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viernes, 10 de marzo de 2023

El disco de la semana 318: Selected Ambient Works 85-92 - Aphex Twin

 



“Música de ritmo para una cosmópolis vacía en invierno”. Lo primero que tenemos que tener en cuenta es que Selected es una palabra crucial aquí. Si esperas poder reproducir este disco de adelante hacia atrás y hacer que fluya y fluya como si fuera un álbum en forma de LP de rock olvídalo. Lo primero que sentirás es que las primeras pistas en bucle se sentirán demasiado largas y simples otras de ellas son realmente demasiado pequeños. Navega por los temas que te gustan en ese momento o deja que funcione como ambiente, porque la palabra 'ambient' es igualmente crucial. No se equivoque: los ritmos de batería y las diferentes texturas de percusión son las únicas cosas que podrían oscurecer el estado de esta música como fondo ambiental/sueño/cualquier otra cosa para la que use su música ambiental. No sé bien donde empezó la música electrónica, ¿son cosas de los 70? ¿Podría ser el material atmosférico de Tangerine Dream, las diversas aventuras de Kraftwerk, incluso el Synth-Pop temprano? La década de los 80 realmente puso el pie en el suelo y decidió que la electrónica se asociaría con los clubes y cosas por el estilo, sí, pero antes de eso no había necesariamente una conexión tan innata.



Como mi primera incursión en su trabajo, esto naturalmente es un shock, como la mayoría de las personas de mi edad, solo lo conocía por dos canciones y ninguno de esos sonidos se parece en nada (el primero es una pesadilla de festival de ruido glitch con voces de nivel de metal extremo, y el segundo es un conjunto de funk electrónico espeluznante).  Lo más difícil para mí es tratar de descifrar el lado revolucionario que aparentemente tiene esto, no lo pongo en duda exactamente, sino por mi escasa experiencia con la electrónica. Viendo las fechas que tiene el titulo nos situamos cuando la música House explotaba en todo el mundo, aunque en la Gran Bretaña natal de Jame, esto significaba Acid House en particular, cuyos rastros emergen en varios puntos. Entonces, ¿qué hace que James sea especial? ¿Importa siquiera? Francamente, mi falta de conocimiento y experiencia en el género significa que probablemente soy incapaz de responder a la primera y no estoy seguro de que realmente importe. Si algo es realmente "especial" aquí es que este tipo de canciones realmente se están esculpiendo en pedazos, y que de hecho se pueden escuchar en muchos contextos. Dejando a un lado la importancia histórica de este disco para la(s) escena(s) house/rave/acid, (cómo reinició la música house hacia una etérea extramundanidad que podría funcionar de igual manera en el salón de tu casa como en la pista de baile) os confieso que simplemente nunca escuché cualquier disco de house o 'IDM' que reúna la atmósfera que hace este. Una vez más, es música urbana fría y nocturna, que evoca la sensación de deambular por una ciudad donde no hay nadie en las calles y, sin embargo, de vez en cuando se ilumina todo un piso de un rascacielos. Es música madura y de su época en muchos sentidos, que toma el punto contemporáneo y retrocede a las viejas formas sin retroceder a los viejos sonidos, y en marcado contraste con los Depeche Modes del mundo, esto no es absolutamente en ningún sentido material nacido de un formato pop o rock. Pero dejando todo eso a un lado, cuando la música comienza a sonar verdaderamente como un pequeño y maravilloso mundo sonoro esculpido, como pequeñas dimensiones de bolsillo, y logras distraerte en ellas durante 4 a 7 minutos más o menos, aunque esto venga en diferentes sabores, sabes que merece la pena.


Deteniéndonos en el disco creo que su mejor momento es cuando va en una de dos las direcciones, hay canciones aquí que tienen una neblina atractiva, por lo general algún tipo de melodía de fondo brillante que se transmite mientras que elementos más rítmicos aparecen en la parte delantera. Temas como Ixtal, Tha, Pulsewidth y Heliosphan. Estos son probablemente el sonido "principal", informando al front-end y definiendo la mayor parte del back-end, aquí está la batalla principal del disco. Cuando este sonido funciona, hace maravillas, formando el alma de la experiencia, la vibración hipnótica de ensueño, pero con la cabeza asintiendo de las cosas se construye en la parte posterior de esto. Hay un tipo de sonido más raro aquí que, sinceramente, solo aparece dos veces, con Green Calx y Hedphelym. el sonido empieza a girar hacia un lugar menos utópico, aunque no menos onírico, aquí los sueños dejan de brillar... o tal vez lo hagan, pero en el sentido de una luz negra. Esta es esa dimensión más oscura y extraña, la parte que recuerda que es la música de la noche. De ninguna manera estas pistas dan miedo o lo que sea, pero son bastante interesantes. 


El disco empieza con el fantástico Xtal, inmediatamente, las reverberaciones del tamaño de un almacén que impregnan este disco congelarán al oyente hasta los huesos antes de que lo arrullen con una hermosa línea de sintetizador, voces femeninas frígidas y ritmos de batería. Me encanta la progresión de este track e incluso los acordes barrocos que asoman en el fondo del corte. Las cosas se ponen un poco más tensas en Tha , que tiene este patrón de batería rígido que bordea la pista, sin romperse nunca. Nuevamente, creo que 'frío' es un buen descriptor aquí, aunque las voces enterradas en húmedo son más cálidas, ya que le dan a la pista algo de textura. Pulsowith muestra la influencia estaba tomando en la música Acid House con su estilo extremadamente divertido y bailable, otra canción en la que la progresión de la estructura es realmente agradable. A continuación tenemos Ageispolis , que me ha gustado bastante. me encanta el ambiente funky y cómo se mezcla con los drones del cielo y los sonidos del mar. “¡” es más un interludio que cualquier otra cosa, suena celestial, pero también creo que es completamente innecesario. Green Calx es probablemente uno de los cortes más abrasivos pero bailables y con más influencia ácid, así como el sonido metálico, creo que los golpes de batería de estilo techno se vuelven un poco tontos ahora en 2022. Si hay alguna pista de este disco que puede ser como una droga de entrada, es Heliosphan, esta canción es a la vez accesible y épica, me encantan los ritmos de batería breakbeat en este corte, así como los sintetizadores y melodías similares a órganos que ascienden y descienden simultáneamente. We Are the Music Makes con la muestra vocal de Gene Wilder es pura genialidad, así como la forma en que esta pista crece a medida que avanza. Schottkey 7th Path podría funcionar como una banda sonora de terror con lo tensa que es. Ptolomeo también captará los oídos de los oyentes, ya que tiene un ritmo realmente pesado y pegadizo, aun así, hay vibraciones relajantes que esta pista también emite. Si eres un fanático de la textura, Hedphelym tiene mucho, ya que esta pista suena como si estuviera literalmente en una cueva, los efectos de reverberación son envolventes. Delphiumes es una pista que siempre me ha parecido victoriosa y optimista, es un gran penúltimo corte. Me gusta cómo las melodías y la batería aparecen y desaparecen a lo largo de la canción. Finalmente, Actium es un fantástico tema para el cierre, me encanta el ritmo, así como las claves y los cambios de ritmo

Si eres nuevo en Aphex Twin y no sabes por dónde empezar, por supuesto escucha Selected Ambient Works 85-92 primero. Es una excelente introducción al oficio de Aphex Twin y, al mismo tiempo, es una obra singular en su discografía. No hay nada más parecido. El álbum hace eco y tiene una cualidad casi borrosa, pero su ambiente y tono son fríos y celestiales. Puede haber algunos momentos aquí y allá que no creo que hayan pasado bien, o que hayan envejecido mal a lo largo de los años, pero este también es un álbum que tienes que hacerlo parte de tu colección.


sábado, 12 de noviembre de 2022

This Mortal Coil - It'll end in tears Píldora #10

This Mortal Coil es el esfuerzo colaborativo de Ivo Watts-Russell y una lista de superestrellas post-punk de los 80, Ivo es conocido por cofundar el sello discográfico británico 4AD, que ha sido el hogar de artistas como Bauhaus, Dead Can Dance, Cocteau Twins o Pixies. It'll End In Tears es una colección inquietante de ambient, dream pop, devastadores paisajes sonoros industriales y evocadores arreglos a cappella. Cada canción adopta un enfoque ligeramente diferente para crear el mismo estado de ánimo y creo ese es uno de los aspectos más notables del álbum. “Kangaroo” es una composición de Alex Chilton, cantante de Big Star, grupo norteamericano de cierto éxito a principios de los años setenta, la interpretación corre a cargo de Gordon Sharp acompañado por Simon Raymonde aunque la presencia del violonchelo de Martin McCarrick es muy notable. La canción estrella tiene como protagonista a Elizabeth Fraser, de Cocteau Twins, proporciona su gran voz para la impecable versión de "Song to the Siren" de Tim Buckley, Fraser interpreta con absoluta maestría una canción extraordinaria que ha conocido muchas versiones sin que ninguna haya conseguido acercarse a ésta, llena de sensibilidad y elegancia Destaca la conmovedora interpretación al piano de Howard Devoto de "Holocaust" de Alex Chilton, y la sensación inquietante de Watts-Russell, los espeluznantes ruidos industriales de Fryer en "Fyt", o la deslumbrante aventura de olas etéreas en "Dreams Made Flesh", de Lisa Gerrard de Dead Can Dance. El álbum sigue explorando sonidos de ensueño, a la deriva, ambientales e inquietantes, en una aventura bastante inspiradora con pistas como “Another Day” o “Waves Become Wings” otras grandes canciones que disfrutar.


 “It´ll End In Tears” destila sabiduría, nos habla de la vida y de sus imprevisibles condicionantes, y de personas que se encuentran atados a circunstancias y situaciones no deseadas. Cualquier alma sensible, encuentra en la audición de estas canciones esa complicidad existencial tan deseada por las personas solitariasAdemás suena muy fresco a pesar de que este álbum salió en 1984, consigue ser  tremendamente tranquilo, etéreo y, a veces, hermoso o incluso fascinante, algunas pistas como "Fond Affections" y "Kangaroo" pueden ser demasiado relajantes o minimalistas, pero sin ellas el álbum podría ser bastante monótono.

viernes, 23 de julio de 2021

El disco de la semana 235: Cocteau Twins - Treasure

 

Estamos ante un álbum que en sí mismo no es solo un tesoro para el oyente, sino también el modelo para todo el dream pop, un álbum que sienta las bases con voces operísticas inquietantes y guitarras etéreas y arrolladoras. La carrera de Cocteau Twins abarcó la década de los 80, una década que comenzó con el post-punk y terminó con el nacimiento del shoegaze, un género que, en ese momento, sonaba revolucionario. Cocteau Twins sirvió de puente entre los dos géneros. Hasta entonces, el guitarrista Robin Guthrie y la vocalista Elizabeth Fraser ya lograron crear una fórmula muy personal, hecha de voces etéreas y guitarras soñadoras y sobreefectivas para crear paisajes sonoros psicodélicos y de otro mundo. Sin embargo, el dúo todavía debía mucho a las tendencias del darkwave y el post-punk (Siouxsie y las Banshees sobre todo). La incorporación del bajista Simon Raymonde a la formación en 1984, así como el éxito de sus sencillos más suaves en las listas independientes (“Pearly Dewdrops-Drop”), llevaron el sonido de Cocteau Twins a territorios aún más experimentales. 


“Treasure” se caracteriza por un enfoque más abstracto y lírico, creando una atmósfera atemporal y mística con elegantes elecciones de textura, alejándose significativamente de las raíces post-punk de su debut, las guitarras ahora están teñidas de distorsión, las voces angelicales y de otro mundo, y la batería monolítica, en este álbum Cocteau Twins encontró su propio estilo, empezando porque Elizabeth Frazer apenas canta letras coherentes, mientras las palabras, frases y sonidos mezclados brotan de su boca en un estilo operístico, suena en parte como un ángel y en parte como un extraterrestre, siendo pionera en la técnica de shoegaze de usar la voz como otro instrumento y en el caso de este album, la voz podría ser el más importante de los instrumentos. Beth derrama todas sus emociones mientras canta, y junto con los instrumentos oscuros, Cocteau Twins te lleva a diez paisajes oníricos únicos a lo largo del álbum. Cada canción, apodada con un nombre arcaico y místico, es el alma de una diosa diferente. 

El álbum se abre con dos de las canciones más hermosas de los Twins, Ivo recuerdan más las raíces mas oscuras del grupo, con un enfoque más rítmico y un estado de ánimo sombrío e inquietante creado por guitarras fantasmales y voces hipnóticas, el poderío de la voz de Elisabeth se hace notar desde el principio. Lorelei se abre con Beth cantando con una voz casi en falsete, la línea de guitarra repetitiva hipnótica y un golpe de teclado simple y escaso, que se construyen para crear una de las melodías de dream pop más fascinante y contagiosa de todos los tiempos, logrando sumergirnos en un cuento de hadas. Con Beatrix adquiere una atmósfera casi medieval, aunque más tenue y suave en comparación con las otras pistas, puede parecer un poco lenta durante los primeros dos minutos, pero me encanta la interacción del bajo y las líneas principales de sintetizador a lo largo de la pista. Las guitarras post-punk crean tensión cuando la voz de Beth raya en el estridente en el conflictivo Persephone. La pista que suena más celestial del álbum es Pandora (For Cindy), las guitarras aireadas se mezclan con la voz ahora relajante de Beth y permiten que el oyente se sumerja en una euforia de ensueño, anticipa el pop maduro de álbumes posteriores, con Elizabeth Fraser gorjeando libremente sobre un fondo de jazz lleno de capas de guitarra nebulosas y borrosas. La segunda mitad del álbum comienza con Amelia, que recrea la sensación algo oscura y suave que pudimos disfrutar en Beatrix, y Aloysius que se hace eco de manera similar de Pandora. Cicely continúa con la tradición de Beatrix y Amelia, pero agrega una potente línea de bajo y, a veces, un ruido de guitarra inquietante y casi disonante. Casi completamente desprovisto de percusión, Otterley sirve como una pista de ambiente inquietante, posiblemente romántico, mientras Beth susurra casi inaudiblemente sobre guitarras escasas y hermosos sonidos ambientales, una pieza ambiental nocturna y sensual que hunde suavemente al oyente con ondas reverberantes de guitarras y susurros que suenan como la llamada de una sirena desde las profundidades del océano. Treasure cierra con Donimo, una canción que mezcla la mayoría de los elementos que encontramos a lo largo del disco. Comienza con un ambiente misterioso creado por drones y teclados oscuros, con destellos repentinos de luz traídos por las melodías vocales juguetonas, casi infantiles. Luego, la banda completa entra en acción y convierte la pesadilla en una canción de cuna austera y etérea.

30 años después, Treasure todavía suena innovador y completamente único para los nuevos oyentes, lo que lo convierte en un disco atemporal e increíblemente influyente. Sin este disco, no habría bandas como Slowdive, Mazzy Star o Beach House. Treasure es una necesidad para todos los que aman no solo la innovación del dream pop de los Twins, sino también el post-punk, shoegaze, goth rock y todo lo que sea de ensueño, etéreo, hipnótico o de otro mundo. Es una parte esencial de la colección de cualquier amante de la música moderna.

domingo, 14 de octubre de 2018

El disco de la semana 3: Beach House "Depression Cherry"




Porque no solo de rock vive el hombre y ya que yo soy la parte mas ligera del poker que hacemos este blog no os enfadéis demasiado si tras ver este texto las expectativas sobre este blog han decrecido, salvo contadas pildoritas que iré soltando solo me dejan elegir disco cada 5 semanas..

Mi primera propuesta es un dúo de Baltimore (patria de personajes conflictivos y transgresores como John Waters o Frank Zappa) que se llama Beach House fundado en 2004 y compuesto por Victoria Legrand y Alex Scally. Victoria es sobrina del compositor de cine Michel Legrand, ganador de tres oscars (Yentl, Verano del 42 y El caso de Thomas Crown) pero no solo eso, si os digo que compuso la sintonia de Erase una vez... el espacio y Erase una vez... la vida, automáticamente se están reproduciendo en vuestra cabeza.... por donde íbamos... ah si, Beach House...  sus componentes, pues ella es la voz "cantante" y toca el teclado, mientras que Alex Scally se encarga de la guitarra.
La banda en estos tiempos tan rimbombantes que vivimos esta etiquetada como "Dream Pop" que es descendiente directa de lo que se llamo New Wave y que se considera al grupo Cocteau Twins como los creadores de este género.
El disco elegido es el quinto de su discográfica y sin ser de los mejores es quizás uno de los intensos y a la vez menos retorcidos de escuchar, y según palabras de los autores “Para nosotros Depression Cherry es un color, un lugar, un sentimiento, una energía… que describe el lugar al que llegas mientras te mueves por los variados e interminables viajes de la existencia”. Como novedad en este disco el grupo decidió meter una batería en vivo, realzando la percusión y dándole mas importancia.

1.- Levitation: por momentos nos recuerda a la música que se escucha en la mítica película Lost In Translation, nos sume en una melancolía agradable con los teclados reinando en la canción con una letra muy potente, comienzan con Chill en el órgano y te hace flotar

Tú y yo con nuestro largo cabello en la pared dorada
Después de la medianoche podemos sentirlo todo
Y yo iré a donde tú quieras
Deberías ver el lugar al que quiero llevarte
Y cuando el tren llegue te abrazaré
Porque me dejas maravillado
Levitando en el puente porque nos queremos
Cuando lo desconocido te rodea

2.- Sparks: Este tema fue seleccionado como el primer single que se lanzo del álbum, un comienzo con la estridente guitarra de Alex inunda la canción hasta que los teclados y la voz toman protagonismo mientras la guitarra gime en segundo plano.. se vuelve una canción muy áspera, demasiado tras el inicio del disco, pero al final de la canción con la letanía de la voz ( Hazlo, Agítalo,
Vive) y esa guitarra dominante te deja un buen sabor de boca.

3.- Space Song: Personalmente uno de los temas mas brillantes del disco, gimen las guitarras dándole mas empaque a la melancolía que marca el teclado a una voz suave y andrógena de Victoria Legrand que pone el resto, acompañada de una letra que versa sobre lo complicado que es procesar una ruptura.... "En algún lugar de esos ojos, estoy a tu lado". Tristeza, mucha tristeza desparradamada en los cinco minutos, "Suave es la noche, para un corazón roto, ¿Quién te secará los ojos cuando estos estén llorando?  y resignación... "Vosotras, chicas de ojos grandes, lo hacen bien" Es una barbaridad de canción.

4.- Beyond Love: Se ha comentado que la voz y la música consiguen meterte en trance, no quiero exagerar, pero esta canción es ideal para escucharla con los ojos cerrados desde tu casa pegada a la playa mientras las olas complementan el sonido del teclado. Se vuelve un poquito mas popera sin abandonar la mística, es otra canción de desamor. Música fúnebre.

5.- 10:37: Empieza mandando la percusión metiéndonos en una especie de canto místico, la voz de Victoria te envuelve y si te paras en la letra quien no dice que es una oración...

Dónde tu vas
Ella no proyecta sombra
Aun así sabes que esta cerca
Aquí viene ella...
Es todas las partes de todo
Estrellas en la mano de madre
Con la oscuridad,
truenos sobre ti
Ven a nosotros volando

6.- PPP: Vuelve la mística al álbum y los teclados se adueñan de la canción, mientras que al final nos espera la sorpresa de escuchar un riff surfero muy al estilo de Beach Boys. Al curioso titulo no hay que darle mas vueltas, según la propia Victoria " PPP era realmente una cosa psicodélica, y también un título de trabajo que nunca quiso dejar estaba destinado a ser el título como es". De nuevo una canción de desamor toma el álbum, una ruptura .... "No puedes seguir aferrándote, a todo lo que ha muerto y se ha ido, de haberte creado un mito a ti mismo, sabrías exactamente qué entregar ¿Mientes? Oh, que las cenizas vuelen"

7.-Wildflower: Con pausa empieza el séptimo tema, para mi uno de los mas flojos del mismo, con su frugal base rítmica exquisitamente programada, y envuelta por capas de sintetizador que no resuelven la tensión, va creciendo, no rompe en un estribillo pegadizo y se cierra de repente, convertida en un paradigma de esta vuelta a la sencillez

8.- Bluebird: Con un inicio mas movido que el resto, casi discotequero, empieza este tema y de nuevo potencia de percusión para meternos dentro y obtener un tono tribal, bellisimos coros

9.- Days of Candy: Tiene unos tres primeros minutos prodigiosos donde la voz de Victoria, junto con los coros que se apilan uno sobre otro se hace dueños de la canción y del mensaje, se ha llegado a decir que es de una de las canciones ideales para cuando te reciban en el cielo.. porque sin ir mas lejos es una canción de despedida, de muerte, de desolación.


Las palabras 
viven en tu mente
Como la arcilla, se fue
Como la arcilla, se fue
Como la arcilla

Sé que vendrás muy pronto
El universo esta viajando contigo
Lo esperó, lo siento, lo se
Un poco de ti, lo tengo cerca de mí
Sé que viene muy pronto
El universo esta viajando contigo
Sé que viene muy pronto
Se que permanecerá por la eternidad
Quiero saber si estas ahí
El universo esta viajando contigo




No quiero despedirme sin dejar mis tres temas favoritos, si no os atrevéis con el disco entero escuchar si o si estos tres temas que para mi son maravillosos.

1.- Space Song
2.- Days of Candy
3.- Levitation