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martes, 14 de enero de 2025

1475.- Somebody to Love - Queen



"Somebody to Love" fue escrita por Freddie Mercury al piano, y grabada después junto al resto de integrantes de Queen para el disco "A Day at the Races" (1976). Está considerada como una canción emparentada con la célebre "Bohemian Rhapsody", con la que habían logrado un gran éxito solo un año antes, por la utilización de arreglos clásicos, complejas armonías y cambios de ritmo e impactantes solos de guitarra.

Como en "Bohemian Rhapsody", Freddie Mercury buscó también que "Somebody to Love" se sustentara en una melodía compleja y un nuevo despliegue de superposición de pistas vocales, pero mientras que "Bohemian Rhapsody" viraba claramente hacia lo operístico, en "Somebody to Love" el objetivo principal fue recrear un coro góspel de más de cien voces (duplicando su voz y las de Brian May y Roger Taylor hasta llegar a lograr ese multitudinario efecto), con el que rendir un sentido homenaje musical a su admirada Aretha Franklin.

"Somebody to Love" fue el primer single de "A Day at the Races", y la fórmula de canción grandiosa y cambiante volvió a funcionar una vez más, logrando alcanzar el nº 2 en las listas de ventas del Reino Unido y el puesto 13 en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos, y muchos años después experimentó un nuevo resurgir cuando, en el concierto tributo a Freddie Mercury en el estadio londinense de Wembley, fue interpretada por el resto de componentes de Queen con George Michael, que realizó una impresionante interpretación vocal de la canción, lo que motivó que la grabación de la misma se relanzara en 1993 como tema principal de un EP llamado "Five Live", que fue nº 1 en el Reino Unido.

domingo, 12 de enero de 2025

1473.- Good Old-Fashioned Lover Boy - Queen

 

 Good Old-Fashioned Lover Boy, Queen


     A Day at the Races es el quinto álbum de estudio de la banda británica de rock Queen. Fue grabado entre el 12 de julio y el 24 de agosto, y entre el 5 de septiembre y el 19 de noviembre en The Manor Studios de Oxfordshire, Inglaterra, los Sam East Studios de Londres, Wessex Sound Studios de Londres y Advision Studios de Londres, bajo la producción del propio grupo, y publicado el 10 de diciembre de 1976 por EMI Records en Reino Unido y por Elektra Records en Estados Unidos. Fue el primer álbum completamente autoproducido de la banda, y el primero completado sin la participación del productor Roy Thomas Baker. De las tareas de ingeniería de producción sew encargó Mike Stone.Este álbum está considerado como un complemento del álbum anterior de Queen, A Night at the Opera (1975), y ambos, además, toman sus nombres de las películas de los Hermanos MarxEl álbum alcanzó la cima de las listas de éxitos en el Reino Unido, Japón y los Países Bajos. Alcanzó el número cinco en la lista Billboard Top LPs & Tape de Estados Unidos y fue el tercer álbum de Queen en conseguir el Disco de Oro en los Estados Unidos, alcanzando posteriormente el estatus de platino en el país.

El 25 de abril de 1976, la banda se instaló de nuevo en Londres después de una gira exhaustiva de cuatro etapas y seis meses de su exitoso álbum A Night At The Opera, grabado durante el verano de 1975. La banda había decidido tomarse un descanso de dos meses, y única y ocasionalmente realizaban actividades relacionadas con los negocios.  Durante junio, la banda comenzó a planear las sesiones de grabación para el álbum, visitando estudios de grabación alrededor de Londres para determinar dónde producirían el álbum. Los ensayos comenzaron el 17 de junio en Ridge Farm Studio, donde la banda había ensayado para su álbum anterior en julio de 1975. Debido a problemas con el equipo durante la primera semana, la banda contrató a Pete Cornish el 25 de junio para ayudar en el mantenimiento del equipo. Cornish y la banda habían tenido una participación previa, ya que su compañía había ayudado a reparar y construir nuevos equipos para la banda en enero de 1972. La grabación del álbum se completaría durante los meses siguientes entre varios estudios de Londres.

Incluido en este álbum se encuentra Good Old-Fashioned Lover Boy, escrita por Mercury. Comienza con una introducción de piano y voz de Mercury, y el bajo y la batería se unen al comienzo del coro. Parte del puente de la canción es cantada por Mike Stone (los versos: "Hey chico, ¿de dónde lo sacaste? Oye, chico, ¿a dónde fuiste?"). La grabación se ve reforzada por las voces multipista, así como por los coros de guitarras de MayLa canción fue interpretada en vivo en el famosos programa Top of the Pops en junio de 1977, con Taylor cantando la parte de Stone. La mayor parte de la canción fue un elemento básico de los conciertos de la banda en las giras A Day at the Races Tour y News of the World Tour. Fue una de varias canciones inspiradas en el "music hall" británico que la banda compuso y llegó a alcanzar el puesto número 17 en la lista de singles del Reino UnidoLa canción describe cómo "un buen chico amante a la antigua" espera con ansias una noche de juerga y romance. En una entrevista dirigida por Kenny Everett en su programa de radio, Freddie Mercury afirmó sobre la canción lo siguiente: "Es en mi estado de ánimo de 'ragtime' (estilo musical popularizado en Estados Unidos en el siglo XIX) que tengo la oportunidad de hacer en cada álbum y esto es algo que se me ha ocurrido esta vez". En otra publicación, Mercury, reafirmaba su deseo de hacer más canciones estilo 'Vodevil' en el futuro. 

miércoles, 21 de agosto de 2024

1329 - Queen - Love of My Life


1330 - Queen - Love of My Life

"Love of My Life" es una de las baladas más emblemáticas de Queen, lanzada como parte de su álbum de 1975 *A Night at the Opera*. Compuesta por Freddie Mercury, la canción destaca no solo por su melodía suave y conmovedora, sino también por la profundidad de sus letras, que capturan el dolor, el amor y la nostalgia de una relación perdida.

Desde el primer acorde, "Love of My Life" cautiva con su introducción acústica, interpretada por Brian May, que establece un tono íntimo y melancólico. La simplicidad instrumental, centrada en la guitarra acústica y más tarde complementada por el piano, permite que la voz de Mercury brille en su máxima expresión. Freddie Mercury, conocido por su poderosa y versátil voz, entrega una interpretación cargada de emoción, proyectando una vulnerabilidad que contrasta con su imagen habitual de showman extravagante. Su interpretación es tan sincera y apasionada que logra conectar con el oyente a un nivel profundo, transmitiendo el sentimiento de pérdida y añoranza con una autenticidad que solo los grandes artistas pueden lograr.

Las letras de "Love of My Life" son, en esencia, una súplica de reconciliación. La canción aborda la desesperación de perder a alguien amado y el deseo de volver a estar juntos. Mercury canta: "Bring it back, bring it back, don't take it away from me, because you don't know what it means to me" (Devuélvemelo, devuélvemelo, no me lo quites, porque no sabes lo que significa para mí). Estas líneas, cargadas de dolor y anhelo, resuenan con cualquiera que haya experimentado una ruptura o la pérdida de un ser querido. Aunque Mercury nunca reveló oficialmente a quién estaba dirigida la canción, muchos especulan que estaba inspirada en su relación con Mary Austin, una persona muy cercana a él durante gran parte de su vida.

En los conciertos en vivo, "Love of My Life" se convirtió en un momento icónico para la banda y sus fans. Durante las giras, era común que Freddie Mercury dirigiera al público, permitiendo que los asistentes cantaran partes de la canción, creando una atmósfera de unidad y emoción compartida. Este ritual en vivo solidificó la canción como una de las favoritas del público y un himno para los seguidores de Queen.

"Love of My Life" es más que una simple balada de amor; es un testamento al talento de Freddie Mercury como compositor e intérprete. La canción logra capturar la esencia del amor perdido y la fragilidad humana, resonando a lo largo de generaciones. Su atemporalidad y la universalidad de sus temas aseguran que seguirá siendo una pieza central en la discografía de Queen y en los corazones de sus admiradores por muchos años más.

Daniel 
Instagram storyboy 

martes, 20 de agosto de 2024

1328.- You're my best friend - Queen

Elegir una continuación de “Bohemian Rhapsody”, que rápidamente se convirtió en uno de los sencillos más vendidos de todos los tiempos después de su lanzamiento, el 31 de octubre de 1975, habría sido un desafío para cualquier banda. Sin embargo, Queen tenía la respuesta: una pegadiza canción de amor escrita por su bajista, John Deacon, y que recibió el nombre de “You're My Best Friend”. Deacon escribió una sola canción para A Night At The Opera , el cuarto álbum de estudio de Queen, “You're My Best Friend” fue escrita sobre su esposa, Veronica Tetzlaff, una ex maestra en prácticas de Sheffield, y resultó ser un éxito duradero.

La canción expresaba su devoción en una letra sincera: “Eres mi sol y quiero que sepas/Que mis sentimientos son verdaderos/Realmente te amo/Oh, eres mi mejor amiga”. Freddie Mercury dijo que siempre le gustó “el estilo casi Tamla Motown de las canciones de Deacon”. El bajista de la banda escribió la canción en casa. “A Freddie no le gustaba el piano eléctrico, así que me la llevé a casa y comencé a aprender con el piano eléctrico y básicamente esa es la canción que salió cuando estaba aprendiendo a tocar el piano”, dijo Deacon. “Fue escrita en ese instrumento y suena mejor en él”. La canción, que presenta arreglos ingeniosos que muestran la brillante armonización de la banda, fue grabada en agosto de 1975 en Londres. La hábil batería de Roger Taylor, con bajo, caja y charles, combinaba bien con el bajo Fender de Deacon. “John no escribió muchas canciones, pero cuando lo hizo –como con 'Another One Bites the Dust' y 'I Want To Break Free'– fueron grandes éxitos”, dijo May. “'You're My Best Friend' se convirtió en uno de los temas más escuchados en la radio estadounidense. El éxito del vídeo de Bohemian Rhapsody convenció a la banda de volver a utilizar esa herramienta promocional. El clip de You're My Best Friend, que muestra a la banda en un enorme salón de baile, con una lámpara de araña brillante y rodeada de más de mil velas, fue dirigido por Bruce Gowers. Se filmó en los estudios Elstree de Londres durante un día de primavera inusualmente cálido. No había aire acondicionado y el calor de las velas y las luces hizo que la sesión fuera incómoda. Para el vídeo, Deacon tocó un piano de cola, el mismo instrumento que Mercury utilizó cuando interpretó la canción en concierto. “Me negué a tocar esa maldita cosa”, dijo Mercury sobre el piano eléctrico. “Es diminuto y horrible y no me gustan. ¿Por qué tocarlos cuando tienes un piano maravilloso?” La canción de Queen ha aparecido en numerosas películas y programas de televisión, incluidos Los Simpson , Padre de familia y EastEnders . La dulce balada de Deacon, que también se reproduce al final de la parodia de la película de zombis Shaun Of The Dead , también ha sido versionada por otros artistas, incluidos The Supernaturals (1997) y Stevie Ann (2014). Décadas después del éxito de “You're My Best Friend”, Deacon vive tranquilamente en Londres y todavía está casado con Verónica, el amor de su vida, con quien crió seis hijos. “Si no has aprendido el significado de la amistad, en realidad no has aprendido nada”, dijo el boxeador Muhammad Ali, otro hombre capaz de conseguir grandes éxitos en los años 70. La canción de Deacon sigue siendo una de las más populares jamás escritas sobre el tema.


lunes, 19 de agosto de 2024

1327.- Bohemian Rhapsody - Queen



"Bohemian Rhapsody" fue compuesta por Freddie Mercury para el álbum "A Night at the Opera" (1975) de la banda británica de rock Queen, y pese a su compleja y poco convencional estructura, más cercana a una rapsodia clásica que a las estructuras típicas de la música pop que marcaban las radiofórmulas, fue publicada también como sencillo, convirtiéndose en un gran éxito comercial que se mantuvo en lo más alto de las listas británicas durante nueve semanas, en un primer puesto que volvería a ocupar en 1991 tras el fallecimiento de Freddie Mercury, convirtiéndose en el tercer sencillo más vendido en la historia del Reino Unido. El éxito de la canción fue todo un hito y una gran sorpresa para muchos, considerando que "Bohemian Rhapsody" carece de estribillo y es una canción de larga duración compuesta de varias partes: una introducción al piano, un tramo de balada, un solo de guitarra, una sección operística, un tramo rockero y finalmente una coda que recupera el ritmo y tono de la introducción.

En contra del proceso habitual de composición de las canciones del grupo, que solían trabajarse e ir creciendo en el estudio, Mercury compuso "Bohemian Rhapsody" casi en su totalidad en su domicilio de Londres. La canción y sus diferentes tramos estaba en su cabeza, y el resto de miembros de Queen se esforzaron por convertir sus ideas y sus letras en una realidad, lo cual supuso una tarea extremadamente compleja que llevó más de tres semanas en el estudio, porque Mercury pretendía romper con las convenciones del rock y seguir un enfoque operístico totalmente innovador. Para lograrlo, Freddie Mercury, Brian May y Roger Taylor dedicaron hasta doce horas diarias a grabar las voces y coros, utilizando 180 grabaciones distintas que se sobregrabaron y mezclaron para crear la grandiosidad vocal que puede escucharse en "Bohemian Rhapsody".

La canción comienza con un canto a capela, y aunque en el video de la canción se vea a los cuatro integrantes de Queen cantando, esa parte se creó superponiendo cuatro cintas con la voz de Freddie Mercury.​ La letra cuestiona si la vida es "real" o "sólo fantasía", antes de concluir que "no hay escape de la realidad", antes de que haga su entrada el piano de cola de Mercury y comience el espectacular despliegue de música y voces de la canción. Con la entrada del bajo de John Deacon, da comienzo el tramo de balada en tono desesperado, marcada por el ritmo y del piano de Freddie Mercury. El narrador explica a su madre que acaba de matar a un hombre con "una pistola contra su cabeza", y que con ello ha arruinado su propia vida.​ La batería de Taylor se incorpora a la canción, mientras el narrador pide perdón a la madre por sus acciones y por haberla hecho llorar, despidiéndose a continuación del mundo y preparándose para "enfrentarse la verdad".

El mítico solo de guitarra de esta canción llega al tiempo que Mercury canta "I sometimes wish I'd never been born at all" ("A veces desearía nunca haber nacido"), momento en el que la banda sube la intensidad de la interpretación y Brian May ejecuta el que está considerado el vigésimo mejor de la historia en el Reino Unido. Con las pastillas del mástil y central desfasadas, May logró eliminar gran parte de las frecuencias graves, obteniendo un timbre tan agudo que parecía que la guitarra estuviera gritando, creando un dramático puente sonoro para el tránsito del narrador hacia un extraño mundo, un descenso a los infiernos representado por el tramo operístico, en el que se desplegaron la mayor parte de los efectos y de las múltiples grabaciones superpuestas. En este punto, Queen crea un auténtico muro de sonido a través de voces que van magistralmente de lo grave a lo agudo, mientras la letra hace referencia a Scaramouche, Galileo, Fígaro Magnífico (refiriéndose al Magnificat de Bach) y Bismillah, personajes que luchan por el alma del narrador, hasta concluir con un gran coro cantando el verso "Beelzebub has a devil put aside for me" ("Belcebú tiene un demonio reservado para mí").

Esa frase da entrada al tramo de música rock en el que la guitarra de Brian May predomina sobre el resto, y Freddie Mercury canta de manera rabiosa sobre la traición y el engaño que el narrador siente haber recibido por parte del diablo, que le ha empujado a la situación en la que se encuentra, antes de que la canción desemboque en una coda en la que regresa al tiempo y la forma de la introducción y la balada, con Mercury cantando de nuevo "nothing really matters" ("nada realmente importa") en un intenso momento de resignación o de libertad final en la que, después de todo lo pasado, ya nada realmente puede afectarle, lo cual puede apreciarse en la frase final "Anyway the wind blows" ("de todos modos, el viento sopla").​ Es un final sobresaliente para una canción de la que se han hecho numerosas lecturas sobre el significado de su fatalista letra. Las más repetidas hablan del momento personal que atravesaba Mercury, que tras una relación con Mary Austin durante siete años, estaba afrontando sus primeras experiencias homosexuales, y se debatía entre sentimientos encontrados de deseo y de culpa, emociones que se entremezclan y se filtran a raudales en los versos de "Bohemian Rhapsody", su auténtica obra maestra.

jueves, 30 de mayo de 2024

1246 - Queen - Now I'm Here


1246 -  Queen - Now I'm Here

"Now I'm Here" es una de las canciones más emblemáticas de la legendaria banda británica Queen. Publicada en su álbum "Sheer Heart Attack" de 1974, esta pista fue escrita por el guitarrista Brian May y ha sido un pilar fundamental en sus presentaciones en vivo. La canción se destaca no solo por su energía vibrante y su ritmo contagioso, sino también por su capacidad de mostrar la versatilidad y el talento del grupo.

Desde los primeros acordes, "Now I'm Here" establece un tono poderoso y dinámico. La canción comienza con un riff de guitarra que es a la vez pegajoso y contundente, capturando inmediatamente la atención del oyente. Este riff se convierte en la columna vertebral de la canción, proporcionándole una base sólida sobre la cual se desarrollan otros elementos musicales. La destreza técnica de Brian May se hace evidente a lo largo de la pieza, ya que su ejecución es impecable y su creatividad como compositor brilla intensamente.

La voz de Freddie Mercury, como siempre, es una fuerza de la naturaleza. En "Now I'm Here", Mercury despliega una gama impresionante de tonos y matices, desde notas altas y poderosas hasta susurros más sutiles. Su interpretación vocal está llena de emoción y pasión, capturando perfectamente el espíritu de la letra. La letra, que es un homenaje a la experiencia de la banda en su primera gira por Estados Unidos, refleja una mezcla de asombro, euforia y nostalgia. Líneas como "Down in the city, just Hoople and me" aluden a la banda Mott the Hoople, con la cual Queen había girado, mostrando el respeto y la gratitud de May hacia ellos.

El ritmo de la canción es otro de sus aspectos destacados. Roger Taylor, en la batería, y John Deacon, en el bajo, proporcionan una base rítmica sólida y pulsante que impulsa la canción hacia adelante. La sincronización perfecta entre los miembros de la banda es evidente, y esta cohesión es lo que permite que "Now I'm Here" tenga su energía imparable y su impulso contagioso. El cambio de tempo en la mitad de la canción añade una dimensión adicional, demostrando la capacidad de la banda para experimentar con estructuras musicales sin perder el ritmo ni la coherencia.

Además, "Now I'm Here" se ha ganado un lugar especial en los conciertos de Queen. La canción era a menudo un punto culminante en sus presentaciones en vivo, gracias a su capacidad para conectar con el público y su potencial para el espectáculo. Mercury solía utilizar la canción para interactuar con los fans, haciendo que su interpretación en vivo fuera una experiencia única y electrizante.

"Now I'm Here" es una muestra clara del talento y la versatilidad de Queen. La combinación de la brillantez de la guitarra de Brian May, la poderosa voz de Freddie Mercury, la sólida sección rítmica de Roger Taylor y John Deacon, y la capacidad de la banda para innovar dentro de los confines del rock, hacen de esta canción una joya en el repertorio de Queen. Su energía, emoción y musicalidad aseguran que "Now I'm Here" siga siendo un favorito tanto para los fanáticos acérrimos como para los nuevos oyentes, destacando el legado duradero de una de las bandas más grandes de la historia del rock.

Daniel 
Instagram storyboy 

miércoles, 29 de mayo de 2024

1245 - Queen - Stone cold crazy

1245 -  Queen - Stone cold crazy

"Stone Cold Crazy" es una de las canciones más emblemáticas de Queen, incluida en su álbum "Sheer Heart Attack" lanzado en 1974. Este tema, con una duración de apenas dos minutos y diecisiete segundos, destaca por su energía explosiva y su estilo adelantado a su tiempo, lo que lo convierte en un precursor del género thrash metal.

La canción fue escrita colectivamente por los miembros de Queen: Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon. "Stone Cold Crazy" es una composición que se distingue por su velocidad y agresividad, elementos que eran inusuales para la época. Desde el inicio, la canción atrapa al oyente con un riff de guitarra rápido y contundente, interpretado por Brian May, que sienta las bases para el resto del tema. Este riff se combina con la batería frenética de Roger Taylor y el bajo sólido de John Deacon, creando una base rítmica imparable.

Freddie Mercury, conocido por su versatilidad vocal, adopta en esta canción un estilo de canto más agresivo y acelerado, acorde con la intensidad de la música. Su interpretación vocal es poderosa y urgente, complementando perfectamente la atmósfera frenética del tema. La letra de "Stone Cold Crazy" es igualmente intensa, describiendo una serie de situaciones caóticas y desordenadas, que van desde referencias a la vida criminal hasta una sensación general de confusión y anarquía.

Uno de los aspectos más destacados de "Stone Cold Crazy" es su estructura musical. La canción es un torbellino de cambios de tempo y dinámicas, lo que demuestra la habilidad de Queen para experimentar y empujar los límites del rock. A pesar de su corta duración, la canción se siente completa y bien desarrollada, un testimonio de la capacidad de la banda para crear música impactante y memorable en un formato breve.

En cuanto a su legado, "Stone Cold Crazy" ha sido reconocida como una influencia significativa en el desarrollo del thrash metal, un subgénero del heavy metal caracterizado por su velocidad y agresividad. Bandas como Metallica han citado a Queen como una influencia, y de hecho, Metallica realizó una versión de "Stone Cold Crazy" en 1990, la cual ganó un premio Grammy en 1991 a la Mejor Interpretación de Metal.

La producción de la canción también merece mención. Roy Thomas Baker, el productor de "Sheer Heart Attack", logró capturar la energía bruta de la banda, manteniendo la claridad y el impacto de cada instrumento. La mezcla resalta la habilidad técnica de cada miembro de la banda, desde los solos de guitarra precisos de Brian May hasta la batería potente de Roger Taylor.

"Stone Cold Crazy" es una pieza fundamental en el catálogo de Queen y en la historia del rock. Representa un momento en el que la banda estaba dispuesta a explorar y romper moldes, sentando las bases para futuros desarrollos en la música rock y metal. Su energía implacable, su estructura innovadora y su interpretación apasionada la convierten en una de las canciones más memorables de Queen, y un clásico que sigue resonando con los fans de la música rock de todas las generaciones.

Daniel 
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martes, 28 de mayo de 2024

1244.- Brighton Rock - Queen



Brighton Rock nunca fue single, pero fue el tema con el que abre el tercer disco de estudio Sheer Heart Attack (1974), fue escrita por Brian May y las voces estuvieron a cargo de Freddie y Brian. May escribió la canción durante las sesiones de Queen II, pero sintieron que no encajaba en ese álbum, así que la trabajaron un poco más y la incluyeron en el siguiente álbum. La canción trata sobre dos niños "Mod" enamorados, Jenny y Jimmy, que viajan a Brighton de vacaciones, no creen que las vacaciones vayan muy bien porque Jenny tiene miedo de meterse en problemas. Lo increíble de esta canción es simplemente Brian May. El solo de guitarra es probablemente uno de los mejores que ha hecho jamás, sin lugar a dudas. Es la pieza central de la canción. Hay un interludio completo en la canción en el que solo aparecen Brian y esa guitarra. Su uso del retardo para la armonía que distingue la canción, Brian estaba jugando mucho con un Echoplex (una máquina de retardo de cinta) para obtener los efectos que quería, la canción contiene un sonido de guitarra normal y luego uno con efecto retardado y hay que oírlo para creerlo ya que no sé cómo describirlo con palabras. Es una verdadera experiencia de audio. La voz principal de Freddie Mercury añade algo de sabor a la historia, ya que encarna a los dos personajes principales, Jimmy y Jenny, bajando y subiendo su espectacular voz.


May utiliza un inglés adornado y adecuado para darles a estos amantes modernos una sensación anticuada. "Jenny, ¿te quedarás conmigo? Reza. Nada debe interponerse entre nosotros. Dinos amor, ¿qué dices?", suplica Jimmy. Pero Jenny se demora, temerosa de la reacción de su madre ante la cita. El coro pide ayuda desde arriba para la liberación segura de este romance: "Oh Roca de los siglos, no te desmorone, el amor aún respira / Oh Señora Luna, haz brillar un poco de magia de gente si quieres". Después de que May ataca al oyente desde todos los ángulos en el solo extendido, su letra da un pequeño giro sorprendente en el verso final. Jenny expresa su devoción en cartas amorosas a Jimmy, quien, a su vez, le revela que su corazón ya estaba hablado: "Oh, no, estoy comprometida, debo disculparme/ Si mi señora descubriera cómo pasé mis vacaciones". Resulta que, después de todo, la magia de Lady Moon es tan voluble como los mortales a quienes la otorga.


“Brighton Rock” contiene un poco de todo lo que hizo a Queen tan especial: una sección rítmica dinámica (John Deacon y Roger Taylor), las acrobacias de May, el carisma de Mercury, dosis de grandilocuencia, talento para el espectáculo y corazón. 


lunes, 27 de mayo de 2024

1243.- Killer Queen - Queen

 

Killer Queen, Queen


     Sheer Heart Attack es el tercer álbum de estudio de la banda de rock británica Queen. Grabado entre julio y octubre de 1974 bajo la producción de Roy Thomas Baker y del propio grupo, fue publicado el 8 de noviembre de 1974 por EMI Records en Reino Unido y por Elektra Records en Estados Unidos. A diferencia de sus trabajos anteriores, donde había temas de corte progresivo, el grupo se centró en este álbum en temas más centrados en el pop y el rock convencional, marcando un paso hacia el sonido clásico que caracterizó a Queen. Este trabajo lanzó al grupo a la popularidad en el Reino Unido y en gran parte del mundo al grupo.

Incluido en este álbum se encuentra Killer Queen, escrita por Freddie Mercury, canción que se convirtió en el primer éxito internacional de la banda. Mercury tocó un piano vertical y un piano de cola para la grabación. Gracias al éxito de la canción el grupo apareció interpretándola en el famoso programa Top of the Pops. Killer Queen llegó a alcanzar el puesto número 2 en las listas de ventas del Reino Unido y el puesto número 12 en las listas de ventas de Estados Unidos. La historia de la canción gira en torno a una mujer misteriosa y seductora, una mujer descrita con elegancia y sofisticación, comparada con María Antonieta, y que siempre está lista para disfrutar de lujos como el champán y el caviar. La letra resalta su exquisita elegancia y su habilidad para ser encantadora y letal al mismo tiempo, como una "reina asesina". Su aura es irresistiblemente peligrosa y atractiva, manteniendo a todos cautivados con su perfume parisino y su precisión en cada detalle. También tiene un lado juguetón y salvaje, siendo comparada con un gato que puede volverse completamente feroz al instante.

Freddie Mercury afirmaba sobre esta canción: "Se trata de una prostituta de clase alta. Estoy tratando de decir que las personas de clase alta también pueden ser putas. De eso se trata la canción... aunque prefiero que la gente le de su propia interpretación, que lea lo que quiera".

sábado, 9 de marzo de 2024

1164.- Seven Seas of Rhye - Queen



"Seven Seas of Rhye" del grupo británico Queen es una canción de la que existen dos versiones, una primera versión preliminar e instrumental que vio la luz como tema de cierre del disco debut "Queen" (1973), y una segunda versión definitiva y con letra que fue incluida en el siguiente álbum, Queen II (1974), y que es la que incluimos en esta compilación de canciones para la historia de la música.

Con una letra inspirada en el mundo de fantasía que Freddie Mercury y su hermana se inventaron de pequeños, esta segunda versión ya acabada y perfeccionada de "Seven Seas of Rhye" fue el tercer single de la banda, y se convirtió además en su primer sencillo de éxito tras interpretarla en una actuación en el célebre programa de la BBC "Top of the Pops", llegando hasta el puesto 10 de las listas de ventas británicas.

Curiosamente, este enérgico e intenso tema de heavy rock con reminiscencias "zeppelianas" está también misteriosamente "presente" en el comienzo del siguiente álbum de la banda, creando un nuevo nexo entre las tres obras, porque durante los primeros segundos de "Brighton Rock", el tema con el que arranca "Sheer Heart Attack" (1974), suena en un silbido la melodía de "Seven Seas of Rhye".

viernes, 8 de marzo de 2024

1163.- The March of the Black Queen - Queen



"The March of the Black Queen" ("La marcha de la Reina Negra"), incluida en "Queen II" (1974), segundo disco de la banda inglesa de rock Queen, es una de las primeras canciones que contienen todos los elementos distintivos del inconfundible "estilo Queen", como la suave apertura de piano, los grandilocuentes coros operísticos, el tono épico combinado con impactantes solos de guitarra y los constantes cambios de ritmo, cercanos al musical y al rock progresivo.

Con sus más de seis minutos de duración y su compleja estructura cambiante (Freddie Mercury declaró que le costó una eternidad componerla), emparenta con canciones del corte de la inmensa "Bohemian Rapsody", de la que se puede considerar una precursora en la misma línea (Brian May siempre se refirió a esta canción como a la "hermana mayor" de "Bohemian Rapsody"), o la posterior y no menos impactante "Innuendo".

La letra es también un oscuro y complejo cuento épico sobre una malvada reina que tiene sometidos a sus desgraciados súbditos, y en conjunto, "The March of the Black Queen" es un auténtico regalo para los fans de las canciones más operísticas e intensas de Queen. El único pero, por poner alguno, es que su abrupto final, enganchando directamente con el siguiente tema del disco ("Funny how love is") deja una sensación de canción inacabada o cortada en la escucha aislada, pero ese el peaje a pagar con muchas de las canciones de rock progresivo, que no terminan realmente, porque continúan dentro de un todo en los discos conceptuales que las incluyen.

viernes, 22 de diciembre de 2023

1086.- Liar - Queen


 

Liar fue la pieza central del álbum debut de Queen, al letra toma la forma de un diálogo entre el protagonista (representado en los versos) y las fuerzas en su contra (representadas por el coro), ya que presentan un alma atormentada que anhela una guía religiosa pero es rechazada por ser un "mentiroso". Al final, la letra desprecia por completo la religión: "Mentiroso, mentiroso, nunca te dejan ganar/Mentiroso, mentiroso, todo lo que haces es pecado/Mentiroso, nadie te cree/Mentiroso, te derriban antes de que empieces". El estilo operístico de estas letras está totalmente respaldado por la música, que pasa por muchos cambios de tempo y diferentes secciones, ya que combina versos folky y ascendentes y un coro pisando fuerte con puentes instrumentales y vocales que llevan la canción en otras direcciones. La grabación de Queen de "Liar" envuelve esta compleja historia en un arreglo grandioso y grandilocuente que alterna delicados toques acústicos en los versos con ondas de acordes poderosos durante los puentes instrumentales y el estribillo. También funciona en una ruptura de percusión impulsada por cencerros para el penúltimo puente vocal de la canción que lleva el drama a un pico frenético. Freddie Mercury lo remata con una voz adecuadamente dramática que va desde un susurro en falsete hasta un rugido de barítono y sus impresionantes esfuerzos están amortiguados por armonías operísticas de Brian May y Roger Taylor. Todo ello dio como resultado un rock artístico pero poderoso que se convirtió en la columna vertebral de los primeros shows en vivo de Queen y se convirtió en uno de los temas favoritos entre los fans del grupo. Más importante aún, su grandiosidad fue un prototipo para canciones posteriores, aún más ambiciosos, como "Brighton Rock" y "Bohemian Rhapsody". Disfrutar de esta miniepopeya de heavy metal progresivo en expansión que le da a cada miembro de la banda un lugar para realizar un solo, es el festín de las melodías más encantadoras que rezuman de cada una de las multitudinarias secciones de esta composición que desafía fronteras. John Deacon toca lo que posiblemente sea el mejor solo de bajo de su carrera, no demasiado complejo pero sí muy poderoso y melódico, antes de que la canción termine con una sección extáticamente hermosa seguida por Brian May. Breve pero excelente coda de guitarra neoclásica. Tanto estructural como sonoramente, 'Liar' fue el predecesor directo de 'The March of the Black Queen', y junto a él constituye una de las mejores canciones de la banda. Lo único que decepciona un poco de la versión de estudio es que luego la canción desarrolló algunas líneas adicionales y siempre se interpretó en vivo de una forma más completa. Sin embargo, una mezcla alternativa indica que esas líneas adicionales solo se terminaron parcialmente durante las sesiones y es por eso que no se escuchan en la versión LP.

jueves, 18 de febrero de 2021

La música en el cine: Who Wants To Live Forever (Queen) - Los Inmortales

 

Who Wants To Live Forever, Queen


     En 1986 se estrenaba la película Los Inmortales, una producción estadounidense y británica dirigida por el director de cine australiano Russell Mulcahy, y protagonizada por Christopher Lambert, Sean Connery y Clancy Brown entre otros. 

La película cuenta la historia de los inmortales, seres humanos que ha existido a lo largo de los tiempos y que sólo pueden morir si son decapitados. La trama se desarrolla en este contexto, y el protagonista, Connor McLeod (Lambert), mientras intenta llevar una vida común, debe hacer frente a su destino, combatir con los demás inmortales que hay en la tierra, pues el destino de los inmortales es combatir entre ellos hasta que únicamente quede uno, el cual será recompensado con un poder y sabiduría que permitirá guiar al mundo a una nueva era, ya sea de paz u oscuridad, dependiendo de la naturaleza del vencedor. 

En la banda sonora de la película se encuentra el tema Who Wants To Live Forever, el cual aparece publicado en el décimosegundo álbum de estudio de la banda británica Queen, A Kind of Magic. El tema se gesta cuando Queen recibe el encargo de escribir un tema para la película Los Inmortales. El encargado de escribirla fue Brian May, que la escribió después de ver el primer corte de la película. De regreso a casa en taxi después de ver la película escribió la primera línea, Who wants to live forever (¿Quién quiere vivir para siempre?), y la inspiración le vino al ver la escena en la que el protagonista Connor McLeod tiene a su esposa entre los brazos mientras a ésta se le apaga la vida. De hecho la canción fue colocada precisamente en ese instante de la película.

Para la grabación del tema, Mercury, Deacon, May y Taylor fueron respaldados por las orquestaciones del co-compositor de la banda sonora de la película Michael Kamen. Hay una curiosidad más, en la versión de la película Freddie Mercury interpreta todo el tema, mientras que en la versión del disco Brian May canta el primer verso y Mercury se encarga de cantar el resto. La canción obtuvo el puesto número 24 en las listas de ventas del Reino Unido. 

There's no time for us
There's no place for us
What is this thing that builds our dreams
Yet tips 'em 'way from us
Who wants to live forever?
Who wants to live forever?
There's no chance for us
It's all decided for us
This world has only one sweet moment
Set aside for us
Who wants to live forever?
Who wants to live forever?
Who?
Who dares to love forever? (Oh, whoa!)
When love must die
But touch my tears with your lips
Touch my world with your fingertips
And we can have forever
And we can love forever
Forever is our today
Who wants to live forever?
Who wants to live forever?
Forever is our today
Who waits forever anyway?

domingo, 2 de junio de 2019

La musica en el cine: BOHEMIAN RHAPSODY (2018)

Segunda entrega de nuestro colaborador Guillermo Navarro, creador del blog sobre cine filmdreams.net, integrante del grupo de Habladecine en esta ocasión y con motivo de su estreno en televisión en la Plataforma Movistar, recuperamos la reseña que realizó para la película Bohemian Rhapsody. Os animamos, seáis fans o no a disfrutarla desde el Viernes 31 de Mayo si aun no tuvisteis la ocasión de verla.




SINOPSIS:
Bohemian Rhapsody es una celebración de Queen, su música y su extraordinario cantante, Freddie Mercury. Freddie desafió los estereotipos y las fracturadas convenciones para convertirse en uno de los artistas más queridos del planeta. La película muestra el ascenso meteórico de la banda a través de sus canciones icónicas y su sonido revolucionario. Alcanzan un éxito sin precedentes, pero en un giro inesperado, Freddie, rodeado de influencias más oscuras, deja Queen en pos de su carrera como solista. Después de haber sufrido mucho sin la colaboración de Queen, Freddie logra reunirse con sus compañeros de banda justo a tiempo para Live Aid. Haciendo frente a una enfermedad potencialmente mortal, Freddie lidera la banda en una de las mejores actuaciones en la historia de la música rock. Queen consolida un legado que continúa inspirando a extraños, soñadores y amantes de la música hasta el día de hoy.
 ( Fuente sinopsis, cartel e imágenes: Fox Spain )
 ( Fuentes información de la película: Filmaffinity, Fox Spain, IMDb, Wikipedia )



CRÍTICA:
El productor y director norteamericano Bryan Singer saltó a la fama con su segundo largometraje, una excelente película titulada " Sospechosos habituales ( 1995 ) " que fue premiada con dos Óscar, y a partir de ese momento ha ido alternando su faceta en la producción de películas y series de televisión, con la dirección de algunas películas entre las que destacan la mayoría de la saga de superhéroes " X-men ", y a nivel personal le considero uno de los mejores de las últimas décadas en cuanto al cine de acción y ciencia ficción. En la actualidad su vida privada está siendo puesta en entredicho al haber recibido denuncias de supuestos maltratos dentro de la lucha por terminar con los abusos sexuales dentro de la industria cinematográfica.
En esta ocasión el director ha sido el encargado para trasladar a la gran pantalla el drama biográfico sobre Freddy Mercury, una de las figuras más importantes del mundo de la música de la segunda mitad del siglo XX y que este proyecto cinematográfico recrea en una película de ficción su faceta personal y profesional, sin rehuir de los aspectos más polémicos y con una evolución cronológica de su carrera desde el momento que se inicia en el mundo de la música hasta el concierto Live Aid que se celebró en el estadio londinense de Wembley en 1985 con la presencia de los grupos y estrellas más populares de la época cuyo objetivo era recaudar dinero para ayudar a terminar con el hambre en África.



El joven actor norteamericano Rami Malek, conocido por ser el protagonista de la serie " Mr. Robot " por la que logró dos nominaciones a los premios Emmy, ha sido el escogido para interpretar al protagonista, y me parece un acierto su elección ya que, además de su parecido físico, está intenso, irónico y hace que durante todo el metraje su interpretación sea creíble y en muchos momentos parece que estamos viendo al cantante real. La película va de menos a más y no se hacen largas sus más de dos horas, que en esta ocasión me parece una duración adecuada teniendo en cuenta todas las cosas que podía contar tanto en la vida personal como profesional del cantante, el resto de miembros de la banda, y las personas que están a su alrededor, ya sean familiares, amigos o los productores o managers que intentan sacar el máximo partido al talento del grupo.



En los primeros minutos conocemos a la familia de Farrokh Bulsara, un niño nacido en Tanzania, cuando estaban viviendo en Londres e intentaban educar a un hijo rebelde, y con el paso de los minutos, cuando el cantante saltó a la fama, los padres de Freddy tienen poca importancia en el relato y únicamente aparecen en algunas escenas en la parte final.
La película tiene unas buenas interpretaciones, tanto del protagonista como de los secundarios, entre los que destacan los otros tres miembros de la banda: Ben Hardy en el papel del baterista de la banda Roger Taylor, Gwilym Lee como el guitarrista Brian May y Joseph Mazzello en el del bajista John Deacon. Los tres están correctos, y el que tiene una interpretación más contundente es el primero. No me convence la actuación de Lucy Boynton, que interpreta a Mary Austin, la mujer más importante en la vida del cantante, a la que conoció en la sección de ropa de un centro comercial, y cuyo personaje tiene una trascendencia capital en la parte central.



Pero si hay dos actores secundarios que destacan por encima del resto son Allen Leech, que interpreta a Paul Prenter, el mánager personal de Freddy Mercury cuando se separó de la banda y con el que tenía una relación sentimental especial que fue la perdición para el cantante por su vida privada llena de sombras. Ese personaje es egoísta, malo y que engaña al protagonista, y Leech realiza una gran interpretación. Lo mismo podemos decir de Aidan Gillen, en el papel de John Reid, el manager de la banda durante unos años de la década de los 70, un actor más conocido y que vuelve a estar muy bien en un personaje que aunque tiene una menor presencia en pantalla está intenso, sobre todo en una de las escenas claves de la película y de las que más me gustan que se desarrolla en el interior de una limusina.
Una película que tiene bastantes cosas positivos, y me entretuvo, además de disfrutar con una música con las canciones de fondo de uno de los grupos más importantes del siglo XX, y que gustará sobre todo a los fans de la banda, y a los que quieran conocer algo más del personaje y la historia de Queen y al mismo tiempo escuchar casi todos los temas populares, que además están muy bien integrados en la historia, ya sean en conciertos o la grabación de los discos. Los aspectos más negativos son a nivel visual y artístico, ya que tanto la fotografía como la recreación de la época me parecen un poco artificiales, y también falta algo de riesgo a nivel formal. Pero a nivel técnico está muy bien trabajada y destaca por el montaje y sobre todo la música y el sonido de la película.



LO MEJOR: La banda sonora y la actuación de Rami Malek.
LO PEOR: Es bastante mejorable a nivel visual y artístico.

sábado, 1 de junio de 2019

Canciones que nos emocionan: Las 5 canciones de Queen





Dios salve a la reina. Así reza el himno británico, del que Queen hace una versión orquestal al final de "One Night at the Opera", su disco más brillante y ambicioso (el que contiene "Bohemian Rapsody").

Dios salve a la reina es también el título de la canción bandera de los Sex Pistols, lo cuál no vendría tanto a cuento, si no fuera porque Queen y los Sex Pistols coincidieron en el estudio en las fechas en las que los punkies londinenses grababan su primeras canciones de su "Nevermind the Bollocks" (el que contiene "God save the Queen"). Johnny Rotten describe el surrealista encuentro entre dos grupos tan diferentes con la frase que Freddie les dedicó a modo de saludo de despedida:

"Queridos, tal vez algún día podríamos grabar algo juntos"

Eso nunca ocurrió, y de haber ocurrido probablemente ese tema habría estado entre @las5canciones. Del legado que sí nos dejó la reina a lo largo de su brillante carrera, disfrutad queridos de las 5 canciones que habéis elegido como las mejores:


5. Another one bites the dust


Incluida en el disco "The Game" de 1980, a esas alturas de carrera Queen necesitaban un giro en su música, algo que ya habían anticipado en el anterior "Jazz" (1978). Recurrieron a influencias disco y funk en batería y bajo, y utilizaron por primera vez los hasta entonces denostados sintetizadores. Un tema tan rotundo como éste se abrió paso fácilmente hacia el éxito, y llegó tan alto que resultó inalcanzable hasta para Sylvester Stallone, que pensó en ella como primera opción para la música de Rocky pero se le salía de presupuesto, por lo que recurrió a Survivor y su "Eye of the Tiger"



4. Somebody to love


La continuación de "A night at the Opera" (1975) fue "A day at the Races"(1976) y contenía una de las joyas atemporales del grupo, elegante mezcla de estilos rock y gospel con los toques operísticos de su disco antecesor. Es un tema de grandes exigencias vocales en el que Freddie Mercury se luce pero las aportaciones vocales de Roger Taylor y Brian May en el juego de voces in crescendo es también brillante. Una canción que ha tenido infinidad de versiones, siendo las más pintorescas las realizadas por Mocedades ("Un poco de amor" 1981) o Fito Páez ("Las dos caras del amor" 2011)



3. Love of my life


Gran tema del disco "A night at the Opera" (1975). Muy popular en los conciertos de Queen, en los que Mercury dejaba que el público cantara la mayor parte de la letra. En la versión de estudio, Brian May toca el arpa, pero como no era un virtuoso de ese instrumento grabó los acordes por separado para después juntarlos en la edición del tema. Tiene un papel destacado en la película "Bohemian Rapsody", quizá por eso ha cogido peso en el repertorio de Queen y un lugar privilegiado entre @las5canciones.



2. The Show Must Go On


Del disco Innuendo (1991). El cierre épico del último disco de Queen con Freddie Mercury en vida no podía faltar en este lista, y así lo habéis reflejado con vuestros votos. Esta impresionante canción fue escrita por Brian May para Mercury durante los últimos meses de su enfermedad, y la temática no escapa al inminente final que se vislumbra en el horizonte. Pese a todo, "el show debe continuar".

Otra versión es que la canción surgió inicialmente como homenaje al disco "The Wall" de Pink Floyd, ya que comparte título con una de las canciones de aquel disco, y la letra de la canción de Queen comienza con "Empty Spaces..." que es también el título de otra de las canciones del Muro.
Para la grabación, con un Freddie Mercury debilitado y enfermo, se grabó la canción por separado y Roger Taylor asumió las notas altas, pero cuando Mercury llegó al estudio, se tomó un vodka de un trago y dijo: "Yo lo haré completo, queridos".


1. Bohemian Rapsody


Hoy en día y desde hace muchos años, el primer puesto en todas las listas de canciones de Queen está bastante claro y gana por bastantes cuerpos de distancia, pero no siempre fue así. Tras un gran éxito inicial, tuvieron que pasar varios años hasta que el reconocimiento a su grandeza explotara definitivamente. Una escena de la película "Wayne's World", en la que los protagonistas la cantan dentro de un coche, la catapultó de nuevo e hizo que calara hondo en las nuevas generaciones. La siguiente resurrección es más reciente, la hemos vivido todos con el éxito y la repercusión de la película del mismo nombre.

La canción es una auténtica maravilla por su heterodoxa estructura musical, un largo tema barroco y sin estribillo, con varias partes diferenciadas y un despliegue musical en el que cabe prácticamente de todo. Comienza con una introducción a capella, para continuar después por senderos cercanos a las grandes baladas de piano. El cambio más llamativo viene tras el solo central de guitarra, cuando la canción gira abruptamente hacia la ópera y acto seguido se convierte en su desembocadura en una pieza de rock. En la parte final, descubrimos entregados que la canción tiene una estructura cíclica, al retomar el tono y las frases de la balada inicial. Queridos, ésta es a todas luces su obra cumbre, la canción más admirada, la que nos hace hincar la rodilla en tierra y rendir pleitesía a voz en grito: "¡Dios Salve a la Reina!"


También habéis votado:



6 I want to break free 30

7 Who wants to live forever 30

8 Under pressure 28

9 Innuendo 24

10 Don´t stop me now 22

11 Radio gaga 20

12 We are the champions 15

13 I want it all 14

14 Friends will be friends 13

15 Killer queen 13

16 A kind of magic 11

17 Dragon attack 11

18 Hammer to fall 11

19 We will rock you 9

20 Fat Bottomed Girls 8

21 Spread your wings 7

22 39 6

23 In the lap of the gods 6

24 Now I´m here 6

25 Tie your mother down  6

26 Brighton rock 6

27 Flick of the wrist 6

28 Breakthru 5

29 Prophet´s song 5

30 The march of the black queen 5

31 Father to son 4

32 In love with my car 4

33 Mustapha 4

34 Nevermore 4

35 One vision 4

36 Play the game 4

37 You are my best friend 4

38 You take my breath away 4

39 Death on two legs 4

40 Bicycle race 3

41 Crazy little thing called love 3

42 White Queen 3

43 Lazy in Sunday afternoon 3

44 My melancholy blues 3

45 Too much love will kill you 3

46 A winter´s tale 2

47 I was born to love you  2

48 I´m going slightly mad 2

49 Is this the world we created 2

50 It´s a hard life 2

51 Liar 2

52 Prince of universe 2

53 Sweet lady 2

54 It´s late 1

55 Millionaire waltz 1

56 You and I 1