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domingo, 17 de septiembre de 2023

0990.- Dama, dama - Cecilia

Evangelina Sobredo vivió una infancia cargada de traslados, durante su niñez, su padre, diplomático de profesión, estuvo destinado en Gran Bretaña, Estados Unidos, Portugal y Jordania. Desde pequeña se aficionó a la música, simultaneando el español y el inglés en sus canciones y primeras composiciones a su regreso a España, estudia la carrera de Derecho en la universidad madrileña conoce al pope del folk español, Joaquín Díaz, este le pone en contacto con otros dos músicos importantes: Nacho Saenz de Tejada y Julio Seijas, que formaban parte de Nuestro Pequeño Mundo y Aguaviva respectivamente. Juntos graban un single en 1970 bajo el nombre de Expresión pero aquella aventura apenas dura unos meses. En el descanso de una actuación en la sala JJ en la que hacía coros para Canarios, toma el micrófono y canta su tema “Portraits and pictures”, la escucha Tomás Muñoz, director de la CBS, recién instalada en España y la ficha inmediatamente y cambia su nombre por el de Cecilia en honor a un tema de Simon & Garfunkel, muy en boga por aquellas fechas.


La canción "Dama, Dama" de Cecilia retrata la vida de una mujer que aparenta ser una esposa obediente y cumplidora, que se ajusta a las expectativas sociales y principios religiosos. Las letras la describen como alguien que sigue el tercer mandamiento (presumiblemente "Recuerda el día de reposo para santificarlo") y mantiene una fachada adecuada como buena madre y esposa con una educación religiosa. Sin embargo, debajo de esta apariencia bien comportada, se esconde un deseo oculto de independencia y libertad. La frase "Y si no fuera por miedo, sería la novia en la boda" sugiere que si no fuera por el miedo, ella rompería con sus circunstancias actuales y elegiría su propio camino, simbolizado por ser la novia en una boda. Esto implica que ella se siente atrapada o limitada en su matrimonio. Las letras también mencionan que ella es amante de un "vividor", que puede interpretarse como un hombre que vive a costa de los demás o lleva un estilo de vida despreocupado. Esto podría simbolizar su anhelo de una relación más apasionada y emocionante, en contraste con su papel de esposa obediente de su esposo. A lo largo de la canción, las letras la retratan como una mujer que se esfuerza por ser más que solo una esposa y madre. Se la describe como una ávida lectora y escritora, expresando su lado intelectual y su deseo de ser creativa, incluso si va en contra de las normas de la sociedad. Sin embargo, sus intereses y ambiciones pueden ser considerados anticuados o pasados de moda, resaltando las limitaciones impuestas sobre ella. Éste era un tema bastante sorprendente para la época. Contaba muy ácidamente las miserias y las alegrías de una mujer de la aristocracia de entonces, se trataba de un mundo que conocía perfectamente, ya que la carrera diplomática de su padre la había puesto de sobrados antecedentes. “Dama, dama”, al margen de una letra que bien podría formar parte de cualquier selectiva antología de poesía social del siglo XX, es una de esas sencillas canciones perfectas con los que uno se topa de tarde en tarde. El tono airado de la voz de la cantante contrata con la suave cuerda y el ritmo comedido del acompañamiento. Los arreglos de Juan Carlos Calderón también ayudan lo suyo a la brillantez de uno de los temas más conocidos de su década. Las dos canciones de este disco pequeño formaron parte del LP “Cecilia” (CBS, 1972) que consagraría a su autora.


Cecilia es parte de la mejor historia de la música española. Su sensibilidad, su rebeldía, su dulce protesta feminista y sus composiciones inolvidables la convierten seguramente en la más grande cantautora que ha dado nuestro país. La universalidad de sus músicas y de sus letras se pone de manifiesto cuando vemos que artistas tan dispares como Manzanita, Mocedades, Julio Iglesias, Fangoria, Rocío Durcal, Manolo Tena, Le Mans, Rosario Flores y un largo etcétera han grabado sus composiciones.


jueves, 31 de agosto de 2023

0973.- Love's enought - David Ackles



David Ackles sólo hizo un total de cuatro álbumes, entre 1968 y 1973. Sus compañeros compositores Elton John y Elvis Costello se preguntan por qué su música no es más conocida. Costello describió una vez la falta de reconocimiento como un “misterio”. También se aseguró de reconocer a Ackles como una de sus principales influencias en su discurso de incorporación al Salón de la Fama del Rock and Roll en 2003. Quizás la música de Ackles, producto de la influencia combinada de las melodías de los espectáculos de Broadway, Jacques Brel, Brecht y Weill, el music hall inglés y el naciente movimiento de cantautores del sur de California no estaban lo suficientemente de moda. Ackles comenzó su carrera como compositor como compositor de Elektra Records, pero sus canciones eran tan únicas e idiosincrásicas que simplemente no funcionaban para otros artistas. El legendario jefe de Elektra, Jac Holzman, sugirió que Ackles hiciera sus propios álbumes, y el sello lanzó su debut homónimo en 1968. El lanzamiento tuvo un éxito de crítica, pero poco reconocimiento público, y se publicó un segundo álbum, Subway to the Country de 1970 . , corrió la misma suerte.


American Gothic fue su tercer trabajo un album de 11 piezas organizado en torno al tema "buscar América", en este caso, el redescubrimiento de uno mismo a través de la contemplación de la América rural en desaparición. Los sonidos musicales del álbum son brillantemente eclécticos y están ordenados con total precisión formal. Las principales influencias de la música de Ackles son Kurt Weill y Aaron Copeland, quienes para Ackles representan, respectivamente, la actualidad descarada y la búsqueda mítica. Como cantante, Ackles se sitúa a medio camino entre el folk y la comedia musical, dado que su fuerza vocal es modesta y su estilo de canto muy sencillo, a menudo emplea un discurso modificado para dramatizar sus letras. Para algunos puede sonar cursi, pero para mí funciona ya que el impulso hacia el melodrama está prácticamente controlado, aun así estamos ante una obra de un genio y que en gran medida no esta reconocida, uno de los álbumes estadounidenses más pasados ​​de moda e intransigentes de todos los tiempos. Ackles pinta un retrato colorido y poético de Estados Unidos, una obra de teatro inquietantemente oscura filtrada a través de la sensibilidad melódica de un compositor, elaborado capa tras capa, se revela más como una obra dramática que como un lanzamiento de rock o pop convencional, basándose en compositores clásicos estadounidenses modernos como Charles Ives y Aaron Copland, y con apariciones determinates de gospel, rock, blues y soul. Imagine un álbum de arte folk que une la apasionada narración de Woody Guthrie y las orquestaciones de Kurt Weill, ademas hay una tensión extraña entre las letras dolorosamente reminiscentes, las vidas tranquilas y desesperadas de la masa media y las melodías llamativas y vibrantes, salpicadas de algo de disonancia al estilo de Scott Walker. Ackles parece empatizar profundamente con la situación y denigrarla (y, sí, es una situación difícil; la pobreza rural es profundamente entristecedora y, desafortunadamente, de alguna manera no cumplió con la agenda de corrección política) de los habitantes de tierras agrícolas desperdiciadas y dependientes. Ackles tiene una agenda y la logra, la pregunta es si el oyente está de acuerdo. En mi caso, no siempre, pero a veces esto es profundo y es fenomenal cuando lo hace.

Love's Enough es quizas su cancion más sobria, la que menos os va a costar y luego podeis seguir dando pasos, es un tema que podría haber sido editado por cualquier artista de cualquier época con sólo cambios mínimos en los arreglos y la producción para hacerlo adecuado a su época. En los años ochenta, sus tambores cepillados casi inaudibles habrían sido reemplazados por tambores enormes-súper-mega-gigantes-que-golpean-en-una-cueva. En los años cincuenta podría haber contado con la atención de Gordon Jenkins o Nelson Riddle, aun asi esta cancion te hubiera tocado la fibra la escuches como la escuches...


lunes, 28 de agosto de 2023

0970 - Van Morrison - Saint Dominic's Preview

0970 - Van Morrison - Saint Dominic's Preview

"Saint Dominic's Preview" es una cautivadora y enigmática canción del cantante y compositor norirlandés Van Morrison. Lanzada en 1972 como la pista principal de su álbum homónimo, la canción se ha convertido en un ícono del género del rock y ha dejado una huella significativa en la música contemporánea.

La canción se distingue por su intrincada mezcla de estilos musicales, fusionando elementos del rock, blues y jazz, todo ello respaldado por la distintiva voz de Van Morrison. La interpretación apasionada y emotiva del artista agrega una capa adicional de profundidad a la pista, logrando transmitir una amplia gama de emociones a lo largo de sus más de seis minutos de duración.

La lírica de "Saint Dominic's Preview" es notablemente poética y evocadora, característica típica de las composiciones de Van Morrison. El tema de la canción parece girar en torno a una exploración introspectiva y mística, con referencias crípticas a diversos aspectos de la vida y la espiritualidad. La narrativa se desarrolla con un sentido elusivo, lo que permite a los oyentes interpretar y conectar con la canción de manera personal, a medida que se sumergen en sus enigmas líricos.

Musicalmente, la canción se despliega en una serie de cambios de tempo y dinámicas, lo que aporta una sensación de viaje sonoro a lo largo de su ejecución. Los músicos acompañantes de Van Morrison aportan su destreza en la instrumentación, contribuyendo a la atmósfera enigmática y atractiva de la pista.

"Saint Dominic's Preview" ha sido aclamada por la crítica y es considerada como una de las obras maestras de la carrera de Van Morrison. Su capacidad para fusionar géneros y su profundidad lírica han dejado una impresión duradera en la música contemporánea y en la audiencia que sigue descubriendo su obra.

En conclusión, "Saint Dominic's Preview" es una canción fascinante que encapsula la destreza artística de Van Morrison y su habilidad para trascender géneros musicales. Su lírica enigmática y emotiva interpretación hacen que esta pista siga siendo relevante y disfrutable incluso décadas después de su lanzamiento, lo que demuestra el impacto perdurable de la obra de este legendario músico.

Daniel
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domingo, 27 de agosto de 2023

0969 - Van Morrison - Jackie Wilson Said (I'm in Heaven When You Smile)

0969 - Van Morrison - Jackie Wilson Said (I'm in Heaven When You Smile)

En la historia de la música, hay canciones que perduran en el tiempo y siguen deleitando a generaciones. "Jackie Wilson Said (I'm in Heaven When You Smile)" es una joya atemporal del legendario cantante y compositor norirlandés Van Morrison. Lanzada en 1972 como parte de su álbum "Saint Dominic's Preview", esta canción ha dejado una huella indeleble en el mundo musical gracias a su mezcla distintiva de ritmos, suavidad vocal y letras encantadoras. En esta reseña, exploraremos los aspectos destacados de este himno musical y su influencia duradera en la industria.

"Jackie Wilson Said" se inicia con una melodía contagiosa y alegre que, desde el primer acorde, invita al oyente a unirse a este viaje musical. La habilidad de Van Morrison para fusionar elementos del jazz, R&B y rock and roll se hace evidente en esta canción, creando una fusión única y atractiva de estilos. El ritmo animado y el ritmo pegajoso invitan a la gente a moverse y cantar al unísono, haciendo de esta pieza un clásico inolvidable en el repertorio de Van Morrison.

La voz distintiva de Van Morrison es el ingrediente clave que hace que esta canción sea tan especial. Su entrega suave y emotiva transmite una sensación de calidez y felicidad, lo que concuerda perfectamente con el título de la canción. La manera en que Van Morrison expresa la lírica es encantadora, transmitiendo un sentimiento genuino de amor y alegría. Su estilo vocal único ha sido una influencia significativa para muchos artistas posteriores, y es un aspecto que ha dejado un impacto duradero en la música popular.

La composición lírica de "Jackie Wilson Said" también merece mención. La canción está inspirada en el famoso cantante de soul Jackie Wilson, y en sus letras, Van Morrison celebra el poder del amor verdadero para elevar el espíritu humano y ofrecer un estado de felicidad divina. La analogía de estar en el cielo cuando el ser amado sonríe crea una imagen emotiva y romántica, lo que la convierte en una canción atemporal para enamorados y soñadores por igual.

El legado de "Jackie Wilson Said" es innegable. A lo largo de los años, esta canción ha sido versionada por numerosos artistas de diferentes géneros, lo que demuestra su relevancia continua en el panorama musical. Además, ha sido incluida en diversas bandas sonoras de películas y programas de televisión, reafirmando su estatus como un clásico imperecedero.

"Jackie Wilson Said (I'm in Heaven When You Smile)" de Van Morrison es una obra maestra musical que ha resistido el paso del tiempo. Su encantadora combinación de ritmos, la voz distintiva de Van Morrison y su emotiva lírica hacen de esta canción un tesoro para la música en general. Con su poder para levantar el ánimo y transmitir un mensaje de amor y felicidad, esta pieza continúa resonando con oyentes de todas las generaciones. Van Morrison ha dejado un legado imborrable con "Jackie Wilson Said", y su influencia en la música sigue siendo admirada por artistas y seguidores en todo el mundo.

Daniel
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martes, 15 de agosto de 2023

0957.- Elegía - Joan Manuel Serrat



Miguel Hernández Gilabert, nace el 30 de octubre de 1910 y muere el 28 de marzo de 1942, de tuberculosis, (31 años), cuando estaba preso por el gobierno español, después de la guerra civil española. Sus padres eran campesinos; en 1925 obligan a Miguel para que deje la escuela a los 15 años para que siga los pasos de su padre y se convierta en pastor. Situación que no acepta, se hace autodidacta, y a los 23 años después de un fracaso que lo fortalece, vuelve a Madrid donde comienza a mostrar sus poemas, allí conoce a poetas de la altura de Pablo Neruda. Quien será su amigo y mentor. Haciendo que su poesía sea más de corte social y comprometida con los pobres.

Miguel Hernández escribió tal vez, la "Elegía" más grande elegía de la literatura española del siglo XX, dedicada a Ramón Sijé, el amigo con el que había mantenido una relación estrecha desde los primeros años y del que de una manera gradual había ido separándose hasta el momento en que el poeta viaja a Madrid y conoce a algunos miembros de la generación del 27 y a Pablo Neruda, estando alli, Ramon Sijé fallece demasiado joven, pero quien fue ese amigo. José Ramón Marín Gutiérrez -Ramón Sijé- (Orihuela,1913 - 1935) fue un escritor, vecino de niño, amigo de Miguel Hernández, y admirador entusiasta de su obra poética. Compartieron ideales políticos y literarios: Ramón fue ferviente católico, defensor de la República y, al principio, compartieron ambos ideario falangista. Miguel publicaría sus poemas en la revista El gallo en crisis (subtitulada libertad y tiranía) que fue un proyecto literario de Ramón Sijé que desde el catolicismo tenía una actitud crítica con la realidad del momento (1934-35). En 1935 la ideología de Miguel Hernández cambia de rumbo (en 1936 se afiliaría al Partido Comunista de España) y empieza su relación con el entorno de Pablo Neruda que le influiría para considerar su relación con Ramón como un lastre. En esa época comienza a colaborar con las Misiones Pedagógicas de la Institución Libre de Enseñanza. Ramon Sijé murió el 13 de diciembre de 1935 en Orihuela al enfermarse de una infección intestinal, que le produjo una septicemia que le infectó el corazón a la edad de 22 años. Su amigo del alma, al enterarse de su fallecimiento, le escribió este hermoso poema en su memoria, que está dentro del libro El rayo que no cesa (1936), a modo de último homenaje. Se puede decir que es un poema que exalta la emotividad, leyéndolo puedes recrear en ti las emociones que Miguel estaba sintiendo, su entristecimiento. A demás, se puede experimentar propiamente, muchas personas habrán tenido recientemente un fallecimiento, ya sea de un amigo, o de alguien querido, al cual no le habías expresado tu afecto. La música que se le añade posteriormente por Joan Manuel Serrat recrea un ambiente de dolor todavía más profundo.


En 1972 Joan Manuel Serrat estrenó su noveno álbum, titulado Miguel Hernández y dedicado por entero a sus poemas. Gracias a este disco muchos pudieron conocer la figura de este poeta perseguido y muerto por una dictadura que, cuando este disco salió, daba sus últimos coletazos. Serrat popularizando la poesia castellana como ningún interprete antes había hecho. Y tanto en este caso como en el de Antonio Machado impulsó de una manera impensable el conocimiento, cuanto menos superficial, de estos grandes poetas y a muchos nos abrió el camino de la lectura poética más allá de ponerle "tonillo" a los versos. Impecable, por cierto, la adaptación musical que hace Serrat en este y en otros casos de modo que hace indisoluble, a quien lo escuchó, la letra del poema y la música que lo acompaña.


lunes, 14 de agosto de 2023

0956 - Joan Manuel Serrat - Nanas de la cebolla


0957 - Joan Manuel Serrat - Nanas de la cebolla

"Nanas de la cebolla" es una canción icónica del reconocido cantautor español Joan Manuel Serrat, que ha cautivado a oyentes de diferentes generaciones desde su lanzamiento en 1969. Esta emotiva melodía, basada en el poema homónimo del poeta y dramaturgo Miguel Hernández, no solo destaca por su belleza musical, sino también por la profundidad y la carga emotiva que encierra.

La canción comienza con unos acordes de guitarra suaves y melancólicos, que establecen una atmósfera nostálgica desde el primer momento. La voz de Joan Manuel Serrat se desliza por las estrofas con delicadeza y pasión, transmitiendo la angustia y el sufrimiento que impregnan las letras del poema original. Su interpretación es sencilla pero llena de intensidad, permitiendo que la poesía y el mensaje se conviertan en los protagonistas indiscutibles de la canción.

"Nanas de la cebolla" aborda la realidad dolorosa de una madre que llora la pérdida de su hijo debido a la miseria y la opresión social. Las metáforas poéticas utilizadas por Miguel Hernández para describir esta situación se entrelazan con maestría en la composición de Joan Manuel Serrat, generando un impacto emocional profundo en quienes escuchan la canción. Cada verso es una bofetada de realidad que nos hace reflexionar sobre las injusticias y las desigualdades sociales que aún persisten en nuestro mundo.

La habilidad de Serrat para capturar la esencia de la poesía de Hernández y transformarla en música es admirable. La melodía fluye con elegancia, respetando el ritmo y la cadencia de las palabras, y otorgando a la canción una fuerza adicional. Los arreglos musicales son sutiles, permitiendo que la voz de Joan Manuel Serrat brille y que el mensaje llegue directamente al corazón de quienes escuchan.

"Nanas de la cebolla" es una obra maestra que trasciende el tiempo y las fronteras. Su mensaje sobre la injusticia social y el sufrimiento humano sigue siendo relevante en la actualidad. A través de esta canción, Joan Manuel Serrat y Hernández nos invitan a reflexionar sobre la importancia de la empatía y la lucha por un mundo más justo.

"Nanas de la cebolla" es una joya musical que nos conmueve y nos invita a la reflexión. La combinación de la poesía de Miguel Hernández con la sensibilidad interpretativa de Joan Manuel Serrat crea una experiencia artística inolvidable. Esta canción demuestra el poder de la música y la poesía para transmitir emociones y despertar conciencias. "Nanas de la cebolla" es una obra atemporal que merece ser escuchada y apreciada por todos aquellos que valoran la belleza y la profundidad en la música.

Daniel
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domingo, 13 de agosto de 2023

0955.- Para la libertad - Joan Manuel Serrat



"Para la libertad", incluida en el álbum "Mediterráneo" (1971), es una de las canciones más emblemáticas y reivindicativas de Joan Manuel Serrat, en la que el gran cantautor catalán puso música a un poema de Mario Benedetti. La canción se convirtió al instante en un himno de la lucha por la libertad y la justicia en el mundo ("Para la libertad, sangro, lucho, pervivo...").

Abordar temas como la opresión, la injusticia y el anhelo de un mundo mas igualitario, supuso todo un desafío en el marco político y social de la dictadura franquista, pero la canción de Serrat ha perdurado en el tiempo y más allá de las circunstancias políticas y sociales en las que fue creada y publicada, convirtiéndose en una de las canciones más queridas y reconocidas de su repertorio en directo.

Su acertada combinación de poesía y lírica sigue resultando conmovedora para generaciones posteriores, que han vivido la libertad, o la falta de ella, de una manera diferente. Para todos ellos, o mejor dicho, "Para la libertad", nada mejor que escuchar los consejos del gran Benedetti, con la suave música y la sentida interpretación vocal del gran Serrat.

domingo, 23 de julio de 2023

0934.- The Kids - Lou Reed

 

The Kids, Lou Reed


     En octubre de 1973 aparece publicado el tercer álbum de estudio del músico estadounidense Lou Reed, Berlin. El disco es grabado en los estudios Morgan de Londres y los Record Plant de Nueva York, bajo la producción de Bob Ezrin, quien además colabora en el álbum tocado el piano, el mellotron y con los arreglos. Berlin es publicado bajo el sello discográfico Rockart Records

Berlin es un álbum conceptual que nos relata la historia de la lucha de una pareja contra la adicción y el abuso de las drogas. Estamos ante una opera rock muy oscura que gira en torno a dos bohemios drogadictos. La portada del disco fue concebida por Pacific Eye & Ear, quien también se encargó del diseño de Muscle of Love de Alice Cooper ese mismo año. Las primeras líneas líricas de Berlin se muestran debajo de una collage donde aparecen los personajes de este trabajo conceptual.

Inicialmente la recepción de la crítica ante este álbum fue mixta, hay quien lo consideró un gran trabajo, y quien lo catalogó como un desastre, como la revista Rolling Stone en su momento. Sin embargo, con el tiempo este disco ha ido cogiendo fuerza e importancia, hasta el punto de ser catalogado por la misma Rolling Stone, quien lo defenestró en su momento, en el puesto 344 de su lista de los "500 mejores álbumes de todos los tiempos" en el año 2012. 

En su debut, alcanzó el puesto número 7 en las listas del Reino Unido, sin embargo en Estados Unidos consiguió muy bajas cifras, llegando únicamente al puesto número 98 en sus listas de ventas. Todo esto hizo que Lou Reed se sintiera muy desilusionado con el disco. 

Incluido en este álbum se encuentra The Kids, una canción que habla de una madre a la que las autoridades le quitan a sus hijos. No hay nada peor para una madre, quien en la siguiente canción, The Bed, acaba quitándose la vida en la cama donde fueron concebidos los niños. El productor Bob Ezrin usó a sus propios hijos, David y Josh, para los sonidos de los niños llorando y gritando por su mamá. Hay una leyenda urbana, que no deja de ser precisamente eso, que dice que Bob les dijo a sus hijos que su madre había muerto para que los niños se sintieran devastados y se notara en la grabación. Esta canción contiene una última curiosidad, el grupo británico The Waterboys tomó su nombre de una línea de la canción: "And i am the water boy, the real game's not over here" (Y yo soy el chico del agua, el verdadero juego no esta aquí).

sábado, 22 de julio de 2023

0933.- Caroline Says II - Lou Reed



“Caroline Says II”, llamada así por tratarse de una canción separada en dos partes (“Caroline Says I" y “Caroline Says II”), ambas incluidas en el disco conceptual Berlin (1973) de Lou Reed, es además una revisión de “Stephanie Says”, un tema que Reed ya había grabado previamente con The Velvet Underground.

Lou Reed quiso enfocar su tercer disco en solitario como un trágica "ópera rock" conceptual, y como tal, todas las canciones de Berlin giran en torno a una historia o temática determinada, en este caso la relación entre Caroline y Jim, una pareja de drogadictos en la capital germana. A lo largo de la historia, la triste vida de la pareja va pasando por sórdidos momentos de abuso de drogas, prostitución, violencia doméstica, depresión y deseos de suicidio.

La idea conceptual fue del productor Bob Ezrin (que posteriormente produciría también The Wall, el disco conceptual por excelencia), tras comentar a Reed que creía que sus canciones tenían grandes comienzos y desarrollos, pero adolecían siempre de un final, como en "Berlin", una canción del primer disco en solitario de Reed, de la que siempre había querido saber qué había pasado finalmente con la pareja protagonista, y con el disco Berlin se propuso que Reed contara la historia completa.

Con ese punto de partida, era lógico que el disco abriera, precisamente, con una revisión (más breve y solo con acompañamiento de piano) de la canción Berlin, y que “Stephanie Says” acabara convirtiéndose, hasta en dos ocasiones, en “Caroline Says”. La reconvertida canción de Reed ha tenido desde entonces una gran influencia y reconocimiento en el mundillo musical "underground", y como curioso ejemplo, la cantante mexicana-española Alaska tomó su nombre artístico de una célebre frase de esta dramática canción: "Hace mucho frío en Alaska".

viernes, 21 de julio de 2023

0932 - Lou Reed - Berlin


0932 - Lou Reed - Berlin

"Berlin" es una canción emblemática de la banda liderada por Lou Reed, lanzada en 1973 como el título principal de su álbum conceptual del mismo nombre. La canción y el álbum en su conjunto exploran temas oscuros y desgarradores, narrando la historia de dos personajes principales, Jim y Caroline, y su relación destructiva en la ciudad de Berlín.

La canción "Berlin" captura la esencia de la tristeza y la desesperación a través de su letra poética y la emotiva interpretación de Lou Reed. Con una melodía melancólica y una instrumentación orquestal envolvente, la canción te sumerge en un estado de ánimo sombrío desde el primer compás.

La lírica de "Berlin" retrata una relación tóxica y autodestructiva. Las letras pintan imágenes vívidas de escenas desgarradoras y emocionalmente cargadas, mientras exploran temas de soledad, adicción, angustia y desesperanza. Lou Reed logra transmitir una intensidad emocional cruda y poderosa con su distintiva voz y entrega vocal.

Musicalmente, "Berlin" es una mezcla magistral de rock, música orquestal y elementos del género cabaret. La orquestación dramática agrega una profundidad y una sensación de opresión a la canción, acentuando aún más la historia sombría que se cuenta. A medida que avanza la canción, la intensidad se va construyendo gradualmente, hasta llegar a un clímax desgarrador.

En su conjunto, "Berlin" es una obra maestra de la música que ejemplifica la habilidad de Lou Reed para contar historias a través de sus canciones. Es una composición audaz y emocionalmente impactante que desafía las convenciones y se adentra en los rincones más oscuros de la experiencia humana.

"Berlin" es un testimonio del talento artístico y la creatividad de Lou Reed y su capacidad para crear música que va más allá de lo convencional. Es una canción que deja una impresión duradera y que continúa siendo una pieza fundamental en el legado musical de Lou Reed y su influencia en la escena del rock.

Daniel 
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lunes, 17 de julio de 2023

0928.- Pink Moon - Nick Drake

Nicholas Rodney Drake nació el 19 de junio de 1948 de padres Molly y Rodney Drake en Yangon Myanmar cuatro años después del nacimiento de su hermana Gabrielle Drake. Poco después en 1950 se mudaron a Inglaterra, Warwickshire donde Nick viviría el resto de sus días hasta su fallecimiento el 25 de noviembre de 1974 a la edad de 26 años. La causa de la muerte fue una sobredosis de Tryptizol vendido bajo la marca Amitriptyline, que es un antidepresivo que le recetaron a Nick para combatir sus crecientes problemas de salud mental. No se ha resuelto si su muerte fue un suicidio intencional o un error devastador, pero citando a su hermana Gabrielle Drake, ella "prefirió que muriera porque quería ponerle fin a su vida a que fuera el resultado de un trágico error". Y creo que la mayoría estaría de acuerdo.

En octubre de 1971, Nick Drake se acercó al productor John Wood, el hombre que diseñó a Bryter Layter y comenzó a trabajar en su último álbum, Pink Moon es Nick Drake en su forma más cruda y vulnerable, no queda ni rastor de la amplia gama de instrumentación y orquestación que definió sus 2 álbumes anteriores, solo se trata de la voz de Nick, su guitarra y, en la canción principal de apertura, su piano. Este álbum es una aventura seria en la mente de un músico brillante y talentoso que enfrenta dificultades extremas, para muchos la mente es el lugar más difícil para estar, y esa es una de las mejores cualidades de este álbum: la capacidad de relacionarse y cómo la música puede hablarle al alma. Hay un momento en el disco devastador cuando dice. "Ahora soy más oscuro que el mar más profundo". 'mostrando cómo la depresión puede arruinar a una persona y su perspectiva de la vida, su perspectiva deprimida le hace ver cómo son realmente las cosas y está deprimido por eso y sus pensamientos y estado de ánimo son oscuros. Otra letra que se te clava es aquella en la que dice "Puedo tomar el camino que me llevará a través", siempre he interpretado esta letra como una declaración de despedida del camino que lo verá. Nick se ve a sí mismo como una carga para los demás y nada más que un parásito repugnante este siendo enfatizado aún más en la línea 'puedes verme en la tierra', esta puede ser otra alusión al suicidio y estar bajo tierra, también podría significar que se siente muerto por dentro e inútil para quienes lo rodean sintiéndose como si estuviera mejor muerto. A principios de 1972, después del lanzamiento del álbum, Nick sufrió una crisis nerviosa y fue ingresado en un hospital psiquiátrico durante 5 semanas, su ex psiquiatra creía que podría haber tenido esquizofrenia

La canción de apertura 'Pink Moon', comienza con una alegre y hermosa melodía de guitarra seguida por la voz relajante y magníficamente inquietante de Nick cantada en un rango clásico de barítono. él canta sobre una luna rosa y cómo todos sucumbiremos a ella, esto se demuestra en la línea 'La luna rosa los atrapará a todos'. La luna rosa de la que habla podría aludir a la muerte y podría presagiar su propia muerte. Drake tranquiliza al oyente con acordes agradables y letras repetitivas, deja que la audiencia se deleite en una ola de tranquilidad. La falta de otros instrumentos nos permite conectarnos directamente con Drake, casi como si estuviéramos en la misma habitación que él. Se siente personal, como si te estuviera contando un secreto: "Una luna rosa está en camino". Esta pista se usó en un anuncio de Volkswagen que impulsó la popularidad de Nick y aumentó sus ventas de discos en los EE. UU. de solo 6.000 a 74.000 para el año 2000. En febrero de 1973, Drake se puso en contacto con el ex productor Wood y le dijo que estaba listo para trabajar en su cuarto álbum de estudio. La sesión inicial se realizó en julio de 1974. Luego, el 25 de noviembre de 1974, falleció, su cuerpo fue incinerado y sus cenizas puestas debajo de un roble en la iglesia. Nick Drake vivirá a través del arte que creó durante su breve vida y seguirá impactando a millones con su música.


sábado, 15 de julio de 2023

0926.- Time in a bottle - Jim Croce



Jim Croce escribió la letra de Time in a Bottle en diciembre de 1970, cuando su mujer le dijo que estaba embarazada, volcando en la canción toda la dulzura y la emoción de aquel mágico momento para la pareja, y creando con ello una de las baladas más tiernas y conmovedoras de la música de los años setenta, que se apoya en unos efectivos arreglos de clavicordio que encajan a la perfección con la voz del cantautor estadounidense.

Time in a Bottle fue incluida, casi dos años después, en You Don't Mess Around with Jim (1972), el álbum de debut de Jim Croce, y en la banda sonora de la película para televisión She Lives! (1973) para la cadena ABC, pero no salió como single hasta que, tras la muerte del cantante en un accidente aéreo en septiembre de 1973, Time in a Bottle empezó a sonar insistentemente en la radio, y los oyentes empezaron a demandar un disco que poder llevarse a casa.

La demanda fue tal, que el sencillo de Time in a Bottle fue, tras "Bad, bad Leroy Brown", la segunda y última canción de Jim Croce en alcanzar el número del Billboard estadounidense, y se convirtió además en el tercer single póstumo de la historia en alcanzar el top de las listas de Estados Unidos, tras "Sittin' on the Dock of the Bay" de Otis Redding y "Me and Bobby McGee" de Janis Joplin. Las ventas de la canción impulsaron también las del disco, manteniéndolo en el primer puesto de las listas de ventas durante cinco semanas.

domingo, 9 de julio de 2023

0920.- Heart of gold - Neil Young



En palabras del propio Neil Young, Heart of gold fue el tema que le puso "en el centro de la carretera", y no exageraba, porque fue el único sencillo del músico canadiense que consiguió alcanzar el primer puesto de las listas de ventas de Estados Unidos. Incluida en el disco Harvest (1972), es la más famosa de una serie de canciones acústicas compuestas por Young tras una lesión de espalda que le impidió tocar erguido durante un largo período de tiempo.

Grabada en 1971 en los estudios Quadrafonic de Nashville, Tennessee, cuenta con la curiosidad de incluir a James Taylor y Linda Ronstadt como invitados especiales en los coros. Ambos estaban en Nashville para participar en el programa de televisión de Johnny Cash, y el productor Elliot Mazer les convenció de participara en la nueva canción de Young, en un principio planeada para ser grabada con piano. pero que finalmente se registró en un tono acústico más fiel a la manera en la que el músico la había compuesto.​

Heart of gold también tiene el (dudoso) honor de ser la canción de Neil Young más odiada por Bob Dylan, admirador de Young pero algo contrariado porque le parecía que la canción sonaba en su propio estilo, y que alguien le "copiara" y fuera número uno le provocaba un sentimiento encontrado cada vez que la escuchaba en la radio: "Creo que estuvo de número uno bastante tiempo, y dije: 'Joder, ese soy yo. Si suena como yo, también debería estar yo". Quizá sea lo único que le falte a un tema tan grande para lograr la matrícula de honor, una tercera colaboración especial del mismísimo Dylan, pero en su ausencia, y bromas aparte, sigue siendo un tema sobresaliente.

sábado, 8 de julio de 2023

0919.- Harvest - Neil Young

 

Harvest, Neil Young


     El 1 de febrero de 1972 Neil Young publica su cuarto álbum de estudio en solitario, Harvest. El disco es grabado entre varios estudios de Nashville, Londres y California, bajo la producción de Elliot Mazer, Henry Lewy, Jack Nitzsche y el propio Neil Young, y publicado bajo el sello discográfico Reprise Records. Young contó con la Orquesta Sinfónica de Londres para grabar dos pistas y con las voces de invitados de la talla de David Crosby, Grahamn Nash, Linda Rondstadt, Stephen Stills y James Taylor. El álbum llegó a encabezar las listas de ventas en Estados Unidos en la lista Billboard 200 durante dos semanas.

después de la separación de Crosby, Stills, Nash & Young, Young reclutó un grupo de músicos de sesión, que bautizó como The Stray Gators, y grabó un disco enfocado hacia el country rock. El disco resultó ser un auténtico éxito y cogió con la guardia baja al músico, que reaccionó de primeras alejándose del estrellato. Incluido en este disco se encuentra la pista Harvest, que al parecer fue escrita por Young inspirándose en su por entonces novia, la actriz Carrie Snodgress, cuando ambos estaban hasta arriba de ácido. Young le pedía a su novia que le diera detalles sobre su madre Carolyn, que era una mujer alcohólica que solía fingir suicidarse para llamar la atención y así probar constantemente el compromiso y amor de sus hijos. Harvest es una canción donde Young expresa su culpa por no poder aceptar y corresponder todo el amor que una mujer quiere darle. el músico siempre ha defendido que este subestimado tema es una de sus mejores canciones.

sábado, 1 de julio de 2023

0912.- Me & Julio Down By the School Yard - Paul Simon

 


Una cosa que Paul Simon comenzó a investigar inmediatamente después de que terminaron sus años con Art Garfunkel en 1970, fue la exploración de los estilos musicales del mundo. Desde el principio, tenemos "Mother and Child Reunion" de estilo reggae, "Me and Julio Down By the Schoolyard" que presenta instrumentación brasileña en su enfoque latino similar a la samba. En "Duncan", Simon presenta a Los Incas, el grupo musical andino que apareció en Bridge Over Troubled Water previamente. Estas tres canciones serían los primeros sencillos de la carrera en solitario posterior a Garfunkel de Paul Simon.

" Me And Julio Down By The Schoolyard" no necesita justificaciones, esta en el Top ten de canciones del año 1972, y mirando las listas de éxitos de ese año, creo que eso habla por si solo. El significado detrás de uno de los éxitos en solitario mas recordado de Paul Simon, menudo es difícil de ubicar, una valiente melodía popular, llena de inocencia juvenil y plagada de imágenes que se remontan a la propia adolescencia de Simon, donde cuenta una historia, pero al mismo tiempo no cuenta nada. ¿Hay algo que no ame en esa canción? ¿De qué trata la letra? ¡No tengo ni idea! Y, sin embargo, esas imágenes oscuras son tan hermosas, tan infantiles como parece ('Lo que vio tu mamá / esta fuera de la ley'). Juventud e inocencia, silbando una melodía que se te quedó grabada mientras volvías de la escuela a casa. Encantadora, aunque a veces sin sentido, deja muchas preguntas sin respuesta como "¿Qué vio mamá exactamente?" y "¿Por qué es contra la ley?" Pero la belleza de la canción está en su ambigüedad, que ofrece a los oyentes la libertad de crear su propia narrativa a partir de la melodía. La canción sigue a dos niños, el narrador de la canción y su presunto amigo, Julio, se supone que uno o ambos están en algún tipo de problema, cada vez que se menciona el nombre del narrador, mamá escupe en el suelo y papá dice: "si consigo a ese niño / lo pondré en la casa de detención".

Terminar una canción simplemente tocando los mismos tres acordes de siempre pero más fuerte. Para mí, la genialidad más cautivadora proviene de la forma en que Paul trabaja de tres maneras diferentes para que se cante el título de la canción: si vas a cantar algo tres veces, el procedimiento habitual es usar una estructura ABA, donde el la primera y la última repetición son iguales. En cambio, opta por un tipo de estribillo ABC, donde la última línea de la canción se siente totalmente inconclusa, muy ambivalente en cuanto al estado de ánimo. Tanto ABA como ABB se habrían sentido como resoluciones claras, pero ese último 'nos vemos a mí y a Julio en el patio de la escuela' es... un cambio tan preciso y genial en la forma habitual de proceder que llama la atención. (Ah, y Simon también logra la pronunciación correcta del nombre 'Julio'. Eso es tan elegante que no hace falta decirlo).

miércoles, 7 de junio de 2023

0888 - Neil Diamond - I am I said


0889 - Neil Diamond - I am I said

"I Am... I Said" es una canción icónica del cantante y compositor estadounidense Neil Diamond. Fue lanzada en 1971 como parte de su álbum "Stones". La canción destaca por su emotiva letra y la poderosa interpretación vocal de Neil Diamond, convirtiéndose en uno de sus mayores éxitos.

La letra de "I Am... I Said" refleja la sensación de soledad y desorientación de un individuo en busca de su lugar en el mundo. Neil Diamond canta sobre un sentido de desarraigo y una búsqueda interna de identidad. La frase repetitiva "I am... I said" (Yo soy... dije) se convierte en un estribillo pegadizo y se convierte en el leitmotiv de la canción, reforzando el tema central.

La melodía de la canción es melancólica y evocadora, con un piano y una guitarra acústica que brindan un acompañamiento sencillo pero efectivo. La voz distintiva de Neil Diamond transmite una profunda emoción y vulnerabilidad, capturando la angustia y la determinación del narrador mientras lucha con su propio sentido de identidad y propósito.

"I Am... I Said" ha perdurado en el tiempo como una de las canciones más memorables de Neil Diamond. Su resonancia emocional y la habilidad del cantante para transmitir sus sentimientos de manera auténtica la han convertido en un clásico atemporal. La canción ha sido interpretada en conciertos y continúa siendo apreciada por sus seguidores, ya que se conecta con la experiencia humana universal de buscar un sentido de pertenencia y autenticidad.

"I Am... I Said" es una poderosa balada de Neil Diamond que explora temas de identidad y búsqueda de propósito. Con una melodía emotiva y una interpretación vocal conmovedora, la canción ha dejado una huella duradera en la música popular y sigue siendo admirada como una de las obras maestras de Neil Diamond.

Daniel
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martes, 6 de junio de 2023

0887.- Without you - Harry Nilsson



"Without You" era una canción original de Pete Ham y Tom Evans, del grupo inglés de rock Badfinger, que la grabó por primera vez en 1970 para su álbum "No Dice". Cuando Harry Nilsson la escuchó por primera vez en 1971, creyó estar oyendo una canción de The Beatles, pero cuando se dio cuenta de que los que cantaban no eran los chicos de Liverpool, se atrevió a grabar su propia versión para su disco "Nilsson Schmilsson", y la lanzó como single en Octubre de 1971, con la canción "Gotta get up" en la cara B.

El single alcanzó los primeros puestos de las listas de ventas, convirtiéndose en una de las canciones más emblemáticas de toda su carrera, manteniéndose en lo más alto del Billboard estadounidense y las listas de singles de UK durante varias semanas. Fue también número 1 de ventas en países como Australia, Irlanda o Nueva Zelanda, coronándose como una de las baladas de rock más comerciales de todos los tiempos, eclipsando a la versión original hasta el punto de que muchos creyeran erróneamente que se trataba de un tema original suyo.

La idea inicial de Nilsson era convertir la canción de Badfinger en una pieza de piano, pero el productor Richard Perry le convención de que la transformara en una gran balada apoyada en los arreglos de una orquesta completa. Entre los músicos que participaron en la grabación de la remozada e histórica versión de "Without You" estaban Gary Wright (que había trabajado previamente con Badfinger y George Harrison) al piano, Klaus Voormann al bajo, Jim Keltner a la batería y John Uribe a la guitarra acústica.

miércoles, 31 de mayo de 2023

0881.- Vincent - Don McLean


Don McLean se sintió atraído por la música folk desde muy joven y, mientras estaba en la universidad, comenzó a actuar en locales especializados en el género. La fama le alcanza con su segundo disco American Pie en 1971, del que se extraen sus dos grandes éxitos el homónimo American Pie (donde narra la tristeza por la muerte de los cantantes en El Día Que Murió La Música) y la canción que hoy traemos Vincent, que le convierten en una figura mundial que recorrerá todos los platós de televisión occidentales y dará numerosos conciertos.

Un 29 de julio de 1890, el famoso pintor Vincent Van Gogh, perdió la vida. Existe la versión de que intentó quitarse la vida, pero 21 años después, apareció otra versión deduciendo que la herida en el pecho fue producto de una bala perdida de René Secrétan, un adolescente quien junto con su hermano Gastón, se encontraba veraneando en Auvers. Como eran conocidos del pintor, no quiso incriminarlos y se echó la culpa del accidente. Pensando quizás que la herida no era grave, llegó a su domicilio en el sur de Francia, muriendo 2 días después. Don McLean se sintió conmovido por la lucha del pintor para mantener su cordura y por su deseo de ser amado y comprendido y que murió con apenas 37 años de trágica manera en el sur de Francia.  La canción lanzada en 1971 está inspirada en el pintor Vincent Van Gogh, una noche mientras el cantante contemplaba el cuadro del artista holandés Noche estrellada (Starry Night), que se encuentra en el Museo de Arte Moderno o MOMA de Nueva York, sintió gran curiosidad y quiso saber más sobre su obra. Después de haber leído su biografía, le puso letra y música a la excelente canción VINCENT, también conocida como Starry Starry Night, (el mismo nombre del cuadro de Van Gogh) la cual, por supuesto, es dedicada al artista y donde muestra las contrariedades del genio y pintor. Una de las estrofas dice: ”Ojos que conocen la oscuridad que hay en mi alma…” y otra que admira al artista “Vincent, este mundo nunca fue hecho para alguien tan bello como tú”. Vincent a menudo se conoce por su primera línea, “Starry starry night”, aunque la letra contiene referencias a otras obras del artista: "campos matutinos de grano de ámbar", "flores llameantes que brillan intensamente" y más, creo que es seguro decir que The Starry Night es la única obra de arte que la canción mejor resume. Los remolinos de color que se despliegan en la pintura se reflejan en los movimientos de una melodía nostálgica que parece hacer una pregunta en cada línea, y las notas de la guitarra acústica de McLean capturan la textura ondulante de las pinceladas de Van Gogh.

En los dos primeros estribillos hay referencias a la cordura de Van Gogh y luego a su suicidio. A lo largo de su vida, Van Gogh estuvo plagado de trastornos mentales, que incluían depresión severa, alucinaciones y delirios de que estaba siendo envenenado: fue diagnosticado como loco y encarcelado en un manicomio entre 1889 y 1890. Pero McLean se da cuenta de que el sufrimiento de Van Gogh solo empeoró con el confinamiento, durante el cual produjo muchas pinturas, incluidas "Irises" y "La noche estrellada" que inspiraron esta canción. “Cómo sufriste por tu cordura” se refiere al trastorno esquizofrénico que padecía Van Gogh. (Eventualmente "se quitó la vida como suelen hacer los amantes"). Sin embargo, a través de su arte, el artista trató de iluminar a otros, "para liberarlos". Las dos últimas líneas recuerdan un cuento de Oscar Wilde (su contemporáneo): “El ruiseñor y la rosa” que habla de la prenda poco apreciada de un amante. El ruiseñor sacrifica su vida cuando una espina atraviesa su corazón para que el rosal estéril pueda producir una rosa roja. Esto puede ser una alusión al famoso acto de van Gogh de sacrificar su oreja por un amor no correspondido y luego presentársela a una prostituta. También puede significar que sus obras artísticas fueron su regalo poco apreciado para el mundo. También sacrificó su vida después de haber tratado de mostrar y enseñar a otros, quienes “no querían escucharlo”.


martes, 30 de mayo de 2023

0880 - Don McLean - American Pie

0880 - Don McLean - American Pie

American Pie es una canción icónica escrita e interpretada por Don McLean, lanzada en 1971. Esta canción ha dejado una huella indeleble en la historia de la música popular y se ha convertido en un himno que evoca la nostalgia de una época y captura el espíritu de una generación.

Con una duración de más de ocho minutos, American Pie es una epopeya musical que narra una serie de eventos y cambios culturales significativos que tuvieron lugar en Estados Unidos desde finales de la década de 1950 hasta principios de la década de 1970. La canción es famosa por su rica y poética letra, que combina metáforas, referencias históricas y personajes emblemáticos de la cultura popular.

La canción comienza con la noticia de la trágica muerte de Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Bopper en un accidente aéreo en 1959, que se ha convertido en conocido como "El día en que murió la música". Este evento marca el inicio de una narrativa que recorre la historia del rock and roll, los movimientos sociales y políticos, y el espíritu de una nación.

A lo largo de American Pie, Don McLean alude a numerosos momentos emblemáticos de la historia estadounidense, como el asesinato de John F. Kennedy, los disturbios raciales, la Guerra de Vietnam y la contracultura de los años 60. McLean utiliza imágenes vívidas y alegorías para transmitir tanto la pérdida de inocencia como el anhelo de una era pasada.

La melodía de la canción es pegadiza y evoluciona a medida que avanza, creando un ambiente emotivo que refuerza la narrativa lírica. La voz suave y distintiva de Don McLean añade una capa adicional de profundidad y emoción a la interpretación de la canción.

American Pie se ha convertido en un clásico atemporal y ha dejado una marca duradera en la cultura musical. Ha sido versionada por numerosos artistas a lo largo de los años, pero la versión original de Don McLean sigue siendo la más querida y reconocible. La canción sigue siendo objeto de debate y análisis, con diversos intérpretes e historiadores tratando de descifrar su significado completo.

American Pie es una canción extraordinaria y conmovedora que captura el espíritu de una época y ofrece una mirada melancólica pero esperanzadora a la historia y la cultura de Estados Unidos. Su letra poética y su melodía inolvidable la han convertido en un hito en la música popular y un himno perdurable para generaciones de oyentes.

Daniel
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jueves, 25 de mayo de 2023

0875 - Wild Night - Van Morrison

0875 - Van Morrison - Wild Night

"Wild Night" es una canción del cantante y compositor irlandés Van Morrison, lanzada en 1971. La canción fue el primer sencillo del álbum "Tupelo Honey" y tuvo un buen desempeño comercial, alcanzando el puesto #28 en el Billboard Hot 100 en los Estados Unidos y el puesto #20 en el UK Singles Chart en el Reino Unido. A lo largo de los años, la canción se ha convertido en uno de los mayores éxitos de Van Morrison y se ha incluido en muchas listas de las mejores canciones de rock de todos los tiempos.

En 1972, Van Morrison recibió el premio Grammy a la Mejor Interpretación Vocal Pop Masculina por su álbum "Tupelo Honey", que incluye la canción "Wild Night". La canción ha sido versionada por varios artistas a lo largo de los años, incluyendo a John Mellencamp y la cantante de R&B Alicia Keys. La canción ha recibido críticas positivas por su energía y su mezcla de estilos musicales, incluyendo el rock, el R&B y el soul.

"Wild Night" es una canción sobre disfrutar del momento y vivir la vida al máximo con la persona que amas. La canción ha sido un éxito comercial y ha recibido el reconocimiento de la crítica y la industria musical, incluyendo una nominación y un premio Grammy para Van Morrison. La canción sigue siendo popular y es considerada una de las mejores canciones de rock de todos los tiempos.

En 2019, la revista Rolling Stone clasificó "Wild Night" en el puesto #285 en su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. 

Daniel
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