Disco de la semana 285: White lies for dark times - Ben Harper and Relentless7

"Mentiras piadosas para tiempos oscuros" sería una traducción aproximada del título del noveno álbum de Ben Harper, pero en la traducción se pierde el matiz del contraste entre el "blanco" de las mentiras y el "oscuro" de los tiempos a los que hace referencia. Eran nuevos tiempos para Harper, que por primera vez aparcaba momentáneamente a su banda de apoyo The Innocent Criminals (Criminales inocentes) para embarcarse en este disco con la banda Relentless7 (Implacables7), formada por el guitarrista Jason Mozersky, el bajista Jesse Ingalls y el baterista Jordan Richardson, artífices junto a Harper de un llamativo tránsito del sonido más pulcro de los inocentes, a una propuesta de blues rock texano más árida e implacable.

Publicado en 2009, White lies for hard times es otro gran ejemplo de la inquietud de Ben Harper por ir evolucionando y cambiando el paso en cada uno de sus discos, lo cual no significa que a lo largo de sus 11 cortes no tengamos oportunidad de encontrar también alguno de sus tradicionales temas acústicos y con ese feeling soul que Harper ha llevado siempre de serie, pero lo que más impresiona del disco es la predominancia de un rock eléctrico áspero y potente, con marcadas raíces bluseras y texanas.

No hay que esperar mucho para comprobar lo que estamos describiendo, porque el primer corte Number with No Name ya es un compendio de riffs de blues eléctrico y ásperas guitarras slide, bien guiadas por un bajo y batería especialmente contundentes. El sonido es el de una gran banda perfectamente engrasada, algo digno de mención ya que se enfrentaban a su primer trabajo juntos. Le sigue Up to you know, que podríamos denominar como uno de los temas más Harper del disco, entendiendo esto como una mayor cercanía melódica a lo que el músico había hecho en discos anteriores con los Innocent Criminals, y que encuentra la manera de no desentonar en este disco a través del potente bajo y la distorsión de las guitarras. Es solo un alto en el camino, porque Shimmer & Shine, elegido como primer single del disco, vuelve al camino del rock al ritmo de una batería cercana al punk y unas guitarras que zumban de fondo mientras Harper canta un tema ideal para grandes estadios.

Lay there & hate me tiene un regusto soul funk contestatario y rebelde y aporta la dosis necesaria de variedad en un disco de rock, mientras que Why Must You Always Dress in Black supura blues rock con su riff vertiginoso e incendiario y la master class de intensidad que ofrece Jordan Richardson a la batería, antes de que con Skin Thin llegue el ya mencionado momento en el que Harper cuela en el disco una de sus habituales baladas acústicas de marcada melancolía sureña. Tras la pausa para respirar hondo, llega el turno de Fly one time, una agradable pieza que encajaría como un guante en discos de REM o U2, con guitarras efectivas pero menos agresivas que las de las canciones más relevantes del disco, entre las que sin duda está Keep it together (So I can fall apart) en la que las influencias de Hendrix en la guitarra wah wah son evidentes. Intensa y electrificada, te mantiene en vilo hasta que se frena a mitad, convirtiéndose en un leve lamento de voz y guitarra blues, que poco a poco van reponiéndose hasta estallar de nuevo en un intenso final eléctrico.

Boots like these tiene un ritmo vertiginoso y oscuras guitarras que prolongan acordes, mientras Harper canta en un estilo que es casi un recitar acelerado con el que conforma el tema más experimental del disco, una rareza que contrasta con la intensidad y la profundidad de The world suicide, uno de los momentos más inspirados del disco, con aires de himno épico y un evocador solo de guitarra. Y desde lo más alto, solo queda contemplar satisfechos el espectacular paisaje, e iniciar tranquilamente el descenso con Faithfully Remain, otra de esas bellas y aparentemente sencillas baladas marca de la casa, pero no por ello menos inspirada o más prescindible que cualquier otra de las 11 mentiras piadosas con las que Ben Harper nos ayuda a superar estos tiempos tan oscuros.

#MesU2: All that you can't leave behind

El décimo álbum de U2 empezó con buen pie ya incluso desde la elección del título. All That You Can't Leave Behind (Todo aquello que no puedes dejar atrás) es una nueva huida hacia adelante, en la que los irlandeses vuelven a replantearse su camino como grupo, dejando atrás la experimentación electrónica y la oscuridad lírica de esa gran trilogía alternativa que conformaron los discos Achtung Baby, Zooropa y Pop. Las malas críticas que recibió este último les impulsaron a un nuevo retorno al rock convencional de guitarra, bajo y batería, y se pusieron manos a la obra en el estudio con el habitual Daniel Lanois en la producción y la inestimable coproducción del ya por entonces asiduo Brian Eno.

¿Y qué cosas son las que no pudieron dejar atrás? La primera es el talento y la capacidad de entregar grandes discos que Bono y compañía han tenido siempre de serie. Y eso, a pesar de que las primeras sesiones de grabación no fueron demasiado fructíferas, y tan solo lograron sacar en claro el tema Kite, una canción en la que la voz de Bono volvía a brillar y a sorprender después de haber arrastrado problemas durante la anterior gira de la banda. El resultado obtenido con esta canción volvió a llenar el depósito de la ilusión hasta el tope, y decidieron enfocar las siguientes grabaciones hacia la simplicidad de una banda tocando juntos en una habitación, despojando a los nuevos temas de la instrumentación y la electrónica del pasado reciente.

​El disco fue un éxito de crítica y ventas en todo el mundo, llegando la puesto 3 del Billboard estadounidense. Consiguió nada menos que siete Premios Grammy, convirtiéndose en el único álbum en la historia con dos canciones ganadoras del Premio Grammy a la Mejor Grabación del Año (Beautiful Day en 2001 y Walk On en 2002) y la revista Rolling Stone lo posicionó en el puesto 139 de su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Aunque fue promocionado como un retorno al sonido tradicional de la banda, y pese a que esa vuelta a los orígenes se imponga en canciones como Beautiful Day (la potente apertura del disco y single de enorme éxito, en la que la guitarra de The Edge tiene un tono similar al habitual en las grabaciones de discos como War en la década de los ochenta) muchos de los temas del álbum contienen todavía altas dosis de la experimentación y la complejidad de sus obras de los noventa.​

Es el caso, por ejemplo, de Stuck in a moment you Can't Get Out Of, un tema que recuerda al excelso Stay (Faraway, so close) de Zooropa, y cuya letra está dedicada a Michael Hutchence (INXS) que se suicidó en 1997. Se convirtió en otro de los grandes singles del disco, junto a la enérgica y rockera Elevation (incluida en la banda sonora de la película Lara Croft: Tomb Raider, con la explosiva colaboración de Angelina Jolie en el video promocional) y la gran pieza central del disco, Walk on, que en su tramo final enumera, en un planteamiento similar al del tema Eclipse de Pink Floyd, las cosas que uno puede y debe dejar atrás para crecer y mirar hacia el futuro:

Déjalo atrás.
Tienes que dejarlo atrás.
Todo lo que creas,
Todo lo que haces,
Todo lo que construyes,
Todo lo que rompes,
Todo lo que mides,
Todo lo que robas,
Todo esto puedes dejarlo atrás...

Dedicada al activista birmano de derechos humanos Aung San Suu Kyi, es el clímax emocional y creativo del disco. Hasta este momento, podríamos estar probablemente ante el disco que completaría el trío de obras maestras del grupo, tras los impecables The Joshua Tree y Achtung Baby. Sin embargo, en la segunda parte del disco, y a pesar de contener canciones destacables como la mencionada Kite, In a Little While o Peace on Earth, la sensación de que la llama, aunque aún encendida, ha perdido intensidad, empieza a rondar la escucha a la altura de When I look at the World y New York.

El disco cierra a buen nivel con Grace, aunque queda una leve sensación de que un disco de estas dimensiones habría merecido un final de mayor impacto, y probablemente ese final tendría que haber sido Walk on, aunque eso habría hecho que la comparativa con el final del Dark Side of the Moon hubiera sido más evidente. Nos consolamos con la acertada decisión de repescar uno de los temas de un proyecto paralelo de Bono, Daniel Lanois y Hal Wilner para la banda sonora de la película Million Dollar Hotel. Incluida como último tema del disco con la etiqueta de "bonus track", la intensa y atmosférica The Ground beneath her feet aporta el toque de gracia que echábamos en falta para cerrar un disco excelente. Demasiado buena para dejarla atrás, ni siquiera a cambio de un hotel de un millón de dólares.

#MesU2: Zooropa - U2

 

Zooropa, U2

     Iniciada la decada de lo 90, los irlandeses U2 deciden dar una vuelta de tuerca a su estilo y sonido. Habían pasado de producir sus primeros discos con influencias del post-punk para pasar luego a las influencias de la música americana, y con Achtung Baby (1991) daban otro giro de tuerca, pues se introducían en los sonidos de la música electrónica y de baile, inspirados por el Bowie de los setenta y por el sonido Mánchester, conocido  como Madchester (sonido basado en el rock alternativo que surge en la escena musical de Manchester, Reino Unido, a finiales de los 80 y principios de los 90). Achtung Baby no defrauda, y con álbum mucho más atrevido que los anteriores se convierte  en un gran éxito y en uno de los mejores trabajos de su carrera.

A principios de 1992 el grupo realiza una nueva gira para apoyar Achtung baby, dicha gira recibe le nombre de Zoo TV Tour. La gira se caracteriza por su novedosa combinación de efectos  multimeda, con un escenario formado por pantallas gigantescas, coches colgados del escenario, e incluso con llamadas de móviles. Entre medias del Zoo TV Tour, juto después de finalizar la gira americana y antes de comenzar con la parte de la gira europea, el grupo entra en el estudio para la grabación del nuevo material de su siguiente álbum de estudio, Zooropa. El ábum, continúa con la evolución de su anterior disco, Achtung Baby, mostrando  muchas más influencias techno y dance. Zooropa, pese a que no alcanza un gran éxito en ventas, gana el premio Grammy al "mejor álbum Alternativo", y su gira de apoyo también llamada Zooropa, es considerada como una de las más grandes y originales de la  historia del rock. Estamos ante la etapa más creativa del grupo.

U2 se se había reinventado a comienzos de la década de los 90, habían encontrado el camino de la múscia electrónica y con Zooropa van a seguir explorando esta vía, El disco, su octavo trabajo de estudio, es grabado entre marzo y mayo de 1993 en los estudios The Factory, Windmill Lane y Westland Studios, todos de Dublín, producido por Brian Eno, Mark "Food" Ellis y The Edge, y publicado justo en medio de la gira Zoo TV Tour,  el 5 de julio de 1993 por el sello discográfico Island Records. 

En este álbum la banda profundiza en el concepto que había planteado como vision satírica de la era de la información y sus efectos en el hombre moderno. A pesar de su poca repercusión comercial la banda había dejado patente sus ganas por la experimentación, la cual ya habían inciado en su anterior trabajo. Así entramos en materia y nos encontramos abriendo el disco Zooropa, tema que además da título al álbum. La canción es el resultado de la fusión de las palabras Zoo y Europa. Durante la gira Zoo TV Tour la banda había estado tratando de recrear una visión futurista y esperanzadora de Europa. Encontramos elementos como la caída del muro de Berlín, la consolidación de la Unión Europea, la brutalidad de la guerra de Bosnia y las revoluciones de 1989. Todo ocurría en un lugar ficticio llamado Zooropa. Bono y The Edge habían estado leyendo obras de William Gibson, quien había recreado un ambiente urbano futurista llamado "The Sprawl". Esto influyó en la composición de este tema. La canción fue el resultado de combinar dos piezas musicales separadas, una de las cuales la banda descrubrió mientras revisaba las prubas de sonido de la gira Zoo TV Tour. Babyface, bajo un ambiente triste y melancólico, trata de un hombre obesionado con una celebridad. Tanto es así que no para de ver su imagen en una grabción de televisión. Curiosamente este tema únicamente fue interpretado en 5 conciertos de la gira Zoo TV Tour. Numb, la letra fue concebida por The Edge mientras que la música fue obra de U2. Estamos ante uno de los mejores temas del álbum, donde el grupo juega además con elementos pertencientes al post-punk, diversos efectos sonoros y samples, y la voz de The Edge es modificada para parecer la de un robot. El tema, inspirado en el tema de la sobrecarga sensorial consigue el efecto deseado y se convierte en una ruidosa composicion. Lemon, con influencias de música disco y funky, fue descrita por los entendidos como una canción de estilo alemán futurista. Fue escrita por Bono después de ver un vídeo de su madre vistiendo un vestido de color limón como dama de honor. Muy interesantes los sintetizadores, que se encargan de dar un toque futurista al tema. Stay (Faraway, so Close!) es un tema que comienza de menos a más, comenzando con la batería de Mullen y la guitarra de The Edge, y luego se van sumndo poco a poco el bajo de Clayton y la voz de Bono. La canción fue incluia en la banda sonora de la película ¡Tan lejos, tan cerca!, continuación de El cielo sobre Berlín, ambas de Win Wenders. Inspirada sobre el estilo musical de Frank Sinatra, Bono llegó a afirmar que esta canción era probablemente la mejor canción de toda la discografía del grupo.

Daddy's Gonna Pay for You Crashed Car, otro tema donde el grupo no olvida unas raíces post-punk que vuelven a aflorar aquí. El tema comienza con un pequeño prólogo orquestal de instrumentos de metal, y todo el protagonismo es para el bajo de Clayton ya que no hay guitarra y apenas hay sonidos de sintetizadores. Bono describió la canción como una cuestión de dependencia y adección a la heroína. Sn embargo The Edge dijo que el significado no tenía la intención de ser una referencia a la heroína sino más bien un comentario sobre la dependencia en sí misma, no tenía que ser a sustancias ilegales, se podía ser adicto a cualquier cosa, por ejempo, se podía ser adicto a los aplausos, a estar en la carretera, incluso estar en U2 podía ser su propia adicción. Some Days Are Better Than Others vuelve a los ritmos funkys, bailables y alegres. Muy destacable el sólo de sintetizador que sustituye al de guitarra. The First Time, tema que se caracteriza por la ausencia de batería y el protagonismo casi absoluto es para la guitarra de The Edge. El tema va in crescendo, a la guitarra de The Edge, que acompaña a Bono, se le van sumando primero los sintetizadores, y luego el bajo, para llegar al punto álgido del tema con la aparición de un brillante piano que eclipsa al resto. El tema fue originalmente escrito para Al Green, pero al final el grupo decidió quedárselo. Una canción que trata sobre perder la fe. Bono afirmaba que el no había perdido la fe, pero simpatizaba mucho con las personas que tenían el coraje de no creer. Había visto a muchas personas a su alrededor tener malas experiencias con la religión. Dirty Day, con letra de Bono y The Edge y música de U2, es un tema que trata sobre un padre y un hijo. El tema está inspirado en parte en la relación de Bono con su padre. La canción nos relata como un padre abandona a su familia y años más tarde se encuentra con el hijo que había abandonado. En este aspecto, no retrata al padre de Bono, pero sí algunas de sus actitudes. Cierra el álbum The Wanderer, tema donde colabora el gran Johnny Cash. La interpretación vocal corre a cargo de Johnny Cash, que inevitablemente se adueña de la canción con su magnífica y profunda voz. Al final ed la canción hay una segunda voz que corre a cargo de The Edge. El grupo comenzó a escribir la canción al enterarse de que Johnny Cash viajaría a Dublín para un espectáculo. La canción describe los viajes de un hombre y la búsqueda de la redención. Para la letra de la canción Bono se inspiro en el libro de Eclesiastés de el Antiguo Testamento, también conocido como el Libro del Predicador. El predicador quiere decubrir el significado de la vida y para ello se aventura a probar un poco de todo. 

Zooropa continuaba con la vía de la experimentación con la música electrónica y alternativa que el grupo había abierto con Achtung Baby. Un disco donde la banda demostró, como cualquier camaleón que se precie, saber adapatarse a los nuevos tiempos. 

#MesU2: Achtung Baby - U2

En 1991, los chavales de Getafe sentíamos un gran orgullo de pertenencia a la autoproclamada "Capital del Sur", pero paradójicamente, al mismo tiempo teníamos una actitud bastante "fronteriza" y separatista entre los que nos considerábamos normales (aunque desde el otro bando nos tildaran de "frikis") y aquellos a los que despreciábamos por ser "pijos". En esa particular situación de antagonismo entre los dos bandos, era inevitable sentirse identificados con los protagonistas de películas como West Side Story o Quadrophenia, y asignar a los despreciables "pijos" el merecido papel de "villanos", por jurar como juraban siempre por Snoopy, por no perderse un solo capítulo de Friends, por llevarse siempre a las mejores chicas y, sobre todo, por cantando con los brazos en alto y los ojos cerrados cada vez que el disc-jockey ponía una canción de Hombres G o, incomprensiblemente, de U2...

Esa, amigos, es la absurda, y a la vez más que justificada, razón por la que, aún hoy en día, no he escuchado ninguno de los álbumes de U2 anteriores a The Joshua Tree. Bajar la guardia y cantar con los ojos cerrados "Pride" o "Sunday Bloody Sunday" podía agenciarte el rechazo y la sospecha entre tus iguales. La cosa se puso aún más difícil con temas tan buenos como I still haven't found what I'm looking for, Where the streets have no name o With or without you, y aunque hasta los propios pijos empezaron a renegar y a mirar de soslayo el Rattle and hum, no hubo ninguna señal de aviso que nos preparara para el brutal cambio de acera de Achtung Baby, hasta la publicación del álbum y su adecuado título: Achtung significa "Atención" o "Cuidado", la palabra con la que en alemán se recuerda a los viandantes que deben tener precaución en los cruces y pasos de cebra. Así que el título de "Cuidado, chica" era todo un toque de atención sobre el cambio que el disco ofrecía.

Evidentemente, ni Bono ni el resto de miembros de U2 sabían nada de la profunda y verdadera razón por la que sus discos no se vendían bien en los barrios de Las Margaritas o La Alhóndiga, pero sí que estaban molestos por las críticas recibidas a nivel mundial por el álbum Rattle and Hum, y decidieron dar un giro a su música, alejándose de los himnos comerciales de los ochenta y dejándose llevar por las influencias del rock alternativo y de la música industrial y electrónica. El cambio se trasladó también a la temática de las composiciones, en un álbum mucho más oscuro e introspectivo. Dónde antaño aparecían grandilocuentes slogans políticos y sociales con los que parecían querer salvar al mundo, ahora su paleta narrativa se adentraba en temas más realistas y profundos sobre las relaciones humanas, el amor, la sexualidad, la soledad o el desengaño. 

Grabado e ideado en su mayor parte entre el Berlín del recién derribado muro y su Dublín natal, con Achtung Baby fue como si los irlandeses hubieran hecho un corte de mangas a Chandler y Rachel, mientras María rechazaba a su novio Jet para liarse con un friki, y el más famoso de los rockers se compraba una parca verde y una vespa para ir de peregrinación a Brighton. De repente, los U2 molaban y eran muy frikis, con un brillante y recién estrenado disco que no era apto para ser cantado en un bar con los ojos cerrados, sino para degustarlo en la soledad de tu cuarto, con unos buenos auriculares, y no perderte el más mínimo detalle de aquella impactante transformación sonora y narrativa.

La ruptura con lo que hasta entonces había sido el otro lado de su particular "muro" sonoro es evidente ya desde el arranque del disco. Las primeras notas distorsionadas de Zoo Station buscan conscientemente que el oyente habitual (el "pijo" en nuestra realidad local) creyera que el disco estaba defectuoso o que por error le hubieran vendido un disco de un grupo de música electrónica. El cambio de temática y estilo es aquí especialmente marcado, en la distorsión de las abruptas y crudas guitarras, como si este primer tema (que se barajó como posible título del disco) tuviera que cumplir de manera agresiva y cortante el rol de primera y directa declaración de intenciones.

Dentro del tono oscuro general del disco, en Even better than the real thing se cuelan algunos de los mensajes más luminosos del disco, en la que es la canción más sexual y positiva, y The Edge combina su particular estilo de tocar la guitarra con la incorporación de efectos y sonidos de marcada influencia electrónica, que hacen que la canción suene mucho más adelantada al sonido de canciones similares del pasado reciente. Un pasado con el que querían romper, pero no les fue fácil encontrar la fórmula correcta para hacerlo. Para lograrlo, decidieron alejarse de la rutina y de los lazos familiares, y eligieron el Berlín del gran cambio socio-político del momento como fuente de inspiración, trasladando su campamento base a los estudios Hansa en los que se habían grabado discos como "Low" y "Heroes" de David Bowie o "The Idiot" de Iggy Pop, pero tras varias sesiones infructuosas, la moral y las relaciones en el seno del grupo se fueron poco a poco deteriorando, al no ponerse de acuerdo en la dirección a seguir.

Durante la grabación de Mysterious Ways, un complicado tema que combina ritmos bailables, inspirados en una breve estancia en Marruecos, con un riff de guitarra de corte sorprendentemente funky, la frustración llegó a su punto álgido, y la amenaza de la separación de la banda llegó a sobrevolar el ambiente. La llegada de Brian Eno para ayudar en la producción, demostrándoles que el trabajo que habían realizado era mejor de lo que pensaban, y el descubrimiento accidental de los acordes de One en una improvisación de The Edge, salvaron los muebles y recondujeron la complicada situación, convenciéndoles de que podían aunar a la vez canciones con capacidad comercial y nuevas y arriesgadas tendencias sonoras. One se convirtió en una de las canciones más relevantes de la historia de la banda, y una de las mejores canciones de todos los tiempos. Bono volcó en ella los sentimientos producidos por las difíciles relaciones en el seno de la banda y las incomodidades de la estancia en Berlín.​

Con las energías renovadas por la sensación de haber encontrado por fin el camino correcto, la creatividad y la determinación se dispararon y los nuevos temas siguieron rompiendo las barreras con las que habían limitado su capacidad musical y la temática de sus textos. En Until the End of the World profundizan en temáticas religiosas y apocalípticas, a través de una conversación entre Jesucristo y Judas Iscariote. Fue publicada como single, como también lo fue Who's Gonna Ride Your Wild Horses, el quinto y último sencillo extraído del álbum, una descripción de los problemas de pareja con melancólicas texturas musicales que de nuevo desafían las viejas fórmulas.

El tono melancólico sigue presente en So Cruel, un tema de atmósfera intimista en el que destaca la calidez de la voz de Bono, que en varias de las canciones de Achtung Baby trabaja en registros más bajos, logrando dar una mayor profundidad a las composiciones. El tono es de nuevo sombrío y derrotista, con referencias al amor no correspondido y la obsesión que esto puede generar en el desdichado enamorado. 

The Fly fue el primer single que se lanzó del disco, y una de las canciones más representativas del Mr. Hyde en el que se estaba convirtiendo la banda, dejando atrás la aburrida y previsible vida del (pijo) Dr. Jekyll para embarcarse en aventuras sonoras mucho más intrigantes. Mientras escribía la canción, Bono creó el alter ego de The Fly, un personaje ególatra vestido de cuero negro y oscuras gafas de sol, una especie de Elvis del lado oscuro, que se presenta en sociedad a través de la voz distorsionada de Bono en temas como éste o Zoo Station. Construida sobre una base hip hop y ritmos electrónicos combinados con oscuras y distorsionadas guitarras, The Fly surgió en las sesiones de Dublín, tras la fallida experiencia en Alemania, como parte de una larga suite que incluía también lo que posteriormente serían Zoo Station y Ultraviolet (Light My Way), esta última más emparentada narrativamente con los temas del tramo final del disco, que rozan lo conceptual en sus referencias a una mujer (la Luna) que seduce a un hombre (The Fly) llevándole al lado oscuro de la noche y la perdición amorosa.​

En Tryin 'to Throw Your Arms Around the World ese hombre vaga en estado de embriaguez, sin encontrar la salida a una relación tempestuosa, descrita también en Ultraviolet (Light My Way), mientras en Acrobat los problemas de pareja se entremezclan con una vuelta a las referencias religiosas que ya aparecieron en Until the end of the world,  y el lamento por el amor fallido de So Cruel es aún más desgarrador y sombrío en Love is Blindness, que nos revela que la historia de amor de este disco no tiene un final feliz.

El recorrido del disco sí que lo tuvo, a tenor de los 18 millones de copias vendidas, el Grammy al mejor álbum de rock, y la larga lista de premios que recibió por parte de la crítica especializada, que lo sigue considerando uno de los mejores álbumes de la historia. Achtung Baby está incluido en el libro "1001 álbumes que debes escuchar antes de morir", y la revista Rolling Stone lo posicionó en el puesto 63 de "Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos"), pero el gran mérito de este disco siempre será habernos dado a los "frikis" el único momento de gloria en nuestra desigual lucha contra los "pijos" cuando por primera vez empezó a sonar The Fly en los bares del centro de Getafe. Cuando estaban a punto de cerrar los ojos y levantar los brazos al cielo, notaron que algo no funcionaba. Aquellas guitarras distorsionadas les desconcertaban, y al mirar a su alrededor, vieron a un grupo de frikis rasgar al aire sus imaginarias guitarras. Algo había cambiado. Ellos seguían teniendo la ropa de diseño y las gafas de marca, pero el muro había caído, y de repente U2 era nuestro. Nos duró solo un par de discos más (Zooropa y Pop) pero nos supo a batalla ganada.

#MesU2: Rattle and Hum - U2

 

Rattle and Hum, U2

     A pesar de haber conseguido el cartel de ser una de las bandas con más éxito de la década de los 80, los irlandeses de U2 habrían de esperar hasta 1987 para alcanzar el estrellato absoluto. Sería con la publicación de su quinto álbum de estudio, The Joshua Tree, cuando alcanzarían dicho estatus, siendo además el primer disco de la banda irlandesa en alcanzar el puesto númer uno el las listas de ventas de Estados Unidos, y el tercero en alcanzar tal puesto en Reino Unido.

U2 decide dar un paso más allá y para su siguiente lanzamiento deciden filmar una película documental que captura y graba las experiencias del grupo durante la gira estadounidense del Joshua Tree Tour, grabando además un doble disco con canciones en vivo junto con material nuevo. A este proyecto se le llamó Rattle and Hum. El álbum incluía nueve pistas en estudio y seis presentaciones en vivo, incluidas colaboraciones con Bob Dylan y BB King. La película documental lograba unas pobres críticas por parte de los especialistas en la materia, y el álbum Rattle and Hum si lograba un gran éxito, si bien es cierto que en un principio una pequeña parte de la crítica musical mostró su incomprensión y menosprecio. Le costó entender a la crítica que este album era un homenaje a las raíces de la música popular norteamericana, y que además funcionaba como bisagra en la trayectoria del grupo, serviría como eje para cerrar su exitosa etapa que había tenido su momento cumbre con The Joshua Tree, y abrirse a nuevos horizontes musicales, pues en la década de los 90 la banda se reinventrá a través de una nueva dirección musical e imagen pública. 

El proyecto Rattle and Hum captura sus contínuas experiencias con la música de raíces estadounidense en el Joshua Tree Tour, incorpora elementos de blues rock, folk rock y música gospel en su sonido, y se nutre de una serie de canciones nuevas de estudio, presentaciones en vivo y versiones de canciones, incluyendo además colaboraciones con Bob Dylan, BB King y el coro de gospel Harlem's New Voices of Freedom. El álbum es grabado entre finales de 1987 y el primer semestre de 1988, Producido por Jimmy Lovine, y publicado el 10 de octubre de 1988 bajo el sello discográfico Island Records. Se grabaron 11 canciones nuevas que de por sí podrían haber configurado un disco enteramnte nuevo, pero el grupo quería hacer algo distinto, por lo que finalmente lanzaron un doble disco que se basaba en tres elementos: Versiones en directo de la gira Joshua Tree Tour (1987), grabaciones originales realizadas durante el tour (casi todas en los Sun Studios de Memphis, Tennessee), y nuevos temas grabados en su mayoría en los A&M Studios de Los Ángeles. Por ese hecho dos de los 11 temas grabados, Hallelujah y A Room At The Heartbreak Hotel, serían descartados y editados como lados B.

Entramos en materia en el álbum y comenzamos con la maravillosa versión de los Beatles grabada en vivo de Helter Skelter, a la que sigue Van Diemen's Land, escrito por The Edge, quien además la interpreta en su totalidad. La canción trata sobre la Gran Hambruna Irlandesa que ocurrió entre 1845 y 1849 debido a la falta de alimentos causada por las políticas económicas británicas. El título es además una referencia a a la deportación que sufrió, a la que a día de hoy es la actual Tasmania, el líder irlandés John Boyle O'Reilly por orquestar una rebelión contra los ingleses. Desire, escrita por Bono, fue además el  primer sencillo del álbum. Una canción que trata sobre la ambición y la dedicación necesarias de un grupo musical para tener éxito. También hace crítica a los predicadores estadounidenses que estafan dinero a sus fieles seguidores. Este tema incorpora el llamado "Bo Diddley Beat", un ritmo que el genial músico hizo famoso. Hawkmoon 269 es un tema inspirado en la localidad de Hawkmoon, en Dakota del Norte, por la que el grupo había pasado durante su gira. El número 269 hace referencia a la cantidad de mezclas que sufrió la canción antes de la grabación final. Según The Edge la banda estuvo trabajando en este tema unas tres semanas. Seguidamente viene la magnífica versión en diecto que se marcan de All Along The Watchtower de Bob Dylan, tema antesala de la interpretación en directo de la maravillosa I Still Haven't Found What I'm Looking For, uno de los grandes temas de siempre de la banda, y que había sido publicado en el anterior disco The Joshua Tree. Freedom For My People es un pequeño entreacto de paenas 40 segundos hecho a partir de una canción escrita por Sterling Magee, Bobb Robinson y Macie Mabins, y que era interpretada en las calles por el propio Magee y Adam Gussow, dos músicos que tocaban en las calles y que luego grabarían tres álbumes como dúo de blues bajo el nombre Satan and Adam. Tema que sirve de antesala para los dos temas que cierran el primer disco, Silver And Gold, interpretada en directo. Fue escrita por Bono después de viajar a una misión de ayuda en Etiopía. Es una canción que critica claramente el Apartheid, denunciando también como el dinero parece ser más importante que la libertad de las personas, y Pride (In The Name Of Love), interpretada también en directo. Esta canción fue el primer sencillo lanzado del álbum The Unforgettable Fire (1984).

El segundo vinilo de este doble álbum comienza con la poderosa Angel Of Harlem, otro de los grandes temas la historia de la banda. El tema es todo un tributo a la gran cantante estadounidense de jazz Billie Holiday, "El Ángel de Harlem". Billie Holiday se mudó a Harlem cuando era adolescente en 1928. Allí tocó en infinidad de clubes nocturnos haciéndose famosa por su capacidad para llegar a la gente. Tuvo que lidiar durante casi toda su vida con el racismo, las malas relaciones y los problemas con el alcohol. Love Rescue Me, basada en una antigua canción de Gospel. Bono había estado trabajando en un tema que empezó a componer una noche después de despertarse habiendo soñado con Bob Dylan. Curiosamente, durante la gira, Bono Recibió una llamada telefónica en la que le preguntaban si le gustaría visitar a Dylan, no se lo pensó dos veces. Bono visitó a Dylan en Malibú y éste le ayudo a terminar la canción en la que había estado trabajando. Bono le dió los créditos como coautor de la canción. When Love Comes to Town, tema que se convirtió en el tercer sencillo del doble álbum y en el que colabora BB King poniendo su voz junto a Bono. En 1987 BB King había tocado en Dublín, en aquel concierto descubrió que entre el público se encontraban los componentes de U2, los cuales acababan de lanzar al  mercado The Joshua Tree. El maestro blusero se sintió muy honrado de saber que eran grandes admiradores no sólo de él, tembién del género blues. Acabado el concierto King pudo conocer a la banda y le pidió a Bono que pensara en él y en algún tipo de colaboración cuando escribiera una canción, y este tema fue el resultado. Heartland, canción que se gestó a raíz de un viaje que el bajista Adam Clayton y Bono hicieron. La canción está llena de pequeños fragmentos de los viajes que había plasmado Bono en un diario. La canión comenzó a escribirse en 1984 durante las sesiones de The Unforgettable Fire, siendo retomada durante las sesiones de The Joshua Tree. God (Part II), es una respuesta a la canción God de John Lennon. En God, Lennon nombraba una lista de las cosas en las que no creía, y en este tema Bono sigue la misma formula creando su propia lista. The Star Spangled Banner, interpretada en directo, es el tributo de la banda a la performance que Jimi Hendrix hizo del himno nacional estadounidense. Bullet the Blue Sky, la banda toca en directo este tema, grabado en su anterior álbum, The Joshua Tree, toda una crítica a las políticas exteriores de los países del primer mundo que tenían como fín defender su bienestar a base de promover o mantener guerras en países del tercer mundo. El Broche de oro de este segundo vinilo y que cierra por tanto el álbum lo pone All I Want Is You, tema que fue además el cuarto y último sencillo publicado de Rattle and Hum. La canción fue un homenaje de Bono a su esposa, donde le expresaba a partir de los tranquilos versos del tema su amor hacia ella, y donde los potentes riffs de guitarra de The Edge al final del tema son la reacción de ella a su declaración de amor. 

U2 cerraban con Rattle and Hum una etapa que habían abierto con The Joshua Tree, su Ópera Magna hasta el momento. La década de los 80 se esfumarían, y U2 como los conocíamos hasta ese momento también, pues volverían en la siguiente década reinventándose a sí mismos y agrandando más si cabe su leyenda... 

#MesU2: War - U2

 

En general el sonido de War se encuentra a medio camino entre el estilo post-punk de sus predecesores y la vibra de "rock épico" de los próximos discos como The Joshua Tree. En particular, el álbum se deshace de la estética turbia y el canto oscuro que fue predominante en October y nos deja un álbum de mayor accesibilidad sin olvidar el post-punk. War es también el último disco de U2 lanzado antes de la famosa colaboración de la banda con Brian Eno. El veterano productor de U2, Steve Lillywhite, había comenzado a enfatizar el melodismo cambiante que Eno provocaría en The Unforgettable Fire. En cuanto a las melodías vocales, Bono ha aumentado el dramatismo, pero no parece dispuesto a abandonar por completo el marco post-punk. Si miras más allá de un puñado de pistas de grabación más lenta, es en las melodías vocales donde War suena más retrospectiva. Es algo magnifico, la banda es lo suficientemente joven como para que puedas escuchar todos sus sudorosos impulsos biológicos alimentando la política, el estado de ánimo que prevalece es ansioso, casi defensivamente hormonal. Desde el punto de vista de la producción, es un álbum súper divertido porque las guitarras suenan crudas y enojadas como el infierno, pero el bajo rebota con la batería para lograr ese sonido clásico de Joy Division. Creo que Steve Lillywhite es un ejemplo realmente interesante y poco convencional del sonido de los 80, que aporta muchos de los trucosque aprendió de Martin Hannett, pero deja entrar un poco de aire fresco para mantener fresca la instrumentación.

El álbum empieza con Sunday Bloody Sunday, la canción ya es un clásico intemporal de U2, que fue inmortalizada con su famosa interpretación en el War Tour, cuando Bono izó la bandera blanca de rendición y gritó "¡No más! ¡No más! ". Ritmo militar, batería furiosa e implacable, guitarra agresiva, Bono esta sublime y además te encuentras un violín que suena fantástico. El texto habla de una tragedia ocurrida el 30 de enero de 1972: el ejército inglés abre fuego en Derry (Irlanda del Norte) sobre la multitud reunida para una manifestación pacífica, matando a 14 personas e hiriendo a otras numerosas y una letra donde demuestras la rabia y la tristeza, pero no de revuelta como dice Bono durante el concierto en Colorado: "Esta canción hizo hablar mucho a la gente, quizás demasiado, esta no es una canción de revuelta, esto es Sunday, Bloody Sunday"….. “No puedo creer las noticias de hoy…”.  

Seconds a pesar que parece una procesión de marcha, las letras son devastadoramente estremecedoras, lo que me hace aferrarme aún más a los hermosos interludios donde Bono es solo una especie de suspiro, me encanta cómo es tan sarcástica y pegadiza, mientras habla de la guerra concretamente la nuclear ya que a lo largo de la década de 1980 se hablaba claramente de la posibilidad de una guerra atómica. En esta canción se pueden sentir los sentimientos de ira e impotencia ante la posibilidad de que un puñado de políticos pueda destruir el mundo entero en segundos. New Year's Day, otra gran canción, inspirada en el levantamiento popular en Polonia a principios de la década de 1980, encabezado por el sindicato independiente Solidaridad. En diciembre de 1981, el primer ministro polaco, general Jaruzelski, hizo arrestar a Lech Walesa (presidente del sindicato) y proclamó la ley marcial, disolviendo oficialmente el sindicato. El texto luego habla de dos amantes distantes. Musicalmente es perfecto: sólida base de bajo y batería, fantástico Bono en la voz, Edge hace magia entre piano y guitarra. Like a Song, venimos de tres temas muy potentes y puede que este nos parezca que baja el nivel, de nuevo presente el tema de la guerra, de nuevo otra pieza agresiva en la que la batería y la guitarra que se ven acompañadas de una gran voz……. hay miles de "pequeñas" guerras, libradas en pequeñas realidades, entre bandas que se enfrentan sólo por un pin o una bandera, por un credo político o una religión diferente…… aquí está la clave de esta canción, cruda verdad. Drowning Man es el experimento The Cure de U2, es una cosa rara, una forma de bajarte a la tierra, una parada abrupta por un camino que nos llevaba a la gloria, no entiendo cómo se coló esta canción, es lenta y aburrida para mí, de hecho, para mi es la peor canción del álbum, aunque eso no significa que la canción sea terrible, la salva un enorme bajo, siempre constante, la percusión elegante y sobre todo Bono quizás en uno de sus momentos mas brillantes……… y el violín que regresa después de Sunday Bloody Sunday.

The Refugee es una canción interesante lejos de lo mejor del álbum pero tampoco la nombraríamos como un relleno, encaja con la tematica de la guerra, el texto habla de la guerra que causa dolor, miseria y poblaciones de refugiados huyendo y la canción se centra en una pequeña refugiada cuyo padre se fue a luchar y ella se quedó sola con su madre y como intentan escapar a un país rico y pacífico. Two Hearts Beat as One tiene la particularidad que la letra se interconecta con la letra de "Sunday Bloody Sunday", y eso la vincula con el tema de la guerra, mientras que también puede considerarse una canción de amor si la miras desde otro ángulo y mas cuando fue escrita por Bono en su luna de miel, una canción dedicada a su esposa. Red Light tiene un comienzo magistral, pero luego la canción se vuelve bastante normalita, es la historia de un chico enamorado de una prostituta que intenta convencerla de que abandone la calle ofreciéndole su amor. Surrender podría ser como dicen ahora en el cine el sleeper del año, nadie contaba con ella pero podría ser el mejor recuerdo que guardes del álbum, empieza con unas texturas tan bonitas y resignadas que querrás tumbarte a descansar durante mil años. Pero luego entra Bono, con ese canto áspero pero hábil que te hace resucitar de entre los muertos nuevamente. El texto nos cuenta la historia de Sadie, que no logra integrarse en la sociedad y renuncia a todo. Cierra el álbum 40, una canción que se publicó de casualidad, al final de la grabación de War, aún quedaba una pieza para completar el álbum, por lo que, en los últimos 20 minutos disponibles, U2 improvisó esta canción, Bono tomó la Biblia y cantó las palabras del Salmo 40… y quedó tan bien que en los conciertos esta es la pieza de cierre, Edge y Adam intercambian sus roles con este último en la guitarra y Edge en el bajo.

War fue un álbum diferente de los otros dos, el salto de calidad es que era mucho más audaz y mucho más que un álbum de rock. Realmente revolucionó a la banda y los envió por el camino que siguieron durante el resto de la década de 1980. Su uso del niño nuevamente en la portada de su álbum representa un nuevo comienzo y un renacimiento en un nuevo género.

#MesU2: Boy - U2

 

Todos los artistas tienen comienzos humildes, empecemos con Boy el álbum debut de U2 de 1980, y encontramos que tiene más en común con la atmósfera melancólica de Joy Division que con los megahits de estadios de sus trabajos posteriores. Es cierto que no es tan oscuro como Joy Division, pero muestra una estética post-punk similar a ellos y por momentos recuerda a bandas como Echo & The Bunnymen o Television. Estos muchachos de Dublín, Irlanda, apenas habían salido de la adolescencia cuando lanzaron este agresivo debut en un mundo musical que estaba comenzando a experimentar con híbridos de punk y new wave, ellos extraen su fuente del mismo pozo que la música punk, pero U2 prescinde del nihilismo del punk y lo reemplaza con contenido que es de naturaleza más edificante. Boy es un buen punto de partida para U2 regalándonos un enérgico post-punk en algunos temas, que demuestra que la banda era más que capaz de escribir melodías amigables, o encontramos canciones que evocan paisajes de sonido y misterio, mostrando la afinidad posterior de las bandas por los sonidos ambientales en capas. Para ser un grupo de adolescentes, Boy es un álbum impresionante, como álbum debut, es un punto de partida interesante y sólido para U2, quien por supuesto se convertiría en uno de las bandas más exitosos en la historia de la música. Como trabajo independiente, es un disco post punk muy bueno y seguramente uno de los más fuertes de su época.

La canción de apertura y que sirvió de primer sencillo del álbum lleva por título I Will Follow, The Edge comienza con un cambio de acorde mayor-menor repetitivo antes de que entren el rasgueo del bajo de Adam Clayton y los estruendosos tambores de Larry Mullen y el glockenspiel. La canción está llena de energía y habla de una inquietud que no se sacia permaneciendo en un lugar, es un himno a las creencias religiosas del grupo (tres de los miembros eran católicos devotos en ese momento), sin embargo, por la forma en que Bono grita “Te seguiré” en la parte superior, es difícil determinar si es a Dios a quien está eligiendo o al ritmo irresistible que el grupo le prepara. Años más tarde se descubrió que en el fondo la letra trata sobre la muerte de la madre de Bono y los impulsos casi suicidas que probablemente sintió a raíz de su fallecimiento. Bajo esa luz, las letras son casi aterradoramente oscuras. Twilight, tiene referencias bastante obvias al crecimiento "Mi cuerpo crece y crece/Me asusta, ¿sabes?", la pista se abre con un riff cromático y resonante que recuerda algo de Marquee Moon de Television, mientras el bajo se mueve con un patrón de acordes oscuros y descendentes, también encontramos los primeros intentos de The Edge en un solo de guitarra (digamos que tuvo mejores en él). Pero la exuberante voz de Bono junto con la interpretación feroz de Clayton y Mullen hacen que la canción sea muy buena. La pista de ritmo primitivo e hipnótico que se encuentra en An Cat Dubh suena como si U2 hubiera estado escuchando atentamente a Echo and the Bunnymen, los extraños efectos de sonido, los licks nítidos de la guitarra de Edge y las interjecciones "shee-kah" de Bono crean una misteriosa pieza de ambiente, como caminar por los páramos en medio de una densa niebla. Es difícil saber si la mujer bruja a la que canta Bono es una amante despreciada o el mismo diablo. Lo cierto es que Bono busca refugio en este enfrentamiento.

Llega Into the Heart, con el bajo de Clayton marcando el tiempo detrás de él y el glockenspiel respondiéndole, The Edge crea una atmósfera oscura pero acogedora antes de que Bono grite con el sonido de la inocencia…. “En el corazón de un niño me quedo un rato donde puedo volver”, la voz de Bono sube y se quiebra mientras la banda cambia el ritmo para animarlo. Continúa cantando hasta que su voz se convierte en un gemido y la banda se ralentiza al tempo original. Antes de que los acordes finales de The Edge cierren "Into the Heart", el bajo se eleva y somos catapultados a una época en el corazón de este niño cuando estaba "fuera de control". El sonido de la guitarra y el golpe de los tambores imitan el salvajismo de la juventud. "Out of Control", fue escrita por Bono cuando cumplió 18 años, ya bullía su mente porque en ella trata de entender los dos eventos más importantes en la vida de uno, el nacimiento y la muerte, respectivamente, para llegar a la conclusión que están totalmente fuera de nuestro control, pero no todo es filosofía un gran puente ambiental hace de este uno de los mejores temas del álbum. “Stories for Boys” es quizás la canción más rockera del álbum, Bono canta sobre cómo debe sentirse uno cuando es poseído por los héroes de los libros y los programas de radio y televisión, a veces, el protagonista parece perderse en los programas de televisión en una búsqueda de consuelo ante la realidad que tiene, pero lo realmente relevante es el trabajo de percusión de Mullen.

"The Ocean" abre la cara B, es una pequeña canción interesante que termina casi tan pronto como comienza, un pequeño y agradable interludio, pero con sus efectos de sonido “glug glug” un tema audaz musicalmente sin duda. En "A Day Without Me" el cantante se está despidiendo de su vida anterior, podría ser de su infancia o simplemente de una vida que quiere dejar para recorrer una nueva aventura, en el tema escuchamos como se para en la cima de una colina para echar un último vistazo a la vida que está dejando atrás antes de embarcarse en la siguiente fase. Hay un sector que opina que es un velado homenaje a Ian Curtis, el malogrado líder de Joy Division. "Another Time, Another Place" es quizás la canción más floja del álbum, parece que se han quedado sin pilas, sin ideas, sin ganas, quizás me equivoque, pero huele a relleno total, aun así, es U2 y es audible. En de “The Electric Co.” La banda vas más allá de los limites, todo es excesivo y pero la banda toca explosivamente en todo momento. “Shadows and Tall Trees” (titulada así como un capítulo de El señor de las moscas) cierra el álbum con un caprichoso paseo por el vecindario después del anochecer. El estado de ánimo no es tan aterrador como en An Cat Dubh, y nos sugiere que nuestros niños se han convertido en hombres que ya no temen a lo desconocido, refleja perfectamente los sentimientos progresivos de inseguridad y melancolía que acompañan la transición a la adolescencia.

Con la publicación de Boy, U2 comenzó una trepidante carrera que los llevaría a las alturas y los confirmaría como una de las bandas más grandes del mundo. Y en retrospectiva, tal vez tiene sentido repasar este pequeño disco post-punk delgado y mezquino y ver de dónde venían para convertirse en una banda que no paraba de lanzar éxitos de ventas multiplatino y llenar de fans enfervorecidos cuando daban un concierto en cualquier lugar del mundo…. Vemos que eran inocencia y encanto desde el minuto uno...

El disco de la semana 59: U2 - Songs of experience

Después de 40 años estamos todos de acuerdo que U2 es posiblemente de las bandas de rock con mas mítica en su carrera y quizás una de las que mejor han sabido innovar y moverse por las distintas posibilidades que el rock ofrece a los autores y al público. Es sin duda uno de los grupos que más expectativas nos crea cuando se rumorea que un nuevo trabajo de estudio se acerca a los distintos puntos de venta… no hay nadie más en la música rock en estos días que pueda generar un frenesí masivo de emoción y especulación ya que nunca les gusta repetirse

Songs of Experience, el decimocuarto álbum de estudio de U2, llegó 4 años después del lanzamiento de Innocence, la inquietud es una característica de la trayectoria musical de U2 y aunque lo que encontramos es un reconocible sonido U2, el álbum es muy diferente de todo lo que han hecho anteriormente. La característica que gobierna este álbum es la intimidad y la calidez, su punto de partida son las cartas de amor en forma de canciones para personas de los círculos más cercanos de la banda o cualquiera que se reconozca en estas canciones, la banda ha hecho lo que podría decirse que es el disco más refinado de su discografía.

"Love is All We Have Left”, esta canción presenta una suave entrada de ambientes con círculos suaves, sintetizadores vacilantes. Nuevamente, es la voz de Bono la que lleva las melodías emotivas de la canción. La forma en que se modula la voz y los pequeños detalles debajo de ella la hacen más conmovedora. Nunca la banda en toda su carrera tuvo una canción tan tranquila como un álbum de apertura. "Lights of Home", regresa a las guitarras deformadas y melodías urgentes y termina con una voz de coro gospel. La temática en sus letras se transforma en algo más oscuro. Es una canción de relleno y es uno de los momentos más flojos de este disco. A continuación el alegre y juguetón rock "You're The Best Thing About Me" está encendida por riffs e impulsado por ritmos llenos de baches y juguetones. En esta canción encontramos al rapero Kendrick Lamar. Saltamos a "American Soul" donde Bono canta sobre el problema de los refugiados, la música muerde, es feroz casi como el mensaje crítico hacia la política de los Estados Unidos

Con "The Showman" volvemos a dar un giro, estamos posiblemente ante una de las canciones más al estilo de los Beatles que la banda haya escrito, una canción alegre, cargada de swing y de felicidad, de la misma manera es contagiada "Landlady" muy del estilo de la anterior. U2 tiene una habilidad especial para mezclar grandes melodías y coros emocionantes que atraen a una amplia audiencia. "Lights of Home" y "Red Flag Day" son buenos ejemplos, canciones que brillan mas por lo que dan que por lo que realmente trasmiten.

"Little Things That Give You Away" es una potente canción de amor con las entregas vocales de Bono como desde hacía muchos años no habíamos escuchado. Es una de las canciones más destacadas de este álbum basado en teclado y ritmos simples que lo mantienen fluyendo perfectamente, pero pronto se convierte en una potencia con la voz de Bono con la melodía principal. Otra canción que interrumpe el flujo agradable es el glam rock stomper "The Blackout". Desde hace varios disco, U2 ha estado incluyendo canciones con momentos de estilo glam rock, con sus tambores de bombeo y sus jugosas líneas de bajo "The Blackout" simplemente avanza mientras Bono canta sobre la era oscura moderna que realmente es la era posterior a la verdad: "Las estatuas caen, la democracia está de espaldas / Lo teníamos todo y lo que teníamos no va a volver ".

"13 (There is a light)" es un tema casi silencioso, pero emocionalmente muy fuerte y ruidoso que sirve para cerrar el álbum.

Song of Experience es musicalmente meticuloso y una escucha más atenta revela un álbum fuerte y más profundo. Esta es una música muy bella que es aún mejor por su alma íntima y delicada. Las canciones son el resultado de una composición inteligente que está llena de anzuelos memorables, una gran musicalidad y sonidos cálidos, pero que no deja de girar, te engancha y no te suelta son canciones que buscan a la humanidad en estos tiempos en gran medida inhumanos

El disco de la semana 24: U2 - The Joshua Tree

The Joshua Three, U2

     16 de agosto de 1981, Slane Castle (Castillo de Slane), situado en la localidad de Slane, en el condado de Meath, provincia de Leinster (República de Irlanda). Éste castillo, por su situación, era ideal para la realización de conciertos, pues los jardines del mismo formaban un anfiteatro natural que era capaz de albergar hasta aproximadamente 100.000 personas. A lo largo de su historia, por aquel bello paraje han pasado artistas de la talla de Queen, The Rolling Stones, Bob Dylan, Bruce Springsteen, David Bowie, Neil Young, Madonna, Bryan Adams, Red Hot Chili  Peppers, Oasis, Bon Jovi o Guns & Roses, por nombrar sólo algunos, lo que nos da una idea de la magnitud de tal evento.

     Pero volvamos al 16 de agosto de 1981, justamente al primer año en que se comenzaron a organizar conciertos en el castillo, ese día iba a tocar un grupo de la tierra, el cuál por aquel entonces se encontraba en la cúspide de su carrera, en casa y ante unas 18.000 personas Thin Lizzy iba a darlo todo, como siempre, ante sus paisanos. Pero antes y para calentar el ambiente, habían traído también a otro grupo irlandés que  haría de telonero, un grupo llamado U2, que había sido fundado en 1976, y estaba compuesto por Bono (vocalista), The Edge (guitarra, teclado y voces), Adam Clayton (bajo) y Larry Mullen Jr (batería). En ese momento U2 contaba con 2 discos en su haber, y estaban luchando por hacerse un hueco en el difícil e imprevisible mundo de la música. U2 era un grupo que Phil Lynott conocía muy bien, y los había conocido cuando el grupo arrancaba en sus inicos y tocaba bajo otro nombre, The Hype. En 1977, U2 ya había compartido escenario con Lynott en un par de ocasiones. Y es que a Lynott le gustaba apoyar a jóvenes valores irlandeses.

     Pero aquellos chicos tenían claro que querían despegar, querían triunfar, y querían aprovechar esa puerta que tanto Thin Lizzy cómo Rory Gallagher y Van Morrison habían derribado para dar a conocer la música de raíces irlandesas y llevarla por todos los rincones de la tierra.  U2 cogió ese testigo, un testigo que traía consigo una carga muy pesada, pues la sombra de sus antecesores era muy larga. Bono, The Edge y compañía fueron y han sido capaces de llevar ese testigo y elevarlo a cotas inimaginables a las que nunca había llegado un grupo irlandés. Con todos ustedes, el quinto álbum de estudio de esta mítica banda, The Joshua Tree.

  The Joshua Tree (El árbol de Josué) es el quinto álbum de estudio de la banda irlandesa y fue publicado a comienzos de 1987. El grupo se desplazó al Parque nacional de Árboles de Josué, situado en California (Estados Unidos), lugar del que tomarían el nombre del disco y donde además tomaron varias fotos para el disco, de entre las que destaca la de la portada del álbum. El trabajo fotográfico para el disco sería completado en el pueblo fantasma Bodie, también en California y en el Parque Nacional del Valle de la Muerte, ubicado entre California y Nevada. El viaje por Estados Unidos fue aprovechado por el grupo para explorar y sumergirse en las músicas estadounidenses, lo cuál quedaría plasmado en el sonido de The Joshua Tree. El disco además es uno de los trabajos más comprometidos del grupo en los aspectos político y social.


     Una vez presentado el disco, nos adentramos en sus temas y el primero que nos encontramos es Where the Streets No Name (dónde las calles no tienen nombre). Mucha gente pensó que este tema hacía alusión a un viaje que hizo Bono para visitar Etiopía despues de actuar en Live Aid en 1985, pero no, no hablaba de Etiopía, lo estaba haciendo de Irlanda donde las calles de muchas ciudades están divididas en ricas o  pobres y en católicas o protestantes, sabiendo entonces la calle donde vive una persona se pueden saber sobre ella religión, riqueza y creencias, es donde las calles no tienen nombre. Según Brian Eno, que produjo el disco junto a Daniel Lanois, la grabación de este tema ocupó el 40% del tiempo empleado en la grabación del disco debido a la complejidad del tema, la sección rítmica tenía compases raros, lo que hizo muy difícil trabajarlo.

     I Still Haven't Found What I'm Looking For, tema influenciado por la música gospel, es un tema de corte espiritual donde la duda entra en conflicto con la fe. La música fue compuesta por The Edge y Bono se ocupó de componer la letra del tema. Este tema llegó al número 1 de las listas en Estados Unidos y al número 6 en las listas del Reino Unido.

     With or Without You, en un principio este tema fue compuesto como parte de una trilogía de temas, pero al final los otros dos temas fueron descartados y aunque Bono pensó que sin los otros dos temas este no tenía sentido acabaron incluyéndolo. Es un tema compuesto por Bono, una canción de amor que trata de los problemas reales de las relaciones. Para la grabación de este tema The Edge utilizó un dispositivo de distorsión que había sido inventado por Michael Brook (guitarrista, inventor, productor y compositor de música de cine canadiense).

     Bullet the Blue Sky, en 1985 Bono había viajado con Amnistía Internacional a América Central, concretamente a El Salvador, y allí se quedó con unos guerrilleros en medio de las montañas. Decide entonces escribir la letra del tema, componiendo la música The Edge, Larry y Adam, un tema que condena la política exterior de Estados Unidos por promover la violencia y los disturbios en Centroamérica.

     Running to Stand Still, es un tema que habla sobre la adicción a la heroína, y para escribirlo Bono se inspiró en una historia que leyó sobre un hombre que traficaba con heroína para costearse su hábito a la misma. Aunque U2 se han mantenido apartados de las drogas, han conocido durante su carrera a mucha gente que ha caído en sus redes. Este es un tema que hace que Bono recuerde a Phil Lynnott, el cuál falleció por sobredosis de heroína en 1986, y en una entrevista comentó que el y Phil estuvieron viviendo en la misma calle durante unos dos años y siempre que se cruzaban Phil siempre le decía ¿Por qué no vienes a cenar? y él siempre le contestaba "Debería venir a tomar un bocado", y al final Bono no le llamó nunca y Phil a él tampoco, un recuerdo que siempre le ronda la cabeza.

     Red Hill mining Town, trata de la huelga de mineros que hubo en Reino Unido en 1984 debido a la política de Margaret Thatcher de cerrar las minas que no consideraba rentables y el impacto que dicha huelga tuvo en los amigos y las familias de los mineros. Este tema fue eliminado de la lista de la gira del disco al descubrir en los ensayos que Bono no podía cantar las notas altas del tema de forma constante, y no se realizaría en directo hasta el 30 aniversario de la apertura de la gira The Joshua Tree en mayo de 2017 en Vancouver (Canadá).

     In God's Country, otro tema que explora dentro de los sonidos y cultura americanas, adentrándose en la cultura y política de dicho país. A Bono le preocupaba que el sueño americano estuviera en peligro por culpa de las políticas oscuras de Estados Unidos. Para la letra del tema Bono se inspiró en la Estatua de la Libertad de Nueva York.

     Trip Through Your Wires, es un tema que trata sobre una chica y la pasión que esta provoca en un chico.

     One Tree Hill, es un tema dedicado a la figura de Greg Carroll, maorí de Nueva Zelanda que fue contratado por la banda como asistente cuando el grupo estuvo allí en 1984 relizando la gira The Unforgettable Fire. Greg era una persona con una personalidad y una ética de trabajo intachables. Desgraciadamente falleció en 1986 en Dublín al ser atropellado por un coche cuando se dirigía en la motocicleta de Bono a realizar un recado para el grupo. Además de este tema el álbum The Joshua Tree está dedicado al completo a Greg Carroll.

     Exit, la letra de este tema habla de un hombre muy religioso que sucumbe a oscuros impulsos y se convierte en un hombre muy peligroso. Para este tema Bono se inspiró en los libros The Executioner's Song de Norman Mailer y en In Cool Blood de Truman Capote, ambos tratan de famosos asesinos y Bono quería escribir una historia sobre un asesino y sobre lo que le rondaba por su mente. En 1989 la actriz estadounidense Rebecca Schaeffer fue asesinada por Robert John bardo después de haber estado acosándola durante unos tres años. Bardo declaró durante el juicio que el tema Exit le había dado la idea de la misión que tenía encomendada para acabar con la vida de la actriz.

     Mothers of the Disappeared, tema que surgió también a raíz del viaje a El Salvador de Bono. Allí, en San Salvador Bono se reunió con un grupo de madres llamadas "Madres de los desaparecidos", un grupo de madres que habían sufrido el secuestro de sus hijos durante la noche a cargo de los escuadrones de la muerte. Unas madres que vivían con la angustia de no saber si sus hijos estaban vivos o muertos.

     The Joshua Tree ha vendido hasta la fecha alrededor de 28 millones de copias por todo el mundo, y en 2003 la revista Rolling Stone le situó en el puesto número 27 de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Un disco además muy reivindicativo con una gran carga política y social. U2, un grupo que ha sabido coger el testigo de Lynott, Gallagher y Morrison y llevar a lo más alto el nombre de Irlanda a través de su música por todo el mundo.