1775.- The Guests - Leonard Cohen

The Guests - Leonard Cohen

“The Guests”, la canción que abre el álbum Recent Songs (1979) de Leonard Cohen, es una obra de profunda espiritualidad y melancolía, que combina la poesía mística del autor con una instrumentación de inspiración oriental y medieval. Desde los primeros acordes, Leonard Cohen establece un clima solemne, casi ritual, en el que su voz grave actúa como un narrador que observa la humanidad desde una distancia cargada de compasión y sabiduría.

El tema funciona como una especie de metáfora sobre la condición humana. En ella, “los invitados” son las almas que llegan a una gran celebración —la vida, el mundo o la creación misma— cada una cargando su propia historia, su dolor y su anhelo de comunión. A medida que la canción avanza, Leonard Cohen describe a esos invitados con una mirada empática: nadie queda fuera, ni los poderosos ni los frágiles, porque todos buscan un lugar en esa misteriosa mesa compartida. Es una visión de la fraternidad universal, teñida de una tristeza que reconoce lo difícil que resulta alcanzar la verdadera unión entre los seres humanos.

Musicalmente, “The Guests” destaca por su arreglo exquisito y su atmósfera hipnótica. Leonard Cohen se rodeó de músicos de diversas tradiciones, incluyendo instrumentos como el violín, la mandolina, el oud y el acordeón, que aportan un aire de antigüedad y misticismo. La melodía avanza lentamente, con una cadencia casi litúrgica, mientras coros femeninos envuelven la voz principal con un tono angelical. Este contraste —entre lo terrenal de la voz de Leonard Cohen y lo celestial de los coros— refuerza el sentido espiritual del tema, donde lo divino y lo humano se entrelazan constantemente.

En cuanto a la letra, Leonard Cohen retoma elementos de la tradición sufí y bíblica, fusionándolos con su propio estilo poético. Habla de “la puerta que se abre lentamente” y del “banquete de amor”, imágenes que evocan tanto la hospitalidad como la redención. El banquete puede interpretarse como una metáfora del cielo o del reencuentro de las almas, pero también como una invitación a la compasión y al entendimiento mutuo en la Tierra.

“The Guests” es, en definitiva, una canción que resume muchas de las obsesiones de Leonard Cohen: la búsqueda de sentido, la convivencia del deseo y la fe, el intento de reconciliar la carne con el espíritu. Su tono sereno y su profundidad lírica hacen de ella una de las piezas más conmovedoras y reflexivas de su carrera. Es una apertura perfecta para Recent Songs, un álbum donde Cohen se muestra maduro, contemplativo y más cerca que nunca del tono místico que definiría su obra posterior.

Daniel 

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1571 - Leonard Cohen - Memories

1571 - Leonard Cohen - Memories

Publicada en 1977 como parte del álbum Death of a Ladies’ Man, "Memories" es una de las canciones más singulares de Leonard Cohen. Escrita por el propio Leonard Cohen y producida por el célebre Phil Spector, esta pieza se distingue por su instrumentación exuberante y un tono entre nostálgico y satírico que la convierte en una rareza dentro de su discografía.

La letra de "Memories" relata una historia de amor no correspondido, narrada con una mezcla de ironía y melancolía. Leonard Cohen, con su característica voz grave, describe una escena en la que un joven tímido y torpe intenta conquistar a una mujer inalcanzable. La canción está impregnada de un aire de desesperación romántica, pero también de humor, ya que la imagen del narrador rogando por una oportunidad refleja tanto la vulnerabilidad humana como la exageración de los sentimientos juveniles.

Musicalmente, Death of a Ladies’ Man marcó una desviación del sonido austero y poético que había definido la carrera de Leonard Cohen hasta ese momento. Phil Spector, famoso por su "muro de sonido", impregnó la producción con arreglos grandilocuentes, coros masivos y una orquestación recargada que contrastaba con la habitual sobriedad de Leonard Cohen. En "Memories", esta producción se traduce en una mezcla de doo-wop y rock & roll de los años 50, con vientos y coros dramáticos que refuerzan el tono teatral de la canción.

A pesar de la colaboración con Spector, Death of a Ladies’ Man no fue bien recibido ni por la crítica ni por Leonard Cohen mismo, quien posteriormente se distanció del álbum y lo consideró un trabajo fallido. Las sesiones de grabación fueron caóticas, con Spector imponiendo su estilo de manera casi dictatorial y Leonard Cohen perdiendo control sobre el proceso creativo. Sin embargo, con el tiempo, la canción y el disco han sido revalorizados, considerados por algunos como una exploración fascinante de los excesos del productor y una etapa peculiar en la evolución artística de Leonard Cohen.

"Memories" no es una de las canciones más recordadas del repertorio de Leonard Cohen, pero su singularidad la convierte en una pieza intrigante dentro de su trayectoria. En ella conviven la poesía melancólica del canadiense y la desbordante producción de Spector, generando una combinación que oscila entre lo emotivo y lo paródico. Aunque no haya alcanzado la notoriedad de otros temas de Cohen, su espíritu teatral y su reflejo de una época tumultuosa la han asegurado un lugar especial entre los seguidores más dedicados del artista.

Daniel
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1210.- Chelsea Hotel #2 - Leonard Cohen

A finales de los años 60, Leonard Cohen decidió renunciar a su vida como novelista y poeta consagrado en Canadá por una oportunidad en la floreciente escena folk de Nueva York. Por suerte para todos nosotros, lo hizo, porque ese movimiento resultó en algunas de las canciones más conmovedoras jamás escritas. Aunque el pedigrí intelectual y la densa maraña lírica de su música provocaron comparaciones inevitables con el poeta laureado del rock Bob Dylan, su debut de 1967, Songs of Leonard Cohen, tuvo un éxito limitado cuando se lanzó en diciembre anterior. Cohen era una voz singular en la composición de canciones. Pudo transmitir verdades duras y al mismo tiempo hacerlas parecer reconfortantes. Fue sincero sobre su vida, incluso sobre las partes más turbias y feas. Profundiza en ese tema en “Chelsea Hotel #2”.

Como muchos de los nombres más importantes de la época, Cohen solía alojarse en el hotel Chelsea en la ciudad de Nueva York mientras estaba lejos de su casa en Montreal. Con tantos artistas pasando por esos sagrados salones, el hotel se convirtió en un semillero de inspiración, Cohen tocaria esta canción en sus conciertos en vivo, una historia sobre su encuentro con un cantante famoso en el Chelsea, su encuentro se convirtió en una relación sexual, que él describe en la canción. Cohen cuenta esa historia en la letra con gran detalle, apoyándose mucho en su reputación de vagabundo. “Y apretando el puño por los que como nosotros / Que estamos oprimidos por las figuras de la belleza / Te arreglaste, dijiste, “bueno, no importa / Somos feos, pero tenemos la música”. Estas líneas suelen incapacitar emocionalmente a los enanos envenenados de menor fortaleza arrogante, especialmente cuando los persigue un diminuto cuerno que transmite su ansiedad. Esa línea culmina la narración simplificada en la que Leonard describe a Joplin apretando el puño "por aquellos como nosotros que estamos oprimidos por las figuras de la belleza". La agonía se imparte, no por ninguna pérdida, sino por el vacío del enamoramiento. Esa trompeta contrapone la guitarra lenta y punteada y sus florituras de puntuación. La canción concluye con un verso de indiferencia que quema la dignidad y ¿qué es ese ruido? ¿Un órgano o bombardino sonando a lo lejos del evento? “Escribí esto para una cantante estadounidense que murió hace un tiempo", escribió Cohen en las notas de su compilación Greatest Hits. “Ella también solía quedarse en el Chelsea” No fue hasta después de su muerte que Cohen reveló el nombre de la cantante: Janis Joplin. Cuenta la leyenda que Leonard Cohen estaba en el ascensor del Chelsea Hotel cuando se abrieron las puertas y apareció Janis Joplin. Se quedó tan impactado por la joven y famosa cantante que cuando ella le preguntó por Kris Kristofferson, Cohen le respondió que era él a quien buscaba. Su aventura fue breve, a la mañana siguiente, Joplin fue a buscar a Kristofferson y grabó posiblemente su mayor éxito, "Me and Bobby McGee". La pareja se vería alguna vez esporádicamente. Joplin murió el 4 de octubre de 1970 de una sobredosis de heroína, su muerte tuvo un marcado efecto en Cohen.

1209.- Lover lover lover - Lonard Cohen

 

Lover lover lover, Leonard Cohen

     New Skin for the Old Ceremony es el cuarto álbum de estudio de Leonard Cohen. Fue grabado durante el mes de febrero de 1974 en el Sound Ideas Studio de Nueva York bajo la producción de Leonard Cohen y John Lissauer, y publicado el 30 de agosto de 1974 por el sello discográfico Columbia Records. En este disco el artista empieza a evolucionar alejándose del sonido más crudo de sus trabajos anteriores, incluyendo el sonido de violas, mandolinas, banjos, guitarras, percusión y otros instrumentos que dotan al disco de un sonido más orquestado pero a la vez manteniendo la sobriedad que caracteriza a Cohen. En Reino Unido consiguió la certificación de plata merced a sus ventas, sin embargo en Estados Unidos ni siquiera llegó a entrar la lista Billboard 200.

La portada original del álbum estuvo rodeada de cierta polémica. Originalmente era una imagen del texto del tratado alquímico Rosarium Philosophorum, que data del sigo XVI. En la portada aparecen dos seres alados y fundidos en un abrazo sexual que hicieron que el sello discográfico Columbia Records imprimiera una de las primeras ediciones del disco sin la imagen y sustituyéndola por una foto de Cohen. Otra de las alternativas iniciales para "adecentar"  la portada original fue la de presentar un collage adicional de alas de ángel que cubrían las figuras representadas y fundidas en el citado abrazo sexual.

incluido en este álbum se encuentra Lover, lover lover, una joya poética que brilla dentro del vasto repertorio de Leonard Cohen. Esta canción se destaca por su profunda exploración de temas como el amor, la redención y la espiritualidad. Cohen es de sobra conocido por su habilidad para combinar letras introspectivas con melodías cautivadoras. La canción comienza con una introducción suave de guitarra acústica, estableciendo un ambiente íntimo y melancólico, y entonces la voz profunda y melódica de Cohen entra en juego, transmitiendo una sensación de nostalgia y anhelo, y a medida que avanza, la instrumentación se intensifica con la incorporación de cuerdas y coros que añaden una dimensión adicional a la canción.

Las letras de Lover lover lover son un testimonio del genio poético del artista. En ellas, Cohen reflexiona sobre su búsqueda de redención y amor, expresando un profundo deseo de ser perdonado por sus pecados pasados. Las palabras están imbuidas de una intensa pasión y una sincera vulnerabilidad, lo que hace que la canción resuene en un nivel emocional profundo con el oyente. Otro de los aspectos más destacados de la canción es la habilidad de Cohen para crear imágenes vívidas a través de su escritura. Las letras pintan un retrato evocador de un viaje espiritual, lleno de simbolismo y metáforas. Cohen utiliza la metáfora del "campo de batalla" para representar la lucha interna del narrador, mientras que la imagen del "amor como un fuego" evoca una sensación de pasión ardiente y deseo incontrolable. La canción alcanza su clímax con el coro emotivo y poderoso, donde Cohen repite el estribillo "Lover, lover, lover, come back to me" con una intensidad palpable. Esta repetición crea un efecto hipnótico que envuelve al oyente, invitándolo a sumergirse completamente en la experiencia musical.

0820 - Leonard Cohen - Avalanche

0820 - Leonard Cohen - Avalanche

Avalancha es una canción de Leonard Cohen. Aparece en su tercer álbum, Songs of Love and Hate, lanzado en 1971.

La letra se basa en un poema que había escrito anteriormente. Reconoció en una entrevista de 1992 con Paul Zollo que su "chop", su patrón único de tocar la guitarra clásica, está detrás de muchas de sus primeras canciones, y esta presenta el patrón de guitarra clásica sincopado y rápido característico de Leonard Cohen como acompañamiento en la grabación de la canción.

La canción de Leonard Cohen tiene varias covers y algunas de ellas son la de Nick Cave & the Bad Seeds que grabaron una versión de la canción para su álbum de 1984, From Her to Eternity. En 2015, como solista, Nick Cave volvió a hacer una versión de Avalanche para la temporada 2 de Black Sails.

También Aimee Mann grabó la canción como tema de apertura de la serie de televisión I'll Be Gone in the Dark (2020).

Y otra de las versiones es la de Ghost que grabó una versión de la canción para su álbum de 2018, Prequelle.

Daniel 

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0819.- Famous Blue Raincoat - Leonard Cohen

Hay un famoso impermeable azul en algun sitio de este planeta que han dejado colgado, e incluso lo han hecho con dejadez, y ha quedado sumido en el olvido mientras el polvo iba invadiendo su superficie. Ese impermeable azul una vez protegia de la lluvia al cuerpo de un poeta, que decidio hacerse cantante y que nos estuvo regalando musica y poesia en perfecta consonancia, ese mismo impermeable mientras estaba cumpliendo la funcion por la que fue adquirido,fue robado del apartamento de Nueva York que pertenecía a la amante del compositor, Marianne Ihlen a principios de la década de 1970. Cohen nunca se volvió a reunir con su impermeable, pero lo hizo eterno, y quien mas que menos todos hemos querido saber que vió aquel impermeable azul, la culpa ser la excusa perfecta de una de sus canciones más queridas y enigmáticas. Lanzado en el álbum de 1971 Songs of Love and Hate ,"Famous Blue Raincoat" ofrece quizás la síntesis más clara de Cohen, el poeta y novelista, y Cohen, el cantautor, mientras transmite una historia vívidamente caracterizada de adulterio, arrepentimiento y soledad en solo cinco minutos. 

"Famous Blue Raincoat" de Leonard Cohen comienza a las cuatro de la mañana, una hora generalmente armada con ensoñaciones ebrias, pero ocasionalmente visitada en noches de insomnio, dejándote sin nada que hacer más que enviar grupos de búsqueda a los ríos sombríos del alma, y, como Cohen, escribiendo cartas a personas que solían jugar un papel mucho más importante en tu vida. La canción toma la forma de una carta dirigida a un hombre anónimo que, según sabemos, una vez intentó sin éxito alejarse de Jane, la esposa del escritor. (una versión ficticia del propio cantante). Pero esta no es una narrativa tórrida ordinaria de un triángulo amoroso, llena de egos heridos, amargura, culpa y recriminaciones. Confía en Leonard Cohen para que se le ocurra algo más sutil, sobrio y silenciosamente devastador. De hecho, la carta es curiosamente fraternal, incluso conciliadora con el rival del narrador, la tragedia aquí nunca fue la infidelidad, sino la forma en que el narrador se resignó a la decadencia de su matrimonio. "Gracias, por la molestia que le quitaste a sus ojos, pensé que estaba allí para siempre, así que nunca lo intenté", reconoce.en una línea deslumbrante que destila el corazón de la desesperación conyugal y la falta de comunicación. Pero tal es la rica ambigüedad de las palabras de Cohen que ninguna cantidad de análisis de la letra podría producir una interpretación definitiva de "Famous Blue Raincoat". ¿Hubo, por ejemplo, alguna vez un segundo hombre, o fue un alter-ego, una presencia espectral abstracta? ¿Es "ir limpio" un eufemismo para el sexo, o una referencia a una etapa de la Cienciología, en la que Cohen incursionó de manera inusual en ese momento?. Cohen proporcionó poca aclaración, posiblemente para no atenuar la naturaleza abierta e inescrutable de la canción, pero principalmente porque él mismo no tenía las respuestas. En una entrevista en 1994, admitió: “Era una canción con la que nunca estuve satisfecho. Siempre he sentido que había algo en la canción que no estaba claro”.

A pesar de sus reservas personales sobre la pista, Cohen continuó tocándola a lo largo de su larga carrera. Tal vez siguió volviendo a él con la esperanza de que con cada actuación  se acercaría más a descubrir finalmente algo de claridad dentro de la canción. O tal vez simplemente nunca dejó de extrañar su famosa gabardina azul robada.

0555.- The Partisan - Leonard Cohen

Leonard Cohen realizó en 1969 una versión adaptada de "The Partisan" o "The lament of the Partisan", himno antifascista que ensalzaba a la Resistencia francesa durante la Segunda Guerra Mundial. La canción original, titulada "La Complainte du partisan" fue compuesta en 1943 por la rusa Anna Marly. Su interpretación fue difundida por la BBC, e inspiró la letra escrita por Emmanuel d'Astier de la Vigerie, líder de la resistencia francesa.

Cohen se basó en la adaptación al inglés realizada por Hy Zaret, conocido por ser también el letrista del tema "Unchained Melody" para la película de 1955 Unchained, que se convertiría en una de las canciones más versionadas de la historia de la música, logrando su mayor éxito en la versión de The Righteous Brothers. La versión de Cohen llevó el título de The Partisan, y fue incluida en su álbum de 1969 Songs from a Room, y publicada como sencillo en Europa.

En la voz del músico y poeta canadiense, The Partisan volvió a alcanzar la popularidad perdida, y fue de nuevo inspiración para otros artistas, que grabaron también sus propias versiones. Entre ellas, cabe destacar también la de Joan Baez, que la publicó bajo el título de "Song of the French Partisan".

0554 Bird on the Wire - Leonard Cohen

0554 Bird on the Wire - Leonard Cohen

Bird on the Wire es una de las canciones emblemáticas del artista Leonard Cohen. que fue grabado el 26 de septiembre de 1968 en Nashville e incluido en su álbum de 1969 Songs from a Room.

Existe otra grabación de mayo de 1968 producida por David Crosby, titulada Like a Bird, se agregó al CD remasterizado de 2007. Judy Collins fue la primera en lanzar la canción en su álbum de 1968 Who Knows Where the Time Goes. Joe Cocker también hizo una versión de la canción en su segundo álbum de estudio al año siguiente a este.

En la década de 1960, Leonard Cohen vivía en la isla griega Hydra con su novia Marianne Ihlen, la mujer representada en la contraportada de Songs from a Room. Ella relató cómo lo ayudó a salir de una depresión entregándole su guitarra, después de lo cual comenzó a componer Bird on the Wire, inspirado en un pájaro posado en uno de los cables telefónicos recientemente instalados de Hydra, seguido de recuerdos de noches húmedas en la isla. Lo terminó en un motel de Hollywood.

Leonard Cohen ha descrito Bird on the Wire como una simple canción country, y la primera grabación, de Judy Collins, se hizo en un ambiente country. Más tarde realizó varios cambios menores, como las modificaciones presentes en Cohen Live. Se incluyen diferentes versiones en todos sus álbumes en vivo. En ocasiones también interpretó en concierto la versión francesa de Serge Lama, "Vivre tout seul".

En las notas de portada de un relanzamiento de 2007 de Songs From A Room, la canción se describió como "simultáneamente una oración y un himno, una especie de 'My Way' bohemio".

En las notas de la compilación de 1975 The Best of Leonard Cohen, Cohen escribió sobre la canción:

"Siempre comienzo mi concierto con esta canción. Parece que me devuelve a mis deberes. Se comenzó en Grecia y se terminó en un motel de Hollywood alrededor de 1969 junto con todo lo demás. Algunas líneas se cambiaron en Oregón. Parece que no puedo hacerlo perfecto. Kris Kristofferson me informó que le había robado parte de la melodía a otro escritor de Nashville. También dijo que pondrá las primeras dos líneas en su lápida, y me dolerá si no lo hace."

Se ha sugerido que la canción a la que se refería Kristofferson es "Turn Me On", escrita por el compositor de Nashville John D. Loudermilk, que fue grabada originalmente por Mark Dinning en 1961 y luego versionada por muchos otros artistas, incluida Nina Simone, y que comparte una melodía similar y algunos patrones líricos con la canción de Cohen.

Daniel 

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0431.- So long, Marianne - Leonard Cohen

Incluida en su álbum de debut (Songs of Leonard Cohen), So long, Marianne es una de las canciones más especiales del músico y poeta canadiense Leonard Cohen, inspirada en una Marianne real, una chica noruega llamada Marianne Ihlen, que el artista conoció en la isla griega de Hidra. Tan impresionado quedó Cohen con la belleza de esta chica griega, que declaró posteriormente que era la mujer más hermosa que había visto en su vida, y no es extraño entonces que le dedicara una canción.

Marianne Ihlen llegó a Hidra junto a su amigo el escritor Axel Jensen, con quien se casaría después, pero tras dos años y con un hijo pequeño, Jensen la abandonó, y poco después el azar hizo que se encontrara de nuevo con Leonard Cohen en una tienda de comestibles, dónde empezó una relación que duraría la mayor parte de la década de los sesenta, época en la que Cohen realizó el tránsito de la vida de poeta a la de músico, y escribió varias canciones y poemas inspirados en su bella musa y pareja.

De Marianne es la foto que aparece en la portada de su segundo disco (Songs from a room) y a ella está dedicado Flores para Hitler, el tercero de los libros de poemas que Cohen publicó. Pero quizá su mayor declaración de amor fueron los versos de esta delicada canción. Ha pasado tanto tiempo, Marianne, pero gracias a la magia de la pluma de Leonard Cohen te seguiremos recordando.

0430.- Sisters Of Mercy - Leonard Cohen

0430 Sisters Of Mercy - Leonard Cohen

Sisters Of Mercy es una canción del cantautor canadiense Leonard Cohen, aparecida en su primer álbum Songs of Leonard Cohen que se publicó en 1967. La canción describe a un grupo de dones muy hospitalarios que no se sabe si son monges, prostitutas o las costumbres de Edmonton, con los que el protagonista de la canción tiene una relación de amor auténtica en un hotel. El titulo nos lleva a pensar con esta ambigüedad, ya que en inglés Sisters of Mercy son una congregación de monges.

El título de esta canción inspiró el nombre de un grupo de rock gótico inglés de los años 1980 que se llama Sisters of Mercy. Este grupo hizo una canción titulada Marianne y una recopilación que se llamó Some girls wander by mistake, que es una frase extrema del primer álbum de Cohen.

Daniel 

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0429.- Suzanne - Leonard Cohen

 

Estamos ante la que probablemente es la canción más conocida de Leonard Cohen, casualmente es la primera que reseñamos ya que cronológicamente es la que aparece en su primer álbum, no tratamos de desesperanzaros con lo que en próximas entregas vendrá de Leonard Cohen, no sé si será mejor, para algunos seguro que sí, lo que si aseguro es que al menos muchas de ellas están a la altura. El punto fuerte de "Suzanne" sea probablemente la simpleza, la escuchas con ese leve sonido de guitara y te preguntas, hombre esto yo ya lo había escuchado en el recorrido de cuatrocientos y pico canciones que hemos hecho, pero no, con esa tranquilidad, con esa dulzura y con esas notas ligeras que acompañan a la voz y que en ningún momento le eclipsan, y más que eso, la refuerzan en los momentos más intensos no he logrado encontrarla, culpa mía seguramente, o culpa de un poeta que se mete a cantante y que quiere que su poesía prevalezca por encima de todo. Y es que la melodía no deja de ser repetitiva, obvia, directa, pero válgame, funciona, conecta, trasmite, importa bien poco que no tengas ni idea de lo que está diciendo si no conoces el idioma de Shakespeare, da igual, te llega, y el mensaje te lo imaginas y sin duda imaginas a tu persona perfecta a tu lado, y todo inundado de amor, y pajaritos que sobrevuelan vuestras cabezas, y campos de flores y bosques de olor estimulante y cascadas que no logran apagar el susurro de la voz de tu pareja, el amigo lo consigue, con esa melodía… y con su voz que te arrulla, has caído en el ensueño de Leonard Cohen. Las cuerdas reverberadas y los coros de fondo (los cuales no suenan psicodélicos ni por un segundo, a pesar de que todos los coros en 1967 tenían que sonar psicodélicos) hacen su trabajo perfecto. Y ya si sabes el idioma de Shakespeare y te has preocupado en buscar la letra traducida el segundo verso de la canción, la metáfora de Jesús el marinero, te noquea y sigue siendo hoy en día una de las mejores estrofas de poesía que se he escuchado en una canción (no pierdan de vista la angelical escalada melódica que ocurre cuando Cohen se adueña de la voz de Jesús mismo al cantar 'All men will be sailors then, until the sea shall free them') y es que Cohen consigue equiparar el contenido romántico del tema con un sentimiento religioso como quizás solo sabe hacer un buen poeta. Y no olvidemos, Cohen en los 60´s era ese gafapasta repelente y engreído que reconocemos ahora en este siglo XXI que abre la boca y tu pensabas para ti, vale chaval, tú mismo, déjame en paz, pero escucha, el tío pone música a su poesía y piensas, ostia, dímelo más despacio que me mola, escuchas "Suzanne" y jamás se te pasaría por la cabeza que Cohen podría llegar a ser un tipo pretencioso.

Pues esta es la canción que presentó a Cohen como artista discográfico, "Suzanne", se publicó inicialmente como un poema y luego se lanzó como un sencillo de Judy Collins en 1966. La propia versión de Cohen aparecería como su primer sencillo y como la seductora pista de apertura de Songs of Leonard Cohen y esta basada en una relación platónica con una bailarina llamada Suzanne Verdal y como dijimos al principio, sigue siendo la obra más perfectamente realizada de uno de los mejores compositores de todos los tiempos.

 

 

 

Disco de la semana 224: Songs of Leonard Cohen - Leonard Cohen

 

Este álbum debut de Leonard Cohen es uno de mis álbumes favoritos y es quizás el álbum más perfecto jamás grabado. Es perfecto en el sentido de que prácticamente no hay pasos en falso y cada canción es genial y memorable (al menos). Como ha señalado el propio Bob Dylan, lo que la gente tiende a olvidar con Cohen es su talento para la melodía, así como su lirismo, y ese es un factor importante en el éxito de este álbum. Su poesía no tiene rival, como sabemos, pero piensa en la progresión melódica de Sisters of Mercy , o en el optimismo melancólico que irradia Master Song, donde las palabras informan el tono, pero la música también dirige sutilmente esas emociones…. aunque la mayoría de sus cualidades están más allá de toda descripción, y realmente solo necesitan ser escuchadas y sentidas por ellos mismos. Solo hablaré de todas las canciones.

 

Empieza el álbum con Suzanne, la canción perfecta, es difícil encontrar a alguien que no le guste este tema, pero tiene su lógica, con ese aire cadencioso al cantar/recitar y esa guitarra que de fondo acurruca la voz como las olas del mar. Estamos quizás antes una de las mejores canciones sobre el amor y la amistad nueva ¿cómo no podría ser así con letras de amor como "Ha tocado tu cuerpo perfecto con su mente" envuelto en mística de este estilo “te enseña dónde buscar entre la basura y las flores" y por supuesto ese verso demoledor "Jesús era un marinero".  Toda en ella roza la excelencia. Con Master Song pasa a un estado más intenso, es un tema mucho más difícil de descifrar líricamente, pero me gusta casi tanto como Suzanne, nos entregamos a ella con un estado de ánimo destruido, con esa melodía y, sobre todo, de nuevo por la poesía. Es difícil describir qué tiene de genial esta canción, pero se destaca incluso en este álbum perfecto. Winter Lady es ligera y corta en comparación con la mayoría de las canciones del álbum, pero es igualmente inquietante. "Señora viajera, quédate un rato hasta que termine la noche / Solo soy una estación en tu camino, sé que no soy tu amante".

 

The Stranger Song es una tapada entre tantas obras maestras en el álbum y lo hace de manera sencilla, solo con la voz, unos pequeños toques de guitarra, pero adornada con una letra realmente desgarradora e inquietante, hay que detenerse con delicadeza en el tema y saber disfrutar de esta pequeña obra oculta, prepárate a sentir con la voz de Cohen. Sister of mercy, podría ser mi segunda canción favorita del álbum y es que te detienes en la letra y te abrumas " Se tumbaron a mi lado, me confesé ante ellas, Tocaron mis ojos y yo toqué el rocío en sus ropas, Si tu vida es una hoja que las estaciones arrancan y condenan, Te cegarán con un amor que es delicado y verde como un tallo ".

Letras como esa son la razón por la que la poesía en la música es tan genial. El mensaje llega de una manera que puede aplicarse a la vida de casi cualquier persona y las palabras en sí mismas están tan perfectamente sintonizadas con la música que las palabras se convierten en música. El arreglo musical, con zanfona, acordeón y cuerdas ligeras, realmente lo hace interesante y hace un buen trabajo al aumentar la melodía sin abrumarla. También le dan un cierto tono de celebración a la pieza, aunque no estoy seguro de si pretendía ser irónico o no. Escuchar algo así de feliz de Cohen sería simplemente extraño, ya ves... So Long Marianne es la canción más "optimista" del álbum, lo que significa que cuando no tengo cuerpo para la tristeza del resto de las canciones, esta es la que me da por cantar al viento- Parece tener un toque escocés, y tiene cantantes de coros femeninas que se suman a la canción perfectamente. "Te fuiste cuando dije que tenía curiosidad / nunca dije que era valiente".

Hey, that's no way to say goodbye, es una de las canciones más conocidas del álbum aunque reconozco que personalmente no me parece de lo mejor, quizás la aúpa que sea un tema más “fácil” y por momentos puede parecer cursi, pero Cohen ha sabido darle su toque y convertirla en un una canción inquietante, espiritual y honesta. Stories of the Street puede ser también una de las canciones que a priori te puede atraer menos del álbum, quizás una de las más planas, si bien hay que entender que venimos de un nivel muy alto, pero, aun así, basta bucear un poco en su letra para terminar estremecido… “Con una mano en un hexagrama, y una mano en la chica, hago equilibrio sobre el pozo de los deseos al que todos los hombres llaman el mundo. Somos muy pequeños entre las estrellas, muy largo es el cielo; y perdidos entre las multitudes de los subterráneos, intento llamar tu atención”.  Teachers es otra joya escondida. Nunca una canción sobre tener problemas para conocer mujeres, parecía tan dolorosa, profunda y honesta. One of Us Cannot Be Wrong, es probablemente la canción más "deprimente" de este álbum ya de por sí deprimente. Es un gran acercamiento a los dolores y frustraciones del amor. La letra de cierre y la dolorosa armonización del tono desafinado al final, ponen un gran remate a este álbum perfecto.

 

 

 

 

El disco de la semana 164: Leonard Cohen - I´m your man

Leonard Cohen pasándose al Synth pop??? Habíamos visto cambios radicales, como el de Bob Dylan cuando se volvió a eléctrico, pero ¿este salto? bueno no exageremos, es cierto que tiene algún toque de este estilo, que muchas veces se apoya en este instrumento para las canciones, pero joder, la cosa le salió redonda, sobre todo en dos aspectos, el primero y más importante es que le salió un álbum de una calidad magnifica, y el segundo que acerco al gran público a su música, era yo un adolescente cuando en la televisión nos bombardeaban con el video de “First we take Manhattan” y ese sonido tan peculiar, que años más tarde cuando trate de indagar en la discografía de Cohen descubrí que no era nada parecido a los recuerdos que tenía yo con 15 años de aquel tema. Y es que ese nuevo estilo le venía ni que, pintado a la voz fuerte, que expulsa mientras canta, se tornaba más oscura y ronca en contraposición con los sonidos brillantes y casi chillones de muchos de sus temas. Y es que Cohen se había estancado, su popularidad había decrecido y la venta y la repercusión de sus álbumes no era la de los años 70 y este movimiento de genialidad le trajo de nuevo a lo más alto de su carrera. Pero curiosidades y mercado aparte el álbum es una maravilla, disfrutar de él con la mente abierta a lo que había sido y sin los prejuicios de cantautor aburrido y triste te dará una dimensión de lo que tenemos en nuestras manos.

El álbum se inicia con “First we take Manhattan” que fue el single promocional del mismo, la canción es original de Leonard Cohen pero la habíamos podido escuchar anteriormente en la voz de Jennifer Warnes en un álbum tributo a Leonard Cohen, es esta versión le acompaña en la voz. En la canción Cohen se introduce en la mente de un terrorista intentando mostrar con la letra lo incongruente que son las posturas extremas en cada aspecto de la vida y los caminos tan estúpidos por los que nos pueden llevar, una denuncia en toda regla. En el video, rodado en blanco y negro sobre una playa, podemos ver a Stevie Ray Vaughan tocando su desgastada guitarra "Número uno" (con su distintivo logotipo "SRV") en el Puente de Brooklyn. "Ain't No Cure for Love" es una canción de amor, una canción con la poesía de Cohen de lo que significa estar enfermo de amor, es una canción dolorosa como muchas de este estilo, pero también de aceptación del trance, con unos muy buenos coros. “Everybody knows” está escrita junto a Sharon Robinson, una de las más fieles colaboradoras del artista, escrita como un mantra, con sus sombrías proclamas sobre la crisis del SIDA y la injusticia racial, fue exactamente arrojar a la cara lo que supuso la década de Reagan, raspando el sórdido vientre de la ostentación y el glamour de los 80. Es un tema áspero aunque se haya recubierto de soniquetes a lo largo de todo el tema, la letra es muy cruda, fue utilizada como el tema de apertura para la película La liga de la justicia.

“Everybody knows that you love me baby

Everybody knows that you really do

Everybody knows that you've been faithful

Ah give or take a night or two

Everybody knows you've been discreet

But there were so many people you just had to meet

Without your clothes

And everybody knows”

Leonard Cohen escribió "I'm Your Man" para Dominique Issermann, su novia fotógrafa francesa, oculta un grito desesperado de amor y atención, sin importar las circunstancias. Es triste y es gracioso. Son las patéticas garras de un hombre más allá de la dignidad. Y le da esa exquisita lectura cargada de ironía del último caballero canadiense que promete humillarse solo por una bocanada de carne nueva, promete apoyar a su amada sin importar en qué, ya que solo está desesperado por alimentarse de su cuerpo…. "Si quieres un amante / haré cualquier cosa que me pidas / Y si quieres otro tipo de amor / Usaré una máscara para ti 7 Si quieres un médico / examinaré cada centímetro de ti / La bestia no se irá a dormir / Aullaría ante tu belleza / Como un perro en celo” .

El siguiente corte es “Take this waltz” un poema de Federico Garcia Lorca, del que el cantante era un profundo admirador, de hecho una de sus hijas se llama Lorca, es un Vals que el autor recita con una profunda admiración y un gran sentimiento en cada verso, personalmente opino que es una de las cumbres del disco y de su discografía, será un defecto profesional por mi admiración y amor al poeta Granadino, pero en serio, es un temazo , el tema apareció por primera vez en el álbum colectivo Poetas en Nueva York (1986), que homenajeaba a Federico en el 50 aniversario de su asesinato, que tuvo lugar a comienzos de la Guerra Civil Española. En 1988, Cohen la recupero para este álbum, añadiéndole el violín de Raffi Hakopian y la voz de Jennifer Warner. El vídeo original se rodó en Granada (España), aunque, por alguna extraña razón que no alcanzo a comprender, las autoridades le negaron al artista canadiense la posibilidad de filmar en la Alhambra, como era su pretensión. Hubo de conformarse con los alrededores. No obstante, sí vemos a Leonard Cohen en la casa de Federico García Lorca, en Fuente Vaqueros. 

Con “Jazz Police” da otra vuelta de tuerca, estamos ante una cancion muy loca, ritmos de discotecas, ritmos de jazz, en un batiburrillo que al final queda muy curioso, sorprendió y decepcionó, incluso molestó, a algunos de sus seguidores. Es muy diferente de su estilo musical normal aun así consiguió que estuviera en boca de todos. “I can´t forget” es una canción más del estilo, no se priva de los sonidos de los sintetizadores, pero es la vuelta a la melodía, a los coros, a Cohen, tampoco es la más redonda de su carrera. Cierra el álbum “Tower of song” otro experimento, grabado con poco más que un sintetizador de juguete, pero es una canción con gran carga de profundidad, casi una biografía y un homenaje, una carta de amor de Cohen a su oficio, donde equipara perseguir el don de la poesía a estar atrapado en una penitenciaría de pesadilla. Este, dice, es el precio que paga por la creatividad, y es un lugar sombrío para vivir; Pasaron años atrapados en un bloque de viviendas decrépito, mirando alrededor de un piso costroso donde los vecinos ruidosos lo han mantenido despierto mientras el estruendoso estruendo de Hank Williams "tosiendo toda la noche cien pisos más arriba" resuena a través de las tablas del piso.