1034.- Raw Power - The Stooges

"Raw Power" ("Fuerza Bruta") da título al tercer disco de The Stooges, publicado en 1973 como una continuación de la línea punk rock de los dos discos anteriores, pero dando también un paso más allá con la producción de David Bowie y las nuevas composiciones del siempre salvaje Iggy Pop, todo un compendio de energía cruda en un disco que no podía tener un título más adecuado.

En "Raw Power" la batería de Scott Asheton acompaña de manera frenética a un áspero y abrasivo riff de guitarra firmado por James Williamson, que en este tercer disco desplaza a Ron Asheton al bajo. Iggy canta desafiante y con contundencia en este torbellino de energía convertido en canción, describiendo la "fuerza bruta" poderosa y salvaje de la música rock, capaz de conducir a la liberación y el cambio social.

La actitud rebelde y la desafiante letra hicieron de "Raw Power" un himno del "protopunk" de los setenta, adelantándose a la explosión del punk promovida años después con bandas como The Clash o Sex Pistols con un alegato salvaje y visceral que ha influido a multitud de bandas posteriores. Como curiosidad, incluso los Guns and Roses se rindieron ante la "fuerza bruta" de The Stooges, haciéndola suya dentro del disco de versiones de temas punk "The Spaghetti Incident" (1993).

1033 - Alice Cooper - Hello Hooray

1035 - Alice Cooper - Hello Hooray

La canción "Hello Hooray" de la banda Alice Cooper es un tema que destaca por su poderosa energía y su capacidad para elevar el ánimo. Con una apertura dramática y grandiosa, la pista establece de inmediato un tono teatral y emocionante. La voz distintiva de Alice Cooper se luce con su entrega apasionada y ligeramente siniestra.

La instrumentación es rica en detalles, con guitarras y teclados que se entrelazan para crear una atmósfera vibrante. La canción evoca una sensación de celebración y triunfo, con un estribillo pegajoso que invita a los oyentes a unirse en un coro de alegría. La producción cuidadosamente elaborada resalta la habilidad de la banda para crear una experiencia auditiva inmersiva.

"Hello Hooray" es un ejemplo destacado del estilo teatral y provocador de Alice Cooper, que ha influido en generaciones de músicos. Esta canción en particular captura la esencia de su capacidad para cautivar a la audiencia y llevarla a un mundo de emoción y extravagancia musical.

Daniel 

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1032 - The Stooges - Gimme danger

1032 - The Stooges - Gimme danger

"Gimme Danger" es una destacada composición de la banda The Stooges. Esta pista, incluida en su álbum "Raw Power" de 1973, resalta por su intensidad y carácter distintivo.

La canción se inicia con un memorable riff de guitarra que establece su atmósfera característica. La voz única de Iggy Pop, llena de pasión y rebeldía, toma el centro del escenario mientras canta sobre el deseo y el peligro, creando una sensación de urgencia y anhelo palpable.

La instrumentación de "Gimme Danger" es cruda y poderosa, con riffs de guitarra contundentes y una sólida sección rítmica proporcionada por los hermanos Asheton. La combinación de estos elementos da como resultado una canción que se mantiene vigente a lo largo del tiempo y sigue siendo una pieza fundamental en la historia del rock.

"Gimme Danger" es una canción que destaca por su autenticidad y su capacidad para transmitir emociones crudas. Su poderosa mezcla de letras apasionadas y música enérgica la convierte en una obra que ha dejado una huella duradera en el panorama musical.

Daniel 

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El artista del mes: Black Sabbath - Mob Rules #MesBlackSabbath

El artista del mes: Black Sabbath - Mob Rules #MesBlackSabbath

"Mob Rules" es el décimo álbum de estudio de la banda de heavy metal Black Sabbath, lanzado en 1981. Este álbum llegó dos años después de su exitoso "Heaven and Hell", el cual marcó la entrada del vocalista Ronnie James Dio en la banda, reemplazando a Ozzy Osbourne. "Mob Rules" continuó con esta alineación renovada y consolidó la posición de Dio como un frontman destacado en la historia del metal. A lo largo de aproximadamente 600 palabras, exploraremos en profundidad este álbum y su impacto en la escena musical.

El álbum se abre con la poderosa "Turn Up the Night", una canción llena de energía que establece el tono desde el principio. La voz distintiva de Ronnie James Dio se destaca de inmediato, demostrando su capacidad vocal excepcional y su habilidad para infundir pasión en cada palabra. La combinación de su voz con la guitarra de Tony Iommi y los poderosos riffs establece un estándar alto para el álbum.

Uno de los aspectos más notables de "Mob Rules" es la habilidad de Black Sabbath para crear atmósferas oscuras y siniestras a través de la música. Esto se evidencia en canciones como "Voodoo" y "Sign of the Southern Cross", donde la instrumentación y la voz de Dio se entrelazan para crear una sensación de misticismo y misterio. Estas canciones son ejemplos perfectos de la capacidad de la banda para contar historias a través de su música, transportando a los oyentes a mundos oscuros y desconocidos.

El título de la pista principal, "The Mob Rules", captura la esencia de la época en la que se lanzó el álbum. La canción presenta un mensaje poderoso sobre la conformidad y el control de masas, temas que eran relevantes en ese momento y que aún resuenan en la sociedad actual. La canción es impulsada por un ritmo fuerte y un coro pegajoso que invita a los oyentes a unirse a la revuelta contra las reglas impuestas.

"Country Girl" es una de las pistas más accesibles del álbum, con un ritmo más rápido y un ambiente más ligero. Muestra la versatilidad de Black Sabbath para explorar diferentes estilos dentro del metal, demostrando que no se limitan a un solo sonido.

El álbum cierra con la épica "Falling Off the Edge of the World" y la enigmática "Over and Over". Estas canciones demuestran la destreza musical de la banda y su capacidad para crear paisajes sonoros intensos y emocionales. La guitarra de Tony Iommi brilla especialmente en estas pistas, con solos melódicos y emocionantes que dejan una impresión duradera.

En cuanto a la producción, "Mob Rules" cuenta con un sonido más pulido en comparación con algunos de los álbumes anteriores de Black Sabbath. Esto se debe en parte a la colaboración con el renombrado productor Martin Birch, conocido por su trabajo con bandas como Deep Purple e Iron Maiden. La producción cuidadosa resalta la calidad de la música y permite que cada instrumento brille.

En retrospectiva, "Mob Rules" es un álbum que ha resistido la prueba del tiempo y sigue siendo uno de los pilares del género del heavy metal. La influencia de Ronnie James Dio como vocalista y letrista se siente en cada nota, y su química con los miembros originales de Black Sabbath resultó en un sonido que es instantáneamente reconocible y perdura en la memoria de los fanáticos. La capacidad de la banda para crear música que es al mismo tiempo poderosa, melódica y emocional es un testimonio de su talento y longevidad en la industria musical.

En conclusión, "Mob Rules" de Black Sabbath es un álbum que sigue siendo un hito en la historia del heavy metal. Con sus letras intrigantes, su instrumentación magistral y la voz inconfundible de Ronnie James Dio, este álbum continúa cautivando a nuevas generaciones de amantes del metal y es esencial para cualquier fanático de la música rock y metal.

Daniel 

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1031.- Search and Destroy - The Stooges

 

Search and Destroy, The Stooges

     Raw Power es el tercer álbum de estudio de la banda estadounidense The Stooges. Fue grabado entre septiembre y octubre de 1972 en los CBS Studios de Londres bajo la producción de David Bowie e Iggy Pop, y publicado el 7 de febrero de 1973 por el sello discográfico Columbia Records. Para este tercer trabajo, la banda se apartó de canciones de ritmo y basadas en los sentimientos para darle un enfoque más agresivo y más pesado, tirando hacia el hard rock. Parte de este cambio vino por parte del nuevo guitarrista de la banda, James Williamson, quien coescribió las ocho canciones del disco junto a Iggy Pop. Fue lanzado bajo el sobrenombre de Iggy Pop and The Stooges, en contraste con los dos primeros álbumes, que fueron acreditados a The Stooges. Aunque el disco inicialmente no tuvo éxito comercial, con el tiempo fue ganando exponencialmente seguidores de culto y está considerado junto con los dos primeros álbumes del grupo como precursor del punk rock. 

Incluido en este disco se encuentra Search and Destroy, que fue uno de las dos canciones lanzadas como sencillo. En 2004 la revista Rolling Stone clasificó esta canción en el puesto 468 de su lista de "Las 500 mejores canciones de todos los tiempos". Fue escrita por Iggy Pop y por el guitarrista James Williamson, y su título proviene de un artículo de la revista Time que vio Iggy sobre la Guerra de Vietnam. Una potente canción con letras plagadas de referencias a la guerra, incluido el napalm, las bombas nucleares, los tiroteos o la radiación. El título es también una referencia a una táctica militar usada por el ejército estadounidense en la Guerra de Vietnam: Buscar al enemigo, destruirlo y retirarse. En una entrevista en el año 2013, el guitarrista James Williamson afirmaba sobre la canción: "Bueno, se me ocurrió un poco ese 'bum bum bum bum bum bum bum', pero se trataba más de imitar una ametralladora, por así decirlo. Porque estábamos en la era de la Guerra de Vietnam. Y entonces estábamos jugando con eso. Luego, el resto de la canción giraba en torno a eso".

En 1997 Search and Destroy junto con el resto del álbum fue remezclado y remasterizado por Iggy Pop y Bruce Dickinson, dando como resultado un tema más agresivo y sencillo que el lanzamiento original, que había sido mezclado por David Bowie. Con este tema el grupo estableció un modelo a imitar en el punk rock. Estamos ante una canción con una potente e inmejorable combinación, por un lado unas letras que nos hablan de caos, destrucción y rebeldía, y por el otro un potente riff de guitarra distorsionada, que juntos convierten esta canción en una de las más emblemáticas del punk rock.

1030.- Paris 1919 - John Cale

"Paris 1919", incluida en el disco del mismo nombre publicado en 1973, es una de las canciones más relevantes de la carrera del músico, compositor y productor galés John Cale, conocido especialmente por formar parte de la mítica banda The Velvet Underground junto a Lou Reed, y por una más que interesante y prolífica carrera en solitario, que nada tiene que envidiar a la de su famoso compañero de banda.

El título de la canción evoca la elegancia y el glamour de los años veinte en la mágica ciudad francesa, y su contenido intenta también plasmar la musicalidad romántica y melancólica de aquella época de sofisticación y esplendor, consiguiéndolo a través de su exquisita melodía y sus elaborados arreglos orquestales de cuerdas y vientos, todo ello comandado por la elegancia del piano como instrumento clave y principal junto a la voz profunda y melancólica de John Cale. 

La letra es poética y enigmática, y ajena a una narrativa lineal, logrando generar en el oyente una sucesión de imágenes mentales de poderosa belleza y abstracción ("Calles doradas...", "Sangre en el ojo de un faisán..."), que permiten que quién la escuche pueda darle su propia interpretación. Así, algunos críticos vieron en ella una nostálgica reflexión sobre la pérdida de la inocencia, mientras que otros la consideran una oda al romanticismo y la belleza de tiempos pasados. Sea como fuere, lo que no es discutible es que "Paris 1919" es ya un clásico atemporal del repertorio de John Cale.

El disco de la semana 350: New Gold Dream (81–82–83–84) - Simple Minds

 

Simple Minds es conocido por muchos por ser los autores de la canción en The Breakfast Club", consideramos “Don't You Forget About Me” es su canción más tocada en vivo, han tenido otros éxitos, sí, pero cuando se menciona Simple Minds en una conversación (lo que imagino que rara vez ocurre hoy en día), esa es la canción que a casi todo el mundo se le viene a la mente. Pero asa canción… no está en este álbum, ni en ningún otro álbum, la canción fue escrita pero aún no había sido grabada para The Breakfast Club por un productor llamado Keith Forsey, un fan de la banda, quien la presentó a los ejecutivos discográficos como una demostración, tenía en la cabeza que Simple Minds serían los más adecuados para grabar la canción, ya que la había escrito pensando en ellos. Dijeron que no por dos razones, solo querían grabar su propio material, y la otra era que no habían logrado ingresar al mainstream estadounidense y tenían dudas de que la canción fuera la que rompiera esa maldición. Tras ofrecerla a otros grupos y rechazarla, Simple Minds finalmente aceptó grabarla. Predijeron que sería simplemente una “canción desechable en la banda sonora de una película olvidable”, pero la historia muestra que no podrían haber estado más equivocados. Asi que no os asusteis, ni este éxito está en “New Gold Dream” y ninguna de las canciones del album suena similar a ella, os vamos a presentar 9 canciones, la mayoría de las cuales tienen sus propios encantos especiales, pero no tiene nada que ver con “Don't You Forget About Me”.

Lo primero que destaca en el disco son las texturas que están extremadamente cuidadas, cada nota parece puesta con una delicadeza exquisita, uno de esos raros casos en los que todo encaja, pero es que además es un disco pop lleno de estribillos inolvidables realizados por una producción y sonido de enorme meticulosidad y perfeccionismo y que al mismo tiempo resulta natural. La carrera incial de Simple Minds sonaba emocionalmente distante, y de pronto cse transformaron en rock y apareció el factor de fanfarronería vacía. New Gold Dream los encuentra en transición de una fase de su carrera a la siguiente, quizás combina los mejores elementos de ambas fases, también combina ambos aspectos negativos.

 

El álbum se abre con “Someone Somewhere in Summertime”, el mejor tema del grupo y uno de los mejores temas de synthpop de toda la década, hay una oscuridad subyacente que impregna toda la pista, y ese coro de cuatro palabras es simple pero también extrañamente catártico. Fue el tercer sencillo del álbum, pero como tema inicial fue el vehículo perfecto para anunciar el futuro más melódico y menos experimental de la banda, y desde el principio deja claro el mensaje: se trata de melodías pegadizas, líneas de fondo insistentes, fondos fascinantes, las majestuosas letras de Kerr y fragmentos de influencias de una gran variedad de fuentes, todo ello forjando un nuevo sonido y un futuro instantáneo, claramente fue un mensaje directo: Esto es Simple Minds, aquí estamos, no te olvides de nosotros. 

La segunda canción que encontramos es “Colours Fly and Catherine Wheel”, que está dominado por una línea de bajo que se te quedará en la cabeza durante días. No hay mucho en la canción estructuralmente, ya que el 'estribillo' es breve, puede sonar un poco repetitivo para oídos nuevos, quizás puedes encontrate de regreso a un sonido anterior de Minds, con partes de bajo completamente serpenteantes, efectos incidentales, guitarras procesadas y la voz cambiante de Kerr que te balancea entre Roxy Music y Ultravox. “Promised You a Miracle” es una pista bailable con el mejor trabajo de sintetizador hasta ahora en el disco, y una de las dos únicas canciones del disco que se abre inmediatamente con su estribillo, atentos a la guitarra solista y palmas falsas con eco a mitad de la canción, así como la batería en el último minuto de la canción antes del desvanecimiento. En el momento en que grabaron la canción, la banda estaba muy endeudada y necesitaba algo parecido a un milagro que los sacara de allí y alguna de sus canciones llegara a alguna lista de éxitos, lo consiguieron con esta canción que no solo les daría ese éxito, sino que les brindaría una nueva dirección y el comienzo de una racha récord de éxitos en las listas. La promesa y el milagro ciertamente se cumplieron. “Big Sleep” es un tema bastante flojito, pero encontramos todos los elementos están aquí para el futuro de Simple Minds. Con grandes riffs de sintetizador, un arreglo en evolución y momentos de manos en el aire, Big Sleep está casi diseñado como un futuro favorito en los estadios y el vehículo perfecto para el nuevo estilo vocal de Kerr que sonaría en los principales lugares durante el próximo año. cuatro décadas aproximadamente. “Somebody Up There Likes You” es completamente instrumental, pero de todos modos es una pieza maravillosa, me encanta la sensación de inmensidad que evoca la pista, como si estuviera presenciando una vista de pájaro de las llanuras del oeste de África mientras me deslizo sin ninguna preocupación en el mundo. Ni siquiera sé si esa descripción encaja, pero sonaba precisa en mi cabeza.

 

A continuación viene la canción principal “New Gold Dream (81-82-83-84)” que domina todo absolutamente, al igual que la segunda pista, esta establece un ritmo y se apega a él, excepto que esta es mucho más dinámica e impulsa la canción hacia adelante sin mirar atrás. Para mí, esta es la música de mayor éxito, y encuentro que la entrega del título del álbum es una fuente de hilaridad involuntaria. Simplemente escuche la forma en que Jim Kerr grita “OCHENTA Y UNO, OCHENTA Y DOS, OCHENTA Y TRES, OCHENTAAAA Y CUATRO”. Realmente no tengo más remedio que sentarme y aplaudir la pasión de este hombre por los números, tiene algunos de los mejores riffs y ritmos más importantes: casi se puede ver al productor Peter Walsh dirigiendo a los dos bateristas, por lo estridente que es la sección rítmica, Pero es una pieza memorable de Simple Minds unos 40 años después. Bandas como Utah Saints y USURA produjeron versiones del tema con las principales melodías y letras muestreadas o reinterpretadas. Después viene “Hunter and the Hunted”, una canción de la que probablemente no diría mucho si no hubiera sabido que el breve solo de teclado lo toca Herbie Hancock, mantiene el mismo sonido que el resto del álbum, pero es posiblemente la canción más olvidable de New Gold Dream , ¡casi un pastiche del nuevo sonido incluso antes de que se establezca como el nuevo sonido!. Finaliza el álbum con “King is White and in the Crowd” no es un buen cierre de álbum en parte debido a que es demasiado largo, siete minutos. Y unque el álbum no termina tan bien como comenzó, sería un error decir que “New Gold Dream” termina mal. Abre con ritmos electrónicos similares a los que abren la canción principal, pero no alcanza la misma altura, quizás porque posee un ritmo más lento y una sensación bastante sensiblera, pero no importa: se han escalado las cimas, el nuevo plan está firmemente en marcha y Simple Minds          tienen un sonido que conquistará el mundo. Estados Unidos llama y el sonido está preparado.

 

"New Gold Dream (81-82-83-84)" es el disco referente de Simple Minds, la banda más famosa de Escocia del período New Wave. Parafraseando a una frase que encontré en una revista de crítica musical, dijo que éste álbum fue "cima y sima" del grupo, fue su pico creativo, pero también el inicio de su declive en cuanto a producción de LP's(aunque seguirían sacando singles brillantes)

1029.- Over the hill - John Martyn

Lanzada en 1977 como parte del álbum "One World", "Over the Hill" ("Sobre la colina") es una de las más relevantes canciones del cantautor británico John Martyn, y se ha convertido con el tiempo en todo un himno del folk, por la fuerte carga melancólica de su música y la profunda introspección de sus letras, característica además en toda la obra de Martyn.

"Over the Hill" comienza con unos suaves acordes de guitarra acústica, instrumento por antonomasia del folk, y la inconfundible voz áspera del cantautor británico, desgranando de una manera simple y conmovedora sus pensamientos sobre lo efímero de la vida y sobre un amor que ha quedado atrás, recordándolo sin amargura y relativizándolo desde la aceptación de lo inevitable que es que todo cambie y tenga un final.

Esa visión diáfana solo llega cuando, en nuestras vidas, llegamos a lo alto de la colina, y podemos ver con claridad lo que hay tras ella. En "Over the Hill", John Martyn nos traslada a ese momento de aceptación única, a través de un sonido y un mensaje tan evocadores como etéreos, creando una atmósfera en la que consigue sumergirnos, o sería más correcto decir elevarnos, hacia esa imaginaria colina sobre la que nos habla en una canción atemporal y conmovedora.

1028.- Eres tu - Mocedades

 

La historia de Mocedades empezó a finales de los años sesenta en Bilbao, España. Después del espectacular triunfo internacional que obtuvo con Eres Tú, Mocedades siguió éxito tras éxito a lo largo de los años setenta y los ochenta. En un principio, el grupo lo conformaban sólo las llamadas Hermanas Uranga, es decir, Amaya, Izaskun y Estíbaliz Uranga Amézaga. Poco a poco, se añadieron más hermanos y amigos a sus ensayos, y acabaron fundando un nuevo grupo bajo el nombre de Voces y Guitarras. Cuando comenzaron a tener sus primeros éxitos, cambian su nombre a Mocedades. Su tema estrella es «Eres tú» una canción eterna en nuestro país y con la que participaron en el Festival de Eurovision de 1973 en Luxemburgo obteniendo el segundo lugar. La obra musical, lanzada en 1973, es considerada una de las canciones más emblemáticas, logrando tener un impacto positivo y duradero a lo largo de los años. Convirtiéndose en un éxito instantáneo en España, alcanzando rápidamente los primeros lugares de las listas de éxitos. Su melodía pegadiza, la emotiva interpretación vocal del grupo y la letra romántica y sentimental conquistaron los corazones del público. La canción fue compuesta por Juan Carlos Calderón (1938-2012), uno de los más importantes autores, productores y arreglistas que ha dado España. De hecho, trabajó con algunos de los nombres más importantes de la música patria, como Nino Bravo o Joan Manuel Serrat, en aquellos primeros años de los 70. Más tarde, produciría algunos de los discos más exitosos del mexicano Luis Miguel.

Eres tú de Mocedades alude al amor incondicional. Puede aplicarse al amor hacia un ser especialmente querido, como un amante, o un familiar. El foco, en este sentido, podríamos ponerlo en un hijo o hija. Otra interpretación que podríamos asumir a partir de la letra, sencilla pero clara y robusta, es el de la importancia de la familia. Hemos de tener en cuenta el momento histórico en el que se lanza esta canción, son los últimos años de la dictadura franquista en España. El tema llegó a vender más de un millón de copias en Estados Unidos, todo un éxito teniendo en cuenta el momento en el que se publica y que, entonces, la comunidad latina no tenía el peso que atesora en la actualidad, pero no solo eso, en Estados Unidos cuando no mucha gente entendía el castellano, Mocedades protagonizó un auténtico bombazo y ojo que la canción aún hoy sigue sonando con insistencia en las radios de oldies goldies, tipo Kiss FM, 40Classic… Para que te hagas una idea. Además consiguió una nominación a los Grammy’s en la categoría de Mejor interpretación vocal pop de un grupo, aunque no ganó el premio, la nominación destacó la calidad y popularidad de la canción. Incluso tuvo su versión en japonés titulada Anata wa, interpretada por el grupo Pink Lady. Esta versión fue lanzada en 1973 y se convirtió en un éxito en el país asiático, logrando el primer lugar en las listas de popularidad.

#MesBlackSabbath - Heaven and Hell

 

Heaven and Hell, Black Sabbath

     Heaven and Hell, el noveno álbum de estudio de la banda inglesa Black Sabbath, representa el fín de la era Ozzy y el inicio de otra con la inclusión de uno de los vocalistas más grandes que ha dado el metal, Ronnie James Dio. El disco es grabado entre octubre de 1979 y enero de 1980 entre los Criteria Studios de Miami y los Ferber Studios de París, bajo la producción del gran Martin Birch, y publicado el 18 de abril de 1980 por el sello discográfico Vertigo Records. En Estados Unidos tuvo un gran éxito comercial, llegando a vender más de un millón de copias. Tampoco le fue nada mal en Reino Unido.

Las sesiones iniciales del álbum comenzaron con Ozzy Osbourne tras la conclusión de la gira Never Say Die!. La banda se reunió en Los Angeles durante once meses para grabar el nuevo disco, un proceso descrito por Tony Iommi como interminable y frustrante. Ozzy estaba harto de la experimentación en los discos anteriores Technical Ectasy y Never Say Die!, y prefería el sonido más pesado que hacía la banda anteriormente. Todo esto acabaría desembocando en la marcha de Ozzy del grupo. 

Por otro lado, Ronnie James Dio e Iommi se conocen en 1979 gracias a Sharon Arden, quien más tarde se convertirá en la esposa de Ozzy. En un principio ambos discuten sobre la formación de una nueva banda en lugar de la continuación de Black Sabbath, y todo queda ahí. La pareja se volvería a encontrar más tarde, ese mismo año y por casualidad en Los Angeles, y su situación era similar, Dio estaba buscando un nuevo proyecto, mientras fue Iommi necesitaba imperiosamente un vocalista. La pareja mantuvo el contacto telefónico hasa que Dio se presentó en Los Angeles para una sesión relajada e improvisada y así conocerse mejor. Ese mismo día el dúo terminó Children of the Sea, canción que había comenzado a gestarse cuando todavíia estaba Ozzy en la banda y de cuyo proyecto Iommi conserva una grabación con este vocalista. A pesar de las dudas, pues Butler y Ward tienen dudas sobre si seguir o no, la banda se prepara para entrar en el estudio y grabar lo que acabará siendo Heaven and Hell. Butler hace un amago de marcharse debido a sus problemas cosu separación y un difícil divorcio, por lo que Iommi le sustituye en un primer momento por Geoff Nicholls. El guitarrista se pone en contacto con su amigo Frank Zappa para que le ayude a encontrar un bajista, Zappa ofrece a su bajista para las sesiones del disco, pero Iommi prefiere un miembro permanente. Al final Butler decide regresar al grupo y Tony Iommi deja como teclista no oficial de la banda a Nicholls. Bill Ward estaba luchando con una serie de problemas personales que le obligaron a dejar unos meses la banda, pero regresaría finalmente, aunque en un principio no estaba muy de acuerdo con el rumbo que había tomado la banda con Dio. Durante esa época también colabora el bajista Graig Gruber, pero no está clara cual es su contribución en el disco. 

En cuanto a la producción, en seguida se nota la mano de Martin Birch que es el primer productor externo de Black Sabbath desde que la banda se había separado de Rodger Bain. Y en cuanto a la portada, esta fue tomada de una pintura del artista Lynn Curlee, llamada Smoking Angels, inspirada en una fotografía de 1928 de mujeres vestidas como ángeles fumando detrás del escenario durante un descanso en un concurso universitario. La ilustración de la contraportada del disco fue dibujadada por el artista Harry Carmean. El disco se convirtió en el más exitoso del grupo desde Sabotage (1975), alcanzando el puesto número 9 en las listas de ventas del Reino Unido y el puesto número 28 en las listas de Estados Unidos. Se situó en el tercer disco más vendido de la banda detrás de Paranoid y de Master of Reality. 

Entramos en materia, y ya desde la primera canción, la enérgica Neon Knights, queda claro el nuevo rumbo tanto en la composición como en el tono imprimido por la voz de Ronnie James Dio. Esta fue la última canción escrita por la banda para el álbum. La letra fue escrita por Dio y es la única que cuenta con la participación del bajista Geezer Butler debido a sus problemas personales. Con un ritmo enérgico y pegadizo, Dio nos habla sobre leyendas inglesas de mitos y cultura medieval. Esta canción era la primera del álbum, y por tanto suponía mucha presión para el grupo, pues era la puesta en escena del nuevo vocalista del grupo, y era muy importante que a los fans les gustara. El segundo corte es una de las joyas absolutas de ese álbum, Children of the Sea, una conmovedora balada que destaca por el impresionante despliegue vocal de Dio, que demuestra por qué es uno de los mejores vocalitas del metal. Originalmente se comenzó a escribir mientras estaba en la banda todavía Ozzy, y fue retomada por el dúo Iommi / Dio. La melodía y la letra fueron escritas por Dio, mientras que Iommi se encargó de gran parte de la letra. El bajo fue grabado por el bajista Geoff Nicholls debido a los problemas por los que atravesaba Geezer Butler. Tony Iommi afirma tener una grabación de demostración muy temprana del tema con Ozzy Osbourne, aunque con una melodía y letras diferentes. Estamos ante una de las canciones más enigmáticas debido a sus letras de fantasía. Después de habernos relajado llega otro subidón con una de las canciones más pesadas del disco con el sonido característico del grupo, Lady Evil. Fue escrita por Dio junto con le resto de la banda, Iommi, Ward y Butler. La canción además refleja el giro poético de Dio con la letra que se aleja de la era del grupo con Ozzy. Cierra la cara A con otro de los grandes momentos del álbum, la canción que da nombre al mismo, Heaven and Hell. La canción se ha convertido en una de las más icónicas de Dio y del grupo por su melódica y reflexiva letra. El responsable de la línea de bajo de la canción fue Nicholls. Dicha línea de bajo se parece mucho a la canción de "Mainline  Riders" del grupo Quartz, del cual Nicholls fue miembro. La canción trata sobre la capacidad de cada ser humano de elegir entre el bien y el mal, ya que cada persona tiene en uno mismo "el cielo y el infierno" dentro de sí. Memorables son las interpretaciones en directo de la banda de esta canción, a menudo esta se extendía con solo extendido de Iommi y con la participación del público, con letras improvisadas sobre apariciones angelicales y demoníacas.

La cara B abre con una de las canciones menos atractivas del álbum, la optimista Wishing Well. Con un ritmo pegajoso, Dio le canta a una niña que el será su pozo personal de los deseos, tírale un centavo y él te hará realidad tu sueño. Si bien es cierto que las letras de Dio a menudo tratan sobre el bien y el mal, en esta se desmarca con una letra que bien podría ser para una película de Disney. Le llega el turno a Die Young, canción muy cañera con unos riffs y solos marca de la casa de Tony Iommy mientras que Dio aborda temas como la mortalidad y el envejecimiento. Dio profundiza sobre la inutilidad de la vida frente a la efímera naturaleza del hombre. Walk Away, es una canción con un tono más ligero y un ritmo más alegre, y es por eso por lo que quizás sea la canción menos atractiva del disco. Un pequeño bajón que se encarga de levantar la última pista, Lonely Is the World, que vuelve a la senda del sonido más oscuro y pesado el grupo. En cuanto a las letras, estamos ante una canción muy triste y solitaria donde Dio nos habla de la muerte. Este tipo de letras tristes y taciturnas no son muy corrientes en el heavy metal pero sí en el blues, el country o el soul. Atentos al solo de guitarra de Tony Iommi porque con razón mucha gente lo cita como uno de los mejores de su carrera. 

Heaven and Hell está considerado como uno de los álbumes más destacados de la carrera de Black Sabbath, y uno de los más influyentes del heavy metal. La inclusión de Ronnie James Dio a la banda le dio un nuevo impulso creativo y un sonido distintivo que abría otra fructífera etapa después de la era Ozzy Osbourne.

1027.- Little Jack - The Velvet Underground

 

Little Jack, The Velvet Underground

     

     Squeeze es el quinto y último álbum de estudio de The Velvet Unerground. Este útlimo trabajo es grabado durante el otoño de 1971 en Londres, y publicado en febrero de 1973 por la compañía discográfica Polydor Records. El disco presenta a Doug Yule en la formación, quien se había unido al grupo en octubre de 1968 antes de que el grupo grabara su tercer álbum homónimo. Yule tras ls salidas de los miembros fundadores Lou Reed y Sterling Morrison, se posicionó como líder del la banda y grabó este disco con los músicos adicionales Malcolm (saxofón) e Ian Paice (batería). Tras una breve gira promocional del disco acompañado de músicos de acompañamiento, Yule decidió poner fín al grupo. El grupo volvería a aparecer en una reunión en el año 1993.

Aunque este último trabajo está considerado como uno de los trabajos menos influyentes de la banda, contiene alguna que otra notable canción, como Little jack, la canción de apertura que con un alegre ritmo nos relata la historia de un niño llamado Jack, quien ha tenido una difícil infancia, siendo ignorado hasta por su madre. A medida que crece, decide no tener ningún tipo de familiay vivir de forma libre e independiente. Squeeze es a menudo considerado como un desastre oportunista, un equivocado y descarado intento de continuar con el legendario sonido de la era Reed. Esto es así porque quizás no se han detenido a escuchar detenidamente el disco, pues tiene algunos destacables temas además de Little jack, y muestra una fase diferente y evolucionada, que puede se acertada o no, de The Velvet Underground después de la marcha de Lou Reed. Y es precisamente ese intento de evolucionar y de hacer algo diferente lo que hay que valorar en su justa medida.

1026.- Daniel - Elton John

"Daniel" fue el segundo sencillo lanzado del album Don't Shoot Me I'm Only the Piano Player. El primer sencillo del álbum fue “ Crocodile Rock”, esa  canción se convirtió en el primer éxito número uno de Elton John en Estados Unidos . Además, fue su primer éxito número uno en todo el mundo y alcanzó el primer puesto en Canadá, Nueva Zelanda y Suiza. Daniel esta grabada en do mayor con un tempo lento, eso enmarcó perfectamente la inquietante melodía y le dio a la canción el espacio y el tiempo que tanto necesitaba para respirar. La canción también se benefició de la adición de algunos toques atmosféricos encantadores, cortesía de la mandolina. En definitiva, tiene todos los elementos de una balada maravillosa.La canción comienza con una melodía aparentemente positiva, pero una vez que Elton comienza a cantar, queda claro que la historia tiene más profundidad de la que simplemente pretende la música.

“'Daniel había sido la canción peor entendida que jamás hayamos escrito”, explicó Taupin, en el   proyecto tributo a Two Rooms . “La historia trataba sobre un tipo que regresaba a un pequeño pueblo de Texas, regresando de la Guerra de Vietnam. Lo elogiaron cuando regresó a casa y lo trataron como a un héroe. Pero él sólo quería volver a casa, regresar a la granja y tratar de volver a la vida que había llevado antes. Quería escribir algo que simpatizara con la gente que regresaba a casa”. La letra incluía originalmente unas líneas que explicaban la relación de “Daniel” y el cantante. Taupin originalmente escribió algunas líneas más hacia el final de la canción para aclarar que "Daniel" era en realidad un veterano. Sin embargo, ante la preocupación de Elton y su sello discográfico, la canción fue acortada en un verso. Yo también pensaba que “Daniel” trataba sobre un hermano que había muerto, supongo que es la frase “Dios, se parece a Daniel / Deben ser las nubes en mis ojos” lo que me desconcertó, pero sin duda la canción homenajea el hecho de que muchos de estos jóvenes soldados que regresaban sólo querían regresar y volver a sus vidas anteriores, sin embargo, esto no fue fácil de lograr, principalmente por la atención no deseada que recibieron a su regreso. Además, también lucharon con todo el daño mental debido a su exposición a la guerra, esta última parte está expresada en el coro. Elton canta sobre las cicatrices que no sanan y el dolor que puede ver en los ojos de su hermano, como sabe cualquiera que haya estado cerca de personas que sufren de trastorno de estrés postraumático o angustia mental aguda, sus ojos a menudo están vacíos, y parecen estar atrapados en una mirada lejana. Independientemente del significado original de la canción, la canción comunica una relación íntima entre hermanos, una imagen poco común en ese momento.

1025 - Elton John - Crocodile Rock

1025 - Elton John - Crocodile Rock

"Crocodile Rock" es una canción del artista británico Elton John. Lanzada en 1972 como parte de su álbum "Don't Shoot Me I'm Only the Piano Player", esta canción se ha convertido en un clásico atemporal del rock y el pop.

La canción tiene un sonido alegre y pegajoso que combina elementos de rock 'n' roll de los años 50 y 60 con la inconfundible voz y el virtuosismo al piano de Elton John. La letra, escrita por Bernie Taupin, cuenta la historia de un lugar donde la música es la protagonista, y la gente se reúne para bailar al son de la "Crocodile Rock". Esta canción es un homenaje a la nostalgia de la música pasada y el poder que tiene para unir a las personas.

La melodía pegajosa y el estribillo fácil de recordar hacen que "Crocodile Rock" sea una de las canciones más reconocibles y queridas de Elton John. Además, su energía y positividad la convierten en una elección popular en fiestas y eventos. A lo largo de los años, ha perdurado como un himno de la música pop que sigue cautivando a nuevas generaciones de oyentes.

Daniel 

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Black Sabbath - Technical Ecstasy (Mes Black Sabbath)

No estoy de acuerdo con muchos de los críticos, no creo que este sea el peor álbum de Sabbath de los 70, particularmente ese título se lo doy a "Never Say Die” si admito que el álbum está claramente a un paso de sus trabajos anteriores, esta fue sin duda una progresión lógica teniendo en cuenta que la banda logró la perfección absoluta en la combinación de progresivo y metal en el transcurso de sus dos últimos álbumes, estaba claro que era necesario otro desafío para mantener la dirección creativa de la banda en movimiento. "Technical Ecstasy" fue la respuesta. Vamos a sentar la primera base, este no es un álbum de hard rock o heavy metal, en todo caso, la mayor parte se acerca al pop-rock sifónico (con matices de boogie-woogie, blues, funk y hard rock/metal) aunque los mas optimistas diran que es la "ópera rock" de Black Sabbath. No hay nada malo en los cambios y la dirección que tomó la banda (al menos en concepto) pero si eso es lo que vas a hacer, ¡al menos intenta hacer que la música este cerca de lo que entregaste, por supuesto, hay algunas buenas canciones, en particular las dos mejores: You Won't Change Me y Dirty Women. Pero al mismo tiempo tenemos algunos de los peores trabajos de la banda, sobre todo la que posiblemente sea la canción más horrenda del grupo original: "Rock N' Roll Doctor". Technical Ecstasy es, con diferencia, el menor de los 8 álbumes originales de Black Sabbath, en el mejor de los casos, puede ser un álbum muy interesante y divertido. En el peor de los casos, es probablemente el único álbum original de Black Sabbath que puedes detestar.

 

"Back Street Kids" probablemente no tenga la letra mas apasionantes, pero en el estribillo muestran mucha creatividad, con frases retorcidas y disonantes y líneas de sintetizador brillantes. El puente también está muy bien arreglado y tiene un fuerte gancho vocal. A pesar del enfoque lírico juvenil, este es un tema de Sabbath decente, podemos decir que es una buena canción de hard rock que comienza con un riff que afloraría menos de un año después en "Barracuda" de Little Queen. "You Won't Change Me" es una cancion muy dramática con fantásticas armonías vocales que debería convertirse en una melodía clásica de Sabbath. Un poco pesados en los teclados a veces, pero de todos modos es una gran canción. En realidad, realmente no dañan la canción, a estas alturas de la escucha, ya está muy claro que la voz de Ozzy es mucho más clara y fuerte que en Sabbath Bloody Sabbath y, en menor medida, que en Sabotage. "It's Alright" es una canción que debería odiar, y estoy seguro de que muchos fans de Sabbath lo hicieron pero me convence, ss básicamente una canción de folk rock con la voz principal del baterista Bill Ward.. No necesariamente me interesaría escuchar un álbum completo de esto, pero durante 4 minutos definitivamente funciona. "Gypsy" fue uno de los 3 sencillos del disco (It's Alright & She's Gone son los otros 2) buena canción que adolece del innecesario blues del sintetizador, con un gran trabajo de apertura de Bill & Geezer. Para muchos es el punto más bajo del álbum a pesar de la actuación estelar de Ward y los ingeniosos estribillos, hay una verdadera falta de ganchos o imaginación lírica.

 "All Moving Parts" es un bonito corte clásico de medio tiempo, con un trabajo de bajo pulsante de Butler y melodías vocales enganchadas. El hammond y el clavinet también se utilizan mucho aquí, aunque prácticamente están enterrados en el arreglo. La ruptura del jazz en el medio también es excelente, con una sensación sincopada en bucle que te saca de la seguridad de los versos más convencionales. Este es un verdadero punto culminante del álbum, la joya de la ofrenda sin brillo. Trae las letras sociopolíticas que la banda logró difundir a lo largo de los primeros álbumes sin mucha fanfarria (A National Acrobat, War Pigs, Hand of Doom , Funeral Eléctrico, Wicked World, etc.). "Rock 'n' Roll Doctor" es lo más estúpido del disco, superando a Back Street Kids por un buen margen, sin embargo, quita el nombre de Black Sabbath de esto, ponle la cara B de Back Street Kids y tendrás un sencillo muy vendido de una banda de rock de la que los niños tal vez quieran escuchar más. El tipo de banda que habría sacado a Sabbath del escenario cuando estaban colapsando bajo las drogas y las luchas internas a partir de ese momento. "She's Gone" es probablemente la mejor balada de Sabbath jamás grabada, la voz increíblemente apasionada de Ozzy, las cuerdas melancólicas y las inquietantes guitarras acústicas ayudan a crear un ambiente innegablemente desesperado aquí... y el resultado es como un rayo en una botella. Perfección. El bajo de buen gusto de Butler también es lo más destacado. "Dirty Women" es una epopeya de rock de más de 7 minutos sobre la profesión más antigua del mundo. Lo que me encanta de este es que podemos escuchar a Ozzy dejar que todo salga bien, a veces, de la manera más gutural. El órgano está bien y la forma de tocar de Iommi es creativa y firme, pero las tendencias progresivas en algunos lugares llevan la vibra en demasiadas direcciones diferentes como para considerar esta una pista completamente desarrollada.

 

En general, hay un tono muy futurista y cínico en el álbum, esto es algo que Sabbath aún tenía que explorar y, en retrospectiva, fueron sabios al hacerlo. Por otro lado, el álbum ciertamente alienó a una buena parte de su audiencia con sus tendencias art rock claramente a la vanguardia. Quizás este álbum fue realmente un simple caso de "demasiado, demasiado pronto". No lo sé, pero definitivamente es una entrada digna en el canon del sábado. No hace falta decir que los instrumentales están bien interpretados y hay más de un riff que vale la pena escuchar, una vez más como era de esperar. Seguramente la voz de Ozzy alcanzó su punto máximo en Sabotage, y de alguna manera en un año perdió no sólo la ira, sino prácticamente cualquier personalidad o energía. Seguramente no quería estar allí grabando este disco, pero eso no hace que su actuación sea menos mediocre. A pesar de todas sus deficiencias, sigue siendo una escucha bastante fácil y no molesta mucho.

1024 - Aerosmith - Mama Kin

1024 - Aerosmith - Mama Kin

"Mama Kin" de Aerosmith es una pista fundamental en la historia del rock. Presente en su álbum debut homónimo de 1973, esta canción es un verdadero testimonio de la energía y la pasión cruda de la banda en sus primeros días.

La canción comienza con un poderoso riff de guitarra de Joe Perry que establece inmediatamente un tono enérgico y emocionante. La voz distintiva de Steven Tyler entra en escena con letras que hablan de la búsqueda de la libertad y la emoción de la vida en la carretera. "Mama Kin" tiene un ritmo implacable que te hace mover la cabeza y los pies desde el primer acorde.

Lo que hace que esta canción sea especial es la brillante interacción entre las voces de Tyler y la guitarra de Perry. Su química en el escenario se refleja perfectamente en esta pista, con Tyler entregando su voz apasionada y raspada mientras Perry ofrece riffs y solos de guitarra inolvidables.

"Mama Kin" es una pieza fundamental del rock clásico que ha resistido la prueba del tiempo. Esta canción te hace sentir la pasión y la energía cruda del rock and roll y sigue siendo una favorita de los fanáticos de Aerosmith en todo el mundo.

Daniel 

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1023.- Dream On - Aerosmith

Aerosmith fue el disco debut homónimo de la banda de Boston, de todos modos, este álbum se conoce principalmente como el de 'Dream On'. Estoy seguro de que la mayoría de ustedes están cansados de esa canción, pero a mí me encanta. Si esperas más canciones como 'Dream On' en Aerosmith, no te molestes, quizás hayas escuchado 'Mama Kin', una canción de rock and roll alegre y divertida que habría encajado perfectamente en Exile on Main St. con temas como 'Rocks Off' y 'Happy'. Si te gusta esa canción, entonces este álbum es para ti, ya que todas las demás canciones tienen el mismo propósito. Publicado originalmente por Columbia a principios de enero de 1973, es una oferta cruda y fría basada en blues, que presenta material que la banda había estado tocando en vivo durante varios años. Los lanzamientos posteriores de la banda supusieron una mejora importante en la producción y la composición, pero el LP de Aerosmith ocupa un lugar especial en mi corazón. Son las raíces bajas y crudas de la banda las que definieron el raunch 'n' roll estadounidense durante los altos vuelos de los años 70. La voz de Steven Tyler, en particular, tiene un tono extrañamente más bajo y más blues en este álbum, y he escuchado a varias personas sugerir que ni siquiera está cantando en el disco porque suena muy diferente, pero cuando escuchas su característico agudo chirriante obviamente no es nadie más que el joven Steven. Hablando de eso, ves la portada del disco y te pueden parecen un grupo de inútiles de la escuela secundaria en la portada. Mire a Brad Whitford en el extremo derecho: parece que tenía frenillos y estaba sentado en su habitación escuchando un montón de discos de Led Zeppelin.

“Dream On” es una balada de rock que le abrió las puertas a Aerosmith, en su ciudad, Boston, “Dream On” se mantuvo en el número uno durante más de un año, incluso hoy en día, esta canción de rock clásico sigue siendo muy popular. Ahora, analicemos esta maravillosa balada, la guitarra de Joe Perry es realmente preciosa. Además, el solo es enorme y bastante variado, esta guitarra complementa bastante bien la voz de Steven Tyler. El ritmo general no es demasiado rápido, este tipo de tempo es bastante común en las baladas, sin embargo, en el estribillo acelera un poco el ritmo. Respecto al significado de esta canción, Tyler explicó: "Se trata del hambre de ser alguien: sueña hasta que tus sueños se hagan realidad". Y añadió: "Esta canción resume la mierda que soportas cuando estás en una nueva banda. La mayoría de los críticos criticaron nuestro primer álbum y dijeron que estábamos copiando a los Stones. Ese es uno de los motivos de mi enfado con la prensa y que todavía me dura. 'Dream On' surgió cuando tocaba el piano cuando tenía 17 o 18 años, y no sabía nada sobre escribir una canción. Fue solo este pequeño soneto que comencé a tocar un día, nunca pensé que terminaría siendo una canción real".

El disco de la semana 349: Árbol - Álbum Guau!

El disco de la semana 348: Árbol - Álbum Guau!

Árbol: Del Colorido Rock Alternativo de Sus Inicios a la Revolución 'Guau!' en 2004

Árbol, la banda de rock alternativo argentina, ha dejado una marca indeleble en la escena musical desde su formación en Haedo, Morón, en 1994. Desde sus primeros pasos, se destacaron por su enfoque único en la música, caracterizado por letras coloridas y sencillas, así como por la fusión de una amplia variedad de ritmos e instrumentos. Su versatilidad musical abarca géneros que van desde el rock y el punk hasta el rap, el hardcore, el funk, el reggae, la música electrónica, el country y la chacarera.

Árbol es conocido por su valentía al experimentar con diversos géneros musicales. Su discografía es un testimonio de esta diversidad, donde fusionan elementos de la música popular argentina con influencias de géneros internacionales. Esta habilidad para mezclar ritmos, desde los más enérgicos hasta los más folclóricos, les ha permitido conectar con una amplia audiencia.

En el año 2004, Árbol lanzó su cuarto álbum de estudio, "Guau!". Este álbum marcó un punto de inflexión en la carrera de la banda y en la música argentina en general. La producción musical de "Guau!" consolidó el lugar de Árbol en la escena musical del país y los catapultó a la fama, especialmente entre el público pre-adolescente. Sin embargo, este éxito no estuvo exento de controversia, ya que algunos críticos argumentaron que la banda se había orientado más hacia un público joven debido a sus letras simples y, en ocasiones, inocentes.

"Guau!" es un álbum compuesto por doce pistas que desafían las expectativas musicales. La banda experimenta con diferentes estilos, fusionando cumbia y hardcore en canciones como "Chicanoréxika", incorporando la chacarera en "Soylazoila" y explorando coros vocales en su versión de "Jijiji" de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. Además, el álbum se aventura en el terreno del pop en la mayoría de sus canciones. Esta diversidad musical demuestra la habilidad de Árbol para explorar diferentes géneros y crear un sonido único.

"Guau!" fue producido en colaboración con Gustavo Santaolalla y Aníbal Kerpel, con la mitad del álbum grabado en Buenos Aires y la otra mitad en Los Ángeles. La mezcla final se realizó en el estudio de Santaolalla y fue masterizada por Tom Baker en Precision Mastering. Esta producción de alta calidad respaldó la frescura y espontaneidad que se siente en cada canción del álbum. El álbum recibió el reconocimiento de la crítica y el público, siendo considerado uno de los mejores discos del año por revistas como Rolling Stone y el diario Clarín. Árbol también obtuvo nominaciones y premios en los premios Gardel y MTV Latinoamérica de 2005.

La influencia de Árbol en la escena musical argentina es innegable. Desde sus inicios, la banda se destacó por su disposición a explorar diferentes estilos musicales y fusionarlos en su propia paleta sonora. Esta versatilidad musical les permitió atraer a una audiencia diversa y, al mismo tiempo, contribuir a la evolución de la música argentina.

La controversia en torno a "Guau!" no ha hecho más que resaltar la singularidad de Árbol como banda. Aunque algunas críticas señalaron la simplicidad de las letras, no se puede negar que la música de Árbol tiene un atractivo universal. Las letras coloridas y sencillas de la banda a menudo tratan temas cotidianos y emociones que cualquier persona puede relacionar, lo que las hace accesibles para oyentes de todas las edades.

El éxito de "Guau!" no fue efímero; la influencia de Árbol en la música argentina perdura hasta hoy. La banda ha continuado evolucionando y explorando nuevos sonidos en álbumes posteriores, manteniendo su posición como un referente en el panorama musical del país. Han demostrado que la versatilidad musical es una fortaleza, y su capacidad para adaptarse a diferentes estilos y públicos ha sido una de las claves de su longevidad.

Árbol, desde sus inicios con su enfoque en la fusión musical y sus letras coloridas y sencillas, hasta el impacto de "Guau!" en 2004, ha demostrado ser una banda única en la escena musical argentina. Su versatilidad y capacidad para evolucionar y adaptarse a diferentes estilos la han convertido en un referente importante. A pesar de las críticas, "Guau!" sigue siendo un clásico que forma parte integral de la historia del rock argentino y un recordatorio de la capacidad de Árbol para abrazar la diversidad y crear música que conecta con un público amplio. Su legado perdura como un testimonio de la riqueza musical y creativa de Argentina.

Daniel 

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1022.- Spirit In The Night - Bruce Springsteen

 

Spirit in the Night, Bruce Springsteen

     Greetings from Ausbury Park N. J. es el álbum debut de Bruce Springsteen. El disco fue grabado entre junio y octubre de 1972 en los 914 Sound Studios en Blauvelt, Nueva York, bajo la producción de Mike Apple y Jim Cretecos, y publicado el 5 de enero de 1973 por el sello discográfico Columbia Records. El éxito de este disco en Reino Unido fue tardío y a raíz de la llegada de la gira Born in the USA del Boss en dicho país e 1985, permaneciendo entre 100 primeros durante diez semanas. La revista Rolling Stone lo situó en 2003 en el puesto 379 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Springsteen y su primer mánager, Mike Apple decidieron trabajar en los 914 Sound Studios porque eran económicos y así podían ahorrar la mayor cantidad del dinero adelantado por la discográfica Columbia Records. Sobre el disco hubo un disputa, pues poco después de grabado el álbum, Apple y John Hammond preferían las canciones del mismo en solitario, mientras Springsteen prefería las canciones grabadas por la banda. Al final llegaron a un acuerdo, El disco incluiría cinco canciones con la banda y cinco grabadas en solitario. Otro de los problemas que se plantearon fue cuando el presidente de Columbia, Clive Davis, escuchó el álbum que había de ser definitivo, sentía que carecía de ningún potencial sencillo de éxito y lo rechazó. Springsteen se puso rápidamente a trabajar para salvar este escollo y poder presentar el disco y escribió Blinded by the Light y Spirit in the Night. El disco siguió adelante gracias a estos dos temas de última hora.

Nos vamos a centrar en Spirit in the Night. En ese momento gran parte de la banda tenía otros compromisos adquiridos, por lo que esta canción fue grabada únicamente por tres hombres, Vini López a la batería, Bruce Springsteen a la guitarra, bajo y piano, y Clarence Clemons al saxofón. Clarence dotó de una nueva dimensión a la música del tema. Esta es, quizás, la única canción donde la letra y la música encajan a la perfección, todo está en su sitio, el saxo de Clemons le da un aire nuevo al tema y encaja a la perfección con las letras del Boss. La letra describe a un grupo de adolescentes que va a un lugar llamado Greasy Lake, para una noche de libertad, sexo y bebida. Grasy Lake es un lago situado cerca de Howel, Nueva Jersey, y debe su nombre a que, al parecer, las personas que vivían alrededor y que no tenían hogar acudían allí para bañarse, lavar los platos, etc. Esas personas sin hogar eran conocidas como Gypsy Angels (Ángeles gitanos) o Spirits in the Night (Espíritus en la noche). Las letras de la canción también hacen un guiño al poema Crazy Jane del poeta irlandés William Butler Yeats.

Black Sabbath - Sabotage (Mes Black Sabbath)

El sexto álbum de estudio de Black Sabbath, "Sabotage" (1975) no es tan solo una más de las muchas demostraciones de la banda de como facturar potentes discos de heavy metal clásico, sino que, para la ocasión, los Osbourne, Iommi y compañía se afanaron en dotar a las ocho canciones que componen el disco de una versatilidad de estilos y tendencias que habían desarrollado en menor medida en sus anteriores obras, más marcadas por su característico sonido oscuro y lúgubre.

El disco arranca con la enérgica "Hole in the Sky", con un característico riff de guitarra firmado por Tony Iommi. El "agujero en el cielo" es una amenaza inminente para un mundo sumido en la decadencia y la oscuridad, y una canción brillante al más puro estilo sombrío y poderoso de los mejores temas de Black Sabbath. Es un arranque continuista con el estilo y la atmósfera típicos de la banda, pero no hay que esperar mucho para comprobar que la intención de dar cabida a otros colores en su paleta es firme y decidida. En "Don't Start (Too Late)", pista instrumental que sirve como breve interludio previo al siguiente tema cantado, Tony Iommi toma las riendas y conduce la oscura diligencia hacia terrenos más verdes y luminosos, en un tremendo ejercicio de virtuosismo con la guitarra acústica, creando una pieza sorprendentemente suave y melódica.

Tras el receso acústico, "Symptom of the Universe" explota en todo su esplendor con otro de los más grandes y característicos riffs de guitarra de Iommi. Estamos ante una de las canciones más relevantes del disco y de la carrera de Black Sabbath, que nos lleva en volandas con su ritmo rápido y pesado, y que transita incluso territorios del rock progresivo en el puente a mitad de canción. Las letras no se alejan de las temáticas clásicas de la banda, y sumergen al oyente en un oscuro mundo de ansiedad y paranoia, del que no terminan de salir en "Megalomania", una de las canciones más largas del disco, y en la que tras un comienzo de órgano melancólico y la sombría voz de Ozzy Osbourne, nos encontramos con tramos en los que, de nuevo, la banda se desmelena y se lanza al rock progresivo. El avance gradual de la canción, salpicada de impresionantes cambios de ritmo y variaciones instrumentales, es realmente impactante. Como su propio título indica, la letras explora de manera introspectiva el tema de la megalomanía y el egocentrismo obsesivos.

Superado el largo e impactante tránsito por el mundo de la megalomanía, la energía heavy metal más básica vuelve con fuerza en "Thrill of It All", con otro riff poderoso y un estribillo más asequible y pegadizo. La megalomanía anterior quizá fuera consecuencia de la fama y la adicción a la adrenalina del éxito y los escenarios que sufre una banda de renombre, que se erigen aquí en los temas principales de la letra de la canción. Imposible no pensar en la relación entre la temática de esta pieza y el título de la siguiente, "Supertzar", un juego de palabras con el término "Superstar", que le pone efectivo nombre a la segunda de las canciones instrumentales de "Sabotage", que a diferencia de la anterior, tiene un planteamiento sonoro mucho más grandioso y orquestal, con un enorme coro y un imponente órgano destacando sobre el conjunto y creando un clima de majestuosidad que contrasta con la oscuridad del álbum y de la banda.

Un nuevo giro sorprendente nos espera en "Am I Going Insane (Radio)", una reflexión sobre la inestabilidad mental y la locura con un sonido que, aunque mantiene las credenciales básicas de la banda, es mucho más ligero y accesible. Es la pieza perfecta para abrevar y tomar aire antes de la traca final de "The Writ", una canción intensa y compleja que explora en sus letras temas tan intensos como el resentimiento y la culpa. Su riff de guitarra pesado va evolucionando a lo largo de sus más de ocho minutos, y la voz de Ozzy transmite de manera brillante la emoción cruda que acompaña a la canción, logrando una despedida épica para un álbum en el que demuestran que, aún manteniendo las características con las que crearon un género en sí mismo, tienen la versatilidad suficiente para moverse en terrenos progresivos y melódicos más arriesgados, en un acto de "sabotaje" de sus propios postulados, que para una banda tan oscura podía haber terminado en suicidio profesional, pero que abrió su propuesta musical a otros horizontes, impresionando a propios y extraños con el impactante resultado de este particular "Sabotage".

1021.- Growin' Up - Bruce Springsteen

Greetings from Asbury Park NJ, es el único álbum de Springsteen que no tiene una canción principal, pero “Growin' Up” cumple con los criterios en todos los sentidos excepto en el título. Con sus letras descaradas y su confianza descarada, anuncia la llegada de Bruce y lo presenta como un artista listo para abordar temas de adultos sin dejar de lado su rebeldía juvenil. “Growin' Up” suena como la autobiografía de cada niño que alguna vez tomó la guitarra y dedicó su vida al rock and roll. Era la canción perfecta para que Bruce hiciera una audición para John Hammond en mayo de 1972, y Hammond quedó tan cautivado con la canción y su autor que hizo que Bruce grabara una demostración para Columbia Records al día siguiente. “Growin' Up” fue una de las primeras canciones escritas y grabadas para Greetings From Asbury Park, Nueva Jersey.   Sus raíces musicales se remontan al menos a principios de 1972 y una canción abandonada llamada “ Eloise ” que presenta una melodía familiar en contraste con un tema muy conjunto diferente de letras. Bruce estaba comenzando a escribir de manera más estilística, rompiendo el diccionario de rimas y adoptando aliteraciones entrecortadas, rimas internas y giros ingeniosos de frases que desafiaban al oyente a seguir el ritmo.

Algunas canciones, como “ Blinded by the Light ” y “ Spirit in the Night ”, estaban tan llenas de alter egos y circunstancias que casi parecían escritas exclusivamente para su elenco de personajes. “Growin' Up” destaca por su cercanía, no es menos extravagante que cualquier otra canción de  Greetings,  pero Bruce muestra la suficiente moderación lírica para que el oyente casual asimile lo que está cantando, si tan solo prestan mucha atención. "Esta es una canción sobre el crecimiento",está mintiendo, por supuesto, si “Growin' Up” es una canción sobre crecer, entonces es una canción que esperaríamos de Peter Pan arrastrado pataleando y gritando hasta la edad adulta, o de Calvin, poco después de ser obligado a renunciar a su tigre de peluche. Porque “Growin' Up” no se trata en absoluto de crecer. Se trata de  negarse  a crecer, algo que Bruce hizo evidente cada noche en el escenario con una historia de un perro peludo que se volvía más peluda con cada recuento, una canción que trata sobre aferrarse a la juventud incluso cuando la edad te empuja inexorablemente hacia adelante y que se mantiene hasta el día de hoy como un recordatorio para aquellos de nosotros que hicimos la mayor parte de nuestro crecimiento hace mucho tiempo de que siempre hay más que hacer frente a nosotros. La canción no estaría completa hasta que Bruce la arregló para una banda, concretamente The Bruce Springsteen Band, que aún no se había disuelto oficialmente en el momento de la grabación. El núcleo de la banda (Vini López a la batería, Garry Tallent al bajo y David Sancious al piano) proporciona el telón de fondo para la voz y la guitarra acústica de Bruce, pero es Sancious quien proporciona la magia que hace que “Growin' Up” despegue. Su estructura simple y sus letras personales hacen que “Growin' Up” sea casi infinitamente maleable. Bruce lo ha tocado con la E Street Band cientos de veces y también aparece con frecuencia en sus listas de canciones en solitario, arreglado para guitarra, piano e incluso ukelele.

1020.- It's hard to be a saint in the city - Bruce Springsteen

"It's Hard to Be a Saint in the City" ("Es duro ser un santo en la ciudad") es una de las canciones más emblemáticas y recordadas de "Greetings from Ashbury Park. N.J." (1973), el que fuera primer álbum de estudio de Bruce Springsteen. Dentro de un disco primerizo en el que ya se proyectaban las virtudes compositivas e interpretativas del genial músico de New Jersey, esta canción captura la esencia cruda y rockera de las grandes composiciones del "Boss".

La interpretación vocal de Springsteen es enérgica y apasionada, y dota del máximo realismo a unas letras que nos trasladan la experiencia de un joven Bruce que lucha por mantener su integridad y sus valores, mientras intenta salir a flote y no ahogarse en mitad de la vorágine de una ciudad como New Jersey, en la que la corrupción y la mala vida están esperando en cada esquina.

La enérgica combinación del poderoso ritmo de batería, las ásperas guitarras eléctricas y una intensa capa de órgano, hace de "It's Hard to Be a Saint in the City" el brillante comienzo de la larga lista de himnos de rock urbano que el "Boss" nos ha regalado durante su extensa carrera discográfica, y un tema que capta a la perfección la esencia de la desesperanza y la inquietud de la América menos favorecida y suburbial, y que sigue estando entre las mejores composiciones de Bruce Springsteen.

1019 - Bruce Springsteen - Blinded by the Light

1019 - Bruce Springsteen - Blinded by the Light

"Blinded by the Light" es una canción del influyente artista Bruce Springsteen, que ganó reconocimiento especialmente en su versión interpretada por la banda británica Manfred Mann's Earth Band. Esta canción se lanzó en 1976 como parte del álbum "The Roaring Silence".

La canción es conocida por su pegajosa melodía y letras poderosas que exploran temas de identidad y la lucha por encontrar un camino en la vida. La letra narra la historia de un joven que se enfrenta a las incertidumbres y desafíos de la vida adulta, pero también transmite un mensaje de esperanza al sugerir que, a pesar de los obstáculos, siempre existe una luz al final del túnel.

La instrumentación de la canción es enérgica, con guitarras eléctricas y teclados que se combinan para crear un sonido distintivo. La interpretación apasionada de Manfred Mann's Earth Band, junto con la voz única de Bruce Springsteen, contribuyen a hacer de esta canción una experiencia auditiva memorable.

"Blinded by the Light" ha perdurado a lo largo de los años como una canción que capta la esencia del rock 'n' roll y aborda temas universales de la vida y la búsqueda de significado. Esta canción es un ejemplo del talento perdurable de Bruce Springsteen y su capacidad para conectar con las experiencias humanas a través de la música.

Daniel 

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1018 - Many Rivers To Cross - Jimmy Cliff

Many Rivers To Cross, Jimmy Cliff

  

     El 7 de julio de 1972 se publica The Harder They Come, un álbum de Jimmy Cliff, y que resulta ser la banda sonora de la película del mismo nombre. El disco, que abarca géneros como el ska, el reggae o el rocksteady ( estilo musical surgido a mediados de la década de los 60 en Jamaica, sucesor del ska, y que fue el estilo musical dominante en Jamaica durante casi 2 años), es publicado por el sello discográfico Island Records. La película fue dirigida por Perry Henzell y protagonizada por el mismo Jimmy Cliff, sin embargo la banda sonora fue de largo mucho más famosa y tuvo mucho más impacto que la película, pues se dice que fue dicha banda sonora la que trajo el reggae al mundo. En el año 2021 La Biblioteca del Congreso de Estados Unidos consideró que el álbum era "cultural, histórica o estéticamente significativo" y lo seleccionó para su conservación en el Registro Nacional de Grabaciones.

Incluido en este álbum se encuentra la canción Many Rivers To Cross, escrita allá por el año 1969 por Jimmy Cliff, y que a lo largo de su historia ha sido grabada por multitud de artistas, incluidos Harry Nilson, John Lennon, Joe Cocker, Percy Sledge, Little Milton, Desmond Dekker, UB40, Cher, Eric Burdon & The Animals, Linda Ronstadt, Annie Lennox, Bryan Admas o Jimmy Barnes entre otros muchos. Jimmy Cliff tenía 25 años cuando escribió y grabó la canción, y sobre ella afirmó que escribió la canción debido a los problemas que estaba teniendo para convertirse en un artista de éxito después de haberlo alcanzado en su Jamaica natal desde los 14 años. Sobre su llegada al Reino Unido también afirmaba: "Cuando llegué al Reino Unido, todavía era un adolescente. Llegué lleno de vigor: lo lograré, estaré allí arriba con los Beatles y los Stones, Y en realidad no fue así, estaba de gira por clubes, sin abrirme paso. Estaba luchando con el trabajo, la vida, mi identidad, no podía encontrar mi lugar; la frustración alimentó la canción". 

Cliff cuando escribió la canción estaba trabajando para su segundo álbum para Island Records, pero la retuvo porque no creía que una balada fuera apropiada en este trabajo, hasta que llegó a Nueva York para mezclarla y añadirle sobregrabaciones. Es una de las únicas pistas en las que Cliff utiliza un órgano, lo que ayuda a darle una sensación de gospel junto con los coristas del tema. La canción originalmente fue publicada en su tercer álbum de estudio, titulado Jimmy Cliff en 1969. Pero donde alcanzó verdadero impacto fue en su inclusión en 1972 en la banda sonora de la película del mismo nombre, The Harder They Come. La canción fue clasificada por la revista Rolling Stone en el puesto 325 de su lista de las "500 mejores canciones de todos los tiempos". 

Many Rivers To Cross es un imperecedero viaje a través de la resliencia, pues se ha convertido por derecho propio en todo un himno a la perseverancia y la resiliencia. Las hermosas letras nos relatan el conmovedor viaje de una persona que enfrenta numerosos desafíos y obstáculos en la vida. El protagonista se encuentra metafóricamente innumerables ríos, soportando adversidades de todo tipo y buscando un lugar de consuelo. La canción es un pilar fundamental de la historia, pues junto a la banda sonora de la película, atrajo la atención internacional hacia el género reggae. No estamos ante una canción más, estamos ante un viaje, un himno a la resiliencia del espíritu humano ante las adversidades, da igual donde te encuentres, pues la canción te dará consuelo sin importar el lugar y te guiará a través de los desafíos de la vida.