0762.- The man who sold the world - David Bowie

The Man Who Sold the World fue compuesta por David Bowie y grabada para el disco del mismo título, publicado en noviembre de 1970 en Estados Unidos y en abril de 1971 en Reino Unido. El que fuera tercer álbum del cantante y músico británico estaba marcado por fuertes influencias del hard rock y el heavy en canciones basadas en setenteros riffs de guitarra, y fue la antesala del sonido que Bowie acabaría depurando para su obra maestra The rise and fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972).

Curiosamente, y además de en el disco al que daba título, la canción solo apareció inicialmente como cara B en los sencillos estadounidenses de Space Oddity (1972), Life on Mars (1973), y posteriormente en el single Strangers when we meet en 1995, en una versión regrabada y producida por Brian Eno. Hasta la actualidad, ha sido versionada por un gran número de artistas, sin duda embrujados por la inquietante historia sobre un hombre al que se le aparece un personaje extraño que parece ser su otro yo o un desdoblamiento de su propia personalidad, pero sobre todo, y más allá de la letra y la perfecta melodía, por el pegadizo riff de la canción.

El propio Bowie produjo y tocó el saxofón en la versión de la cantante escocesa Lulu de 1974, que fue un gran éxito de ventas, pero de todas las versiones, sin duda es la de Nirvana, grabada en directo para su Unplugged in New York (1993) la mejor y la más famosa de todas. Tal fue su repercusión, que hasta el propio Bowie la adaptó a la manera de Nirvana en sus interpretaciones en vivo, añadiendo una línea más dura de bajo y dándole un matiz aún más oscuro que el de su primera versión, no volviendo a la versión original hasta la década del 2000.

Unplugged In New York - #MesNirvana

 

Unplugged In New York

     El 1 de noviembre de 1994 la banda de estadounidense Nirvana publicaba sus primer álbum en directo, más concretamente una actuación acústica grabada en los Sony Music Studios de Nueva York el 18 de noviembre de 1993 para el programa de televisión MTV Unplugged. Este álbum fue producido por Scott Litt, Alex Coletti y el grupo Nirvana, y publicado por el sello discográfico Geffen Records.

El programa fue dirigido por Beth McCarthy y transmitido por la cadena de televisión por cable MTV el 16 de diciembre de 1993. Curiosamente y en contra de lo que se solía hacer en el conocido programa, Nirvana tocó principalmente temas menos conocidos y versiones de The Vaselines, David Bowie, Lead Belly y Meat Puppets. Según David Grohl, Nirvana quería hacer alg diferente a una actuación típica de MTV Unplugged, ya que habían visto varias y no les habían gustado muchas de ellas, ya que la mayoría de las bandas se dedicaban a tocar sus éxitos de siempre como si estuvieran en el Madison Square Garden, solo que lo hacían con guitarras acústicas. Aunque las presentaciones anteriores habían sido completamente acústicas, Nirvana usó amplificación eléctrica y efectos de guitarra durante el concierto, y contaron con la colaboración del guitarrista rítmico Pat Smear, la violonchelista Lori Goldston, además de algunos miembros de Meat Puppets para algunas canciones. 

MTV Unplugged In New York fue lanzado después de que el grupo abandonara los planes de lanzar la actuación como parte de una compilación de doble álbum en vivo titulada Verse Chorus Verse. Este álbum fue el primer lanzamiento del grupo después de la muerte de Kurt Cobain, fallecido unos  siete meses antes. El disco debutó con el puesto número uno en la lista Billboard 200 de Estados Unidos, y en 2020 ya había conseguido ocho certificaciones de platino. En 1996 ya había superado los 6'8  millones de copias vendidas de su álbum In Utero y ganó el premio Grammy a la Mejor Interpretación de Música Alternativa.

Para la actuación, el grupo se inspiró en el álbum The Winding Sheet de Mark Lanegan de 1990, y la actuación fue grabda el 18 de noviembre de 1993 en los Sony Studios de Nueva York. Cobain sugirió que el escenario se decorara con lirios, velas negras y un candelabro de cristal. Al ser preguntado que si lo quería como si fuera un funeral éste respondió: "Exactamente como un funeral". A pesar de la premisa acústica del programa Cobain había insistido en pasar su guitarra acústica por su amplificador y pedales de efectos. Para ello el productor Coletti construyó una caja falsa frente al amplificador para disfrazarlo como una cuña de monitor. Otra de las curiosidades de este directo es que a diferencia que muchos de los artistas que aparecieron en este programa, Nirvana filmó la actuación completa de los 14 temas en una sola toma. 

MTV Unplugged In New York incluía una canción de sus álbum debut Bleach, cuatro de su segundo álbum Nevermind, tres del recientemente lanzado In Utero y seis versiones. Los temas que integran el álbum son About A Girl, incluido en Bleach, tema que supuestamente fue escrito en 1988 después de que que Cobain pasara una tarde escuchando repetidamente Meet the Beatles. Cobain escribió la canción para su novia Tracy Marander, quien no lo supo hasta unos años después al leerlo en el libro "Come as You Are: The Story of Nirvana". Come as You Are, perteneciente al álbum Nevermind y el único tema de renombre que la banda grabó en este directo. Una canción que Kurt Cobain escribió sobre la gente y de como se espera que actúe. Jesus Doesn't Want Me For a Sunbeam, versión que el grupo realiza del la banda de pop indie escocesa The Vaselines. El tema es una parodia sobre el himno cristiano para niños. The Man Who Sold the World, versión del maravilloso tema de David Bowie. Kurt había incluido este disco de Bowie en el puesto 45 de su lista personal de sus 50 discos favoritos. Pennyroyal Tea, incluido en el álbum In Utero, canción que trata sobre tomar una difícil decisión y las consecuencias y el sentimiento de culpa que le sigue. Dumb, incluido también en In Utero, el malogrado cantante la escribió sobre los simples y tontos placeres de la vida. Polly, del disco Nirvana, trata sobre un hecho real, el secuestro de una niña de 14 años en 1987. Esta niña regresaba de un concierto en Tacoma, Washington, cuando fue secuestrada por un hombre llamado Gerald Friend, quien la llevó a su refugio, la violó y la torturó con un látigo, un soplete y una navaja. La niña se las arregló para escapar y Gerad Friend fue arrestado y enviado a prisión. On a Plain, incluida en Nevermind. Cobain escribió esta canción sobre el acto de escribir una canción, explorando aspectos como el del proceso de la composición, el bloqueo a la hora de componer y el intento de encontrar la voz adecuada. Something in the Way, última canción que aparece del disco Nevermind. Cobain expresa sus sentimientos en algo que sufrió en sus propias carnes cuando le echaron de casa y tuvo que vivir debajo de un puente cercano. Plateau, Oh Me y Lake of Fire son los tres temas que vesionan del grupo estadounidense Meat Puppets, con el que habían coincidido en una gira anterior. Se encarga de cerrar este Unplugged otra versión, Where Did You Sleep Last Night, tema tradicional folclórico estadounidense. Nirvana se basó en la versión y los arreglos que hizo el músico y compositor estadounidense de folk y blues Lead Belly. 

In Utero - #MesNirvana

#MesNirvana álbum In Utero

Vamos con la publicación de In Utero que es el tercer y último álbum de estudio de la banda de rock estadounidense Nirvana, lanzado el 21 de septiembre de 1993 por DGC Records.

Después de irrumpir en la escena de la música con su segundo álbum, Nevermind (1991), Nirvana contrató a Steve Albini para grabar In Utero, buscando un sonido más complejo y atrevido.

La grabación se llevó a cabo durante dos semanas en febrero de 1993 en Pachyderm Studio en Cannon Falls, Minnesota. Un rumor después de que se completó la grabación, circulaba  que DGC podría no lanzar In Utero debido al sonido atrevido de Steve Albini. El productor Scott Litt fue contratado para remezclar los sencillos "All Apologies", "Heart-Shaped Box" y "Pennyroyal Tea", lo que molestó a Steve Albini.

Pero In Utero fue un gran éxito comercial y de crítica. Los críticos elogiaron el cambio de sonido y la letra de Kurt Cobain. Alcanzó el número uno en el Billboard 200 de EE. UU. y en la lista de álbumes del Reino Unido; "Heart-Shaped Box" y "All Apologies" alcanzaron el número uno en la lista Billboard Alternative Songs. El álbum está certificado cinco veces platino y ha vendido 15 millones de copias.

In Utero fue el último álbum de Nirvana antes del suicidio de Kurt Cobain en 1994. "Pennyroyal Tea", planeado como sencillo antes de la muerte de Kurt Cobain, fue lanzado en 2014 y alcanzó el número uno en la lista Billboard Hot Singles Sales.

A principios de 1992, el compositor Kurt Cobain le dijo a la revista The Rolling Stone que el próximo álbum de Nirvana mostraría "ambos extremos" de su sonido y dijo: "Será más crudo con algunas canciones y más dulce en algunas de las otras. Ganó no ser tan unidimensional". El productor de Nevermind, Butch Vig, dijo más tarde que Cobain había necesitado trabajar con un productor diferente para "recuperar su ética o credibilidad punk".

Cobain quería empezar a trabajar a mediados de 1992, pero sus compañeros de banda vivían en diferentes ciudades, y Kurt Cobain y su esposa, Courtney Love, esperaban el nacimiento de su hija, Frances Bean. El sello discográfico de Nirvana, DGC Records, esperaba lanzar un nuevo álbum de Nirvana para la temporada navideña de 1992; en cambio, lanzaron el álbum recopilatorio Incesticide. 

En una entrevista de Melody Maker publicada en julio de 1992, Cobain dijo que estaba interesado en grabar con Jack Endino, quien había producido el álbum debut de Nirvana en 1989, Bleach, y Steve Albini, exlíder de la banda de noise rock Big Black, quien había producido varios lanzamientos independientes. En Seattle, en octubre de 1992, Nirvana grabó varias demos con Endino, principalmente como instrumentales, incluidas canciones que luego se volvieron a grabar para In Utero. Endino recordó que la banda no le pidió que produjera su próximo disco y que constantemente debatían trabajar con Albini. Nirvana grabó otra serie de demos mientras estaba de gira en Brasil en enero de 1993. "Galones de alcohol para frotar fluyen a través de la tira" fue grabado por Craig Montgomery en BMG Ariola Ltda en Río de Janeiro, durante la sesión de demostración de tres días. La canción se tituló originalmente "I'll Take You Down to the Pavement", una referencia a una discusión entre Cobain y el cantante de Guns N' Roses, Axl Rose, en los MTV Video Music Awards de 1992.

Nirvana finalmente eligió a Steve Albini para grabar su tercer álbum. Steve Albini tenía una reputación en la escena de la música independiente estadounidense por ser crítico con la industria de la música convencional y tenía una estricta preferencia por la grabación analógica en lugar de la digital. Envió un descargo de responsabilidad a la prensa musical británica negando los rumores de su participación en Nirvana, solo para recibir una llamada de la gerencia de Nirvana unos días después. Steve Albini descartó a Nirvana como "REM con un fuzzbox" y "una versión corriente del sonido de Seattle". Sin embargo, aceptó el trabajo porque sentía pena por ellos, percibiéndolos como "el mismo tipo de personas que todas las bandas de poca monta con las que trato", a merced de su compañía discográfica.

Kurt Cobain dijo que eligió a Steve Albini porque había producido dos de sus discos favoritos, Surfer Rosa (1988) de Pixies y Pod (1990) de Breeders. Cobain quería usar la técnica de Steve Albini de capturar el ambiente natural de una habitación a través de la colocación de varios micrófonos, algo que los productores anteriores de Nirvana habían sido reacios a intentar. Antes de la grabación, la banda le envió a Albini una cinta de los demos que habían hecho en Brasil. A cambio, Albini le envió a Cobain una copia del álbum Rid of Me (1993) de PJ Harvey para darle una idea de la acústica en el estudio donde grabarían.

Daniel 

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Bleach - Nirvana #MesNirvana

 

Este álbum parece formulado, con sus introducciones de retroalimentación, riffs de estilo heavy metal y percusión. La música y las letras son melancólicas, con voces roncas y roncas de Kurt Cobain. Lanzado por Sub Pop Records en junio de 1989, el álbum debut de Nirvana, Bleach , se grabó por solo 600 dolares, un riesgo escaso para la banda. A pesar de sus orígenes de sello independiente, Bleach ha vendido más de dos millones de copias en todo el mundo y sigue siendo el lanzamiento más vendido de Sub Pop. Como muchos recuperamos este disco después de haber machacado Nevermind y al escuchar Bleach por primera vez, fue difícil entenderlo, la magnificencia pop que se escuchó en Nevermind (es esencialmente un disco pop) fue enterrado bajo varias capas de lodo. Las armonías de Cobain estaban en su mayoría ausentes y todo lo que parecía presente eran los gritos, aullidos y aullidos de Cobain mientras intentaba hacer oír su voz por encima de la música. La mayoría de las letras fueron masticadas y escupidas como incomprensibles y sin importancia, no un galimatías como tal, sino gemidos guturales de frustración y alienación. La emoción y el poder de la música eran obvios, pero escuchando a través de la lente de la producción más nítida de Nevermind de Butch Vig , Bleach sonaba como si estuviera siendo hecha por extraterrestres, sin duda extraterrestres con conocimiento de cómo mantener una melodía decente.

 

Arranca el álbum con Blew no movemos en graves profundos mientras todo lo paga una especie de riffs de heavy metal. Guitarra principal, blues rock y medio tiempo, la voz apenas se puede apreciar y la no se distingue la letra, en el fondo ni está mal. El Floyd the Barber está basada en un personaje del programa The Andy Griffith Show del que Kurt Cobain dijo que la canción era sobre "un pequeño pueblo que se hizo malo. Todos terminan convirtiéndose en asesinos en serie"., de nuevo nos encontramos con otra canción dura, áspera donde predominan las guitarras ante las que todo sucumbe, introducción distorsionada, luego ritmos de heavy metal y riffs, sin embargo, las voces no son realmente de estilo heavy metal. El pelotazo del álbum, el diamante sobre el que iban a pulirse es About a girl, con un ambiente vagamente similar a "Come as you are" para la introducción (de su gran álbum "Nevermind" de todos los tiempos), una melodía tipo Beatles/Paul McCartney, especialmente en lo que respecta a la melodía vocal, es probablemente la canción más conocida de este álbum. Es una clara anomalía en Bleach , que es un álbum lleno de fango, tienes 11 pistas que son principalmente solo riffs agresivos, y luego esta canción pop perfectamente formada y brillantemente escrita fue una demostración temprana de la destreza de Kurt Cobain para escribir canciones , pero musicalmente es brillante, el verso, el solo de guitarra y la conclusión de cada estribillo se basan simplemente en dos acordes, lo que hace que esta sea una canción bastante fácil de aprender para los jóvenes guitarristas. Puede parecer simplista, pero proporciona la base para algunas de las melodías vocales más potentes que la banda lanzaría jamás. El estribillo es la perfección del pop clásico, mejorado aún más por la forma en que utiliza uno de esos cambios clave que parece que no debería funcionar, pero logra introducir una nueva dimensión espectacular a la canción, viendo el resto de canciones no sabemos si fue suerte ciega o Cobain realmente sabía que estaba haciendo. Probablemente lo último. ¡¿Pero quién sabe?!. School tiene una introducción distorsionada un Riff raro para quedarse en un rock duro de medio tiempo y tiene un bajo que suena fantástico a veces, el estribillo, con su gancho de lamentos de metal ", sigue siendo algo alegremente cursi peo el solo de guitarra es bastante bueno, quizás uno de los mejores del disco. El verso final de la canción, donde el bajo lleva el riff para apoyar la línea vocal repetida "Estás en la escuela secundaria otra vez" a medida que crece en intensidad es lo mejor.

Love buzz fue el primer sencillo de Nirvana, y es un clásico frío como la piedra, es una gran muestra del talento de la banda. El trabajo del bajo es excepcional, manteniendo la pista animada y divertida, y también es una de las pilas de fideos de guitarra interpretadas de manera más impresionante que Kurt Cobain jamás grabaría. La toma vocal cambia de dulcemente melódica a completamente desquiciada de una manera que se siente pegadiza e infecciosa, pero también un poco salvaje. Paper Cuts también retumba y palpita y básicamente contiene la plantilla para cada canción posterior de Alice in Chains, lleno de guitarra agria y voces chirriantes que son salvajes incluso para los estándares de un álbum más duro como Bleach. Negative Creep es de las mas bestias del álbum, nos lleva al extremo y nos regalan para los amantes de este estilo una barbaridad de riffs de heavy metal distorsionados. Scoff no alcanza los niveles de grandeza que tiene otros temas del álbum, como muchas de las pistas de Bleach, esta es más una colección de riffs traqueteantes que una canción cohesiva bien tejida, presenta algunas peculiaridades vocales bastante divertidas, pero creo que se suman a mi disfrute de la canción. Desde la línea "gimme back ma alky-hol" hasta algunos de los gruñidos y lamentos, esta pista tiene algunas cosas raras. Swap Meet comparte mucho ADN con "Scoff", es una colección de riffs que realmente se duplica en la estética SUBPOP de la escena grunge, y quizás no sea la canción más memorable en este ambiente, sin embargo, sigo pensando que esta melodía tiene algunos elementos divertidos y la parte más destacada de la canción (como es el caso con un montón de cosas de Bleach ) es la sección del solo de guitarra, que es un trabajo de guitarra realmente desquiciado. Cosas bastante salvajes. Mr. Moustache es divertida y accesible de una manera que no lo son algunas de las otras pistas y más cuando escuchamos el hilarante gemido agudo que sirve y el punto de salida para la interpretación vocal de esta canción. Simplemente tremendo. Sifting es un rechinar lento y acre del número final de Bleach y refleja una profunda sensación de alienación, cuando Kurt recordaba sus momentos de angustia infantil y la incapacidad de las figuras de autoridad en su vida para consolarlo. Big Cheese gana con cada escucha, tiene notas muy buenas en la guitarra y un interesante estilo vocal, me gusta la forma en que Kurt desafía a las notas. También me gusta su cambio de textura vocal... áspera, a suave y alucinante. Las letras son demasiado simples a veces, pero está bien. Cierra el álbum Downer, una buena introducción de bajo (tal vez un poco como el estilo del grupo de punk rock australiano "X"), letras más complejas y un sonido vocal extraño... mordido nasalmente... como un niño con mocos.

 

“Bleach” es el sonido de una banda que no es del todo termianda. Dave Grohl, el increíble baterista de la banda, no se unió hasta finales de 1990, hay algunas influencias bastante obvias de Husker Du y Pixies. Pero no se equivoquen: “Bleach” es un gran álbum, un disco enfadado y molesto – sobre la vida de Cobain en Aberdeen – las 13 pistas aquí (11 en el álbum original) son muy buenas. Bleach ha sido reevaluado a lo largo de los años como un estándar Grunge y se ha vendido por millones.   

Nirvana: Nevermind #MesNirvana

Cuando hicimos el reparto de los discos a reseñar en el #MesNirvana, uno de mis compañeros en 7días7notas dijo: "Dejemos el de Nevermind al experto en ese disco" con un emoticono de un guiño y señalándome "virtualmente" a mí, por aquello del sobrenombre con el que firmo los artículos en el blog. Los demás estuvieron de acuerdo, y no quise sacarlos de su error, porque (en primer lugar) es un disco que me encanta y porque (en segundo lugar) clarificar que ni soy experto, ni lo de Nevermind va realmente por el disco de Nirvana, me pareció un buen punto de partida para la reseña de este genial disco.

Y es que Nevermind (en español "No importa") me pareció una buena manera de quitarle importancia al que escribe, y centrar el foco en la música, la auténtica razón de ser del blog, pero lo hice inspirado en uno de los sobrenombres con los que firmaba Prince (Alexander Nevermind) y no el que fue el exitoso segundo álbum de estudio de los estadounidenses Nirvana, producido por Butch Vig y publicado a finales de 1991. Pero ya que estoy, y aprovechando el equívoco, me permitiré aquí el homenaje de reseñar un disco que es la auténtica Biblia del nacimiento del grunge en los noventa.

Para su segundo disco de estudio, Kurt Cobain quería ir más allá de los estándares del recién nacido grunge, y asimiló conceptos de otras escenas musicales, dejándose influenciar por grupos como The Pixies o REM, que alternaban en sus canciones tramos ruidosos con secciones más acústicas y calmadas. Puede que ahí resida la magia que, en comparación, no tiene el anterior Bleach (1989), y esa misma magia fue la que, pese a surgir de un intento de abrirse a otras tendencias, convirtió al álbum en el mayor referente del grunge y catapultó al género al reconocimiento a nivel mundial. Y más allá de cualquier etiqueta, l oque es innegable es que Nevermind es uno de los mejores de la historia.

La primera canción de este disco histórico es, ni más ni menos, Smells Like Teen Spirit, que fue además el primer sencillo del álbum, y que desbancó del primer puesto del Billboard al megaproyecto de ventas que Michael Jackson había diseñado con su disco Dangerous. Con este archiconocido tema, Nirvana volvió a poner al rock alternativo en una posición de prevalencia de la que había estado alejado durante toda la década de los ochenta, dominada por el pop enlatado y que abusaba en exceso de los sintetizadores. In Bloom comienza con esa misma premisa de canción melódica y tono de voz bajo, para romper después agresivamente en el estribillo, llevando al oyente al paroxismo y la admiración más absolutas. La banda luchaba contra su propio estigma en el video promocional de la canción, en el que en blanco y negro, un presentador de los años 50 presentaba a un grupo de músicos ataviados con traje y corbata, y en el caso de Cobain, unas gafas de pasta al más puro estilo Buddy Holly.

Sin tiempo para respirar, o aprovechando para hacerlo en los momentos más melódicos, llega el turno de Come as you are, el otro gran single del disco, que igualmente se convertiría en un himno para toda una generación. Le sigue Breed, una de las primeras ocho canciones que se compusieron y grabaron en las primeras sesiones para el disco, con el título provisional de Immodium. En esa tanda inicial estaban también canciones que quedaron fuera del álbum como Sappy, Here she comes now o Dive (la cara B de Sliver, en un single planeado como anticipo del disco, pero del que ninguna de las dos canciones terminó formando parte de Nevermind), y temas que acabarían siendo pilares del disco como In Bloom, Polly, Stay Away (con el nombre inicial de Pay to Play) y Lithium. La intensidad vocal de ésta última fue el motivo por el que, tras este prometedor comienzo, la grabación del disco quedó aplazada y sin fecha de reanudación a la vista, por el deterioro que supuso para la voz de Cobain.

Tras este forzado y prolongado paréntesis, los miembros de Nirvana grabaron una demo con una nueva compañía discográfica, y acabaron firmando un nuevo contrato con la todopoderosa Geffen Records, que les recomendó a varios de sus productores de cabecera, pero Nirvana insistió en repescar a Butch Vig, y continuar así con el trabajo realizado hasta ese momento.​ En sesiones maratonianas de 8 a 10 horas diarias, en las que Butch Vig se las apañaba para convencer a un Cobain poco amigo de las mezclas y los overdubs de que ese era el camino adecuado, se fue gestando lo que terminaría siendo un disco histórico.

Paradójicamente, los miembros de Nirvana no quedaron muy convencidos del resultado final de Nevermind, en lo que Cobain definió como "un disco más parecido a Mötley Crüe que a un disco de punk rock". Tampoco ayudó que el tema Endless, Nameless, planeado como pista oculta al final de Something in the way, la canción que cierra el disco, se quedara accidentalmente fuera en las primeras ediciones del álbum. Kurt Cobain insistió en que se reparara aquel error, y lo que se hizo en las siguientes ediciones fue incluirla en la misma pista de Something in the way, tras un silencio de diez minutos.

Geffen Records esperaba que Nevermind vendiese unas 250 000 copias, tomando como referencia lo que había sido el debut de Sonic Youth en el mismo sello, y nunca imaginaron lo que estaba por llegar. Ha día de hoy, se calcula que Nevermind ha vendido más de treinta millones de copias en todo el mundo, y la revista Rolling Stone lo situó en 2020 en el sexto puesto de su lista de los 500 mejores álbumes de la historia y en el primer puesto de los 100 mejores álbumes de los 90. No está nada mal para un disco que no buscaba ventas millonarias ni convertirse en referente de ningún movimiento, y del que, en contra de la opinión más extendida en 7días7notas, estoy muy lejos de ser un experto. Y en el fondo no me hace falta, porque no es necesario ser un entendido en Nirvana para ponerse el Nevermind a toda pastilla y darse rápidamente cuenta de que todo lo demás No importa.