de quiénes son, se ha interpretado de diferentes maneras, como las adicciones a las drogas, la sobredosis, o incluso representativa del clima geopolítico de 2016, particularmente el resultado de las elecciones presidenciales de Estados Unidos de ese año. Atlas, Rise! fue el primer sencillo del álbum y fue promocionado con una máscara de Halloween Hardwired de edición limitada gratuita en las tiendas de discos participantes que contenía un código de descarga especial para poder acceder a la canción 30 minutos antes del lanzamiento público completo. En cuanto a la letra, Hetfield se refiere a Atlas, la figura mitológica griega qe fue condenada por Zeus, por su participación en La Guerra de los Titanes, a sostener el cielo con ss hombros. En Now That We're Dead James Hetfield canta sobre alguien cuyo amante ha muerto y espera con ansias que se reencuentren en la otra vida. Sobre Moth into Flame James Hetfield afirmó que Amy Winehouse le sirvió de inspiración para la canción después de haber visto el documental Amy de 2015. "La canción se inspiró un poco en el documental de Amy Winehouse, 'Amy'. Cuando lo vi, me entristeció mucho que una persona tan talentosa como ella cayera en la fama. Pero, hasta cierto punto, veo esa mentalidad reflejada en la vida diaria"... "'Moth Into Flame' es bastante literal. En estos días, todo el mundo [tiene] una obsesión con ser famoso. Ser popular. Ya sea en tu cuenta de Facebook o caminando por la calle, viendo a alguien haciéndose selfies mientras camina por la calle. ¿Como qué? ¿Qué estás haciendo?". En definitva, canción inspirada en la forma en que tantas personas en la sociedad moderna viven todos los días luchando por ser reconocidas y amadas. Dream No More contiene referencias al Mito de Cthulhu, que es una mitología y un universo ficticio compartido , que tiene su origen en las obras del escritor de terror estadounidense H. P. Lovecraft. Halo on fire es La canción más larga del álbum, tiene una duración de 8:15. Sobre la canción, James Hetfield afrimó en la rvista del clubs de fans de la banda lo siguiente: "En 'Halo On Fire' hay una yuxtaposición en todos nosotros, el bien y el mal, y ¿cuándo sale eso, cuándo se muestra? Algunas personas se presentan como verdaderos santos, y cuanto más oscura es su oscuridad, más tienen que presentarse como santos. Así que básicamente te estás alejando del 'tú' real, como si estuvieras compensando todo esto lo que crees que es realmente mmalo"

En Confusion la banda explora el concepto de trastorno de estrés postraumático, ya que James Hetfield canta sobre un soldado cuya lucha constante con el TEPT le impide vivir con normalidad. El vocalista y guitarrista explicaba que la condición está muy extendida en la sociedad actual y no se limita solo a las fuerzas armadas, y el trastorno de estrés postraumático está en todas partes, cosas que te pasan en tu infancia, incluso figuras del deporte o cualquiera que use un uniforme, que haya salido y haya retratado una vida de servicio, de dar o de usar la fuerza. La sección instrumental de apertura de ManUNkind presenta al bajista del grupo, Robert Trujillo, tocando con los dedos una línea de bajo melódica junto a la guitarra de James Hetfield. La línea de bajo de Trujillo recuerda al estilo de tocar del fallecido Cliff Burton. Trujillo escribió la sección instrumental de apertura en memoria del ex bajista de la banda, quien murió en 1986 cuando el autobús de gira de Metallica se salió de una carretera helada en Suecia. La letra de Here Comes Revenge se inspiró en dos fans de Metallica que aparecían en los conciertos de la banda sosteniendo un póster de una chica. Cuando Hetfield tuvo la oportunidad de conocerlos, les preguntó por qué, él dijo: "Mi esposa y yo no éramos fans de la banda, pero ahora lo somos. Porque nuestra hija era una gran fan, y un conductor ebrio la mató". sobre ello Hetfield afirmaba: "Ella era joven. ¿Cómo no enojarse? ¿Cómo no querer ir a por alguien? Pero lo que eligieron hacer fue abrazar la música que ella amaba y conocerla a través de la música y conectarse de esa manera. Siguen apareciendo en los conciertos, lo cual me encanta. Ahora somos amigos. Y han superado algo que no creo que yo pudiera superar". Sobre Am I savage James Hetfield explicó a la publicación Rolling Stone Australia que la letra de esta canción impulsada por riffs habla de "darse cuenta de que hay una bestia en mí, y también hay una belleza en mí... de que puedo pasar de ser súper amable a una bestia jodida que no tiene ningún filtro real ni sentido común". Murder One  es un tributo al fallecido líder de Motorhead, Lemmy Kilmister. Según Hetfield "Motorhead tuvo mucho que ver con que Metallica esté aquí ahora. Lemmy como entidad, una especie de figura paterna, nos ayudó mucho. No tenía miedo y era un personaje. Y era él mismo. Todos lo respetábamos mucho. Hizo lo suyo hasta el último aliento. No importa quién seas, ¿cómo no te puedes sentir inspirado por eso?"  Lars Ulrich afirmaba que el hecho de haber segido a Motörhead en sus giras como fans lo ayudó a tomarse en serio a Metallica: "Cuando volví al sur de California, llamé a james y le dje: 'Escucha, tenemos que intentarlo', Motörhead es el catalizador". "Murder One" era el nombre del amplificador favorito de Lemmy en el escenario. Spit Out the Bone es la canción que cierra el álbum. Una canción qe nos habla de las comodidades de los avanes tecnológicos. "Queremos cosas más rápidas, queremos la conveniencia de la tecnología, pero ¿en qué punto la conveniencia se inclina hacia la dependencia? La necesitamos, o de lo contrario no sabemos qué hacer". Nos describe cómo las personas están conectadas entre sí a través de dispositivos móviles y cómo todos se están volviendo más dependientes de la tecnología.

De Hardwired... to Self-Destruct se editó una edición de Lujo en la cual había una tercera cara compuesta 14 canciones, donde se incluye una versión regrabada del tema Lords of Summer, que fue lanzada por primera vez como sencillo digital en su forma demo el 19 de marzo de 2014, varios temas de la banda grabados en directo en 2016 y versiones interpretadas en vivo que sirven como homenaje a Ronnie James Dio y Rainbow (Ronnie Rising Medley (A Light in the Black / Tarot Woman / Stargazer / Kill the King), Deep Purple (When a Blind Man Cries) y Iron Maiden (Remember Tomorrow)

Hardwired... to Self-Destruct es principalmente el trabajo de James Hetfield y Lars Ulrich. Como ya hemo comentado, Kirk Hammett no tiene ni un solo crédito como compositor, ya que el guitarrista perdió un iPhone lleno de riffs justo antes de la grabación, y también se ve disminuido en términos de solos, dejando el álbum como un escaparate para las construcciones musicales de Metallica. Lo que verdaderamente destaca e impresiona de este álbum es el conjunto, el pensamiento y la musicalidad dentro de las composiciones y las interpretaciones, elementos que siempre han estado en el núcleo de la banda y brillan intensamente en este penúltimo trabajo de la banda.

1518.- Fisherman - The Congos

 

El sonido reggae único de los Congos se caracterizó por el falsete agudo de Cedric Myton y la rica voz de tenor de Roy "Ashanti" Johnson; ambos tenían voces particulares y cantaban canciones cuyas letras estaban profundamente arraigadas en sus creencias rastafaris. Son conocidos principalmente por un disco, Heart of the Congos, publicado originalmente en 1977 y reeditado en 1996. El grupo se disolvió en 1980 y desde entonces ambos hombres han seguido otras carreras musicales.

Cedric Myton creció en St. Catherine, Jamaica, donde fue criado por su abuela, cuando tenía unos 16 años, se mudó a Kingston, donde vivió con sus padres en Cockburn Pen. Aprendió a soldar, pero no le gustaba porque a menudo se quemaba las manos mientras trabajaba, siempre le había gustado cantar, así que en 1964 dejó ese trabajo y se unió a un amigo, Devon Russell, para formar un grupo llamado The Tartans, grabaron un sencillo titulado "People Gonna Dance All Night", y le fue muy bien, querían grabarlo en el conocido Studio One, pero tuvieron una disputa con el propietario sobre cómo debían interpretar la canción, así que se fueron y la grabaron con Federal. Después de grabar otra canción con Treasure Isle, la pareja se separó. Los dos hombres se conocieron por casualidad en 1977 y formaron los Congos junto con Watty Burnett. Johnson tocaba la guitarra y Burnett, un barítono, proporcionaba armonías vocales adicionales. Su primer álbum, Heart of the Congos , lanzado en 1977, fue descrito más tarde por All Music Guide como "uno de los mejores discos de raíces de todos los tiempos". Sin embargo, en ese momento, el disco fue rechazado por el sello Island y solo recibió una edición limitada en Jamaica cuando fue producido por el sello Black Ark. Pasaron casi dos décadas antes de que la grabación comenzara a recibir el reconocimiento que merecía. La dinámica extraña pero también extrañamente armoniosa entre los contornos auditivos desfamiliarizantes de Heart of the CongosLos efectos de producción dub y sus secuencias arrancadas del subconsciente cultural de movimientos graduales y saltos en una escala melódica aseguran que el álbum sea infinitamente reproducible, un disco clásico que avanza y retrocede en los anales de la historia musical, avanzando hacia el conocimiento del yo pero también elegantemente hacia el amor al mundo. Su red de referencias líricas es densa y a veces esotérica, pero en última instancia plantean a sus oyentes y con ellos preguntas que se le ocurrirían a cualquiera que acumule los criterios espirituales necesarios. Heart of the Congos merece un estruendoso aplauso por su increíble consistencia como álbum y su dinamismo sonoro como expresión de absoluto ardor por la misteriosa relación entre las pruebas de la vida cotidiana y los asuntos espirituales. La experiencia de escuchar Heart of the Congos puede funcionar como una especie de lección de historia, dada la eventual difusión del dub en tantas corrientes diferentes y nominalmente no relacionadas de la cultura música.

En Fisherman, llevan las cosas tan profundamente al interior de la isla que necesitas un machete para abrirte paso. Capas gruesas y difusas de drum and bass se suavizan entre sí, mientras la guitarra cae en cascada como enredaderas, dándole al canto lastimero el apoyo que necesita para seguir adelante…. Y las letras son siempre perfectas, mezclando parábolas bíblicas (Pescador), suplicando a Jah (Niños llorando) o cantando a Babilonia (Hombre del Congo). El resultado final es la máxima declaración de reggae de raíces. Pero, al más puro estilo de Perry, Heart…

1517.- Nightclubbing - Iggy Pop

 

"Nightclubbing", escrita y grabada en Berlín por Iggy Pop y David Bowie durante el período en que se retiraron allí para desintoxicarse y huir del acoso mediático y la fama, fue incluida en el álbum de debut en solitario de Iggy Pop, “The Idiot”, en 1977. Para la letra, David Bowie sugirió a Iggy Pop que escribiera algo sobre “caminar por la noche como fantasmas”. Siguiendo esa idea, Iggy Pop escribió la letra de “Nightclubbing” en poco más de diez minutos.

En la grabación, David Bowie se encargó de teclados, sintetizadores, coros y una caja de ritmos Roland. Bowie hubiera preferido remezclar la canción con una batería real, pero para Iggy Pop la caja de ritmos de “Nightclubbing”: "Pateaba traseros y era mucho mejor que un baterista". No debía andar muy equivocado, porque aunque algo modificada, el grupo Nine Inch Nails, utilizó la caja de ritmos de “Nightclubbing” en su canción “Closer” del álbum “The Downward Spiral” (1994), como también hizo Oasis en el tema "Force of Nature" de su álbum de 2002 “Heathen Chemistry”.

La canción al completo ha sido también versionada por muchos artistas, como Grace Jones, The Human League o Siouxsie Sioux, con su banda The Creatures, entre otros, y la versión original de Iggy Pop tuvo un resurgir comercial en los años noventa, gracias a su aparición en la película de 1996 “Trainspotting” y en su exitosa banda sonora, en la que también aparecía el tema “Lust for Life", de su segundo disco en solitario del mismo nombre.

1516.- Hijos del agobio - Triana

 

"Hijos del Agobio" es una de las canciones más emblemáticas de Triana, mítico grupo español de rock progresivo de los años setenta. Incluida en su segundo álbum de estudio ("Hijos del agobio", 1977), es un claro exponente de la calidad del rock andaluz en esa década. La canción, que fusiona el rock progresivo con elementos del flamenco, comienza con una melancólica introducción de guitarra y teclados, a los que se incorpora después la carismática voz de Jesús de la Rosa, líder de la banda.

Musicalmente, "Hijos del Agobio" destaca por su complejidad técnica y la riqueza de sus matices sonoros. La guitarra de Eduardo Rodríguez Rodway aporta el toque flamenco, combinado de manera magistral con los elementos más característicos y reconocibles del rock progresivo clásico. La batería de Juan José Palacios "Tele", le da al conjunto una base rítmica sólida que sustenta a las mil maravillas la estructura de la canción, mientras que los arreglos de teclado y sintetizador son la guinda de una atmósfera musical densa y emotiva. 

La letra de "Hijos del Agobio" es una reflexión poética sobre la lucha por la libertad, que en un contexto histórico marcado por la transición política en España, la convirtió en un auténtico himno del cambio. La combinación de la música y la letra crea una experiencia auditiva completa y es una demostración del talento de Triana para capturar el espíritu de una época y encapsularlo en una pieza musical impactante, reivindicando con ella un lugar privilegiado en la historia del rock español.

Death Magnetic – Metallica #mesMetallica

Death Magnetic – Metallica #mesMetallica

En 2008, Metallica lanzó Death Magnetic, un álbum que marcó el regreso de la banda a un sonido más agresivo y técnico después de la controversia que rodeó a St. Anger (2003). Con una producción a cargo de Rick Rubin, este disco buscó recuperar la esencia del Metallica clásico, con estructuras de canciones más complejas, solos de guitarra elaborados y una mezcla de elementos del thrash metal que la banda perfeccionó en los años 80. A continuación, analizamos en detalle este trabajo, explorando su sonido, impacto y legado.

Para comprender la importancia de Death Magnetic, es fundamental recordar en qué punto de su carrera se encontraba Metallica en 2008. Luego de los altibajos de los 90, con álbumes como Load (1996) y Reload (1997) que mostraban un enfoque más orientado al hard rock y blues, la banda sufrió una crisis interna reflejada en el caótico proceso de grabación de St. Anger. Ese disco eliminó los solos de guitarra, utilizó un sonido de batería crudo y fue recibido con críticas mixtas.

Con Death Magnetic, Metallica quería reivindicarse y demostrar que aún podía hacer thrash metal sin sonar como una versión diluida de sí misma. Para ello, prescindieron del productor Bob Rock, quien había trabajado con ellos desde The Black Album (1991), y contrataron a Rick Rubin. Conocido por revitalizar carreras de grandes artistas, Rubin incentivó a la banda a retomar la energía y complejidad de sus primeros trabajos.

Desde los primeros segundos de "That Was Just Your Life", queda claro que Death Magnetic es un álbum con riffs agresivos, cambios de ritmo dinámicos y una producción que intenta capturar la intensidad del Metallica de los 80. James Hetfield ofrece una interpretación vocal potente, Lars Ulrich recupera su agresividad en la batería, Kirk Hammett vuelve con solos rápidos y melódicos, y Robert Trujillo aporta un bajo sólido y preciso.

Sin embargo, la producción del disco ha sido uno de los aspectos más polémicos. Muchos fans y críticos señalaron problemas con la masterización, ya que el álbum sufre del "loudness war", un fenómeno en el que la música se mezcla con un volumen excesivo, sacrificando claridad y matices. Esto es evidente en la sobrecarga de los instrumentos y en la falta de espacio para que cada elemento respire en la mezcla. A pesar de ello, la composición de los temas logra eclipsar en gran medida estos problemas. 

El álbum abre con "That Was Just Your Life", una canción con una introducción sombría que recuerda a "Blackened" (…And Justice for All, 1988), antes de explotar en un riff veloz y cambios de tempo que evocan la era clásica de la banda. Hetfield canta con fuerza sobre la lucha interna y la determinación, estableciendo el tono del álbum.

Le sigue "The End of the Line", que presenta un groove más marcado y un coro pegadizo. Su estructura progresiva y cambios rítmicos la hacen destacar.

"Broken, Beat & Scarred" es una de las canciones más accesibles del disco, con un riff principal contundente y una letra que refuerza la idea de superar la adversidad.

Uno de los puntos más altos del álbum es "The Day That Never Comes", una balada que comienza con arpegios melódicos en la línea de "Fade to Black" o "One", pero que evoluciona hacia un final explosivo con una sección instrumental cargada de energía.

"All Nightmare Long" es uno de los temas más agresivos y técnicamente impresionantes del disco, con una batería intensa de Ulrich y un riff demoledor. Su estructura recuerda a clásicos como "Disposable Heroes" y se ha convertido en una de las favoritas de los fans en vivo.

El álbum también incluye "Cyanide", con un ritmo más groove y una línea de bajo destacada, así como "The Unforgiven III", una variación del tema recurrente en la discografía de la banda, esta vez con una introducción de piano que le da un tono diferente.

Otro momento importante es "Suicide & Redemption", el primer tema instrumental de Metallica desde To Live Is to Die (…And Justice for All), que muestra una faceta más experimental y progresiva del grupo.

El cierre del álbum llega con "My Apocalypse", un torbellino de thrash metal que recuerda a los días más veloces de la banda, con una intensidad que mantiene la energía hasta el final.

Death Magnetic recibió críticas generalmente positivas, con muchos viéndolo como un renacimiento de la banda después de los problemas de St. Anger. La mayoría de los fans aplaudieron el regreso de los solos de guitarra y las estructuras complejas, aunque hubo división de opiniones respecto a la producción. Comercialmente, el álbum fue un éxito, debutando en el número uno en varios países y revitalizando la popularidad de Metallica en la escena del metal.

Además, Death Magnetic marcó la primera grabación de estudio con Robert Trujillo, quien había ingresado a la banda en 2003. Su presencia aportó una base rítmica más sólida y contribuyó a la química entre los miembros.

A pesar de las críticas a la mezcla, el álbum demostró que Metallica aún tenía la capacidad de innovar dentro de su propio estilo. Canciones como "The Day That Never Comes", "All Nightmare Long" y "That Was Just Your Life" se han mantenido en las listas de temas favoritos de los fans y han sido parte del repertorio en giras posteriores.

Death Magnetic no es solo un intento de recuperar el sonido clásico de Metallica, sino una declaración de intenciones: la banda aún puede hacer música pesada, técnica y relevante. Si bien la producción pudo haber sido mejor, la calidad de las composiciones y la energía del álbum lo convierten en una pieza fundamental en la discografía de la banda.

Este disco logró reconciliar a Metallica con una parte de su base de fans que había quedado desilusionada en la década anterior, y sentó las bases para los siguientes trabajos del grupo. Aunque no alcanzó la grandeza de los álbumes de los 80, dejó claro que Metallica todavía tenía mucho que ofrecer.

Death Magnetic es un álbum que simboliza la resiliencia y evolución de una de las bandas más importantes en la historia del metal.

Daniel 

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1515- Iggy Pop - Sister Midnight

1517- Sister Midnight - Iggy Pop

Iggy Pop, conocido como el "padrino del punk", ha sido una figura clave en la evol

ución del rock, y su canción "Sister Midnight" es un testimonio de su capacidad para reinventarse y desafiar las convenciones. Lanzada en 1977 como parte de su álbum The Idiot, esta canción marca un punto de inflexión en su carrera, no solo por su sonido innovador, sino también por su colaboración con David Bowie, quien coescribió y produjo el álbum. "Sister Midnight" es una pieza oscura, hipnótica y cargada de energía, que combina elementos del punk, el rock experimental y el funk.

Desde el primer compás, "Sister Midnight" atrapa al oyente con su ritmo pulsante y su atmósfera inquietante. La línea de bajo, profunda y repetitiva, establece una base que evoca una sensación de movimiento constante, como si llevara al oyente a un viaje nocturno y surrealista. La guitarra, con sus riffs distorsionados y minimalistas, añade una capa de tensión, mientras que los sintetizadores y los efectos de sonido crean un paisaje sonoro que es a la vez futurista y primitivo. La producción de David Bowie es clave aquí, aportando un enfoque experimental que contrasta con el sonido crudo y visceral del trabajo anterior de Iggy Pop.

La voz de Iggy Pop es el centro de la canción. Su interpretación, cargada de intensidad y vulnerabilidad, transmite una mezcla de desesperación y determinación. La letra, escrita por Iggy Pop y David Bowie, es abstracta y llena de imágenes oníricas. Frases como "I'm lost in the twilight zone" y "I'm searching for the feast of the unknown" sugieren una búsqueda de identidad y significado en un mundo caótico y cambiante. Aunque el significado exacto de las palabras puede ser ambiguo, su tono y entrega evocan una sensación de rebeldía y anhelo que resuena profundamente.

Musicalmente, "Sister Midnight" es una obra que desafía las etiquetas. Su estructura, aunque aparentemente simple, está llena de detalles que revelan una complejidad sutil. La combinación de elementos funk y electrónicos con el enfoque crudo del punk crea un sonido que es único y adelantado a su tiempo. La canción también sirve como un puente entre el punk rock de los 70 y el movimiento post-punk que surgiría en los años siguientes, influyendo a bandas como Joy Division y Depeche Mode.

El contexto en el que se creó "Sister Midnight" también es relevante. Tras años de lucha con las drogas y la inestabilidad emocional, Iggy Pop se encontraba en un momento de reinvención personal y artística. La colaboración con Bowie no solo le brindó una nueva dirección musical, sino que también le permitió explorar temas más oscuros y existenciales. "Sister Midnight" es, en muchos sentidos, un reflejo de este proceso de renacimiento, una canción que captura la esencia de un artista en transición.

"Sister Midnight" es una pieza que trasciende el tiempo y el género. Su mezcla de sonidos innovadores, su atmósfera inquietante y su interpretación cargada de emociones la convierten en una de las obras más destacadas de Iggy Pop. No solo marcó un nuevo capítulo en su carrera, sino que también dejó una huella indeleble en la historia del rock, inspirando a generaciones de músicos y escuchas. Es una canción que invita a sumergirse en su oscuridad y a descubrir la luz que se esconde en su interior.

Daniel 

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1514-. Cold as Ice - Foreigner

Cold as Ice, Foreigner

     Foreigner debuta en 1977 con Foreigner, el álbum de estudio debut de la banda de rock británico-estadounidense. Dicho disco debut es grabado entre abril y noviembre de 1976 en los Hit Factory Studios y los Atlantic Recording Studios de Nueva york, bajo la producción de John Sinclair y Gary Lions en colaboración con los miembros Mick Jones e Ian McDonald, y publicado el 8 de marzo de 1977 bajo el sello discográfico Atlantic Records. El álbum tuevo una buena acogida, con tres sencillos exitosos, Feels Like the First Time, Long Long Way from Home y Cold as Ice.

Nos vamos a centrar en Cold as Ice, escrita por Lou Gramm y Mick Jones. La canción  se convirtió en una de las canciones más conocidas de la banda en los EE. UU, llegando a alcanzar el puesto número 6 en el Billboard Hot 100. Originalmente fue lanzado como sencillo, ocupando el lado B del tema Feels Like the First Time. La canción se basa en el estereotipo de chica mala, de corazón frío, una mujer materialista y egoísta, y el cantante nos advierte que su comportamiento volverá para atormentarla algún día. El guitarrista de Foreigner, Mick Jones, afirmaba sobre la canción lo siguiente: "Subconscientemente, extraes cosas de cosas que sucedieron en tu pasado, cosas que surgieron de relaciones, el dolor y la angustia del amor que es intenso y luego tan profundo, y luego de repente lo pierdes. Toda la gama de sentimientos emocionales por los que pasas en una relación. A veces terminan, y a veces duran, y cuando es la ruptura definitiva, te quedas con los recuerdos de esa relación. Así que me inclino bastante por eso. Estás cavando profundamente en tu pozo de cosas significativas que recuerdas de las tragedias a veces cercanas por las que pasaste en ese momento ".

Disco de la semana 418: Divididos por la felicidad de Sumo

Disco de la semana 418: Divididos por la felicidad de Sumo

Si hay un álbum que define la esencia del rock argentino de los 80, ese es Divididos por la felicidad, el debut de Sumo. Lanzado en 1985, este álbum no solo marcó un antes y un después en la música argentina, sino que también se convirtió en un ícono de la contracultura. Con una mezcla explosiva de punk, reggae, post-punk y new wave, Sumo creó un sonido único que reflejaba la diversidad y la complejidad de una Argentina en plena transición.

El líder de la banda, Luca Prodan, un italiano de origen escocés que llegó al país escapando de sus demonios personales, fue el alma máter de este proyecto. Su personalidad irreverente, melancólica y profundamente poética se plasma en cada una de las canciones. Las letras, escritas principalmente en inglés pero con toques en español, abordan temas como la alienación, la soledad, la búsqueda de identidad y, por supuesto, la felicidad esquiva.  

¿Por qué escuchar Divididos por la felicidad?  

Este álbum es una experiencia musical que no puedes dejar pasar. Aquí te dejo un recorrido por sus canciones más destacadas para que te animes a sumergirte en este viaje sonoro:  

1. "La rubia tarada": Un tema que se convirtió en himno. Con su ritmo pegajoso y letra cargada de humor negro, esta canción es una crítica mordaz a la superficialidad y la estupidez. Es imposible no cantar: "La rubia tarada, la rubia tarada".  

2. "Mula plateada": Una pieza enigmática con guitarras distorsionadas y una atmósfera oscura. Luca Prodan nos lleva a un viaje introspectivo con su voz llena de matices.  

3. "No acabes": Aquí el reggae se hace presente. Con un ritmo relajado pero contundente, la canción habla de resistencia y perseverancia. Es una muestra de la versatilidad de Sumo.  

4. "Regtest": Una de las joyas ocultas del álbum. Con un ritmo lento y una letra en inglés, Luca canta sobre la soledad y la búsqueda de sentido en un mundo caótico. Es pura poesía musical.  

5. "Reggae de paz y amor": Un respiro en medio de la intensidad del álbum. Con un ritmo reggae y una letra optimista, esta canción es un canto a la paz y al amor.  

6. "Debede": Corta, directa y con actitud punk. Es una descarga de energía que refleja el lado más rebelde de la banda.  

7. "Mejor no hablar de ciertas cosas": Sin duda, uno de los temas más emblemáticos de Sumo. Con su ritmo pegajoso y letra cargada de humor y crítica social, se convirtió en un mantra generacional. "Mejor no hablar de ciertas cosas" es una frase que quedó grabada en la memoria colectiva.  

8. "Divididos por la felicidad": La canción que da título al álbum es una obra maestra. Con un ritmo lento y una atmósfera densa, Luca reflexiona sobre la división interna que genera la búsqueda de la felicidad. Es profunda, melancólica y bellamente poética.  

9. "No duermas más": Un tema con un aire new wave y post-punk. La letra, en inglés, habla de la monotonía y la rutina, mientras la música crea una atmósfera oscura y envolvente.  

10. "Kaya": Una canción con un ritmo pegajoso y letras oníricas. Es una muestra del lado más experimental y surrealista de Sumo.  

¿Por qué este álbum es imprescindible?  

Divididos por la felicidad no es solo un álbum; es una declaración de principios. Sumo logró fusionar géneros de manera natural, creando un sonido que no suena a nada de su época. Luca Prodan, con su carisma y talento, se convirtió en una figura icónica, y su muerte prematura en 1987 solo aumentó el mito alrededor de la banda.  

Este álbum influenció a generaciones de músicos y sigue siendo un referente en la escena musical argentina. Canciones como "Mejor no hablar de ciertas cosas" y "La rubia tarada" son clásicos que nunca pasan de moda.  

¿Te lo vas a perder?  

Si aún no has escuchado Divididos por la felicidad, estás perdiéndote una obra maestra del rock argentino. Es un álbum lleno de contrastes: caótico y melancólico, irreverente y profundo, punk y poético. Es, en definitiva, un reflejo de la genialidad de Luca Prodan y de la banda que supo crear un sonido único e inolvidable.  

Así que, ¿qué estás esperando? Dale play y déjate llevar por este viaje sonoro que captura la esencia de una época y de una generación.  

¿Te animas a escucharlo? 

Daniel  

Instagram: @storyboy  

1513.- Dame Veneno - Los Chunguitos

Los Chunguitos, fueron uno de los grupos más emblemáticas del panorama musical español a finales de los años 70, tienen sus raíces en la provincia de Badajoz, pero rápidamente emigraron a la localidad de Vallecas, Madrid. Los hermanos Juan, Enrique y José Salazar decidieron reunirse en 1973 para formar lo que sería un grupo de ruma, la familia Salazar, de etnia gitana, creció en un ambiente donde la música flamenca y la rumba formaban parte de la vida diaria, algo que influyó profundamente en su estilo musical. En 1977, Los Chunguitos grabaron su primer disco, titulado “Los Chunguitos”, que rápidamente llamó la atención por su auténtico sonido flamenco mezclado con rumba y pop. Canciones como “Dame veneno” y “Pa ti pa tu primo” se convirtieron en himnos populares. El grupo logró captar la esencia de una España en plena transición, emocionando a diversos públicos con su autenticidad y carisma. Aquel primer álbum no solo consolidó su posición en la industria musical, sino que también actuó como catalizador de un fenómeno cultural. Con letras que hablaban de amor, desamor y luchas cotidianas, sus canciones resonaban profundamente entre sus seguidores. Las voces de los hermanos Salazar, combinadas con el vibrante acompañamiento de guitarra y percusión, crearon una identidad musical inconfundible. Durante la década de los 80, Los Chunguitos continuaron llenando salas de conciertos y vendiendo discos a raudales. La consolidación de su carrera llegó con trabajos como “Ladrón de Amores” en 1980, y “Vagando por ahí” en 1982. Su presencia en programas de televisión como “Aplauso” y “300 millones” amplió aún más su popularidad, llevándolos a ser conocidos a nivel nacional e internacional. La influencia de Los Chunguitos ha trascendido generaciones, y es notable cómo la familia Salazar dejó una huella indeleble en la música española. Los sobrinos de Juan y José, o “Las Grecas”, han continuado con el legado, aportando al desarrollo de la música gitana y flamenca contemporánea. Este linaje musical es testimonio del talento y la pasión que corren por las venas de la familia Salazar.

La combinación de la guitarra flamenca y los característicos coros de Los Chunguitos le dan a la canción una fuerza inconfundible. El ritmo y la melodía, con una base rítmica marcada y constante, complementan perfectamente la carga emocional de la letra. Los arreglos musicales son sencillos, pero potentes, permitiendo que la voz de los hermanos García, miembros del grupo, destaque en todo su esplendor. Su interpretación vocal es apasionada y llena de emoción, lo que refuerza aún más la sensación de desesperación y angustia. Dame veneno puede ser vista como una crítica al amor destructivo, ese tipo de relaciones que, aunque duelen, se mantienen vivas debido a la adicción emocional que generan. Los Chunguitos, al igual que otros grupos de flamenco y música española de la época, lograron dar voz a las personas que vivían en la periferia social y emocional, enfrentándose a realidades complicadas y dolorosas. La letra invita al oyente a reflexionar sobre el precio del amor y cómo, en algunos casos, las relaciones pueden volverse tan tóxicas que, en lugar de brindar consuelo y felicidad, solo dejan cicatrices. El éxito de "Dame veneno" radica en su capacidad para conectar emocionalmente con su audiencia. La canción se ha convertido en un himno de la música española, especialmente en el ámbito de la rumba

Metallica - Reload - #MesMetallica

"¿No te gusta el café? Pues toma dos tazas", pensé al tener que afrontar mi segunda reseña del #MesMetallica. Ya comenté en la reseña de "...And Justice for All" que, aún reconociéndoles el poderío instrumental de muchos de sus temas, no son santo de mi devoción, y aún así siempre es positivo escuchar un disco al que no había dedicado tiempo ni atención antes. Siempre se encuentran cosas, así que no me ha importado "recargar" de nuevo las pilas y lanzarme a la escucha de "Reload" (1997), el séptimo álbum de la banda, que salió al mercado como una continuación natural de Load (1996), y tanto es así que, en un primer momento, la idea original fue lanzar Load y Reload como un álbum doble, pero resultó problemático para el grupo gestionar la grabación de tantos temas a la vez, y optaron por grabar solo la mitad de los temas para una primera entrega, y reservarse la otra mitad para el siguiente disco.

¿Es entonces Reload un conjunto de descartes de Load? Hay quién podría verlo así, porque el disco no terminó de convencer ni a crítica ni a público, pero yo apuesto por que el reparto fue algo más equilibrado, porque tampoco fue excesivamente bien valorado su antecesor, y porque canciones como "Fuel", con la que arranca el disco, o especialmente "The Memory Remains" (con la estimable colaboración de Marianne Faithfull, en la que fue la primera canción de Metallica en la que incluyeron a una invitada) están a la altura o incluso por encima de muchos de los temas de "Load".

Quizá no se pueda sacar tanto pecho de temas correctos como "Devil's Dance" o "The Unforgiven II", una innecesaria secuela de "The Unforgiven", que aunque tiene suficiente brillo, inevitablemente deja un regusto a relleno. Son temas destacables que bajan un peldaño el nivel pero que siguen por encima de lo que podría considerarse un descarte. Y en el resto de temas de Reload no se puede hablar realmente de malas canciones, sino más bien de un giro hacia el rock sureño que no fue bien recibido por los fans más clásicos del grupo, y que tampoco logró captar a una hornada de seguidores diferentes, dejando además la sensación de que a canciones como "Better Than You" o "Slither" les faltó un punto de cocción y podrían haber sido más trabajadas y desarrolladas.

"Carpe Diem Baby" y "Bad Seed" mejoran algo el panorama y son buenos temas que, sin brillar en exceso, contribuyen a darle empaque al álbum, pero no ocurre lo mismo con casi toda la última parte del disco, en la que en canciones como "Where the Wild Things Are", "Prince Charming" y, en menor medida "Low Man's Lyric" y "Attitude" es difícil resistirte a la tentación de saltar a la siguiente hacia la mitad de cada canción, hasta llegar a "Fixxxer", que junto a las ya mencionadas "Fuel" y "The Memory Remains" conforma el trío de ases de una partida de cartas de Metallica algo deslucida.

El farol del rock sureño no funcionó, y la falta de ases en la manga de "Reload" quedó al descubierto, pese a lo cual el disco entró inicialmente en el nº1 del Billboard 200, vendiendo más de 400.000 copias en su primera semana, y manteniéndose en la lista durante 75 semanas, aunque en su totalidad solo llegó a los cuatro millones de copias vendidas en Estados Unidos, una cifra agridulce para un álbum de una banda tan relevante como Metallica, que en futuras entregas intentaría retomar su rumbo más clásico, con mayor o menor acierto, como contaremos en las siguientes entregas del #MesMetallica.