lunes, 31 de mayo de 2021

0151: Flamenco - Los brincos

 


Los brincos es el primer grupo español que aparece en nuestro repaso de las mejores canciones de la historia, si bien es cierto que anteriormente el panorama musical español tenía sus estrellas, la mayoría estaban enmarcadas dentro del estilo de la copla, ahí podemos encontrar nombres tan grandes como Juanito Valderrama, Pepe Pinto, Juanita Reina o Antonio Molina, pero aunque es un estilo musical que no dejamos de admirar, lo cierto es que no tenemos la suficiente capacidad de analizar esos temas y consideramos que se salen un poco del ámbito de este blog, que cimenta sus bases en el rock. Este es quizás el principal motivo por el que hayamos tenido que esperar a reseñar 150 temas para que demos paso al producto nacional encarnados en la banda madrileña.

Los Brincos nacen de la necesidad de crear un grupo musical en España que pueda representar todos los movimientos musicales que estaban sacudiendo la escena tanto en Inglaterra, como en Estados Unidos, no vamos a negar que antes de su aparición hubo otros que intentaron tomar esa bandera, ahí tenemos a Los Estudiantes, Los pantalones azules o Los pájaros locos, pero su importancia dentro del panorama musical nacional se limitaba pequeños grupos de jóvenes que estaban tratando de descubrir que era esto del rock. El paso de poner el rock en boca de todos a nivel nacional lo dio Los brincos, que para ello contaron con un fuerte apoyo mediático y fueron lanzados como un producto Beat pero con el típico toque Español representado en las letras de sus canciones, el uso de capas, la guitarra española o zapatos con cascabeles, elementos muy alejados de la estampa del rockero que se veía por el resto del mundo anglosajón principalmente. El grupo se crea tras la disolución de los Los estudiantes, anteriormente mencionados, y el cuarteto estaba integrado por Fernardo Arbex (batería y ex componente de Los estudiantes) Juan Pardo y Junior (ocasionalmente habían formado parte de Los Pekenikes) y Manuel Gonzalez (bajo de The blue shadows). El grupo había tenido sus publicaciones en formato single y en 1964 decidieron dar el salto al LP, agrupando todas aquellas canciones en un larga duración. Su carta de presentación seria “Flamenco” y se convirtió en la canción que marcaría su carrera y su estilo. El tema era una especie de pop beat de influencia británica, pero con mucha personalidad española y cuenta con uno de los comienzos más recordados de nuestra música, con una guitarra y batería que se citan en duelo con la música, para dejar paso a los juegos vocales, que sería una de las señas del grupo, y una letra, muy juvenil y atrevida, aunque también con un punto de chulería que para la época era algo inaudito y una forma de romper con lo establecido en ese momento.

No creo que nadie pueda negarme que en algún momento de su vida ha tenido la oportunidad de cantar o bailar este clásico, tanto si le ha pillado con 20 años cuando surgió la canción como si nació 20 años después de su aparición. Gracias por llegar hasta aquí y leer la primera baldosa en el camino de la música en español que ponemos en el blog, y que os aseguro será un camino largo y apasionante.

 

La música en historias: Despidiendo el #MesDeepPurple

 



     Llega el final del mes de mayo y toca despedir a Deep Purple, el genial grupo brotánico que nos ha acompañado todo el mes y del cuál hemos intentado desgranar una pequeña parte de su obra, pues para hacerlo de toda nos llevaría una larga temporada.

Ya he comentado en más de una ocasión mi pasión por este grupo, el cual me viene desde bien joven, al  igual que al baterista de Metallica Lars Ulrich, que fue llevado por primera vez por su padre a un concierto de Deep Purple cuando tenía 9 años, y al escuchar Child in Time quedó completamente prendado. según Lars, aquel fue uno de esos momentos que le cambiaron la vida, y no se cansa nunca de escuchar este tema. 

A Deep Purple parece que todavía le queda cuerda para rato, pues en 2020 publicó su último álbum de estudio, Whoosh!, con el que suman desde su formación allá por 1968 nada menos que 21 álbumes de estudio. Siempre se ha dicho que el grupo era más una banda de directo que de estudio, algo que puedo corroborar, pues he tenido la fortuna de verlos varias veces en directo. No en vano atesoran más discos publicados en directo que en estudio, concretamente 25, a los que hay que sumar las 28 giras mundiales que llevan a sus espaldas desde su fundación, casi nada.

Durante sus más de cincuenta años en activo, esta banda se ha ganado el derecho a ser reconocida como una de las mejores bandas de rock de la historia, y como es lógico, muchos son los artistas y grupos que se han visto influenciados por ellos. Agunas versiones que me vienen a la cabeza a bote pronto son Black Night, interpretada por Bruce Dickinson y que acabó en formato single con el nombre Dive! Dive! dive! en 1990; En 2007 Dream Theater publican en directo Made in Japan, disco tributo a Deep Purple, una de sus bandas favoritas, algo que ya habían hecho anteriormente con Metallica, Iron Maiden y Pink Floyd; La banda alemana Helloween se marcaron en su disco de 1999, Metal Jukebox una interesante versión del Rat Bat blue del álbum Who do We Think We Are (1973) de los británicos.En 1972 la banda liderada por Phil Lynnot, Thin Lizzy, bajo el seudónimo de Funky Junction, se marcaron un disco tributo a Deep Purple, llamado Play a Tribute to Deep Purple, a petición del empresario discográfico Dave L. Miller, que usó también el seudónimo de Leo Muller. Miller era un reputado coleccionista, y ofreció a Lynott y compañía la cifra de mil libras por la grabación del citado álbum, que contenía varios temas y entre los que se encontraban cinco de Deep Purple, Fireball, Black Nigth, Strange Kind of Woman, Hush y Speed King.

Podríamos estar recordando covers del banda durante horas, pero me gustaría cerrar con el pedazo de versión en directo de Highway Star que Chickenfoot realizó en 2012 para el álbum tributo a la banda, publicado cuando se cumplieron 40 años del lanzamiento de Machine Head, y que se tituló Re-Machined: a Tribute to Deep Purple's Machine Head. La super formación Chickenfoot está compuesta por Sami Hagar, Michael Anthony, Chad Smith y uno de los considerados miembros oficiales de Deep Purple, Joe Satriani. En aquel disco tributo, muy recomendable por cierto, además del Highway Star, interpretado por Chickenfoot, fueron grabados Smoke on the Water por Carlos Santana, Jacobby Shaddix y Dennis Chambers, Maybe I'm A Leo por Glenn Hughes y Louis Maldonado, Pictures of Home por Black Label Society, Never Before por Kings of Chaos, Lazy por Joe Bonamassa y Jimmy Barnes, Space Truckin' por Iron Maiden, y la denostada por Ritchie Blackmore When A Blind Man Cries grabada por Metallica.

No nos queda más remedio que despedir el emocionante mes dedicado a Deep Purple, pues hay que dejar paso al artista que nos acompañará en junio, y ya os voy avanzando que regresamos a casa, así que abrocharos bien el cinturón, no vaya a ser que "tengáis flojos los pantalones" y se os caigan, porque este mes que se avecina, junio, llega el "Maestro"...

domingo, 30 de mayo de 2021

0150 The Girl From Ipanema - Stan Getz / Astrud Gilberto

 

The Gril From Ipanema



     En marzo de 1964 se publicaba, bajo el sello discográfico Verve, el álbum Stanz/Gilberto, grabado por el saxofonista estadounidense Stan Getz y el guitarrista brasileño João Gilberto, acompañados por el pianista y compositor Antônio Carlos Jobim (Tom Jobim), quien además compuso muchas de las pistas del disco. Este disco fue el que popularizó la bossa nova en todo el mundo, además de convertirse en uno de los álbumes más vendidos de jazz de todos los tiempos. Fue nominado en diez categorías de los premios Grammy de 1965, ganando en cuatro categorías: Mejor grabación del año (Astrud Gilberto y Stan Getz por The Girl from Ipanema), álbum del año, Mejor interpretación de jazz instrumental - solista o grupo pequeño, y Mejor arreglo para álbum, no clásica.

Nos vamos a centrar precisamente en el tema que ganó el premio Grammy a la Mejor grabación del año, The Girl from Ipanema. La canción, una bossa nova, es compuesta por los compositores brasileños Vinicius de Moraes, que escribió la letra, y Carlos Jobim, que compuso la melodía del tema. Originalmente fue compuesta como bajo el nombre Menina que passa, y estaba pensada para una comedia musical llamada Dirigível (Dirigible), una obra en la que estaba pensando y trabajando en solitario vinicius. Las letras en ingles serían escritas más adelante por el productor Norman Gimbel.

Jobim y Moraes se inspiraron para componer el tema en una joven brasileña llamada Helô Pinheiro (Heloísa Eneida Menezes Paes Pinto). Esta joven solía pasar en bikini todos los días por delante del bar-café Veloso debido a sus quehaceres diarios. La joven, muchas veces, además de pasar por delante, solía entrar al café para comprar cigarrillos para su madre. Jobim y Moraes se enterarían más adelante que la mujer que inspiró este tema llegó a posar para la revista Playboy dos veces, tuvo cuatro hijos, y abrió una boutique en Sao Paulo llamada Garota de Ipanema

Durante la sesión de grabación en Nueva York con Gilberto, Jobim y Getz, surge la idea de de hacer una versión en inglés. En un principio se pensó en la cantante Sara Vaughan, pero cuando Gilberto escuchó la traducción al inglés, decidió que debía cantarla su esposa Astrud, quien además hablaba perfectamente inglés. Convencida Astrud, ella demostró que Gilberto tenía razón, la sutileza de su voz (Astrud nunca había cantado ni grabado profesionalmente) agregó un matiz a la canción que resultó funcionar sorprendentemente bien con la música. The Girl from Ipanema se ha convertido en una de las canciones más grabadas de todos los tiempos, además de convertirse, quizás, en la canción de bossa nova más famosa jamás escrita. esta versión grabada por Getz al saxo tenor ayudaría en el futuro a popularizar en el mundo el sonido de la bossa nova. 

La música en historias: InFinite - #MesDeepPurple

 





Hasta ahora, los álbumes recientes de Deep Purple no evocaban nostalgia, ni siquiera intentaban recordar recuerdos de tiempos pasados. Esto es aparte del remake de 'Bloodsucker' en Abandon (rebautizado como 'Bludsucker'). La llegada de Steve Morse parece haber animado a la banda a explorar y experimentar. InFinite cambia esto, manifestándose como un regreso al rock duro célebres como Deep Purple in Rock y Machine Head. Como tal, carece del carácter colorido y peculiar de Rapture of the Deep o Now What?!. Sin embargo, lo compensa con un sentido revitalizado de energía y propósito.

 

Donde se encuentran los mejores momentos de InFinite casi se puede deducir directamente de la lista de canciones. Si el oyente toma los dos sencillos y las dos canciones más largas, tienen un EP que puede igualar cualquier cosa que Deep Purple haya hecho. El resto del material tiene sus momentos, claro. Está el descenso suave y jazzístico en el coro de 'One Night in Vegas' y las claras compensaciones entre Gillan y la banda en 'Hip Boots', por nombrar solo dos casos. Hay algunas canciones creativas y pegadizas aquí, en particular la oda a las bandas de rock que es 'Johnny's Band' y el pisotón de Get Me Outta Here '. Sin embargo, simplemente carecen de la calidad espectacular de las cuatro canciones mencionadas anteriormente.


 

'Time for Bedlam'. Como primera canción de lo que podría ser su último álbum, es una celebración poderosa de su supervivencia y capacidad para prosperar en su estado actual. Ya no son jóvenes, pero suenan más jóvenes que su edad promedio de 68 (aunque puede que no lo parezcan) imita el enérgico swing en clave menor de 'Pictures of Home' de Machine Head. Si el oyente conoce su Purple, apreciará el parecido casi tanto como las uniones instrumentales polirrítmicas y el contenido lírico sorprendentemente profundo. El otro single, 'All I Got is You', es igualmente impresionante. Se basa en un ritmo compuesto melancólico similar, pero es mucho más dinámico y de ritmo descendente, la estructura de la canción refleja esta frustración lírica, aumentando gradualmente las capas y la intensidad hasta el puente culminante. y sección media. Los centros de mesa de un álbum son a menudo una delicia en la historia de Deep Purple ('Sail Away', 'Child in Time' y 'Uncommon Man', por hablar solo de algunos) y la mini-épica 'The Surprising' es una afirmación de eso. La sección central dramática, con su yuxtaposición de grandilocuencia sincopada y atmósferas de ensueño, es un momento verdaderamente impresionante que presenta lo mejor de la alineación de Mark VIII. Esta canción y la pista de cierre (al menos, el cierre de las canciones escritas por la banda) 'Birds of Prey' son del agrado por su duración similar y ritmo mesurado, así como por un clímax estruendoso. Sin embargo, el crescendo de 'Birds of Prey' no viene en forma de llamativos entrenamientos instrumentales, sino en el triunfante solo de Steve Morse que cierra brillantemente la canción. Tiene una progresión muy constante,

 


Esto serviría como un cierre perfectamente satisfactorio de la legendaria carrera de Deep Purple si no fuera por la mediocre cover de Doors que es 'Roadhouse Blues'. ¡¿Ahora que?! tenía el tibio 'It'll Be Me' después de 'Vincent Price', pero al menos era un bonus track. InFinite se presentaría mejor como un álbum conciso de 39 minutos con diez pistas. A pesar del contenido musical más sencillo esta vez, las letras siguen siendo tan indiferentes y extrañas como siempre. Cuando hay una canción llamada 'Hip Boots', que promete una reflexión profunda sobre las complejidades de la vida. Ian Gillan escuchó una melodía en su cabeza mientras escuchaba el resto de las improvisaciones de la banda, luego escribió un montón de palabras que encajaban, ese es su enfoque real para escribir canciones. Se muestra en el documental del álbum, From Here to InFinite, con él sentado en una mesa anotando palabras que encajarán con lo que está tocando la banda. Teniendo esto en cuenta, es una agradable sorpresa que en realidad haya algunas canciones líricamente sólidas. 'Time for Bedlam' se preocupa por el tema de la manipulación gubernamental, profundizando en el adoctrinamiento, el estado de y el efecto que tienen sobre las masas.

Ian Gillan tiene una voz bien mantenida para un septuagenario, de eso no hay duda. Incluso puede sacar los gritos a la antigua de vez en cuando, pero esto no tiene nada que ver con su consistencia. Está bien poder imitar su juventud en el estudio, pero hay un momento en que ya es suficiente. Gillan ya no puede tocar el material clásico de Deep Purple en vivo, comparar una interpretación de 'Highway Star' desde principios de los 70 hasta ahora es un triste recordatorio de que nada dura para siempre.



A decir verdad, InFinite serviría como un adiós final de Deep Purple. Atraería principalmente a aquellos que ya siguen a la banda, ya que una gran parte del atractivo del álbum es que es un regalo de despedida para los fans. Para el oyente imparcial, InFinite puede compararse desfavorablemente con otro material de estilo similar. No es particularmente rebelde, innovador o ambicioso. Sin embargo, aquellos que ya tenían un gran respeto por la banda, tendrán aún más respeto por ellos si cierran un álbum tan bien ejecutado y consistente como este. Deep Purple ha tenido una buena racha. Veinte discos, cincuenta años y mucha buena música. Si este es el final, entonces es digno.

sábado, 29 de mayo de 2021

0149: A change is gonna come - Sam Cooke



Un cambio está por llegar. Ese era el sueño de los que en los años sesenta luchaban por los derechos civiles en Estados Unidos, y más aún desde que, a finales de 1963, Sam Cooke puso voz a ese sentimiento, pocos meses antes de su repentina y violenta muerte. Influenciado por otro de los grandes temas reseñados en esta compilación de las mejores canciones de la historia, el Blowin' in the Wind de Bob Dylan, compuso en su autobús de gira la letra de lo que acabaría siendo A Change Is Gonna Come.

El cambio al que hace referencia el título era también personal. Preocupado por el "encasillamiento" en el papel de cantante romántico (You send me) y bailable (Twistin' the Night Away), quiso dar un giro hacia temas más serios, y abordar en sus letras la discriminación y el racismo que se respiraban en el país. Este cambio supuso un gran crecimiento a nivel compositivo para este artista, que volcó en la canción sus propias vivencias personales, incluyendo episodios de racismo sufridos por el propio cantante y su banda, arrestados durante una gira por intentar registrarse en un hotel para blancos. 

Grabada el 21 de diciembre de 1963 en los estudios RCA de Los Ángeles, y publicada en el álbum Ain't That Good News de 1964, se convirtió en la canción emblema del movimiento por los derechos civiles, y con el paso de los años ha sido versionada por toda una legión de músicos posteriores, de la talla de Otis Redding, Tina Turner, The Supremes o el propio Bob Dylan. De todas ellas, y en mi más sincera y subjetiva opinión, la mejor es la de Terence Trent D'Arby, con Booker T. and the MG's como banda de acompañamiento. Una versión que, como la original, me ayudó a levantarme en esos momentos en los que "pensé que no aguantaría demasiado" y me hizo encontrar "las fuerzas necesarias para continuar". Con canciones así, es cuestión de tiempo que, realmente, "un cambio esté por llegar".

La música en historias: Bananas - #MesDeepPurple

 

Bananas deep Purple


     Corre el año 2001 y John Lord se ha sometido a una operación de rodilla para solucionar una vieja lesión que lleva arrastrando. Sin embargo el hecho de no recuperar todo lo rápido que él quisiera, sumado al fallecimiento a causa del cáncer del pianista, productor y compositor Tony Ashton, quien es amigo personal desde hace muchos años de John Lord, dejan muy tocado al músico, quien pasado el verano de 2001 decide comunicar a Deep Purple que lo deja. Antes de abandonar la formación cumple con los compromisos que el grupo tenía realizando una gira por el Reino Unido. Don Airey, quien le ha estado sustituyendo mientras se encuentra de baja, pasa a formar parte del grupo como miembro oficial en marzo de 2002.

Sin embargo, parte de la gira británica, que debía ser la última del grupo, ha de suspenderse debido a que tanto el grupo como el personal de apoyo contraen la gripe. La banda decide realizar una serie de once conciertos que comienza en verano de 2002 para que John Lord pueda despedirse en condiciones de la banda. Una gira donde Airey y Lord comparten teclados, normalmente iniciaba el concierto Airey, quien tras ocho canciones, cedía el puesto a Lord que finalizaba el concierto.



Steve Morse, Roger Glover, Ian Paice, Ian Gillan y Don Airey graban entre enero y febrero de 2003 el material que comprende el decimoséptimo álbum de estudio de la banda en los Royaltone Studios de Burbank, California. El disco es producido por Michael Bradford, conocido bajista y productor musical estadounidense, quien además colabora tocando la guitarra en un tema, Walk On. Michael Bradford también contribuye en este disco en la composición de material del álbum, al igual que John Lord, quien ha dejado recientemente la formación. El resultado es Bananas, editado en agosto de 2003 por el sello discográfico EMI, y Sanctuary sólo para Estados Unidos. En Reino Unido el disco alcanzó únicamente el puesto 85 en las listas, mientras que en Estados Unidos pasó desapercibido, sin embargo registró muy buenos números en países como Alemania, Finlandia y República checa, además de, para sorpresa del grupo, registrar unas muy buenas cifras en Sudamérica, con Argentina a la cabeza, donde alcanzó el puesto número 10 en las listas de ventas.



Si nos dejamos llevar por la portada, donde aparecen dos hombres sentados encima de una inmensidad de plátanos que ocupan toda la portada, automáticamente perderemos el interés por escuchar el disco, por lo que, como muy bien dice el dicho, no hay que dejarse guiar por el envoltorio del producto, y en este caso, el envoltorio, es decir, la portada, es horrorosa. El resultado es un muy buen trabajo, en la línea que se espera de Deep Purple, con sonidos que van desde el rock, al blues y al funk, con un Steve Morse, que desde su llegada ha aportado frescura al grupo, y con un Don Airey, músico excepcional curtido en mil batallas, que aporta su personal toque a los teclados. El disco contiene temas muy rockeros y con mucha fuerza, como House of Pain, Razzle Dazzle Silver Tongue, y temas de corte más blusero, como Walk On y Bananas. También encontraremos temas con base muy funky como House of Innocence. Nos encontraremos con una preciosa balada, Haunted, que además tiene una curiosidad, los coros están hechos por la magnífica Beth Hart. También hay espacio para un tema instrumental, Contac Lose, compuesto por Steve Morse tras el accidente del Transbordador Columbia que se desintegró el 1 de febrero de 2003 en su regreso a la tierra-

Bananas es un buen disco, hecho desde una tranquilidad y un sosiego que el grupo alcanzó hace ya unos años, y los seis meses que la banda estuvo parada sin realizar eventos y giras para centrarse en hacer el álbum, dan buena muestra de ello. 

viernes, 28 de mayo de 2021

0148 Sam Cooke - Ain’t Another Saturday night

0148 Sam Cooke - Ain’t Another Saturday night

"Another Saturday Night" es el título de un sencillo de 1963 de Sam Cooke del álbum Ain't That Good News

La canción fue escrita por Cooke mientras estaba de gira en Inglaterra, y cuenta la historia que esta canción fue escrita por el propio Cooke cuando se hospedaba en una habitación de hotel donde no se permitían huéspedes femeninos, será por ello que en su letra no puede encontrar compañía un sábado por la noche, como bien arranca su canción "Another Saturday night and i ain't got nobody".

Esta historia que interpreta Cooke, alcanzó el número 10 en el Billboard Hot 100 y fue el número 1 en la lista de R&B durante una sola semana. En el Reino Unido, la canción alcanzó el puesto 23 en la lista de singles del Reino Unido.

La versión creada por Cooke destaca una parte hablada, que se puede escuchar durante el descanso instrumental.

El baterista de sesión Hal Blaine tocó en la versión de Cooke de la canción. Otros músicos en el disco fueron John Anderson en trompeta, John Ewing en trombón, Jewell Grant en saxo, Ray Johnson en piano, Clifton White y Rene Hall en guitarra y Clifford Hills en bajo.

Otras versiones, y mezclas fueron: Claude François grabó la canción en francés como "La vie d'un homme" (literalmente, "La vida de un hombre"). En particular, esto se debe a que Cat Stevens la cantó, ya que Claude François también adaptó "Wild World" (en 1971 como "Fleur Sauvage"; literalmente "Wild Flower"), teniendo así una relación comercial anterior con Cat Stevens y un oído atento a sus éxitos musicales. [cita requerida]

El australiano James Blundell hizo una versión de la canción en su álbum homónimo de 1989.

En 1993, Jimmy Buffett grabó la canción. Su versión alcanzó el puesto 74 en la lista Billboard Hot Country Singles & Tracks.

Sam & Dave grabaron al menos una versión que aparece en álbumes lanzados después de sus años de formación, como la compilación I Thank You lanzada en 2002 por el sello Brentwood Records.

El crooner sueco Andreas Weise lanzó una versión de big band de la canción en mayo de 2012.

Daniel
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Disco de la semana 227: I Am The Blues - Willie Dixon

 

I Am The Blues, Willie Dixon


     Cuando Hablamos de Willie Dixon, nos estamos refiriendo a uno de los compositores de blues más prolíficos de su tiempo, y junto con Muddy Waters, la persona más influyente en el desarrollo del sonido del blues de Chicago posterior a la II Guerra Mundial. Dixon, además de componer, cantaba, arreglaba, producia discos y tocaba con maestría el bajo, el contrabajo y la guitarra.

Muchas de las canciones que Dixon compuso durante su carrera han sido grabadas por innumerables músicos de muchos géneros musicales. Para muestra el disco recomendado para la ocasión, I Am The Blues, que es un álbum que contiene nueve canciones que Dixon compuso para que fueran grabadas por otros artistas en su etapa como compositor principal y músico de sesión para el sello discográfico Chess Records. Nueve temas que Dixon decide grabar el mismo y que ha día de hoy son grandes clásicos y referentes dentro del blues. 

Cuatro de los nueve temas, Back Door Man, Spoonful, I Ain't Superstitious y The Little Red Rooster fueron originalmente grabados por Howlin' Wolf. Los cuatro temas contaron con la presencia al contrabajo de Dixon en aquellas sesiones de grabación de Howlin' Wolf. The Same ThingYou Shook Me y (I'm Your) Hoochie Coochie Man fueron grabadas por Muddy Waters, The Seventh Son fue grabada por el cantante y compositor de R&B Willie Mabon, y I Can't Quit You, Baby, no se llegó a grabar para Chess Records, siendo por primera vez grabada por Otis Rush para el sello Cobra Records.

El disco es producido por Abner Spector y publicado en 1970 bajo el sello discográfico Columbia Records. Dixon, a los mandos vocales y el bajo, contó con la colaboración de Walter Horton a la Armónica, Lafayette Leake y Sunnyland Slim al piano, Johnny Shines a la guitarra, y Clifton James a la batería.



Comienza la cara A con el clásico Back Door Man, tema donde Dixon hace referencia al "Hombre de la puerta trasera", que en la cultura sureña es como se referían a cuando un hombre tenía una aventura con una mujer casada. El hombre siempre usaba la puerta trasera para escapar antes de que el marido engañado regresara a casa. Esta temática del hombre de la puerta trasera era bastante recurrente en las canciones de blues de la época. I Can't Quit You, Baby, donde Dixon se hace eco de las consecuencias del adulterio, y de cuando un hombre no puede renunciar a tener dicha relación, aunque eso sea su ruina. Dixon admitió que para escribir el tema se basó en una relación por la que Otis Rush estaba preocupado en ese momento. De hecho el tema fue compuest para que fuera grabado originalmente por Rush, como así fue. The Seventh Son, tema donde al igual que en "Hoochie Coochie Man", Dixon vuelve referirse al tema popular y folclórico del séptimo hijo de un séptimo hijo: "Ahora todo el mundo habla del séptimo hijo, pero en todo el mundo, sólo hay uno, yo soy el indicado, sí, soy el único, soy al que llaman el séptimo hijo...". Cierra la cara A Spoonful, uno de los grandes clásicos del blues. Dixon se basó para componerlo en los temas "All I Want Is A Spoonful" (1925) de Papa Charlie Jackson, "Cocaine Blues" (1927) de Luke Jordan, y "A Spoonful Blues" (1929) de Charlie Paton. En cuanto a a letra, "Spoonful" significa "cucharada", y Dixon la utiliza metafóricamente para referirse a los extremos que pueden alcanzar las personas para satisfacer sus placeres, como pueden ser el sexo, el alcohol o las drogas. 



Se encarga de abrir la cara B I Ain't Superstitious, donde Dixon trata la temática de las supersticiones como la típica de gato negro cruzando el camino. You Shook Me, acreditada a Dixon y al guitarrista y cantante de blues estadounidense J. B. Lenoir. El tema, interpretado por Muddy Waters, se convirtió en uno de los más exitosos de principios e los años 60. Surge a partir de una improvisación que Earl Hooker utilizó para calentar, utilizando el slide en su guitarra, en las sesiones de grabación que realizó con su banda de respaldo para el  sello Chief Records, que se sucedieron en mayo de 1961. El productor del sello Chief Records, encantado con aquella improvisación decidió publicarla como sencillo bajo el título "Blue Guitar". Leonard Chess, propietario de Chess Records, al escuchar "Blue Guitar", pensó que el tema tenía mucho potencial, y como estaba buscando material nuevo para que lo grabara Muddy Waters, llegó a un acuerdo para que Willie Dixon escribiera la letra de la canción. El resultado de aquello fue you Shook Me, un tema al que tambíen se le atribuyen créditos en la composición al guitarrista y cantautor J. B. Lenoir, que por entonces también trabajaba para Chess Records. (Im Your) Hoochie Coochie Man, otro de los grandes clásicos de siempre. La letra del tema, además de tener referencias sexuales trata de la mística. El término Hoochie Coochie es un eufemismo para referirse a la vagina, y también se llamaba así a un provocativo baile aparecido a finales del siglo XIX. Dixon afirmaba que este tema, Hoochie Coochie Man, era un ejemplo de las conexiones entre los videntes y clarividentes con el folclore del sur de los Estados Unidos. The Little Rooster, para componer este tema, Dixon se basó y utilizó elementos de varias canciones de blues anteriores, entre las que se encuentran "Banty Rooster Blues" (1929) de Charlie Paton y "If You See My Rooster" (1936) de Memphis Minnie. El tema refleja las creencias populares que existían a principios del siglo XX en el sur de Estados Unidos, donde el gallo contribuía a la paz del corral. Y cierra la cara B, y por tanto este disco repleto de grandes clásicos The Same Thing, tema que fue grabado por primera vez en 1964 por Muddy Waters, y que a la grabación de Dixon, padre del tema en 1970, le han seguido artistas de la talla de George Thorogood, The Allman Brothers Band, Grateful Dead, Lousiana Red y Eddie C. Campbell entre otros.

I Am The Blues es un disco que pone de manifiesto la importancia que Willie Dixon tuvo para el desarrollo del blues de Chicago. Basta con mirar los nueve clásicos grabados para la ocasión y fijarse en los créditos, donde Willie Dixon figura como compositor y padre de todos los temas, unos temas que han alcanzado por derecho propio el estatus de grandes clásicos del blues.

jueves, 27 de mayo de 2021

0147: Cry - Ray Charles

 


Sweet & Sour Tears es un disco cuya unión nexo de unión es el llanto. Todas las canciones del disco hablan de una u otra manera, sobre la naturaleza humano humana del llanto. Como puedes imaginar, hay muchos momentos de tristeza y autocompasión en el álbum; lo que no es tan obvio es que hay bastantes casos en los que las tornas también se cambian, cuando Ray se pone desafiante y enojado. En ambos casos, Ray Charles está en la cima de su juego y ofrece actuaciones fascinantes ricas en experiencia, dolor y confianza en sí mismo. Sweet And Sour Tears fue lanzado en enero de 1964 y es el noveno disco de la gloriosa etapa de Ray Charles en ABC que comenzase en 1960 con “The Genius Hits the Road”, contó Calvin Jackson y Sid Feller como arreglistas, con Bill Putnam y Phil Macy como ingenieros de sonido y los propios Charles y Feller como productores. Alcanzo el noveno puesto en el chart estadounidense y fue el último disco original de Ray en meterse en el top 10 de dicha tabla. La edición del álbum se dio en un momento en que Estados Unidos todavía estaba apesadumbrado por el asesinato del presidente John F. Kennedy en noviembre anterior. El llanto y el llanto parecían haberse adaptado al estado de ánimo de la época. Se lanzarían tres sencillos del álbum, aunque para entonces los Beatles dominaban todo lo musical.

El álbum abre, como no podía ser de otra manera, con el clásico “Cry” que originalmente fue un éxito en 1951 para Johnny Ray con el acompañamiento de Four Lads. La versión de Ray es dulce y alta, y marca el tono del lado 1 de Sweet And Sour Tears con su ritmo suave y exuberante exuberancia, una pequeña delicatesen de este genio de la cancion y del piano, que seguramente ha quedado oculta por otros éxitos más incisivos pero que sin duda merece la pena rescatar.

La música en historias: The Battle Rages On - #MesDeepPurple

 

The Battle rages On, Deep Purple


     Tras la publicación de Slaves & Masters (1990), Deep Purple se embarca en la preceptiva gira con Joe Lyn Turner a los mandos vocales, una gira que recorrerá Europa, Estados Unidos, Japón, Brasil e Israel. Pero dicha gira resulta ser un fracaso, llegándose a tener que supender actuaciones, como por ejemplo en Italia. Nos encontramos en 1992, y la banda también se encuentra en el estudio preparando y grabando el material para su siguiente álbum. A todo esto hay que sumar que la compañía discográfica RCA/BMG, presionaba al grupo para un reunión de su formación más clásica, la Mark II (paice, Lord, Blackmore, Gillan y Glover), para celebrar el 25 aniversario de la banda.

Mientras todo esto sucede, con un grupo que se hunde un poco más si cabe, Ian Paice, John Lord y Roger Glover hacen saber a Ritchie Blackmore que si bien Joe Lynn Turner es un gran cantante, no cubre las espectativas de la banda, y el único cantante válido para Deep Purple es Ian Gillan. Joe Lynn Turner es despedido en agosto de 1992, y aunque en un principio se valora, a propuesta de Blackmore, incorporar al desconocido cantante de una desconodia banda llamada Josie Sang (acabaría fichando mas tarde por Riot) Mike DiMeo, finalmente, Ian Gillan es reclutado de nuevo para la banda e ingresa a finales de 1992. Pero no había salido gratis, pues para que Gillan ingresara de nuvo en la banda, se le hizo un oferta económica a Ritchie Blackmore de más de dos millones de dólares para que aceptara y no pusiera pegas. La vieja guardia, que tantas alegrías y tantos disgustos había dado, volvía a reunirse sin objeción alguna por parte de Blackmore, que ha sacado tajado, ni de Gillan, que había vuelto arruinado.

El disco es grabado a medio camino entre los Bearsville Studios de Bearsville, Nueva York, los Red Rooster Studios de Tutzing, Alemania y los Greg Rike Studios de Altamonte Springs, Florida. Cuando Gillan se inorpora, se encuentra que el material de este nuevo álbum ya se encuentra muy avanzado, con las pistas básicas grabadas. Lo primero que hace Gillan es reescribir todas las letras de las canciones del disco y desechar los temas compuestos por Joe Lynn Turner. El álbum es titulado The Battle Rages On, un título muy autobiográfico y adecuado para una banda sumida casi siempre en luchas internas. 

The Battle Rages On es publicado en julio de 1993 bajo el sello RCA/BMG, salvo en Estados Unidos, donde es editado bajo el sello Giant, perteneciente a Warner Music. En cuanto a cifras, el disco pasó inadvertido en el mercado estadounidense, no pasando del puesto 192 en las listas Billboard, en el Reino Unido llegó al puesto 21. Sin embargo en Japón llegó al puesto 5, y tuvo también muy buenas cifras en Suiza, Suecia, Austria, Noruega y Finlandia. No dejaban de ser resultados ciertamente mediocres para una banda como Deep Purple

The Battle Rages On, siendo un disco claramente más Purpleliano que el anterior, no  dejó contento a nadie, Gillan se quejaba de haberse encontrado un trabajo ya casi ya grabado cuando llegó, y lo único que pudo hacer es retocar las letras y desechar el material compuesto por Turner; a Blackmore no le gustó porque Gillan no era Turner, y él había compuesto los temas pensando en él; y el resto del grupo estaba en el medio, como siempre, y con el disgusto de tener que grabar el disco en unas circunstancias que no fueron normales. 

The Battle Rages On tiene un sonido más crudo y más duro del que la banda nos tiene acostumbrados, y aunque se graba en condiciones que harían que cualquier ser humano tirara la toalla, estos cinco músicos vuelven a demostrar que si en lo personal la cosa no funciona entre ellos por culpa de los egos, en lo musical vuelven a ser capaces de sacar adelante un buen trabajo, más que digno bajo la producción de Roger Glover en compañía de Thom Panunzio. Glover vuelve a demostrar el altísimo nivel que tiene a los mandos de la producción.





El disco comienza con el tema que da título al álbum, The Battle Rages On, tema con un potente riff de Blackmore pero muy melódico y con la voz muy bien encastrada de Gillan, que se ajusta como un guante. Un tema que con ese toque más endurecido y metalero rompe con la línea seguida en el anterior disco. Lick It Up, típico tema de hard rock ochentero que podrían firmar bandas como Kiss, eso sí con una producción excelente por parte de Glover, que da fuerza extra al tema y lo hace mejor de lo que realmente es. Anya, es indiscutiblemente la joya de este disco. Sobre el magnífico riff de Blackmore, los demás componentes de la banda construyen una canción melódica, potente y enérgica, como los temas de antaño. Blackmore comienza el tema con una magnífica y épica introducción de guitarra acústica, seguido por los teclados de Lord, para después romper con un riff electrizante, y después entra toda la banda a saco con un Gillan magnífico aquí. En definitiva, por fín aparece el sonido PurpleTalk About Love, un blues metalizado, y con un sonido endurecido por la producción de Glover. Es un buen tema, aunque no llega al nivel de Anya y el que da título al disco. Time To Kill, Canción con claro sabor a AOR (Adult Oriented Rock). Uno de los temas más flojos del disco, el cual se acerca más al sonido imperante en sus anteriores trabajos. 

Abre la cara B Ramshackle Man, si bien sigue la línea del anterior tema, está mejor construido y tiene matices más interesantes, como el magnífico sólo de Blackmore. Sobre este tema, se dice que la letra habría sido escrita por Ian Gillan en la década de los años 70, y es autobiógrafica del propio Gillan. A Twist in the Tale, muy buena canción donde el grupo se mueve en la delgada línea del speed metal. El protagonismo de este tema es completamente para Ian Paice, con una velocidad endiablada y su magnífico trabajo con el doble bombo, muy bien secundado y apoyado por los incesantes riffs de Blackmore. Nasty Piece of Work, canción que destaca por el magnífico duelo de sólos y melodías entre Lord y Blackmore. Sobre este tema, al parecer la letra no fue escrita por Gillan, fue obra de Glover. Solitaire, canción donde el grupo vuelve a tirar de épica y esos toques neoclásicos que la banda tan bien sabe explotar. Tema que va en la línea de Anya, si bien es más sencillo en su estructura, pero muy bien elaborado y defendido por todos, que demuestran la compenetración que tienen. Cierra el álbum One Man's Meat, canción que es junto con Time To Kill, para mí, uno de los temas más flojos del álbum, orientado al AOR, y que quizás no debió ser el tema que cierra el álbum, pues nos deja un sabor algo amargo teniendo mejores temas que este para cerrar el disco.

Cabe destacar que después de la publicación del disco, la banda se embarcó la preceptiva gira para promocionar el mismo, donde se volvió a desatar el enésimo conflicto entre Gillan y Lord, que llegó hasta el escenario. Cuando le tocaba el turno a Gillan, Blackmore se ponía a hacer sólos no programados, y cuando le tocaba a Blackmore, era Gillan el que se ponía a gritar durante los sólos de Blackmore. Pero esta vez el resto de la banda se puso de parte de Gillan, y se dedicaba a tocar a saco durante los sólos de Blackmore para taparle. Una situación donde el único perdedor fue uno, el espectador, y que llegó a su fín el 17 de noviembre de 1993, cuando tras un concierto en el Ishallen de Helsinki, Blackmore abandonaba el escenario y la banda para siempre. 





Si la intención de Blackmore era que la banda se hundiese por fín en la miseria, no le pudo salir peor, porque curiosamente este hecho marcó un antes y un después de una banda en constante conflicto, pues por fín, y a partir de aquí, encontraría la tan ansiada paz que lo ha acompañado hasta la fecha. Con todo vendido para la inminente gira que tenían a continuación por Japón y el perjuicio económico que supondría la cancelación, es el mánager japonés Mr. Udo quien plantea al grupo la posibilidad de contratar a un joven y magnífico guitarrista llamado Joe Satriani, quien además tenía un excelente cartel en Japón. Satriani, que no tiene nada programado en ese instante, y declarado admirador de Deep Purple, acepta sin dudarlo. Roger Glover le envía entonces las grabaciones de un par de conciertos para que vaya asimilando el material. Deep Purple y Satriani se juntan por primera vez tres días antes de comenzar lagira nipona, y el americano demuestra a la banda que no sólo se sabe los temas que le habían pasado, se sabe unos cantos más a la perfección. El grupo decide entonces retocar el set list de la gira y deciden incluir canciones que siempre había vetado Ritchie Blackmore, como por ejemplo la maravillosa Wen a Blind Man Cries.

Joe Satriani permanece en la banda hasta el 16 de julio de 1994, cuando da su último concierto con la banda en Alemania. Posteriormente sería sustituido Por Steve Morse, quien sigue en la banda a día de hoy. Los ocho meses que Satrini estuvo con Deep Purple fueron de suma importancia, pues el guitarrista aportó estabilidad, demostró que había vida despues de Blackmore, y devolvió la alegría a Paice, Lord, Gillan y Glover que volvían a disfrutar encima de un escenario. Por fín, la paz había llegado al seno de la banda para quedarse para siempre. 

miércoles, 26 de mayo de 2021

0146: Everybody Needs Somebody to Love - Solomon Burke

Everybody Needs Somebody to Love - Solomon Burke

Everybody Needs Somebody to Love grabada originalmente por Solomon Burke, con la producción de Bert Berns para la discográfica Atlantic Records en el año 1964, la cual alcanzaría el puesto 58 en el ranking de canciones en los Estados Unidos.

Pero versiones posteriores de esta canción original alcanzaran mayor repercución, en 1965 fue grabada por The Rolling Stones e incluida en su álbum The Rolling Stones No.2 y en 1966, la versión de Wilson Pickett consiguió llegar al puesto 29 de las listas Pop y al 19 de las listas R&B.

Y en el año 1980 volvió a hacerse popular al ser incluida e interpretada en la banda sonora de la película The Blues Brothers. El tema, interpretado por la banda The Blues Brothers Band, fue lanzado como sencillo en el Reino Unido en 1989 logrando alcanzar el puesto 19 de las listas de éxitos británicas.

Everybody Needs Somebody to Love ha sido interpretada en directo por múltiples artistas. uno de los tantos artistas que han interpretado esta canción fue Dusty Springfield en su show televisivo The Dusty Springfield Show. También formo parte del repertorio habitual de The 13th Floor Elevators durante la década de los 60 y Led Zeppelin solía interpretarla en directo como parte del Medley de "Whole Lotta Love". Recientemente en el año 2011 Mick Jagger interpreto la canción, en honor a Solomon Burke, durante la ceremonia de la entrega de los Premios Grammy.

La canción ocupa el puesto 429 en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos según la revista Rolling Stone.

Daniel
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La música en historias: Slaves & Masters - #MesDeepPurple

 

Slaves & Masters, Deep Purple


     En 1987, y tras el exitoso regreso comercial tras la publicacón de Perfect Strangers (1984), la mítica formación Mark II de Deep Purle (Ian Gillan, Jon Lord, Ritchie Blackmore, Ian Paice y Roger Glover) publican The House of Blue Light (1987), el duodécimo álbum de estudio de la banda. Los fantasmas del pasado han vuelto al seno del grupo, pues durante la grabación de este último disco, cada decisión es una batalla entre Gillan y Blackmore. Este hecho golpea y mina la moral de todo el grupo, que se vuelve a resquebrajar a pasos agigantados. A todo esto hay que sumarle los evidentes problemas con el alcohol que Ian Gillan padece, y que se verán acrecentados por esta situación.


Así, el grupo inicia una gira que comienza en Europa en enero de 1987, apenas una semana después de la publicación de The House of Blue Light. Pero todo explota a  comienzos de 1989, cuando tras haber realizado una serie de conciertos desastrosa entre julio y octubre del 88, con suspensiones de conciertos por floja venta de entradas, sumado a las peleas de Blackmore y Gillan, y los problemas de un Gillan que ha tocado fondo por sus problemas con el alcohol, hacen que el vocalista sea despedido de la banda.

La banda se sumerge en la tarea de encontrar un vocalista, y al final se impone Blackmore, quien insiste en fichar a Joe Lynn Turner, vocalista con quien Blackmore había conquistado en los años 80 el mercado americano con sus Rainbow. El grupo puede terminar lo que le queda de gira con turner y  graba entre principios y mediados de 1990 el material que estará incluido en su siguiente álbum de estudio, en diferentes estudios, los Soundtec Studios de Connecticut, Greg Rike Productions de Altamonte Springs, Florida, y The Powerstation de Nueva York. 



El resultado es Slaves & Masters, el decimotercer álbum de estudio de la banda, publicado bajo el sello RCA/BMG el 5 de octubre de 1990. La fórmula de sonido del disco está entre el hard rock y AOR (Adult Oriented Rock), esa variante del rock clásico más comercial que Blackmore ya había utilizado con sus Rainbow. Particularmente, siempre he pensado que es un disco más que decente, pero se le juntaron varias cosas. Una de ellas fue que el disco estuvo muy por debajo de las pretensiones comerciales a modo de ventas del sello discográfico, desde Perfect Strangers, donde tuvieron un repunte espectacular, la banda venía cayendo en ventas con The House of Blue Light, y con Slaves & Masters seguía la caída libre. Otro aspecto que influyó fue el despido de Gillan, el grupo perdió una parte importante de fans defensores de Gillan. Otro más fue que Turner era un muy buen vocalista, pero no era Gillan ni tenía su carisma. El disco no pasó del puesto 45 en las listas del Reino Unido, y del puesto número 87 en las listas Billboard de Estados Unidos.  

Como ya he comentado anteriormente, no es un mal disco, no comparable a sus anteriores trabajos, Perfect Strangers y The House of Blue Light, y mucho menos a sus clásicos de los años 70. El motivo: con la marcha de Gillan, Blackmore ha ganado más fuerza en el seno del grupo, y esto se nota en el resultado del álbum, con un sonido orientado al AOR, y que tan buenos resultados le dió con Rainbow. Si nos olvidamos de nombres y escuchamos el disco, podemos comprobar que el  resultado del mismo es más que decente, con temas como la potente apertura del disco con King of Dreams, y la continuación con la espídica The Cut Runs Deep, buenas baladas como Truth Hurts y la maravillosa Love Conquers All, y otros dos temas llenos de fuerza en la cara B como Fortuneteller y Wicked Ways, que se encarga de cerrar el disco como empezó, con rabia y fuerza. El único problema es que este trabajo podría haber sido firmado por los mismísimos Rainbow de Ritchie Blackmore, y Deep Purple era Deep Purple, no Rainbow.

martes, 25 de mayo de 2021

0145: Unforgettable - Aretha Franklin

 



El disco Unforgettable: A Tribute to Dinah Washington es el es el séptimo disco de la cantante estadounidense Aretha Franklin, y el primero que está íntegramente formado por temas de jazz, en concreto por canciones de Dinah Washington. Publicado en 1964, fue un esfuerzo de Columbia por enmarcarla dentro de la etiqueta de "dama del jazz", algo con lo que ella no estaba de acuerdo, pues se sentía mucho más atraída por el soul y el gospel, al que dedicaría el resto de su carrera en cuanto pudo ejercer un mayor control sobre ella, ganándose merecidamente el apodo de "Lady Soul" o "Queen of Soul" como máxima representante femenina del género.

En el disco, Aretha Franklin pone voz y rinde tributo a grandes temas del jazz, entre los que destacan canciones como "What a difference a day made" y, especialmente, Unforgettable, que le da título y que hace que este disco sea realmente "Inolvidable". Aún no había llegado el éxito masivo que trajeron temas como "Respect", "Chain of Fools" o "Think", todos ellos más cercanos al soul que al jazz de este tributo a Dinah Washington, pero un tema como Unforgettable pasó a formar parte instantáneamente de las canciones que conformaron la leyenda y el legado musical de la "Reina del Soul".

Un país un artista: Madagascar - Les Surfs

 

Les Surfs


     Si hablamos de música en Madagascar, inmediatamente nos viene a la cabeza Les Surfs, un grupo que se hizo muy popular durante la década de los 60 en el mundo francófono y de habla hispana.

La formación del grupo se gesta cuando cuatro hermanos y dos hermanas, Coco, Pat, Rocky, Davis, Monique y Nicole, se juntan a finales de los años 50 bajo el nombre de Rabaraona Brothers and Sisters, y participan en octubre de 1958 en un concurso de canto organizado por Radio Tananarive. En el concurso interpretan las canciones de The Platters "Only You" y "The Great Pretender", y ganan el primer premio. A partir de ahí empiezan a actuar bajo el nombre de The Beryl y realizan una gira con Henry Ratsimbarazy ans the CCC. En ese periodo graban sus tres primeros sencillos, Little Flower, Marin y The Three Bells.

En septiembre de 1963 son elegidos para representar a Madagascar en la inauguración de la segunda cadena de la televisión francesa. En aquella actuación se ganan la simpatía la aceptación del público francés, lo que provoca que, a instancias de Jean-Louis Rafidy, quien se convierte en su representante, sean inmediatamente contratados por Roger Marouani para el sello discográfico Disques Festival con la intención de hacerles grabar un sencillo inmediatamente. 

Con un contrato en el bolsillo, deciden cambiar el nombre del grupo, pasando a llamarse Les Surfs, en honor al nuevo ritmo, el surf rock, que había hecho aparición en aquellos años. Su primer éxito fue Reviens Vite et Oublie, lo que les permite hacer una gira junto a la cantante francesa Sheila. Pero su mayor éxito y más recordado es la versión que hicieron del tema Be My Baby Tú serás mi baby, con el que alcanzaron una gran repercusión en los países de habla hispana. Esto sumado a su creciente popularidad en Francia, donde ya son considerados por ídolos por la juventud, les permite realizar giras por Europa (Francia, España, Italia, Rumania), Oriente Medio, África y América. 

También participaron en cuatro ediciones del Festival de San Remo, tres veces en el Festival de Montreux de Suiza, y realizaron varias incursiones en la televisión, lo que les valió para ganar más popularidad todavía en países como España, Italia y Alemania. 



La aventura de los seis hermanos se da por concluida en 1971 tras una gira por Antillas y Canadá. Los motivos: los hermanos han formado sus propias familias y las modas musicales cambiantes han limitado us actuaciones musicales. Si bien, posteriormente algunos prosiguieron realizando música, como Monique y Rocky, que formaron el dúo Rocky et Monique (1979-1982), o la misma Monique, que en 1989 se reunió con cuatro de su hermanos (Roland, Remy, Luc y Dominique) y se lanzaron a actuar bajo el nombre de Surfs-Feedback. Tras la muerte de Monique (19939 y Nicole (2000), Rocky siguió actuando en solitario como Rocky des Surfs, y más tarde reformaría el grupo Les Surfs bajo el nombre Les Surfs2, integrando a sus hermanos Dady, Dominique y Luc, y a sus dos sobrinas Jackya y Mirana

Aunque su carrera como Les Surfs abarca desde 1963 hasta 1971, se puede decir que realmente la carrera de estos hermanos de Antananarivo, la capital de Madagascar, comenzó en 1958 bajo el nombre de Rabaraona Brothers and Sisters.

lunes, 24 de mayo de 2021

0144 Good Morning Little Schoolgirl- Muddy Waters

 

Folk Singer, Muddy Waters


     El 30 de enero de 1964, Muddy Waters, bajo el sello Chess Records, publica su cuarto álbum de estudio, Folk Singer. Dicho trabajo tiene el honor de ser el único en la carrera de Muddy totalmente acústico. Si bien este disco no llegó a situarse notablemente en ninguna lista de ventas, recibió elogios de la crítica, que destacaba la gran calidad de sonido, muy notable para la época.

El disco es grabado en septiembre de 1963 en los estudios Ter Mar Recording de Chicago, Illinois, y el título, Folk Singer, es elegido por la discográfica Chess porque fue grabado durante la época en la que la música folclórica era popular. Para la grabación del álbum se emplearon dos guitarristas, uno obviamente fue Muddy Waters, y el otro contratado por Chess para la ocasión fue nada menos que Buddy Guy, si bien luego otros guitarristas tocaron en bonus tracks que aparecerían más tarde. Además de Buddy Guy, Muddy fue respaldado en el álbum por Clifton james a la batería y Willie Dixon al bajo, otros músicos aparecen acreditados también por sus colaboraciones. De la producción del disco se encargaron Willie Dixon y el reputado productor Ralph Bass

Incluido en este álbum se encuentra la magnífica versión que hace Muddy de Good Morning Little Schoolgirl de Sonny Boy Williamson I. El tema es una estándar de blues que se ha convertido en uno de los grandes clásicos e influyentes del género, y fue grabado por  primera ve por el mismo Sonny Boy en 1937. El tema, originalmente se titulaba Good Morning Schoolgirl, y posteriomente varios artistas, entre los que se encuentra Muddy, la grabaron bajo el título Good Morning Little Schoolgirl.

La melodía del tema, y en la que se basó Sonny Boy Williamson I, se remonta al tema Back and Side Blues, canción grabada en 1934 por Son Bonds, conocido cantante y compositor estadounidense de country blues. El tema ha sido versionado, además de Muddy Waters, por infinidad de artistas, entre los que se encuentran Smokey Hogg, Joe Hill Louis, John Lee Hooker, Mississippi Fred McDowell, Lightnin 'Hopkins y Junior Wells entre otros. La versión de Muddy es quizás una de las mejores gracias tanto a la calidad de los intérpretes como a la gran calidad del sonido, una combinación perfecta.

domingo, 23 de mayo de 2021

0143: The Lonesome Death of Hattie Carroll - Bob Dylan

 


La tarde del 3 de febrero de 1963, Zantzinger salió de su rancho de 283 hectáreas vestido de frac y con un clavel en el ojal, viajaba junto a su mujer y unos amigos. De camino a Baltimore, pararon para cenar y beber unos bourbons; en el restaurante pegó y expelió insultos racistas contra los camareros, que se negaron a servirles más alcohol. De ese humor llegó al Spinter's Ball, un baile anual para la gente de dinero del Estado. Lo mismo: insultos racistas, bastonazos y bravuconadas que terminaron en tragedia cuando, tras haber tirado a su mujer bailando, se acercó a la barra. «¡Negra, dame una copa!», aulló. «Un minuto, por favor», contestó Hattie Carroll. El cateto entró en cólera y la sacudió hasta que la mujer se tuvo que retirar a la cocina. Sus compañeros pidieron una ambulancia. A la mañana siguiente, murió.

 

Según recogió la prensa local, el asesino se llamaba William Devereux Zantzinger y era hijo de un adinerado plantador de tabaco de Maryland. La víctima, Hattie Carroll era madre de once hijos y presidenta de una asociación afroamericana. La crónica detallaba que los abogados de Zantzinger habían argumentado que Carroll no había muerto a causa de la paliza, sino por un accidente cardiovascular provocado por el estrés que le había generado el ataque. Y destacaba también que el juez había dictaminado que se trataba de un homicidio involuntario y que se establecía la condena en seis meses de prisión y una multa de 125 dólares. Bob Dylan tenía 22 años cuando leyó en el periódico este caso y le pareció tan impresionante que el castigo por matar a alguien a golpes fuera tan irrisorio que decidió contarlo en una canción. Influido por el estilo de narrador de historias que tanto le atraía de los maestros del folk como Woody Guthrie y Pete Seeger, escribió una letra que recreaba un asesinato racista, narrando los últimos instantes de la vida de Hattie Carroll, en un tema al que puso su nombre: The Lonesome Death of Hattie Carroll. Dylan estructuro la canción en cuatro párrafos, al final de cada una de las estrofas divididas temáticamente, Dylan metía el estribillo y recalcaba que no es momento para llorar. Al menos no todavía. El primero, el incidente: William Zanzinger mató a la pobre Hattie Carroll, con un bastón que hizo girar alrededor de su dedo anular de diamantes. Vaya primer verso para una canción. Lapidario. En la segunda parte habla del sujeto, un hombre joven cuyos padres poseían tierras y una gran posición económica que tenían contactos con la justicia, motivo entre otros que salió en libertad bajo fianza… “En cuestión de minutos salió a caminar bajo fianza. Pero tú que filosofas, deshonras y criticas todos los miedos…” En la tercera parte la protagonista es la víctima, donde no hace ninguna referencia a su condición racial, y describe la vida que llevaba. El cuarto párrafo es un relato sobre el juicio y la pena tan ridícula a la que fue condenado, y es ahí donde Dylan pone el acento ya que termina cambiando el verso final del estribillo por un demoledor “Acerca el trapo a tu cara, porque ahora es el momento para llorar”.  Quizás lo más sorprendente de todo, es el hecho de que Dylan nunca sintió la necesidad de explicar que Zantzinger era blanco y Carroll era negro. En la turbulenta atmósfera racial de los Estados Unidos de 1963, sabía que podía confiar en que los oyentes completaran automáticamente esa información por sí mismos.