martes, 25 de junio de 2024

1272 - Eagles - Lyin' eyes

1273 - Eagles - Lyin' eyes

"Lyin' Eyes," una de las canciones más icónicas de la banda estadounidense Eagles, fue lanzada en su álbum "One of These Nights" en 1975. La canción, escrita por Don Henley y Glenn Frey, captura la esencia del country rock con una narrativa lírica que se ha mantenido relevante a lo largo de los años. La historia que narra, combinada con la distintiva armonía vocal de los Eagles, ofrece una experiencia auditiva que trasciende generaciones.

La canción empieza con una melodía suave y melancólica que inmediatamente sumerge al oyente en un ambiente de introspección. La letra cuenta la historia de una mujer que, a pesar de estar casada, busca consuelo en los brazos de otro hombre. La trama se desenvuelve en un entorno urbano, con descripciones vívidas de la vida nocturna y los suburbios, lo que añade una capa de realismo y empatía a la narrativa.

Uno de los aspectos más destacados de "Lyin' Eyes" es su habilidad para pintar una imagen detallada y emotiva a través de sus letras. La canción comienza con la línea, "City girls just seem to find out early, how to open doors with just a smile," estableciendo desde el inicio el tono de la historia. A medida que la narrativa avanza, se exploran los sentimientos de desilusión y anhelo que la protagonista experimenta. La frase "You can't hide your lyin' eyes" sirve como un estribillo poderoso, encapsulando la verdad inevitable que subyace en sus acciones.

Musicalmente, "Lyin' Eyes" es un ejemplo sobresaliente del estilo distintivo de Eagles. La combinación de guitarras acústicas y eléctricas, junto con la armonización vocal característica de la banda, crea una atmósfera cálida y resonante. El solo de guitarra a mitad de la canción añade un toque de nostalgia y profundidad emocional, reforzando el impacto de la letra.

El éxito de "Lyin' Eyes" no solo se debe a su calidad musical, sino también a su capacidad para conectar con el oyente en un nivel personal. La temática de la infidelidad y la búsqueda de la felicidad en lugares equivocados es universal y atemporal, lo que permite que la canción resuene con personas de diversas experiencias y generaciones. La honestidad y la vulnerabilidad que Henley y Frey aportan a la composición son evidentes, y su interpretación vocal captura perfectamente la tristeza y el anhelo subyacentes en la historia.

"Lyin' Eyes" es una obra maestra que destaca tanto por su narrativa lírica como por su composición musical. La canción es un testimonio del talento de Eagles para crear música que no solo entretiene, sino que también invita a la reflexión y a la conexión emocional. Con su mezcla de country rock y letras conmovedoras, "Lyin' Eyes" sigue siendo una pieza fundamental en el legado musical de los Eagles, y una canción que continuará siendo apreciada por los amantes de la música durante muchos años más.

Daniel 
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Goodbye Yellow Brick Road - Elton John (Mes Elton John)



La obra cumbre de la etapa más progresiva de Elton John es sin duda el disco "Goodbye Yellow Brick Road" (1973), su séptimo álbum de estudio y el primer disco doble publicado por el célebre artista británico. No era la intención inicial de Elton John y de la discográfica sacar un disco doble, pero el período de composición y grabación fue tan productivo que se encontraron con mucho material de calidad para el disco, y pese a descartar varias canciones, 17 fueron los temas que pasaron el corte y constituyeron el brillante equipaje con el que Elton realizó su particular viaje por "el camino de baldosas amarillas", en una clara referencia a la película de "El mago de Oz".

Los primeros bocetos del disco se planearon en Jamaica bajo los títulos provisionales de "Vodka and Tonics" y "Silent Movies, Talking Pictures", con Bernie Taupin escribiendo las letras y Elton John encargándose de la composición de la música en el Hotel Pink Flamingo en Kingston en enero de 1973, pero los múltiples problemas con el sonido y las continuas manifestaciones por la complicada situación política y económica del país, les llevaron a decidir mudarse al Castillo de Hérouville en Francia, al mismo estudio en el que habían grabado los discos Honky Château y Don't Shoot Me, I'm Only the Piano Player.

El disco comienza de manera apabullante con "Funeral for a Friend / Love Lies Bleeding", un tema plagado de teclados futuristas, intensos acordes de piano y progresivos cambios de ritmo que está entre los mejores temas de la carrera de Elton John, y que corresponde en realidad a la mezcla de dos de las canciones que se grabaron para el disco, convertidas en una sola canción de rock progresivo de más de 11 minutos. Solo este tema ya garantizaría un single de éxito (aunque lidiando con la problemática de su larga duración), pero es que a continuación suena nada más y nada menos que "Candle in the wind", obra cumbre de la dupla compositiva John / Taupin, en aquel momento dedicada a Marilyn Monroe y años después adaptada para homenajear a la tristemente desaparecida Lady Di. Y por si esto fuera poco, la cara A cierra con el tema "Bennie and the Jets", que publicado como sencillo alcanzó el primer puesto de las listas de ventas de Estados Unidos.

La cara B comienza con "Goodbye Yellow Brick Road", la canción que finalmente dio título al álbum, una metáfora cinematográfica que profundiza en la nostalgia de la infancia y de un tiempo pasado mejor, y la acompañan agradables temas de piano ("This Song Has No Title") intensos medios tiempos rítmicos de fastuosa instrumentación ("Grey Seal"), referencias al período jamaicano de la gestación del disco ("Jamaica Jerk-Off") y nuevos guiños a la temática cinematográfica de algunas de las letras del disco ("I've Seen That Movie Too").

La sofisticación y la dulzura vuelven al comienzo de la cara C con el piano y la melodía de "Sweet Painted Lady", dando paso después al aire teatral y de himno melancólico de "The Ballad of Danny Bailey (1909–34)". La fórmula funciona, y Elton John la sigue explotando en la correcta "Dirty Little Girl" y la rotunda y pegadiza "All the Girls Love Alice", buenos temas que no logran evitar estar un pequeño escalón por debajo de las grandes obras que conforman el primero de los discos de "Goodbye Yellow Brick Road", que retomará su fuerza en la cuarta cara del álbum, y de que manera, con temas como "Your Sister Can't Twist (But She Can Rock 'n Roll)" y muy especialmente con el grandioso ejercicio de actitud de rock and roll de "Saturday Night's Alright for Fighting", un tema inspirado en un pub que Taupin frecuentaba en su juventud, que llegó a grabarse en Jamaica en una primera versión, pero la versión final del disco y la del sencillo de lanzamiento del álbum fue la grabada en los estudios de Francia.

Tras esta obra maestra, la última parte del disco aún desgrana otro tema de homenaje a figuras y referencias cinematográficas en la bella y melancólica pieza de aires country "Roy Rogers". Menos trascendental pero igualmente marcada por referencias country es "Social Disease", un agradable preámbulo para el gran cierre del disco con "Harmony", un tema que llegó a plantearse como cuarto single, y pese a publicarse finalmente como cara B del sencillo estadounidense de "Bennie and the Jets", pasó tres semanas en el primer puesto de la lista de la emisora estadounidense WBZ-FM en junio de 1974.

"Goodbye Yellow Brick Road" fue un éxito inmediato, debutando en el no. 17 en el Billboard 200 y ascendiendo rápidamente al primer puesto en solo cuatro semanas, lugar en el que permaneció durante ocho semanas consecutivas, convirtiéndose en el álbum más vendido en Estados Unidos en 1974. Con los años, ha llegado a vender más de treinta millones de copias en todo el mundo, lo que le llevó a entrar en 2003 en el "Hall of Fame" de los Premios Grammy, y a ser incluido en 2005 en el libro "1001 discos que hay que escuchar antes de morir". Considerado por la mayor parte de la crítica especializada como el mejor álbum de la carrera de Elton John, su ascenso al éxito fue tan idílico como el mundo imaginario del Mago de Oz en el que se inspiraba, y escucharlo hoy en día sigue siendo un agradable paseo por un camino de brillantes baldosas amarillas.

lunes, 24 de junio de 2024

1271.- California Sun - The Dictators.

El guapo Dick Manitoba, llamado Richard Blum por sus padres, es el cantante principal de The Dictators, su infancia la pasó en el Bronx. "Era un bonito lugar para crecer", recuerda de su antiguo barrio. "Jugué a la pelota, cené con la familia e hice mi tarea, como todos los demás en Estados Unidos". Manitoba y el futuro guitarrista de The Dictators, Scott "Top Ten" Kempner, se conocieron cuando tenían diez años y rápidamente se convirtieron en amigos. En 1971, el bajista Andy Shernoff asistía a SUNY New Paltz en el norte del estado de Nueva York, formó su primer grupo (Grand Funk Salinsky), publicó un fanzine mimeografiado ( Teenage Wasteland Gazette ) y ocasionalmente contribuyó a la revista CREEM. Un amigo en común le presentó a Manitoba a Shernoff. "El tipo dijo: 'Este es mi amigo, el rockero Andy'", recuerda Manitoba. Mientras tanto, el héroe de la guitarra en ciernes Ross "The Boss" Friedman (también conocido como FUNichello) optó por no inscribirse en Lehman College, en cambio, se juntó a un grupo hippie llamado Total Crudd y se mudó a New Paltz, "Ross era uno de esos guitarristas 'pistoleros' del barrio", dice Manitoba. "Era uno de los tipos con reputación".

En marzo de 1975 y tras guardar el trabajo durante mucho tiempo Epic publicó The Dictators Go Girl Crazy. La portada del disco podría haber mostrado a Manitoba en todo su esplendor de aspirante a luchador, pero todavía había una lucha interna obvia por el micrófono: Shernoff cantaba la mayoría de las canciones, mientras que Manitoba apoyaba en algunas. Los créditos de la contraportada ni siquiera incluían a Manitoba como miembro de la banda, contenía  canciónes festivas llenas de humor, entre ellas "The Next Big Thing", "(I Live For) Cars and Girls" y "Teengenerate". Además, hubo un par de covers perfectamente ejecutados ("California Sun" y "I Got You Babe").  CREEM calificó con entusiasmo cada melodía como "un sueño tosco", y Trouser Press dijo que era "una obra maestra tremendamente divertida, brillantemente interpretada y desesperadamente ingenua del rock 'n' roll autoindulgente y sabelotodo". Incluso Robert Christgau (que le puso una "B") admitió de mala gana: "Si amas a los Dolls, te gustarán The Dictators, tal vez". Fue el primer LP que representó el fenómeno cultural que pronto sería identificado como Punk Rock, no tienes que ir más allá de la introducción de Go Girl Crazy para saber The Dictators era algo completamente diferente a lo que sonaba en el resto del país. Sin duda se estaban divirtiendo más que cualquier otra banda de Rock & Roll en América, disfrituando de la lucha libre, McDonalds, los autos, las chicas y toda la diversión que Estados Unidos podía ofrecer. Tenía el potencial de ser uno de los álbumes de Rock & Roll más importantes producidos por una banda estadounidense ese año, el hecho de que no lograra levantar ni un aplauso es una prueba más de que la industria musical no tenía tiempo para el punk y un reflejo de cuán desconectado estaba Estados Unidos de su propia cultura. 

¿Necesito recordarles que The Ramones lanzaron su debut un año después de este álbum? Está bastante claro que escuchaban a The Dictators, hasta el punto de que luego versionarían la canción, California Sun (originalmente de The Rivieras ), que aparece en este álbum, en manos de Thr Dictators se convierte en una explosión de energía punk que revitaliza el clásico de los 60 y se transforma en una celebración de esta corriente musical, voces contundentes, una instrumentación fuerte con guitarras rapidas y agresivas dan un nuevo sentido al tema, además la letra que evoca la imagen de una soleada y despreocupada California adquiere un matiz mas desafiante y menos inocente.


domingo, 23 de junio de 2024

1270.- Boulder to Birmingham - Emmylou Harris

 

Bouder to Birmingham, Emmylou Harris


     Pieces of the Sky es el segundo álbum de estudio de la artista de música country estadounidense Emmylou Harris. Grabado bajo la producción del productor y guitarrista canadiense Brian Ahern, fue publicado el 7 de febrero de 1975 por el sello discográfico Reprise Records. Aunque Harris había debutado en 1969 con Gilding Bird, Pieces of the sky se convirtió en el disco que lanzó la carrera de la artista. Entre estos dos álbumes, Harris forjó una relación musical con el cantante, compositor, guitarrista y pianista estadounidense Gram Parsons, quien influyó notablemente en la carrera musical de Harris. Pieces of the Sky consiguió ocupar el puesto número 7 en la lista estadounidense Billboard Country Albums Chart. También ha sido incluido en los "1001 álbumes que debes escuchar antes de morir" de Robert Dimery.

Incluido en este álbum se encuentra Boulder to Birmingham, canción que Emmylou Harris coescribió con Bill Danoff después de la muerte de Gram Parsons. La canción se hizo famosa por su desgarrador estribillo "I would rock my soul in the bosom of Abraham / I would hold my life in his saving grace / I would walk all the way from Boulder to Birmingham / If i trought i could see, I could see your face" (Merecía mi alma en el seno de Abraham / Mantendría mi vida en su gracia salvadora / Caminaría desde Boulder hasta Birmingham / Si pensar que puedo ver, podría ver tu cara). La canción trataba específicamente sobre Gram Parsons, pero se convirtió en una fuente de consuelo para muchas personas que se identificaban con el sentimiento de perdida de alguien cercano. 

Harris escribió la letra y Bill Danoff compuso la letra. Al principio de su carrera, después de su primer álbum de estudio, Harris realizó una gira con Parsons y cantó en su álbum GP de 1973. Parsons, que era una figura innovadora dentro de la escena country-rock, se convirtió en el mentor de Harris en un momento en que la carrera de la artista no pasaba por un buen momento y además tenía dificultades económicas, su álbum debut no había conseguido apenas éxito y ella no conseguía despegar. Parsons y Harris se conocieron y demotraron tener una química especial tanto en sus grabaciones como en sus actuaciones conjuntas. Durante el año 1973, Parsons y Harris se encontraban trabajando juntos en un álbum cuando Parsons murió a causa de una sobredosis de drogas, y Harris, devastada por la muerte de Parsons, expresó toda esa tristeza en esta conmovedora canción.

sábado, 22 de junio de 2024

1269 - Sui Generis - Alto en la torre


1269 - Sui Generis - Alto en la torre

"Alto en la torre" es una canción de la banda argentina Sui Generis, integrada por Charly García y Nito Mestre. Esta canción forma parte del segundo álbum de estudio del dúo, titulado "Confesiones de invierno", lanzado en 1973. La canción destaca no solo por su letra profunda y poética, sino también por su rica composición musical, que refleja la esencia del rock progresivo y el folk que caracterizaba a la banda en sus primeros años.

La letra de "Alto en la torre" es una reflexión sobre la soledad, el aislamiento y la búsqueda de la libertad. Charly García, autor de la canción, utiliza la metáfora de una torre para simbolizar la distancia y el encierro que siente el protagonista. Desde lo alto de esta estructura, el narrador observa el mundo desde una perspectiva diferente, alejado de las trivialidades cotidianas, pero también atrapado en su propia introspección. Esta dualidad entre el deseo de escapar y la necesidad de conexión humana es un tema recurrente en la obra de Charly García, quien a menudo exploraba las tensiones entre el individuo y la sociedad.

Musicalmente, "Alto en la torre" es una obra maestra del rock argentino. La canción comienza con una suave introducción de piano, interpretada por Charly García, que establece un tono melancólico y contemplativo. A medida que avanza, la melodía se enriquece con la incorporación de la guitarra acústica de Nito Mestre y la flauta, que añade una capa de profundidad y textura al arreglo. La combinación de estos instrumentos crea una atmósfera nostálgica y evocadora, que complementa perfectamente la temática lírica de la canción.

Una de las características más destacadas de "Alto en la torre" es la capacidad de Sui Generis para fusionar influencias del rock progresivo y el folk, generando un sonido  y distintivo. La estructura de la canción es compleja, con cambios de ritmo y dinámica que mantienen al oyente en constante anticipación. Esta sofisticación musical es una muestra del talento y la creatividad de Charly García y Nito Mestre, quienes a pesar de su juventud, demostraban una madurez artística notable.

En cuanto a la interpretación vocal, la voz de Charly García transmite una emoción cruda y auténtica, resonando con la vulnerabilidad y la sinceridad de la letra. Su entrega vocal, junto con los armoniosos coros de Nito Mestre, crea un contraste poderoso que realza el mensaje de la canción. Esta capacidad para comunicar emociones profundas a través de la música es uno de los elementos que han cimentado el legado de Sui Generis en la historia del rock en español.

"Alto en la torre" es una canción que trasciende el tiempo, ofreciendo una mirada introspectiva y poética que sigue resonando con las nuevas generaciones. La combinación de su rica lírica, su compleja composición musical y su emotiva interpretación hacen de esta pieza una joya invaluable en el repertorio de Sui Generis y un testimonio perdurable del talento de Charly García y Nito Mestre.

Daniel 
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viernes, 21 de junio de 2024

1268.- Kashmir - Led Zeppelin


"Ojalá se nos recuerde por Kashmir en lugar de por Stairway to heaven” dijo Robert Plant sobre una de las canciones estrella de Physical Graffiti (1975), el sexto álbum de estudio de la banda y su último gran disco, una obra repleta de intensos riffs marca de la casa en la que Led Zeppelin va mucho más allá de la concepción de un disco de rock, abriendo su paleta estilística a una impresionante variedad de estilos musicales, que van del hard rock al rock and roll, y de las baladas orquestales a los intensos blues acústicos o a los sonidos étnicos de Kashmir, su canción cumbre.

Llamada inicialmente "Driving to Kashmir", fue planeada en un primer momento como un instrumental en el que John Paul Jones tocaba el mellotron, acompañado por una orquesta de músicos de sesión que interpretaban arreglos orquestales de influencias arábicas. Robert Plant aportó entonces una letra que había escrito durante un viaje por el desierto del Sáhara, y las piezas encajaron al instante en Kashmir, una grandiosa pieza de rock progresivo y sinfónico en la que incluyeron una espectacular sección de orquesta de instrumentos de metal y cuerda.

Kashmir es para los miembros de Led Zeppelin "la canción definitiva" de la banda, el momento cumbre en el que lograron aunar lo mejor que cada uno de ellos podía ofrecer por separado al sonido de la banda, y una canción en la que lograron cotas máximas de intensidad sin la necesidad de moverse en los tradicionales arquetipos del heavy metal, una etiqueta de la que los cuatro músicos siempre intentaron huir. Y finalmente lo lograron, "conduciendo hacia Kashmir" y adoptando de manera brillante sonidos de la música de Marruecos y de Oriente Medio.

Disco de la semana 383: "Algo Mejor" de Fabiana Cantilo

Disco de la semana 383: "Algo Mejor" de Fabiana Cantilo 

El álbum "Algo Mejor" de Fabiana Cantilo, lanzado en 1991, es una obra significativa en su carrera y en la escena del rock argentino. Producido por Fito Páez, el disco destaca por su mezcla de estilos y la colaboración de destacados músicos y compositores. Aquí se presenta una revisión detallada de las canciones del álbum, así como una visión general de su producción y relevancia.

"Algo Mejor" se lanzó en un momento en que el rock argentino estaba en una etapa de evolución y madurez. Fabiana Cantilo, quien había ganado reconocimiento como corista y colaboradora de figuras importantes como Charly García y Fito Páez, se estableció con este álbum como una artista solista con voz propia. La producción a cargo de Fito Páez garantiza una calidad sonora elevada y cohesión artística. El álbum incluye composiciones de varios autores, incluyendo Fabiana Cantilo, Páez, Andrés Calamaro, y Celeste Carballo, entre otros.

"Llegó Tarde" abre el álbum con una mezcla de rock y melodía suave. La letra trata sobre la sensación de haber llegado tarde a momentos importantes, capturando una melancolía universal. La interpretación de Fabiana Cantilo es emotiva, complementada por una instrumentación rica y bien producida.

"Kitty" es una canción alegre y desenfadada, caracterizada por su melodía pegajosa y letra lúdica. El personaje de Kitty es descrito con una mezcla de encanto y vivacidad. La interpretación de Fabiana Cantilo es vibrante, ofreciendo un contraste dinámico dentro del álbum.

Con una letra surrealista que evoca imágenes de la infancia y la fantasía, esta canción combina elementos de pop y rock. La colaboración entre Fabiana Cantilo y Páez resulta en una pieza única y nostálgica. La interpretación vocal de Fabiana Cantilo es especialmente destacada, transmitiendo un sentimiento de ensueño y reminiscencia.

"Cosas que Pasan" es una balada introspectiva que trata sobre las experiencias cotidianas y los altibajos de la vida. La letra reflexiva y la melodía suave permiten que la voz de Fabiana Cantilo se destaque, creando una atmósfera de contemplación y serenidad.

Esta canción ofrece una narrativa sobre una chica tratando de encontrar su lugar en la gran ciudad. La letra ingeniosa y la melodía dinámica capturan la sensación de aventura y desubicación. La interpretación de Fabiana Cantilo es enérgica y auténtica, resonando con cualquiera que haya experimentado la sensación de ser un forastero.

"Arcos" es una pieza instrumental que destaca por su estructura melódica compleja y rica instrumentación. Sirve como un interludio atmosférico en el álbum, demostrando la capacidad de Cantilo para crear paisajes sonoros evocadores sin necesidad de palabras.

"Mi Enfermedad" es una de las canciones más icónicas del álbum. Originalmente escrita por Andrés Calamaro, la versión de Fabiana Cantilo es intensa y emocional. La letra trata sobre la obsesión y el dolor del amor no correspondido, con una interpretación vocal apasionada que captura la desesperación y el anhelo.

Esta canción celebra la conexión y la unión entre dos personas. La melodía animada y contagiosa, junto con la letra positiva, ofrecen un mensaje de amor y cohesión. La interpretación de Fabiana Cantilo es alegre y optimista, destacando por su energía positiva.

"Ayer Soñé con Walter" es una canción nostálgica que evoca recuerdos de una persona especial. La letra es evocadora y la melodía melancólica, creando una atmósfera de sueño y memoria. La interpretación de Fabiana Cantilo es suave y emotiva, añadiendo profundidad a la narrativa.

"Buscando Siempre" es una canción sobre la búsqueda constante de sentido y propósito en la vida. La letra es introspectiva y la melodía tiene un tono esperanzador. La voz de Fabiana Cantilo transmite una sensación de perseverancia y determinación, haciendo de esta una canción inspiradora.

El tema que da título al álbum es un himno de esperanza y optimismo. La letra habla de la búsqueda de algo mejor en la vida y la capacidad de superar las adversidades. La melodía es pegajosa y el estribillo potente. La interpretación de Fabiana Cantilo es emotiva y apasionada, capturando perfectamente el espíritu del álbum.

"Algo Mejor" es un álbum que demuestra la versatilidad y el talento de Fabiana Cantilo. A través de letras sinceras y emotivas, y una interpretación vocal poderosa, Fabiana Cantilo nos lleva en un viaje emocional que resuena profundamente. Este álbum no solo consolida su lugar en el rock argentino, sino que también destaca su capacidad para crear música atemporal y universal. La producción impecable y las colaboraciones estelares hacen de "Algo Mejor" una pieza fundamental en la discografía de Fabiana Cantilo y en la historia del rock en español.

Daniel 
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jueves, 20 de junio de 2024

1267.- Custard Pie - Led Zeppelin


El sexto álbum de estudio de Led Zeppelin fue "Physical Graffiti", las sesiones de grabación comenzaron inicialmente en Headley Grange en Hampshire, Inglaterra, en noviembre de 1973, estas sesiones fueron abortadas cuando John Paul Jones expresó su deseo de dejar la banda y convertirse en director del coro de la catedral de Winchester. Catedral. Sin embargo, el tiempo de la sesión no fue en vano, ya que sus nuevos compañeros de sello, Bad Company, utilizaron las instalaciones para grabar su exitoso álbum debut. Con Jones de nuevo a bordo y comprometido a quedarse, la banda se volvió a reunir a principios de 1974 y comenzó a trabajar en serio en el nuevo álbum. Inicialmente no había intención de hacer de “Physical Graffiti” un álbum doble, pero las ocho nuevas canciones que se escribieron y grabaron eran demasiado largas para el lanzamiento de un solo álbum. Incapaz de decidir qué pistas omitir y reacia a editar, la banda optó por utilizar material previamente grabado pero inédito para extender el álbum a la duración de un doble. Los 'ocho graffiti' originales eran 'Custard Pie', 'In My Time of Dying', 'Trampled Underfoot', 'Kashmir', 'In The Light', 'Ten Years Gone', 'The Wanton Song' y 'Sick Again'. '. 'Bron-Y-Aur' fue un sobrante de III. 'Down By the Seaside', 'Night Flight' y 'Boogie With Stu' se grabaron en las sesiones del cuarto álbum, mientras que 'The Rover', 'Black Country Woman' y, más obviamente, 'Houses of the Holy' se grabaron en el Sesiones 'Casas de los Santos'. Physical Graffiti es una culminación gloriosa de todos los diferentes estilos musicales que Led Zeppelin había explorado en sus salidas anteriores, su debut con infusión de blues y hard rock, el riff cargado en el segundo, las inclinaciones folk rock de su tercer álbum, la combinación magistral de luces y sombras en el cuarto y el enfoque de múltiples capas en 'Houses of the Holy', todo esto está presente en Physical Graffiti pero es más suave, más divertido, más dinámico y más poderoso que cualquier cosa que hayan hecho antes. Pero este álbum no es simplemente una amalgama de esfuerzos anteriores. Tiene un carácter propio. Es audaz y dinámico y al mismo tiempo logra permanecer cálido y atractivo, y es denso y complejo al mismo tiempo que conserva un brillo de accesibilidad.



El álbum comienza con el atronador 'Custard Pie', un clásico y duro comienzo de album que está lleno de más insinuaciones sexuales que un doble acto de David Coverdale/Frankie Howerd. Parece que habla de una especie de adicto y una persona que se entrega a esas actividades durante mucho tiempo, el tono de la canción no parece sugerir nada más oscuro a lo que se dice, pero es muy posible que tenga un problema con esa persona, es casi como si lo necesitara para vivir. El solo de wah-wah de Pages, que se tocó a través de un sintetizador ARP, es tan bueno como cualquier solo pesado que haya tocado y Jones usa un clavinet eléctrico, se necesita una canción tremendamente funky para poder hacer que un Clavinet no suene sintetizado y cursi, Zeppelin, a pesar de lo que son, no son originales, son uno de los grupos más talentosos y de rock más duro que jamás hayan subido al escenario o al estudio. Plant incluso contribuye con un solo de armónica en el medio, instando al objeto de su deseo a que le permita "masticar un trozo de su pastel de natillas". 


miércoles, 19 de junio de 2024

1266.- Little Lady - Status Quo

 

Little Lady, Status Quo


     On the Level es el octavo álbum de estudio de la banda de rock inglesa Status Quo, integrada en aquel momento por Francis Rossi, Richard Parfitt, Alan Lancaster y John Coghlan. La portada del disco presenta a los miembros del grupo en una habitación distorsionada que crea ilusiones ópticas. Fue grabado durante el verano de 1974 en los IBC Studios y en los Phonogram Studios, ambos de Londres, bajo la producción del mismo grupo, y publicado el 21 de febrero de 1975 bajo el sello discográfico Vertigo Records para Reino Unido y por el sello Capitol Records para Estados Unidos. Cuando se lanzó este disco, el grupo ya contaba de una gran popularidad, algo que ayudó y se vio reflejado en las ventas, llegando a alcanzar los primeros puestos de dichas listas.

Incluido en este álbum se encuentra el tema Little Lady, escrito por Rick Parffit. Musicalmente, Little Lady es una muestra clásica del estilo boogie rock de Status Quo. La canción está impulsada por un ritmo acelerado y constante, con una línea de guitarra principal que es tanto melódica como contundente. La estructura de la canción es relativamente simple, lo que es característico de muchas de las canciones de la banda, pero esta simplicidad permite que el talento instrumental de los miembros de la banda brille. Rick Parfitt, además de ser el autor de la canción, también aporta su voz principal, acompañada por los coros de Francis Rossi y Alan Lancaster. La combinación de las guitarras de Parfitt y Rossi crea una textura sonora densa y poderosa, que se complementa perfectamente con la base rítmica sólida proporcionada por Lancaster en el bajo y John Coghlan en la batería. La letra, directa y sencilla, nos habla de una relación amorosa con un tono optimista y positivo, enfocándose más en transmitir una emoción y energía que en contar una historia compleja.

Don't Shoot Me I'm Only the Piano Player - Elton John (Mes Elton John)

 

Don't Shoot Me ?m Only the Piano Player
Elton John


     Elton John fue el álbum que presentó al mundo al artista y compositor británico Elton John en 1970, ya que su primer trabajo, Empty Sky (1969), fue publicado originalmente sólo en Reino Unido. Con su sexto disco, Don't Shoot Me I'm Only the Piano Player (1973), Sir Elton John realizaba esta extraña petición, ¿Acaso necesitaba algo cuando ya había alcanzo el estatus de estrella internacional? Por entonces ya tenía en su catálogo un buen puñado de canciones que habían alcanzado el estatus de clásicas. Sin embargo, se encontraba bajo una enorme presión debido al frenético ritmo y la excesiva carga de trabajo a la que se encontraba sometido, la promoción de álbumes, las giras y la creación de divertidos clips promocionales que podían llevar más de un mes de trabajo. Todo esto le daba a Elton John muy poco tiempo para relajarse y escribir material nuevo para su nuevo álbum. No obstante saldría airoso, siendo capaz de continuar con su fulgurante proyección hacia el estrellato.

Don't Shoot Me I'm Only the PIano Player fue grabado entre el 10 y el 19 de junio de 1972 en el castillo Château d'Hérouville, Francia, y mezclado en los Trident Studios de Londres, bajo la producción de Gus Dudgeon, y publicado el 26 de enero de 1973 por el sello discográfico MCA Records para Estados Unidos y por DJM Records para Reino Unido. El disco fue el segundo álbum consecutivo que conseguía el puesto número 1 en las listas de ventas de Estados Unidos, y el primero en conseguir dicho puesto en el Reino Unido. Además, el sencillo Cocodrile Rock le proporcionó a Elton su primer sencillo número uno tanto en Estados Unidos como en Canadá.

 

El título del disco surgió de un suceso anecdótico que Elton John tuvo con Groucho Marx. Elton estaba tocando el piano en una fiesta en casa de Groucho; Groucho, después de pasar toda la noche bromeando, extendió sus dedos medio e índice a modo de pistola y apuntó a Elton, seguidamente Elton levantó las manos y dijo: "No me disparen, sólo soy el pianista". La fotografía de la portada del álbum muestra una pareja joven afuera de una sala de cine cuya marquesina dice: "No me dispares, solo soy el pianista, protagonizada por Eltotn John". En la pared hay un cartel de película que anuncia la película "Go West" (1940) de los hermanos Marx, todo un tributo a Groucho Marx.

Las influencias que más tarde se atribuyeron a este álbum ayudaron a formar el estilo general de Elton en ese momento. Elton no era ajeno a diferentes estilos de música y, a menudo, sus mayores éxitos mostraban algo de su pasado. Desde el temprano tono de su voz que se puede explicar en la aplicación del rock and roll estadounidense en sus primeras grabaciones hasta las orquestaciones de cuerdas que solía utilizar en su carrera anterior, Elton a menudo miraba a la música del pasado para crear un nuevo sonido. Sin embargo, Don't Shoot Me I'm Only the Piano Player presentaba influencias que no eran ajenas a Elton, estilos que habían aparecido a menudo en los cortes del lado B de sus sencillos. Esta vez, Elton estaba influenciado por el sonido de lo que él llamaba "esos Webtones escalofriantes y todos esos falsetes agudos", el sonido de "Esos pop suaves de los años 50" y el "Funk y country de los años 70".



Don't Shoot Me I'm Only the Piano Player
aumentó aún más las fama de Elton John, consolidando al artista como una de las principales estrellas de rock de los años 70. Gus Dudgeon, que había producido anteriormente varios trabajos de Elton, repitió en la producción, y las letras fueron escritas por Bernie Taupin, el colaborador habitual de Elton John. Estamos ante un disco que mezcla rock, pop y elementos de glam rock, mostrando la versatilidad de Elton John como músico y compositor, y vamos a poder disfrutarlo en canciones como Daniel, una de las canciones más populares del disco, convirtiéndose además en una de las baladas más apreciadas de Elton John, La letra fue escrita por Bernie Taupin inspirándose en un artículo de la revista Time sobre la Ofensiva del Tet en Vietnam. En dicho artículo se relataba la historia de cuántos soldados que regresaban de Vietnam eran chicos simples y que generalmente se sentían avergonzados por tanta adulación. Ellos simplemente querían volver a la normalidad; Teacher I Need You, descrito como un tema rockero retro, con un sonido que evoca la música de los años 50 y principios de los 60. Elton John se inspiró vocalmente en Bobby Vee, cantante estadounidense que se convirtió en un ídolo adolescente en las décadas de los 50 y 60. En cuanto a la letra, Taupin describe el deseo sexual que un escolar adolescente siente por su maestra; Elderberry Wine, que fue la cara B del sencillo "Coccodrile Rock". La canción está basada en los orígenes de Bernie Taupin como un chico de campo, así como en las imágenes del inframundo de su imaginación. Trata desde la perspectiva de un hombre perezoso que recuerda los buenos tiempos en los que su esposa hacía realidad todos sus caprichos, pero finalmente ella se cansó de recoger las cosechas y elaborar el vino; Have Mercy on the Criminal describe como es la vida de un fugitivo. la canción es una de las dos únicas del álbum que presenta orquestación. El responsable de los arreglos orquestales fue Paul Buckmaster, colaborador desde hace mucho tiempo de Elton John. Elton afirmaba que nadie hacía arreglos orquestales como Buckmaster en aquellos tiempos; y Cocodrile Rock, todo un homenaje al rock and roll de los años 50 y 60. Esta canción pegadiza, con una letra realmente triste, fue la primera en llegar al puesto número 1 en Estados Unidos. La canción cuenta la historia de un chico que en los años 50 y 60 frecuentaba un restaurante donde a los clientes les encantaba un oscuro baile llamado "Cocodrile Rock". Al cabo de los años este baile poco conocido desapareció de la historia y a nadie le pareció importar. 

Don't Shoot Me I'm Only te PIano Player fue lanzado en un momento en el que Elton John estaba en auge, ayudándole a afianzar su estatus de superestrella y solidificando aún más su reputación como uno de los artistas más talentosos y prolíficos de la década de los años 70.

martes, 18 de junio de 2024

1265.- Stand by me - John Lennon



La versión original de "Stand by Me" data de 1962 y fue compuesta por Ben E. King junto a la pareja de compositores Jerry Leiber y Mike Stoller, basándose en la adaptación de un tema góspel. En principio, Ben E. King no tenía intención de grabarla e incorporarla a su repertorio, y pretendía dársela al grupo The Drifters, pero el manager de éstos la rechazó, y Ben E. King acabó grabándola e incluyéndola en su tercer álbum en solitario, "Don't Play That Song!" (1962).

Posteriormente, "Stand by Me" fue interpretada en muchas otras versiones, como la de Adriano Celentano ("Rezaré", 1963) o la que hizo Otis Redding en 1964 para su álbum "Pain in My Heart", pero la más interesante es sin duda la que John Lennon grabó en 1974 y que incluyó posteriormente en su sexto álbum de estudio, el disco de versiones "Rock 'n' Roll" (1975). Esta intensa versión del tema de Ben E. King fue, además, el único single que Lennon publicó de aquel disco, cosechando un éxito menor en el Reino pero logrando llegar al top 20 de las listas de Estados Unidos, en lo que a la postre sería el último gran hit de Lennon antes de su retirada temporal de la música durante cinco largos años.

Varias fueron las versiones que John Lennon grabó de "Stand by Me" en aquella época, empezando por una fallida jam session en la que estuvieron presentes Paul McCartney, Stevie Wonder, Jesse Ed Davis, Bobby Keys, y Harry Nilsson. Mucho más redonda salió la versión interpretada después junto a los músicos que habían grabado el disco "Walls And Bridges" (1974), y esta grabación fue la base para la canción que puede escucharse en "Rock 'n' Roll". Por último, para el single realizaron una nueva remezcla y se añadieron overdubs de arreglos de cuerda, en la que sería la versión que más ha trascendido y que bien merecía un puesto en esta revisión de las mejores canciones de la historia.

lunes, 17 de junio de 2024

1264.- Slippin' and Slidin' - John Lennon

Rock N Roll fue el sexto trabajo en solitario de John Lennon, grabado antes de Walls And Bridges pero lanzado después, encontramos al autor regresando a sus primeras raíces e influencias con un álbum completo de covers de la era prehistórica del rock and roll. La fotografía icónica de la portada del álbum, una toma de principios de los años sesenta de John Lennon merodeando en una puerta de Hamburgo, es probablemente más destacada que cualquier material grabado que se encuentre en el álbum en sí, pero eso no quiere decir que el Rock N Roll no sea un desastre sino que no pasa de una colección decente de canciones y dado que fue esencialmente una especie de liberación de obligación contractual para Lennon, semicomatoso y pronto semi-retirado, algo de eso es sorprendentemente bueno. El álbum fue grabado y coproducido por Phil Spector durante la segunda mitad de 1973, pero debido a una serie de importantes disputas legales y algún misterio inicial sobre el paradero de las cintas maestras (!), en realidad no se lanzó hasta principios de 1975: posteriormente llegó al top 10 en las listas de álbumes del Reino Unido y Estados Unidos. Por supuesto, Lennon estaba soportando su infame período de "fin de semana perdido" y estaba separado de Yoko Ono. No debería sorprendernos que su lanzamiento se haya retrasado tanto. Según todos los informes, las sesiones de grabación de Rock N Roll fueron un proceso bastante libertino e infundido de alcohol, y la supuesta mala atmósfera en el estudio se atribuyó más que en parte a la propia agresión de Lennon y su prevaleciente sensación de angustia (todo lo que necesitabas era amor, John). Al decir esto, la presencia de Spector sin duda añadió más leña a las llamas si las revelaciones sobre los propios hábitos de trabajo de Spector tienen algún elemento de verdad. Seamos honestos: Lennon y Spector presentan una combinación bastante explosiva. De hecho, después de completar el álbum Walls And Bridges, igualmente ordinario, en 1974, Lennon volvería a las cintas maestras de Rock N Roll (eventualmente aseguradas por Spector) para retocar las voces menos que impresionantes (léase: borracho), arreglar algunas de las voces más evidentes fallos técnicos y, según los informes, Lennon incluso llegó a grabar nueve temas nuevos.


La mejor pieza del álbum y la que ha quedado para la historia es Stand by me, pero me gustaría detenerme también en Slippin' and Slidin', la canción fue escrita por Little Richard, Edwin Bocage (Eddie Bo), Albert Collins y James Smith. Fue grabado por primera vez por Eddie Bo en 1956 con el título "I'm Wise", pero se le cambió el nombre cuando Little Richard grabó su versión ese mismo año. Lennon siempre ha tenido un gran aprecio a la canción, hizo unas declaraciones en este sentido: “La primera vez que escuché esta canción de Little RIchard, un amigo la importó de Holanda. Salió primero en Europa. Slippin' And Slidin' fue la cara B de Long Tall Sally, que es la primera canción de Little Richard que escuché y también fue grabada por Buddy Holly, por lo que cubre un poco de ambas. Era una canción que conocía. Era más fácil hacer canciones que conocía que intentar aprender algo desde cero, incluso si estaba interesado en las canciones.”


domingo, 16 de junio de 2024

1263 - Rush - Fly the night

1263 - Rush - Fly the night

"Fly by Night" es una de las canciones más emblemáticas de la banda canadiense de rock progresivo Rush, lanzada en su segundo álbum de estudio, también titulado "Fly by Night" en 1975. Este álbum marcó un punto de inflexión significativo para la banda, no solo en términos de su sonido, sino también en su formación. Fue el primer álbum de Rush en presentar al baterista y letrista Neil Peart, cuya llegada aportó una nueva dimensión tanto lírica como rítmica a la música del grupo.

La canción "Fly by Night" encapsula la transición y la evolución que experimentó Rush en este período. Musicalmente, la canción combina elementos de hard rock con toques progresivos, característicos del estilo que la banda desarrollaría en los años posteriores. La estructura de la canción es relativamente sencilla, especialmente en comparación con las composiciones más complejas y largas por las que Rush se haría conocido más adelante. Sin embargo, su energía contagiosa y su riff de guitarra pegadizo la han convertido en una favorita entre los fanáticos.

"Fly by Night" aborda temas de cambio y exploración, reflejando en gran medida la experiencia personal de Peart, quien se había unido a la banda poco antes de la grabación del álbum. La letra, que habla de dejar el pasado atrás y emprender un nuevo viaje hacia lo desconocido, resuena con el espíritu de aventura y la búsqueda de identidad. Este sentido de renovación y búsqueda personal es un hilo conductor en gran parte del trabajo de Peart con Rush y es evidente desde esta primera colaboración.

La interpretación vocal de Geddy Lee es otro aspecto destacado de "Fly by Night". Su distintiva voz, aguda y poderosa, aporta una intensidad emotiva que se ajusta perfectamente al tema de la canción. A lo largo de los años, la voz de Lee se ha convertido en uno de los sellos característicos de la banda, y en esta pista, su entrega es particularmente vibrante y llena de vida.

Alex Lifeson, el guitarrista de Rush, también brilla en "Fly by Night" con su trabajo de guitarra preciso y dinámico. Su riff principal es uno de los más memorables del repertorio de Rush, y su solo en la canción es un ejemplo temprano de su habilidad para combinar técnica y sentimiento. La batería de Peart, aunque más contenida en comparación con sus elaboradas composiciones posteriores, muestra destellos de su virtuosismo y complejidad rítmica que llegarían a definir el sonido de la banda.

"Fly by Night" es, en muchos sentidos, una declaración de intenciones de Rush. Aunque no tan intrincada como algunas de sus obras posteriores, la canción captura la esencia de lo que haría de Rush una banda única: la combinación de una habilidad técnica sobresaliente, letras introspectivas y una energía implacable. Es una canción que celebra el cambio y la libertad, temas que resuenan con cualquiera que haya enfrentado la incertidumbre de un nuevo comienzo.

Daniel 
Instagram storyboy 

"Honky Château y el Genio de Elton John en su Máxima Expresión" (Mes Elton John)

"Honky Château y el Genio de Elton John en su Máxima Expresión" #mesEltonJohn

"Honky Château," el quinto álbum de estudio de Elton John, lanzado en 1972, marca un punto de inflexión significativo en la carrera del artista. El título del álbum hace referencia al Château d'Hérouville, el estudio en Francia donde fue grabado. Este disco muestra un desarrollo notable en el sonido de Elton John, consolidando su lugar en la élite del rock y del pop de la época.

El álbum abre con "Honky Cat," una canción vibrante y enérgica que fusiona elementos del rock y del jazz. La introducción de piano, acompañada por una sección de vientos, sienta el tono para un álbum ecléctico y lleno de vida. La letra, escrita por Bernie Taupin, explora la dicotomía entre la vida urbana y rural, un tema recurrente en las composiciones de la dupla John-Taupin.

"Honky Château" es también conocido por incluir uno de los mayores éxitos de Elton John, "Rocket Man (I Think It's Going to Be a Long, Long Time)." Esta balada melódica, inspirada por la creciente fascinación por el espacio en la década de los 70, es un retrato emotivo de la soledad y la alienación, encapsulando la sensación de ser un extraño en un entorno desconocido. La voz de Elton John y su ejecución al piano, combinadas con la letra evocadora de Taupin, hacen de esta canción un clásico atemporal.

"Suzie (Dramas)" es una pista menos conocida pero igualmente significativa. Con su ritmo contagioso y su alegre melodía, es una muestra del talento de Elton John para crear canciones pegajosas y memorables. La letra parece ser una referencia juguetona a las experiencias personales de Taupin, añadiendo una capa de profundidad al álbum.

Otro punto destacado es "Mona Lisas and Mad Hatters," una balada introspectiva que muestra el lado más sensible y reflexivo de Elton John. La canción, una oda a Nueva York, es una de las composiciones más líricas y conmovedoras del álbum, con una melodía que resuena profundamente y una interpretación vocal que capta la melancolía y la esperanza simultáneamente.

En contraste, "I Think I'm Going to Kill Myself" presenta un enfoque más oscuro y sardónico. Con un arreglo alegre que contrasta con su temática sombría, la canción aborda el tema del suicidio adolescente con un humor negro inusual. Es un ejemplo perfecto de cómo Elton John y Bernie Taupin podían tratar temas serios con una ligereza sorprendente, sin dejar de ser impactantes.

"Salvation" es una pista inspiradora que combina elementos del gospel con el rock, mostrando la versatilidad musical de Elton John. La letra, con referencias religiosas, puede interpretarse como una búsqueda de redención y significado, temas universales que resuenan con muchos oyentes.

"Amy" es otra canción que destaca por su estilo más country, un género que Elton John exploró con frecuencia a lo largo de su carrera. La melodía pegajosa y la letra sobre un amor no correspondido añaden variedad al álbum, demostrando la capacidad del artista para moverse entre diferentes estilos con facilidad.

El álbum cierra con "Hercules," una canción que mezcla rock y boogie-woogie, cerrando el disco con una nota energética y positiva. La simplicidad de la canción y su ritmo alegre hacen de "Hercules" un final apropiado para un álbum lleno de diversidad musical.

"Honky Château" es un testimonio de la capacidad de Elton John para reinventarse y explorar nuevos territorios musicales. Cada canción en el álbum ofrece algo único, desde el jazz y el rock hasta el country y el gospel, manteniendo una cohesión que es testimonio del talento y la visión artística de Elton John y Bernie Taupin.

El éxito de "Honky Château" no solo cimentó la posición de Elton John en la industria musical, sino que también demostró su capacidad para crear música que resuena profundamente con el público. La variedad de estilos y temas tratados en el álbum es una muestra de la versatilidad y el genio creativo del dúo, haciendo de "Honky Château" un álbum esencial en la discografía de Elton John y un hito en la historia de la música popular.

Daniel
Instagram storyboy 

sábado, 15 de junio de 2024

1262.- One day in your life - Michael Jackson



Durante su etapa en la Motown con The Jackson 5, convertidos después en The Jacksons cuando dejaron la compañía de Berry Gordy Jr. para enrolarse en las filas de Epic Records, era habitual que los discos del grupo se alternaran con publicaciones creadas para el pequeño Michael Jackson en solitario. El concepto era el mismo, ya que las canciones eran firmadas por compositores de la Motown y en ambos casos eran músicos de sesión los que tocaban todos los instrumentos.

Uno de esos discos que Michael Jackson firmó en solitario fue "Forever Michael" (1975), y en él se escondía una gran canción titulada "One Day in Your Life". Escrita por Sam Brown III y Renée Armand, paso relativamente desapercibida en su momento, pero se convirtió en un gran éxito cuando se publicó como single en 1981 para promocionar el recopilatorio "One Day in Your Life", un disco que Motown lanzó para beneficiarse del tirón comercial que su antiguo pupilo había tenido con su disco "Off the Wall" (1979) con Epic Records.

Aunque en Estados Unidos tuvo un éxito moderado, en el Reino Unido e Irlanda logró erigirse en la primera grabación de Michael Jackson que alcanzo el primer puesto en las listas de ventas de singles, todo un hito para una gran balada romántica de delicados arreglos de cuerda y una actuación vocal sobresaliente de un Jackson en su prime de su dorada época setentera en la Motown.

viernes, 14 de junio de 2024

1261.- Isi - Neu!

Isi, Neu!


     Neu! fue una banda alemana de rock experimetal formada por Michael Rother (guitarra) y Klaus Dinger (batería). Aunque no fue muy conocida durante su existencia, con el tiempo ha sido considerada una de las bandas más importantes e influyentes de la escena krautrock. En su música utilizaron el característico ritmo motorik del krautrock, siendo muy distintivo también su enfoque minimalista en las melodías. Se formaron en Düsseldorf, Alemania Occidental, en 1971, después de que Dinger y Rother abandonaran Kraftwerk, y han inluenciado en géneros como en post-rock, la música electrónica, el noise y el rock experimental. Aunque sus álbumes estuvieron fura de impresión durante mucho tiempo, fueron reeditados en CD en 2001 por varios sellos discográficos.

Neu! '75 es el tercer álbum de estudio del grupo. Fue grabado y mezclado en el estudio de Conny Plank entre diciembre de 1974 y enero de 1975. El disco se lanzó en 1975 a través del sello discográfico Brain Records y se reeditó oficialmente en CD el 29 de mayo de 2001 por Astralwerks Records en Estados Unidos y por Grönland Records en el Reino Unido. Este trabajo marcó el regreso de Neu! después de un tiempo de descanso, durante el cual Michael Rother colaboró en el supergrupo de krautrock Harmonia. En ese momento, Rother y su compañero Dinger habían dovergido en sus intenciones musicales para el grupo. Dinger prefería un estilo másagresivo influenciado por el rock, mientras que Rother tenía predilección por lo ambiental. Como resultado, llegaron a un compromiso, la primera mitad del álbum se grabría a estilo clásico del grupo, muy melódico, y la segunda parte fue grabada de forma menos convencional y más explosiva.

Incluído en este disco se encuentra la canción Isi, compuesta por Dinger y Rother. La canción, con una duración de algo más de cinco minutos, muestra el lado más electrónico del grupo. Comienza con una introducción de sintetizador que establece un ambiente espacial y etéreo, dando paso a una línea de bajo y una batería motorik, característica del krautrock. La guitarra eléctrica se une gradualmente, creando textura hipnótica al tema. El ritmo motorik de la cancion se desarrolla bajo un patrón repetitivo y constante de batería y la combinación con los sintetizadores, creando todo el conjunto una atmósfera casi hipnótica.

Disco de la semana 382: We Will Always Love You - The Avalanches.



Un álbum que se presenta solo y que tiene una calidad increíble y una música impactante que es muy agradable de escuchar, nunca presiona al oyente ni le vuelve loco, pero aún así deja una gran impresión…. esa impresión fue totalmente positiva para mí: no hay ni una sola canción aquí que creo que tenga siquiera una baja calidad, mantiene intacto el estilo original de la banda mientras sigue cambiando su sonido en gran medida, con el uso intensivo de samples visto en todos sus álbumes hasta ahora, pero entra en un tipo de sonido que no Se ve comúnmente en la discografía de The Avalanches: una discografía más tranquila y meditativa basada en gran medida en sintetizadores más oníricos y muestras y voces más sutiles, y un tema lírico más consistente, que crea la atmósfera que no sólo hace que este álbum se sienta tan completo, tan completo, sino también juega un papel importante, que lo hace tan grandioso.

El álbum comienza con Ghost Story, una introducción hablada inspirada en un mensaje que Orono había grabado en su teléfono cuando era más joven. Las voces se sienten incómodas de una manera que encaja perfectamente, un mensaje nervioso para el oyente que regresa a los temas centrales del álbum de los espíritus y, en cierto modo, traer de vuelta o convocar a los muertos, así como al espacio y otros fenómenos paranormales, es posible interpretarlo como un mensaje de entre los muertos, reflejado en el título, Ghost Story. La canción desarrolla algunas voces hermosas, que no duran mucho, pero se acumulan para el resto del álbum, lo que al principio parece una atmósfera pacífica, en retrospectiva casi parece inquietante, sin importar lo bonito que pueda parecer. Una gran introducción para un gran álbum que marca muy bien el tono y le da al oyente una idea de la atmósfera y los temas que verán de manera destacada en este álbum. Después de eso, tenemos Song For Barbara Payton, una hermosa canción sobre la vida de Barbara Payton, mostrada a través de una muestra que habla de una relación problemática. La propia Payton tuvo muchas relaciones problemáticas y se casó cinco veces, lo que terminaría arruinando su carrera. Esta canción se agregó como una forma de reconocerla, ya que The Avalanches no terminaron poniéndola en la portada del álbum como pretendían originalmente. La canción comienza con acordes que se tocan en un sintetizador con un sonido casi roto, que luego se vuelve más claro a medida que también llega la muestra. Esta canción se vuelve instrumental para la segunda mitad, con una melodía que se reproduce en otro sintetizador, cerrando la canción con un simple "adiós", seguido de un pitido antes de que la canción se corte. Una canción triste y hermosa, y una escucha extremadamente atmosférica. Después tenemos el tema principal, We Will Always Love You, una canción etérea y con buen gancho, centrada en un sample de Smokey Robinson & the Miracles. Blood Orange contribuye con el canto y el rap a la pista. La producción de esta canción es increíble, pero ni siquiera es la mejor del álbum, ya que la producción a lo largo de todo el álbum es increíble, hasta el punto que una producción fuera del mundo casi se siente como un estándar. The Divine Chord, una excelente composición con la ayuda de MGMT y la guitarra de Johnny Marr, casi todas las voces son de Andrew VanWyngarden, la canción tiene un sonido alegre con bonitas vocalizaciones de acompañamiento, tomadas de The Shirelles, y un brillo, no sólo en el sonido general, sino en un efecto de sonido real. En contraste la letra trata sobre el desamor y la tristeza posterior, y las expectativas que la gente tiene sobre las relaciones antes de entablarlas. Una hermosa canción con un tono lírico triste, pero un sonido brillante y una producción increíble. La siguiente pista Solitary Ceremonies es un interludio, cambia a un sonido ligeramente desagradable al principio, que luego se convierte en una pista más tranquila basada principalmente en una muestra de sonido más antigua al principio. Este interludio también hace que el álbum pase de una sección más lenta y triste a una sección más alegre y con un sonido más feliz.

Después de que pasa el interludio, tenemos Interstellar Love, una canción que suena más alegre y centrada más en elementos house y pop que lo que ha presentado el álbum hasta ahora. Esta pista tiene a The Alan Parsons Project para el estribillo, que no aparece mucho en la canción, y la mayor parte de la canción está dominada por los versos de Leon Bridges. Crea un buen tono para la canción cuando la escuchas por primera vez cerca de la introducción. Es una canción divertida y feliz, que une los temas intergalácticos y los temas más espirituales en una escucha agradable. E inmediatamente después de eso, tenemos otro interludio en Ghost Story Pt. 2, que se basa en las voces de Ghost Story con sintetizadores más atmosféricos e instrumentación exuberante, así como una sección restante del mensaje de audio al principio, aunque actúa más como una mirada retrospectiva a través de los cambios en el fraseo y la entrega vocal. Después de esto, tenemos Reflecting Light, otra canción etérea, pero esta es una pista algo más influenciada por el soul, con parte de una canción de Vashti Bunyan para la voz del coro, una bonita melodía y una interpretación vocal que encaja bien en la canción. Sananda Maitreya también contribuye con su voz, pero en forma de característica, cantando los versos conmovedores, en algunos puntos siendo líricamente más sutil y, a veces, siendo más directo con el mensaje, pero funciona en conjunto. La siguiente canción es otro interludio, Carrier Waves, y aunque los interludios son prominentes a lo largo del álbum, mantienen el flujo del álbum. La pista es de naturaleza más ambiental, un ritmo más sutil de una sola patada, que dura sólo unos veinte segundos.

Después de este interludio, está Oh The Sunn, una canción más funky con influencia disco con un estribillo pegadizo impulsado por una muestra de Ernest Fowler and the Voices of Conquest y un ritmo de bajo maravilloso. La canción tiene una colaboración de Perry Farrell, es increíblemente divertida de escuchar, además de fluir bien en la lista de canciones del álbum. We Go On, una canción brillante y alegre, a pesar de que la letra es más triste, algo común en este álbum. La canción muestra una canción de Karen Carpenter y Cola Boyy, que suena feliz, no sólo por la melodía y la producción, sino también por su voz que suena muy brillante. Esta canción es genial, suena muy divertida, incluso con la letra, porque la producción es estelar y logra lo que intenta lograr muy bien. La siguiente pista es un interludio titulado Star Song.IMG, diez segundos de ruido que, cuando se ponen en un espectrograma, se convierten en una imagen de Barbara Payton. A lo largo de este disco, ella aparece como una figura importante, debido a la conexión de The Avalanches con la historia y lo bien que encaja en el álbum. Y aunque musicalmente no se puede calificar o reseñar esto, como elemento temático funciona perfectamente en el álbum. Después de eso, tenemos Until Daylight Comes, una canción bastante corta y tranquila que se centra más en la palabra hablada que la mayoría de las canciones aquí, aunque no todas. Es esencialmente un poema con un fondo musical, la letra habla de temas religiosos de manera poética, uniendo esta hermosa producción con voces más suaves. Esta canción es agradable de escuchar, a pesar de su corta duración. 

Wherever You Go, tiene una introducción larga, que se desvanece lentamente en la primera versión del estribillo, es ingeniosamente retorcida para que tenga más sentido en el contexto de la canción. La canción está mucho más influenciada por elementos musicales house que la mayoría de las canciones de este álbum, y tiene una línea de bajo fuerte y vibrante, así como muchos otros elementos en esta canción compleja pero no exagerada, la duración no frena en absoluto la calidad de la canción, solo le da más tiempo para mostrar cuánto puede aportar, desde los enérgicos versos de Neneh Cherry hasta el breve pero interesante verso de CLYPSO, pasando por todos los demás elementos de esta canción. Music Makes Me High, una canción más ligera que la anterior del álbum, tanto en letra como en sonido. Es alegre y tiene letras más empoderadoras y temas religiosos a lo largo de la canción, también tiene mucho ruido de fondo, haciéndola sentir aún más ligera, como si estuviera en el contexto de una fiesta. Una canción divertida con mucho encanto, que aporta una sensación mucho más ligera que antes en el álbum. La siguiente pista es un interludio, titulado Pink Champagne, una frase a la que se hace referencia en tres canciones y que originalmente iba a ser el título del álbum. El interludio consiste simplemente en la frase “El cielo era champán rosado”. No hay mucho que comentar aquí, es simplemente un punto de transición. Después de esos doce segundos, aparece Take Care In Your Dreaming, esta canción combina estilos vistos anteriormente en este disco y también muestra en gran medida las características del rap, con versos poderosos y enérgicos sobre la vida de los raperos. Después de que la pista se desvanece y comienza el estribillo relajado impulsado por la voz de Tricky, después de un momento aparece el enérgico verso de Denzel Curry impulsado por sus emociones, que inmediatamente se roba el espectáculo, comenzando hablando de su soledad y su suicidio planeado en 2011 y terminando. con la frase "Solía ​​perseguir mis sueños, ahora los sueños me persiguen a mí". Lo que hace que este versículo sea aún más impresionante es que fue escrito en el acto. La siguiente canción es Overcome, que muestra en gran medida una canción de DJ Rogers del mismo nombre. La canción es alegre y divertida y funciona bien en este lugar del álbum, las letras son positivas y fortalecedoras, y en este punto, el álbum esencialmente ha superado la tristeza del comienzo, a medida que ha ido avanzando gradualmente, acercándose a un punto en el que supera por completo la pérdida del comienzo y comienza a ser feliz en su existencia. de nuevo. La siguiente canción es Gold Sky, una canción poética con un hermoso acompañamiento y una agradable voz principal hablada de Kurt Vile. Sigue Always Black, una canción tranquila impulsada principalmente por la voz de Pink Siifu, el piano en esta canción agrega una profundidad que no sería posible sin sus notas extensas y su interpretación tranquila pero dramática, que se muestra al final de la canción, donde va en solitario. Las voces tomadas de la canción de Azimuth (titulada The Tunnel) se suman a la canción de una manera que la hace sentir mucho más real, especialmente combinada con los tranquilos versos de Pink Siifu. La siguiente pista Dial D for Devotion es otro interludio, otro mensaje de audio, esta vez la voz es de Karen O, recitando las palabras del fallecido David Berman. Esta canción también tiene algunos acordes de piano respaldando las voces, lo que hace que la pista se sienta aún más emotiva. Es otra canción bonita, con significado más allá del tema del álbum, que rinde homenaje a la vida de David Berman.


Después de eso, tenemos Running Red Lights, que también rinde homenaje a David Berman en el verso de Pink Siifu, quien también recita la letra de Darkness and Cold de Purple Mountains que se vio por primera vez en la canción anterior, el tempo del enérgico coro se reduce con las voces relajadas en los versos, antes de regresar con el coro para acelerar el ritmo en aproximadamente medio minuto. A pesar de que el estribillo es un poco más largo que los versos, nunca se vuelve repetitivo, esta canción es definitivamente uno de los muchos momentos destacados. La siguiente pista, Born To Lose, es una pista con influencia house impulsada por muestras de seis canciones diferentes, que van desde la versión de Frank Ocean de Moon River hasta la película Trick Or Treat. Todo esto se combina muy bien como una pequeña joya maravillosa que no se excede en su bienvenida y al mismo tiempo logra tener bastante duración, terminando en el extremo más largo de este álbum. Los samples están muy bien manipulados para que encajen, al igual que las melodías, y la repetitividad funciona muy bien con este estilo y se mantiene interesante todo el tiempo. Esta es una canción sólida que es muy divertida de escuchar. Music Is The Light, una canción bastante corta que comienza de manera extraña, pero se construye sobre sí misma continuamente para llenar los vacíos que hacían que la canción sonara extraña al principio. La canción también tiene un estribillo fuerte e impactante que logra funcionar bien en su brevedad. Y ahora tenemos la pista final, Weightless, que reúne todos los temas de este álbum, desde los intergalácticos hasta los que hablan de pérdidas personales. Comienza con el código morse, una transmisión de 1974 enviada al espacio sobre la humanidad. Finalmente, alrededor de dos minutos y cuarto, recibimos los inquietantes coros en ambas partes de Ghost Story y el mensaje final de Orono, dándonos una conclusión final a este increíble viaje de setenta y un minutos de un álbum. Las últimas líneas en específico siempre me han parecido una conclusión satisfactoria y inquietantemente triste, mencionando siempre amar a alguien, incluso en la vida y la muerte pasadas, y la voz de esa persona siempre permanece. Es la conclusión perfecta para un álbum absolutamente hermoso y siempre deja un impacto. Es increíble.

 

Este álbum reúne tantos temas de una manera perfecta, crea una experiencia inigualable, y aunque he hecho todo lo posible para describirlo aquí, quiero cerrar esta reseña diciendo, escúchalo tú mismo, nada puede replicar la experiencia del álbum real….. Esto es nada menos que una obra maestra.

jueves, 13 de junio de 2024

1260.- Never Can Say Goodbye - Gloria Gaynor

La cantante estadounidense Gloria Fowles, conocida por su nombre artístico Gloria Gaynor nació el 7 de septiembre de 1943, hija de Daniel Fowles y Queenie Mae Proctor en Newark, Nueva Jersey. Fowles creció con la música en su casa, ya que su padre tocaba la guitarra, el ukelele y cantaba en un grupo, y sus cinco hermanos también estaban en un grupo. Fowles asistió a South Side High School en Newark y se graduó en 1961. Después de graduarse, comenzó a cantar en clubes nocturnos locales y grabó su primera canción "She'll Be Sorry/Let Me Go Baby" en 1965, en el sello Jocida. En 1971, Fowles firmó con Columbia Records y lanzó el sencillo "Honey Bee" con poco éxito. Su primer álbum, Never Can Say Goodbye , fue lanzado en 1975. El álbum de tres canciones no tuvo pausas entre ellas y se convirtió en un maratón de baile de 19 minutos. El sencillo "Never Can Say Goodbye" fue la primera canción en llegar a la lista de baile de la revista Billboard y luego obtuvo la certificación de plata en el Reino Unido y oro en los EE. UU., después de vender más de 500.000 copias.

Escrita por Clifton Davis en 1970, “Never Can Say Goodbye” fue grabada originalmente por los Jackson 5 en 1971 antes de que Gloria Gaynor le diera el “Tratamiento Disco” completo en 1975. La versión de Gloria es ampliamente considerada como la “definitiva”, inspirando la escena disco que siguió en los siguientes años, tiene sin duda uno de los coros y actuaciones vocales más poderosos de la historia de la música popular.

El diseño general y el arreglo de esta canción son magnificos: suceden muchas cosas de forma brillante (melodía, contrapunto, cuerdas, coros, batería “disco”, bajo, etc.) y el gran logro es que todas concuerdan perfectamente juntas para crear una canción súper contagiosa, memorable y poderosa. La voz de Gloria es más que excelente (recuerden, no había Auto-Tune en ese entonces) y está llena de toneladas de emoción (ni siquiera voy a intentar escribir sobre ello, solo escuche la canción). Hubo muchas canciones de estilo disco antes de esta, canciones que claramente conducían hacia la música disco, aunque no del todo. La interpretación es tan acertada que la canción que están interpretando casi no importa. Algo que con el tiempo se convirtió en una especie de sello discográfico. En general, ames u odies a Disco, debes apreciar la maestría de esta canción.


Novedad Musical 2024: Gravity Stairs - Crowded House


Artista: Crowded House 

Álbum: Gravity Stairs

Fecha de Publicación: 31 de mayo 2024

Genero: Pop Rock, Soft Rock

Estrellas: 4 / 5


Con el octavo álbum de Crowded House, la banda claramente ha madurado respecto del pop despreocupado de su apogeo de los años 80 y 90, sin embargo, como Gravity Stairs deja completamente claro, Crowded House todavía está en posesión de su inteligencia melódica y una habilidad especial para escribir canciones, vamos a encontrar mucho de lo que nos regalaron durante esa época, pero bañado de una dulce capa de actualidad y veteranía. Su líder Neil Finn todavía lleva las riendas de una banda que incluye al miembro original Nick Seymour, Mitchell Froom, que trabajó en todos esos primeros álbumes de Crowded House, y que han incorporado a los propios hijos de Finn, Elroy y Liam. El título Gravity Stairs se inspiró en una pesada escalera de piedra cerca de donde Finn pasa sus vacaciones. Las escaleras simbolizan la lucha por subir, por seguir adelante, que se vuelve más difícil a medida que uno envejece, pero las escaleras son una metáfora del proceso creativo de Finn, el proceso de construcción que termina con la canción terminada.


El álbum comienza con la aireada delicadeza de “Magic Piano”, se puede escuchar una sensación de que el tiempo se escapa, sus regresiones al pop más clásico todavía están presente y los abrumadores instrumentos que contienen transmiten una talentosa madurez. Hago parada en “The Howl” una canción preciosa y para mí una de las más destacadas del álbum, lo primero que llama la atención es la gran voz de Liam Finn con un excelente acompañamiento de la banda donde destaca el trabajo minucioso de la sección rítmica y la guitarra, sin duda encontramos a la banda en su mejor momento y muy sincronizados. Los giros de frase dominan la escritura de Finn, ver el bosque por los árboles persiste como una de las muchas y variadas expresiones de vago miedo en Gravity Stairs. Ese tono de abordar la mortalidad es testarudo y audaz, en esos años crepusculares, Finn logra grandes logros, acepta los arrepentimientos y los momentos en que se encuentra su carrera. La alegre y brillante “Oh Hi” tiene su génesis en  la participación de Finn en la organización internacional sin animo de lucro So They Can, que construye escuelas en zonas remotas de Kenia y Tanzania. Finn encontró en ellos el motivo de la canción y confirmó: "... sin duda los culpables de mi inspiración fueron estos niños increíbles y su magnificencia". La mayor parte de Gravity Stairs se relame en una cierta lentitud, es el toque suave el que a menudo se impone, sin embargo, en medio de la ligereza, se pueden encontrar muchos momentos reveladores, tal vez el más impactante sea "Some Greater Plan (for Claire)", una canción inspirada en el diario de guerra del padre de Finn con una melodía melancólica y llena de emociones con una suave armonía de voz. “Blurry Grass” avanza a un ritmo demasiado sencillo, no impacta, “Black Water, White Circle” apenas llama la atención con su atmósfera lounge. El principio de “I Can't Keep Up With You” es como un sueño con efectos de eco y voces distantes antes de pasar unos 30 segundos a una canción de rock más directa con una guitarra estridente, un bajo y una batería muy intensos. El cierre del álbum, “Night Song”, tiene un toque de jazz con un piano ligero y una suave voz principal de Finn al principio que se va haciendo más fuerte y se complementa con los coros. La canción se inspiró en un tipo que Finn escuchó despotricar en la ventana de una habitación de hotel una noche a las 3 am. Sobre ese tema, Finn dijo en la biografía del álbum: "Compartes esa parte de la noche con personas que están en su propio mundo y tienen sus problemas a esas horas, sentí un extraño parentesco con él”.


Hay una gran intensidad en Gravity Stairs que se afianza mucho antes de terminar de escucharlo,  Neil Finn ha comparado la experiencia de escribir y grabar esto con subir una montaña, se tiene una conciencia de la mortalidad siempre presente en las frías paredes de piedra, se suben por el simple hecho de hacerlo, una razón filosófica y conmovedora. La banda está tan dispuesta como siempre, pero están en otra parte de la montaña, se acabaron las escaladas y solo les queda descender, dejar atrás el brillo de la cima, aunque Finn todavía tiene un resorte juvenil en su paso lírico y durante gran parte de Gravity Stairs, que no significa mirar atrás sino esperar que las mismas alegrías de la juventud caigan a sus pies. Los mejores compositores nunca se repiten, siempre crecen, y ese crecimiento refleja la sabiduría que viene con la edad. Finn es un gran compositor y aunque el material de este álbum es bastante diferente al del apogeo de Crowded House en la década de 1980, todavía resuena con bastante fuerza en el oyente.