miércoles, 31 de julio de 2024

1308.- Jive Talkin' - Bee Gees

 

Incluso en sus años de folk-rock, siempre había habido un elemento de soul en los Bee Gees, en la forma en que esos tres hermanos combinaban sus voces sobrenaturalmente agudas entre sí. Pero el giro del grupo hacia el R&B fue una decisión repentina y consciente, los Bee Gees habían estado luchando durante algunos años cuando firmaron con Atlantic, el nuevo jefe del sello, Ahmet Ertegün, los emparejó con el productor Arif Mardin, que h se dedicó a rehacer a los Bee Gees como un grupo de R&B blanco y se mudaron a Miami, una ciudad con una fuerte cultura de club, y, de repente, descubrieron el ritmo. Los componentes afirman que el ritmo de “Jive Talkin'” (el tremendo rebote de cuatro por cuatro) lo sacaron del sonido que hacía su coche cuando pasaban por Julia Tuttle Causeway en Miami, me parece extraño, puede que los Brothers Gibb no supieran qué tipo de ritmo exigían los clubes, pero Arif Mardin sí. En cualquier caso, fue Mardin quien sugirió originalmente que cambiaran la canción, titulada originalmente “Drive Talking”, por “Jive Talkin'”, cuando terminaron el primer borrador de la canción, los Bee Gees pensaron que “jive talking” era una especie de baile. Mardin tuvo que explicar que significaba hablar engañando, y los Bee Gees reescribieron la canción para que encajara con esa idea, eran tan ignorantes del lenguaje negro americano que empezaron escribiendo la maldita canción equivocada.

 

Se podría argumentar, con bastante justificación, que los Bee Gees eran buitres culturales, baladistas de folk-rock que se abrieron paso a tientas hasta alcanzar un éxito masivo aprovechando una nueva ola de música underground que surgía de clubes gays y negros. Los Bee Gees no habían surgido de la cultura que producía la música disco, no sabían nada al respecto y en un par de años, se habían convertido en los rostros del género. Esa es una vieja historia de la cagada de la industria musical: estrellas de rock blancas y ricas que secuestran música que había pertenecido a la gente que vivía en la periferia. Mucha gente odia a los Bee Gees por eso, tienen razón, sin embargo, los Bee Gees eran tan buenos haciendo música disco que simplemente no puedo recriminarles nada, retorcieron el sonido para adaptarlo a sus propias voces y, en el proceso, lo elevaron al centro del pop. Aún no habían desarrollado por completo el lado disco de su sonido, Main Course, el álbum que produjo “Jive Talkin'”, estaba compuesto en su mitad por baladas soñolientas, Barry Gibb no aprovechó todo el poder de su falsete ensordecedor hasta que Mardin escuchó lo que podía hacer en “ Nights On Broadway ”, otro tema de Main Course, después de escuchar a Barry lanzar un gran gemido improvisado, Mardin le preguntó si podía “gritar afinado”, podía, y eso es básicamente lo que hizo durante el resto de su carrera.  Aun así, "Jive Talkin'" es una canción innegablemente elegante, un salto cuántico para los Bee Gees. La canción se construye con una gracia segura, sus scratches líquidos de guitarra y los brillantes pitidos del teclado se escuchan fuertes y contundentes, los aplausos, los timbales y las armonías chillonas llegan en el momento exacto.

 

 

martes, 30 de julio de 2024

1307.- Fight the Power - The Isley Brothers



"Fight the Power", también conocida como "Fight the Power (Part 1 & Part 2)", es una canción original de The Isley Brothers, compuesta por el guitarrista Ernie Isley durante una sesión de grabación en 1975, en la que motivado por los acontecimientos políticos y sociales por los que atravesaba el país, compuso la reivindicativa "Fight the Power" y el himno contra la pobreza "Harvest for the World". Ambas canciones se grabaron el mismo día, pero fue "Fight the Power" la elegida para ser lanzada como single principal del álbum "The Heat Is On" (1975).

Ernie completó con el tecladista Chris Jasper el esqueleto de la canción y se la presentó a sus hermanos mayores Ronnie, Rudy y O'Kelly Isley, que grabaron las voces principales en una sola toma. Durante la grabación, Ronnie empleó en repetidas ocasiones la palabra "mierda", y al ser preguntado por ello, dijo que "había que decirlo" y que "es lo que la gente quiere escuchar". Y así fue, porque aunque muchas emisoras radiofónicas se negaron a emitirla por este motivo, mantener la controvertida palabra fue lo que le dio a "Fight the Power" la fama y el sentido de canción de lucha que aún hoy sigue teniendo.

Desde su lanzamiento en mayo de 1975, "Fight the Power" se convirtió rápidamente en uno de los mayores éxitos de la banda, alcanzando el número 1 en las listas de ventas estadounidenses. Años después, en 1989, los míticos raperos de Public Enemy revitalizaron el mensaje de la canción, adoptando para su tema del mismo título la frase "We gotta fight the powers that be" ("Tenemos que combatir los poderes establecidos"). Y es que las décadas van pasando, pero siempre queda algo por lo que luchar,

lunes, 29 de julio de 2024

1306.- Inca Roads - Frank Zappa

 

Inca Roads, Frank Zappa


One Size Fits All supuso el decimocuarto álbum de estudio de Mothers of Invention y el vigésimo álbum en general del genial músico Frank Zappa. Grabado en los Record Plant Studios de los Ángeles, en Caribou Ranch de Nederland, Colorado y los Paramount Studios de Los Ángeles entre agosto de 1974 y abril de 1975 bajo la producción de Frank Zappa, fue publicado en junio de 1975 por el sello discográfico DiscReet Records. El disco, con un formato que se movía entre el rock y el jazz fusión progresivo, llegó a alcanzar un más que notable puesto número 26 en la lista estadounidense Billboard Top LPs & Tape.

El disco presenta la formación de Mothers of Invention integrada, además de Franzk Zappa, por George Duke (vocalista/tecladista), Chester Thompson (batería), Ruth Underwood (percusionista), Tom Fowler (bajista), y Napoleon Murphy Brock (saxofón/teclados). También colabora en el álbum el bajista Jarnes Youman, quien se unió temporalmente cuando Fowler se rompió la mano en un  accidente durante la gira. 

El álbum incluye una de las pistas más complejas de Zappa, algo que ya es mucho decir teniendo en cuenta la extensa y prolífica obra del músico y compositor. Dicha pista es Inca Roads, la canción de apertura del álbum. La complejidad de esta canción radica en su formato, el cual presenta firmas fuera de tiempo, además de letras y voces inusuales. Incluye algunos compases fuera de ritmo, incluidos 5/4 y 7/8. Inca Roads comienza con voces dominantes, batería y marimba, y presenta un solo de guitarra interpretado por Zappa a finales de septiembre de1974 en una presentación en vivo en Helsinki, Finlandia. 

La canción explora los estereotipos de los extraterrestres que se encuentran en la civilización Inca. Estos temas, como la portada del álbum One Size Fits All, parecen parodiar la espiritualidad de muchos álbumes de rock progresivo de la misma época. La letra relata como, al parecer, un OVNI está aterrizando en las montañas de los Andes, y a medida que la canción avanza, la letra se va volviendo más jocosa y parece burlarse del comienzo de la canción. Aunque la hipótesis extraterrestre pronto quedó en gran medida desacreditada, tuvo y sigue teniendo una profunda influencia en la cultura popular, incluyendo la música, y Zappa toma buena cuenta de ello en Inca Roads.

domingo, 28 de julio de 2024

1305.- Love Will Keep Us Together - Captain and Tennille

Love Will Keep Us Together
Captain and Tennille


     Captain and Tennille fue un dúo discográfico estadounidense cuyo principal éxito se produjo durante la década de 1970. Formado por "Captain" Daryl Dragon y Toni Tennille, llegó a conseguir cinco álbumes con certificación de oro o platino y obtuvo numerosos éxitos en las listas de sencillos de Estados Unidos. Fruto del éxito, este dúo llegó a presentar su propio programa de variedades en la cadena de televisión ABC durante 1976 y 1977.

Love Will Keep Us Together fue el primer álbum del dúo, lanzado en 1975 por el sello discográfico A&M Records, conseguiría alcanzar el puesto número 2 en la lista estadounidense Billboard 200, y la canción que da nombre al álbum, consiguió el puesto número uno en la lista estadounidense de sencillos Billboard Hot 100, llegando a ganar el premio Grammy a la grabación del año. Love Will Keep Us Together fue escrita por Neil Sedaka y Howard Greenfield, y grabada por primera vez por el propio Sedaka en 1973. Sería la versión hecha un par de años después por el dúo Captain and Tenille la que consiguiera un gran éxito mundial. 

Love Will Keep Us Together es una agradable canción que es capaz de hacer que creamos en el amor en una era un tanto convulsa y cínica en cuanto a este tema. Estados Unidos estaba en medio de la revolución sexual, el movimiento del "amor libre", y se estaba perdiendo la fe en los significados tradicionales de la familia y el amor. Los matrimonios se estaban desmoronando a un ritmo muy alto. Es casi como si la canción hubiera sido pensada para ser el tema principal de esos tiempos. En una época convulsa en cuanto al amor tradicional, es una apuesta por la certeza de que amar a alguien vale la pena.

No hay duda de que el amor inspiró a este talentoso dúo. Si bien finalmente se desenamoraron, el amor que tenían siempre será recordado, al igual que otras míticas parejas como Sonny and Cher. Aun así, la capacidad de Captain and Tennille para transmitir el optimismo del amor es magnífica. Hay una línea en la canción en la que Toni reconoce los defectos y debilidades de su pareja, para luego afirmar que nunca dejará de intentarlo, mantiene a las parejas unidas cuando se lo acepta y se aprecia. Si el amor siempre lo conquistará todo o no es otro tema. Sin embargo, con esta canción, Captain and Tennille apuestan por la creencia de que puede conquistar cualquier cosa, incluso el amor.

sábado, 27 de julio de 2024

1304.- We all fall in love sometimes - Elton John



"We All Fall in Love Sometimes" es un romántico tema de piano incluido en el disco "Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy" (1975) de Elton John, un disco conceptual que enmascara experiencias y disputas personales entre el propio Elton John (en el papel de "Capitán Fantástico") y su letrista Bernie Taupin (como el "Sucio Cowboy Marrón") entre 1967 y 1969, durante los primeros años de su fructífero tándem compositivo.

Emparentada en estilo y estructura con su gran éxito de 1970 "Your Song""We All Fall in Love Sometimes" tiene el piano y la voz de Elton John en un primer plano, hasta el punto que la banda de acompañamiento no entra hasta el puente. Situada en la novena posición de un disco dispuesto en el orden cronológico en el que se escribieron las canciones que lo componen, esta brillante canción habla de las relaciones de amistad y de como, en ocasiones, éstas se convierten con el tiempo en relaciones de amor.

Elton John compuso la música de "We All Fall in Love Sometimes" durante un viaje en crucero a los Estados Unidos, y aunque el tema estrella del disco es sin duda "Someone Saved My Life Tonight", su presencia en todos los conciertos de la gira promocional del ábum, el lanzamiento en single de la canción junto a otras de las canciones del disco en Filipinas en 1975, y la posterior inclusión como cara B en el single de "Funeral for a Friend/Love Lies Bleeding" en 1978. la convirtieron en un éxito de radio y en una de las piezas favoritas de sus seguidores más acérrimos.

viernes, 26 de julio de 2024

Disco de la semana 388: "Stay on These Roads" de A-HA

Disco de la semana 387: "Stay on These Roads" de A-HA

"Stay on These Roads" es el tercer álbum de estudio de la banda noruega A-HA, lanzado el 3 de mayo de 1988. A-HA, formada en Oslo en 1982 por Morten Harket, Magne Furuholmen y Paul Waaktaar-Savoy, había alcanzado fama internacional con su álbum debut "Hunting High and Low" en 1985, especialmente gracias al sencillo "Take On Me" y su innovador video musical. Con su tercer trabajo, la banda buscaba consolidar su lugar en la escena pop mundial y demostrar su evolución musical.

El álbum presenta una mezcla de synthpop, new wave y elementos de rock, característicos del sonido de A-HA, pero con un enfoque más maduro y melancólico que en sus trabajos anteriores. La producción estuvo a cargo de Alan Tarney, quien ya había trabajado con la banda en "Scoundrel Days" (1986).

"Stay on These Roads" abre con la canción homónima, que se destaca por sus melódicas líneas de teclado y la voz distintiva de Harket. Es una balada poderosa que se ha convertido en uno de los clásicos de A-HA, con letras introspectivas y un tono esperanzador.

1. Stay on These Roads: La canción que da título al álbum es una emotiva balada con una producción rica en sintetizadores. La voz de Harket brilla con intensidad, transmitiendo una mezcla de tristeza y optimismo. Las letras hablan de perseverancia y fidelidad, y el estribillo es particularmente memorable.

2. The Blood That Moves the Body: Este tema presenta un ritmo más acelerado y una línea de bajo contundente. La canción explora temas de pasión y vitalidad, con un enfoque lírico más oscuro y misterioso.

3. Touchy!: Uno de los sencillos más ligeros y accesibles del álbum, "Touchy!" tiene un tono juguetón y una estructura pop más convencional. La melodía pegadiza y el coro memorable hacen de esta una canción perfecta para la radio.

4. This Alone Is Love: Con un tono más introspectivo y una melodía envolvente, esta canción destaca por su atmósfera etérea y sus letras poéticas. La interpretación vocal de Harket es especialmente emotiva.

5. Hurry Home: Un tema más experimental, "Hurry Home" combina elementos de rock y synthpop con un arreglo instrumental complejo. Las letras reflejan un deseo de retorno y pertenencia.

6. The Living Daylights: Originalmente compuesta para la película de James Bond del mismo nombre, esta canción tiene un sonido más épico y cinematográfico. La producción es grandiosa, con una orquestación rica y un ritmo potente.

7. There's Never a Forever Thing: Una balada melancólica que destaca por su simplicidad y belleza. La interpretación vocal es suave y conmovedora, y las letras abordan el tema de la transitoriedad de las relaciones.

8. Out of Blue Comes Green: Con una introducción atmosférica y un desarrollo gradual, esta canción es una de las más complejas del álbum. Las letras son introspectivas y reflexivas, y la instrumentación es rica y variada.

9. You Are the One: Un tema optimista y vibrante, con un ritmo rápido y una melodía pegajosa. Es una canción de amor con un tono positivo y enérgico.

10. You'll End Up Crying: El álbum cierra con una balada intensa y emotiva, con una interpretación vocal poderosa y letras que exploran el dolor y la pérdida.

"Stay on These Roads" recibió críticas mixtas en el momento de su lanzamiento. Algunos críticos elogiaron la madurez y la evolución del sonido de la banda, mientras que otros sintieron que el álbum carecía de la frescura y la innovación de sus trabajos anteriores. Sin embargo, con el tiempo, ha sido reevaluado positivamente, reconociéndose su importancia en la discografía de A-HA y su influencia en el género synthpop.

El álbum fue un éxito comercial, especialmente en Europa, alcanzando altos puestos en las listas de varios países. En Noruega, llegó al número uno, consolidando el estatus de A-HA como una de las bandas más importantes del país. Canciones como "Stay on These Roads" y "The Living Daylights" se han convertido en clásicos del repertorio de la banda y siguen siendo interpretadas en sus conciertos.

"Stay on These Roads" es un álbum que captura a A-HA en un momento de transición y madurez. Con una mezcla de baladas melancólicas y temas más enérgicos, el álbum ofrece una rica paleta de emociones y sonidos. Aunque no alcanzó el mismo nivel de innovación que sus primeros trabajos, sigue siendo una pieza clave en la discografía de la banda, mostrando su capacidad para evolucionar y adaptarse a nuevos contextos musicales. Para los fanáticos del synthpop y la new wave, este álbum es una muestra esencial del talento y la versatilidad de A-HA.

Daniel 
Instagram storyboy 

1303 - Elton John - Someone saved my life tonight




1303 - Elton John - Someone saved my life tonight

"Someone Saved My Life Tonight" de Elton John es una poderosa balada que resuena con una profundidad emocional y una narrativa impactante. Lanzada en 1975 como parte del álbum "Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy", la canción se destaca por su honestidad lírica y su composición musical compleja, características que definen gran parte del trabajo de Elton John y su colaborador Bernie Taupin.

La canción narra un episodio oscuro en la vida de Elton John, cuando se encontraba al borde del suicidio debido a una relación tóxica y una crisis personal. En lugar de caer en el sentimentalismo, la letra de Taupin captura la desesperación y el alivio con una franqueza cruda. La línea "Someone saved my life tonight, sugar bear" hace referencia a Long John Baldry, quien intervino y ayudó a Elton John a reconsiderar su decisión, brindándole un momento de claridad y redención.

Musicalmente, "Someone Saved My Life Tonight" es un testamento del virtuosismo de Elton John. La canción comienza con una suave introducción de piano, creando una atmósfera introspectiva que se despliega lentamente en una rica y orquestada balada. La voz de Elton John, cargada de emoción, guía al oyente a través de los altibajos de la narrativa. La producción es meticulosa, con arreglos que incluyen suaves armonías de fondo y una batería discreta pero efectiva, que subraya los momentos de mayor intensidad emocional.

Uno de los aspectos más notables de la canción es su estructura. A diferencia de muchas baladas de la época, "Someone Saved My Life Tonight" no sigue una fórmula predecible de verso-estribillo. En su lugar, se desarrolla de manera más libre, permitiendo que la emoción y la historia dicten el flujo de la música. Esto hace que la experiencia de escucharla sea más envolvente y conmovedora.

La recepción crítica de la canción ha sido abrumadoramente positiva. Es considerada una de las mejores interpretaciones de Elton John, destacándose no solo por su capacidad vocal sino también por su habilidad para transmitir una narrativa compleja a través de la música. La canción también ha resonado profundamente con los fans, muchos de los cuales encuentran en ella una fuente de consuelo y fortaleza.

"Someone Saved My Life Tonight" es una obra maestra de la música pop/rock de los años 70. A través de su combinación de letras sinceras, composición sofisticada y una interpretación vocal apasionada, Elton John y Bernie Taupin lograron crear una canción que no solo captura un momento crucial en la vida de John, sino que también ofrece un mensaje universal de esperanza y redención. Para cualquier amante de la música, esta canción es un recordatorio del poder de la música para sanar y transformar.

Daniel 
Instagram storyboy 

jueves, 25 de julio de 2024

1302.- Abrazame - Julio Iglesias

Seguramente las tres personas que más éxito han dado a Julio Iglesias a lo largo de su carrera, componiéndole temas, arreglándolos y produciéndolos, son Ramón Arcusa, Manuel Alejandro y Rafael Ferro. Este último es el responsable absoluto del sonido de El amor, uno de los mejores discos de Iglesias, publicado en 1975. “Le preguntaban a Paolo Sorrentino en una entrevista si era un tipo nostálgico. Él contestó que sentía nostalgia, pero no por lo vivido, sino por las cosas que no había podido vivir. Cuando eramos chavales nuestros padres o abuelos ponían los casetes de Julio Iglesias yo sentía ese tipo de nostalgia, especialmente con canciones como Abrázame. Me gustan mucho las producciones de las canciones de Julio Iglesias de los setenta: las bellas melodías, los arreglos orquestales y las cuerdas, las delicadas baterías, tocadas siempre con muchísima clase, la cálida y sensual voz de Julio, con esa reverb envolvente, y esas letras directas y sentidas. Todo dispuesto para quedarse para siempre, como la primera vez, como el primer amor. Abrazame es el ejemplo perfecto, personalmente me han influido mucho las canciones como Abrázame, de niño y adolescente inconscientemente. Y ahora de adulto, de manera totalmente consciente.

La canción tiene un tema muy emotivo, aborda la inminente despedida entre dos personas que se aman. La letra transmite un mensaje de amor y tristeza, donde el protagonista pide un último abrazo que simboliza todo lo que han compartido y lo que está por perderse, la petición de no decir nada más que un abrazo refleja el deseo de retener el momento y la conexión emocional, incluso cuando las palabras ya no pueden cambiar el curso de los acontecimientos. El uso de la mirada como medio de comunicación entre los amantes es una metáfora poderosa que muestra cómo una simple expresión puede revelar sentimientos profundos y complejos. La canción también toca el tema de la nostalgia y el recuerdo de un amor que comenzó en la juventud y que, a pesar de la separación, seguirá vivo en el corazón del que se queda. La repetición de 'si te vas' enfatiza la sensación de vacío y la pérdida que experimentará el protagonista, destacando la importancia de la presencia física y emocional del ser amado. 

En 2005, Iván Ferreiro grababa una versión del clásico Abrázame, la canción que Julio Iglesias compuso junto a Rafael Ferro publicada en el soberbio disco El amor (1975) . Ferreiro tuvo que justificarse incontables veces por haber osado reinterpretar a Julio. Y no, no era por atreverse con los grandes. Era más bien por todo lo contrario: por reconocer públicamente que en su ideario estaba un músico considerado por muchos como menor o frívolo. La respuesta de Ferreiro era siempre igual de tajante: “Yo hago canciones y las de Julio Iglesias son muy buenas, ¿algún problema?”. Cuando Diego A. Manrique, devolviéndole el guante, le sugirió a Julio en una entrevista para El País que probase con el repertorio indie, el cantante respondió: “¿De verdad? No me veo, se me está acabando el tiempo. Y tampoco tengo necesidad de ponerme cool, ¿se dice así?”


miércoles, 24 de julio de 2024

1301.- Love Hurts - Nazareth


Los escoceses Nazareth dominaron las emisoras de radio a finales de los años 70 con el mordaz himno del rock "Hair of the Dog" y la perdurable balada proto-power "Love Hurts". La banda, que surgió en 1971, alcanzó el éxito comercial en 1975 con el lanzamiento de su quinto álbum, Hair of the Dog . A pesar de los numerosos cambios de formación, el grupo siguió siendo prolífico y popular en Europa durante los años 80 y 90, y continuó realizando giras y grabaciones hasta la década de 2000, con el bajista y cofundador Pete Agnew como único miembro constante. Formada en Dunfermline en 1968, la formación inicial de Nazareth incluía al vocalista Dan McCafferty , al guitarrista Manny Charlton , al bajista Pete Agnew y al baterista Darrell Sweet . La banda se había mudado a Londres en 1970 y lanzó su álbum debut homónimo en 1971. Tanto Nazareth como Exercises de 1972 recibieron una atención favorable por parte de los hard rockeros británicos, pero fue Razamanaz de 1973 el que los llevó al Top Ten del Reino Unido (tanto "Broken Down Angel" como "Bad Bad Boy" fueron sencillos de éxito). Loud 'n' Proud y Rampant (ambos de 1974) siguieron la misma fórmula, aunque tuvieron un éxito ligeramente menor. Publicado en el año siguiente, 1975, Hair of the Dog estableció a Nazareth como una banda de hard rock popular a nivel internacional.

“Love Hurts” es la canción más conocida de la banda Nazareth. Pero, ¿sabías que en realidad es una versión? Lo primero es aclarar que esta es la versión más famosa de la canción y la primera vez que fue un sencillo de éxito en los EE. UU. La canción fue escrita por Boudleaux Bryant y grabada por los Everly Brothers en 1960, sin embargo, no llegó a las listas de éxitos y no fue un éxito hasta que Nazareth hizo una versión en 1975 y la incluyó en su álbum 'Hair of the Dog'. Alcanzó el puesto número 8 en los EE. UU. y se convirtió en disco de oro. No les fue nada mal. La canción trata de un hombre que descubre que el amor joven es muy ardiente, pero que se apaga igual de ardiente y rápido, cuando la llama se apaga, quema, duele y es doloroso. Él le está diciendo a aquellos que están tan enamorados y todo lo que hacen es hablar de ello que al final el amor se desvanece y te quemarás. Es una canción realmente triste cuando lo piensas. Se mantuvieron bastante fieles a la canción original, solo cambiaron una línea "el amor es como una estufa / te quema cuando está caliente" y la cambiaron por "el amor es como una llama / te quema cuando está caliente". Tengo que admitir que la llama es mucho mejor que la estufa, La canción se interpreta como una balada potente con un ritmo lento y musicalmente tiene un tono solemne que coincide con el contenido lírico. El cantante, Dan McCafferty, canta con mucho corazón, emoción y tristeza, ese tono agudo y áspero te muerde y te duele el corazón. Es bastante hermoso. Nazareth hizo suya esta canción y siempre que alguien la menciona, esta es la primera en la que pienso.


martes, 23 de julio de 2024

1300.- All I do is think of you - The Jackson 5



"All I Do Is Think of You" (1975) es una canción de añoranza de un amor adolescente que tiene el "honor" de ser el último single en listas de ventas publicado en la discográfica Motown Records por The Jackson 5, el grupo formado por Michael Jackson y sus hermanos, antes de dejar la compañía de Berry Gordy Jr. y firmar por Epic Records en 1976.

Escrita por Michael Lovesmith y Brian Holland (del famoso trío de compositores Holland-Dozier-Holland), en un principio "All I Do Is Think of You" salió publicada como cara B de la versión disco que el grupo hizo del hit de The Supremes "Forever Came Today", otro éxito de los hermanos Jackson, pero solo unos meses después y pensando en el potencial de la canción, fue lanzada como single principal.

El single de "All I Do Is Think of You" coincidió prácticamente en tiempo con el anuncio de la marcha de The Jackson 5 de la Motown, y eso contribuyó a las buenas ventas del single, que sin ser de los más conocidos de su carrera, fue ganando protagonismo en las emisoras de radio estadounidenses y llegó hasta el puesto 50 del Billboard Hot Soul Singles chart. La marcha de Motown de los Jackson 5 supuso también la salida del grupo de Jermaine Jackson, que se quedó en la discográfica comandada por su suegro, y el resto aún interpretó en directo en varias ocasiones "All I Do Is Think of You", ya rebautizados como "The Jacksons".

lunes, 22 de julio de 2024

1299.- I´m not In Love - 10cc

I'm Not In Love, 10cc



     The Original Soundtrack es el tercer álbum de estudio de la banda de rock inglesa 10cc. Fue grabado durante el año 1974 en los Strawberry Studios de Stockport, Cheshire, Inglaterra, bajo la producción de la banda, y publicado el 11 de marzo de 1975 bajo el sello discográfico Mercury Records. Incluida en este álbum está la canción I'm Not In Love, escrita por los miembros de la banda Eric Stewart y Graham Gouldman. La canción presenta una innovadora listado acompañamiento compuesta principalmente por las voces multipistas de los miembros de la banda.

La letra de la canción fue escrita principalmente por Stewart como respuesta a una declaración de su esposa que le decía que no le decía con la frecuencia suficiente que la amaba, Im Not In Love. Stewart afirmaba lo siguiente: "Tenía esta loca idea en mi mente de que repetir esas palabras de alguna manera degradaría el significado, así que le dije: 'Bueno, si digo todos los días 'te amo, cariño, te amo, bla, bla, bla', no va a significar nada al final'. Esa declaración me llevó a tratar de encontrar otra forma de decirlo, y el resultado fue que elegí decir I'm Not In Love (no estoy enamorado de ti), mientras sutilmente daba todas las razones a lo largo de la canción por las que nunca podría dejar ir esta relación". Originalmente la canción fue concebida por Stewart y Gouldman como una canción de bossa nova tocada con guitarras, pero a los otros dos miembros de la banada, Kevin Godley y Lol Creme, no les gusto demasiado la idea de la canción y terminaron abandonando el proyecto".

Stewart había escrito la mayor parte de la melodía y la letra con una guitarra antes de llevarla al estudio, donde Gouldman se ofreció a ayudarlo a completar la canción. Gouldman había sugerido algunos acordes para la melodía y también se le ocurrió la introducción y la sección del puente de la canción. La pareja pasó dos o o tres días escribiendo la canción, que en ese momento tenía un ritmo de bossa nova y usaba principalmente las guitarras. La canción también fue grabada usando instrumentos tradicionales, Creme a la guitarra, Gouldman al bajo y Godley a la batería, pero ninguna de las dos versiones convencieron a Godley y Creme, por lo que el proyecto fue aparcado. 

Tras abandonar I'm Not In Love, el grupo centró su atención en otra canción en la que Godley y Creme habían estado trabajando, Une Nuit a Paris, y que más tarde se convertiría en la canción de apertura del álbum The Original soundtrack. Sin embargo, Stewart se dio cuenta de que los miembros del personal de los Strawberry Studios, inconscientemente solían tararear la melodía de I'm Not In Love, y esto le convenció para no tirar la toalla y pedir al resto del grupo que consideraran volver a trabajar en la misma. Godley se mostraba escéptico, pero se le ocurrió una radical idea, y le dijo a Stewart: "Te digo una cosa, la única forma en que esa canción va a funcionar es si la arruinamos por completo y la hacemos como nadie ha grabado nada antes. No usemos instrumentos. Intentemos hacerlo todo con voces". Los demás miembros, aunque sorprendido por tan descabellada idea, aceptaron probar la loca idea de Godley y crear un "muro de sonido" de voces que formaría el punto focal del disco.

domingo, 21 de julio de 2024

1298.- So in Love - Curtis Mayfield



"So in Love" ("Tan enamorado") del músico estadounidense Curtis Mayfield, es una bella balada soul incluida en su séptimo disco de estudio, "There's No Place Like America Today" (1975). Cantada con su característico y dulce falsete, y con una letra que describe en tono positivo la sensación y el estado anímico que se tiene al estar enamorado ("Tan enamorado que haces muchas cosas con una sonrisa en el rostro"), es uno de los momentos álgidos de un disco que llegó al puesto 120 del Billboard 200 chart, y al 13 del Top R&B/Hip-Hop Albums chart en Estados Unidos.

En una canción aparentemente carente de estribillo, Curtis Mayfield repite frecuentemente la frase "So in love" ("Tan enamorado") al final de muchas de las estrofas, enfatizando esa sensación de felicidad que no te deja pensar en otra cosa, y el efecto es totalmente creíble y emocionante al acompañar a las letras de una melodía suave y un ritmo calmado en el que destaca la brillante sección de vientos y un acompañamiento de guitarra y teclados perfectamente comedido y al servicio de la voz y la atmosfera tranquila de la canción.

"So in Love" logra capturar ese estado anímico de inexplicable bienestar y alegría que nos invade al estar enamorados con sus simples pero sinceras letras y su conmovedora y calmada melodía, regalándonos una placentera escucha que, de no estar enamorados, logrará que al menos nos enamoremos de esta pequeña píldora de agradable y buena música.

sábado, 20 de julio de 2024

1297 - Arco iris - Lucero Andino


1298 - Arco iris - Lucero Andino

"Lucero Andino" es una canción emblemática de la banda argentina Arco Iris, lanzada en 1974 como parte de su álbum "Agitor Lucens V". Este grupo, conocido por su fusión de rock progresivo con música autóctona latinoamericana, se destacó en la escena musical de los años 70 por su enfoque innovador y espiritual. "Lucero Andino" no es la excepción, y a través de sus complejas estructuras musicales y letras poéticas, captura la esencia de la filosofía y el misticismo que definieron a Arco Iris.

La canción se abre con una introducción instrumental que combina guitarras acústicas y eléctricas, creando una atmósfera etérea que evoca los vastos paisajes andinos. Esta mezcla de sonidos refleja el compromiso del grupo con la exploración de las raíces culturales de América del Sur, integrando elementos del folclore andino con la modernidad del rock progresivo. El uso de instrumentos tradicionales como la quena y el charango añade una capa adicional de autenticidad y profundidad al sonido de la banda.

Las letras de "Lucero Andino", escritas por el líder y vocalista Gustavo Santaolalla, están impregnadas de simbolismo y misticismo. La canción narra una búsqueda espiritual, un viaje hacia el "lucero andino", que puede interpretarse como una metáfora del conocimiento, la iluminación o la conexión con lo divino. Santaolalla, conocido por su voz emotiva y su capacidad para transmitir sentimientos profundos, logra llevar al oyente a un estado de contemplación y reflexión a través de su interpretación.

Musicalmente, "Lucero Andino" se destaca por su estructura dinámica y cambiante. A lo largo de sus varios minutos de duración, la canción pasa por diferentes secciones que varían en ritmo e intensidad. Esta diversidad musical es una característica del rock progresivo, y Arco Iris la emplea para mantener al oyente comprometido y sorprendido. Los cambios de tempo y las complejas armonías vocales y instrumentales demuestran la habilidad técnica de los miembros de la banda, quienes eran conocidos por su virtuosismo y creatividad.

Uno de los aspectos más destacados de "Lucero Andino" es la producción, que logra un equilibrio perfecto entre los elementos acústicos y eléctricos. La claridad de la grabación permite apreciar cada detalle, desde las intrincadas líneas de bajo hasta los sutiles matices de la percusión. Este nivel de producción es impresionante, especialmente considerando la tecnología disponible en la época.

Daniel 
Instagram storyboy 

viernes, 19 de julio de 2024

1296.- Blue Eyes Crying in the Rain - Willie Nelson

Blue Eyes Crying ine Rain, Willie Nelson



     Blue Eyes Crying in the Rain se convirtió en uno de sus mayores éxitos del cantautor estadounidense Willie Nelson y sigue siendo un referente en su carrera. Tanto esta canción como el disco donde apareció, Red Headed Stranger, revivieron la popularidad y el éxito de la carrera de Willie Nelson. El citado álbum fue grabado en enero de 1975 en los Autumn Studios de Garland, Texas, bajo la producción de Nelson, y publicado en mayo de 1975 por el sello discográfico Columbia Records. Red Headed Stranger está considerado como uno de los primeros álbumes conceptuales del género country. La historia del predicador forajido que atraviesa un viaje de dolor y redención se teje a lo largo de las canciones del álbum, con Blue Eyes Crying in the Rain como uno de sus momentos más memorables. El éxito del álbum fue un testimonio del genio creativo de Nelson, demostrando que el country podía ser tanto artístico como comercialmente viable.

Blue Eyes Crying in the Rain fue escrita por Fred Rose, uno de los compositores más prolíficos y respetados del country. La canción fue grabada por primera vez en 1947 por Roy Acuff, pero no fue hasta que Willie Nelson la incluyó en su álbum conceptual de 1975, Red Headed Stranger, cuando alcanzó su máximo potencial y popularidad. Nelson reinterpretó la canción de una manera que consiguió conectar profundamente con el público. En el contexto del álbum, la canción cuenta la historia de un predicador que se convierte en un forajido tras la muerte de su esposa. Esta narrativa, junto con la gran interpretación de Nelson, creó una conexión instantánea con los oyentes, catapultando la canción a la cima de las listas de éxitos. La canción narra el dolor de un hombre que recuerda haber visto a su amor por última vez bajo la lluvia. Los ojos azules de su amada lloraban mientras se despedían, y él sabe que solo se volverán a encontrar en el cielo.

Nelson, con la letra de la canción y su prominente voz, es capaz de conectar con el público, logrando que el oyente se identifique con la historia. La canción no solo habla de una despedida amorosa, también toca temas más amplios como la mortalidad y la esperanza de reunirse en una vida después de la muerte. El éxito de Blue Eyes Crying in the Rain ayudó a consolidar a Willie Nelson como una de las figuras más influyentes de la música country. Alcanzó el número uno en las listas de Billboard de música country y ganó varios premios, incluyendo el Grammy a la mejor interpretación vocal country masculina. La canción también fue incluida en el Salón de la Fama de los Grammy en 2008, reconociendo su gran influencia dentro del género country. La canción se ha convertido en un elemento básico de la cultura estadounidense, ha sido versionada por multitud de artistas y ha aparecido en películas, programas de televisión y comerciales. La imagen del hombre solitario bajo la lluvia, llorando la pérdida de su amor, se convirtió, por derecho propio, en una de las grandes imágenes de la historia de la música.

Disco de la semana 387: Giles Corey - Giles Corey

 

La depresión es un estado en el que a una persona se le hace muy complicada la vida, las mantas de desesperanza, desesperación y apatía son aparentemente insuperables, cuando llegas al punto en el que estás buscando quitarte la vida, es realmente el peor sentimiento del mundo y ese es un estado aparentemente imposible de capturar en la música, aunque supongo que si alguien estuviera a la altura de la tarea sería Dan Barrett, El único trabajo suyo con el que estaba familiarizado antes de escuchar esto era su proyecto Have a Nice Life, en particular su álbum Deathconsciousness, que es uno de mis favoritos por su ambición, mezcla de estilos y emoción aplastante dentro de su composición. Creo que, sorprendentemente, Dan toma esos muchos atributos y los usa para hacer un álbum que es casi tan potente como Deathconsciousness, de hecho, en todo caso, este es probablemente un álbum más aplastante líricamente que Deathconsciousness.

El álbum comienza con “The Haunting Presence”, que presenta una producción similar a muchas pistas de Deathconsciousness, pero las diferencias también son muy evidentes, como el piano siniestro en la introducción o los gritos al final. La pista pierde lentamente toda apariencia de melodía a medida que avanza, con una inmensa distorsión que dificulta descifrar el coro, seguido por el sonido de una cadena arrastrándose por el suelo y luego gritos incomprensibles. Pasajes de drones extraños subyacen a todo y la instrumentación de vanguardia remata todo al final mientras el hablante lucha por decir "joder". Es una espiral loca que te absorbe directamente en los tonos realmente oscuros que este álbum tiene. La pista también establece la metáfora del álbum, Giles Corey históricamente fue una persona dentro de Salem, Massachusetts, durante los infames juicios de brujas en la década de 1690. Fue acusado de brujería, pero se negó a declararse inocente o culpable, y la ciudad lo sepultó hasta la muerte bajo pesadas rocas. Las únicas palabras que se dice que pronunció durante su muerte fueron "Más peso" y una maldición a la ciudad de Salem inmediatamente antes de su último aliento. Usarlo como símbolo de impotencia, rechazo de todo y todos los que te rodean y, en última instancia, de estar aplastado por la depresión es una alusión realmente poderosa, y se repite a lo largo de todo el álbum. En esta canción en particular, líneas como "We will redress your wrongs" y "There's a devil on my chest" son particularmente poderosas para impulsar la metáfora. “Blackest Bile” tiene una instrumentación acústica más folklórica, es la primera canción de muchas que tocan el tema del pensamiento suicida, la imagen principal es la de una nube negra que rodea al hablante y viaja con él a donde quiera que vaya, mientras acepta la idea de que nadie lo deseará nunca ni nada de lo que posee. Hay un baile interesante entre los instrumentos cálidos y el lirismo realmente oscuro que crea esta quietud en la música y la narrativa, que puede ser realmente difícil de llevar, y, sin embargo, a pesar de todo eso, honestamente es una canción bastante hermosa, que casi me provoca los mismos sentimientos que “How to Disappear Completely” de Radiohead.

“Grave Filled With Books” es una canción menos densa que las dos anteriores, pero eso no la hace menos impactante, la instrumentación sombría continúa y las letras, aunque mantienen su franqueza, quedan abiertas a cierto grado de interpretación, ya que contienen varios significados diferentes, lo que creo que habla del talento de Barrett para transmitir estas emociones a través de la escritura de manera tan potente. El último minuto se convierte en un breve momento de felicidad, y creo que es importante señalar que, a pesar de la naturaleza implacablemente oscura de este álbum, no siempre se pierde toda la emoción positiva. "Empty Churches" comienza con una larga grabación de un investigador paranormal que describe eventos que, la verdad sea dicha, no entiendo del todo, pero que se refieren a las ideas de la vida después de la muerte, una idea a la que se enfrentan quienes intentan quitarse la vida. Si realmente sería una liberación o si su sufrimiento puede extenderse, destaca la cantidad de obstáculos diferentes que tienes que superar antes de que el suicidio realmente se sienta justificado. Cuando la grabación termina, aparecen estos drones experimentales que toman el control y son realmente emocionales y mantienen fluyendo los tonos sombríos y depresivos.

 

Después de cuatro temas brutales, uno podría pensar que el álbum comenzaría a aligerarse un poco, o a tomarse un descanso de ser tan emocionalmente agotador, pero entonces te golpea con "I'm Going to Do It". Un vistazo al título de la canción te dice exactamente hacia dónde va este álbum. El estribillo es realmente escalofriante y el lirismo de esta canción es brutalmente directo y perturbador. Cuando el álbum parece tranquilizarse nos encontramos con "Spectral Bride", una de las canciones con mas elementos de folk del álbum, así como posiblemente la más atmosférica. Dan habla de un ser querido que teme que la muerte lo abandone, y aunque quiere sobrevivir y permanecer con él, se asegura de que siempre lo tendrán rondando como un fantasma. Ver la depresión y el amor unirse de esta manera crea una experiencia realmente poderosa, y eso se presta a ser una de las expresiones de amor más profundas e impactantes que he escuchado. "No One Is Ever Going to Want Me" se construye alrededor de una simple melodía que ocupa todo menos la sección final sobre una letra increíblemente deprimente. Es cierto que no es nada fuera de lo común en comparación con la mayoría de las pistas aquí, pero es en esta pista donde todo se une en la oferta más potente que el álbum tiene para ofrecer. Iguala y supera la belleza trágica de pistas como "Blackest Bile" y "Spectral Bride", antes de explotar en el clímax del álbum. Dan grita “One two fuck you” como un rechazo total al mundo del que se siente abandonado y la sección “I wanna feel like I feel when I'm sleeping” es uno de los momentos emocionalmente más poderosos que he experimentado en cualquier canción. “Sleeping Heart” y “Buried Above Ground” sirven como el relax de este álbum, siendo el primero un lamento simple y hermoso, y el segundo siendo la gran conclusión. La inclusión de trompetas en “Buried Above Ground” me recuerda a una canción de Godspeed You! Black Emperor, particularmente las de Lift Yr Skinny Fists . Me encanta lo triunfante que suena, especialmente cuando recita líneas de la canción de apertura que concluyen la metáfora de Giles Corey. Suena como si hubiera niveles de aceptación y mejora a medida que el álbum llega a sus notas finales.


 Al terminar este álbum, creo que lo obvio es compararlo con Deathconsciousness, porque si bien este álbum es muy propio, comparten muchas similitudes, creo que Giles Corey es un álbum mucho más devastador que su predecesor, principalmente debido a que es más directo e introspectivo. En 2009, un año después del lanzamiento de Deathconsciousness, Dan Barrett intentó suicidarse, acto que inspiró la mayor parte de este álbum. El suicidio nace de la desesperación y la desesperanza totales, pero al quitarse la vida, se abandona la esperanza de cualquier recuperación. Es una de las peores formas de morir, porque uno queda atrapado en una depresión total por el resto de la vida, perdiendo toda esperanza de volver a experimentar la felicidad. Es una trampa en la que es muy fácil caer. Aplaudo a Dan por explorar sus emociones de esta manera y encontrar una salida para ellas. Si estás luchando con estos pensamientos, habla con alguien. El hecho es que cada vida tiene valor y hay algo de alegría esperándote en alguna parte. Este álbum es una gran representación de esa idea. Sin embargo, una gran parte de lo que hace que este álbum resuene tanto conmigo tiene que venir también con un contexto externo. 

No importa cuán implacablemente oscuro pueda ser este álbum, el hecho es que Dan Barrett sigue vivo y, por lo que sé, está viviendo una vida muy feliz. Hay una luz al final de ese túnel, este álbum es una descripción muy precisa de esa parte de su viaje, pero no abarca el final…. Ese final abrupto nunca debe llegar sino que tenemos que volver a la luz, y si estas en ese túnel no dudes siempre debes marcar el 024 y seres como tu y yo pondrán luz a tu oscuridad.

jueves, 18 de julio de 2024

1295 - ABBA - Mamma Mia

1295 - ABBA - Mamma Mia

"Mamma Mia" es una de las canciones más emblemáticas de la banda sueca ABBA. Publicada en 1975 como parte de su tercer álbum, "ABBA", la canción rápidamente se convirtió en un fenómeno internacional, consolidando aún más la popularidad del grupo en el panorama musical global.

La canción se abre con un característico riff de teclado que es inmediatamente reconocible, seguido de una melodía pegadiza que combina pop y elementos de música disco, característica del sonido de ABBA. La estructura de la canción es relativamente simple, con un verso y un estribillo que se repiten, pero su simplicidad es parte de lo que la hace tan efectiva y memorable. La letra, escrita por Benny Andersson, Björn Ulvaeus y Stig Anderson, trata sobre la ambivalencia emocional y la nostalgia que siente una persona tras el fin de una relación amorosa. La protagonista, a pesar de haber decidido dejar a su pareja, se encuentra atrapada por los recuerdos y las emociones, expresando su confusión y el impacto duradero de ese amor perdido.

Las voces de Agnetha Fältskog y Anni-Frid Lyngstad son otro aspecto crucial del éxito de "Mamma Mia". Sus armonías y la forma en que se complementan aportan una profundidad emocional y un dinamismo que resuenan con la audiencia. Además, la producción de la canción, con su uso de la tecnología de estudio avanzada para la época, contribuye a su sonido pulido y atractivo.

"Mamma Mia" no solo fue un éxito comercial, alcanzando el número uno en las listas de varios países, sino que también ha tenido un impacto cultural duradero. La canción fue el título e inspiración para el musical "Mamma Mia!", que se estrenó en Londres en 1999 y luego fue adaptado en una película en 2008, protagonizada por Meryl Streep y Pierce Brosnan. Tanto el musical como la película han sido éxitos rotundos, introduciendo la música de ABBA a nuevas generaciones y reafirmando su legado en la cultura pop.

La repercusión de "Mamma Mia" se puede medir no solo en términos de ventas y posiciones en listas, sino también en su influencia en la música pop posterior y su presencia constante en la cultura popular. La canción ha sido versionada por numerosos artistas y sigue siendo un elemento básico en las listas de reproducción de fiestas y karaokes, demostrando su capacidad de resonar con audiencias de todas las edades.

"Mamma Mia" es más que una canción; es un ícono cultural que ejemplifica el ingenio melódico y la destreza de ABBA como compositores e intérpretes. Su impacto se siente tanto en la industria musical como en la cultura popular en general, y su legado sigue vivo a través de adaptaciones, versiones y su inquebrantable presencia en el imaginario colectivo. Esta canción, con su mezcla de melodía pegajosa, letras emotivas y producción impecable, sigue siendo un testamento del talento de ABBA y su capacidad para crear música que trasciende el tiempo y las generaciones.

Daniel 
Instagram storyboy 

miércoles, 17 de julio de 2024

1294.- Cómicos - Víctor Manuel

En 1975 Victor Manuel publica el álbum Comicos, que cuenta con una producción cuidada y sofisticada y combina elementos tradicionales con arreglos contemporáneos. Las guitarras acústicas, los pianos y las cuerdas se mezclan para crear un sonido rico y envolvente. Además, "Cómicos" incluye colaboraciones con otros artistas reconocidos, y utiliza poemas de Gabriel Celaya y Manuel José Leonardo Arce, poeta guatemalteco. La crítica recibió "Cómicos" con entusiasmo, donde destacan la habilidad de Víctor Manuel para reinventarse y seguir siendo relevante, también se elogian la profundidad de las letras, la calidad de la producción y la emotividad de las interpretaciones. Muchos críticos han señalado que este álbum es uno de los más personales y conmovedores de su carrera, ya que es un álbum que no solo celebra la vida y el arte de los cómicos del pasado, sino que también invita a una reflexión sobre la vida, la memoria y la sociedad actual, Víctor Manuel crea una obra que resonará tanto con sus seguidores de la época como con otros venideros, un testimonio de su talento y de su capacidad para tocar el corazón de su audiencia.

La canción principal es "Cómicos," una obra llena de nostalgia y melancolía que se sumerge en la memoria colectiva de una época pasada, que combina la maestría lírica y musical del cantautor asturiano, y es un tributo a los artistas callejeros y a aquellos personajes entrañables que llenaban las plazas y teatros con su humor y vitalidad. La narrativa de "Cómicos" está impregnada de imágenes vívidas y detalles minuciosos que pintan un retrato nostálgico de estos personajes. A lo largo de la canción, se mencionan figuras icónicas como payasos, magos y ventrílocuos, todos ellos representados con un cariño y respeto profundos. Las palabras de Víctor Manuel no solo describen sus actos y trucos, sino que también capturan la esencia de su espíritu libre y su dedicación al arte. La canción no solo celebra la alegría y el humor que estos artistas trajeron a la vida de muchos, sino que también refleja la tristeza y el olvido que a menudo enfrentan. Hay un tono de melancolía en la voz de Víctor Manuel que sugiere un lamento por una era que ha quedado atrás, y por los artistas que han desaparecido de la memoria pública. Este contraste entre la alegría del recuerdo y la tristeza del olvido crea una experiencia auditiva rica y conmovedora. Comienza con una melodía suave y envolvente, acompañada de una instrumentación que evoca una atmósfera de ensueño. Desde los primeros acordes, Víctor Manuel nos transporta a un mundo donde los cómicos y artistas itinerantes eran una parte fundamental de la vida cotidiana. Su voz, cargada de emoción, resuena con una sinceridad que toca el corazón del oyente. La producción musical de "Cómicos" es otro elemento que merece elogios. La combinación de instrumentos tradicionales con arreglos modernos crea un sonido atemporal que complementa perfectamente la letra nostálgica. La instrumentación, que incluye guitarras acústicas, cuerdas suaves y sutiles toques de piano, se entrelaza con la voz de Víctor Manuel de una manera que realza la emotividad de la canción.


martes, 16 de julio de 2024

1293.- Walk this way - Aerosmith



"Walk This Way" fue el segundo single extraído del álbum "Toys in the Attic" (1975) de la banda de rock estadounidense Aerosmith. Escrita por el cantante Steven Tyler y el guitarrista principal Joe Perry, llegó al puesto 10 del Billboard Hot 100 estadounidense, y junto a otros exitosos singles de la segunda mitad de los setenta, puso a Aerosmith en la primera línea del rock estadounidense del momento.

La canción surgió de una improvisación durante la prueba de sonido de una gira, con Joe Perry entretenido en sacar un riff que encajara con el sonido y el ritmo funk de The Meters. Tras varios intentos, sobre un ritmo de batería improvisado y como por arte de magia el riff de "Walk This Way" surgió de las seis cuerdas de su guitarra eléctrica. Aquel descubrimiento excitó a Perry, que al final de la prueba de sonido tenía ya el esqueleto básico de una nueva canción. Steven Tyler improvisó una letra sin sentido, y las letras definitivas no se trabajaron hasta que, en el momento de grabar el disco "Toys in the Attic", la banda se encontró algo escasa de nuevo material, y decidieron retomar aquel esbozo de canción surgido de una prueba de sonido.

Ya en los ochenta, y cuando Aerosmith más necesitaba volver a impulsar una carrera por entonces en franco declive, el grupo de rap estadounidense Run D.M.C realizó una versión de "Walk This Way" para su álbum "Raising Hell" (1986), en colaboración con los propios Aerosmith. La acertada combinación de "rap rock" y la manera en que las dos bandas interactuaban en la canción la convirtió al instante en un gran éxito internacional, llegando a cosechar incluso una posición más alta en el Billboard  que la canción original (llegó hasta el cuarto puesto) y convirtiéndose en la primera canción de rap de la historia en entrar en el top 5.

lunes, 15 de julio de 2024

1292.- Sweet Emotion - Aerosmith

 

Sweet Emotion, Aerosmith


     En el panteón de las leyendas del rock, hay himnos que trascienden el tiempo, melodías que capturan la esencia de una era y la pasión de generaciones. Entre ellas, Sweet Emotion de Aerosmith se alza como un coloso, una sinfonía de rebeldía y sensualidad que ha dejado una huella imborrable en la historia de la música. Era el año de 1975, una época marcada por la efervescencia cultural y la explosión del rock and roll. Aerosmith, una banda emergente de Boston, se encontraba en el umbral de la grandeza, con su líder Steven Tyler y su voz desgarradora y su presencia magnética. La alquimia entre Tyler y el virtuoso guitarrista Joe Perry era palpable, una chispa creativa que encendía el fuego del rock.

En este crisol de talento y energía, nació Sweet Emotion, surgida de un momento de tensión y resolución dentro de la banda. Perry, con su inimitable estilo de guitarra, creó un riff que era tanto hipnótico como eléctrico, y Tyler, inspirado por las fricciones internas y las complejidades emocionales de la vida en la carretera, escribió letras que destilaban ironía y deseo. Desde los primeros compases, Sweet Emotion se erige como un monumento sonoro donde La línea de bajo, tocada por Tom Hamilton, es una llamada a las armas, un pulso profundo que resuena en el corazón del oyente, y la guitarra de Perry entra como un trueno, entrelazándose con los platillos de Joey Kramer, creando una tormenta perfecta de sonido. Las letras de Tyler son un testamento de la dualidad de la dulzura y la amargura, un relato de emociones crudas envueltas en un velo de ironía, Una crítica velada, una confrontación con las superficialidades y las falsedades que a menudo acompañan el éxito.

La estructura de Sweet Emotion es una odisea en sí misma. Desde la introducción etérea, que transporta al oyente a un reino de expectativas, hasta el crescendo de los estribillos, la canción es una montaña rusa de sensaciones. El solo de guitarra de Perry es una explosión de virtuosismo, una danza frenética sobre las cuerdas que encapsula la esencia del rock. El uso innovador del talk box por Perry añade una dimensión adicional, una voz sintética que dialoga con la humanidad cruda de Tyler. Esta técnica, que se convirtió en una firma sonora, es un testimonio de la experimentación y la audacia que definieron a Aerosmith en sus primeros años. Más allá de su éxito comercial, Sweet Emotion se convirtió en un rito de paso para generaciones de oyentes, una canción que reflejaba la rebeldía juvenil, el anhelo de libertad y la complejidad de las emociones humanas. La historia de esta canción es la historia de Aerosmith, un grupo que desafió las expectativas y superó innumerables obstáculos para convertirse en una de las bandas más grandes de todos los tiempos. Es un recordatorio de que la grandeza no se alcanza sin lucha, y que las emociones más dulces a menudo nacen del conflicto y la superación.

domingo, 14 de julio de 2024

1291.- Carol - Al Stewart



La canción “Carol”, incluida en "Modern Times" (1975), séptimo disco de estudio del compositor y músico de folk rock escocés Al Stewart, es una profunda reflexión sobre la vida de una enigmática y solitaria joven que atraviesa una profunda crisis de identidad. Carol es una chica de “cara de rosa blanca” y “ropa de huérfana” que lucha por encontrar su lugar en el mundo mientras frecuenta oscuros lugares poblados por “almas perdidas”.

Musicalmente "Carol" es una intensa y rítmica balada de folk rock de base acústica y salpicada de agradables y melancólicos ramalazos eléctricos, con un revelador estribillo en el que su errático caminar y su profundo aislamiento emocional ("la amante de todos y de nadie”) y con unas letras que contienen sentencias tan enigmáticas como certeras (“tienes un boleto de ida para todos tus ayeres”) que describen a una persona atrapada en un pasado del que solo logra liberarse embarcándose en un "sueño pasajero" y recurrentes "vacaciones de cocaína”.

La historia avanza hacia un final oscuro en la última estrofa de la canción, una brillante metáfora sobre un escenario y una actriz con un “maquillaje que no se puede quitar”, con la que Stewart describe la maldición de la vida de Carol, una actuación constante en la que representa un papel que no puede abandonar. Mientras las luces se van apagando y a punto de caer el telón, Carol enciende un cigarrillo e intenta olvidar y escapar de su dolor, viendo una “nave plateada de las estrellas” que parece uno más de los sueños pasajeros en los que proyecta su deseo de ser rescatada y conducida a un lugar mejor.

sábado, 13 de julio de 2024

1290.- Sister Gold Hair - America

En 1972, un joven londinense de 19 años escribió una canción falsa de Neil Young, y esa canción desbancó a una canción real de Neil Young del puesto número 1. “ A Horse With No Name ”, el primer éxito del trío estadounidense con base en Inglaterra America, fue una pieza de encantador sinsentido espectral, y condujo a una verdadera carrera. Durante los siguientes tres años, America logró cuatro éxitos más en el top 10, ninguno de los cuales es tan bueno como “A Horse With No Name”. Los tres miembros de America, que crecieron en las afueras de Londres, eran hijos de militares de las Fuerzas Aéreas estadounidenses. Idolatraban el sonido de California desde lejos y crearon su propia versión de ese sonido: tres fanáticos que hacían una parodia de la música de su patria compartida, apenas recordada. En cuanto tuvieron la oportunidad, los miembros de America se desarraigaron y se mudaron a Estados Unidos. Después del éxito de “A Horse With No Name”, se mudaron a Los Ángeles, la ciudad cuya música ya habían estado imitando.

El cantante y guitarrista Gerry Beckley, fue responsable de “Sister Golden Hair”, el segundo y último número uno de America. Beckley ha sido franco sobre cómo su compañero compositor de pop californiano Jackson Browne inspiró la canción: “Creo que Jackson puede deprimirme un poco, pero solo a través de su honestidad. Y fue ese estilo suyo el que me llevó a una canción mía, 'Sister Golden Hair', que probablemente sea la más LA de mis letras”. La canción terminó siendo mucho más grande que cualquier cosa que Jackson Browne haya hecho. Beckley también ha admitido que el uso del lap steel en la canción estaba fuertemente inspirado por George Harrison en general y por “ My Sweet Lord ” en particular. Pero la combinación de armonías vagamente exuberantes, arreglos cremosos de pop de Los Ángeles y vagos murmullos de honky-tonk terminó sonando mucho más como los Eagles que como Jackson Browne o George Harrison. Eso funcionó bien para Estados Unidos, ya que ese pegajoso sonido country-rock estaba en pleno auge en 1975. Una vez más, Estados Unidos encontró una ola en la que subirse. En cuanto a la letra, la influencia de Jackson Browne dio sus frutos, la letra de Bunnell para “A Horse With No Name” había sido un galimatías soñador, pero en “Sister Golden Hair”, Beckley escribió sobre situaciones de relaciones reales. En la primera línea, canta sobre estar tan completamente desmotivado donde pasa un día entero en la cama: “Bueno, intenté llegar el domingo, pero me deprimí tanto / que fijé mi vista en el lunes y me desvestí”. Te está diciendo esto para que sepas que no está preparado para manejar ningún tipo de relación comprometida. Pero aún depende de la compañía de esta mítica Sister Golden Hair: “No estoy listo para el altar, pero estoy de acuerdo en que hay momentos / en los que una mujer puede ser amiga mía”. Y así pasa la canción rogándole que sea paciente con él, no se va a comprometer con esta chica, pero le va a pedir que se quede de todos modos. Es una forma manipuladora de escribir una canción, pide compasión, se presenta como un ser indefenso, y más o menos no ofrece nada es una figura patética, que necesita cuidados, incluso sus expresiones de devoción son casi pasivo-agresivas: “No puedo vivir sin ti, ¿no lo puedes ver en mis ojos?”. Al escucharla, quieres decirle a esta “Hermana Cabello Dorado” que se vaya a la mierda y que nunca mire atrás. Beckley ha dicho que esa persona no existe, que la basó en una composición de las mujeres que había conocido. Musicalmente la canción suena genial, es rica y con capas, con espacio para guitarras western brillantes y armonías de acompañamiento al estilo de los Beach Boys, tiene el brillo ligero de gran parte del pop californiano de la época.

America nunca volvería al número uno. Dos años después, Dan Peek dejó el trío y comenzó una carrera solista de rock cristiano en el sello de Pat Boone (murió en 2011). Los otros dos miembros de America siguieron adelante sin Peek y siguieron haciendo éxitos, logrando que sus canciones se ubicaran en el top 10 hasta 1982. 


viernes, 12 de julio de 2024

Disco de la semana 386: I Can't Even Speak English - Husky Loops



Husky Loops es una banda que en wikipedia califican como "art rock", aunque en realidad su música es más bien inclasificable, o en todo caso va más allá de esa etiqueta general. El grupo se formó en 2015 cuando sus tres componentes, originarios de Bolonia (Italia) se conocieron mientras estaban estudiando en Londres, ciudad en la que, desde entonces, establecieron su domicilio y su base de operaciones. Poco después, Pier Danio Forni (voz, guitarra y producción), Tommaso Medica (bajo) y Pietro Garrone (batería) grabaron su primer single ("Dead", 2016), y su video promocional les granjeo cierto recorrido en festivales de música del Reino Unido y otros países europeos.

Tras telonear a The Kills y publicar un par de EP's ("EP1" y "EP2", 2017), fueron invitados como teloneros de Placebo en una gira por Reino Unido y de Spoon en Europa, en lo que fueron relevantes pasos adelante en su incipiente carrera. En 2018 publicaron su tercer EP ("Spool"), y por fin en 2019 lograron lanzar el que hasta ahora es su único LP publicado, el impactante disco debut "I Can't Even Speak English" ("Ni siquiera se hablar inglés").

Alejados como están aún del foco mediático mundial, no es mucho lo que puede encontrarse sobre este disco en los medios, pero tampoco hace falta, porque en la propia escucha del disco podemos encontrar comentarios y referencias de amigos, fans y locutores radiofónicos, como en la breve nota de arranque de "A Message from Lily to a Friend", en la que una tal Lily recomienda a un amigo/a que escuche el disco: "Absolutamente, es como que, cuanto más lo escuchas, más éxitos surgen de la escucha. Y está tan bien hecho, como si cada canción tuviera una construcción adecuada. De todos modos, hazme saber tu opinión al respecto. Si no, cómpralo en iTunes, vale la pena el dinero que cuesta".

Tras esta breve pero aclaratoria intro, empezamos a sorprendernos con el impactante sonido y el desparpajo de Husky Loops en "Good as Gold", tema que mezcla electrónica pesada con una línea vocal cercana al hip hop suburbano, en el que encontramos ya una breve muestra de los sorprendentes cambios de ritmo que serán una constante a lo largo de los principales temas del disco. "I Think You're Wonderful", el single principal del disco, no es una excepción al respecto, y está plagada de abruptos cambios de ritmo y voces distorsionadas que salpican y acompañan a un ritmo de lo más pegadizo y positivo.

El toque a pop rock con toques de hip hop urbano mezclado con ritmos pesados y voces distorsionadas es de nuevo la tónica reinante en temas como "Temporary Volcano" y la impactante "Enemy is Yourself" con un irresistible aire al mejor Beck. Sin tiempo para reponernos de este temazo, Husky Loops siguen golpeando con otro de los tres singles que se extrajeron de "I Can't Even Speak English", la más calmada y britpopera "Let go for Nothing", otro de los momentos cumbre del disco.

La letanía de "The Reasonable Thing" mantiene el tono relajado y suave, con apenas una batería electrónica y un bajo acompañando a una leve guitarra, y con "Slippin'" vuelve la intensidad de aire hip hop, apoyada en un breve riff de guitarra inicial y una base rítmica de batería y bajo totalmente adictiva. No escasean tampoco los cambios de ritmo y voces, y leves sonidos industriales de fondo completan una canción destacable. El ritmo no para, y el nivel no baja en "A Little Something", más melódica y dominada por el imparable dúo de batería-bajo y arreglos de piano y teclados, alternando con ritmos electrónicos en una nueva ensalada de sorpresivos y brillantes cambios de rumbo.

"Fred Again - Nice Boy" es otra declaración vocal de las bondades del disco, en esta ocasión en las palabras de un tal Fred que considera que la canción "Everyone is having fun but me" "suena jodidamente grandiosa, super rítmica, y con un gran juego vocal". No le vamos a quitar la razón a Fred, que valora acertadamente el segundo single que se extrajo del disco, un tema que comienza lento y esotérico pero que crece hacia un estribillo adictivo y un ritmo electrónico cuidadosamente producido. Un auténtico temazo y una buena muestra de lo que los Husky Loops pueden ofrecernos. 

En el disco, suena antes el tema "Fuck me Naturally", canción pegadiza y provocativa interpretada junto a Mother Marygold, pero que pese al picante ingrediente extra, se queda en una curiosidad interesante en un segundo escalón respecto a los grandes temas de "I Can't Even Speak English", que cierra como comenzó, con las palabras de "Joy (Outro)" ("Nadie escribe una canción hablando de lo que estás haciendo en este momento, como si simplemente estuviera sentado al piano y dijera en la letra: Ahora voy a tocar otro acorde...") destacando la naturalidad de una banda que escribe hits con frescura, sencillez y naturalidad. Y en inglés, haciendo del título del disco otra pura contradicción, o una vuelta de tuerca más para un disco y un grupo tan brillantes como inclasificables. Llamadlo "art rock" si queréis, pero por favor no dejéis de escucharlo.

1289.- Diamonds & Rust - Joan Baez



Joan Baez fue una de las figuras fundamentales durante el movimiento de resurgimiento del folk de principios de los años 60 en los Estados Unidos, irrumpió en la escena nacional como resultado de su actuación en el Newport Folk Festival de 1959. Ayudó a presentar a Bob Dylan al mundo a través de la interpretación de muchas de sus canciones y actuó en Woodstock, hoy en día, también es conocida por su incansable activismo social. Ha recorrido constantemente el país en apoyo de los derechos civiles, sus convicciones contra la guerra y las cuestiones ambientales. Sus canciones de los años 60 giraban en torno a canciones folclóricas tradicionales, a medida que avanzaban los años 70, su sonido se volvió más elegante y pulido y lo que tenemos es una de las voces más puras de la música. Su voz angelical y clara de soprano siguió siendo un instrumento formidable. A mediados y finales de los años 70, publicó una serie de álbumes excelentes y muy estimados por publico y critica, los álbumes en vivo From Every Stage, Gulf Winds, Blowin' Away y Honest Lullaby tenían puntos fuertes, ya que fusionaban la música pop y la folk. Ninguno de estos lanzamientos sería tan bueno como el álbum de 1975 que los precedió. Diamonds & Rust no es solo el mejor álbum de su vasto catálogo, sino que sigue siendo uno de los mejores lanzamientos de sonido folk de la década, su belleza e intimidad hacen que sea un álbum que todavía escucho con cierta regularidad, un álbum profundo y convictivo. Fue un lanzamiento poco común en el que se tomó un descanso de su agenda política. Para entender a Joan Baez, cualquiera de sus primeros álbumes servirá. Para apreciar a Joan Baez, este es el lugar por donde empezar.


Joan Baez era principalmente una intérprete de composiciones de otros artistas, pero aquí dio un paso adelante y escribió ella misma cuatro de las canciones. La canción que da título al disco prácticamente vale el precio del álbum por sí sola. Gira en torno a una llamada telefónica de un antiguo amante que la lleva diez años atrás en el tiempo. Sus imágenes conmovedoras son tan claras que prácticamente puedo ver su aliento frío flotando en el aire, una obra maestra fácil, una oda cortante al amor contemporáneo. La canción fue escrita después de que Baez recibiera una llamada telefónica de Dylan que estaba trabajando en su propio e icónico álbum Blood on the Tracks y la llamó para leerle la letra de su composición "Lily, Rosemary and the Jack of Hearts" (que podría haber sido en parte sobre su relación con Baez). Siempre me pareció que a Baez le importaba más Dylan que a la inversa, y aunque ella era la artista más consolidada cuando se conocieron, él sin duda alcanzó un mayor prestigio en su carrera que el que ella alcanzó jamás. En cualquier caso, la llamada telefónica le devolvió un montón de recuerdos y sentimientos a Baez, que luego volcó en esta canción. "Diamonds & Rust" presenta una guitarra folk sencilla pero elegantemente elegida, una voz perfecta y algunas de las letras más personales y conmovedoras que Baez haya escrito jamás. Comienza con Baez recibiendo la llamada telefónica y sus recuerdos: "Mientras recuerdo tus ojos/eran más azules que los huevos de petirrojo/mi poesía era pésima, dijiste", y continúa: "hace diez años/te compré unos gemelos/me trajiste algo/los dos sabemos lo que pueden traer los recuerdos/traen diamantes y óxido". Claramente, no todos son recuerdos felices. Sigue acusando a Dylan de ser un experto en "mantener las cosas vagas" y concluye: "necesito algo de esa vaguedad ahora/todo ha vuelto con demasiada claridad/sí, te amé entrañablemente/y si me estás ofreciendo diamantes y óxido/ya he pagado".  A lo largo de los años, ha habido algunas buenas versiones de esta canción, por artistas que van desde Blackmore's Night hasta Judas Priest. Sin embargo, nunca ha habido una versión más apasionada o hermosa que esta original.