Disco de la semana 391 - Saviors - Green Day

"El Retorno de los Días Verdes" bien podría ser el título de una novela romántica y de época, pero no es más (ni menos) que la vuelta de Green Day a sus mejores registros desde los tiempos de "American Idiot" (2004) y "21st Century Breakdown" (2009), las dos óperas punk rock conceptuales con las que asaltaron la década de 2000. Desde entonces, varios han sido los intentos de, por un lado, alejarse de estructuras musicales complejas y volver a la senda del punk rock directo y desenfadado de sus primeros discos, y por otro, de acercarse al nivel de uno de ellos, el aclamado Dookie (1994).

Tras otra década marcada por varios intentos fallidos, que se quedaron en buenos discos o, peor aún, en discos simplemente aceptables, la banda estadounidense liderada por Billie Joe Armstrong parece haber dado al fin con la tecla en "Saviors" (2024), su decimocuarto disco de estudio, publicado por la discográfica Reprise Records, un álbum en el que vuelven a contar con Rob Cavallo, que precisamente trabajó con ellos en los mencionados Dookie (1994) y American Idiot (2004), y con el que no habían coincidido desde la grabación de Tré! (2012).

Grabado en Londres y Los Angeles, la primera intención de la banda fue titularlo "1972", como homenaje al año de nacimiento de sus tres componentes, y así se publicitó en algunos posts iniciales, allá por el año 2021, pero finalmente el título cambió a Saviors, el título de una de los quince temas que finalmente engrosaron el disco, sin una idea o concepto general que las una o relacione entre ellas. Son, simplemente, quince retazos de punk rock desenfadado y sin pretensiones, casi todas ellas por debajo de los cuatro minutos de duración.

El disco comienza con "The American Dream Is Killing Me", que es precisamente la primera canción que se escribió para el álbum y el single de lanzamiento de "Saviors". Compuesta y grabada algún tiempo atrás, inmediatamente vieron en ella el potencial para ser el single principal, y tuvieron que mantenerla guardada con siete llaves para que no viera la luz hasta el momento de ser publicada. Musicalmente, es una memorable y típica canción "Made in Green Day" de riff pesado y estribillo de himno para corear en directo, con la inevitable carga de crítica social y política hacia el tradicional sueño americano, convertido en la canción y en el video promocional en una pesadilla de zombies vivientes vagando por las calles.

Le sigue a continuación el segundo single del disco, "Look Ma, No Brains!", una canción que según Billie Joe Armstrong es su favorita del álbum, y que nada tiene que envidiar a su antecesora o a muchas de las grandes canciones de punk rock que el músico californiano ha escrito a lo largo de sus ya más de treinta años de trayectoria. "Bobby Sox" sigue la misma línea desenfadada y sin grandes pretensiones, con una letra aún más sencilla y un video que lo dice todo acerca de las intenciones de sus autores, tocar y divertirse en una fiesta. Con algo más de empaque en las letras ("La vendetta es mi amiga, la venganza es más dulce que el vino") llega otro de los grandes temas del disco, "One Eyed Bastard", que fuera cuarto single y que transforma el estribillo de una canción de Pink ("Nananana..., I'm gonna start a fight") en un intenso riff de guitarra y bajo que encaja a la perfección con el intenso ritmo de una canción de pegadizo estribillo y renovada actitud punk.

Capítulo especial merece "Dilemma", el que sería tercer single de "Saviors", otra de las canciones "Made in Green Day" que se convertirá sin duda en imprescindible en conciertos y listas de reproducción de la banda. En poco más de tres minutos, Green Day entregan otro de sus clásicos, con el efectivo estribillo de "I don't wanna be a dead man walking" ("No quiero ser un muerto viviente") planeando sobre nuestras cabezas, relatando la lucha y los conflictos de un alcohólico fiestero que se debate entre períodos de sobriedad y episodios de desenfrenada farra.

"1981" es punk rock californiano en estado puro y despachado en poco más de dos minutos, un chorro de intenso aire fresco antes de bajar un poco los decibelios en con "Goodnight Adeline", más comercial en el buen sentido de la palabra, y más trabajada a nivel de solos y estructuras rítmicas más pausadas. En "Coma City" vuelven a la carga en cuanto a intensidad, pero la sensación es que no consigue llegar al nivel de los temas previos del disco. Lo mismo podría decirse de la correcta "Corvette Summer", con la que conforma un tramo del disco que tiene cierto aire a período "valle". No importa demasiado, porque recobran el pulso en el momento justo con "Suzie Chapstick", una de esas canciones con las que solo puedes quitarte el sombrero y entender por qué les sigues siguiendo y admirando después de tantos años.

El punk rock directo y de estribillo pegadizo sigue presente en temas como "Strange Days Are Here to Stay" y las guitarras pesadas pueblan la intensa "Living in the '20s", pero la siguiente parada reseñable la encontramos en "Father to a Son", en la que la añoranza y el recuerdo de la figura paterna en las letras nos trasladan a temáticas de hits anteriores como el ya clásico "Wake me up when September ends". A estas alturas, y salvo un par de momentos menos reseñables, el disco ya ha alcanzado el notable alto, y "Saviors" mantiene el nivel sin elevarlo especialmente, lo que demuestra que la decisión de titular el disco así no obedecía a ninguna razón excesivamente trabajada, y y que hay un buen puñado de canciones que podrían haber tenido ese mismo honor.

Y una de ellas podría haber sido, por qué no, "Fancy Sauce", la canción más larga del disco, por ser la única que llega a los cuatro minutos, que cierra el disco con cierto aire a himno pero sin excesivos alardes, pues no tienen cabida en un disco que prefiere ir directo y al grano a lo largo de sus cuarenta y seis minutos de duración, en los que Billie Joe Armstrong, Mike Dirnt y Tré Cool se dedican a hacer lo que mejor sabe hacer, algo que, de cuando en cuando, y aunque a veces tengan que pasar diez años, es una obra que se acerca a la perfección de épocas más verdes y fértiles, que con "Saviors" parecen al fin de vuelta.

Father of all..... - Green Day #MesGreenDay

El grito es casi unánime, estamos ante un álbum es casi infame por su marketing fuera de contacto, y por no cumplir las expectativas y no reflejar lo que realmente es la música de Green Day, pero somos un blog serio y si o si tenemos que terminar el mes Green Day y ese final o es otro que Father of All… o lo que sea que entregaron, asi que me dispongo a volver a escucharlo, ya lo hice en su estreno y se quedó perdido en el limbo, pero sinceramente me apetece volver a enfrentarme a él. Le he dado otro par de intentos esta semana para ver si mi opinión cambia y no ha mejorado, sino que me disgusta más. De hecho, no recordé una sola nota de este álbum entre entonces y ahora, aparte de la canción principal y el coro de 'Take the Money and Crawl', recordé la parte principal del estribillo porque me pareció pegadiza en una especie de comercial de coches, lo que supongo que vale algo, pero la otra razón por la que se quedó en mi cabeza desde que la escuché por primera vez, fue sonaban TAN mal que simplemente no podía olvidarlos. Aparte de que necesito quejarme hay poco que decir sobre las otras canciones, muchas de las pistas suenan como copias unas de otras, es extraño escuchar las mismas estructuras repetidas en algo cercano a la mitad de la lista de canciones. El principal culpable de eso que me viene a la mente es la fórmula del verso de alternar entre golpes de instrumentos y canto, si entiendes a lo que me refiero (DUN DUN DUN DUN - todos los instrumentos se detienen, excepto la batería tal vez - *Cantando* - DUN DUN DUN DUN - *Cantando*, repetición). No puedo señalar ninguna composición inteligente o subversiones musicales (aparte de subvertirse a sí mismo de la buena música). Muchas de las letras tienen exactamente el efecto opuesto de inteligente para mí. El álbum dura 26 minutos, pero cada canción se siente MUCHO más larga que su tiempo de ejecución, lo máximo que ha obtenido de mí es "huh, un poco pegadizo" y luego lo olvido, o algo más en la canción agria lo bueno que traté de encontrar. Creo que si cortas cada sección de estas 10 pistas y descartas todo lo que no tiene valor, tal vez podrías hacer 2 canciones con el contenido restante.

Dicho todo esto, no soy un fanático. No soy particularmente una persona pop-punk, pero puedo disfrutar de algunas canciones de Green Day, así que no soy inmune a que me guste cualquier cosa dentro del género. El marketing boomer acaba de agregar la guinda del pastel que le dio al álbum una cantidad remota de cobertura, de lo contrario, creo que esto se habría olvidado TAN rápido, de manera similar a cómo olvidé aproximadamente 25 de 26 minutos de este lanzamiento solo un pocos meses después de darle una generosa cantidad de escuchas. Y ahora un breve resumen de lo que me ha parecido cada cancion

Father of All, fue el sencillo principal e inmediatamente me hizo saber que este álbum estaba destinado a ser una decepción. la mezcla, como la mayoría de las canciones de este álbum, es confusa. el falsete de Billie Joe es simplemente... un sonido extraño, con una tonelada de distorsión (y no del tipo bueno) y está completamente enterrado en la mezcla: a veces me esforzaba por escucharlo. además de eso, esta es solo una vieja y aburrida canción de Green Day, del tipo que he escuchado antes y que lo hacían mejor. Fire, Ready, Aim cuya mejor descripción que he escuchado es que parece hecha para un anuncio de una competición de carreras…. ¿Y porqué lo comprimen tanto? Acaso es para que entre en el anuncio, al menos Oh Yeah te llega un poco, no es una canción que me gustaría escuchar regularmente, al menos aprecio las voces reverberadas y el sintetizador en la parte posterior de la segunda mitad, no es una canción terrible en general. 

Meet me on the roof es un rock comercial que probablemente me dará migraña después de escucharlo, no odio completamente. la mezcla sigue siendo muy mala. I Was a Teenage Teenager tiene posiblemente el peor título de canción de todos los tiempos, qué demonios significa eso. claro, la melodía no es horrible, pero entre la letra cursi y, de nuevo, una producción terrible, se estropea del todo. Stab you in the heart es una versión pop punk del rock and roll de los años 50, parece genial pero no es inmune a los problemas que planean por el resto del álbum. Sugar Youth y esass guitarras tan poco interesantes, simplemente suenan planas y poco dinámicas esa fue mi concclusion. Además, ¿por qué Billie Joe sigue escribiendo canciones sobre la juventud? Vamos, hombre, tienes casi 50 años, debe haber otras cosas sobre las que escribir ahora. Junkies on a high probablemente tiene la letra más significativa del álbum (es un listón muy bajo), pero una vez más, la mezcla es horrible, todo es tan plano y estático y resulta casi plomiza. Take the Money and Crawl, sí ya ni siquiera sé qué decir, bueno si, suena igual que el resto del álbum. Graffitia...... se me acabaron las cosas que decir. es simplemente mala.

Green Day - Revolution Radio #MesGreenDay

Hizo falta contar hasta tres, tras la desangelada trilogía "Uno" "Dos" y "Tré" (2012) que se sacaron de la manga Billie Joe Armstrong y compañía, para volver a disfrutar de un buen disco de Green Day. Eso es, ni más ni menos, Revolution Radio, el doceavo disco de estudio de la banda californiana, publicado en Octubre de 2016 con el sello Reprise Records. La revolución de este disco no se quedó solo en el título, pues marca una serie de cambios en el seno y el entorno de la banda, al ser el primer álbum desde 21st Century Breakdown (2009) que no fue producido por el hasta entonces habitual Rob Cavallo, y el primero también en el que el grupo volvió al formato de trío, tras la vuelta voluntaria del guitarrista Jason White (promocionado a miembro oficial en 2012) a su rol inicial de músico de apoyo durante las giras.

Esta vuelta a los orígenes se nota en las canciones que conforman Revolution Radio. Atrás quedan los intentos de revestir las canciones con instrumentos y arreglos, y salvo en contadas ocasiones, la tónica del disco es un regreso a las canciones directas y al punk rock comercial marca de la casa, aunque la banda sigue mostrando una variada paleta de influencias, que quedan patentes ya desde el arranque con Somewhere now, que combina la dosis justa de aspereza y melodía al más puro estilo de The Who. Enfocados como hacía años que no les recordábamos, no dejan momento para el respiro y suben el nivel con Bang Bang, trallazo punk rock que fue el primer single y la primera de las canciones del disco en la que se respira esa vuelta a los patrones básicos de canciones rabiosas y urgentes, y no por ellos menos brillantes. Es el caso también de Revolution Radio, la canción que da título al álbum, y tercer single publicado del mismo.

Say Goodbye y Outlaws mantienen el tipo y contribuyen al buen sabor de boca que deja la primera mitad del disco, en la que el único lunar quizá sea Bouncing Off the Wall. Es solo una opinión subjetiva, pero deja una sensación de canción power pop adolescente y excesivamente azucarada, que ya no les pega a unos Green Day que, tras tantos años de carrera, deberían estar por encima de ese tipo de propuestas sonoras. El mal trago dura poco, porque Still Breathing recupera el pulso y clama a los cuatro vientos que, tras tantas y tantas batallas, están de vuelta y "siguen respirando". Conscientes de la calidad de este tema, lo eligieron para ser el segundo single de esta particular revolución radiofónica, que en su segundo tramo tiene también canciones destacables como Youngblood o Forever Now, que nos recuerda al modo de trabajar de la banda en American Idiot o 21st Century Breakdown, ensamblando diferentes partes de canciones en una sola de casi siete minutos, convirtiéndola en una rara perla en un disco, por lo general, basado en trallazos de tres minutos. 

Termina el disco con Ordinary World, un tema firmado en solitario por Billie Joe Armstrong, que aparece en la película del mismo nombre, que el líder de Green Day protagonizó en 2016, poniendo la guinda a un meritorio intento de revolución profesional, con la que dieron un golpe de timón a una carrera que empezaba a precipitarse al vacío tras una cuenta hacia adelante que no había convencido a casi nadie. Con Revolution Radio enderezaron el rumbo, y garantizaron que la próxima vez que sonaran en la radio, y les escucháramos contar "Uno, Dos y Tres" fuera para comenzar alguna de las doce descargas de decibelios que conforman esta apreciable vuelta a la intensidad y el talento de sus discos más celebrados.

Green Day - 21st Century Breakdown #MesGreenDay

Tras la intensa ópera punk rock de American Idiot (2004), Green Day pusieron toda la carne en el asador para su "continuación". Su siguiente disco, tras tomar oxígeno con el rock and roll urgente de su proyecto paralelo "Foxboro Hot Tubs", "21st Century Breakdown" (2009) volvía a incidir en el aspecto conceptual y socio-político en las letras, y en darle de nuevo al conjunto una atmósfera de ópera rock basada en una estructura de tres "actos" y 18 temas dónde la intensidad y los cambios de ritmo volvían a ser los ingredientes predominantes. El hilo narrativo se basa en la historia de una pareja formada por Christian y Gloria, una especie de Romeo y Julieta del siglo XXI, en el marco sociopolítico del desencanto por la política de la administración Bush.

El objetivo era llevar la propuesta de American Idiot un paso más allá, y esa ambición se nota tanto en la variedad de estilos que salpican el disco, como en la instrumentación y los arreglos de los temas. Si American Idiot era básicamente punk rock de guitarra, bajo y batería con algún toque de teclados y  cierto aire de marcha militar en las piezas principales, 21st Century Breakdown es un gran collage de influencias que incluyen a Beatles, Clash, Ramones y Who, entre otros, y en el que incluyen mucha más variedad de instrumentos, con un mayor peso de piano y coros en buena parte de los temas.

PRIMER ACTO

El aire conceptual del disco se manifiesta ya desde el arranque, Song of the Century es apenas una intro a capella y con un efecto sonoro que simula que el sonido viniera de una radio antigua, dando paso a los acordes de teclado del comienzo de 21st Century Breakdown, canción titular y una de las canciones que más emparentan con la estructura musical de largas odas con efectivos cambios de ritmo de American Idiot. Es, sin duda, uno de los momentos más destacados del álbum, a la altura de lo mejor de su predecesor.

El ritmo no decae con Know your enemy, efectivo, contundente y pegadizo single con todas las credenciales típicas de la banda, y con ¡Viva la Gloria!, balada de piano y arreglos de cuerdas con la que presentan al personaje de Gloria. Hacia la mitad del tema, y tras un breve silencio, la canción muta en una nueva descarga marca de la casa, fórmula que repiten en Before the lobotomy, en esta ocasión con una intro melódica basada en una letanía acústica que no engaña a nadie, porque al escucharla sabes que va a explotar en algún momento, y lo hace tras (de nuevo) un breve silencio que es la antesala de un riff pesado y de una buena canción de complemento con influencias de The Who. Como contrapunto, Cristian's Inferno arranca muy punk, para derivar después en un estribillo para gritar en estadios, y es la intensa descarga de adrenalina que sirve de carta de presentación de Christian, a ritmo de Stooges o Ramones.

 

Tras dos temas correctos pero que carecen de la magia de los primeros, o de los de American Idiot, el primer acto cierra con Last night on Earth, una agradable y profunda balada con ciertas reminiscencias a Boulevard of Broken Dreams y al sonido de The Beatles. En conjunto, el primer acto podría ser calificado de notable, y hasta ese momento deja la sensación de estar saboreando un gran disco. Y no es que el segundo, o el tercero, sean malos, ni muchos menos, pero el disco da la sensación de ser excesivamente largo.

SEGUNDO ACTO

El segundo acto tiene la misma estructura que el primero, empezando por un tema efectivo y cambiante (East Jesus Nowhere) de cierto aire glam, reforzado después por un tema sorprendentemente refrescante y arriesgado (Peacemaker) en el que juegan con una melodía árabe y una energizante percusión, para después entregar tanto temas positivos y comerciales al estilo de bandas como Weezer (Last of the American girls), como intensos y acelerados trallazos de punk-pop (Murder City) que mejoran incluso a algunas canciones del final del primer acto.

A la altura de ¿Viva la Gloria? (Little Girl), la enésima canción de intro melódica que acaba tornando en rítmica y con pegadizo estribillo, y pese a su curioso e inesperado piano cabaretero, empieza a notarse cierta repetición de esquemas. Tan gemelos son los dos primeros actos, que el segundo termina de nuevo con una intensa balada épica con la que cerrar en lo más alto, y aún mejor, porque Restless Heart Syndrome es uno de los momentos álgidos del disco, en un lujoso despliegue de piano y arreglos de cuerdas, que hacen un impresionante acompañamiento a la banda y a la voz de Billie Joe Armstrong, que se atreve incluso con el falsete en algunos tramos.  

TERCER ACTO

En conjunto el notable se mantiene, y a estas alturas solo podemos achacarle a 21st Century Breakdown que la moraleja de la historia de Christian y Gloria no es otra que "el que mucho abarca poco aprieta".  A estas alturas, y con otro acto por delante, la propuesta se antoja excesiva, y ni las afiladas guitarras de garaje de Horseshoes and grenades pueden ya cambiar esa sensación en la escucha. The static age es un chorro de aire fresco entre tanta épica, y 21 guns es otro buen single marca de la casa, que vuelve a mostrar parecidos o reminiscencias del Boulevard of broken dreams que tanto éxito les dio en American Idiot, y probablemente habría sido un buen final de acto y de disco.

Sin embargo, cierran con una de esas canciones largas y cambiantes, que podrían recordarnos a American Idiot, pero American Eulogy es una larga e innecesaria amalgama de dos canciones power pop, tras un guiño a la canción de arranque (Song of the Century) en el primer tramo que resulta también innecesario, teniendo en cuenta que el último tema (See the light) es también una canción construida con el ritmo de teclado de Song of the Century, haciendo la función de "final que vuelve al principio" tan típica de los buenos discos conceptuales. Y ese quizá sea el mayor pecado de un disco que lleva por nombre "Desglose del siglo XXI": No haber sabido sintetizar mejor la propuesta de su segunda gran ópera punk rock, guardándose algunas canciones menores para otros proyectos, para hacer este desglose histórico y conceptual algo más llevadero. Una acertada selección de doce de las dieciocho canciones del disco, quitando un par de temas de cada acto, habría llegado incluso al sobresaliente, pero se quedó en un disco notable que, con los años, no ha podido quitarse de encima la pesada etiqueta de "proyecto fallido" o que no cumplió del todo con las expectativas que había generado, por no haber tenido en cuenta que, en la era del consumo digital rápido e inmediato, "lo bueno, si es breve, es dos veces bueno".

Warning - Green Day #MesGreenDay

 

Muchas veces sucede, Bob Dylan se volvió rock, Radiohead se volvió electrónico y Oasis se volvió una mierda. Cuando un grupo cambia de dirección, siempre va a dividir la opinión, en algún momento a la gente se le ocurrió que el grunge no era suficiente para satisfacer su hambre alternativa, bandas como Offspring y Green Day llevaron el punk rock a la corriente de actualidad y el debut de Green Day en un sello importante, Dookie , le valió a la banda un lugar en el club de los más de diez millones. Aún más sorprendente es el hecho de que ambas bandas hayan sobrevivido a la muerte del movimiento alternativo. Green Day, compuesto por Billie Joe, Tre Cool y Mike Drint, encontró su mayor éxito en 1998 con la inusualmente acústica "Good Riddance (The Time of Your Life)". No entiendo las críticas que reciben los álbumes posteriores de Green Day como Warning y Nimrod, la gente dice que su estilo se estaba volviendo obsoleto o que se estaban alejando demasiado de sus raíces, pero Green Day siempre fue un grupo pop, ante todo, y en lo que a mí respecta, mientras el grupo siga tocando su tipo de canciones pegadizas, entonces seré feliz con ellas. Con Warning, Green Day experimentó un poco con la guitarra acústica, como la canción principal siendo casi en su totalidad acústica. También hay más una sensación de pop-rock/power pop clásico en el álbum en lugar de su sonido pop-punk anterior, y creo que lo hace sonar muy fresco. Solo desearía que este álbum no se desperdiciara en 'punks' de catorce años de mente tradicionalmente estrecha. Sí, es más maduro que cualquier cosa que hayan hecho antes, sí, han abandonado un sonido punk duro por uno más suave y folk. ¿Y qué? Sigue siendo música. Y suena genial.

 

"Warning" es un gran comienzo, con una línea de bajo repetitiva y algunos buenos gritos en los versos ("¡Precaución! Línea policial: es mejor que no cruces/¿Es el policía o soy yo el que es realmente peligroso?"), la letra de esta canción es en realidad bastante inteligente, discute la idea de no molestarse con las reglas de la vida y, al hacer preguntas continuamente a lo largo de la canción, esta letra es bastante conmovedora, sinceramente siento que las letras de este álbum son de las mejores de Armstrong, ya que son mucho más introspectivas y serias que en cualquier álbum anterior de Green Day, aunque no parecan demasiado serias. Las letras aquí tienen un equilibrio entre lo sentimental y lo divertido.. "Blood, Sex and Booze" es una sórdida canción bondage que es tan divertida como cualquier cosa que haya escrito Green Day, la canción tiene más ritmo que la canción principal, y cuando es contagiosa, los ritmos se combinan con algunas letras extrañamente cómicas sobre el masoquismo. "Fashion Victim" y "Castaway" tienen grandes riffs alegres, el primero es un ataque ingeniosamente observado contra los hipsters de todas partes y el segundo es un himno para los solitarios. "Hold On" suena como los primeros Beatles o algo así, y fue escrita para un amigo de Billie Joe que estaba desconsolado por la pérdida de un montón de familiares y amigos. Es bastante extraño que mi canción favorita de Green Day sea una extraña balada inspirada en un mariachi sobre un grupo de desafortunados desafortunados. "Misery" es, simplemente, sangrientamente fantástico. Una sección de cuerdas vibrantes, una delicada mandolina, un solo de guitarra al estilo de Tom Waits a lo Rain Dogs , trompetas latinas y tambores perseverantes hacen de esta una canción de la que cualquier banda talentosa estaría orgullosa. Todo vuelve a la normalidad después de esto, y aunque "Jackass" tiene un buen solo de saxofón y las cuerdas vuelven a aparecer para la suave canción de cuna "Macy's Day Parade", el fascinante arreglo de "Misery" desaparece para siempre en el catálogo de Green Day. Es una pena. Aunque hay ese pequeño bongo extraño y aparentemente sin sentido al comienzo de "Extraordinary Girl" en el nuevo álbum. 

Esto no quiere decir que la calidad del álbum disminuya. "Waiting" es como los días del Green Day de Nimrod (pasaron tres o cuatro años entre los dos álbumes), y la famosa "Minority" donde el coro de esta canción es uno de los más memorables del álbum, y las letras son de las mejores de Armstrong, discuten la idea de ser quien quieres ser, pero a diferencia de algunas canciones de esta naturaleza, las letras de Minority no se sienten completamente artificiales o forzadas. La banda incluso lanza una parte de armónica durante los versos, lo que agrega un tono un poco folk a la pista, da la impresión de que es una canción destinada a ser tocada en vivo, con un ritmo pegadizo y algunas letras particularmente poderosas, un excelente ejemplo de lo que la banda puede lograr con solo unos pocos acordes y una estructura de canción relativamente simple.. Me hubiera gustado que la banda pudiera haber experimentado un poco más como lo hicieron con "Misery" en el resto de Warning. El álbum cierra con la canción Macy's Day Parade. Si bien esta no es mi canción de cierre favorita absoluta en un álbum de Green Day, su tono bastante sentimental y ligeramente sombrío lo convierte en un final apropiado para este álbum, el tono más bien folclórico de la pista, así como el uso de cuerdas durante el estribillo, también se suma al estado de ánimo un tanto empalagoso.

 

Warning fue su primer intento adecuado de crear un nuevo sonido temático en un álbum, en lugar de una pista de novedad simbólica, algunos pueden reprochar haber descubierto que sus inclinaciones populares no son lo suficientemente 'punk' (lo que sea que eso signifique). Los cuatro sencillos de Warning llegaron a International Superhits de 2001! , solo Warning y Minority sobrevivieron para Greatest Hits: God's Favourite Band de 2017 . La banda comete una injusticia allí, borrando dos buenos cortes de su retrospectiva. El álbum ha tenido una especie de reevaluación en los años posteriores a su lanzamiento, pero Warning nunca se encontrará en las 'listas de los mejores álbumes de todos los tiempos', ni obtendrá el tratamiento de Broadway que se le brinda a su sucesor. Pero no es tan malo como muchos creen, lejos de ser solo un paso necesario en la progresión de la banda, es un conjunto sólido por derecho propio. Sin duda merece otra valoración , ya sea que esté desempolvando ese CD subestimado o descubriéndolo por primera vez. Olvídese de sus ideas preconcebidas sobre cómo 'debería' sonar un álbum de Green Day y simplemente disfrute de un excelente ejemplo de creación de canciones de una banda con la confianza para finalmente liberarse de la escena que los creó.

Artista del mes: Álbum Nimrod - Green Day (#MesGreenDay)

Artista del mes: Álbum Nimrod - Green Day (#MesGreenDay)

Vamos a conocer un poco más de la discografia de Green Day, y esta vez toca Nimrod que es el quinto álbum de estudio de la banda de rock estadounidense Green Day, este álbum fue lanzado en el mes de octubre de 1997.

La banda lanzo este álbum a raíz de la cancelación de una gira por europea tras haber lanzado su álbum Insomniac. Grabado en Conway Recording Studios en Los Ángeles, el álbum fue escrito con la intención de crear un conjunto de canciones independientes. Nimrod se destaca por su diversidad musical y experimentación, que contiene elementos de folk, hardcore, surf rock y ska, y demustran la madurez de la banda.

El álbum alcanzó el puesto número diez en las listas de Billboard de EE. UU. y fue certificado doble platino por la Recording Industry Association of America. El álbum también fue certificado triple platino en Australia y doble platino en Canadá, estos son algunos de los éxitos que la banda obtuvo con Nimrod.

Tras su lanzamiento, Nimrod recibió críticas generalmente positivas de los críticos, quienes elogiaron la composición de Billie Joe Armstrong. Del álbum se desprendio el single acústico "Good Riddance (Time of Your Life)", que apareció en numerosos eventos de cultura popular, incluido el penúltimo episodio de la comedia de situación Seinfeld. Para promocionar el álbum, Green Day se embarcó en un extenso programa de giras. El álbum también se reeditó en vinilo en el año 2009, así como para los lanzamientos de ediciones de lujo y aniversario en 2012 y 2017. Las canciones "Nice Guys Finish Last", "Hitchin 'a Ride" y "Good Riddance (Time of Your Life)" aparecen en el videojuego Green Day: Rock Band.

Nimrod es musicalmente el más variado que los álbumes anteriores de Green Day. el propio Billie Joe Armstrong ha declarado que con este álbum, Green Day tomó diferentes caminos, y agregó que cada canción tiene su propio carácter e identidad, queriendo resaltar eso tanto como fuera posible. Resaltando la canción "Nice Guys Finish Last" que ha sido considerada una canción que "facilita la transición" entre los álbumes de Insomniac a Nimrod. 

Nimrod estar junto a American Idiot, como uno de los mejores álbumes de Green Day. Contiene canciones como, Nice Guys Finish Last que ya hemos mencionado con un riff poderoso y un estribillo demoledores, Hitchin’ A Ride puede perder algo de fuerza, pero desborda efectividad por todos los acordes. No en vano fue uno de los singles. Seguimos con el riff de The Grouch y aquí empiezas a entenderlo todo un poco mejor, la fórmula que Green Day había puesta en Dookie sigue aquí, son los mismos tocando, pero suena incluso más fuertes que en aquel primer éxito. 

En Redundant se bajan un poco las revoluciones, en la que es una de las caciones más elaboradas del álbum, la velocidad vuelve con Scattered, que termina siendo una de las más pegadizas. Increíble cómo parece que la canción entera se une en un solo estribillo. All The Time puede parecer dura, pero no será nada en comparación con lo que vendrá después. En Worry Rock las revoluciones aumentan progresivamente para dar como resultado una excelente combinación entre madurez y rabia punk. Sí, es una de las grandes canciones del álbum, y una de las que anuncia que el grupo no va a estar toda la vida grabando Dookies y Kerplunks. Platypus (I Hate You) es probablemente la canción más dura que Green Day haya grabado jamás, con una furia casi trash que resume precisamente odio desde el primer segundo. Se quedará cerca de igualarla más tarde Take Back, cantada en el estribillo a lo death metal, pero que se termina haciendo corta en su minuto de duración. Canciones como Jinx no hacen más que confirmar el buen momento que estaban experimentando en este álbum la banda. El enlace tan natural con Haushinka da la sencación canciones siamesas, con estribillos rompedores que invitan a ser coreados hasta el final.

La recta final del álbum nos deja los dos temas más conocidos del disco, King For A Day por un lado, y Good Riddance (Time Of Your Life) por otro. Respecto a la primera, es una canción festiva pensada para bailar un rato y hay que tomarla como tal, en cuanto a la segunda, es otra de las que anuncia nuevos sonidos para la banda, que nunca había grabado una balada hasta ese momento. Es una buena canción, quizá algo trillada, pero cumple con su cometido de ofrecer unos minutos de calma en un álbum que es continuamente una perfecta tempestad. 

Un muy buen álbum donde la banda demuestra que tiene mucho para dar.

Daniel
Instagram Storyboy

Insomniac - #MesGreenDay

 

Insomniac, Green Day

     Tras el gran éxito de Dookie, y antes de publicar su siguiente álbum de estudio, Green Day editó el sencillo J.A.R. para la película Angus de 1995. Las letras del sencillo se refieren a Jason Andrew Relva, un amigo de la infancia de Mike Dirnt que murió en un desafortunado accidente de tráfico a los 19 años de edad. Dirnt  escribió la canción haciendo referencia a lo inmortal que se cree uno cuando es joven, y del golpe psicológico y la forma de ver la vida al ver a un joven amigo morir.

Tras este exitoso sencillo, Green Day publica Insomniac. El disco es grabado entre mayo y julio de 1995 bajo la producción del mismo grupo y de Rob Cavallo, y publicado el 10 de octubre de 1995 por el sello discográfico Reprise Records. El disco obtuvo buenas cifras y bastante éxito, pero no se acercó ni de lejos a su antecesor, Dookie. No obstante, con Insomniac el grupo ganó los premios a artista favorito, artista favorito de hard rock y artista alternativo favorito en los premios American Music Awards de 1996, obteniendo además, gracias al tema Walking Contradiction, una nominación a los premios Grammy en el apartado de mejor vídeo, y otra nominación a los mejores efectos especiales en los MTV Video Music Awards. Green Day había cancelado la gira que iba a hacer por Europa para centrarse en la preparación del material que iba a integrar Insomniac, lo que avivó los rumores de  separación del grupo. Nada más lejos de la realidad, lo que tenían muy claro era que este disco tenía que ser diferente a sus anteriores trabajos. A pesar de no llegar a tener el éxito de Dookie, este último trabajo llegó  vender mas de 5'800.000 copias en todo el mundo, convirtiéndose en uno de los discos más exitosos de la carrera de Green Day, sólo superado en ventas por Dookie y American Idiot. 

El collage que aparece en la portada del álbum fue creado por Winston Smith, y se titula "God Told Me to skin You Alive", toda una referencia a la canción "I Kill Children" de Dead Kennedys. La portada, además de contener la imagen de un dentista que apareció en el collage de la portada interior del álbum de Dead Kennedys "Plastic Surgery", contiene tres cráneos, uno por cada miembro de la banda, y varias imágenes ocultas, como una mujer desnuda, tres hadas y varios rostros fantasmales en llamas.

Estamos ante un disco oscuro y pesimista, pero con un sonido sucio, muy potente y distorsionado, y con unas letras muy explícitas que fueron duramente criticadas por la prensa. Esa rabia y oscuridad vertidas en el disco son fruto de la situación personal de los miembros de la banda. Apenas habían digerido el rotundo éxito mundial de Dookie, de hecho tenían problemas personales derivados de tan rotundo éxito, sumado al cansancio y desgaste de la extensa gira que siguió al disco. Tampoco ayudó el hecho de que hubo un sector de fieles seguidores del grupo que no entendieran Dookie como un auténtico álbum de punk, y con Insomniac lo que pretendieron fue quizá recuperar esos fieles seguidores y recuperar un prestigio que habían perdido al ser vetados por cierto sector, además de ser también vetados por el entorno del club que les vió crecer, The Gilman. 

La banda descarga toda esa rabia y frustración en catorce canciones que comienan con Armatage Shanks, escrita por Billie Joe antes de que saliera Dookie. En aquella época había roto con su por entonces novia, la cual no aprobaba que estuviera en un sello discográfico importante, y él se encontraba pensando en el suicidio en plan "Es tan fácil suicidarse, pero tan difícil mantenerse con vida". Se rumorea que el título lo tomó de una marca británica de inodoros y que modificó la ortografía para evitar problemas judiciales. Brat, canción que escribió Billie Joe sobre esperar que tus padres mueran para cobrar la herencia. También podría tratarse sobre niños malcriados que obtienen todo sin dar un palo al agua. Stuck With Me, la cual trata el hecho de ser demasiado débil como para defenderse. Refleja el ascenso de Green Day de los pequeños clubs punk hasta las listas de éxitos pop como la MTV con su disco Dookie. Sentían que no encajaban en aquel entorno. Geek Stink Breath, trata sobre el consumo de anfetaminas y metanfetaminas. Billie escribió esta canción desde su experiencia, pero no lo hizo para emitir una opinión sobre tal hecho, lo hizo tal cual, sin emitir juicio alguno, como quien escribe sobre estar sentado o aburrido por ejemplo. No Pride, escrita sobre un chico que no tiene orgullo y que es tonto por simple hecho de que no puede defenderse. Bab's Uvula Who?, nos habla, con un ritmo demoledor, sobre la ira, encarnada en un personaje al que todo le sale mal y tiene el don de arruinar todo, y como su cuerpo exterioriza los síntomas, como la desesperación, tensión, pánico o la presión. 86 se refiere a la violenta reacción que sufrió Green Day por parte de la comunidad punk rock de California, y más concretamente del club que les vió nacer, el 924 Gilman Street, una vez que alcanzaron el estrellato. Dicha comunidad vetó al grupo y amenazó con atacarlo si alguna vez se presentaban en el lugar. 86'd significaba ser expulsado del local. La Comunidad no perdonaba al grupo que se hubieran convertido en una banda comercial. Con Insomniac la banda volvería sus raíces y regresaría para tocar en The Gilman con el beneplácito de la comunidad californiana.

Panic song, co-escrita por Dirnt y Armstrong, la canción explota a los casi dos  minuto después de una introducción instrumental donde comienza el bajo, al que se van sumando gradualmente la guitarra y la batería. Una canción que nos habla como dice el título del pánico, cuando este te invade. Stuart ant the Ave, con un interesante bajo y con un ritmo muy pagadizo es quizás una de las canciones más flojas del disco. Brain stew, Billie Joe había sido padre en febrero de 1995, y por entonces se encontraba muy delgado y no dormía porque su pequeño hijo Joey (llamado así en honor de Joey Ramone) no le dejaba, por lo que se encontraba tenso, paranóico, y tenía el cerebro revuelto, o como dice la canción Brain Stew (guiso de cerebro), que es de lo que trata la canción. Los últimos 90 segundos de la canción son en realidad la canción siguiente, la cual a menudo es confundida como una única pieza junto con Brain Stew. Esta corta canción es Jaded, que con un ritmo muy rápido y cañero, nos habla de los efectos de las drogas. Westbound Sing, la letra de la canción se sale de la dinámica oscura y frutrante del disco. Billie Joe escribió esta canción sobre su esposa Adrienne cuando se mudó de su hogar en Minnesota para vivir en el oeste de California con él. Es de largo la canción más esperanzadora de este oscuro álbum. Tight Wad Hill, canción que iba a dar nombre al disco, pero al final no sucedió. Green Day tuvo gran éxito en Berkeley, Califoria, y TightWad Hill es e apodo de Charter Hill, una gran colina donde los estudiante universitarios se subían para ver los partido de fútbol en la Universidad de California y así no pagar entrada. y Walking Contradiction, el tema que cierra el disco y que trata sobre las constantes contradicciones de la sociedad. Se suponía que las bandas de punk no eran populares, lo cual se convirtió en una gran contradicción para Green Day cuando firmaron por un gran sello como Reprise Records, y más todavía cuando dieron el gran pelotazo comercial con el lanzamiento de su álbum Dookie.

Después de haber alcanzado la cima con Dookie, parecía que con Insomniac la banda había comenzado el lento y pulatino descenso hacia los infiernos y el olvido. Cuán equivocados estábamos, pues casi diez años después, seguían en la brecha, nos iban a regalar su gran obra maestra y nos iban a recordar que Green Day no eran fruto de un único éxito o disco. además iban a convertirse en una de las bandas más influyentes del género en las décadas de los 90 y 2000, pero eso es otra historia...

Dookie- #MesGreenDay

 

Dookie, Green Day

     Nos encontramos en el ciclo dedicado a Green Day, y en esta ocasión vamos a desgranar el álbum que inspiró a la generación del nuevo milenio. Un disco que sirvió además para catapultar la carrera del grupo, gracias tanto a las excelentes críticas, como a lo que vendió en su momento y sigue vendiendo a día de hoy. Junto con bandas como The Offspring y Rancid, consiguieron el renacimiento y popularización del punk rock en Estados Unidos, y con su álbum Dookie, su primer trabajo grabado con una multinacional, darían el salto definitivo al estrellato internacional.

Estamos de acuerdo en que Green Day realizó con Dookie uno de los mejores discos que se hayan publicado de lo que podríamos llamar punk rok y punk pop. La influencia de este disco fue tan grande que surgieron tras de sí un gran número de bandas imitando el sonido logrado por Green Day, un sonido basado en guitarras distorsionadas y melodías muy pegadizas. 

Con un sonido diferente, Green Day fue uno de esos grupos que nació en el famoso club 924 Gilman Street, un club de música organizado de forma colectiva y sin ánimo de lucro. El club, conocido como The Gilman, se encuentra situado en la zona oeste de Berkeley, California. Las primeras publicaciones del grupo fueron realizadas a través del sello discográfico independiente Lookout, y gracias al éxito conseguido con estos primeros trabajos, el grupo consigue un contrato con la discográfica Reprise Records, con el que lanzarán Dookie, disco que hasta la fecha lleva vendidas la nada despreciable cantidad de más de treinta millones de copias en todo el  mundo.

Una vez firmado el contrato con Reprise Records, fue elegido como productor del álbum el reputado productor musical Rob Cavallo, mientras que el productor Jerry Finn fue escogido para la mezcla del disco, quien tiene una amplia experiencia de trabajo con bandas de punk rock, pop punk y rock alternativo, tales como AFDI, Blink 182, Rancid, Alkaline Trio y Morrissey entre otros. Green Day había entregado una demo a Cavallo, quien tras escucharla inmeditamente supo que había "tropezado con algo grande". Las sesiones de grabación duraron unas tres semanas, entre septiembre y octubre de 1993, y el disco fue remezclado dos veces, ya que la primera mezcla no fue del agrado del grupo. Según Armstrong, el grupo quería crear un sonido seco similar al disco de los Sex Pistols o los primeros de Black Sabbath.

El nombre del álbum hace referencia a la diarrea que solían sufrir los componentes del grupo, a la que se referían como "liquid dookie" (caca líquida), tras haber consumido alimentos en mal estado mientras se encontraban de gira. En un principio iban a titular el disco así, pero al final lo dejaron en "Dookie" a secas, ya que podían ser tachados de demasiado groseros. En cuanto a la portada, fue diseñada por Richie Bucher, quien realizó una ilustración que describía bombas lanzadas sobre personas y edificios, y en el centro de lsa portada había una explosión con el nombre del grupo. La contraportada del álbum de las primeras ediciones en CD contenía una imagen de un juguete de Epi, de Barrio Sésamo, la cual sería retirada más tarde para evitar problemas judiciales.

Dookie fue publicado el 1 de febrero de 1994 por Reprise Records, y rápidamente se convirtió en todo un éxito en todo el mundo, consiguiendo alcanzar el puesto número 2 en el Billboard estadounidense, y alcanzando muy buenas cifras en países como Reino Unido, Suecia, Nueva Zelanda, Austria, Finlandia y Suiza. Este disco es además el único del grupo que hasta la fecha ha conseguido la certificación de Álbum de Diamante. También fue uno de los trabajos de rock alternativo más exitosos de la década, únicamente superado por Nevermind de Nirvana, y Blood Sugar Sex Magik de Red Hot Chili Peppers. Green Day sería ese año el conjunto más aclamado en el festival de Woodstock '94, y también en el festival de Lollapalooza.

Todas las letras menos en Emenius Sleepus, que fue escrita por Mike Dirnt. fueron escritas por Billie Joe Armstrong, y están basadas en experiencias de los miembros de la banda, tales como la ansiedad, ataques de pánico, la masturbación, las orientaciones sexuales, el aburrimiento o las antiguas novias. No hay que olvidar que en el momento de la grabación ninguno de sus componentes superaban los 22 años de edad.

Una vez iniciado este enérgico y electrizante el álbum, las descargas se van sucediendo desde el primer tema, Burnout, un trallazo donde el peso recae en la caña que imprime Tré Cool a los mandos de la batería; pasando por Having a Blast, una canción muy personal donde Billie Joe Armstrong expresaba sus ansiedades y su estado depresivo. El la definía como "una canción sobre querer explotar porque estás pasando por algún tipo de tormento".; Chump, escrita por Armstrong sobre el novio de una chica que le gustaba. Curiosamente el músico nunca conoció al referido novio.  Esta canción tiene un estridente final que acaba en una especie de desvanecimiento que fue hecho a propósito para que los acordes finales fluyeran hacia la siguiente pista, Longview, que trata sobre estar aburrido y sentirse solo y como un completo perdedor. La canción también hace alguna referencia sobre la masturbación como medio de escape. el canatante describía tales hábitos en su caso como crónicos; Welcome to Paradise, escrita por Armstrong y Mike Dirnt sobre un barrio marginal de Oakland. Compartieron vivencias en su adolescencia en ese barrio y tuvieron una banda llamada Sweet Children. Esta canción fue lanzada originalmente en su álbum Kerplunk, y posteriormente sería regrabada para
lanzarla en este álbum.; Pulling Teeth, una visión irónica sobre una relación abusiva. Billie escribió esta canción a raíz de una broma interna de la banda, después de que el bajista Mike Dirnt acabara en urgencias a causa de una guerra de almohadas con su por entonces novia.; Basket Case, una de las canciones por excelencia de toda la carrera discográfica del grupo. Este tema que vuelve a tratar los ataques de ansiedad y la sensación de volverse loco. Armstorng sufrió en su adolescencia, mientras crecía, ataques de pánico, y lo que solía hacer para calmarse era caminar por el vecindario. Una canción, como él mismo decía, "catártica y personal" que estereotipaba y asemejaba la paranoia con el hecho de estar drogado.;

She, una canción que Billie escribió para una antigua novia, al parecer una estudiante de la Universidad de California llamada Amanda. ambos se conocieron en el famoso The Gilman, y Amanda era una activista feminista que cautivó al cantante. Según el artista, él era entonces sólo un niño tonto que había abandonado la escuela secundaria y ella le marcó profundamente.; Sassafras Roots,  canción que trata sobre perder el tiempo en una relación en la que ninguno de los dos está muy entusiasmado.; When I Come Around, canción que el cantante escribió en su momento reflejando sus sentimientos al estar lejos de su novia Adrienne, y sus frustraciones al estar lejos de ella cuando se encontraba de gira. El artista conoció a Adrienne en 1990 mientras actuaba con su grupo en Minnesota, donde ella vivía, y le resultó muy difícil mantener una relación a distancia con ella. En la canción Billie aseguraba que cuando volviera a verla se lo compensaría todo. En julio de 1994 se casarían, manteniendo una relación que perdura a día de hoy; Coming Clean, donde el cantante profundiza sobre sus pensamientos sobre temas como la heterosexualidad y la homosexualidad, y sobre salir del armario. En 1995 llegó a declarar, en una edición de la publicación The Advocate: "Creo que siempre he sido bisexual", "Creo que principalmente se hamantenido en mi cabeza. Realmente nunca he tenido una relación con otro hombre. Pero es algo que surge como una lucha en mí. Surgió cuando tenía alrededor de 16 o 17 años. En la escuela secundaria la gente piensa que tienes que ser muy macho, y hay quien es atacado sólo por insinuar algo sobre su sexualidad. Creo que eso es espantoso"; Smenius Sleepus, uno de los únicos temas que no fue escrito por Billie, ya que fue coescrita entre éste y el bajista Mike Dirnt; In the End, canción que Billie Joe escribía sobre su madre y el novio de ésta. Hay quien especuló sobre la canción, afirmando que trataba sobre una chica, él se encargo de aclarar que no trataba sobre ninguna chica, trataba sobre el marido de su madre y ella misma; hasta llegar al tema final, F.O.D., donde el cantante muestra su odio al sentirse apuñalado por la espalda por alguien. Las siglas del título provienen de "Fuck Off and Die", lo que viene a significar algo así como "Que te den y muérete". Pero el disco no acaba aquí, ya que contiene una pista oculta que se reproduce 1 minuto y 17 segundos después de acabar la última canción. El tema sorpresa se titula All By Myself y fue compuesta por el baterista de la banda, Tré Cool.

Con Dookie, Green Day hacían resurgir el punk rock, alcanzaban el estatus de supergrupo y ponían los cimientos para ser considerados como una de las bandas más grandes del género de las décadas de los 90 y los 2000.

Kerplunk - #MesGreenDay

Kerplunk #MesGreenDay

Green Day, debo decir que es una de las bandas de mi adolescencia, que descubrí a mediados de la década del 90, a través de su disco Dookie, pero hoy no hablaremos de este álbum, sino de Kerplunk que es el segundo álbum de estudio de la banda de rock estadounidense Green Day, lanzado el 17 de diciembre de 1991 por la productora Lookout! Registros.

Así que comenzamos este mes de diciembre que hemos definido como #mesGreenDay, Kerplunk fue el último lanzamiento independiente de Green Day en el sello Lookout Records, y también fue el primer álbum en presentar a Tré Cool en la batería. 

Kerplunk incluye oficialmente solo 12 pistas, pero las versiones lanzadas en CD y casete también incluyen las 4 pistas del álbum Sweet Children. Una de esas pistas es una versión de "My Generation" de The Who. El guitarrista y cantante de Green Day, Billie Joe Armstrong, declaró en una entrevista de la revista Vulture de 2021 que Kerplunk es su álbum favorito, y lo citó como "una especie de autobiografía".

El álbum vendió 10.000 copias su primer día y se convirtió en el lanzamiento más vendido de Lookout!. Después de debutarlo ante sus fanáticos en el área de Berkeley, California, y recibir mucha aprobación de la multitud crítica de 924 Gilman Street, la banda empacó en una biblioteca móvil convertida y abarrotada y se dirigió hacia el este. Green Day desarrolló una base de admiradores en la costa este gracias a los decididos esfuerzos de base del cantante principal Billie Joe Armstrong. La oportunidad valió la pena, ya que las ventas de álbumes superaron las 50.000 copias. Junto con los exitosos shows en vivo, las principales discográficas se dieron cuenta de la fenomenal popularidad de Kerplunk. Como resultado, muchos sellos se acercaron a la banda. Green Day se dio cuenta de que habían superado su capacidad de distribución récord con Lookout! y finalmente firmó con Reprise Records. Con Reprise, Green Day grabó y lanzó su próximo álbum Dookie (1994).

En agosto de 2005, Green Day sacó el álbum, ¡así como todo su otro material lanzado a través de Lookout! etiqueta – debido a regalías no pagadas. Fue reeditado en CD por Reprise Records, con quien Green Day ha estado desde que dejó Lookout!, el 9 de enero de 2007. 

En Europa, el álbum fue lanzado por Epitaph Europe y se ha mantenido impreso, fue reeditado en vinilo el 24 de marzo de 2009 por Reprise Records. No se lanzaron single oficiales del álbum, aunque "2000 Light Years Away" y "Christie Road" se lanzaron como single de prueba en una caja de single de Green Day titulada Green Day: Ultimate Collectors. En noviembre de 2017, coincidiendo con la segunda compilación de la banda, Greatest Hits: God's Favourite Band, se lanzó un video musical de "2000 Light Years Away". Hasta noviembre de 2013, Kerplunk ha vendido más de 1 000 000 de copias en los Estados Unidos y más de 4 000 000 de copias en todo el mundo.

AllMusic considera a Kerplunk como el "ensayo perfecto" para el posterior atractivo general de la banda, y dice que contiene "más variedad y más éxitos rotundos que los lanzamientos anteriores". magnitud mejor que su predecesor y solo un pelo detrás del seguimiento".

En diciembre de 2007, la revista Blender clasificó el álbum en el puesto 47 de su lista "Los 100 mejores álbumes de rock independiente de todos los tiempos".

Grandes éxitos y tropiezos: Green Day

Grandes éxitos y tropiezos: Green Day

Aunque los que iniciaron la movida del Rock Alternativo fue la mítica banda Nirvana por los años 90, no debemos olvidarnos de Green Day que es probablemente la segunda banda más importante de los años 90, abrió las puertas del neo-punk y del punk rock revolucionando la escena musical de aquellos años. Por ello hemos clasificado algunos de sus discos que deberías tener en tu casa y el que si no te sobre la pasta dejarlo pasar.

Así que en este post donde queremos destacar aquellos Grandes éxitos y tropiezos, recomendaremos a Green Day.

Comenzaremos con un disco claramente el mejor de ellos Dookie influyó claramente en el rock de la época. es el tercer álbum de Green Day y es una fábrica de éxitos de principio a fin. Contiene tres de sus singles definitivos ("Basket Case", "Longview" y "When I Come Around") junto con otros temas destacados de segundo nivel como "Welcome to Paradise" y "She". El álbum llegó en el momento perfecto para reintroducir el punk adolescente en las masas y, después de haber vendido más de 20 millones de copias, siempre seguirá siendo el álbum más grande de Green Day, así que este a casa que lo tienes que tener. 

Un año después de que se disparara su éxito en el mundo del rock con Dookie, Green Day decidió mantener el mismo esquema musical pero rebajando la cantidad de melodías e incorporando sonidos algo más oscuros. Insomniac demostró que Armstrong era capaz de crear más éxitos como "Geek Stink Breath", "Brain Stew/Jaded" y "Walking Contradiction". Este su cuarto álbum del grupo fue multi-platino y sigue estando muy cerca de los fans de toda la vida, a pesar de no ser tan inspirador como Dookie, así que si te llevas Dookie, seguro querrás llevar Insomniac a casa también. 

Otro de los álbumes infaltable en tu colección debería ser American Idiot, un álbum vinculado al atentado del 11 de Septiembre, que no solo cuenta la historia de un personaje llamado "Jesus of Suburbia", sino que también "American Idiot" es una auténtica obra maestra del pop-punk y un hito del rock como demuestran canciones de la talla de "Boulevard of Broken Dreams", "Wake Me Up When September Ends", "Holiday" y la que da nombre al disco inspirada en la Casa Blanca. Además de conseguir un Grammy con este álbum, fue el segundo disco más vendido en la historia del grupo.

También te puede pasar al igual con los dos primeros álbumes de la banda, deberías tener este disco en tu casa, y con este van cuatro álbumes que no me lo pensaría ni un momento, ya que después del éxito de American Idiot, Green Day se vio de repente como una banda de rock moderna importante y aclamada por las masas y, tras cinco años de sequía discográfica el trío californiano volvió a la escena con un nuevo álbum 21st Century Breakdown habla sobre una joven pareja que se mueve por los suburbios de América. A pesar de no cosechar todo el éxito que se esperaba entre sus fans, Green Day consiguió un Grammy como el "Mejor álbum de rock". 

Y hasta aquí yo me los llevaría todos a casa, es una colección de deberías tener y disfrutar, como hemos dicho una banda icono de los 90, con una fuerza nunca antes vista, y hablando de vista, donde no deberías meterte es en una trilogía que saco la banda que los titulo Uno! - Dos! - Tre! 

De la colección de estos tres álbumes, el primero se ajusta más a la intención inicial de Green Day de crear un disco power-pop rápido y menos punk, la segunda entrega de su trilogía fue un segundo álbum no oficial del proyecto paralelo del vocalista Foxboro Hot Tubs, más estilísticamente disperso y orientado a la fiesta que "Uno!", y por último Tre! inspirados en los míticos The Clash, este triple álbu pasó desapercibido por gran parte de sus fans, esto se debe a su sensación desigual y la falta de algún tema realmente memorable, como nos tenían acostumbrados, por ello ya tienes suficiente con cuatro de los mejores álbumes que te puedo recomendar llevarte a casa. 

Amigos en esta vida donde los Grandes éxitos y tropiezos estan a la vuelta de la esquina, nuestra selección de esta semana. 

Daniel

Instagram Storyboy

La música en historias: Green Day "Edición Especial Vietnam"

A riesgo de caer en el estereotipo, para esta historia tengo que hacer una referencia previa al mito de que "todos los asiáticos son iguales". Evidentemente no es cierto y es solo un problema de percepción, pero parece que los occidentales tenemos una mayor dificultad para diferenciarlos y nos resultan mucho más parecidos entre sí.

Los estudios parecen demostrar que la razón de este fenómeno es que los occidentales estamos poco preparados para diferenciar a los orientales porque no solemos convivir con ellos. Del mismo modo no sabríamos captar las tonalidades de blanco de los diferentes tipos de nieve, mientras los esquimales lo hacen con facilidad porque forma parte de su entorno habitual.

¿Ocurrirá lo mismo al revés? ¿Somos los occidentales iguales a los ojos de los asiáticos? Aquí empieza esta historia. O más bien hace 12 años en Vietnam, en una diminuta tienda de discos que podríamos denominar como "no oficial".

Estuve un rato buscando discos, y finalmente hice un pack formado por el "Brothers in Arms" de Dire Straits, el "Modern Times" de Bob Dylan y la joya de la corona de mi búsqueda: Una edición especial del "American Idiot" de Green Day en versión doble. En el primer CD estaba el disco tal y como lo conocemos, y el segundo parecía ser un disco de extras o rarezas. Era difícil afirmarlo porque, aunque los títulos de las canciones estaban en vietnamita y en inglés, el conocimiento de inglés del diseñador de los créditos del disco era mínimo y los títulos resultaban muy difíciles de entender.

Ya de vuelta en Madrid, ansioso por escuchar lo que para mí era un preciado tesoro, la primera versión especial extendida de la gran ópera rock del trío estadounidense, fuí directo a reproducir el segundo disco.

¿Y qué pasó entonces? Pues que los Red Hot Chili Peppers tronaron en el reproductor de CDs. Una mezcla de varios temas de su disco "By the Way" en la primera parte del CD, y una segunda tanda formada por temas de "Blood Sugar Sex Magic" grabados con una evidente disminución de volumen y calidad de sonido con respecto al anterior bloque de canciones. Por aquel entonces yo no era un gran experto en los Red Hot Chili Peppers (sigo sin serlo aunque reconozca el "Blood Sugar Sex Magic" y el "Californication" como obras maestras), y el mal inglés en el que estaban reflejadas en la carátula tampoco me ayudó a darme cuenta.

La ilusión del tesoro hallado se me escurrió entre las manos como si fuera arena encontrada en un cofre en el que esperaba haber encontrado oro. Me consuelo pensando que este descubrimiento sigue siendo una joya entre las rarezas de mi colección, aunque sea por motivos más sociológicos que musicales.

Probablemente, nuestro querido falsificador vietnamita no diferenció la voz de Billie Joe Amstrong de la de Anthony Kiedis, como nosotros solo veríamos un color para la nieve. Será que en el fondo "los occidentales somos todos iguales", como los American Idiots de la ópera rock de Green Day, de la que por un instante brillante y efímero tuve una histórica versión doble.

El disco de la semana 78: Green Day - American Idiot

Hablar de American Idiot (2004) es hablar de la leyenda del ave Fénix, o de cómo de las cenizas de lo que iba a ser otro disco, surgió una ópera punk conceptual que es la obra cumbre de la carrera artística de los angelinos Green Day. La historia de este disco comienza en 2003, durante la grabación de otro muy distinto, que iba a llamarse Cigarettes and Valentines. En pleno proceso de producción, las cintas de aquella veintena de canciones fueron robadas. Ante ese inoportuno revés, los chicos de Green Day reclutaron al productor Rob Cavallo, que les animó a empezar de cero y no volver a grabar el material robado. En lugar de aquellas canciones, comenzó a crecer en su cabeza la idea de una ópera rock, al estilo de discos como "Quadrophenia" o "Tommy" de los Who, y de musicales como West Side Story o Jesuchrist Superstar.

La primera canción compuesta para la nueva remesa fue, precisamente, American Idiot. Por su duración y estructura clásicas del género punk rock, y su innegable fuerza y gancho comercial, este tema con influencias de The Ramones acabaría siendo la canción que dio título al álbum, cuando en realidad y por la estructura de la historia conceptual que narra el disco, ese honor debería haber recaído en Jesus of Suburbia. Al terminar de componer y grabar esta canción-denuncia que criticaba abiertamente a la conservadora sociedad estadounidense, representada en la figura de George W. Bush y su decisión de iniciar la guerra de Irak, se enfrentaron a un bloqueo creativo temporal en el que apenas consiguieron esbozar algunas ideas y ritmos aislados que cada uno de ellos había trabajado en solitario. Hasta que un día, decidieron ir ensamblando aquellas pequeñas partes en lo que acabarían siendo las dos grandes suites del disco: Homecoming y Jesus of Suburbia. Al ver los resultados de aquellas dos piezas, se dieron cuenta de que tenían entre manos un disco conceptual. Había nacido lo que sería American Idiot.

AMERICAN IDIOT

Tras el rotundo pistoletazo de salida que es la canción American Idiot, con sus riffs de power pop urgente y su ácido y político mensaje, llega el turno de la primera gran suite del disco. Jesus of Suburbia está formada por cinco secciones claramente identificables, por los cambios de ritmo que suponen en el conjunto de la obra. El Jesús de los Suburbios es un outsider que critica airadamente a la decadente sociedad estadounidense del momento, los "idiotas americanos" que hacen caso omiso al mensaje de este particular anti-héroe, surgido de la imaginación del cantante y guitarrista Billie Joe Armstrong, que deja su hogar para adentrarse en el oscuro y clandestino mundo de la gran ciudad, dónde cambiará su nombre por el de St. Jimmy y conocerá a una chica llamada Whatsername (¿Cuál es su nombre?), una revolucionaria de la que se enamorará, y con la que compartirá sus deseos de rebelión ante la sociedad opresiva y la manipulación de los medios.

Las referencias contra la guerra de Irak vuelven a aparecer en Holiday, que es junto a American Idiot, la pieza del disco que más encaja con el esquema de una prototípica canción de Green Day. Un tema de punk rock comercial, con reminiscencias de la música de The Clash, pero al mismo tiempo con una producción y un sonido muy cuidados, que tienen su momento álgido en el soberbio cierre del tema, cuando las guitarras distorsionadas se entremezclan con el inicio de Boulevard of broken dreams, uno de los momentos clave del disco, tanto por la calidad del tema como por el mensaje del mismo. El Jesus of Suburbia ha llegado a la ciudad, y transita por "una carretera solitaria, la única que alguna vez he conocido, no sé a dónde va, pero para mí es mi casa y camino solo, camino por esta calle vacía, en el bulevar de los sueños rotos, donde la ciudad duerme, y soy el único y camino solo..."

En Are We The Waiting, canción en la que, tanto la rotunda batería como la letanía de su repetitivo estribillo, nos recuerdan a los cánticos de las masas en una manifestación. Jesus of Suburbia ya no está solo: "Somos nosotros, nosotros somos, los que están esperando. Esta sucia ciudad estaba ardiendo en mis sueños..." La canción funciona como parte introductoria de St. Jimmy, el latigazo punk en el que Jesus of Suburbia adopta su alter ego combativo y disidente, descrito como el violento hijo de una ramera y de Edgar Allan Poe, el "santo patrón de la negación, con cara de ángel y un marcado gusto suicida"

Atravesar el bulevar, y enfrentarse a la dura realidad y a los sueños rotos, no es un camino fácil para St. Jimmy, que al ver rotos sus sueños revolucionarios entra en la espiral de drogas de Give me novocaine, secundado por su compañera de viaje, a la que Green Day dedican los temas She's a Rebel y Extraordinary girl. Los títulos son suficientemente explicativos, a los ojos de St. Jimmy ella es tan extraordinaria como rebelde. En Extraordinary girl encontramos la influencia más "exótica" dentro de lo que sería un disco de punk rock. Las melodías orientales y los coros de voces recuerdan ligeramente a los últimos Beatles, los que guardaron los trajes y las corbatas en el armario, para dejarse crecer la barba y tocar el sitar.

El punk rock regresa al disco con Letterbomb, en un giro musical y temático que nos indica que "se masca la tragedia". Whatsername acaba dejando a St. Jimmy, al ritmo del muro sonoro levantado por la batería y el bajo de Tré Cool y Mike Dirnt. La ruptura es a través de una carta, que al protagonista de esta historia le cae como si fuera una carta bomba, que al mismo tiempo le acaba abriendo los ojos a la cruda realidad: "No eres el Jesús de los suburbios. St. Jimmy es solo un producto, la ira de tu padre y el amor de tu madre hicieron esta América idiota". Jesus of Suburbia decide entonces simular el suicidio de su alter ego St. Jimmy, para poder volver atrás.

El retorno está representado a través de dos nuevas piezas clave del disco. Wake Me Up When September Ends es un sentido tema acústico que, poco a poco, va creciendo hasta que las guitarras y la instrumentación estallan en el estribillo. Septiembre ha sido tan duro que al protagonista le gustaría poder dormir, y despertar cuando el mes ya hubiera pasado. Un tema muy intenso con diferentes lecturas posibles. Por un lado, es un tema dedicado al padre de Billie Joe Amstrong, fallecido años atrás, pero podría ser también una referencia velada al fatídico 11-S. Sea como fuere, encaja además en la historia del rebelde desengañado, que recorre el camino de vuelta con la mochila repleta de desilusiones y sueños rotos. Vuelve a casa, al lugar al que regresar cuando es necesario lamerse las heridas, y ese retorno se cuenta magistralmente en Homecoming, la segunda suite larga y cambiante del disco, en la que regresan a lo grande la épica y los feroces cambios de ritmo que ya disfrutamos en su "hermana gemela" Jesus of Suburbia. Como curiosidad, el segmento conocido como Rock’n’roll Girlfriend es el único tramo del disco en el que la voz solista corrió a cargo del batería Tré Cool.

El disco aún nos regala un tema que refleja un momento muy visual, casi cinematográfico. Él ha vuelto a su casa, pero un día cualquiera cree ver a Whatsername de nuevo:

Creo que me crucé contigo en la calle
Pero resultó ser sólo un sueño
Me propuse quemar todas las fotos
Ella se fue y yo tomé un camino diferente
Recuerdo su rostro, pero no puedo recordar el nombre
Ahora me pregunto cómo estará "Comosellame"

Los arrepentimientos son inútiles en mi mente
Ella está aún en mi cabeza, debo admitirlo
Los arrepentimientos son inútiles en mi mente
Está en mi cabeza desde hace mucho
Y en la más oscura noche
Si mi memoria no me traiciona
Nunca volvería el tiempo atrás
Olvidándote a ti, pero no los momentos...

En ese momento, sabe que ya no hay vuelta atrás, y puede que sea el primer paso de su curación, si es que queremos que la historia tenga un final más o menos feliz para el Jesús de los suburbios. Al fin y al cabo, después de regalarnos un disco tan superlativo, con canciones que deslumbran aún más al escucharlas como una sola obra conjunta, lo único que nos queda para que sea perfecto es que, al levantarse la aguja del tocadiscos, podamos creer que Jesus of Suburbia / St. Jimmy tuvo realmente una oportunidad de empezar de nuevo, lejos de las espinas de la ciudad sombría, y de la mordaza de una sociedad idiota.