1384.- Edith And The Kingpin' - Joni Mitchell

 

Mitchell saltó a la fama a finales de los años 60 como hippie folkie, después de que estrellas más consolidadas como Judy Collins, Tom Rush y Buffy Sainte-Marie empezaran a hacer versiones de sus canciones. Poseedora de una voz de soprano muy bonita y una amplia gama de afinaciones alternativas para la guitarra acústica, Mitchell pronto se convirtió en una estrella menor por derecho propio, y se consagró como artista pop con su tercer álbum Ladies of the Canyon (que contenía el éxito Big Yellow Taxi y su propia versión de Woodstock, que también había sido versionada por Crosby, Stills, Nash & Young) y Blue , que no tuvo éxito en términos pop, pero la confirmó como una de las cantautoras más destacadas, una favorita de los estudios para siempre.

En realidad, no importa si The Hissing Of Summer Lawns no es el mejor álbum de Mitchell. Lo que importa es que cualquiera que se emocione con, digamos, Blue , como bien podría ser, puede encontrar este aún más emocionante si aún no lo ha escuchado. Mitchell es inusual entre los artistas importantes en el sentido de que poco de su mejor trabajo está entre sus más famosos, con la posible excepción del predecesor de este álbum, Court And Spark. Hejira , el magnífico disco que lo siguió, es más extraño, más exótico, más densamente envuelto en misterios. La gente piensa que Bowie o Prince fueron atrevidos. La gente tiene razón. Pero Mitchell arriesgó todo, perdió gran parte de ello, y no le importó un carajo. Ninguna gran estrella ha sido nunca tan valiente ante el declive de su estrellato. No hay Let's Dance en su catálogo, ni banda sonora de Batman. Si nunca hubiera escuchado otro disco de Joni Mitchell, me parecería una pieza bastante notable en sí misma. En el contexto de su obra, es menos un salto asombroso que un ascenso vertiginoso por el mismo camino que Court And Spark le había indicado. Fue en ese álbum donde comenzó su transformación de diarista/memoirista a compositora de cuentos imaginativos o retratos en canciones. En The Hissing Of Summer Lawns lo perfeccionó. Toda la inmadurez que le quedaba de aquellos engañosos días de ingenua hippie de ojos muy abiertos –siempre dotada de una observación aguda y un talento brillante– había desaparecido. Sus pares ya no eran guitarristas introspectivos (de alguna manera, Mitchell veía el alma humana en ese ombligo, donde muchos de sus contemporáneos encontraban pelusa). Eran la primera fila de músicos, novelistas, cineastas y artistas visuales (a los que ella también pertenecía) que llevaban sus escalpelos a una América cansada.

Una de las joyas que disfrutar en este disco es 'Edith And The Kingpin' una historia corta poética de proporciones épicas, nunca dejamos de sorprendernos por la estatura regia de la canción que recorre una ruta inesperada hacia el mismo conjunto de puntos de vista, que es la vida femenina vista tanto desde dentro como desde fuera. La camarera de 'The Jungle Line' es la hermana en el fondo de la piel de Edith, la de la lánguida y encantadora 'Edith And The Kingpin'. El Kingpin es un señor importante de poca monta, un potentado local, que ha elegido a Edith como su compañera de cama, la última de una serie de mujeres que "envejecen demasiado pronto", aturdidas por la cocaína y los terrores de su incumbencia. Elegida, Edith no tiene elección, tomada, debe tomar lo que se le da, es una mujer como vasalla, no más libre en su pueblo estadounidense que su equivalente que cae bajo la mirada del señor feudal de una aldea feudal, o más libre que la esposa lujosamente mantenida de la canción principal que camina por el perímetro de alambre de púas de su rancho como el animal enjaulado que es. ¿O sí? ¿Es que la libertad es imposible o que ella se encarcela a sí misma? “Él le dio su oscuridad para que se arrepintiera/Y una buena razón para que lo dejara… Aún así ella se queda con algún tipo de amor/Es la elección de la dama”.

1369.- Mi querida España - Cecilia

 

Evangelina Sobredo Galanes, más conocida como Cecilia Evangelina Sobredo Galanes nació en El Pardo el 11 de octubre de 1948. Como una de los ocho hijos del militar y diplomático gallego José Ramón Sobredo y Rioboo y María Dolores Galanes, tuvo una infancia itinerante y una educación cosmopolita. Por ello sus primeras letras como cantautora fueron en idioma extranjero, aunque finalmente se decantó por el español. De regreso a España, comenzó y abandonó los estudios de Derecho, decidiendo dedicarse por completo a la música, y a componer sus propias letras. Éstas poseen una calidad poética y literaria excelente, muy por encima de lo habitual en su tiempo, y se adscriben a corrientes existencialistas y a la canción de protesta feminista. Su tercer álbum, Un ramito de violetas, publicado en 1975, fue el mayor éxito de su corta y fulminante carrera. La canción que da nombre al disco fue la que tuvo más éxito del LP y por la que se suele recordar a Cecilia, quizá injustamente, ya que muchos de sus otros éxitos son también notables. Según su hermana Teresa, antes de ser canción fue un cuento. Junto a esta pieza destacan canciones como "Mi querida España", "Decir adiós" o "Sevilla". Es destacable que la portada y funda interior fue un trabajo de la propia Cecilia. La portada fue una pintura de la autora, así como cada canción, que recibió una ilustración procedente de sus pinturas, de estilo naïf.

“Mi querida España, esta España viva, esta España muerta. De tu santa siesta ahora te despiertan versos de poetas”. Calificada como una de las canciones básicas de la historia musical de España de la década de 1970 e incluso icono de la música del país, se trata de una crítica soterrada a la situación socio-política de la España del momento, en las postrimerías de la dictadura franquista. Es la letra de los primeros versos de la canción que Cecilia popularizó en 1975, meses antes de la muerte del General Franco. Esa “España muerta” jamás fue así cantada en su día, pues la censura del régimen decidió cambiar la letra para que el nombre de la patria apareciese acompañado de adjetivos posesivos mucho más amables. “Esa España mía, esa España nuestra” tardó 35 años en devolverle a la canción de Cecilia su significado original, pues no fue hasta 2011, con la publicación del álbum ‘Cecilia inédita en concierto (Ramalama)’, que descubrimos que para la cantautora madrileña aquel país dirigido por un dictador sanguinario de salud seriamente deteriorada era un estado tan vivo como muerto, a punto de despertar de un largo letargo democrático de casi 40 años. Hoy ese tipo de música ya no se hace, los cantantes de este momento buscan el ruido, la cosa pegadiza e incluso en muchas ocasiones, chabacana y exhibicionista para mover a los jóvenes tras miles de decibelios, luces aparatosas, atuendos estrafalarios o presentándose en formas y modos poco respetuosas con lo que debe ser el respeto al sexo, la transexualidad, homosexualidad o la libertad religiosa. A aquello le llamábamos arte y con razón, y a esto se le llama hacer ruido y montar el pollo, aunque no haya motivo para ello.

La carrera artística de Cecilia fue corta, pero consiguió gran popularidad con canciones como "Un ramito de violetas", "Mi querida España" o "Dama, dama",o Amor de medianoche" que lograron ser un éxito en España en la década de los setenta. Cecilia es parte de la mejor historia de la música española. Su sensibilidad, su rebeldía, su dulce protesta feminista y sus composiciones inolvidables la convierten seguramente en la más grande cantautora que ha dado nuestro país. La universalidad de sus músicas y de sus letras se pone de manifiesto cuando vemos que artistas tan dispares como Manzanita, Mocedades, Julio Iglesias, Fangoria, Rocío Durcal, Manolo Tena, Le Mans, Rosario Flores y un largo etcétera han grabado sus composiciones

1340.- One More Cup of Coffee - Bob Dylan

Una de las cosas que más extraño por la mañana es una taza de café decente (tengo una cafetería local que hace un excelente café con leche), con esto en mente, inmediatamente me puse a escuchar “ One More Cup of Coffee” de Bob Dylan, de su clásico álbum “ Desire” de 1975. Esta balada melancólica, con sabor a Oriente Medio, es una canción fascinante y mística que narra una historia desde el punto de vista de un hombre que debe abandonar a una bella mujer con ojos “como dos joyas en el cielo” y “un corazón como un océano, misterioso y oscuro” porque su amor por ella no es correspondido. El protagonista masculino le dice a su compañera femenina, cuyo padre es un proscrito, que tomará: " Una taza más de café antes de ir al valle de abajo". Es una canción maravillosamente atmosférica, gracias en gran parte a la inquietante interpretación del violín gitano de Scarlet Rivera, pero también a la rica imaginería de Dylan y los inquietantes coros de Emmylou Harris, que la revista Rolling Stone describió brillantemente como un "ángel asustado". Según Dylan, “One More Cup of Coffee” fue escrita “durante un festival gitano en el sur de Francia un verano” –el pintor David Oppenheim lo había llevado allí. Mientras estaba en el festival, que coincidió con su cumpleaños, Dylan conoció a un rey gitano que tenía “16 esposas y 125 hijos”. Cuando llegó el momento de irse, pidió una taza más de café para el camino –los gitanos se la dieron en una bolsa, la cogió y “se fue”. La canción desarrolla su estilo “gitano” a través del uso de la escala menor armónica (un concepto muy occidental y que no tiene nada que ver con la música romaní), en la que Dylan utiliza los acordes que surgen de la versión descendente de la escala (la menor, sol, fa, mi). No es una escala romaní en el verdadero sentido de la palabra (como la escala gitana húngara o la escala dominante frigia). El bajista Rob Stoner le dijo a la revista Mojo en octubre de 2012: “El comienzo de 'One More Cup of Coffee'… no estaba preparado para que yo hiciera un solo de bajo. Scarlet no estaba lista. Bob comienza a tocar su guitarra, no pasa nada. Alguien debería tocar algo, así que comienzo a tocar un solo de bajo. Básicamente, los ensayos se convirtieron en las primeras tomas”.

Hay una excelente versión en vivo, ralentizada, de " One More Cup of Coffee" de la gira Rolling Thunder Revue de 1975, con congas, lo que le suma la sensación exótica; está disponible en el álbum " Bob Dylan Live 1975" , que es el volumen cinco de la " Bootleg Series". Los White Stripes versionaron la canción para su álbum debut homónimo de 1999, convirtiéndola en un blues crudo, primario y metálico, mientras que Roger McGuinn de The Byrds, que tocó en la banda Rolling Thunder Revue de Dylan, se asoció con Calexico para grabar una versión Tex-Mex para la banda sonora de la película biográfica de Todd Haynes sobre Dylan, I'm Not There. En 2005, Dylan causó controversia y fue acusado de traición cuando firmó un contrato exclusivo con Starbucks para el lanzamiento de su álbum "Live At The Gaslight 1962". Para algunos de sus seguidores, esta fue una taza de café de más.

1338.- Poetas Andaluces - Aguaviva

El disco Poetas Andaluces de ahora de Aguaviva supone un regreso a las raíces del grupo, que va a usar como leitmotiv de este álbum conceptual su mayor éxito popular: Poetas andaluces, que va a sonar hasta tres veces con distintos arreglos; unos arreglos, por cierto sobresalientes, a cargo de José Nieto, que elabora unas instrumentaciones más elaboradas que en anteriores LP. Es menester comenzar diciendo que la canción, interpretada por Aguaviva, se convirtió rápidamente en un gran éxito generalizado tras su lanzamiento en 1969. Lo cual era casi más lógico en el extranjero (incluso se grabó una versión en inglés unos meses después) que dentro de las fronteras españolas, bajo los convulsos años finales de la dictadura.  Y sin embargo, Poetas andaluces escaló rápidamente las listas nacionales y obtuvo el favor del gran público, para asombro de un régimen que debió de alucinar ante la acogida a un tema cuya letra era un poema de... ¡Rafael Alberti! ¡Un poeta todavía vivo, en el exilio y comunista! (“no hemos ganado la guerra para que ahora se escuche a Alberti en nuestras radios”, parece que se llegó a decir). Por no mencionar su estilo casi experimental: ciertamente, ya habían precedentes de poemas musicados (por ejemplo, lo que Serrat acababa de hacer con Antonio Machado muy poco antes), pero ninguno de ellos era directamente recitado de manera literal con un trasfondo melódico.

Con fondo de guitarra andaluza, la voz del solista masculino (José Antonio Muñoz) recita versos de Rafael Alberti, con réplica primero de un coro femenino y después de un coro mixto. Está considerado un clásico de la música española contemporánea. La letra retoma los versos escritos por Alberti en 1950 en el poema Balada para los Poetas Andaluces. Se trata de una crítica soterrada a los poetas andaluces del momento por no alzar su voz frente a las injusticias que se vivían en la España de la época, Dos de los componentes de la banda, José Antonio Muñoz y Manolo Díaz, se desplazaron a Roma, donde vivía exiliado el escritor, para recabar su permiso para utilizar sus palabras en la canción. Alberti opuso inicial resistencia, ya que la crítica contenida en su texto ya había perdido vigencia, pues habían transcurrido 20 años desde que fue escrita, a lo largo de los cuales ya se habían alzado voces condenando el empobrecimiento y las injusticias del país. Pero finalmente consintió, siempre que se especificara que la letra había sido escrita en 1950. El tema, pese a contener versos de un autor en aquel momento proscrito por la dictadura en España, logró superar la censura de la época, pese a que algún comentarista radiofónico del momento, aun proclamó que no se había hecho una guerra (civil española) para oír la voz de un comunista en la radio de España. La canción tuvo un enorme éxito tanto en España como en los mercados internacionales, especialmente el italiano, en el que llegó a situarse en las listas de los más vendidos. En Italia participaron en varias ediciones del Festival de San Remo. La canción fue editada en formato sencillo, con el tema "Cantaré" en la cara B. Editaron un disco en Estados Unidos, "12 Who Sing of Revolution" (1971), en el que aparece la versión en inglés recitada por el actor Raúl Juliá.

1317.- Apple Suckling Tree - Bob Dylan

Por mucho que se haya hablado de lo genial que fue la informalidad de las sesiones, este es un momento en el que la informalidad se vuelve un poco excesiva, la repetición de la canción es más aburrida que otra cosa, en Apple Suckling Tree Bob murmura letras que se está inventando en el momento y los coristas hacen sonar sus señales, y la canción en sí no es tan interesante como se desearía en este álbum. Es un momento divertido, no nos equivoquemos, pero ciertamente un trabajo menor en comparación con otras canciones. Se podría hacer un pequeño ensayo sobre el simbolismo detrás de Dylan colocando al narrador de la canción y a su novia debajo de un manzano, probablemente este no sea el lugar para ese ensayo; probablemente podría llenar un archivador o dos con documentos académicos que hablen sobre lo que significa la manzana en términos de mitología y religión a lo largo de miles de años, puedes ver que la mitología estaba aún más presente en la mente de Bob, ya que menciona "las cuarenta y nueve en tu infierno ardiente", una referencia a las Danaides de la mitología griega. Además de mostrar lo culto que era Dylan para ser un tipo que nunca completó su educación formal, puedes discernir fácilmente que Dylan tenía sus razones para colocar a esas personas debajo de un manzano. Me sorprendió la cantidad de mitología que conocía y no conocía sobre la fruta, además de las cosas con las que la mayoría de nosotros estamos familiarizados (Adán/Eva, Guillermo Tell, Blancanieves, etc.), hay cosas como la importancia de la manzana en la mitología celta, la Isla de Avalon en el folclore artúrico y de dónde proviene el término "la Gran Manzana". Por supuesto, cuando se trata del cristianismo no tenemos idea de que la manzana era en realidad el fruto prohibido del Árbol del Conocimiento.

Lo confieso: no sé de qué demonios trata esta canción. Me basé en la vieja regla de Reuters: dile al lector lo que ves. Creo que Dylan and the Band la tocaron dos veces como máximo en Saugerties, en la casa Big Pink o en algún lugar de esa zona (mi conocimiento de los arcanos de las grabaciones de Dylan es menor de lo que podrías pensar). Es una de las canciones que me atrajeron de las grabaciones de Basement Tapes, pero es todo sentimiento y no hay letra, en cierto modo. Cada versión tiene letras significativamente diferentes, pero igualmente sin sentido. Melodías baratas, letras inacabadas, improvisaciones fallidas… sigue siendo un misterio por qué Dylan quiere escuchar esta canción en particular, en el estudio de radio con Mary Travers. Sabemos por los productores Fraboni y Robbie Robertson que Dylan apenas intervino en la creación de The Basement Tapes. En su autobiografía Testimony (2016), Robbie Robertson no dedica demasiadas palabras al álbum. Presenta el proyecto (como de costumbre) como una idea propia, confirma que algunas grabaciones han sido ligeramente pulidas con sobregrabaciones (una parte de bajo de Rick Danko aquí, la pandereta de Richard Manuel allá) y sugiere que Dylan no tuvo más participación que la de conceder el permiso, pero esta canción quedo grabada en la memoria de Dylan.

1294.- Cómicos - Víctor Manuel

En 1975 Victor Manuel publica el álbum Comicos, que cuenta con una producción cuidada y sofisticada y combina elementos tradicionales con arreglos contemporáneos. Las guitarras acústicas, los pianos y las cuerdas se mezclan para crear un sonido rico y envolvente. Además, "Cómicos" incluye colaboraciones con otros artistas reconocidos, y utiliza poemas de Gabriel Celaya y Manuel José Leonardo Arce, poeta guatemalteco. La crítica recibió "Cómicos" con entusiasmo, donde destacan la habilidad de Víctor Manuel para reinventarse y seguir siendo relevante, también se elogian la profundidad de las letras, la calidad de la producción y la emotividad de las interpretaciones. Muchos críticos han señalado que este álbum es uno de los más personales y conmovedores de su carrera, ya que es un álbum que no solo celebra la vida y el arte de los cómicos del pasado, sino que también invita a una reflexión sobre la vida, la memoria y la sociedad actual, Víctor Manuel crea una obra que resonará tanto con sus seguidores de la época como con otros venideros, un testimonio de su talento y de su capacidad para tocar el corazón de su audiencia.

La canción principal es "Cómicos," una obra llena de nostalgia y melancolía que se sumerge en la memoria colectiva de una época pasada, que combina la maestría lírica y musical del cantautor asturiano, y es un tributo a los artistas callejeros y a aquellos personajes entrañables que llenaban las plazas y teatros con su humor y vitalidad. La narrativa de "Cómicos" está impregnada de imágenes vívidas y detalles minuciosos que pintan un retrato nostálgico de estos personajes. A lo largo de la canción, se mencionan figuras icónicas como payasos, magos y ventrílocuos, todos ellos representados con un cariño y respeto profundos. Las palabras de Víctor Manuel no solo describen sus actos y trucos, sino que también capturan la esencia de su espíritu libre y su dedicación al arte. La canción no solo celebra la alegría y el humor que estos artistas trajeron a la vida de muchos, sino que también refleja la tristeza y el olvido que a menudo enfrentan. Hay un tono de melancolía en la voz de Víctor Manuel que sugiere un lamento por una era que ha quedado atrás, y por los artistas que han desaparecido de la memoria pública. Este contraste entre la alegría del recuerdo y la tristeza del olvido crea una experiencia auditiva rica y conmovedora. Comienza con una melodía suave y envolvente, acompañada de una instrumentación que evoca una atmósfera de ensueño. Desde los primeros acordes, Víctor Manuel nos transporta a un mundo donde los cómicos y artistas itinerantes eran una parte fundamental de la vida cotidiana. Su voz, cargada de emoción, resuena con una sinceridad que toca el corazón del oyente. La producción musical de "Cómicos" es otro elemento que merece elogios. La combinación de instrumentos tradicionales con arreglos modernos crea un sonido atemporal que complementa perfectamente la letra nostálgica. La instrumentación, que incluye guitarras acústicas, cuerdas suaves y sutiles toques de piano, se entrelaza con la voz de Víctor Manuel de una manera que realza la emotividad de la canción.

1289.- Diamonds & Rust - Joan Baez

Joan Baez fue una de las figuras fundamentales durante el movimiento de resurgimiento del folk de principios de los años 60 en los Estados Unidos, irrumpió en la escena nacional como resultado de su actuación en el Newport Folk Festival de 1959. Ayudó a presentar a Bob Dylan al mundo a través de la interpretación de muchas de sus canciones y actuó en Woodstock, hoy en día, también es conocida por su incansable activismo social. Ha recorrido constantemente el país en apoyo de los derechos civiles, sus convicciones contra la guerra y las cuestiones ambientales. Sus canciones de los años 60 giraban en torno a canciones folclóricas tradicionales, a medida que avanzaban los años 70, su sonido se volvió más elegante y pulido y lo que tenemos es una de las voces más puras de la música. Su voz angelical y clara de soprano siguió siendo un instrumento formidable. A mediados y finales de los años 70, publicó una serie de álbumes excelentes y muy estimados por publico y critica, los álbumes en vivo From Every Stage, Gulf Winds, Blowin' Away y Honest Lullaby tenían puntos fuertes, ya que fusionaban la música pop y la folk. Ninguno de estos lanzamientos sería tan bueno como el álbum de 1975 que los precedió. Diamonds & Rust no es solo el mejor álbum de su vasto catálogo, sino que sigue siendo uno de los mejores lanzamientos de sonido folk de la década, su belleza e intimidad hacen que sea un álbum que todavía escucho con cierta regularidad, un álbum profundo y convictivo. Fue un lanzamiento poco común en el que se tomó un descanso de su agenda política. Para entender a Joan Baez, cualquiera de sus primeros álbumes servirá. Para apreciar a Joan Baez, este es el lugar por donde empezar.

Joan Baez era principalmente una intérprete de composiciones de otros artistas, pero aquí dio un paso adelante y escribió ella misma cuatro de las canciones. La canción que da título al disco prácticamente vale el precio del álbum por sí sola. Gira en torno a una llamada telefónica de un antiguo amante que la lleva diez años atrás en el tiempo. Sus imágenes conmovedoras son tan claras que prácticamente puedo ver su aliento frío flotando en el aire, una obra maestra fácil, una oda cortante al amor contemporáneo. La canción fue escrita después de que Baez recibiera una llamada telefónica de Dylan que estaba trabajando en su propio e icónico álbum Blood on the Tracks y la llamó para leerle la letra de su composición "Lily, Rosemary and the Jack of Hearts" (que podría haber sido en parte sobre su relación con Baez). Siempre me pareció que a Baez le importaba más Dylan que a la inversa, y aunque ella era la artista más consolidada cuando se conocieron, él sin duda alcanzó un mayor prestigio en su carrera que el que ella alcanzó jamás. En cualquier caso, la llamada telefónica le devolvió un montón de recuerdos y sentimientos a Baez, que luego volcó en esta canción. "Diamonds & Rust" presenta una guitarra folk sencilla pero elegantemente elegida, una voz perfecta y algunas de las letras más personales y conmovedoras que Baez haya escrito jamás. Comienza con Baez recibiendo la llamada telefónica y sus recuerdos: "Mientras recuerdo tus ojos/eran más azules que los huevos de petirrojo/mi poesía era pésima, dijiste", y continúa: "hace diez años/te compré unos gemelos/me trajiste algo/los dos sabemos lo que pueden traer los recuerdos/traen diamantes y óxido". Claramente, no todos son recuerdos felices. Sigue acusando a Dylan de ser un experto en "mantener las cosas vagas" y concluye: "necesito algo de esa vaguedad ahora/todo ha vuelto con demasiada claridad/sí, te amé entrañablemente/y si me estás ofreciendo diamantes y óxido/ya he pagado".  A lo largo de los años, ha habido algunas buenas versiones de esta canción, por artistas que van desde Blackmore's Night hasta Judas Priest. Sin embargo, nunca ha habido una versión más apasionada o hermosa que esta original.

1273.- At Seventeen - Janis Ian

Lo que esta claro es que Janis Ian ha sido casi olvidada por todos después de 50 años, básicamente, nunca se la menciona cuando se habla de aquella época, ni siquiera cuando era adolescente y mi primer contacto con ella fue el uso de "At Seventeen" en un episodio de Los Simpson. Pero este álbum fue bastante grande, encabezó las listas en septiembre de 1975, gracias a "At Seventeen", que de manera inexplicable sólo llegó al puesto número 3. Así que supongo que es una falta de reputación crítica la que explica por qué es menos conocida que otros compositores exitosos de la época. Ian es un letrista decente -quizás ella sea una buena letrista- con un sentido de la melodía decente, cuyas canciones están ahogadas en clichés de cantautores de los años 70, cada época tiene sus extrañas manías musicales, y poner orquestas en canciones confesionales tocadas en una guitarra o piano fue una de las manías de los años 70. 

At Seventeen es la segunda pista del álbum de Ian de 1975, Between the Lines, fue producido por Brooks Arthur en su estudio 914 Sound en las afueras de la ciudad de Nueva York, al producir este disco, Arthur y sus ingenieros trataron cada instrumento con algo cercano a la reverencia, buscando la mayor fidelidad al sonido original en el seguimiento y produciendo una mezcla final que entrelazó ingeniosamente las interpretaciones de primer nivel de los músicos. "At Seventeen" es menos que cuando la hoy por primera vez pero sigue siendo excelsa, siento que cuando lo escuché por primera vez, a una edad impresionable pensé: "¡¿Quién escribió esto ?!?!" Su voz es claramente el instrumento dominante y la instrumentación a menudo flota en el fondo, por lo que no es como si la estuviera ahogando, una cantautora inspirada comparte sus sentimientos más personales. Lo que realmente me sorprende de At Seventeen es lo exuberante y estratificado que es, pero cómo nada del arte de los músicos eclipsa la voz de Ian en ningún momento. Un productor competente pero conservador, al escuchar la fuerza de la composición y la vulnerabilidad de la letra, habría alentado a los músicos a tocar lo menos posible, sentarse y dejar que la voz y la guitarra de Ian llevaran la canción, la mezcla de Arthur aseguró que, a pesar de toda la ornamentación y detalle del arreglo, el enfoque del oyente siga estando directamente en la voz a menos que te apartes para escuchar en otro lugar. At Seventeen trata sobre no ser popular en la adolescencia y no encajar, tiene un suave ritmo de samba e Ian, es una intérprete consumada con sensibilidad para la guitarra de cuerdas de nailon, también fue brutalmente honesto con su pluma. En una época en la que Jobim y otros músicos sudamericanos (y aquellos influenciados por su estilo) utilizaban los tonos redondos de la guitarra clásica para evocar imágenes de bebés de bronce y arena cálida, Ian estaba listo para explorar la parte más vulnerable de la bossa,  “Aprendí la verdad a los diecisiete años/Que el amor era para reinas de belleza/Y chicas de secundaria con sonrisas de piel clara/Que se casaron jóvenes y luego se jubilaron…Y aquellos de nosotros con rostros destrozados/Careciendo de las gracias sociales/ Desesperadamente se quedó en casa/ Inventando amantes por teléfono/ Que llamó para decir ven a bailar conmigo/ Y murmuró vagas obscenidades/ No es todo lo que parece a los diecisiete años.”

1258.- Tangled Up in Blue - Bob Dylan.

Podría arriesgar y decir que Tangled Up in Blue de Bob Dylan es la mejor canción de la historia del legendario compositor, pero una vez dicho y con el catálogo de temas que tiene se podrían defender varias de sus otras obras maestras, lo que está claro es que este tema tiene un lugar entre las elegidas, de hecho, abre uno de los mejores álbumes de Dylan, Blood on the Tracks de 1975. Bob escribió esta canción en el verano de 1974, después de haber completado su gira tocando con The Band, también se había separado recientemente de su esposa, Sara Dylan, con quien se casó en 1965, esa faceta autobiográfica de la canción parece presente mientras Dylan nos lleva a través de las dificultades que puede traer el fin de una relación y la distancia y anhelo resultantes, Dylan abordó una vez la supuesta naturaleza autobiográfica de la canción, afirmando que no presentaba tanta parte de su vida como muchos pensaban. “No me correspondía”, dijo. “Era simplemente una idea de incluir imágenes que desafiaran el tiempo: ayer, hoy y mañana. Quería que todos se conectaran de alguna manera extraña”.

El tema del amor es evidente en líneas como “Vivía con ellos en Montague Street / En un sótano al final de las escaleras”. Montague es, por supuesto, el apellido de Romeo en Romeo y Julieta de William Shakespeare, mientras que en la calle actual de Brooklyn había un lugar llamado Capulet's (el apellido de Julieta y un lugar que Dylan frecuentaba), lo que refuerza el hecho de que la canción trata sobre dos estrellas. Amantes cruzados que están destinados a que su amor caiga en el caos. Pero también obtuvo inspiración artística de otra fuente: el pintor Norman Raeben. Meses antes de comenzar a escribir “Tangled Up”, Dylan estaba tomando clases de pintura con Raeben en el Carnegie Hall de la ciudad de Nueva York y supuestamente se inspiró en la visión del tiempo de su maestro. “Estaba convencido de que no iba a hacer nada más y tuve la suerte de conocer a un hombre en la ciudad de Nueva York que me enseñó a ver. Puso mi mente, mi mano y mi ojo juntos de una manera que me permitió hacer conscientemente lo que sentía inconscientemente”, explicó Dylan a Rolling Stone sobre trabajar con Raeben. Al discutir el cambio en la perspectiva narrativa, el tiempo y el lugar, que son las características centrales de la canción, Dylan señaló: “Lo que es diferente es que hay un código en la letra y tampoco hay sentido del tiempo, tienes el ayer, el hoy y el mañana todos en la misma habitación, y hay muy pocas cosas que no puedas imaginar que no sucedan”. Otra faceta interesante de la letra de la canción es el hecho de que, durante la gira mundial de Dylan en 1978, cambió la línea "Ella abrió un libro de poemas" por "Ella abrió la Biblia", lo que demuestra que Dylan parecía haber sido Se convirtió al cristianismo después de explorar la naturaleza de su fe a lo largo de la década de 1970.

Dylan también había afirmado que la canción tardó “diez años en vivirse y dos años en escribirse”, por lo que, llena de vívidas imágenes líricas, “Tangled Up in Blue” recorre su atractiva melodía a través de un diario de viaje de seis minutos densamente melodioso. La alegre pista está embellecida por un conjunto de guitarras acústicas cálidas, tintineantes y de acordes abiertos, que recuerda a las raíces folk de Dylan, pero muy en línea con la escena de cantautores contemporáneos.

1254.- Shelter From The Storm - Bob Dylan

 

Shelter From The Storm, Bob Dylan

     Shelter from the Storm, canción de Bob Dylan, es toda una joya poética. Compuesta por el genial compositor y músico estadounidense, fue publicada en su álbum de estudio de 1975, Blood on the Tracks. A lo largo de los años, la canción, gracias a una evocadora lírica y una emotiva melodía, ha dejado una huella profunda en los corazones de todo aquel que la escuha. 

La canción se sitúa en un momento de reflexión y nostalgia. El narrador, que ha experimentado las dificultades y desafíos de la vida, busca refugio y consuelo. La figura femenina de la canción, posiblemente una amante o una musa, le ofrece "Shelter from the storm" (refugio de la tormenta). Ella le ofrece refugio del mundo exterior hostil y tumultuoso, le ofrece un lugar seguro donde encontrar paz y consuelo.

Uno de los versosmás icónicos dice: "Twas in anothr lifetime, one of toil and blood / When blackness was a virtue and the road was full of mud / I came in from the wilderness, a creature void of form / 'Come in', she said, ''ll give you shleter from the storm" (Fue e otra vida, una de trabajo y sangre / Cuando la oscuridad era una virtud el camino estaba lleno de barro / Llegué del desierto, una ciratura sin forma dijo / Entra, te daré refugio de la tormenta). Estos versos capturan a la perfección la sensación de vulnerabilidad y la búsqeda de refugio del narrador en medio de la adversidad.

Shelter form the Storm ha sido interpretada en vivo en muchas ocasiones por Dylan, y versionada por multitud de artistas, lo que da una idea del alcance y la importancia de esta canción. La belleza de esta canción radica en su ambigüedad: ¿Es la figura femenina una persona real o una metáfora de la esperanza?. Estamos ante una de las canciones favoritas de los fans de Dylan, así que, si alguna vez te encuentras bajo la lluvia de la vida, recuerda estas palabras: "I'll give you shelter from the storm".

1223.- Un ramito de violetas - Cecilia

 

Publicada en 1974 como sencillo promocional del que sería su tercer y último álbum, con el mismo nombre, pronto se convirtió en uno de los temas más reconocibles y reconocidos de la artista madrileña, su mayor éxito cuando fue lanzado, impulsando decisivamente las ventas del disco del que formaba parte. El fallecimiento de Cecilia aumentó la popularidad de este tema, compuesto e interpretado exclusivamente por ella misma y en el que suenan piano, guitarra española, cuerdas y un acordeón.

Un ramito de violetas surgió tras escribir un cuento corto al estilo de James Joyce, uno sus autores favoritos, después de leer el relato que escribió quedó insatisfecha con el resultado y cuentan que lo rompió, para más tarde convertirlo en un poema que daría lugar a la canción. “Canción profundamente triste pero de argumento con final agridulce, y estructurada al modo narrativo clásico, con presentación, nudo y desenlace. La letra es conmovedora y “más allá de interpretaciones simplistas (la mujer doblegada a vivir sus pasiones en silencio, y Cecilia no iba por ahí en su cancionero), da lugar a distintas lecturas: la principal es la incomunicación de una pareja cuya existencia transcurre en la monotonía y falta de pasión, en la que el marido es incapaz de expresar sus sentimientos y lo hace mediante poemas anónimos, consciente de las ilusiones y felicidad que despierta en ella el saberse querida por un admirador anónimo. Otra, más retorcida, sería el casi buñueliano fetichismo de él al saber que ella vive una pasión amorosa imaginaria e imposible”. Escuchamos la cancion de Cecilia y existe un dramatismo espléndido que adquiere un toque trágico en la voz pausada, melódica pero firme de Cecilia. Podemos sentir el aliento de lo que en un principio fue un cuento, que luego se transformó en poema para finalmente quedar fijado en canción. En cuatro estrofas, Cecilia, te cuenta una novela, te da el argumento de una película al más puro neorrealismo de un Berlanga, Azcona o el mismísimo Visconti. Cada verso de ese poema encierra un dolor, una sensibilidad y una comprensión que sólo un artista al límite de su sensibilidad creadora puede escribir, componer. ¿Quien no ha sentido empatía en algún momento con los protagonistas de la historia, de su crueldad en su emotividad, de su grandeza y miseria humana? «Un Ramito De Violetas» es su Yesterday, su novena sinfonía, su Don Quijote, pero como todos y cada uno de los grandes creadores para llegar hasta ahí hay un largo y profundo proceso, un recorrido en el que nada se produce por casualidad.

Pese a las dudas iniciales, la madrileña acabó por sentirse cómoda con el tema. “Me gustaría mucho recibir ese ramito de violetas de alguien que me quiere sin yo saberlo", llegó a declarar. La composición se mantuvo durante semanas en la lista de éxitos patria, convirtiéndose así en su mayor 'hit comercial y en uno de los temas emblema de la que siempre ha sido una de las artistas más aclamados de la música española pese a su corta carrera. A raíz del fenómeno producido por la historia de ese matrimonio sumido en la rutina del ramito de violetas, TVE le ofreció representar a España en el Festival de las Televisiones Iberoamericanas (OTI), a celebrar en Puerto Rico, con la canción de Juan Carlos Calderón, “Amor De Medianoche”. Ella era poco partidaria de los festivales y tras muchas presiones y cambios en la letra aceptó la oferta y logrando finalmente el segundo puesto.

1210.- Chelsea Hotel #2 - Leonard Cohen

A finales de los años 60, Leonard Cohen decidió renunciar a su vida como novelista y poeta consagrado en Canadá por una oportunidad en la floreciente escena folk de Nueva York. Por suerte para todos nosotros, lo hizo, porque ese movimiento resultó en algunas de las canciones más conmovedoras jamás escritas. Aunque el pedigrí intelectual y la densa maraña lírica de su música provocaron comparaciones inevitables con el poeta laureado del rock Bob Dylan, su debut de 1967, Songs of Leonard Cohen, tuvo un éxito limitado cuando se lanzó en diciembre anterior. Cohen era una voz singular en la composición de canciones. Pudo transmitir verdades duras y al mismo tiempo hacerlas parecer reconfortantes. Fue sincero sobre su vida, incluso sobre las partes más turbias y feas. Profundiza en ese tema en “Chelsea Hotel #2”.

Como muchos de los nombres más importantes de la época, Cohen solía alojarse en el hotel Chelsea en la ciudad de Nueva York mientras estaba lejos de su casa en Montreal. Con tantos artistas pasando por esos sagrados salones, el hotel se convirtió en un semillero de inspiración, Cohen tocaria esta canción en sus conciertos en vivo, una historia sobre su encuentro con un cantante famoso en el Chelsea, su encuentro se convirtió en una relación sexual, que él describe en la canción. Cohen cuenta esa historia en la letra con gran detalle, apoyándose mucho en su reputación de vagabundo. “Y apretando el puño por los que como nosotros / Que estamos oprimidos por las figuras de la belleza / Te arreglaste, dijiste, “bueno, no importa / Somos feos, pero tenemos la música”. Estas líneas suelen incapacitar emocionalmente a los enanos envenenados de menor fortaleza arrogante, especialmente cuando los persigue un diminuto cuerno que transmite su ansiedad. Esa línea culmina la narración simplificada en la que Leonard describe a Joplin apretando el puño "por aquellos como nosotros que estamos oprimidos por las figuras de la belleza". La agonía se imparte, no por ninguna pérdida, sino por el vacío del enamoramiento. Esa trompeta contrapone la guitarra lenta y punteada y sus florituras de puntuación. La canción concluye con un verso de indiferencia que quema la dignidad y ¿qué es ese ruido? ¿Un órgano o bombardino sonando a lo lejos del evento? “Escribí esto para una cantante estadounidense que murió hace un tiempo", escribió Cohen en las notas de su compilación Greatest Hits. “Ella también solía quedarse en el Chelsea” No fue hasta después de su muerte que Cohen reveló el nombre de la cantante: Janis Joplin. Cuenta la leyenda que Leonard Cohen estaba en el ascensor del Chelsea Hotel cuando se abrieron las puertas y apareció Janis Joplin. Se quedó tan impactado por la joven y famosa cantante que cuando ella le preguntó por Kris Kristofferson, Cohen le respondió que era él a quien buscaba. Su aventura fue breve, a la mañana siguiente, Joplin fue a buscar a Kristofferson y grabó posiblemente su mayor éxito, "Me and Bobby McGee". La pareja se vería alguna vez esporádicamente. Joplin murió el 4 de octubre de 1970 de una sobredosis de heroína, su muerte tuvo un marcado efecto en Cohen.

1190.- She - Charles Aznavour

 

Charles Aznavour fue un cantante, compositor y actor francés de origen armenio, conocido por su voz única y sus emotivas interpretaciones. Una de sus canciones más emblemáticas es "She" ("Ella" en español), lanzada en 1974. Esta canción, escrita por Aznavour y Herbert Kretzmer, ha sido versionada por varios artistas y ha perdurado en el tiempo debido a su belleza y profundidad emocional.

She de Charles Aznavour es una canción que trasciende las barreras del tiempo y del idioma, llegando al corazón de quienes la escuchan con un mensaje atemporal de amor y admiración. La habilidad de Charles Aznavour para transmitir emociones a través de su voz y su interpretación magistral hacen de esta canción un tema inolvidable e imprescidible para aquellos que degustamos la música romántica y es que la letra de "She" está llena de metáforas poéticas que pintan un retrato vívido de la relación entre el narrador y la mujer a la que se refiere. Aznavour logra capturar la esencia misma del amor en sus palabras, deteniéndose en temas como la gratitud, la pasión y la devoción de una manera profundamente conmovedora, a lo largo de la canción, el narrador reflexiona sobre la influencia duradera que esta mujer ha tenido en él, describiendo cómo su presencia ha moldeado su mundo y su percepción del amor, las letra evoca imágenes de momentos compartidos, recuerdos preciados y el deseo de mantener viva esa conexión especial, además la música acompaña perfectamente el tono melancólico y reflexivo de la letra, con una melodía suave y envolvente que intensifica la emotividad de la canción, con unos magnificos arreglos instrumentales sutiles que crean una atmósfera íntima y evocadora que transporta al oyente a un estado de contemplación y nostalgia y convirtiendo a She en mucho más que una simple canción, un testimonio perdurable del poder del amor para inspirar, conmover y trascender las barreras del tiempo y del espacio.

A lo largo de los años, "She" ha sido reinterpretada por numerosos artistas, cada uno aportando su propio estilo y sensibilidad a la canción. Sin embargo, ninguna versión puede igualar la emoción cruda y la autenticidad de la interpretación original de Charles Aznavour, que sigue siendo la referencia definitiva para esta pieza icónica. La universalidad de la temática de "She" ha resonado con audiencias de todas las edades y culturas, convirtiéndola en una de las canciones más queridas y recordadas de Charles Aznavour.

 

1181.- Anda - Luis Eduardo Aute

 

Luis Eduardo Aute fue un artista polifacético como pocos, capaz de ponerse detrás de una cámara para rodar, pintar lienzos o enamorarnos con sus poemas, es su labor de cantautor por la cual es internacionalmente conocido. En sus propios versos, «seamos un cuerpo enamorado» derretiría al instante a su musa, su lírica es una extrasensorial experiencia. Anda" es una joya musical creada por el legendario cantautor español Luis Eduardo Aute. Esta canción, perteneciente a su álbum "Espuma" lanzado en 1974, es un magnífico ejemplo de su habilidad para combinar poesía profunda con melodías cautivadoras. Un LP en que Aute investiga en la física y en la química del amor, esa euforia que nos hace sentirnos inmortales.

Anda comienza con una introducción suave de guitarra, estableciendo una atmósfera melancólica y reflexiva, Aute, con su voz emotiva y distintiva, entra con la letra que invita a un encuentro lleno de pasión, deseo sin fin, un encuentro que todos tendríamos que tener, sin cadenas y sin trabas, simplemente el deseo de dos personas, ademas Aute teje una narrativa emocionante que evoca imágenes vívidas y sentimientos profundos, pero además la letra de "Anda" es una reflexión sobre el paso del tiempo y la inevitable marcha hacia adelante de la vida. Aute canta sobre la necesidad del amor, de entregar y entregarse, de disfrutar cada paso en el encuentro amoroso a pesar de los obstáculos y las dificultades que puedan surgir en el camino. Su voz transmite una sensación de esperanza y determinación, animando al oyente a seguir caminando a pesar de las adversidades acompañada de una melodía conmovedora, con acordes de guitarra delicadamente entrelazados que complementan a la perfección la emotividad de la letra. La música fluye con una gracia tranquila, creando un ambiente íntimo que envuelve al oyente y lo transporta a un estado de contemplación serena. La instrumentación sutil pero efectiva de la canción, que incluye cuerdas suaves y percusión discreta, añade una capa adicional de profundidad y textura a la composición, cada elemento musical se combina armoniosamente para crear una experiencia auditiva completa y conmovedora, regalándonos una canción para todas las edades y trasfondos, su mensaje atemporal y su belleza lírica la convierten en una obra maestra que sigue siendo relevante décadas después de su lanzamiento inicial.

Disfruten de "Anda" una canción excepcional que encapsula la genialidad artística de Luis Eduardo Aute, una canción que perdura como un testamento eterno del talento inigualable de uno de los más grandes cantautores de España.

1170.- Romance de Curro el Palmo - Joan Manuel Serrat

De todas las canciones de Serrat el «Romance de Curro el Palmo» es tal vez una de las más cautivadoras y tiernas. La historia que cuenta, digna de un poema de Lorca, a través de unos hexasílabos impecables, no es más que la desgracia de un hombre vulgar, alguien que se enamoró de la persona equivocada, y que ese mismo amor llevó a la tumba. El ambiente que consigue crear Serrat en la primera parte de la canción, nocturno, de fiestas y bailes, se contrapone al dolor del protagonista. La belleza de las estrofas finales no puede dejar de sorprender, porque Curro, como ya expresaría Quevedo, sigue amando más allá de la muerte, como polvo enamorado, y sigue sufriendo. Pero la historia no pasaría de ser una hermosa canción si no fuera por ese estribillo que nos hace temblar de emoción.

En 1974 se editaba esta magnífica copla en un disco titulado “Canción infantil”, su epopeya literaria no resulta excesiva cuando se entiende necesaria para el desarrollo del argumento, la pieza se inicia con una introducción-marcha que nos recuerda a los grandes clásicos, cuenta la historia entre Merceditas y un personaje popular llamado El Palmo (por ser palmero de los tablaos flamencos). Curro El Palmo sufre de amor por Merceditas y deja clara evidencia de ello en algunos versos que dicen: “Ay mi amor / que me desvela la verdad / entre tú y yo la soledad / y un manojillo de escarcha”. Curro acaba intentando olvidarla dándose a la bebida, pero el final es trágico. El Palmo muere tras saber que Merceditas se va con otro y Serrat nos lo cuenta: “Quizá fue la pena / o falta de hierro / el caso es que un día / nos tocó ir de entierro”.

Además Serrat revela un paisanaje muy concreto: una galería de personas que casi pueden verse a lo largo de los más de siete minutos de duración de la canción, todos del mundo del flamenco, una muestra de giros, expresiones e incluso gramática propios del andaluz. Por ejemplo, que el tablao de la canción sea propiedad de un tipo apodado "El Lacio" llama la atención: un hombre lacio, en andaluz, es un tipo soso, sin gracia de poco espíritu. "Alcahuete", palabra andaluza de origen árabe, sí, "alcahuete noble". ¿Se puede ser alcahuete y noble a la vez? luego está la bella sentencia con la que "Merceditas" despacha al Palmo: "Carita gitana, ¿cómo hacer buen vino de una cepa enana?". ¿Se puede tener más arte?. Serrat se recrea en estos dos personajes. Por un lado, la mujer del guardarropa, una belleza española, la imaginamos, de mediado el siglo XX, descarada y muy suya. Por otro, ese pobre cantaor, palmero de los grandes, de segunda fila y que "no hizo la mili por no dar la talla", pobre Curro. Se nos presenta el arquetipo de señorito andaluz, un médico que no es buen médico, y que su fortuna la ha conseguido gracias al contrabando, con esa imagen del Rolls Royce tan añeja. A la par, el Palmo va palmando, va muriéndose, y lo hace al son de soleares, el palo trianero del flamenco sobre el que Serrat había levantado una de sus primeras canciones y que tanto gustaba a los hermanos Machado. La pena negra andaluza, tan bien retratada por Lorca, tiene aquí su culmen: un entierro, con falsas lágrimas, con su "cajita", sus pésames y sus flores. Para culminar con una expresión también muy andaluza: se va todo de frente y luego te metes a mano derecha, suele decirse para dar una indicación a alguien. Allí, donde nos dice Serrat, sigue el Palmo, ya muerto, con un mito como Frascuelo, haciendo lo que probablemente sólo hacía bien en vida: dando palmas entre cantares por celestiales. Por cierto, se dice, se comenta que, aunque Curro El Palmo es un personaje inventado, Serrat se inspiró en el Nano de Jerez para llevarlo a la canción. 

No querría despedirme sin hacer referencia a la enorme versión que hizo Antonio Vega, tengo debilidad por él y las dos versiones rallan a una altura sublime. 

1127.- Lily of the West - Bob Dylan

 

“Dylan” fue publicado en 1973 por Columbia en un movimiento de venganza después de que Bob se mudara temporalmente a Asylum Records. Sé que no todos estarán de acuerdo conmigo cuando hago esta afirmación, pero honestamente creo que el disco "Dylan" no es tan malo, cierto que el disco no es una joya como Blonde On Blonde, Desire o Modern Times, pero aun así, hay muchas canciones aquí que son buenas y a pesar de que recibió muy malas críticas tras su lanzamiento consiguió alcanzar el puesto 17 en los EE. UU. y fue el decimotercer álbum de Dylan compuesto en esta ocasión por tomas descartadas de sus discos anteriores, principalmente de  los trabajos, Self Portrait y New Morning . Las nueve canciones incluidas en el álbum se componen de seis versiones y tres canciones tradicionales, adaptadas y arregladas por Dylan. El álbum siguió a la salida del artista de Columbia para Asylum Records.

"Lily of the West" es una canción icónica de Bob Dylan que se destaca por su narrativa rica y melódica, es una adaptación de una balada tradicional irlandesa que ha evolucionado a lo largo del tiempo. Dylan logra capturar la esencia de la historia original, pero también infunde su propio estilo distintivo. La letra de "Lily of the West" cuenta la trágica historia de un hombre que se enamora perdidamente de una mujer llamada Lily, a medida que avanza la narrativa, descubrimos que Lily le ha sido infiel, y el protagonista experimenta una montaña rusa emocional mientras intenta lidiar con esta traición el tema está impregnado de una profunda melancolía, y la voz distintiva de Dylan le confiere un matiz adicional de autenticidad y emoción. La instrumentación, característica de la época de Dylan, combina acordes de guitarra suaves con armonías que refuerzan la sensación melancólica de la historia, la armonización vocal también desempeña un papel crucial, aportando capas adicionales de complejidad y profundidad a la canción, la combinación de la narrativa poética y la expresión vocal de Dylan crea una experiencia auditiva magnifica, además a medida que la canción avanza, el oyente se ve inmerso en la angustia del narrador y su lucha con los sentimientos encontrados hacia Lily. La complejidad emocional se manifiesta a través de la prosa cuidadosamente elaborada y la ejecución magistral de Dylan, la interpretación apasionada del artista sirve como puente entre la canción y el oyente, permitiendo que la historia resuene con una amplia audiencia.

 "Lily of the West" es un ejemplo destacado del talento de Dylan para reinterpretar y revitalizar canciones tradicionales. Su habilidad para infundir nueva vida en viejas melodías demuestra su maestría como artista y su profundo respeto por la rica tradición musical de la que provienen estas canciones. A través de esta obra, Dylan consolida su lugar como uno de los principales narradores de historias en la música folk y deja una huella duradera en la cultura musical. Con su enfoque distintivo y su habilidad para transmitir emociones complejas, "Lily of the West" sigue siendo una joya atemporal en el extenso catálogo de Bob Dylan.

1051.- De alguna manera - Luis Eduardo Aute

Hijo de Amparo Gutiérrez-Répide, filipina de ascendencia española, y Gumersindo Aute Junquera, español que trabajaba allí en una compañía tabaquera. Cuando tenía ocho años se trasladó junto a su familia a España. Primero vivió en Barcelona, pero a los pocos meses se asentó en Madrid, donde residió desde entonces. Muy influenciado por las composiciones de Georges Brassens y Jacques Brel, como asimismo del norteamericano Bob Dylan, a su vuelta a España, mediada la década de los sesenta, comenzó a componer sus propias baladas, con letras que pueden juzgarse como surrealistas. En principio no se atrevía a cantarlas y cedió algunas, como “Rosas en el mar” y “Aleluya número 1”, que grabó Massiel. Esta última terminó también por cantarla él mismo (el norteamericano Ed Ames hizo una versión que alcanzó el puesto número siete en las listas de éxitos en los Estados Unidos) junto a otras como “Don Ramón”, “Made in Spain” y “Rojo sobre negro”, con las que inició su propia discografía de cantautor, contratado por la RCA española, en 1967. En los años siguientes, aún no muy convencido de su futuro como cantante, compuso para Mari Trini y Patxi Andión, entre otros artistas, considerados también cantautores, que empezaban su prometedora carrera. Ya en la década de los setenta fue cuando su casa de discos, algunos amigos y críticos lo alentaron para que se dedicara en pleno a actuar. Con el apoyo del grupo Suburbano continuó, ya en los años ochenta, una fructífera etapa que, aun con los inevitables altibajos en la vida de todo creador, se mantenía en los primeros años del nuevo siglo, tras cuatro decenios como autor.

Rito (Canciones de amor y muerte) es el tercer álbum de estudio del cantautor español Luis Eduardo Aute. Contiene algunas de las composiciones  más famosas de su repertorio, que con el tiempo Aute ha ido reversionado tanto en discos en vivo como de estudio. Fue publicado en 1973 por el sello Ariola (82.189-I). Con él da inicio a la trilogía “Canciones de amor y muerte”, que incluye además los discos Espuma (Canciones eróticas, 1974) y Sarcófago (Canciones de muerte, 1976). Todos los temas pertenecen en letra y música a Luis Eduardo Aute. Arreglos y dirección musical de Carlos Montero.

Con “De alguna manera” en dos minutos, la poesía guía a la música. Es algo muy extraño, son las palabras las que te conducen hacia el siguiente acorde sin que te des cuenta, una vez que juntas las sílabas todo fluye de un modo casi mágico. "De alguna manera" de Luis Eduardo Aute es una canción de amor sincera y melancólica que explora los temas del anhelo, la pérdida y la dificultad de seguir adelante después de una relación pasada. La canción describe la lucha del cantante por olvidar y dejar ir a su antiguo amante. La imaginería utilizada en las letras también intensifica las emociones expresadas en la canción, la mención de las noches y el intento de besar el aire significa el anhelo y la desesperación por la intimidad y el deseo de recrear el pasado. En general, "De alguna manera" refleja la complejidad de las emociones que acompañan el dejar ir y el difícil proceso de curación después de una ruptura. La canción captura el sentido de anhelo, arrepentimiento y eventual aceptación que se experimenta con frecuencia en estas situaciones. Este tema había conocido muy poco tiempo antes una gran interpretación y un notable éxito en la voz de Rosa León. Aute no quiso sacarla en single para no entorpecer o establecer comparaciones con Rosa, pero la incluye plena de sentimiento en este LP.

1013.- Vicious - Lou Reed

"Vicious" es la primera canción del disco "Transformer" (1972) y un gran ejemplo del giro musical que, con la ayuda de su amigo David Bowie en la producción y los coros, Lou Reed quiso dar a su carrera y a sus nuevas composiciones. Era su segundo disco fuera del paraguas artístico de la Velvet Underground creada por Andy Warhol, pero el genial fotógrafo sigue siendo inspiración en las letras de "Vicious".

En palabras del músico neoyorquino, Warhol le dijo: ¿Por qué no escribes una canción titulada "Vicious"? Reed le respondió: ¿Qué tipo de "vicioso"? Y entonces Warhol le dijo: "Ya sabes, vicioso como alguien que te golpea con una flor". Lou Reed tomó la frase literalmente para la letra ("Vicious, I hit you with a flower...") y a partir de ella compuso el resto de una letra plagada de sarcasmo que en el disco Reed canta con un altanero e hipnótico desdén en la voz, que le da a la canción la carga irónica de parecer un sermón pronunciado por alguien aún más vicioso, rebelde y desfasado que el destinatario del mismo.

Musicalmente, la influencia del glam rock de Bowie es muy evidente, con su fiel escudero Mick Ronson poniendo el toque punk y glam rock con sus guitarras distorsionadas, y Reed acompañándole con la guitarra rítmica. La producción de Bowie es sobresaliente, y el arreglo rítmico de batería, congas y maracas con el que estos dos genios de la música completan la canción hace de "Vicious" una de las piezas más impactantes de "Transformer", y eso no es decir poco si tenemos en cuenta que es el disco de "Perfect Day", "Satellite of love" o "Walk on the wild side", entre otras.

1012 - Lou Reed - Satellite of love

1012 - Lou Reed - Satellite of love

"Satellite of Love" es una canción del cantautor estadounidense Lou Reed, lanzada en su álbum "Transformer" en 1972. Esta canción es una de las más destacadas de la carrera de Lou Reed y ha sido elogiada por su distintivo estilo y lírica evocadora.

La canción combina elementos de rock, pop y glam rock, y es conocida por su pegajosa melodía y armonías vocales. La letra de "Satellite of Love" habla de temas como la soledad, la distancia emocional y la necesidad de conexión humana. Lou Reed canta sobre su deseo de estar más cerca de alguien a quien ama, pero siente que está "en un satélite del amor" mirando desde lejos.

La producción de David Bowie en "Transformer" le dio a la canción un sonido único y distintivo que ha perdurado a lo largo de los años. La instrumentación y los coros de apoyo contribuyen a crear una atmósfera melancólica pero cautivadora.

A lo largo de las décadas, "Satellite of Love" ha sido versionada por varios artistas y ha aparecido en películas, programas de televisión y anuncios comerciales, lo que atestigua su duradera influencia en la música popular. La canción sigue siendo una de las favoritas de los fanáticos de Lou Reed y es un testimonio de su talento como compositor y músico.

Daniel 

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1011.- Walk On The Wild Side - Lou Reed

 

Walk On The Wild side, Lou Reed

     Transformer es el segundo álbum estudio del artista estadounidense Lou Reed. Dicho trabajo fue grabado en agosto de 1972 en los Trident Studios de Londres, bajo la producción de Mick Ronson y de David Bowie, y publicado el 5 de noviembre de 1972 por el sello discográfico RCA Records. Aunque su primer álbum tuvo cierto éxito, sería con Transformer cuando le llegaría el verdadero éxito, ya que este trabajo se convertirá con el tiempo en todo un himno del glam rock. Al igual que su primer disco, Transformer contiene canciones que Reed había compuesto mientras estaba en la formación Velvet Underground. Mick Ronson y David Bowie apostaron por producir Transformer ya que ambos habían sido influenciados por el trabajo de Reed en Velvet Underground. Bowie llegó a incluir notas en la portada de su disco Hunky Dory que hacían referencia al grupo de Reed, y  Mick Ronson, además de coproductor, colaboró en el disco como arreglista y músico de sesión tocando varios instrumentos.

Incluido en este álbum se encuentra todo un himno atemporal donde Reed nos habla de ese Nueva York del que nadie se atreve a hablar. Ese Nueva York al que los travestis se dirigían en busca de algo de fortuna y acababan ejerciendo la prostitución, todo un paseo por el lado salvaje de la ciudad. La canción no puede ser otra que  Walk On he Wild Side, Cada verso de la canción introduce un nuevo personaje, están Holly Woodlawn, Candy Darling, Joe Dallesandro, Jackie Curtis y Joe Campbell. Todos los personajes, al igual que Reed,  son compinches de la fábrica de Andy Warhol. Reed sentía empatía por todos estos personajes de la canción ya que el mismo estuvo luchando con su sexualidad durante la mayor parte de su vida. Sus padres incluso intentaron "curar" su homosexualidad cuando era joven. Según el propio Reed, fue la novela de Nelson Algren de 1956, A Walk on the Wild Side, la que le inspiró para crear la canción, y mientras avanzaba en la composición fue incorporando personajes de su propia vida. La canción también puede ser una alusión a la película Walk on th Wild Side de 1962, de Mack David y Elmer Bernstein, basada en la novela de Algren. 

Lo que está claro es que la canción no es solo uno de los buques insignia de Reed, es todo un himno generacional y atemporal que toca temas por entonces tabú como el de las personas transgénero, las drogas, la prostitución masculina o el sexo oral.