viernes, 11 de octubre de 2024

1381.- Welcome to the Machine- Pink Floyd

 

Welcome to the Machine, Pink Floyd


     Wish You Were Here es el noveno álbum de estudio de la banda de rock británica Pink Floyd. Fue lanzado el 12 de septiembre de 1975 a través de la compañía discográfica Harvest Records en el Reino Unido y Columbia Records en los EE. UU. El disco se alimentó principalmente de material que Pink Floyd compuso mientras actuaba en Europa. Wish You Were Here se grabó en numerosas sesiones a lo largo de 1975 en los estudios EMI (ahora Abbey Road Studios) en Londres. Los temas líricos del álbum se refieren a la alienación y la crítica del negocio de la música. Al igual que su lanzamiento anterior, The Dark Side of the Moon (1973), Pink Floyd empleó efectos de estudio y sintetizadores durante la grabación. Los cantantes invitados incluyeron a Roy Harper, quien proporcionó la voz principal en Have a Cigar, y Venetta Fields, quien agregó coros a Shine On You Crazy Diamond. Para promocionar el álbum, la banda lanzó el sencillo doble cara A Have a Cigar / Welcome to the Machine.

Estamos ante el segundo álbum de Pink Floyd con un tema conceptual, principalmente bajo la dirección de Roger Waters. Refleja su sensación de que la camaradería que había rodeado a la banda estaba en gran medida ausente en aquel momento.​ El álbum es también toda una crítica al negocio de la música, y Welcome to the Machine es un fiel reflejo de esa cŕitica. La canción comienza con una puerta que se abre (descrita por Waters como un símbolo de descubrimiento musical y progreso traicionado por una industria musical más interesada en la codicia y el éxito) y termina con un partido, este último personificando "la falta de contacto y de sentimientos reales entre las personas".

Welcome to the Machine  trata de los productores y representantes de discos avaros que controlaban la banda, lo que contribuyó al colapso mental del fundador de Pink Floyd, Syd Barrett, a quien está dedicado todo el álbunm. El mundo que lo rodeaba era como una máquina: los fans, el grupo, la industria discográfica. Le decían qué hacer y cuándo hacerlo para que tuvieran éxito. El álbum Wish You Were Here gira en torno a Syd Barrett y lo que contribuyó a su colapso. Esta canción incluye un video musical muy poco común que solo se reproduce durante los conciertos. Presenta una representación particularmente visceral con cadáveres, ratas, muerte y olas de sangre. El video fue dibujado a mano por un viejo amigo de la banda, llamado Gerald Scarfe.

Disco de la semana 399: Most Things Haven’t Worked Out - Junior Kimbrough

Most Haven't Worked Out, Juniot Kimbrough




     Considerado uno de los músicos de blues más influyentes de la región montañosa de Mississippi, Junior Kimbrough es una rara avis en el mundo del blues. Hablamos de una figura profundamente inquieta y ferozmente independiente dentro de la comunidad del blues. La visión de Junior Kimbrough sobre la música pasa por el poder, sin adornos, del mensaje inquebrantablemente determinado que transmite el blues. Nada más que el sentimiento y adoración por el blues, ubicado en el centro de la música que nunca se ha desviado de la adoración, la inducción, la fábula y el destino hacia un destino incumplido pero siempre anhelado en el alma.



Durante los casi 30 años de carrera discográfica de Kimbrough, se limitó por completo a una pequeña familia de músicos independientes de Mississippi, dirigiendo valientemente su visión del blues a través de una notable gama de estilos de canciones rurales y música de raíces. En su voluntad de atraer a la más amplia gama de gustos de los oyentes con las mayores dificultades personales, su legado se remonta a un nivel de musicalidad y responsabilidad presente en el núcleo del sonido del blues, pero demasiado raro en el último medio siglo. Realizo sacrificios profesionales como permanecer en el norte del delta del Mississippi en busca de una base, y con el deseo latente de crear un legado musical diverso e inspirado topográficamente en su tierra. Incluso en su tierra natal, Mississippi, muchos fanáticos de la música solo conocen vagamente al guitarrista y cantante Junior Kimbrough. Sin embargo, Kimbrough es uno de los músicos más originales e intuitivos de la segunda mitad del siglo XX. Su vida y obra bien daría para un buen blues, Kimbrough vivió alrededor de unos cincuenta años en el Delta sin grabar un álbum. Estamos ante un hombre al que le encantaba tocar y se enorgullecía de su trabajo y de su tierra.

Inspirado por músicos como Charlie McCoy, Roosevelt Brown o Elmo Johnson, comenzó a tocar música en los años 60. A diferencia de muchos de sus predecesores, Kimbrough escribía su propia música y se apoyaba en sus propios músicos para la creación. Su forma flexible y siempre orgánica de tocar la guitarra eléctrica se entrelaza con las formas tradicionales de las canciones de blues, actualizándolas y dotándolas de un toque de modernidad, insuflando un nuevo y vibrante tipo de vida a las viejas canciones. En 2023, le llegaría el debido y necesario reconocimiento a Kimborugh, fue incluido en el "Salón de la Fama del Blues".


Para la recomendación de esta semana nos vamos a detener en uno de sus últimos álbumes grabados en vida, Most Things Haven’t Worked Out, realizado por Kimborugh en 1999. El artista tenía entonces 67 años.  Fue su tercer álbum para el sello discográfico Fat Possum Records y el último antes de su muerte en 1998. Todas las canciones del álbum fueron escritas por Kimbrough, quien no solía versionear el material de otros músicos. Optó por mantener sus errores y notas perdidas en las vías. Tres de las canciones fueron grabadas en su lugar de ocio y recreo en Mississippi. John Hermann ayudó a producir algunas de las canciones, y Kenny Brown fue el segundo guitarrista. La canción que da título al disco es instrumental.

Most things Haven't Worked Out es un más que recomendable disco para redescubrir la figura de un músico de blues que se alejó de los cánones tradicionales del blues, explotando la idea de interpretar viejo blues acompañado por un grupo moderno. Kimbrough, con su música, es capaz de hipnotizarnos, haciéndonos entrar en trance. El ambiente techno y los overdubs, como ya hiciera también R. L. burnside, dotan a su música de una pasión visceral. Lo que comienza sonando va adquiriendo un poder inesperado a través de la repetición y cambios engañosamente sofisticados de textura, tono y ritmo. Most Things Haven't Worked Out es un buen punto de partida para redescubrir a este genial artista, pues está considerado por muchos el mejor álbum de Kimbrough
 

jueves, 10 de octubre de 2024

1379 - Pink Floyd - Have a cigar

1382 - Pink Floyd - Have a cigar

"Have a Cigar" es una de las canciones más representativas del álbum Wish You Were Here (1975) de Pink Floyd, una crítica aguda y sarcástica a la industria musical y a su relación con los artistas. La banda británica, que ya había alcanzado un estatus icónico tras el éxito de The Dark Side of the Moon, usa este tema para expresar su descontento con el mercantilismo y la superficialidad del negocio musical.

Desde el inicio, la canción envuelve al oyente con una mezcla de rock progresivo y funk, sustentada en un riff de guitarra que es al mismo tiempo potente y envolvente. La producción es impecable, con capas de instrumentos que se entrelazan para crear una atmósfera densa y cautivadora. Uno de los aspectos más notables es que la voz principal no la interpreta ninguno de los miembros de Pink Floyd. Debido a las tensiones internas y al malestar vocal de Roger Waters y David Gilmour, se invitó al cantante británico Roy Harper para interpretar la canción. Harper logra capturar la ironía y el cinismo del tema de manera perfecta, lo que añade una capa adicional de distanciamiento entre la banda y el mundo que están criticando.

Líricamente, "Have a Cigar" es una burla directa a los ejecutivos de las discográficas, quienes muchas veces están más interesados en las ganancias que en la integridad artística. La letra, con frases como "The band is just fantastic, that is really what I think. Oh, by the way, which one's Pink?", resalta la ignorancia y el desdén de estos ejecutivos hacia los músicos. La banda siente que son vistos solo como productos, y la referencia a “Pink” como si fuera un miembro de la banda (cuando en realidad es el nombre del grupo) subraya esta desconexión.

Musicalmente, además del riff pegajoso de guitarra y bajo, el sintetizador juega un papel crucial. Richard Wright, el teclista de la banda, utiliza el Mini-Moog para crear un solo que eleva la canción, añadiendo un toque futurista que resalta el carácter satírico de la canción. Esta interacción entre los instrumentos da lugar a una pieza dinámica, donde cada miembro brilla en su ejecución.

En conjunto, "Have a Cigar" es una obra que no solo destaca por su virtuosismo musical, sino también por su contenido lírico, que expone una realidad incómoda: el choque entre arte y comercio. Pink Floyd utiliza esta canción para desafiar las normas de la industria musical y para recordarnos que, en muchos casos, los artistas son explotados por un sistema que prioriza el beneficio económico sobre la creatividad.

Daniel 
Instagram storyboy 

miércoles, 9 de octubre de 2024

1378.- Getsemaní - Camilo Sesto

En 1975 hubo varios momentos cumbres en la música española, pero quizás el mas destacado fue la puesta en escena de la ópera rock Jesucristo Superstar en su versión en castellano. Se trata de todo un atrevimiento en las últimas horas de la España franquista, política y moralmente conservadora y fuertemente apegada a la Iglesia Católica. El artífice fue Camilo Sesto que se entusiasma con la ópera rock cuando la ve en Londres. “La seguí de pie y de piedra me quedé. En ese momento me dije: ‘Esto se tiene que ver en España y la tengo que hacer yo, sólo yo’”, recuerda el cantante español. Para financiar la obra, al artista pone de su propio bolsillo 12 millones de pesetas, pero no solo fue dinero también mucho trabajo, para conformar al elenco, audiciona un total de 1.316 personas que, al decir de Jaime Azpilicueta, director teatral de la obra, “no sabían nada de musicales, pues en aquella época en España no se sabía de qué se trataba este género”, el papel de María Magdalena recae en Ángela Carrasco, dominicana de nacimiento y que desde 1972 vive en Madrid con varias incursiones en la televisión hispana. Teddy Bautista, quien personifica a Judas, es el vocalista del grupo rock progresivo Los Canarios, grupo que tiene entre sus hitos una original versión electrónica de Las Cuatro Estaciones de Vivaldi. Fue él quien se encarga de los arreglos y dirección musical de la obra, aplicando con intensidad sus gustos rockeros y clásicos. La obra se estrena el 6 de noviembre de 1975 en el Teatro Alcalá de Madrid. La primera función se aplaza en variadas oportunidades, porque la atención mediática está puesta en la salud del dictador Francisco Franco, quien -finalmente- fallece el 20 de noviembre. La obra se extiende hasta febrero de 1976. La estricta censura franquista casi deja fuera de escena la “Canción de Judas”, que abre la obra, ya que considera que el personaje de Teddy Bautista trataba a Jesús “con poca deferencia, destacando su raza judía por encima de su divinidad”. A los riesgos políticos por sobre la obra, se suman también los ataques de fundamentalistas religiosos, los que se manifiestan de diversas maneras. Anuncios de atentados con bombas en el Teatro Alcalá, que nunca se cumplen, y ataques en los medios: la prensa de derecha llama a la obra “Anticristo Superstar”. Son cientos los detractores que protestan arrodillándose en las afueras del teatro para rezar, con rosario en mano, por la salvación de las almas de los protagonistas y de los espectadores que acuden a verla. Andrew Lloyd Weber, compositor de la música original de la obra, dice tras ver a Camilo Sesto y compañía que “de todas las producciones realizadas a lo largo del mundo, se trata de las más equiparable a la original».


La canción “Getsemaní”, una de las principales de la obra, obtiene tal la popularidad que, incluso, llega al número 1 del ránking en la radio Vaticana. La obra es grabada en un potente LP que publica el sello Ariola también en 1975. El acierto también se extiende al álbum que, a la fecha, lleva más de cien millones de copias vendidas en todo el mundo. En Getsemani Camilo Sesto despliega un impresionante rango vocal que abarcaba Camilo con una variedad de matices que iban de graves a agudos, de la brutalidad a la sutileza, del rock a la balada aunado a la magistral interpretación donde se mete en el personaje y transmite toda la angustia y el miedo del nazareno. Su Getsamaní, que extasiaba audiencias pías y paganas con la misma intensidad que a él lo rompía por dentro, lo dibujaba apartado de los suyos, aduladores como Juan, revolucionarios como Simón Zelotes, pusilánimes como Pedro. 


The Extremist - Joe Satriani (Mes Joe Satriani)

 


Satriani ha sido influyente y fue uno de los pocos artistas de guitarra instrumental que logró el éxito general, pero este es un caso en el que un buen número de sus imitadores nunca han mejorado el original, rara vez han conseguido igualar su virtuosismo con la guitarra, pero si es verdad que han ofrecido un mejor paquete. Dicho esto, sin embargo, hay muchos más imitadores que ni siquiera se acercan a ofrecer nada mejor. Hay una gran cantidad de álbumes en este idioma que no podría soportar escuchar dos veces. Enseñó a leyendas como Steve Vai y Kirk Hammett a ser los héroes de la guitarra que son hoy (aunque Hammett tiene carencias en muchas áreas). El trabajo de Satriani de 1989 en Flying In A Blue Dream fue muy bueno y recibió una fuerte promoción en los estados del sur e incluso incluyó una canción en la banda sonora de la película Say Anything  Sin embargo, en 1992 Satriani se superó a sí mismo, lanzando The Extremist , que seria su álbum más exitoso hasta la fecha. Temas como "Summer Song" recibieron rápidamente difusión en la radio, y todavía se usa en muchos anuncios de automóviles incluso hoy en día. "Cryin" y "Friends" también fueron éxitos menores, e incluso "War" tuvo difusión en los anuncios de los Power Rangers . En general, este álbum suele considerarse el siguiente mejor trabajo de Satriani, detrás del casi perfecto Surfing With The Alien. La mayor parte de la interpretación de guitarra en este álbum es inequívocamente brillante, con melodías fuertes y tonos creativos. También hay una variedad razonable de estados de ánimo en la composición. Satriani es claramente un maestro de su instrumento y sus composiciones se centran en la expresión emocional convencional más que en la velocidad o la energía. La música es más o menos una versión hard rock de la música new age, pero con un poco más de complejidad solista en línea con la fusión. El hecho de que este álbum sea tan popular muestra una de las verdades básicas sobre el mundo: a la gente le gusta una buena melodía.

Ya el tema de apertura me enganchó, Friends es un punto de partida sólido, que comienza con buen pie como un brillante tema de apertura. El sonido de la guitarra es maravilloso, hace la transición entre registros en el momento justo, moviéndose en líneas con una facilidad inexplicable. Superpuesto a pistas sencillas de batería y bajo, es una exhibición virtuosa de la habilidad y la musicalidad de Satriani. Su guitarra puede chillar, puede golpear, puede gemir, puede elevarse, y todo eso lo hace aún más hermosamente en el tema siguiente, el que da título al disco, The Extremist una canción increíblemente genial, increíblemente enérgica y valiente. Un gran riff de guitarra abre la canción, y sus líneas principales en el verso fluyen absolutamente perfectamente con el cambio en el riff detrás. Una gran canción típica de Satch, esta también incluye una armónica principal, interpretada por el propio hombre. Pero lo que pone a esta canción por encima del resto es la forma en que cambia el estribillo al final de la canción, a las 2:48 comienza como lo habíamos escuchado anteriormente, pero la segunda vez cambia la progresión de acordes y le da a la canción un gran clímax. War es una canción muy dura, y posiblemente la más agresiva de Joe Satriani, na vez más muestra un sólido trabajo de guitarra rítmica, acentuando las melodías principales con un buen riff constantemente. Hay un único defecto en esta canción, y es que la canción es relativamente larga y es bastante fácil perderse en ella, ahora bien, ¿por qué es eso algo malo? Porque parece que el verso se repite constantemente, pero eso no le resta mucho a la calidad de la canción. Cryin' es una balada lenta que sufre de una sección rítmica pobre, y ni siquiera la hermosa guitarra principal de Satch puede salvarla. Satriani definitivamente puede hacer canciones lentas como las que hemos visto otras veces (especialmente en Surfing With The Alien), pero esta parece que no recibió suficiente atención, no es suficiente la versatilidad de las líneas melódicas, las diferentes pronunciaciones, las diferentes inflexiones que crean esta balada sensual. Rubina's Blue Sky Happiness, una canción que se encuentra en el lado más simple de la composición pero que, sin embargo, se ha convertido en una de mis favoritas, puede que me enamore de su rasgueo despreocupado, sus hermosas líneas de bajo, la facilidad con la que la guitarra eléctrica encuentra su camino en un paisaje sonoro más bien acústico. Mientras escucho esto una y otra vez, cierro los ojos y dejo que la melodía resuene en mi oído, dejándome transportar a la carretera, al cielo azul que brilla ante mis ojos. El sol se pone, sonrío, enamorado de la fuerza impulsora de los tambores profundos y la agudeza melódica de la guitarra eléctrica.

 

Summer Song llego a sonar a menudo en la radio a principios de los 90 y todavía aparece en los anuncios publicitarios, el título de la canción lo dice todo, ya que realmente es otra canción tranquila que huele a buenos tiempos. En esta, se muestra un trabajo principal más pegadizo, y Satriani trae uno de sus mejores solos en el medio para redondear todo. Una canción de primera en todos los sentidos, y que no debe perderse. A continuación, tenemos la encantadora Tears In The Rain, un interludio de guitarra clásica que solo presenta acordes arpegiados con un teclado de fondo ligero. A continuación, vemos una vez más la versatilidad de Satriani con una canción que suena completamente diferente a todo lo demás en el álbum, pero que todavía suena como Satch, Why es mi favorita del álbum, con una guitarra principal duplicada a lo largo de la canción en una melodía muy desgarradora que nunca deja de sorprender. No hay un solo momento débil en esta canción, continúa desarrollándose y llega a un clímax justo en el momento perfecto. Satriani se adentra en un solo de guitarra y llega a su punto álgido, y baja las cosas con un ritmo de tapping plagado de wah que vuelve con un riff de una sola cuerda que se conecta perfectamente con el tema tipo coro que habíamos escuchado antes, solo que esta vez con una guitarra adicional agregada para una sensación más grande. Fácilmente una de las mejores canciones de Joe Satriani. Motorcycle Driver a veces puede pasarse por alto, y no debería ser así, es otra canción rockera con una sensación similar a Summer Song que se destaca por el estilo principal diferente en la canción. La mejor parte de esta pista es el excelente solo de guitarra de outro de Satriani que sobresale como un BMW 2007 en un depósito de chatarra. New Blues es una canción muy relajada que, una vez más, es diferente de todo lo demás en el álbum. Comienza con un blues muy suave por un rato, salta de inmediato con un solo de guitarra y hace que las cosas vuelvan a sonar agradables y ruidosas, pero finalmente nos lleva de regreso al blues relajado que amamos. Si bien no es la canción más destacada del álbum, sigue siendo una buena para cerrar el álbum.

 

The Extremist explora géneros, explora sonidos, explora la amplitud y profundidad de un solo instrumento. ¿Hasta qué punto se puede hacer funky una pista de rock instrumental en Why ? Subiendo y bajando entre notas, añadiendo tanto pedal, groove y descaro a una formación de rock clásico... parece que no hay punto de parada y es que el álbum entero es una maravillosa muestra de los muchos colores que puede tener la guitarra eléctrica, es un verdadero homenaje a la magia de la música y a la belleza que puede esconder un montón de cuerdas si las toca al máximo un verdadero maestro. A juzgar por la portada y la descripción del género, nunca me hubiera imaginado que este disco me fascinaría tanto como lo hizo. Realmente no me veía disfrutando de la música rock instrumental. Pero hay algo fascinante en la versatilidad de la guitarra eléctrica, las múltiples facetas que puede tener, las múltiples voces que puede adoptar. La belleza de un solo instrumento tocado con absoluta maestría, capturada en un solo disco de increíble profundidad y esplendor.

martes, 8 de octubre de 2024

1377.- Love Is the Drug - Roxy Music

 

Love is the Drug, Roxy Music


     Formada en 1971 en Londres, Inglaterra, Roxy Music fue una banda de rock inglesa que lanzó algunos de los álbumes más innovadores de la década de 1970. El éxito de la banda mostró la sofisticación art pop de Bryan Ferry, las habilidades musicales y de producción de Brian Eno, y de Phil Manzanera y Andy Mackay con Paul Thompson en la batería y Graham Simpson para el álbum debut. Posteriormente, Paul Thompson y Graham Simpson fueron reemplazadas en 1973 por John Gustafson y Paul Carrack. Bryan Ferry escribió la mayoría de las letras de sus primeros álbumes, y Phil Manzanera produjo algunos de sus álbumes además de ser el guitarrista de Roxy Music.

Siren es el quinto álbum de estudio de la banda, lanzado en 1975 por Island Records. Fue lanzado por Atco Records en los Estados Unidos. Siren produjo los sencillos Love Is the Drug y Both Ends Burning, que alcanzaron los números dos y 25 respectivamente en la lista de singles del Reino Unido. Love Is the Drug se convirtió en el sencillo más exitoso del grupo en los Estados Unidos, alcanzando el número 30 en ela lista estadounidense Billboard Hot 100. En 2003, Siren ocupó el puesto número 371 en la lista de los "500 mejores álbumes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone". La portada del álbum muestra a la entonces novia del miembro de la banda Bryan Ferry, la modelo Jerry Hall, en las rocas cerca de South Stack, Anglesey. fue el fotógrafo Graham Hughes quien, en agosto de 1975, tomó la foto de portada directamente debajo del tramo central del puente en una ladera del lado sur. Trabajó a partir de bocetos producidos por Antony Price, con fotografías que mostraban a Hall adoptando varias poses. La idea de la ubicación fue de Bryan Ferry, después de ver un documental de televisión sobre los flujos de lava y las formaciones rocosas en Anglesey, en la costa de Gales, Reino Unido.

Love Is the Drug apareció por primera vez en el álbum de 1975 Siren. La canción entró en el Top 40 y recibió muchos premios musicales en el Reino Unido. Se convirtió en una canción icónica, una parte de la historia del rock británico que mejora la cultura británica construida sobre esa herencia musical. Además, Roxy Music lanzó la canción como sencillo, que alcanzó el top 3 del Reino Unido y se convirtió en su canción más exitosa hasta la fecha. Love Is the Drug es una canción sobre salir a la calle en busca de sexo casual y sin ataduras. En declaraciones a "The Wall Street Journal" el 27 de febrero de 2019, Bryan Ferry señaló: "La imagen que tenía en mente para la canción era la de un joven que se subía a su coche y se dirigía a la ciudad, buscando acción en un club"Ferry agregó que parte de Love Is the Drug se inspiró en el patois caribeño ( idioma hablado en el área del mar Caribe, principalmente en la isla de Jamaica, y otras partes del mundo)  de un amigo trinitense llamado Christian. "Trabajó para Roxy haciendo vestuario. Christian era un tipo muy divertido y relajado. Si alguna vez había un problema, Christian decía: 'No es un gran problema'. Me gustó la frase, así que la letra de apertura de la canción fue: No es gran cosa, Esperar a que suene, la campana No es gran cosa, El tañido de la campana". La canción comenzó como una canción instrumental compuesto por el saxofonista Andy Mackay, en un piano electrónico Wurlitzer. Según Mackay: "La canción que compuse no tenía letra ni ritmo... Cuando la toqué para la banda en el estudio, mi tempo era lento, con una sensación majestuosa y arrolladora, moviéndome en una dirección de ensueño y ambiental. Bryan y el baterista Paul Thompson querían empujar la canción, hacerla más bailable". 

Canciones escondidas: Deadbeat Summer - Neon Indian (2009)


Neon Indian de Austin, sobrenombre del compositor electrónico Alan Palomo, creó un synth-pop retro-psicodélico plagado de todo tipo de efectos de sonido, imbuido de disonancias y sonidos encontrados, este era el arquetipo de las canciones de Palomo, que ocasionalmente podía acercarse al power-pop convencional, pero en su mayoría sonaba como una parodia del pop. Algunos lo aclamaron como el próximo fenómeno del electro-pop, y otros lo han criticado como una estridente pérdida de tiempo dentro de nuestra pequeña burbuja musical de apuntar y hacer clic. Asi que, para que el oyente de música normal se ponga al día tendremos que obviar el revuelo en la blogósfera en torno a Neon Indian, que fue lo suficientemente grande como para que engrandara parte del escepticismo que rodea al artista. Es cierto que Palomo toma prestadas cosas en gran medida del pop centrado en los sintetizadores de la era de los 80, al mismo tiempo que empapa su música en una neblina de baja fidelidad que oscurece algunos de los muchos sonidos que introduce. Y sí, Palomo es un miembro destacado del género creado por blogueros y con un título absurdo conocido como “chillwave”, junto con Washed Out, Memory Tapes y otros, todos los cuales se caracterizan por este discreto y brumoso estilo ochentero: sonido influenciado y con mucho sintetizador.


En 2009, Palomo publica Psychic Chasms una deliciosa tarta de canciones pop psicodélicas que resalta las mejores partes de las actitudes revivalistas nostálgicas y de baja fidelidad que se han vuelto tan frecuentes recientemente. A pesar de su carácter alucinante, es sorprendentemente accesible, identificable y, lo más importante, divertido. Palomo sabe cómo crear una canción pop: cada canción (menos los interludios) sigue una estructura rígida de estrofa-estribillo-estribillo-solo/coda-y viste sus pistas con suficientes sintetizadores deformados, ritmos bailables y ganchos pegadizos para que mantenga alto el valor de Psychic Chasms, los sintetizadores voladores, los estribillos melódicos abrasadores y el enfoque claramente colorido que, aunque se promociona ocasionalmente como un tributo al pastiche synthpop, no cae en un papel tan inútil. Este álbum es engañosamente infeliz, uno podría evaluar fácilmente las letras y comprender que el propósito de crear un conjunto compacto de melodías veraniegas para sentirse bien no era la intención. Lo que tenemos aquí es un glorioso mecanismo de defensa, el silenciamiento poético de las muestras y las imperfecciones empalagosas transmiten exactamente lo que es enfermizamente dulce (énfasis en enfermizo) del manifiesto chillwave en primer lugar. Palomo llegó a una oda perfecta a los tiempos en los que todo debería ser completamente cuadrado y la existencia debería ser una brisa sin esfuerzo, y todo parece estar perfectamente en su lugar, junto con la dura comprensión de que la vida tiene otros planes y puede lanzar golpes fácilmente, inesperadamente y sin razón. Esta es la conmemoración ciega de aquellos tiempos inquietantemente turbulentos, experimentados a través de los espectáculos color de rosa de la retrospectiva.

El momento destacado del álbum es “Deadbeat Summer” que deja claro lo que le espera al oyente con Psychic Chasms: conducción, ritmos de caja de ritmos, ritmo, sintetizadores pop, un poco de guitarra distorsionada, chirridos y pitidos de 8 bits, voces confusas y monótonas y, en general, sonidos de los 80 actualizado para el siglo XXI. A Deadbeat summer se le ha pegado “(AM)” que son 25 segundos de felicidad nostálgica que descienden en un caos que suena como el mal funcionamiento de una Super Nintendo, lo que lleva a “Summer”, que está liderado por su alegre riff de bajo, sus sintetizadores gorjeantes, efectos Atari salpicados y la música de Palomo, un zumbido relajado sobre su propio hastío un verano hace algún tiempo. Inmediatamente se establece el tono y se hace evidente de inmediato que este es un álbum que te hace sentir esos días de pereza de años pasados.


lunes, 7 de octubre de 2024

1376 - Tom Waits - Better Off Without a Wife

1376 - Tom Waits - Better Off Without a Wife

"Better Off Without a Wife" es una canción del cantautor estadounidense Tom Waits, lanzada en 1973 como parte de su álbum Nighthawks at the Diner. Esta pieza, en la que predominan el jazz y el blues, es una mezcla perfecta de la singular estética musical de Tom Waits y su humor sardónico.

Desde el comienzo, la canción establece un tono relajado e íntimo, con Tom Waits acompañándose en el piano mientras presenta la idea de que es mejor estar solo que atado a una pareja. Su interpretación se siente casi como una conversación con el público, especialmente por el estilo de grabación en vivo del álbum, que captura las risas y reacciones de los asistentes. Esto refuerza el ambiente de un club nocturno en el que Tom Waits está compartiendo sus reflexiones con una audiencia cercana y participativa.

El tema central de la canción, la soledad voluntaria, está lleno de ironía. Tom Waits, con su voz grave y raspada, declara que es más fácil y más libre no estar casado, evitando las complicaciones que vienen con el compromiso. La letra está llena de humor y cinismo, al describir los pequeños placeres de la vida soltera, como no tener que compartir la cama, no tener que preocuparse por las obligaciones familiares y poder disfrutar de una vida bohemia sin restricciones. Sin embargo, también hay una sensación subyacente de melancolía, como si este aparente "contento" con la soledad fuera una fachada que esconde una verdad más triste y profunda.

Lo interesante de la canción es cómo Tom Waits maneja las contradicciones: por un lado, celebra la libertad de la soltería, pero por otro, parece también reconocer la soledad que puede acompañar a esa vida. En una sección particularmente memorable, Tom Waits bromea con la audiencia, diciendo que "siempre he sido romántico con las mujeres, quiero decir, después de todo, me he enamorado de muchas toallas de baño". Este tipo de humor autodepreciativo es característico de Waits, quien a menudo mezcla lo absurdo con lo poético.

Musicalmente, "Better Off Without a Wife" tiene un arreglo sencillo pero efectivo. El piano lleva el ritmo, mientras que la voz de Tom Waits se desplaza entre el canto y el habla, dando la sensación de estar escuchando a un narrador urbano contando historias en un bar. La canción no tiene complicados solos ni cambios bruscos, lo que refuerza el carácter íntimo y casual de la pieza.

"Better Off Without a Wife" es una joya dentro del repertorio de Tom Waits, que muestra su habilidad para combinar humor, cinismo y una aguda observación de la vida cotidiana. Aunque a primera vista parece una simple oda a la soltería, también revela una complejidad emocional que invita a la reflexión.

Daniel 
Instagram storyboy 

domingo, 6 de octubre de 2024

Flying in a Blue Dream - Joe Satriani (Mes Joe Satriani)



Comienza el mes Satriani con su disco de 1989 "Flying in a Blue Dream" ("Volando en un Sueño Azul"), el tercer álbum de estudio del virtuoso guitarrista estadounidense, lanzado a través de Relativity Records. Para muchos de sus seguidores, es uno de los mejores trabajos de su larga carrera discográfica, junto a los también geniales "Surfing With the Alien" (1987) y "The Extremist" (1992). En "Flying in a Blue Dream", Joe Satriani está en su mejor momento creativo, y se atreve con nuevas e innovadoras vías de composición y con elaboradas exploraciones musicales, lanzándose incluso a cantar en varios temas. Si bien el resultado vocal es simplemente correcto, pero encajó a la perfección con el tipo de propuesta musical que este genial guitarrista compuso para el disco, que en conjunto fue calificado por la crítica como un álbum "poderoso y triunfal".

Los temas de "Flying in a Blue Dream" son composiciones de blues rock y hard rock con estructuras complejas y muy elaboradas, en los que encontramos multitud de impactantes efectos de guitarra, y la canción titular, con la que abre además el disco, no es una excepción a esa regla.  Es un tema que ha perdurado como uno de los más conocidos e imprescindibles de su repertorio en directo, y lo mismo podría decirse de "The Mystical Potato Head Groove Thing", que mantiene la intensidad y el buen tono de la primera parte del disco.

Con "Can't Slow Down" llega la primera sorpresa del álbum, por ser el primero de varios temas en los que Satriani añade voz al conjunto, en una rareza que se repetirá de nuevo en las canciones "Strange", "I Believe" (una de las canciones más destacadas del disco, para la que contó con la colaboración del batería Simon Phillips), "Big Bad Moon", "The Phone Call" y "Ride".

La versatilidad de instrumentos y estructuras, unida a la variada colección de estilos con los que Satriani juega, sin perder con ello el sabor a blues y rock del conjunto, hacen de "Flying in a Blue Dream" un disco plagado de temas que sorprenden positivamente por el uso de instrumentos como la harmónica de "Headless" (una versión alternativa del tema "The Headless Horseman", ya incluido en el disco "Not of This Earth" de 1986), la guitarra estilo banjo de "The Feeling" o la técnica de golpeteo de la guitarra de "Day at the Beach (New Rays from an Ancient Sun)" y "The Forgotten (Part One)"

"Flying in a Blue Dream" es hasta la fecha el segundo disco de Satriani con mejores resultados en las listas de ventas, gracias a su puesto 23 en el Billboard 200, una lista en la que logró permanecer durante 39 semanas. Y no solo por eso, sino porque hasta cuatro de los singles extraídos del disco llegaron a entrar en el Billboard estadounidense, de las cuales "One Big Rush" y "Big Bad Moon" entraron en el top 20, mientras que "Back To Shalla-Bal" llegó al puesto 31 y "I Believe" se quedó en el puesto 36. Sin duda, es uno de los mejores discos con los que comenzar un mes entero dedicado a lo más destacado de su discografía, un viaje que seguro será como "volar en mitad de un gran sueño de color azul".

1375.- Cortez the killer - Neil Young

Neil Young es uno de los grandes artistas de todos los tiempos en lo que se refiere al arte de la composición de canciones. Ya sea el proto-grunge de su trabajo con Danny Whitten y Crazy Horse, el folk inquietante de sus creaciones acústicas o incluso la sabiduría madura de sus trabajos más contemporáneos. Uno de sus mayores logros es, sin duda, el álbum Zuma de 1975, fue el album que vio a Crazy Horse resurgir después de la muerte de Danny Whitten, y con el nuevo guitarrista Frank Sampedro, este fue un regreso a la palestra tanto para Young como para la banda. Curiosamente, Zuma también es un álbum bastante deprimente, y en muchos puntos, Young habla de las infidelidades de su exnovia, Carrie Snodgress, imbuyendo al disco con una sensación palpable de desamor, algo que todos hemos experimentado en distintos grados a lo largo de los años.


Posiblemente la canción más destacada del álbum es el tema "Cortez the Killer", con un trabajo de guitarra largo y solemne al principio, es de las favoritas de los fans de Young. Cabe destacar que el título de la canción está inspirado en el conquistador Hernán Cortés, el hombre que conquistó México y partes de las Américas para España en el siglo XVI. El título también evoca la muerte del gobernante azteca Moctezuma II, quien murió luchando contra las fuerzas de Cortés. La letra aparece en el minuto 3:23 y el primer segmento describe a Cortés y sus “galeones y cañones” llegando a las costas del Nuevo Mundo. Young explica que aquí vivió Moctezuma, el emperador azteca que estaba lleno de sabiduría y era increíblemente rico, pero que su civilización estaba condenada a pesar de sus logros y serenidad. Young también dio un giro inesperado en el último verso, salta de la tercera persona a la primera persona y de repente habla de una mujer sin nombre: “Y sé que ella vive allí / Y me ama hasta el día de hoy. / Todavía no puedo recordar cuándo / o cómo perdí mi camino”. En el momento de escribir esto, Young se había separado recientemente de Snodgress, y muchos comentaristas creen que esta parte del poema trata sobre ella. La canción se desvanece a los siete minutos y medio, lo que se ha atribuido a un fallo en un circuito eléctrico, que provocó que la consola del estudio se quedara sin energía. Esto significó que se perdió el resto de la parte instrumental y un verso final. Se dice que cuando el productor David Briggs le dio la noticia a la banda, Young respondió con indiferencia: "De todos modos, nunca me gustó ese verso". Aunque la identidad de este misterioso último verso nunca ha sido revelada oficialmente, en 2003, Young añadió un par de líneas al final de la canción durante su gira por Greendale en 2003, cantando: “El barco se está rompiendo en las rocas / Playa arenosa... tan cerca”. Si este fuera el misterioso verso final, se podría argumentar que la canción es casi con certeza una alegoría del final de la relación de Young y Snodgress, independientemente de lo que afirme el típicamente opaco Young. En la biografía de Young escrita por Jimmy McDonough, Shakey , le preguntó al cantante canadiense si alguna de sus canciones era autobiográfica, a lo que Young respondió: “¿Qué diablos estoy haciendo escribiendo sobre los aztecas en 'Cortez the Killer' como si estuviera allí, deambulando? Porque solo leí sobre eso en unos pocos libros. Un montón de cosas las inventé porque me vinieron a la mente”.



sábado, 5 de octubre de 2024

1374.- Jungleland - Bruce Springsteen

Jungleland, Bruce Springsteen



     Born To Run fue el tercer álbum de estudio publicado por Bruce Springsteen. Coproducido por Springsteen junto a su mánager Mike Appel y el productor Jon Landau, fue lanzado el 25 de agosto de 1975 por Columbia Records y su grabación tuvo lugar en Nueva York. El álbum marcó el esfuerzo de Springsteen por abrirse paso en las listas de ventas tras los fracasos comerciales de sus dos primeros álbumes. El Boss buscó emular la producción Wall of Sound (Muro de Sonido) de Phil Spector, lo que le llevó a sesiones prolongadas con la E Street Band que duraron desde enero de 1974 hasta julio de 1975. Sirva como ejemplo que solo en la canción principal dedicaron seis meses de trabajo. 

Jungleland es la canción de cierre de Born to Run.  Con más de nueve minutos de duración, contiene uno de los solos más reconocibles del saxofonista de la E Street Band, Clarence Clemons . También cuenta con la participación de Suki Lahav , que participó brevemente en la E Street Band , quien interpreta la delicada introducción de violín de 23 notas de la canción, acompañada por Roy Bittan al piano en la apertura. La canción tiene lugar en el lugar del título, donde una reunión entre miembros de una pandilla a la medianoche es interrumpida por la policía. Con una atmósfera oscura, la canción se centra en un miembro de una pandilla de Nueva Jersey conocido como Magic Rat, que escapa de la policía en Harlem con su pareja, a la que se hace referencia como la "chica descalza". Hacia el final, la relación de Rat y la chica se ha roto; ella lo abandona y él es asesinado en las calles.  Rat ha sido asesinado a tiros por su "propio sueño", dejando entrever que  "el sueño americano fugitivo nos matará al final, y el sueño de escapar es solo otra versión que nos atrapa". Después de su desaparición, la destrucción continúa por las calles hasta que quedan en completa devastación.

Jungleland no se completó hasta 19 meses después de su primera toma de ensayo el 8 de enero de 1974, en 914 Sound Studios , Blauvelt , Nueva York . Fue el 12 de julio de 1974, en The Bottom Line , Nueva York , cuando Springsteen finalmente decidió debutarla en vivo. La E Street Band se reunió en 914 Sound Studios el 1 de agosto de 1974, fue para grabar lo que sería una pista básica utilizable para Jungleland. En los meses siguientes, Jungleland se tocó en vivo con regularidad, perdiendo sus influencias de jazz, agregando el violín de Suki a la introducción y Springsteen haciendo muchas modificaciones líricas. En Born to Run , su autobiografía de 2016, Springsteen llegó a describir la canción como "La pieza culminante del álbum, la épica "Jungleland" de 9:23. Aquí un preludio de violín da paso al piano y al relato elegíaco del renegado Magic Rat y la niña descalza... A partir de ahí, todo es noche, la ciudad y el campo de batalla espiritual de 'Jungleland' mientras la banda se abre camino a través de movimiento musical tras movimiento musical. Luego, el mejor momento grabado de Clarence. Ese solo. Un último reflujo musical, y . . . "Los poetas aquí abajo no escriben nada en absoluto, simplemente se quedan atrás y dejan que todo sea . . . ", el lamento de cuchillo en la espalda de mi outro vocal, el último sonido que escuchas, lo termina todo en una gloria operística sangrienta. Al final del disco, nuestros amantes de "Thunder Road" han visto su optimismo, ganado con tanto esfuerzo, puesto a prueba en las calles de mi ciudad negra"


viernes, 4 de octubre de 2024

1373.- Born to Run - Bruce Springsteen

 



"Born to Run" (Nacidos para correr) es la obra maestra que dio título al tercer disco de estudio de Bruce Springsteen, una canción icónica y emblemática tanto por la letra de Springsteen como por la interpretación del Boss junto a su inseparable E Street Band. Todo comenzó un día cualquiera de 1974, mientras Springsteen se encontraba en su casa de Long Branch, Nueva Jersey.

Sentado al borde de la cama, se puso a rasgar su guitarra acústica en busca de ideas para nuevas canciones, y le vino a la cabeza la frase "Nacidos para correr". No tenía claro si era una frase original, un slogan de una pegatina que pudiera haber visto en un automóvil o el título de alguna road movie reciente, pero lo que sí sabía era que aquella frase encajaba como un guante con la música y la temática que le rondaban en la cabeza. 

Lo que no sabía Springsteen era que acababa de escribir un auténtico himno atemporal, y la que probablemente sea la mejor de sus canciones, lo cual es mucho decir si pensamos en la impresionante colección de clásicos que a día de hoy componen el catálogo de un compositor único e irrepetible, que consiguió hacer de una frase suelta de su imaginación, una canción que es ya de todos y cada uno de nosotros, porque cada vez que sentimos que las cosas no están yendo bien, es gratificante saber que podemos cerrar los ojos y cantar a voz en grito: "Vagabundos como nosotros, cariño, nacimos para correr", con la esperanza de que un mundo de nuevas oportunidades nos esté esperando al final de nuestra huida.

Disco de la semana 398: Tragic Kingdom - No Doubt

Disco de la semana 387: Tragic Kingdom - No Doubt

Tragic Kingdom es el tercer álbum de estudio de la banda estadounidense No Doubt, lanzado el 10 de octubre de 1995 bajo el sello discográfico Interscope Records. Este álbum fue un gran éxito y es considerado el trabajo que llevó a No Doubt a la fama internacional, especialmente gracias a su combinación de ska, rock y pop.

Aquí te dejo algunos detalles clave sobre el álbum:

1. Producción y grabación:

El álbum fue producido principalmente por Matthew Wilder, con la colaboración de otros productores como Paul Palmer.

La grabación del álbum se extendió desde 1993 hasta 1995.

La banda pasó por momentos difíciles durante el proceso, ya que Gwen Stefani (vocalista) y Tony Kanal (bajista) terminaron su relación amorosa, lo que influyó en algunas de las letras.

2. Estilo musical:

Tragic Kingdom se destaca por ser un álbum ecléctico, con influencias de ska punk, new wave, rock alternativo, y pop rock.

No Doubt mezcló el estilo ska (con raíces en la música jamaicana) con un sonido más accesible para el público masivo, lo que ayudó a que el álbum se convirtiera en un éxito comercial.

3. Éxitos y sencillos principales:

El álbum tuvo varios sencillos exitosos, entre los cuales se destacan:

“Just a Girl”: Este fue uno de los primeros sencillos y le dio a Gwen Stefani reconocimiento como una de las pocas mujeres en el movimiento ska punk.

“Don’t Speak”: La balada más exitosa de la banda, que habla sobre la ruptura amorosa entre Gwen y Tony. Esta canción encabezó las listas en varios países y fue uno de los mayores éxitos de la década de los 90.

“Spiderwebs”: Otro sencillo que ayudó a consolidar el éxito de No Doubt. Es un tema animado con letras sobre relaciones problemáticas.

4. Recepción y éxito comercial:

Tragic Kingdom vendió más de 16 millones de copias en todo el mundo y fue certificado diamante en los Estados Unidos.

El álbum recibió en general críticas positivas, destacándose por la originalidad de su sonido y la energía de la banda.

Fue nominado a un Premio Grammy en 1997 en la categoría de Mejor Álbum de Rock.

5. Portada del álbum:

La portada del álbum muestra a Gwen Stefani sosteniendo una fruta de "tragic kingdom" (en español, reino trágico), en lo que parece ser un paisaje de un parque de diversiones en ruinas. Esto también es una referencia al parque temático Disneyland, que se encuentra en Anaheim, California, ciudad natal de la banda.

6. Impacto cultural:

Tragic Kingdom fue un álbum clave en el auge del ska punk de los 90 y ayudó a establecer a No Doubt como una de las bandas más importantes de la época.

Gwen Stefani se convirtió en un ícono de la moda y en una figura influyente en la música, en parte gracias al éxito de este álbum.

Lista de canciones más relevantes:

1. Spiderwebs
2. Excuse Me Mr.
3. Just a Girl
4. Happy Now?
5. Different People
6. Don't Speak
7. Hey You
8. The Climb
9. Sixteen
10. Tragic Kingdom

Tragic Kingdom sigue siendo uno de los álbumes más influyentes de los 90 y marcó un antes y un después tanto en la carrera de No Doubt como en la música de la época.

Daniel 
Instagram storyboy 


jueves, 3 de octubre de 2024

1372.- Thunder Road - Bruce Springsteen



"Thunder Road" ("Carretera del trueno")incluida en el tercer álbum de estudio de Bruce Springsteen ("Born to Run", 1975), está considerada una de las mejores canciones de su discografía, y sigue siendo uno de los temas imprescindibles en sus conciertos, en los que habitualmente alterna versiones de "Thunder Road" en formato eléctrico y con toda su banda, con sentidas revisiones acústicas, en las que la interpreta el solo con la guitarra y la armónica.

Originalmente, la canción llevó el título de "Wings for Wheels", en versiones primerizas que mencionaban el nombre de varias mujeres en lugar de la "Mary" que sustituyó a todas ellas en la versi´n final de estudio, a la que Springsteen cambió el título por el de la película de Robert Mitchum "Thunder Road" (1958), tras ver un cartel promocional en el vestíbulo de un cine.

Para la interpretación vocal de "Thunder Road", Springsteen se inspiró en la particular manera de cantar de Roy Orbison, al que homenajea y menciona en la letra en la frase "As the radio plays Roy Orbison singing for the lonely..." ("mientras en la radio suena Roy Orbison cantando para los solitarios..."), en mitad de sus habituales referencias a personajes fracasados huyendo en busca de un futuro mejor ("es una ciudad llena de de perdedores, y me estoy marchando para lograr ganar").

miércoles, 2 de octubre de 2024

1371.- Tenth Avenue Freeze-Out - Bruce Springsteen

“Tenth Avenue Freeze-Out” ha cobrado vida propia a lo largo de los años, transformándose y creciendo para seguir el ritmo del propio mito. En distintos momentos y en distintas épocas, es una celebración, un llanto o una redención, pero en su origen, era un pavoneo arrogante, casi fanfarrón. Entró en escena como la segunda canción de Born to Run, inmediatamente después de lo que podría decirse que es el mayor logro de composición de Bruce, como si supiera lo magistral y duradera que resultaría esa canción, cuando se desvanece la famosa coda de "Thunder Road", lo siguiente que escuchamos es un heraldo de trompetas que anuncia la llegada del futuro del rock and roll. ¡Redoble de tambores, por favor! “Tenth Avenue Freeze-Out” fue la última canción escrita y grabada para Born to Run, en ese punto de la historia, Bruce estaba absolutamente entre la espada y la pared, después de dos álbumes fallidos en su carrera discográfica, sabía que su tercer álbum sería el éxito o el fracaso final y no estaba dispuesto a rendirse sin luchar.


La “Décima Avenida” recorre el lado oeste de Manhattan, atraviesa Hell's Kitchen y llega hasta West Village, donde Bruce solía tocar, era una calle peligrosa en aquel entonces y le dio a Bruce una metáfora adecuada para sus precarias circunstancias profesionales. A menudo se considera que “Tenth Avenue Freeze-Out” es la historia de Bruce y Clarence, y esa interpretación tiene cierto peso, pero la canción es más que eso: es la historia de la E Street Band y de cómo Bruce descubrió el poder de la fraternidad, hace más que simplemente celebrar la incorporación de Clarence a la banda: también anuncia la llegada de Steve Van Zandt que fue contratado cuando rompió un atasco que bloqueaba la finalización de “Tenth Avenue”. Randy y Michael Brecker habían sido contratados para proporcionar las partes de viento en la canción, pero Bruce no pudo articular lo que tenía en mente, Steve, ya un viejo amigo de Bruce, estaba pasando el rato en el estudio ese día y tuvo una visión cristalina para el arreglo de viento de la canción, se lo enseñó en ese momento y lo que se escucha en la versión final de la canción es, según se informa, exactamente lo que tocaron ese día. Bruce lo contrató como guitarrista para la E Street Band poco después. Bruce, Steve y la banda terminaron de grabar la canción el 16 de mayo de 1975, apenas dos meses después, la estrenaron en el escenario en el concierto inaugural del Born to Run Tour, también fue la presentación debut de Steve con la banda, y su voz es prominente, ayudando ya a consolidar el nuevo sonido de la banda. En diciembre, la canción se lanzó como sencillo, pero apenas llegó al Hot 100 y solo estuvo en la lista durante tres semanas. Sin embargo, rápidamente se convirtió en una de las favoritas de los fans en los conciertos.


Bruce ha reorganizado y reinterpretado “Tenth Avenue Freeze-Out”, pero en general, se mantuvo fiel a su estilo original y dinámico. Ha sido un pilar de cada gira y, con frecuencia, un escaparate para los artistas invitados Miami Horns. Durante la década de pausa de la E Street Band, “Tenth Avenue” desapareció en gran parte de los conciertos. Cuando volvió a aparecer, tenía un peso extra, en los dos shows acústicos en solitario de Bruce en 1990, la canción sonaba triste, sin nadie presente para recordarle que debía tomarse una foto, parecía que Bruce había olvidado la lección que lo llevó a escribir la canción. Pero la próxima vez que salió a la luz, lo recordó: en un espectáculo benéfico especial en 1993, Bruce estuvo acompañado por dos invitados sorpresa, y el trío celebrado por la canción se reunió. Esa noche, ese momento, fue una poderosa liberación emocional, y Bruce se dio cuenta de ello, cuando la E Street Band se reunió oficialmente en 1999, “Tenth Avenue Freeze-Out” se convirtió en la pieza central emocional del espectáculo, creciendo en duración, poder y significado a lo largo de la gira, y marcando el comienzo de la era moderna de la E Street Band. Bruce le dio a la canción espacio para respirar y permitió que los fanáticos celebraran a cada miembro de la banda individualmente. La ruptura en la canción finalmente se curó, tal como lo hace un corazón roto, pero “Tenth Avenue Freeze-Out” permaneció y probablemente siempre será un ritual nocturno de E Street, un tributo comunitario y una celebración del grupo.


Canciones escondidas: Garden - Nicolas Jaar (2020)


Nicolás Jaar encabeza los festivales, sus álbumes siempre aparecen en las listas de los mejores del año en las revistas especialistas, ganó la Palma de Oro en Cannes 2015 por su banda sonora para Dheepan. ¿Cómo lo ha conseguido? La música de Jaar tiene un toque humano, una solidez, de la que carecen muchos de sus colegas, es rara pero nunca suena fabricada o robótica, no se trata de golpes y sacudidas, los instrumentos de cuerda y de viento son tan esenciales para él como los sintetizadores, su voz, cantada alternativamente en español e inglés, juega un papel central en su música, haciéndola accesible a los oyentes fuera del mundo de la IDM/electrónica. La discografía del productor chileno, desde su material en solitario hasta su trabajo con Darkside, y hasta su reciente producción en clubs como Against All Logic, es un diluvio de melancolía y tristeza, Jaar siempre ha pintado con pinceladas oscuras, estos "fragmentos negativos" que se abren paso a través de todo lo que ha hecho. Sería una gran tarea deshacerse de ellos por completo.

Hoy nos detenemos en su trabajo de 2020, puede no ser más duro que los discos anteriores de Jaar, pero sí es más profundo, es un disco sombrío y turbio, más para viajes en automóvil a altas horas de la noche que para escucharlo en un club, estamos ante un trabajo menos inmediato, menos contundente que álbumes como Sirens y Space Is Only Noise, no hay éxitos de pista de baile, solo dos temas son lo que estan impulsados por ese ritmo: "Mud" y "Faith Made of Silk" (y esos dos no son lo que llamaríamos "clubby"). El título del álbum es “Cenizas", en español, un álbum que prefiere flotar en el borde de las cosas, mareado y ambiental, balanceándonos sobre un abismo, pero nunca dejándonos caer en él. Hay una canción llamada "Rubble”, donde, encima de un solo de saxo, escuchamos el sonido de escombros reales cayendo, hay otra titulada "Mud”, donde Jaar canta, "And no one could hear / The cry from the ground", seguido de una triple repetición de "There's something in the mud". Su canto, aquí, tiene una calidad sumergida, como si su voz estuviera luchando por salir de debajo de la instrumentación, o bajo tierra, este fenómeno surge a menudo en Cenizas y hace que la escucha sea más moderada que la mayoría de su música reciente. Jaar dice que ve este álbum como una muestra de la oscuridad para luego “mostrar un camino para salir de ella”, en otras palabras, su objetivo es enfrentarse a sus fragmentos negativos (depresión, tristeza, melancolía, decadencia) para destruirlos, la música es un grito de batalla para estar completamente presente con las emociones negativas, para finalmente comenzar a superarlas. Tomemos, por ejemplo, el escalofriante tema de apertura, "Vanish”, aquí, Jaar abre el disco con dos minutos de un órgano de tubos gótico y siniestro, seguido de una armonía vocal inquietante en la que Jaar canta "Say you're coming back" una y otra vez. O "Agosto”, donde siniestras flautas de caña tocan sobre un piano entrecortado que parece demasiado nervioso para saber qué hacer consigo mismo. En "Xerox”, Jaar canta en un barítono sin palabras y siniestro entre dulcémeles, piano y gaitas distantes, es una canción que recuerda a Swans de principios de la década de 2010 más que cualquier otra en el catálogo anterior de Jaar.

Me voy a quedar con Garden, posiblemente este es el tema ideal para esas personas que no conocen a Jaar o que no tienen mucho conocimiento de la música electrónica, puede ser un lugar donde empezar y desde ese “Jardin” continuar el paseo. Esta tiene que ser la pieza más bonita que Jaar haya escrito jamás, toda la pista está impulsada por una simple secuencia de piano de nueve notas que se repite una y otra vez, pero cada vez, la secuencia se empapa un poco más de reverberación que la anterior. Es aquí donde el enigma de Cenizas y los pensamientos sobre el futuro pueden suavizarse, a medida que la sublimidad del momento presente se precipita a través de la repetición de la delicada armonía. Tambien hay una abrumadora sensación de tranquilidad, una melodía bien educada que más o menos permanece sin acompañamiento durante cinco minutos donde nos da tiempo para dar un paso atrás y rastrear nuestros pensamientos. "Garden" es suave, como el sol de verano, es quizás la pieza más minimalista que Jaar haya escrito, un movimiento brillante donde el efecto es que la pista parece difuminarse, distorsionarse, a medida que avanza, no necesita golpes fuertes de cuatro por cuatro, el minimalismo es su fuerza.


martes, 1 de octubre de 2024

1370.- Franklin's Tower - Grateful Dead

 

Franklin's Tower, Grateful Dead


     Grateful Dead fueron una banda de rock muy ecléctica, con influencias del blues, el rock, el folk, el jazz, el gospel, el reggae o el country. También tenían toques psicodélicos surgidos en esa época. Su estilo improvisado, sus actuaciones psicodélicas y sus jams protagonizadas por sus guitarras son parte de su clave del éxito. Son considerados uno de los principales precursores de las jam bands y son un referente dentro del universo de la contracultura. Se hicieron famosos por su inusual nombre, el número inicial de integrantes del grupo, la duración de sus conciertos y el contenido de sus grabaciones en vivo. Promovían un ambiente amistoso en sus conciertos, animando a su público a grabar sus actuaciones e intercambiar bootlegs. Muy cercanos a sus fans, fueron conocidos con el sobrenombre de "Deadheads". Se dice que el sonido distintivo del grupo podría haber sido producto del uso y consumo descarado de sustancias ilegales.  

Franklin's Tower fue lanzada por Grateful Dead en su álbum de 1975 Blues for Allah, el octavo de estudio. Fue lanzado el 1 de septiembre de 1975 y fue el tercer álbum de la banda lanzado a través de su propio sello Grateful Dead Records. El álbum fue grabado entre febrero y mayo de 1975 durante una pausa prolongada de las giras. Se grabó en el estudio casero del guitarrista rítmico y vocalista Bob Weir, y la música del álbum muestra aún más la influencia del jazz fusión que se mostró en los dos discos anteriores de la banda. Al mismo tiempo, contiene un sonido más experimental influenciado por las escalas y estilos musicales de Medio Oriente.

El título de la canción, Franklin's Tower, puede ser una astuta referencia a la Gran Pirámide. De hecho, el letrista Robert Hunter, Jerry García y Bill Kreutzmann idearon esta canción lúdica y arquetípica que resultó popular entre los Deadheads que seguían a los Grateful Dead a todas partes. cuenta la leyenda que la canción recibió su nombre porque, mientras la banda estaba en Egipto; un extraño solitario llamado Jimmy solía sentarse a su lado durante las sesiones de grabación de la canción. Con el tiempo, esta letra se convirtió en Franklin's Tower. La banda la tocó por primera vez en vivo el 26 de febrero de 1975 en la Universidad de Stanford. La banda la tocó 184 veces a lo largo de 15 años. Franklin's Tower es sin duda uno de los números más citados y celebrados de Grateful Dead. El riff principal de la canción se inspiró en parte en el coro del éxito de Lou Reed de 1973 Walk on the Wild Side.

lunes, 30 de septiembre de 2024

Sleepwalker - The Kinks #mesTheKinks



Cerramos el #mesTheKinks con su decimosexto álbum de estudio, "Sleepwalker" (1977), que si bien no es una de las obras maestras de su discografía, si que es un disco interesante por marcar un regreso a las canciones de rock directas con las que comenzaron su carrera, y a una estructura estándar de banda de cuatro miembros, sin el aderezo de coristas o secciones de metales. Este radical regreso a los orígenes incluyó también el abandono de las historias conceptuales y las estructuras teatrales de sus discos anteriores, que les había proporcionado tan buenas críticas como paupérrimos réditos comerciales. En su lugar, se lanzaron a un efectivo "rock de estadios", más convencional y comercial, con el que rellenar un poco las maltrechas arcas del grupo.

"Sleepwalker" es también el primer álbum publicado con la discográfica Arista, y el último álbum de The Kinks con el bajista John Dalton, quien dejó la banda durante las sesiones de grabación, cansado de la ajetreada vida del grupo y queriendo dedicar más tiempo a su familia, pero su bajo está aún presente en todas las canciones del álbum salvo en "Mr. Big Man", el último de los más de veinte temas que se llegaron a grabar para el disco entre mayo y diciembre de 1976. De todos ellos, solo nueve terminaron dando forma definitiva a "Sleepwalker".

Entre las primeras canciones que se grabaron estaba "Life on the Road", canción de arranque melancólico y posterior desarrollo en clave de rock de ritmo desenfadado y pegadizo con el que da comienzo "Sleepwalker". Le sigue la ya mencionada "Mr. Big Man", tema de rock más oscuro e introspectivo en el que Andy Pyle sustituye al por entonces ya ausente John Dalton, en una de las piezas musicales más acertadas del disco. Sin tiempo para la pausa, llega el turno de "Sleepwalker", la canción que da título al disco, y una de las más alegres y pegadizas. Con riffs y solos efectivos, es otro de los momentos más comerciales y directos del álbum. Publicada como single, alcanzó el puesto 48 del Billboard Hot 100 estadounidense, entrando en esa privilegiada lista por primera vez desde que lo hicieran con el single de "Apeman" en 1970. 

Otra de las primeras canciones en ser grabadas para el disco fue "Brother", la balada con la que cierra la primera cara de "Sleepwalker", un tema que se llegó a plantear como single, pero acabaron descartando esa idea por tener cierto parecido con el "Bridge over Troubled Water" de Simon and Garfunkel. Sí que salió publicado como single el siguiente tema del disco, "Juke Box Music", una animada canción al más puro estilo Elton John, que no logró entrar en el Billboard Hot 100. Es el tema más animado de una cara B más melódica y menos impactante, con temas correctos como "Sleepless Night" (en la que la voz y la música recuerdan al Paul McCartney de los tiempos de Wings), la balada taciturna Stormy Sky, el tema de aire country rock "Full Moon" (publicado como cara B en el single de "Sleepwalker") o el melódico cierre de disco que es "Life Goes On", un tema en el que los hermanos Davies nos dicen en tono positivo que hay que mirar hacia adelante y que "la vida continúa".

No deja de ser una verdad como un templo, pero habría sido más fácil que la vida siguiera su curso sin el sentimiento de nostalgia de los Kinks de "Lola vs Powerman", "Arthur" o "The Kinks are the Soul Preservation Society" que nos deja la escucha de un disco como "Sleepwalker". Pero "La vida continúa", y en 7días7notas lo haremos dedicando el mes de octubre a los mejores discos de Joe Satriani, genial guitarrista que seguro nos saca de la nostalgia por el final del verano y por aquellos gloriosos Kinks de antaño.

1369.- Mi querida España - Cecilia

 

Evangelina Sobredo Galanes, más conocida como Cecilia Evangelina Sobredo Galanes nació en El Pardo el 11 de octubre de 1948. Como una de los ocho hijos del militar y diplomático gallego José Ramón Sobredo y Rioboo y María Dolores Galanes, tuvo una infancia itinerante y una educación cosmopolita. Por ello sus primeras letras como cantautora fueron en idioma extranjero, aunque finalmente se decantó por el español. De regreso a España, comenzó y abandonó los estudios de Derecho, decidiendo dedicarse por completo a la música, y a componer sus propias letras. Éstas poseen una calidad poética y literaria excelente, muy por encima de lo habitual en su tiempo, y se adscriben a corrientes existencialistas y a la canción de protesta feminista. Su tercer álbum, Un ramito de violetas, publicado en 1975, fue el mayor éxito de su corta y fulminante carrera. La canción que da nombre al disco fue la que tuvo más éxito del LP y por la que se suele recordar a Cecilia, quizá injustamente, ya que muchos de sus otros éxitos son también notables. Según su hermana Teresa, antes de ser canción fue un cuento. Junto a esta pieza destacan canciones como "Mi querida España", "Decir adiós" o "Sevilla". Es destacable que la portada y funda interior fue un trabajo de la propia Cecilia. La portada fue una pintura de la autora, así como cada canción, que recibió una ilustración procedente de sus pinturas, de estilo naïf.

“Mi querida España, esta España viva, esta España muerta. De tu santa siesta ahora te despiertan versos de poetas”. Calificada como una de las canciones básicas de la historia musical de España de la década de 1970 e incluso icono de la música del país, se trata de una crítica soterrada a la situación socio-política de la España del momento, en las postrimerías de la dictadura franquista. Es la letra de los primeros versos de la canción que Cecilia popularizó en 1975, meses antes de la muerte del General Franco. Esa “España muerta” jamás fue así cantada en su día, pues la censura del régimen decidió cambiar la letra para que el nombre de la patria apareciese acompañado de adjetivos posesivos mucho más amables. “Esa España mía, esa España nuestra” tardó 35 años en devolverle a la canción de Cecilia su significado original, pues no fue hasta 2011, con la publicación del álbum ‘Cecilia inédita en concierto (Ramalama)’, que descubrimos que para la cantautora madrileña aquel país dirigido por un dictador sanguinario de salud seriamente deteriorada era un estado tan vivo como muerto, a punto de despertar de un largo letargo democrático de casi 40 años. Hoy ese tipo de música ya no se hace, los cantantes de este momento buscan el ruido, la cosa pegadiza e incluso en muchas ocasiones, chabacana y exhibicionista para mover a los jóvenes tras miles de decibelios, luces aparatosas, atuendos estrafalarios o presentándose en formas y modos poco respetuosas con lo que debe ser el respeto al sexo, la transexualidad, homosexualidad o la libertad religiosa. A aquello le llamábamos arte y con razón, y a esto se le llama hacer ruido y montar el pollo, aunque no haya motivo para ello.

La carrera artística de Cecilia fue corta, pero consiguió gran popularidad con canciones como "Un ramito de violetas", "Mi querida España" o "Dama, dama",o Amor de medianoche" que lograron ser un éxito en España en la década de los setenta. Cecilia es parte de la mejor historia de la música española. Su sensibilidad, su rebeldía, su dulce protesta feminista y sus composiciones inolvidables la convierten seguramente en la más grande cantautora que ha dado nuestro país. La universalidad de sus músicas y de sus letras se pone de manifiesto cuando vemos que artistas tan dispares como Manzanita, Mocedades, Julio Iglesias, Fangoria, Rocío Durcal, Manolo Tena, Le Mans, Rosario Flores y un largo etcétera han grabado sus composiciones