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miércoles, 8 de enero de 2025

Modern Life Is Rubbish - Blur (Mes Blur)

 

Modern Life Is Rubbish, Blur


      Todavía andaba enfrascado dentro de la maquinaria de las grandes ligas del britpop Blur cuando publicó Modern Life is Rubbish, su segundo álbum de estudio. Dicho trabajo fue grabado entre octubre de 1991 y marzo de 1993, bajo la producción del propio grupo, y de John Smith, Steve Lovell y Stephen Street, y publicado el 10 de mayo de 1993 bajo el sello discográfico Food Records en Reino Unido, y de SBK Records en Estados Unidos. . Aunque su álbum debut Leisure (1991) había sido un éxito comercial, Blur produjo una severa reacción de los medios poco después de su lanzamiento y cayó en desgracia del público. Después de que el grupo regresara de una gira infructuosa por los Estados Unidos, las actuaciones en vivo mal recibidas y la creciente popularidad de la banda rival Suede disminuyeron aún más el estatus del grupo en el Reino Unido.



El álbum debut 
de Blur, Leisure (1991),
 fue un disco que llegó al Top 10 del Reino Unido, Sin embargo, el efecto del álbum pronto comenzó a desvanecerse, y el grupo fue rápidamente expuesto como falsos saltadores de tendencias, recibiendo la ira y la reacción violenta de las escena musical de Manchester. Además, tras la pérdida del favor del público, el grupo descubrió que tenía una deuda de 60.000 libras, principalmente debido a la mala gestión. Blur contrató a un nuevo manager, Chris Morrison, y para recuperar las pérdidas, su sello discográfico Food los envió a los Estados Unidos como parte de la gira Rollercoaster Para coincidir con el inicio de la gira, el grupo lanzó el sencillo Popscene. El nuevo lanzamiento mostró un cambio significativo en la dirección musical, ya que Blur cambió su sonido derivado del género shoegaze (subgénero de indie y rock alternativo caracterizado por su mezcla etérea de voces oscurecidas, distorsión de guitarra y efectos, retroalimentación y volumen abrumador) por uno influenciado por el pop de guitarra británico de los años 60. Sin embargo, el sencillo no logró entrar en el top 30 del Reino Unido, lo que disminuyó aún más el perfil del grupo en las islas británicas. 

Por si esto no fuera poco, la gira de 44 fechas por los Estados Unidos fue un completo desastre. Consternado por la fascinación del público estadounidense con el grunge y la respuesta mediocre a su música, el grupo bebía con frecuencia y los miembros a menudo se peleaban a puñetazos entre ellos. Empezó a surgir la nostalgia, así por ejemplo, el líder Damon Albarn,  comenzó a extrañar cosas realmente simples sobre su Inglaterra, y escuchó una cinta del grupo pop inglés The Kinks durante la gira. Más tarde declaró que el único recuerdo agradable que tenía de la gira fue el tiempo que pasó escuchando el sencillo de 1967 de los Kinks  "Waterloo Sunset" A su regreso a Inglaterra, el grupo descubrió que la atención de la prensa musical se había desplazado hacia Suede. Esto disgusto mucho al grupo, pues consideraba que cada disco que Suede vendía era una "afrenta a la decencia humana"Después de muchos shows en vivo dando una imagen poco más que pobre, ya que los miembros de Blur a menudo actuaban borrachos (en particular uno en un concierto de 1992 que incluyó una actuación bien recibida de Suede en el mismo cartel), no era de extrañar que el sello discográfico Food Records se planteara la posibilidad de prescindir de ellos.


Ante la amenaza de ser despedidos por Food Records, para su siguiente álbum Blur se sometió a un cambio de imagen impulsado por el líder Damon Albarn. La banda incorporó influencias de grupos tradicionales de pop de guitarra británicos como The Kinks y Small Faces, y el sonido resultante fue melódico y producido de manera exuberante, con instrumentos de viento, de madera y coros. Las letras de Albarn en Modern Life Is Rubbish utilizan un hilarante humor para investigar los sueños, las tradiciones y los prejuicios de la Inglaterra suburbana. Damon Albarn, en una entrevista con Mojo en 2000 , dijo que "Suede y América alimentaron mi deseo de demostrarle a todos que Blur valía la pena... No había nada más importante en mi vida"Sintió que la popularidad que la música grunge estadounidense disfrutaba en Gran Bretaña en ese momento pronto se desvanecería, y argumentó que Blur encarnaría un renacimiento del pop británico clásico en su próximo álbum. El dueño de Food Records, David Balfe , no estaba tan de acuerdo y discutió con Albarn sobre el cambio propuesto en la imagen de Blur. Al final Balfe, todavía escéptico, acabó cediendo, y Food le dio cautelosamente el visto bueno a Blur para trabajar en su segundo álbum con un productor elegido por Albarnel líder de XTCAndy Partridge. Partridge dijo que no estaba satisfecho con las canciones, pero que aceptó porque Blur le  gustaba musicalmente, además de "por las razones equivocadas, los halagos y el dinero"

Blur comenzó a trabajar en el álbum con Partridge en The Church, el estudio situado en Crouch End propiedad de David A. Stewart. Sin embargo, las sesiones terminaron prematuramente. El bajista Alex James describió las sesiones como un "desastre"; agregando además que "mientras se juntaba todo, todas eran buenas partes, pero simplemente no era ... sexy". Partridge recordaba: "Me sentí bastante paternal y creo que hice un trabajo excelente. Hicieron que Dave Balfe escuchara algunas mezclas y él se movía por ahí diciendo, 'Esto es fantástico, tú eres George Martin y ellos son The Beatles'. Al día siguiente decía, 'Francamente, Andy, esto es una mierda'"La banda grabó con éxito cuatro canciones, pero se mostraron cautelosos sobre trabajar en las mismas condiciones nuevamente. Las pistas producidas por Partridge fueron abandonadas; tres de ellas se incluyeron más tarde en el box set de 2012 Blur 21.



El trabajo en el álbum se reanudó debido a un encuentro casual con el productor 
Stephen Street, quien había trabajado previamente con la banda en su sencillo de 1991 "There's No Other Way". Con Street ahora produciendo el álbum, Blur grabó una mezcla de material que abarcaba tanto el período inmediatamente posterior al lanzamiento de Leisure como su gira de 1992. Si bien los miembros de la banda estaban satisfechos con los resultados de la sesión de grabación, el jefazo de Food  RecordsBalfe, después de escuchar las canciones, le dijo a la banda que estaban cometiendo un suicidio artístico. Aunque abatido por su respuesta, Blur le dio a Food el álbum completo en diciembre de 1992. El sello rechazó el álbum y le dio instrucciones a la banda para grabar más sencillos potenciales. Albarn cumplió, y el día de Navidad escribió la canción "For Tomorrow" Aunque esta canción calmó las preocupaciones de Food, el sello estadounidense de Blur, SBK Records, el otro sello discográfico con intereses en el otro lado del charco, expresó su descontento al escuchar las cintas terminadas del álbum. Para apaciguar a SBK, la banda grabó "Chemical World", pensando que aplacaría al sello discográfico y aumentaría el atractivo estadounidense del disco. Sin embargo, SBK  instó al grupo a volver a grabar el álbum con el productor estadounidense Butch Vig, quien era popular en aquel momento por su trabajo con Nirvana. Lógicamente Albarn y compañía se negaron. En este difícil contexto nació Modern Life Is Rubbish, obteniendo un moderado éxito en las listas de éxitos del Reino Unido; el álbum alcanzó el puesto número 15, mientras que los sencillos extraídos del álbum se posicionaron en el Top 30. El álbum rejuveneció la suerte del grupo después de su caída posterior a LeisureModern Life Is Rubbish acabó siendo considerado como uno de los lanzamientos que definen la escena del britpop, y sus siguientes álbumes que encabezaron las listas de éxitosParklife y The Great Escape, vieron a Blur emerger como uno de los principales grupos de la escena britpop de Gran Bretaña.


El título del álbum deriva de un grafiti pintado con plantilla a lo largo de Bayswater Road en Londres, creado por un grupo anarquista. Para Albarn, la frase reflejaba la "basura" del pasado que se acumulaba con el tiempo, sofocando la creatividad. Albarn pensaba que era "el comentario más significativo sobre la cultura popular desde ' Anarchy in the UK '". Debido a la difícil relación de Blur con Estados Unidos en ese momento, el título provisional del álbum fue Britain Versus America. La pintura de la locomotora de vapor Mallard en la portada del álbum era una imagen de archivo que se obtuvo de una biblioteca de fotos en Halifax. La pintura "evocaba la sensación de la Gran Bretaña de antes de la guerra de un colegial de Just William "Dentro del embalaje del álbum había un óleo sobre lienzo de la banda vestidos como skinheads en un tren subterráneo. Las hojas de letras del álbum también presentaban las progresiones de acordes de las canciones, escritas a mano por el guitarrista Graham Coxon. Mientras que Albarn explicaba que era un intento de hacer saber a la gente que, por anticuado que parezca, escribimos canciones",  la revista Total Guitar creía que era por otro motivo, la inclusión de los acordes eran debidos al "entusiasmo de Coxon por desmitificar la forma de tocar la guitarra".

El álbum era una respuesta al predominio del grunge en el Reino Unido y a su propio perfil decreciente en su tierra natal, y también una respuesta a la repentina popularidad de Suede. Blur se reinventó con este segundo álbum, Modern Life Is Rubbish, abandonando las influencias shoegazing y baggy (género de baile alternativo británico popular a finales de la década de 1980 y principios de la de 1990 y generalmente asociado con la escena del norte del Reino Unido. En este estilo, las bandas de rock alternativo se inspiran en la psicodelia y en la música de baile) que dominaron Leisure, y apostando por un pop más tradicional. A primera vista, este disco puede parecer un homenaje a los Kinks, David Bowie , los Beatles y Syd Barrett, pero no es una reafirmación, es una revitalización. Blur utiliza el pop de guitarra británico desde los Beatles hasta My Bloody Valentine como base, tejiendo historias de desesperación contemporánea. La guitarra de Graham Coxon abre cada canción, ya sea con líneas melódicas impredecibles o con capas de efectos translúcidos e hipnóticos, proporcionando a Albarn un fondo vibrante para sus sátiras sociales y sus comentarios mordaces. 




C
asi todas las canciones están cuidadosamente construidas, comenzando por For tomorrow, una oda a Londres y la vida cotidiana. Esta canción surgió en respuesta a la presión del sello para tener un sencillo exitoso. Destaca por su ambiente melancólico y su referencia al Primrose Hill, un parque icónico en la capital británica. Continúa con Advert, que habla sobre el consumismo desenfrenado y la influencia de la publicidad en la sociedad moderna. Musicalmente, tiene un ritmo frenético que refuerza su mensaje satírico. Colin Zeal es un retrato de un hombre promedio obsesionado con la conformidad y la autoimagen. La canción mezcla ironía con un ritmo pesado y repetitivo. Turno para Preassure on Julian, tema más experimental que combina guitarras distorsionadas y letras crípticas. Se cree que hace referencia a Julian Cope, una figura excéntrica en la escena musical británica. Star Shaped es toda una crítica a la rutina laboral y a la falta de autenticidad en las ambiciones modernas. Musicalmente, es alegre, pero las letras tienen un tono sarcástico. Blue Jeans es una de las canciones más suaves del álbum, con un aire nostálgico. Trata sobre la simplicidad de los momentos cotidianos y la alienación. Cierra la cara A Chemical World, que habla sobre la monotonía y los problemas sociales en la Inglaterra de clase media. Tiene una melodía pegadiza y un tono un tanto sombrío.

Turno para la cara B, que abre con Sunday Sunday, con una mirada satírica a las tradiciones británicas de los domingos, como los asados familiares y las caminatas por el parque. Es una de las canciones más enérgicas del álbum. pasamos a la oscura y atmosférica Oily Water, que aborda temas como la contaminación y la deshumanización. Tiene un sonido más cercano al grunge, y nos recuerda algo a su álbum anterior. Miss America, canción lenta y minimalista que mezcla melancolía con observaciones sobre la cultura estadounidense. Villa Rosie trata sobre una experiencia en un club nocturno. Su sonido es alegre, pero hay un trasfondo de caos en las letras. Coping nos invita a lidiar con la presión y la ansiedad. Es una de las canciones más directas y optimistas del álbum. Turn It Up, con una energía despreocupada, es una de las canciones menos complejas del álbum. Habla de la necesidad de escapar de los problemas cotidianos. Resigned, la canción que cierra el álbum, retoma la nostalgia y la oscuridad para actuar como gran cierre del disco, aunque aún haya espacio para la anecdótica Commercial Break, tan breve como peculiar, y que sirve como comentario final sobre el consumismo y la superficialidad de la vida moderna, que hacen de ella una auténtica basura, tal y como reflejaba la popular pintada con la que empezó el concepto de todo el disco. 

domingo, 5 de enero de 2025

Blur: los orígenes de una banda icónica y su álbum debut Leisure (Mes Blur)

Blur: los orígenes de una banda icónica y su álbum debut Leisure #mesBlur 

Durante este mes de enero, lo dedicaremos para explorar la historia, música e impacto de la banda Blur, una de las bandas más influyentes del Britpop y de la música británica en general. Su trayectoria, marcada por la experimentación y la reinvención constante, comenzó en Colchester, Inglaterra, a finales de los años 80, cuando Damon Albarn (voz y teclados), Graham Coxon (guitarra), Alex James (bajo) y Dave Rowntree (batería) se unieron con un objetivo común: crear música que reflejara las influencias de su tiempo mientras construían una identidad propia.

En sus inicios, Blur enfrentó el desafío de destacar en un panorama musical que ya contaba con movimientos como el shoegaze, el madchester y las secuelas del post-punk. Inicialmente conocidos como Seymour, el cuarteto cambió su nombre a Blur a sugerencia de su discográfica, Food Records, antes de lanzar su primer sencillo. Este cambio marcó el inicio de su carrera, una que eventualmente los llevaría a redefinir el sonido británico de los años 90.

Con su álbum debut, Leisure (1991), Blur dio su primer paso hacia la industria musical. El disco capturó el espíritu de su época y, aunque no representa el pico creativo de la banda, es un testimonio crucial de sus raíces y de su potencial. A continuación, contaremos los orígenes de Blur y este primer trabajo discográfico que marcó el inicio de su evolución artística. Y durante el mes de enero iremos conociendo sus álbumes en esto que solemos llamar el artista del mes #mesBlur. 

La historia de Blur comenzó en 1988, cuando Damon Albarn y Graham Coxon se conocieron en el Goldsmiths College de Londres, un entorno que fomentaba la creatividad y la experimentación artística. Ambos compartían un amor por la música y, junto con Dave Rowntree y Alex James, formaron una banda que inicialmente seguía las tendencias musicales predominantes de la época. Bajo el nombre de Seymour, el grupo comenzó a tocar en pequeños locales y a desarrollar su estilo.

El cambio a Blur llegó después de firmar con Food Records, que vio en ellos un potencial comercial que podía pulirse. A pesar de sus influencias iniciales del shoegaze y el madchester, Blur buscaba diferenciarse de sus contemporáneos, algo que no quedó completamente reflejado en Leisure, pero que se convertiría en su sello distintivo en álbumes posteriores.

En este contexto, Leisure nació como un esfuerzo por captar la atención del público y establecer a la banda en la escena musical británica.

Leisure, lanzado en agosto de 1991, refleja tanto las fortalezas como las debilidades de una banda joven aún en búsqueda de su identidad. Producido por Stephen Street, el álbum combina elementos del shoegaze, la psicodelia y el madchester, tendencias populares en ese momento. Si bien carece de la cohesión y la innovación que definirían los trabajos posteriores de Blur, el disco muestra destellos de la creatividad que más tarde los consagraría como una de las bandas más importantes del Britpop.

Canciones destacadas de Leisure

1. “She’s So High”
El álbum abre con “She’s So High”, una declaración de intenciones que combina guitarras distorsionadas, una línea de bajo hipnótica y la voz etérea de Damon Albarn. Este tema, que también fue el primer sencillo de Blur, establece el tono psicodélico del disco y deja entrever la capacidad de la banda para crear melodías pegajosas. Aunque sencilla en su composición, captura el espíritu de una banda que aún experimentaba con su sonido.

2. “There’s No Other Way”
El gran éxito comercial del álbum y uno de los puntos más altos de Leisure. Con un ritmo bailable, una guitarra distintiva de Graham Coxon y una estructura pegajosa, esta canción encapsula perfectamente el sonido madchester. Su éxito ayudó a establecer a Blur como una banda prometedora en la escena musical británica.

3. “Sing”
“Sing” es una de las canciones más destacadas y atípicas del álbum. Con un piano repetitivo y una atmósfera melancólica, este tema se aleja del tono festivo de otras pistas para explorar un lado más introspectivo y experimental. Anticipa el sonido más maduro que Blur desarrollaría en álbumes posteriores como Modern Life Is Rubbish (1993).

4. “Bang”
A pesar de ser uno de los sencillos del álbum, “Bang” es quizás la canción más criticada de Leisure. Aunque tiene un ritmo pegajoso y es claramente comercial, carece de la profundidad y originalidad de otros temas, lo que la convierte en un punto débil del disco.

El mayor mérito de Leisure es su capacidad para capturar el espíritu de principios de los años 90. La influencia de movimientos como el shoegaze y el madchester está presente en canciones como “Fool” y “Come Together”, mientras que temas como “Sing” y “She’s So High” muestran un lado más experimental y creativo.

Sin embargo, el álbum también refleja las limitaciones de una banda joven que aún no había encontrado su identidad definitiva. Algunos temas parecen excesivamente influenciados por las tendencias del momento, lo que les resta originalidad. Además, la falta de cohesión temática y sonora hace que Leisure se sienta como una colección de canciones más que como un álbum con una visión clara.

La importancia de Leisure radica en ser el punto de partida de una de las carreras más dinámicas e innovadoras de la música británica. Con álbumes como Modern Life Is Rubbish (1993), Parklife (1994) y The Great Escape (1995), Blur evolucionó para convertirse en el rostro del Britpop, redefiniendo el panorama musical de los años 90.

Leisure puede parecer un trabajo menor en comparación con la obra posterior de la banda, pero es esencial para entender sus raíces y su evolución. Es un testimonio de una banda en transición, influenciada por su entorno pero con un potencial que pronto explotaría.

Los orígenes de Blur y su álbum debut, Leisure, son piezas fundamentales para comprender la trayectoria de una de las bandas más importantes de la música británica. Aunque no es su trabajo más icónico, Leisure captura un momento único en el tiempo, cuando Blur estaba explorando su lugar en el panorama musical.

Durante este mes dedicado a Blur, exploraremos no solo sus discos, sino también su impacto cultural, sus influencias y cómo lograron trascender las etiquetas del Britpop para convertirse en una banda universalmente admirada. Con Leisure, Blur dio sus primeros pasos hacia un legado que, más de tres décadas después, sigue siendo tan relevante como en sus inicios.

Daniel 
Instagram storyboy 

domingo, 13 de octubre de 2024

Álbum Joe Satriani #mesSatriani

Álbum Joe Satriani #mesSatriani

El álbum "Joe Satriani" (1995), también conocido simplemente como "Satriani", marca un punto de inflexión interesante en la carrera del virtuoso guitarrista Joe Satriani. Conocido por su destreza técnica y su habilidad para crear melodías memorables en el ámbito del rock instrumental, este álbum refleja un cambio de enfoque hacia una exploración más orgánica y profunda de su sonido. Aunque no tuvo el impacto mediático de trabajos previos como "Surfing with the Alien" (1987) o "The Extremist" (1992), Satriani es una obra que destaca por su madurez musical y su equilibrio entre técnica y emoción.

Lanzado en 1995, este álbum surge en una época en la que la música instrumental comenzaba a quedar un poco rezagada frente a la explosión de géneros como el grunge y el alt-rock, lo que hacía que los guitarristas virtuosos tuvieran que adaptarse a una nueva realidad musical. Satriani, lejos de dejarse llevar por las tendencias del momento, optó por seguir evolucionando su estilo. El resultado fue un disco más introspectivo y atmosférico, con una mayor influencia del blues y el jazz en comparación con sus anteriores trabajos predominantemente de rock y metal.

Desde el inicio, el disco establece una atmósfera única con la pista "Cool #9", que presenta un groove relajado pero muy pegajoso, fusionando elementos de jazz, rock y blues. La melodía se despliega lentamente, con una línea de bajo hipnótica que sostiene la improvisación de Satriani en la guitarra. A lo largo de la canción, se puede apreciar cómo juega con diferentes texturas, empleando efectos y pedales que enriquecen el sonido, sin perder el control de la dinámica de la pieza. Este enfoque más orgánico, casi como una jam session controlada, es lo que diferencia a Satriani de sus trabajos anteriores.

A lo largo del álbum, Satriani explora una amplia gama de estilos y géneros. En "S.M.F.", el guitarrista regresa al rock más directo, con un riff potente y agresivo que recuerda su trabajo más icónico en "Surfing with the Alien". Sin embargo, aquí se percibe un mayor enfoque en la actitud y el feeling, en lugar de buscar la velocidad pura que caracterizaba sus primeras composiciones. La canción tiene una energía cruda que parece captar el espíritu del rock clásico, pero con el toque técnico que Satriani siempre aporta a sus interpretaciones.

Otro momento destacado del disco es la balada "If", una de las piezas más emotivas del álbum. Aquí, la guitarra de Satriani se convierte en la protagonista absoluta, cantando una melodía que podría equipararse a la voz humana. La calidez de su tono y la fluidez de su fraseo hacen que la canción se sienta profundamente conmovedora, demostrando que, además de ser un maestro técnico, también es capaz de transmitir grandes emociones a través de su instrumento. En "If", Satriani logra capturar una belleza melancólica que contrasta con las piezas más enérgicas del álbum.

En "Luminous Flesh Giants", el guitarrista se adentra en terrenos más experimentales, utilizando una amplia gama de efectos y distorsiones para crear un sonido casi psicodélico. La pieza es un ejemplo de su versatilidad como compositor y su deseo de explorar nuevas fronteras sonoras. Aunque no es una canción tan accesible como las demás, ofrece una muestra clara de cómo Satriani siempre ha estado interesado en empujar los límites de lo que puede hacer con la guitarra. El uso de modulaciones y texturas flotantes genera una sensación de inmersión, como si la música envolviera al oyente en una atmósfera completamente distinta.

Una de las características más notables del álbum "Satriani" es su producción, que se siente más cruda y menos pulida que en sus trabajos anteriores. Esto le otorga un aire más natural y humano al disco. Satriani trabaja en estrecha colaboración con el productor Glyn Johns, conocido por su trabajo con artistas legendarios como The Rolling Stones, Led Zeppelin y Eric Clapton. Esta colaboración es clave para el sonido del álbum, ya que Johns favorece un enfoque más directo y menos adornado, lo que permite que la guitarra sea el centro de atención sin depender tanto de trucos de estudio.

La decisión de mantener la producción más sencilla también está relacionada con la búsqueda de un sonido más auténtico y menos mecánico. Satriani, quien ha sido elogiado por su virtuosismo, parece haber tomado una decisión consciente de no depender exclusivamente de su velocidad y precisión técnica. En cambio, permite que las canciones respiren, dando espacio a los matices y dinámicas de su interpretación.

El álbum cuenta con una serie de momentos memorables que resumen la evolución de Satriani como músico. Canciones como "Look My Way" y "Home" continúan esta exploración más emocional y melódica, mientras que temas como "Down, Down, Down" introducen elementos de funk y blues que amplían el rango sonoro del disco.

Finalmente, el álbum cierra con "Z.Z.'s Song", una pieza relajada y optimista que parece un tributo a la simplicidad de las cosas cotidianas. Esta canción encapsula el sentido de calma y satisfacción que Satriani parece haber encontrado en su música en este punto de su carrera. No es una pieza virtuosística ni pretende serlo, pero es precisamente su simplicidad lo que la hace tan efectiva.

"Joe Satriani" es un álbum que refleja la evolución de un músico que, en lugar de conformarse con su virtuosismo técnico, decide explorar nuevas facetas de su arte. Aunque puede que no tenga los "hits" o momentos de lucimiento técnico de trabajos anteriores, es un disco que brilla por su profundidad emocional y su diversidad estilística. Satriani demuestra que, más allá de su increíble habilidad como guitarrista, es un compositor versátil y creativo, capaz de equilibrar emoción y técnica de manera magistral.

Daniel 
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viernes, 11 de octubre de 2024

Disco de la semana 399: Most Things Haven’t Worked Out - Junior Kimbrough

Most Haven't Worked Out, Juniot Kimbrough




     Considerado uno de los músicos de blues más influyentes de la región montañosa de Mississippi, Junior Kimbrough es una rara avis en el mundo del blues. Hablamos de una figura profundamente inquieta y ferozmente independiente dentro de la comunidad del blues. La visión de Junior Kimbrough sobre la música pasa por el poder, sin adornos, del mensaje inquebrantablemente determinado que transmite el blues. Nada más que el sentimiento y adoración por el blues, ubicado en el centro de la música que nunca se ha desviado de la adoración, la inducción, la fábula y el destino hacia un destino incumplido pero siempre anhelado en el alma.



Durante los casi 30 años de carrera discográfica de Kimbrough, se limitó por completo a una pequeña familia de músicos independientes de Mississippi, dirigiendo valientemente su visión del blues a través de una notable gama de estilos de canciones rurales y música de raíces. En su voluntad de atraer a la más amplia gama de gustos de los oyentes con las mayores dificultades personales, su legado se remonta a un nivel de musicalidad y responsabilidad presente en el núcleo del sonido del blues, pero demasiado raro en el último medio siglo. Realizo sacrificios profesionales como permanecer en el norte del delta del Mississippi en busca de una base, y con el deseo latente de crear un legado musical diverso e inspirado topográficamente en su tierra. Incluso en su tierra natal, Mississippi, muchos fanáticos de la música solo conocen vagamente al guitarrista y cantante Junior Kimbrough. Sin embargo, Kimbrough es uno de los músicos más originales e intuitivos de la segunda mitad del siglo XX. Su vida y obra bien daría para un buen blues, Kimbrough vivió alrededor de unos cincuenta años en el Delta sin grabar un álbum. Estamos ante un hombre al que le encantaba tocar y se enorgullecía de su trabajo y de su tierra.

Inspirado por músicos como Charlie McCoy, Roosevelt Brown o Elmo Johnson, comenzó a tocar música en los años 60. A diferencia de muchos de sus predecesores, Kimbrough escribía su propia música y se apoyaba en sus propios músicos para la creación. Su forma flexible y siempre orgánica de tocar la guitarra eléctrica se entrelaza con las formas tradicionales de las canciones de blues, actualizándolas y dotándolas de un toque de modernidad, insuflando un nuevo y vibrante tipo de vida a las viejas canciones. En 2023, le llegaría el debido y necesario reconocimiento a Kimborugh, fue incluido en el "Salón de la Fama del Blues".


Para la recomendación de esta semana nos vamos a detener en uno de sus últimos álbumes grabados en vida, Most Things Haven’t Worked Out, realizado por Kimborugh en 1999. El artista tenía entonces 67 años.  Fue su tercer álbum para el sello discográfico Fat Possum Records y el último antes de su muerte en 1998. Todas las canciones del álbum fueron escritas por Kimbrough, quien no solía versionear el material de otros músicos. Optó por mantener sus errores y notas perdidas en las vías. Tres de las canciones fueron grabadas en su lugar de ocio y recreo en Mississippi. John Hermann ayudó a producir algunas de las canciones, y Kenny Brown fue el segundo guitarrista. La canción que da título al disco es instrumental.

Most things Haven't Worked Out es un más que recomendable disco para redescubrir la figura de un músico de blues que se alejó de los cánones tradicionales del blues, explotando la idea de interpretar viejo blues acompañado por un grupo moderno. Kimbrough, con su música, es capaz de hipnotizarnos, haciéndonos entrar en trance. El ambiente techno y los overdubs, como ya hiciera también R. L. burnside, dotan a su música de una pasión visceral. Lo que comienza sonando va adquiriendo un poder inesperado a través de la repetición y cambios engañosamente sofisticados de textura, tono y ritmo. Most Things Haven't Worked Out es un buen punto de partida para redescubrir a este genial artista, pues está considerado por muchos el mejor álbum de Kimbrough
 

viernes, 4 de octubre de 2024

Disco de la semana 398: Tragic Kingdom - No Doubt

Disco de la semana 387: Tragic Kingdom - No Doubt

Tragic Kingdom es el tercer álbum de estudio de la banda estadounidense No Doubt, lanzado el 10 de octubre de 1995 bajo el sello discográfico Interscope Records. Este álbum fue un gran éxito y es considerado el trabajo que llevó a No Doubt a la fama internacional, especialmente gracias a su combinación de ska, rock y pop.

Aquí te dejo algunos detalles clave sobre el álbum:

1. Producción y grabación:

El álbum fue producido principalmente por Matthew Wilder, con la colaboración de otros productores como Paul Palmer.

La grabación del álbum se extendió desde 1993 hasta 1995.

La banda pasó por momentos difíciles durante el proceso, ya que Gwen Stefani (vocalista) y Tony Kanal (bajista) terminaron su relación amorosa, lo que influyó en algunas de las letras.

2. Estilo musical:

Tragic Kingdom se destaca por ser un álbum ecléctico, con influencias de ska punk, new wave, rock alternativo, y pop rock.

No Doubt mezcló el estilo ska (con raíces en la música jamaicana) con un sonido más accesible para el público masivo, lo que ayudó a que el álbum se convirtiera en un éxito comercial.

3. Éxitos y sencillos principales:

El álbum tuvo varios sencillos exitosos, entre los cuales se destacan:

“Just a Girl”: Este fue uno de los primeros sencillos y le dio a Gwen Stefani reconocimiento como una de las pocas mujeres en el movimiento ska punk.

“Don’t Speak”: La balada más exitosa de la banda, que habla sobre la ruptura amorosa entre Gwen y Tony. Esta canción encabezó las listas en varios países y fue uno de los mayores éxitos de la década de los 90.

“Spiderwebs”: Otro sencillo que ayudó a consolidar el éxito de No Doubt. Es un tema animado con letras sobre relaciones problemáticas.

4. Recepción y éxito comercial:

Tragic Kingdom vendió más de 16 millones de copias en todo el mundo y fue certificado diamante en los Estados Unidos.

El álbum recibió en general críticas positivas, destacándose por la originalidad de su sonido y la energía de la banda.

Fue nominado a un Premio Grammy en 1997 en la categoría de Mejor Álbum de Rock.

5. Portada del álbum:

La portada del álbum muestra a Gwen Stefani sosteniendo una fruta de "tragic kingdom" (en español, reino trágico), en lo que parece ser un paisaje de un parque de diversiones en ruinas. Esto también es una referencia al parque temático Disneyland, que se encuentra en Anaheim, California, ciudad natal de la banda.

6. Impacto cultural:

Tragic Kingdom fue un álbum clave en el auge del ska punk de los 90 y ayudó a establecer a No Doubt como una de las bandas más importantes de la época.

Gwen Stefani se convirtió en un ícono de la moda y en una figura influyente en la música, en parte gracias al éxito de este álbum.

Lista de canciones más relevantes:

1. Spiderwebs
2. Excuse Me Mr.
3. Just a Girl
4. Happy Now?
5. Different People
6. Don't Speak
7. Hey You
8. The Climb
9. Sixteen
10. Tragic Kingdom

Tragic Kingdom sigue siendo uno de los álbumes más influyentes de los 90 y marcó un antes y un después tanto en la carrera de No Doubt como en la música de la época.

Daniel 
Instagram storyboy 


viernes, 28 de junio de 2024

Disco de la semana 384: Jar Of Flies - Alice In Chains

 

Jar Of Flies, Alice In Chains


     Jar Of Flies es el tercer trabajo de estudio de la banda estadounidense Alice In Chains, más concretamente un EP. Fue grabado entre el 7 y el 14 de septiembre de 1993 en el estudio London Bridge de Seattle bajo la producción del propio grupo, y publicado el 25 de enero de 1994 por el sello discográfico Columbia Records. Considerado como un disco acústico, fue el primer EP en la historia de la música en debutar en el puesto número 1 de la lista estadounidense Billboard 200. Las canciones No Excuses, I Stay Away y Don't Follow fueron lanzadas como sencillos y el disco fue nominado a dos premios Grammy en 1995: "Mejor paquete de grabación" y "Mejor interpretación de Hard Rock" por "I Stay Away". Este trabajo de corta duración fue muy bien recibido también por la crítica, convirtiéndose en uno de los lanzamientos más exitosos de la banda, y logrando certificación de doble platino, por vender más de 200.000 copias, en Canadá, y certificación de plata, por vender más de 60.000 copias, en Reino Unido.

Durante la extensa gira mundial para su disco Dirt, el grupo despidió al bajista Mike Starr debido a su problema con el consumo de drogas, y fue fichado el bajista Mike Inez, que estaba tocando en aquel momento con Ozzy Osbourne. Al regresar a su Seattle natal después de la gira, el grupo se vio desalojado de su residencia por no pagar el alquiler, por lo que se mudaron al London Bridge Studio de Seattle. El baterista del grupo, Sean Kinney, recordaba aquel momento: "Después de tocar música a todo volumen durante un año, volvíamos a casa y lo último que queríamos era subir los amplificadores de inmediato. Esas cosas se escribían en los autobuses y cada vez que teníamos tiempo de inactividad. Hicimos Jar Of Flies para ver cómo era grabar con el nuevo bajista, Mike Inez. Entramos en el estudio sin canciones escritas, para comprobar la química. Todo encajó, lo sonidos y los tonos eran realmente buenos. Pensamos que sería un desperdicio no publicar todo aquel material que surgió"



La primera sesión de grabación tuvo lugar el 7 de septiembre de 1993, y el grupo iba al estudio armados únicamente con guitarras acústicas para ver que pasaba. La publicación del material se gesta al escuchar la compañía discográfica el material resultante, le había encantado. Para el grupo, según el vocalista Layne Staley, sólo fue un experiencia de cuatro chicos que se juntaban en un estudio y hacían algo de música. Las sesiones del álbum duraron entre 14 y 18 horas al día, y la grabación se completó en 7 días. El álbum fue grabado en cinta en una mesa de mezclas Neve 80-68 porque se pretendía que el sonido acústico del álbum fuera lo más natural posible. Las pistas del disco se grabaron en su mayoría en una o dos tomas. Está considerado como un álbum acústico debido al dominio de los instrumentos acústicos, y en el se muestra un amplio rango de texturas acústicas con elementos de blus rock y jangle pop.

El título del álbum se originó a a partir de un experimento científico que el guitarrista y vocalista Jerry Cantrell llevó a cabo en la escuela tercer grado. El experimento consistía en mantener dos frascos llenos de moscas. Las moscas de un frasco estarían sobrealimentadas, mientras qe las moscas del otro tarro estarían mal alimentadas. Las moscas que fueron sobrealimentadas reprodujeron rápidamente, pro luego murieron por hacinamiento. Las moscas que estaban mal alimentadas lograron sobrevivir durante todo el año. La portada del álbum fue realizada por el fotógrafo Rocky Schenck, que hizo la fotografía en su comedor el 8 de septiembre de 1993. A la banda se le había ocurrido la idea del título y quería que la portada fuera un niño mirando un tarro de moscas. La primera impresión del disco compacto de Jar Of Flies incluyó moscas de plástico visibles en la parte frontal de CD.



El grupo de Seattle, en este trabajo, tiene concretamente un sonido conocido como "Seattle Sound" o "Grunge" basado en una dualidad vocal que los reúne con el estilo de Nirvana pero con un toque más duro que los hizo prisioneros de un sonido más orientado hacia heavy metal, quizás también del pesimismo constante de sus letras. Aparte, consiguieron llegar al público con este nuevo subgénero comercialmente más significativo. En su segundo álbum, Dirt, habían vendido más de 2 millones de discos, por lo que a priori se presentaba un panorama complicado ya no de superar, si no de igualar. En 1991 habían grabado Sap, un disco EP, es decir, un disco corto, y con este disco poco comercial que a priori no era el punto fuerte de Alice in Chains, vendieron más de un millón de copias, por lo que obtuvieron el éxito suficiente para continuar la siguiente gira.

Jar of Flies se aleja mucho del término grunge de sus anteriores publicaciones, aunque no abandona dicho sonido. El álbum es una colección de temas muy íntimos y personales, por lo que tuvo una corta promoción en directo realizando tan solo una docena de conciertos íntimos y acústicos. El grupo admitía que en este disco prefirieron no hablar del significado de las canciones para que cada uno lo interpretara a su manera. El material y las canciones empezaron a fluir, grabándose el álbum en tan solo una semana, lo que da una idea de la enorme compenetración y química que los cuatro músicos tenían entre sí en aquel momento.

miércoles, 17 de abril de 2024

Madonna - Bedtime Stories (Mes Madonna)

 

Bedtime Stories, Madonna


Bedtime Stories es el sexto álbum de estudio de la polifacética cantante estadounidense Madonna. Fue grabado entre febrero y agosto de 1994 en varios estudios de Estados Unidos y en Londres, bajo la producción de la propia Madonna, y de Dallas Austin, Babyface, Dave Hall y Nellee Hooper, y publicado el 24 de agosto de 1994 por el sello discográfico Sire Records, y Maverick Records, perteneciente este último a Warner Bros. Records. El objetivo de trabajar con los productores anteriormente mencionados era el de suavizar la imagen de Madonna después de la reacción crítica y comercial a la que se enfrentó después de lanzar proyectos sexualmente explícitos durante los dos años anteriores, el álbum Erotica y su papel principal en el thriller erótico Body of Evidence.

Estamos ante un álbum con sonidos pop, R&B, soul y pop, donde explora temas como la tristeza, el amor y el romance, pero con un enfoque más suave y menos sexual. para promocionar el disco, Madonna interpretó las canciones del álbum en los American Awards de 1995 y en los Brit Awards también de 1995. También se había planeado una gira, pero no se llevó a cabo debido a que Madonna adquirió el papel principal de la película Evita (1996). El disco tuvo dos sencillos, Secret y Take a Bow, entre los tres primeros puestos de la lista estadounidense Billboard Hot 100, y otros dos, Bedtime Stories y Human Nature, que se colaron entre los diez primeros puestos en las listas del Reino Unido. A finales de 1995 Madonna era galardonada como "Artista Femenina del Año" por el Billboard Hot 100. 

Bedtime Stories recibió críticas generalmente positivas por parte de la crítica especializada, que elogiaron las letras y la producción del álbum, llegando a ser nominado a "Mejor Album Pop" en la edición de los Premios Grammy. En el apartado de ventas llegó a alcanzar el puesto número tres en la lista Billboard 200 de Estados Unidos, y fue certificado "Triple Platino" por la industria discográfica de Estados Unidos. Alcanzó también muy buenas cifras en las listas de ventas de países como Australia, Canadá, Francia, Alemania y Reino Unido. La obra de arte del álbum fue tomada por el fotógrafo de moda francés Patrick Demarcheller en el Hotel Eden Roc Miami Beach en los Estados Unidos en agosto de 1994. La portada mostraba a la cantante boca abajo, mirando hacia arriba con mucho maquillaje, un aro en la nariz, cabello rubio y todo en tonos de color pastel. Inspirada en la actriz Jean Harlow, la cantante lució cejas demasiado depiladas para las fotos.



El disco abre con Survival, un tema sobre una base funky que intenta transmitir lo que la artista tuvo que soportar por parte de los medios de comunicación y sus sentimientos previos a la liberación. También tiene una alusión lírica al sencillo de 1986 de la cantante "Live to Hell", con contundentes voces y armonías de doble pista. Madonna mejoró más los sonidos rítmicos y comprimió los sonidos de los graves, con el fin de satisfacer la tendencia musical de entonces. Secret comienza con la voz de la artista cantando sobre una guitarra rítmica, para pasar después a una sección de ritmo retro. En  I'd Rather Be Your Love Madonna codicia lo inalcanzable a través de un proceso de negociación, y se permite hasta un rap de ocho compases hacia mitad de la canción. Utiliza en este tema un sample del tema "Its Your Thing" de Lou Donaldson. Don't Stop se caracteriza por el sonido de un prominente bajo mientras la artista no deja de dar órdenes: "No dejes de hacer lo que estás haciendo nena, no te detengas, sigue moviéndote, sigue moviéndote, sigue bailando". Inside fo Me comienza con el mismo tempo que la canción anterior, con un gran bajo y unos teclados de jazz, con Madonna cantando en un registro vocal entrecortado. A pesar de que pueda parecer la letra de corte erótico, la cantante confirmó en una entrevista de MTV que la letra sonaba como una canción de amor al principio, pero de hecho, escribió esa canción en memoria de su difunta madre. En Human Nature, uno de sus exitosos sencillos, la cantante se enfrenta al machismo. En cuanto al apartado musical, la cantante le dio un toque nasal que recuerda al estilo soul imperante en la década de los 90. Fue otra de las canciones, junto a Survival, donde Madonna descargó sus frustraciones con respecto a la controversia que la rodeaba.

En Forbidden Love, compara el rechazo con un afrodisiaco y la instrumentación se mantiene durante toda la canción al mínimo para enfatizar las voces, terminando con un desvanecimiento. Love Tried to Welcome Me es una balada que se inspiró en un stripper que Madonna había conocido. La canción pretende proyectar un estado de ánimo sombrío y melancólico. En Sanctuary la artista cita el poema "Vocalism" de Walt Whitman, y alinea el amor y la muerte. Todo ello bajo un toque techno y con una introducción atmosférica que contiene una variedad de ruidos extraños. Bedtime Stories es una canción electrónica en la que Madonna se pregunta: "Las palabras son inútiles, especialmente las frases, no significan nada, ¿Cómo podrían explicar como  me siento?". Es la canción que además da título al álbum y fue escrita por Björk. A Madonna le gustaba esta canción como título ya que sentía que tocaba la idea de "cuentos que se cuentan, de palabras que se enseñan a los niños". Hay quien cree que la canción se refería a historias contadas a la hora de acostarse, la sexualidad explicada a los niños. Debido al miedo a las represalias y a que fuera malinterpretada, Madonna consideró cambiar el título, pero al final decidió mantenerlo, afirmando: "a la mierda, es un título hermoso". Take a Boss es la canción que cierra el álbum, una balada de medio tiempo de corte pop. La canción hace referencia a la línea "Todo el mundo es un escenario" (All the world's a stage). de la obra de William Shakespeare "Como gustéis" (As You Like), 

Bedtime Stories es un recomendable disco donde Madonna consiguió resurgir después de todas las polémicas en las que se había visto envuelta durante los dos años anteriores. 

viernes, 15 de marzo de 2024

Disco de la semana 369: Payin' the Dues - The Hellcopters

 

Payin' th Dues, The Hellacopters


     Payin' the Dues es el segundo álbum de estudio de la banda sueca The Hellacopters, y el último que presenta a su guitarrista fundador Dregen antes de su salida de la banda para centrarse a tiempo completo en su otra banda, Backyard Babies. Fue grabado en febrero de 1997 en los Sunlight Studios de Esctocolmo, Suecia, bajo la producción del propio grupo, de Andrew Shit y de Tomas Skogsberg, y publicado el 1 de octubre de 1997 por el sello discográfico White Jazz Records. Fue lanzado simultáneamente tanto en CD como en vinilo, sin embargo la canción City Slang únicamente estaba disponible en la edición de vinilo. Las ediciones iniciales fueron de 2000 unidades de humo transparente y 2500 unidades de vinilo violeta. Posteriormente estuvieron disponibles dos ediciones adicionales en dos versiones diferentes de vinilo negro.

El disco obtuvo críticas positivas por parte de la prensa especializada, y la banda realizó un gira por Escandinavia para promocionar el álbum, que les llevó por Suecia, Dinamarca y Noruega. Payin' the Dues fue relanzado en Estados Unidos en octubre de 1999 con un disco adicional de pistas extras en vivo, la cuales fueron grabadas en The Starfish Room en Vancouver el 28 de mayo de 1999 y contaron con Scott Morgan como invitado especial. 

La banda había comenzado en sus inicios con un sonido que se movía entre un punk y un speed metal muy agresivos. Disco a disco y con el tiempo The Hellacopters fueron evolucionando hacia un rock and roll menos cacofónico, más clásico y más elegante, y Payin' the Dues marcó el inicio de esa transición, con un sonido y un estilo entre punk y el metal, y todo ello con una gran solvencia musical. De hecho estamos ante un álbum que apenas llega a los 30 minutos de duración, y no nos vamos a aburrir en absoluto con la descarga que nos espera. Todas las canciones están acreditadas a la banda, y vamos a poder disfrutar de temazos como You Are Nothin, Hey!, Where the Adcition o Soulseller.

Desde el primer acorde, el álbum desata una tormenta de riffs abrasadores, ritmos contundentes y melodías contagiosas que llevan a los oyentes en un viaje nostálgico a la época dorada del género. Desde el principio del álbum y hasta el final, la banda realiza toda una declaración de intenciones, con su energía implacable y su actitud desafiante. La voz ronca y poderosa del vocalista Nicke Andersson se eleva sobre la cacofonía de guitarras distorsionadas y la sección rítmica implacable, creando una sensación de urgencia palpable que se mantiene durante todo el álbum.

A lo largo de Payin' the Dues, el grupo demuestra su habilidad para fusionar influencias clásicas con un enfoque moderno y fresco. A lo largo de todo el disco canalizan la ferocidad del garage rock de los años 60, siendo capaces de añadir en otros momentos un toque de psicodelia y experimentación sónica. Otra de las cosas que hace que Payin' the Dues sea verdaderamente notable es su sinceridad y autenticidad, en un momento en que el rock comercial estaba dominado por sonidos pulidos y producciones excesivamente elaboradas, The Hellacopters optaron por abrazar la crudeza y la imperfección. Este enfoque se refleja en la producción del álbum, que captura la energía cruda y la intensidad visceral de la banda en su forma más pura.

A pesar de su lanzamiento hace más de dos décadas, su influencia se extiende mucho más allá de su país de origen, sirviendo como inspiración para una nueva generación de músicos que buscan mantener viva la llama del rock and roll. Payin' the Dues es un recordatorio de que, incluso en un mundo en constante cambio, nos queda el poder del rock and roll para emocionar, inspirar y liberar. Y una última reflexión, ante este gran trabajo uno tiene que preguntarse que hubiera pasado si esta banda en vez de sueca fuera estadounidense.