1215 - Pappo's Blues - Malas compañias

1215 - Pappo's Blues - Malas compañias

Pappo's Blues un viaje sonoro a través del alma del blues argentino, con su distintivo sonido y su capacidad para capturar la esencia del blues argentino, Pappo's Blues ha dejado una huella en la escena musical latinoamericana. Liderada por el icónico guitarrista Norberto "Pappo" Napolitano, la banda se convirtió en un símbolo del rock argentino durante las décadas de 1970 y 1980, fusionando la pasión del blues con la energía del rock para crear una experiencia auditiva inolvidable.

Entre su amplio repertorio, "Malas Compañías" emerge como una joya destacada que encapsula la esencia cruda y apasionada de Pappo's Blues. Lanzada en 1972 como parte del álbum "Pappo's Blues Vol. 3", esta canción destaca por su letra introspectiva y su poderosa instrumentación, que transporta a los oyentes a un viaje emocional a través de las profundidades del alma humana.

Desde los primeros acordes de guitarra, "Malas Compañías" establece un ambiente inquietante y melancólico que sirve de telón de fondo para la voz rasposa y llena de emociones de Pappo. La letra, que aborda temas de soledad, desamor y redención, resuena con una sinceridad que trasciende las barreras del idioma y la cultura. Pappo, con su estilo inconfundible, logra transmitir una sensación de vulnerabilidad y angustia que se graba en la memoria del oyente.

La instrumentación de la canción es igualmente impresionante. La guitarra de Pappo llora y grita en cada nota, expresando una gama completa de emociones que van desde la desesperación hasta la esperanza. El ritmo sólido proporcionado por la sección rítmica añade una profundidad y una fuerza que eleva la canción a nuevas alturas, mientras que los solos de guitarra virtuosos de Pappo demuestran su dominio del instrumento y su capacidad para transmitir emociones a través de la música.

Pero lo que realmente distingue a "Malas Compañías" es su capacidad para trascender el género y conectarse con audiencias de todas las edades y orígenes. A pesar de ser una canción de blues en su núcleo, su mensaje universal y su ejecución magistral la han convertido en un clásico atemporal que sigue resonando con oyentes de todo el mundo.

La influencia de Pappo's Blues en la música argentina y latinoamericana es innegable. A lo largo de su carrera, la banda inspiró a innumerables músicos y sirvió como punto de partida para muchos en su viaje hacia la exploración del género del blues. Su legado perdura hasta el día de hoy, y canciones como "Malas Compañías" continúan siendo veneradas como ejemplos sobresalientes del poder y la belleza del blues argentino.

Pappo's Blues y su canción "Malas Compañías" son testamentos vivientes de la pasión, el talento y la autenticidad que caracterizan al mejor blues argentino. Con su habilidad para evocar emociones profundas y su capacidad para trascender las barreras del tiempo y el espacio, la música de Pappo's Blues sigue siendo tan relevante y poderosa hoy como lo fue en el momento de su creación. Para aquellos que buscan sumergirse en la riqueza del blues argentino, "Malas Compañías" es una parada obligada en el viaje musical.

Daniel
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1214.- You Ain't Seen Nothing Yet - Bachman - Turner Overdrive

 

You Ain't Seen Nothing Yet

     La segunda formación de Bachman - Turner Overdrive, la de mayor éxito, incluía a Randy Bachman (guitarra principal y voz), Fred Turner (bajo y voz), Robbie Bachman (batería, prcusión, coros) y Blair Thornton (guitarra solista). Esta formación sería la que lanazara Not Fragile, el tercer álbum de la banda. Fue grabado en 1974 en los Kaye-Smith Studios de Seattle, Washington, y en los Sound City Studios de Van Nuys, Los angeles, bajo la producción de Randy Bachman, y publicado en agosto de 1974 por el sello discográfico Mercury Records. Resultó ser el álbum de estudio más popular del grupo y llegó a alcanzar el puesto número 1 en la lista estadounidense Billboard 200.

En cuanto al título del álbum, Randy Bachman afirmó en una entrevista que usar la palabra "Fragil" como título para un álbum de rock, como había hecho el grupo Yes con su disco Fragil de 1971, era extraño, y pensó que la música de BTO no se podía romper, por lo que, sin pretener faltar el respeto en absoluto a Yes, la banda llamó irónicamente a su álbum Not Fragile. El disco marca el debut del guitarrista Blair Thornton, quien, a diferencia de su predecesor Tim Bachman, aparece en los créditos del ábum como "segunda guitarra solista", lo que va marcar una de las caracteríticas de este trabajo, el sonido de las Twin guitars o guitarras gemelas. 

Not Fragile contiene varios temas que se han convertido en himnos, canciones de las más queridas de la banda por parte de sus fans,  y uno de esos temas es el inconfundible  You Ain't Seen Nothing Yet, además se convirtió en uno de los dos sencillos del álbum y obtuvo un gran éxito. You Ain't Seen Nothing Yet es, quizás, la canción más famosa del álbum, y uno de los mayores éxtios de la banda. Esta es una de las canciones más famosas que contienen un prominente tartamudeo. BTO no planeaba lanzar esta canción con la voz tartamuda. Randy la cantó tartamudeando para burlarse de su hermano Gary, que tenía un impedimento en el habla. Durante las comprobaciones de micrófono la cantó tartamudeando y grabó una versión destinada únicamente a su hermano Gary. Esta versión no iba a ser incluida, ni mucho menos, pero a la discográfica le gustó mucho más que la versión sin tartamudeo y finalmente fue incluída en el disco, resultando ser todo un acierto y un éxito. 

Madonna - Confessions on a Dance Floor (Mes Madonna)

 

Confessions on a Dance Floor, Madonna

     Confessions on a Dance Floor es el décimo álbum de estudio de la cantante y compositora estadounidense Madonna. Este trabajo supuso una desviación completa de su anterior disco, American Life (2003), ya que la artista apostó por unos sonidos con influencias de la música disco de los años 70, el electropop de los años 80 y la música de club de los 2000. Fue grabado entre noviembre de 2004 y junio de 2005 en los Mayfair Studios de Londres y los Murlyn Studios de Estocolmo, y publicado el 9 de noviembre de 2005 por el sello discográfico Warner Bros. Records. Inicialmente, la artista comenzó a trabajar con el productor Mirwais Ahmadzaï, pero luego sintió que la colaboración no iba en la dirección que ella deseaba, por lo que acabó trabajando con  Stuart Price, quien estaba supervisando su documental I'm Going to Tell You a Secret (Voy a contarte un secreto).

Musicalmente, el disco está estructurado como un set de DJ.  Las canciones están secuenciadas y mezcladas para que se rerpoduzcan continuamente sin espacios. El título surgió del hecho de que la lista de canciones del disco constaba de canciones alegres al principio, para luego avanzar hacia melodías y letras mucho más oscuras que describían sentimientos y compromisos personales. Las canciones del álbum muestrean y tienen referencias a la música de otros artistas orientados a la música disco y dance, como ABBA, Dona Summer, Pet Shop Boys, Bee Gees o Depeche Mode entre otros. 

Confessions on a Dance Floor recibió muy buenas críticas por parte de la prensa especializada, que lo calificaron como uno de los mejores álbumes de la artista, llegando a ganar el premio Grammy al Mejor álbum de Electrónica/Dance en 2007, y el premio a la Artista Solista Femenina Internacional en los BRIT Awards de 2006. Comercialmente el disco llegó a alcanzar el puesto número uno en 40 países, consiguiendo figurar en el Guinnes World Records por encabezar las listas de ventas en la mayoría de los países. Sus cifras lo convirtieron en uno de los álbumes más vendidos del Siglo XXI, y fue calificado por la prestigiosa revista Vice como el tercer mejor álbum de su lista de los "99 mejores álbumes de baile de todos los tiempos".

En este trabajo Madonna fuionó elementos de la música disco de los 70, el electropop de los 80 y la música de club de los 2000. Quería incorporar estas influencias mientras intentaba no caer en el hecho de tener que repetir o rehacer su múscia del pasado. Quería rendir tributo y homenaje a artistas como los Bee Gees o Giorgo Moroder entre otros. Las canciones reflejaban lo pensamientos de Madonna sobre el amor, la fama o la religión entre otros temas, de ahí el título "Confesiones en una pista de baile". 

Estamos ante un disco estructurado como si fuera un set nocturno compuesto por un DJ. La música comienza ligera,y felíz, y a medida que avanza se vuelve más interna e introspectiva con Madonna hablando de sus sentimientos personales. Según Madonna, el título del disco hablaba de su reverencia y admiración por el género y su dedicación al oficio. Pretendía hacer un disco que se puediera poner en una fiesta o en tu coche, donde no tuvieras que pasar por alto un solo tema. Madonna utilizó muestreos y referencias de otros artistas, como por ejemplo,en la primera canción del álbum, Hung Up, donde sampleó el éxito de ABBA de 1979 "Gimme! Gimme! Gimm! (A Man After Midnight)". La artista escribió una carta personal a los compositores de la canción, Benny Anderson y Björn Ulvaeus, quienes le permitieron usar la pista para su tema. También utilizó referencias de artistas como Pet Shop Boys, Depeche Mode, Daft Punk o el DJ francés Cerrone. El disco contiene una canción llamada Forbidden Love, la cual es diferente de la canción del mismo título que está incluida en sus sexto álbum de estudio, Bedtime Stories.

La canción del disco más cercana a una balada, Isaac, estuvo rodeada de cierta polémica, ya que fue criticada por un amplio grupo de rabinos que consideraron que Madonna estaba cometiendo una blasfemia contra su religión, ya que pensaban que la canción trataba sobre el erudito del siglo XVI Yitzhak Luria. En realidad la canción llevaba el nombre del vocalista Yitzhak Sinwani, quien cantó partes del poema hebreo "Yemenita Im Nin'alu" en la pista, así como referencias a la historia bíblica de Abraham e Isacc. Las letras de las canciones del disco incorporan fragmentos de la historia musical de Madonna y están escritas a modo de "confesiones". Hung Up contiene la letra del dueto de Madonna con Prince de 1989 llamado "Love song", del álbum Like a Prayer. How High tiene referencias de dos canciones del octavo álbum de Madonna, Music, "Nobody's Perfect" y "I Deserve It". La letra de Push agradece a la persona que la retó superar sus límites y además incorpora elementos de la canción de Police "Every Breath You Take". Sorry incluye la palabra del título en diez idiomas diferentes. Y En I Love New York elogia la ciudad donde comenzó su carrera musical y responde a comentarios negativos vertidos por George W. Bush.

Se editaron cuatro sencilos del álbum: Hung Up, que fue el principal del disco. Fue muy elogiada por la crítica, que consideró esta canción como la mejor del género que Madonna había hecho hasta la fecha y además alabaron la eficaz sincronización de la muestra de ABBA que Madonna utilizó en esta canción; Sorry, que fue lanzado como sengundo sencillo del álbum; Get Together, lanzado como tercer sencillo. Los críticos elogiaron la capacidad de Madonna en esta canción para convertir comentarios "cliché" en eslóganes pop; y Jump, lanzado como cuarto y último sencillo.

Confessions on a Dance Floor recibió elogios generalizados de la crítica muscial espcializada. Fue aclamado por su enfoque innovador en la producción y su sonido retro-moderno que evocaba la era disco de los años 70 y 80. Estamos ante un disco con una muy buena cohesión que fue diseñado como una experiencia, de principio a fín, para la pista de baile. Además, Madonna fue elogiada y salió muy reforzada por su capacidad para reinventarse una vez más y ser capaz de mantenerse en la primera plana de la escena musical.

1213.- You are so beautiful - Joe Cocker

"You Are So Beautiful", popularizada por Joe Cocker cuando la grabó para el disco "I Can Stand a Little Rain" (1974), es en realidad una canción original de Billy Preston y Bruce Fisher, que salió publicada ese mismo año en "The Kids and me" (1974), el noveno disco de estudio de Billy Preston, en una versión más acelerada que Preston no consideró que pudiera convertirse en un éxito, relegándola a la cara B del single "Struttin'".

Nunca llegó a acreditarse, pero siempre se dijo que Dennis Wilson (Beach Boys) había ayudado a Preston a terminar de componer la letra y la melodía de "You Are So Beautiful" durante una fiesta en la que ambos coincidieron. Verdad o no, lo cierto es que Wilson siempre tuvo un cariño especial por esa canción, siendo durante muchos años parte de los "bises" de los conciertos de The Beach Boys, y quedando registrada en el disco "Good Timin': Live at Knebworth England 1980" (2002).

Joe Cocker ralentizó "You Are So Beautiful" para convertirla en una sentida balada soul de piano (interpretado por Nicky Hopkins), arreglos de cuerda y voz desgarrada, y la publicó como single en Noviembre de 1974, y la canción se convirtió en su momento en su mayor éxito en Estados Unidos (hasta que fue superada en 1982 por "Up where we belong", el dueto con Jennifer Warnes para la banda sonora de la película "Oficial y Caballero")

1212 - Supertramp - Bloody Well Right

1212 - Supertramp - Bloody Well Right

Supertramp es una banda británica de rock progresivo formada en 1969. Con su distintivo estilo que fusiona el rock, el pop y el jazz, Supertramp se convirtió en uno de los grupos más influyentes de la década de 1970 y dejó un legado perdurable en la historia de la música.

Uno de los temas más emblemáticos de Supertramp es "Bloody Well Right", lanzado en su álbum de 1974 "Crime of the Century". Esta canción no solo encapsula el sonido distintivo de la banda, sino que también destaca por sus letras profundas y su energía contagiosa.

"Bloody Well Right" comienza con un piano juguetón que establece el tono para la canción. La introducción cautiva de inmediato al oyente, atrayéndolo hacia el mundo sonoro único de Supertramp. A medida que la canción avanza, se desarrolla una mezcla intrigante de guitarras eléctricas, sintetizadores y la característica voz de Roger Hodgson, el vocalista principal de la banda. La combinación de estos elementos crea una experiencia auditiva que es al mismo tiempo sofisticada y accesible.

Las letras de "Bloody Well Right" reflejan la actitud rebelde y cuestionadora que caracteriza a muchas de las canciones de Supertramp. La frase "bloody well right" en inglés británico es una expresión coloquial que significa algo así como "maldita sea que sí", transmitiendo un sentimiento de confianza y determinación. A lo largo de la canción, se exploran temas de identidad, autenticidad y la lucha por encontrar un lugar en el mundo.

Una de las cosas más destacadas de "Bloody Well Right" es su capacidad para evocar emociones y transmitir un mensaje poderoso mientras mantiene un ritmo enérgico y pegadizo. La letra puede ser introspectiva y reflexiva, pero la melodía invita al movimiento y al disfrute. Esta dualidad es una de las razones por las que la canción ha perdurado a lo largo de los años y sigue siendo una favorita entre los fans de Supertramp y del rock en general.

Desde el punto de vista musical, "Bloody Well Right" exhibe la habilidad técnica y la creatividad compositiva de los miembros de Supertramp. La banda demuestra su maestría al combinar elementos de rock, pop y jazz en una sola canción sin que parezca forzado o incoherente. Cada instrumento tiene su momento para brillar, desde los solos de piano hasta las melodías de saxofón, creando una rica textura sonora que es un placer para los oídos.

Además de su excelencia musical, "Bloody Well Right" también destaca por su producción impecable. El álbum "Crime of the Century" fue producido por Ken Scott, quien trabajó con bandas icónicas como The Beatles y David Bowie. Su experiencia y visión ayudaron a dar forma al sonido distintivo de Supertramp y a llevar su música a nuevas alturas.

"Bloody Well Right" de Supertramp es una obra maestra del rock que combina letras inteligentes, melodías pegajosas y una ejecución magistral. La canción captura la esencia misma de lo que hace que la música de Supertramp sea tan especial y continúa resonando con oyentes de todas las generaciones. Es un testimonio del talento duradero de la banda y su capacidad para crear música atemporal que sigue siendo relevante décadas después de su lanzamiento inicial.

Daniel 

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El disco de la semana 375: Naturally - J. J. Cale

 

Naturally, J. J. Cale

     Para la recomendación de esta semana nos vamos a detener en Naturally, el álbum debut de J. J. Cale, un artista que durante toda su carrera vivió ajeno a las modas y al éxito, lo que no impidió que tuviera una gran influencia en multitud de grupos y artistas que versionaron sus temas, entre los que se encuentran Eric Clapton, Lynyrd Skynyrd, Carlos Santana o John Mayer entre otros muchos. Con un estilo personal descrito como "Relajado" (Laid black), fue uno de los fundadores e impulsores del llamado sonido Tulsa, un género musical con influencias del blues, rockabilly, country y jazz. Este disco debut fue grabado entre el el 29 de septiembre de 1970 y el 9 de junio de 1971, bajo la producciṕon de Audie Ashworth, y publicado el 25 de octubrede 1971 bajo el sello discográfico A&M Records en Reino Unido y Shelter Records en Estados Unidos.

Cale se crió en Oklahoma, su primera incursión con las mieles del éxito llegó en 1964 cuando el cantante Mel McDaniel logró un llamativo éxito regional con la composición de Cale "Lazy Me". Posteriormente Cale se muda a California donde trabaja en el estudio casero de Leon Russell como ingeniero jefe y empieza a actuar en lugares como el famoso Whiskey a Go Go. En 1966 Cale graba un sencillo que resulta ser todo un fracaso, "Slow Motion", pero será la cara B que incluye ese sencillo, "After Midnight", el que consiga una gran trascendencia en su carrera cuando Eric Clapton lo grabe y consiga un gran éxito en 1970. Sobre esto Cale recordaba: "Era muy pobre, no ganaba lo suficiente para comer y no era un hombre joven, tenía treinta  tantos años, así que era muy felíz por poder ganar algo de dinero con los derechos de la canción". A raíz de esto, el amigo y productor de Cale, Audie Ausworth le anima a grabar un álbum completo para aprovechar el éxito de la canción.

Narturally se grabó de forma independiente, y a los músicos se les pagaron reducidas tarifas. El disco incluía ritmos de batería sutiles, voces turbias cantandas en un rango esrecho y un estilo de guitarra que fusionaba country, blues y jazz, conocido posteriormente como sonido Tulsa, y algunas canciones fueron grabadas con un primitivo acompañamiento de caja de ritmos y sonaban casi como demos. Cale decía que cuando hicieron este disco, la mayoría de la gente no se dio cuenta de que habían usado una caja de ritmos eléctrica o que eso sencillmente existiera, no uso un baterista real porque no tenía dinero para pagarlo, por lo  que grabó Crazy Mama y Call Me The Breeze con dicha caja de ritmos, y Carl Radle tocó el bajo y Mac Gayden el slide en Crazy Mama. Luego el productor Audie contrató a algunos músicos y un estudio real y grabaron las otras ocho canciones de Naturally.  

Naturally, con ese estilo sencillo, discreto y distintivo de Cale, fue todo un éxito y marcó un hito en la carrera discográfica en solitario del artista. Cale afirmaba sobre este disco: "No estaba realmente loco por el álbum Naturally y todavía no lo estoy, pero a la mayoría de las personas a las que les gusta mi música, los fanáticos de JJ Cale, realmente les gusta este disco. Creo que lo que realmente les gustó fueron las canciones". De hecho, la fama no le impresionó: "El primer álbum era una colección de canciones en las que había estado trabajando durante unos 32 años. fue una colección que refinó todo lo que había salido de mí y eliminó todas las malas ideas que había tenido durante 20 años. Pero cuando tuvo éxito, la discográfica quiso el siguiente álbum en seis meses. Cuando tienes éxito, llega el dinero y muy pronto tienes que contratar un contable, tienes que levantarte temprano y luego tienes un trabajo diario. Muy pronto ya no disfrutaba de la vida; lo único que hacía era trabajar".

Estamos ante un viaje al corazón del blues relajado, donde se entremezclan elementos de música rockabilly, country o jazz. Naturally se convertirá en un hito del sonido Tulsa, y su autor nos lleva en un viaje musical donde fusiona dichos estilos de una forma brillante. Desde los primero acordes de Call me the Breeze, Cale, con su voz tranquila y suave, plasma su sello de identidad, deslizándose sobre ritmos sueltos y riffs de guitarra que invitan a la relajarse y disfrutar. Crazy Mama fue el mayor éxito del álbum en las listas, alcanzando el puesto número 22 en la lista estadounidense Billboard Hot 100. Call the Doctor y la maravillosa Don't Go to Strangers continúan con la apacible y tranquila atmósfera del disco. Los ritmos de guitarra de Cale, acompañados por su melódica voz, crean una sensación de familiaridad reconfortante y acogedor. 

Naturally también tiene momentos más introspectivos, como en Magnolia y Crying Eyes. Aquí Cale muestra una extraordinaria habilidad para transmitir emociones complejas a través de unas letras simples y unas melodías sencillas. Canciones para disfrutar en la penumbra y dejarse llevar por la melancolía y la reflexión. En la parte final del disco nos encontramos con River Runs Deep y Bringing It Black, dos pistas que reflejan y definen perfectamente el estilo único y distintivo del compositor. Sigue siendo capaz de mantener con brillantez esa atmósfera calida y envolvente creada al inicio del ábum.

Mención especial para el tema que hizo despegar a Cale y darlo a conocer al mundo, After Midnight. La canción fue un gran éxito para Eric Clapton, pero también para su autor original, Cale. Con su archiconocido ritmo y una letra sugerente, la canción logra capturar la esencia del blues nocturno. La versión de Cale difiere mucho de la versión frenética de Clapton, algo que "El Trovador de Ocklahoma", como era conocido Cale, explicó en una entrevista en 2004: "La historia fue que el "After Midnight"original que grabé con Liberty Records, estaba grabado a 45 rpm y era rápido. Esa era la canción original, y eso es lo que escuchó Clapton. Si escuchas el disco de Eric Clpaton, lo que hizo fue imitarlo. nadie escuchó la primera versión que hice de él. Entonces, cuando grabé Naturally, Denny Cordell, que dirigía Shelter Records, me dijo: "John, ¿por qué no pones 'After Midnight' ahí porque eso es lo que la gente quiere? Le dije: Bueno, ya lo tengo en Liberty Records y Eic Clapton ya lo grabó, así que voy a hacerlo de nuevo, lo haré lentamente". 

Naturally de J. J. Cale es un tesoro de la música relajada, del llamado sonido Tulsa, con esa genial mezcla de sonido y ese único e inimitable estilo de su autor. Una obra maestra atemporal que merece un lugardestacado en la colección de cualquier amante de la música.

1211.- Dreamer - Supertramp

"Dreamer" fue un single de éxito de la banda británica Supertramp en 1974, y una de las piezas clave del disco "Crime of the Century" del mismo año, pero la historia de esta canción se remonta a más atrás, cuando un Roger Hodgson adolescente la compuso en un piano Wurlitzer de casa de su madre. Entusiasmado con su composición, Hodgson grabó una demo con su voz (con una letra improvisada que no distaba mucho de la que fue la versión final de la canción), el piano y unas cajas de cartón a modo de batería.

Aquella primeriza demo fue clave en la grabación del "Dreamer" de Supertramp tal y como lo conocemos, porque el grupo se basó en ella y trató de reproducir la frescura y la sencillez de la toma casera. El resultado final fue una memorable canción pop, con un gran trabajo vocal, una efectiva melodía y unos teclados extraordinariamente pegadizos.

Publicada como single, "Dreamer" alcanzó el puesto 13 de las listas de ventas británicas, y obtuvo buenos resultados también en Norteamérica, aunque el mérito allí no fue solo suyo, y curiosamente la cara B "Bloody Well Right" (escrita por Rick Davies) fue más popular que "Dreamer" en Estados Unidos y Canadá. Esto nunca le quitó el sueño al peculiar "soñador" de la canción, que volvió a saborear las mieles del éxito cuando la versión en directo incluida en el disco "París" (1980) alcanzó como single el primer puesto de las listas canadienses.

1210.- Chelsea Hotel #2 - Leonard Cohen

A finales de los años 60, Leonard Cohen decidió renunciar a su vida como novelista y poeta consagrado en Canadá por una oportunidad en la floreciente escena folk de Nueva York. Por suerte para todos nosotros, lo hizo, porque ese movimiento resultó en algunas de las canciones más conmovedoras jamás escritas. Aunque el pedigrí intelectual y la densa maraña lírica de su música provocaron comparaciones inevitables con el poeta laureado del rock Bob Dylan, su debut de 1967, Songs of Leonard Cohen, tuvo un éxito limitado cuando se lanzó en diciembre anterior. Cohen era una voz singular en la composición de canciones. Pudo transmitir verdades duras y al mismo tiempo hacerlas parecer reconfortantes. Fue sincero sobre su vida, incluso sobre las partes más turbias y feas. Profundiza en ese tema en “Chelsea Hotel #2”.

Como muchos de los nombres más importantes de la época, Cohen solía alojarse en el hotel Chelsea en la ciudad de Nueva York mientras estaba lejos de su casa en Montreal. Con tantos artistas pasando por esos sagrados salones, el hotel se convirtió en un semillero de inspiración, Cohen tocaria esta canción en sus conciertos en vivo, una historia sobre su encuentro con un cantante famoso en el Chelsea, su encuentro se convirtió en una relación sexual, que él describe en la canción. Cohen cuenta esa historia en la letra con gran detalle, apoyándose mucho en su reputación de vagabundo. “Y apretando el puño por los que como nosotros / Que estamos oprimidos por las figuras de la belleza / Te arreglaste, dijiste, “bueno, no importa / Somos feos, pero tenemos la música”. Estas líneas suelen incapacitar emocionalmente a los enanos envenenados de menor fortaleza arrogante, especialmente cuando los persigue un diminuto cuerno que transmite su ansiedad. Esa línea culmina la narración simplificada en la que Leonard describe a Joplin apretando el puño "por aquellos como nosotros que estamos oprimidos por las figuras de la belleza". La agonía se imparte, no por ninguna pérdida, sino por el vacío del enamoramiento. Esa trompeta contrapone la guitarra lenta y punteada y sus florituras de puntuación. La canción concluye con un verso de indiferencia que quema la dignidad y ¿qué es ese ruido? ¿Un órgano o bombardino sonando a lo lejos del evento? “Escribí esto para una cantante estadounidense que murió hace un tiempo", escribió Cohen en las notas de su compilación Greatest Hits. “Ella también solía quedarse en el Chelsea” No fue hasta después de su muerte que Cohen reveló el nombre de la cantante: Janis Joplin. Cuenta la leyenda que Leonard Cohen estaba en el ascensor del Chelsea Hotel cuando se abrieron las puertas y apareció Janis Joplin. Se quedó tan impactado por la joven y famosa cantante que cuando ella le preguntó por Kris Kristofferson, Cohen le respondió que era él a quien buscaba. Su aventura fue breve, a la mañana siguiente, Joplin fue a buscar a Kristofferson y grabó posiblemente su mayor éxito, "Me and Bobby McGee". La pareja se vería alguna vez esporádicamente. Joplin murió el 4 de octubre de 1970 de una sobredosis de heroína, su muerte tuvo un marcado efecto en Cohen.

Revolución Musical: Explorando "Music" de Madonna (Mes Madonna)

Revolución Musical: Explorando "Music" de Madonna #mesMadonna

Madonna, la icónica reina del pop, ha dominado la escena musical durante décadas, cautivando a millones de fans en todo el mundo con su innovación y su capacidad para reinventarse. En su álbum "Music", lanzado en 2000, Madonna nos lleva en un viaje sonoro que fusiona géneros, desafía convenciones y celebra la diversidad. Con una combinación única de ritmos electrónicos, letras ingeniosas y una actitud provocativa, "Music" se destaca como uno de los trabajos más influyentes y emblemáticos de su carrera.

Desde el primer compás de la pista titular, "Music", Madonna establece el tono del álbum con un ritmo contagioso y un estilo de canto despreocupado. La canción, coescrita y coproducida por la superestrella del dance electrónico francés Mirwais Ahmadzaï, fusiona elementos de música electrónica, dance y pop, creando un sonido fresco y futurista que captura la energía del cambio de milenio. Con letras que celebran la liberación a través de la música y la conexión universal que esta proporciona, "Music" se convierte instantáneamente en un himno para una nueva generación de oyentes.

A lo largo del álbum, Madonna continúa explorando una variedad de estilos y temas. En pistas como "Impressive Instant" y "Runaway Lover", se sumerge en el mundo de la música electrónica, experimentando con sonidos y texturas audaces que desafían las expectativas. Estas canciones son una prueba del espíritu pionero de Madonna y su disposición a abrazar lo desconocido en busca de la excelencia artística.

Sin embargo, "Music" no se limita únicamente a la experimentación electrónica. Canciones como "Don't Tell Me" y "Gone" muestran un lado más introspectivo de Madonna, con letras emotivas y melodías melancólicas que exploran temas de amor, pérdida y autodescubrimiento. Estas pistas demuestran la versatilidad artística de Madonna y su capacidad para conectar con el público a un nivel emocional más profundo.

Una de las joyas del álbum es la colaboración con el legendario productor de música electrónica William Orbit en la pista "Paradise (Not for Me)". Con su atmósfera etérea y sus arreglos exuberantes, esta canción transporta al oyente a un reino de ensueño donde la realidad se mezcla con la fantasía. Las letras introspectivas y la producción meticulosa hacen de "Paradise (Not for Me)" un punto culminante del álbum y un testimonio del talento visionario de Madonna y sus colaboradores.

En "Music", Madonna nos ofrece un escaparate de su genio musical y su capacidad para desafiar las normas establecidas. Desde sus ritmos electrónicos hasta sus letras provocativas, el álbum es un testimonio de la evolución artística de una de las artistas más influyentes de todos los tiempos. A través de su exploración de géneros y su enfoque audaz, Madonna continúa inspirando a generaciones de oyentes y demostrando que la verdadera música trasciende los límites y conecta a las personas en un nivel más profundo. "Music" no solo es un álbum; es una declaración de la capacidad transformadora de la música y el poder duradero de una artista que sigue reinando supremamente en el mundo del pop.

Daniel 

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1209.- Lover lover lover - Lonard Cohen

 

Lover lover lover, Leonard Cohen

     New Skin for the Old Ceremony es el cuarto álbum de estudio de Leonard Cohen. Fue grabado durante el mes de febrero de 1974 en el Sound Ideas Studio de Nueva York bajo la producción de Leonard Cohen y John Lissauer, y publicado el 30 de agosto de 1974 por el sello discográfico Columbia Records. En este disco el artista empieza a evolucionar alejándose del sonido más crudo de sus trabajos anteriores, incluyendo el sonido de violas, mandolinas, banjos, guitarras, percusión y otros instrumentos que dotan al disco de un sonido más orquestado pero a la vez manteniendo la sobriedad que caracteriza a Cohen. En Reino Unido consiguió la certificación de plata merced a sus ventas, sin embargo en Estados Unidos ni siquiera llegó a entrar la lista Billboard 200.

La portada original del álbum estuvo rodeada de cierta polémica. Originalmente era una imagen del texto del tratado alquímico Rosarium Philosophorum, que data del sigo XVI. En la portada aparecen dos seres alados y fundidos en un abrazo sexual que hicieron que el sello discográfico Columbia Records imprimiera una de las primeras ediciones del disco sin la imagen y sustituyéndola por una foto de Cohen. Otra de las alternativas iniciales para "adecentar"  la portada original fue la de presentar un collage adicional de alas de ángel que cubrían las figuras representadas y fundidas en el citado abrazo sexual.

incluido en este álbum se encuentra Lover, lover lover, una joya poética que brilla dentro del vasto repertorio de Leonard Cohen. Esta canción se destaca por su profunda exploración de temas como el amor, la redención y la espiritualidad. Cohen es de sobra conocido por su habilidad para combinar letras introspectivas con melodías cautivadoras. La canción comienza con una introducción suave de guitarra acústica, estableciendo un ambiente íntimo y melancólico, y entonces la voz profunda y melódica de Cohen entra en juego, transmitiendo una sensación de nostalgia y anhelo, y a medida que avanza, la instrumentación se intensifica con la incorporación de cuerdas y coros que añaden una dimensión adicional a la canción.

Las letras de Lover lover lover son un testimonio del genio poético del artista. En ellas, Cohen reflexiona sobre su búsqueda de redención y amor, expresando un profundo deseo de ser perdonado por sus pecados pasados. Las palabras están imbuidas de una intensa pasión y una sincera vulnerabilidad, lo que hace que la canción resuene en un nivel emocional profundo con el oyente. Otro de los aspectos más destacados de la canción es la habilidad de Cohen para crear imágenes vívidas a través de su escritura. Las letras pintan un retrato evocador de un viaje espiritual, lleno de simbolismo y metáforas. Cohen utiliza la metáfora del "campo de batalla" para representar la lucha interna del narrador, mientras que la imagen del "amor como un fuego" evoca una sensación de pasión ardiente y deseo incontrolable. La canción alcanza su clímax con el coro emotivo y poderoso, donde Cohen repite el estribillo "Lover, lover, lover, come back to me" con una intensidad palpable. Esta repetición crea un efecto hipnótico que envuelve al oyente, invitándolo a sumergirse completamente en la experiencia musical.

1208.- Dancing Machine - The Jackson 5

"Dancing Machine" fue la canción estrella y que dio título al que fuera noveno disco de estudio de los hermanos Jackson, aunque ya había sido grabada en una versión previa para el álbum "G.I.T.: Get It Together" (1973). Como single principal del disco de mismo nombre, se convirtió en un gran éxito que vendió tres millones de copias, y popularizó además el robótico baile de Michael Jackson para la canción, que lo interpretó por primera vez en televisión durante una actuación en el programa "Soul Train" en noviembre de 1973.

Aún no se había convertido en la "máquina de bailar" que sería en solitario, pero en "Dancing Machine" Michael Jackson ya anticipaba de algún modo lo que estaba por venir, con un baile eléctrico y que acompañaba a una de las canciones más funk y disco de la época Motown de los Jackson 5, un género que explotarían mucho más cuando dejaron la gran factoría de éxitos de Berry Gordy para pasar de ser The Jacksons.

Como curiosidad, y como algo que era habitual en las grabaciones de los Jackson 5 para Motown Records, y a la postre una de las razones por las que los hermanos Jackson dieron la espantada de la discográfica, ninguno de ellos tocó ningún instrumento en la canción. Michael Jackson y Jermaine Jackson se encargaron de las voces principales, y los Jackson 5 al completo participaron de los coros, pero la instrumentación corrió a cargo de músicos de sesión, que le pusieron el ritmo a lo que fue una auténtica y arrolladora máquina de bailar.

Ray of Light - #MesMadonna

Años después de facturar "Like a prayer" (1989), el que probablemente sea su mejor disco, un rayo de luz iluminó de nuevo la carrera de Madonna con "Ray of Light" (1998), su séptimo disco de estudio y el responsable del "probablemente" de esta reseña, porque estamos ante el otro gran disco de Madonna, y otro gran paso adelante en el proceso de maduración y sofisticación que comenzó con "Like a prayer". Casi diez años después, y de nuevo en los albores de una nueva década, Madonna volvía a entregar un disco en el que sonaba más seria, moderna y enfocada que nunca, dando un gran giro estilístico respecto a sus discos recientes para explorar terrenos más electrónicos y géneros tan variados como el ambient, el trip hop o la psicodelia, y todo ello salteado de ritmos y melodías con sabor a Medio Oriente, y letras relacionadas e influenciadas por el estudio de la Cábala y la interpretación de la Torah, el hinduismo o el budismo.

Madonna empezó a trabajar en algunas canciones con los productores Babyface y Patrick Leonard, pero tras varias sesiones fallidas, buscó dar al disco un enfoque totalmente distinto, y llamó al productor de música electrónica William Orbit, que aportó el enfoque experimental e innovador con el que las nuevas canciones despegaron. No fue un proceso fácil, y de hecho "Ray of Light" es, de todos los discos grabados por Madonna, el que más tiempo requirió en el estudio. Orbit prefería trabajar con sintetizadores y sampleados electrónicos en lugar de con músicos de estudio, y durante la mayor parte del proceso la dupla Madonna-Orbit solo contó con la presencia de un ingeniero de sonido y su ayudante. Madonna escuchaba los ritmos y sampleados de Orbit una y otra vez, y escribía las letras que los sonidos le iban sugiriendo, y después Orbit iba dando forma a las canciones finales.

El disco comienza con "Drowned World/Substitute For Love", una balada con con toques jungle e influencias del drum and bass y el trip hop, con un título inspirado en la novela de ciencia ficción de J. G. Ballard "The Drowned World" (1962). Es una de las mejores canciones del disco, y un acertado tercer single que curiosamente fue número 1 de ventas en España. Tras este brillante comienzo, vuelve la Madonna más espiritual en "Swim", un tema que grabó el mismo día que su amigo Gianni Versace había sido asesinado en Miami, lo que influyó en que su interpretación vocal fuera aún más sentida e impactante.

"Ray of Light" es el tema que da título al álbum, y el segundo single que se lanzó para su promoción. De nuevo, estamos ante uno de los mejores temas de un gran disco, una brillante canción de dance-pop electrónico, con un riff de guitarra eléctrica que le da un efectivo toque rockero. El single fue también número 1 en España, y fue un gran éxito a nivel internacional tanto de ventas como de crítica por su combinación de atmósferas dance con toques progresivos y por la efectiva actuación vocal de su protagonista. El nivel no decae con "Candy Perfume Girl", un sorprendente tema de aires grunge y ramalazos de guitarra acompañados por un ritmo electrónico oscuro y posmoderno. No es un tema susceptible de convertirse en single, pero da mucho empaque a un álbum caleidoscópico y, por momentos, sorprendente, como los sonidos de orquesta electrónica de "Skin", o el afilado techno dance de "Nothing Really Matters", otro de los momentos álgidos del álbum, y el sexto single que se publicó de un disco que también tiene sus momentos valle, como en "Sky Fits Heaven" dedicada a la cábala y a su hija Lourdes, pero menos inspirada respecto al tono general del disco.

Más interesante, aunque solo sea por la curiosidad de estar cantada por Madonna en sánscrito, es "Shanti/Ashtangi", una oración hindú sobre un ritmo techno dance que requirió que la cantante tomara clases telefónicas de sánscrito para mejorar su pronunciación. Es un buena introducción a "Frozen" (nada que ver con la princesa de Disney), probablemente el mejor tema del álbum y su single de lanzamiento, un brillante medio tiempo de ambient electrónico adornado por capas de sintetizadores y cuerdas medievales generadas por ordenador. El single fue número 1 en Reino Unido, Finlandia, Italia y, de nuevo, España. La canción fue posteriormente acusada de plagio por el parecido de los primeros acordes con las canciones "Ma vie fout le camp" de Salvatore Acquaviva y "Blood Night" de Edouard Scotto Di Suoccio, pero los tribunales dictaminaron que el parecido entre las tres canciones no era suficiente como para considerar un plagio entre ellas.

"The Power of Good-Bye", cuarto single publicado del disco, es una vuelta de Madonna al terreno de las baladas emotivas e intensas. Tras este último fogonazo de luz, el disco se va apagando poco a poco con temas menores o más superficiales como "To Have and Not to Hold" o "Little Star" (de nuevo dedicada a su hija Lourdes). La última canción del disco es "Mer Girl", una meditación sobre la muerte de su madre, un tema que ya abordó en ese otro gran disco que fue "Like a prayer", una oración que no había tenido rival hasta que un "rayo de luz" iluminara a unas canciones tan inspiradas como aquellas y, si cabe, aún más arriesgadas. Considerado por muchos como su mejor trabajo, "Ray of light" fue top de ventas en 17 países, vendiendo más de 16 millones de copias, y sigue brillando con luz propia entre los mejores discos de la década de los noventa.

1207 - Barry White - My First My Last My Everything

1208 - Barry White - My First my Last My Everything

Barry White, el legendario cantante, compositor y productor estadounidense, fue un ícono del género soul y del amor romántico en la música popular. Nacido el 12 de septiembre de 1944 en Galveston, Texas, Barry White dejó una huella imborrable en la industria musical con su distintiva voz profunda y su estilo inconfundible. Una de sus canciones más icónicas, "My First, My Last, My Everything", lanzada en 1974, encapsula perfectamente su habilidad para transmitir pasión y romanticismo a través de la música.

La canción, que forma parte del álbum "Can't Get Enough", no solo se convirtió en un éxito instantáneo, sino que también se ha mantenido como un clásico atemporal, continuando su impacto en las generaciones posteriores. Desde su introducción con un ritmo animado y alegre, acompañado de cuerdas exuberantes y un coro celestial, hasta la entrada inconfundible de la voz profunda y seductora de Barry White, "My First, My Last, My Everything" cautiva a los oyentes desde el primer compás.

La letra de la canción, escrita por Barry White junto con Peter Radcliffe y Tony Sepe, expresa un amor inquebrantable y eterno. La declaración de amor que White ofrece a través de sus letras es sincera y apasionada, resonando con cualquier oyente que haya experimentado la profundidad de un amor verdadero. Las líneas como "You're the first, the last, my everything" ("Eres el primero, el último, mi todo") encapsulan la esencia del romance y la devoción absoluta.

La voz de Barry White es el alma de la canción. Con su distintivo timbre profundo y su entrega suave pero convincente, transmite una intensidad emocional que trasciende las palabras mismas. Cada nota está impregnada de emoción, desde la dulzura de las líneas melódicas hasta la pasión ardiente que se eleva en los momentos más emotivos de la canción. Es esta combinación de habilidades vocales y emotividad lo que convierte a Barry White en uno de los artistas más queridos y respetados de su generación.

La producción musical de "My First, My Last, My Everything" es igualmente impresionante. Barry White, quien también era conocido por su habilidad como productor, creó un acompañamiento musical exquisito que complementa a la perfección su voz distintiva. Los arreglos orquestales son ricos y exuberantes, añadiendo una dimensión adicional de grandeza y romance a la canción. Los elementos de la música disco, que estaban en su apogeo en ese momento, se combinan con el estilo característico de Barry White para crear una melodía que es al mismo tiempo moderna y atemporal.

La influencia de "My First, My Last, My Everything" en la cultura popular es innegable. La canción ha sido incluida en innumerables bandas sonoras de películas, programas de televisión y comerciales, y sigue siendo un elemento básico en las listas de reproducción de música romántica en todo el mundo. Además, ha sido versionada por varios artistas, lo que demuestra su perdurable relevancia y su lugar como una de las grandes canciones de amor de todos los tiempos.

Más allá de su éxito comercial, "My First, My Last, My Everything" trasciende las barreras del tiempo y el género para convertirse en una expresión universal del amor y la pasión. La habilidad de Barry White para capturar la esencia misma del romance en esta canción es un testimonio de su genio musical y su legado perdurable en la industria de la música.

"My First, My Last, My Everything" es mucho más que una simple canción. Es un testimonio del talento artístico de Barry White y su capacidad para conmover y emocionar a través de la música. Con su voz inconfundible, sus letras conmovedoras y su producción exquisita, esta canción sigue siendo un clásico atemporal que continúa inspirando y enamorando a oyentes de todas las edades.

Daniel 

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1206.- They Won't Go When I Go - Stevie Wonder

No es de extrañar que Stevie sea uno de los hombres más famosos de la historia de la música. Su virtuosismo en el piano junto con sus habilidades absolutamente estelares para escribir canciones son un dúo implacable y como si eso no fuera suficiente, su voz altísima y poderosa es una de las más reconocibles del soul. Simplemente tiene tanto talento que es casi un hecho que haya alcanzado el estatus que tiene. La década de 1970 generalmente se conoce como su período dorado, debido al lanzamiento de una serie de fuertes esfuerzos, incluidos Innvervisions , Songs In The Key Of LIfe y Fulfillingness' First Finale. Este ultimo es quizás uno de los discos más pasados por alto de Stevie, eclipsado por el gigantesco legado dejado por los discos antes mencionados. Atrapado entre los dos, a menudo se olvida, pero de ninguna manera deja de ser memorable, es decididamente más tenue que la mayoría de sus discos, con diez pistas escasas, carece de las composiciones extensas presentes en Innervisions . Líricamente, es menos político en su mayor parte y más centrado en sí mismo, por lo que es un disco más personal que los trabajos anteriores. Quizás fue el accidente automovilístico casi fatal en el que se metió en 1973 lo que hizo que su música fuera más cautelosa. A pesar de esto, todavía contiene la mezcla característica de funk pegadizo, soul downtempo y baladas tranquilas.

El núcleo emocional de todo el disco es la dolorosamente desoladora They Won't Go When I Go, que se remonta en sonido a Look Around, pero en una versión más extendida y abarcadora, con un sonido igualmente claramente clásico (probablemente influenciado por finales del siglo XIX), se nota su parte de piano casi improvisada y su escalofriante TONTO, parecido a una flauta, crean su tono sombrío, casi desesperado. La magistral interpretación vocal arqueada de Stevie es lo que hace que la canción sea tan conmovedora, aumentando la ira y el dolor hacia la sección media con su ataque a los pecadores y los políticos corruptos antes de volver a la silenciosa tristeza del principio. Desde su bella y oscura introducción de piano hasta los siniestros sonidos de sintetizador que se tambalean detrás de las voces, es una melodía que justifica la voz más sobreexcitada de Wonder en el álbum, el dramatismo, el tono y el tiempo de ejecución de seis minutos. Stevie Wonder realizó una versión de la canción en el funeral de Michael Jackson el 7 de julio de 2009.

1205.- Sea Song - Robert Wyatt

Robert Wyatt es todo un icono de la primeriza "jazz fusion" dentro de la corriente del rock psicodélico y progresivo de los setenta, y un miembro fundador de bandas tan influentes en los setenta como Soft Machine y Matching Mole, en las que inicialmente tuvo el rol de batería y cantante, hasta que en 1973 sufrió una caída accidental desde una ventana y quedó parapléjico. Tras el accidente, Robert decidió abandonar Matching Mole, para explorar otros sonidos y alejarse del trabajo en una banda, comenzando una interesante carrera en solitario que se prolongó durante cuarenta años, hasta su retirada definitiva de la música en 2014.

Su segundo álbum en solitario ("Rock Bottom", 1974), grabado con la ayuda de músicos cercanos a Robert como Mike Oldfield, Ivor Cutler o Fred Frith, comienza con "Sea Song", un apasionante tema de más de seis minutos de intensa y profunda música en la que destaca sobre todo el uso del teclado, instrumento en el que Wyatt basó su actividad compositiva tras el accidente. Como el resto del álbum, "Sea Song" fue alabada por parte de la prensa británica especializada, con críticas positivas en NME, Melody Maker o Sounds, entre otras publicaciones del momento.

"Rock Bottom" llegó a entrar en las listas de éxitos de Estados Unidos, alcanzando en 1975 un meritorio puesto 13 de la lista Billboard, en su apartado de "rock progresivo", y su tema estrella "Sea Song" tuvo gran influencia en grupos posteriores como Rachel Unthank and the Winterset, que la versionaron en su álbum "The Bairns" (2007), y más conocida quizá sea la versión de Tears for fears, grabada en 1985 e incluida como cara B del single "I Believe", una canción que además dedicaban a Robert Wyatt en las notas del LP "Songs for the big chair" (1985).

El disco de la semana 374: Africa Brasil - Jorge Ben

 

A finales de los años 60 hubo un boom en la música brasileña. Al movimiento se le llamó Tropicália, y devenía de lo que se conocía como Música Popular Brasileira, o MPB, que a su vez tomaba elementos del Bossa Nova de principios de los 70. Sus principales exponentes eran chavales idealistas que buscaban crear una identidad musical contemporánea al tiempo que le hacían frente al cada vez más enrarecido ambiente político y social del país, producto de la dictadura militar que se había instaurado en 1964. Caetano Veloso, Gilberto Gil, Gal Costa, Tom Zé, Os Mutantes, Chico Buarque, estaban entre sus principales exponentes. Pero entre todos ellos había uno que sobresalía porque había transitado las tres etapas arriba mencionadas, como si cualquier cosa: Jorge Ben. Africa Brasil es el disco más excelso de Jorge Ben, de hecho, escucharlo detenidamente puede simular a la sensación de estar tomando algunas drogas fuertes que te dejan paralizado por el miedo por dentro pero peligrosamente hiperactivo por fuera. Esa portada del álbum, mira la expresión de su rostro. 

Este es un álbum de fiesta, pero no particularmente alegre y de "buenas vibraciones". Es más bien un viaje peligroso, uno por el que pagaste sólo para experimentar algo de emoción. De cualquier manera... ¡ritmos funk! ¡Muchos ritmos funk! Este es también su álbum más enérgico rítmicamente, fácilmente al nivel de la música más sofisticada en este sentido que se produjo en los Estados Unidos durante la década. El ritmo lo es todo en África Brasil, no hay un momento a lo largo de sus 40 minutos que no esté cargado de energía cinética y impulso extático. Esta es música que siempre está en movimiento, tanto literalmente como en cualquier otro sentido posible, su pulso sube y baja, pero siempre presente e innegable. Mientras que en sus álbumes anteriores, como Forca Bruta de 1970 y A Tabua Da Esmeralda de 1974, Ben había abrazado influencias cada vez más eclécticas como el rock y la psicodelia, África Brasil es sin ambigüedades un álbum de funk, que refleja tanto el groove hipnótico del Afrobeat como el bolsillo más profundo del Funk y soul norteamericanos por igual, así como la libertad e imprevisibilidad del jazz.

“Umbabaraumba” pone el listón alto, comenzando con un riff que podría seguir repitiendo durante horas y nunca perder su paradójica sensación de intensidad sudorosa y fresca, apaga las luces y las paredes tiemblan, no existe un mejor riff de guitarra, ni siquiera uno que se acerque. La canción está impulsada por ese riff, una potente sección rítmica y tres o cuatro ganchos distintos, todos excelentes. Apuesto a que, entre todo ese ruido, ni siquiera notaste la nota de sintetizador en el estribillo, pero encaja tan bien allí que se esconde a simple vista. El único elogio que puedo dar sería decir que esta canción debería ser el himno de todas las Copas Mundiales de la FIFA. ¿Por qué los jugadores en el campo de batalla no querrían ser comparados con los guerreros africanos en el campo de batalla? ¿Podría haber algo que te haga mas fuerte?. “Hermes Trismegisto Escreveu” suena aún más profundo, con brillantes destellos de trompetas y un urgente pavoneo rítmico. La energía frenética y los BPM fuera de serie del penúltimo tema del álbum, “Cavaleiro Do Cavalo Imaculado”, se sienten como si estuvieran sumergidos en el carnaval mientras está en pleno apogeo. Y en “O Plebeu”, hay una alegre llamada y respuesta entre Ben, sus coristas y el sintetizador centelleante que hace cosquillas en el borde de su manifestación funk, que de otro modo sería más física. La única canción que quizás sea tan reconocible como “Ponta de Lança Africano” es “Taj Mahal”. Lanzado originalmente en la colaboración del año anterior con Gilberto Gil, Ogum Xangô, pero en una versión mucho más larga y más libremente improvisada, aquí es más conciso y centrado, un himno altísimo que se centra en su gancho altísimo. Lo cual se abrió camino en la conciencia más amplia por una razón completamente diferente, aunque más dudosa: Rod Stewart tomó prestada la melodía de su éxito disco "D'Ya think I'm Sexy". Como solución a la disputa resultante, Stewart decidió donar los derechos de autor de la canción al Fondo de las Naciones Unidas para la Infancia. Fijaros en la batería de Gustavo Schroeter, suena excepcional: Escuche el tamborileo incansable de "Hermes Trismegisto escreveu" en contrapunto a un ritmo digno de Prime Sly y The Family Stone. Lo mismo ocurre con los vistosos rellenos de batería en "O plebeu" (sobre todo en el minuto 1:45) y "Xica da Silva", todos ellos lo suficientemente potentes como para hacerte sentir temblar el suelo. La sección rítmica también cuenta con Dadi Carvalho (ex-Novos Baianos, fue el bajista del coro de Acabou ) encargándose de las tareas del bajo. La línea de bajo de "Historia de Jorge" es extática, y la de "Hermes Trismegisto escreveu" golpea con fuerza como si no pudiera decírtelo (lo mejor es el pequeño truco que hace en 1:20 y 2:25, más o menos el ideal de cómo volver a la pista después de haber engañado al oyente haciéndole creer que había matado todo el impulso que tenía la canción).

 

La celebración de la música negra en toda África Brasil está esencialmente entrelazada con su celebración más amplia de la identidad negra, en sintonía con el surgimiento del orgullo negro en Estados Unidos, así como con la conciencia afrobrasileña. El álbum en parte rinde homenaje a las raíces africanas de Ben, ya que su madre emigró a Brasil desde Etiopía y él creció escuchando a su familia cantar canciones tradicionales de su país de origen. No hay nada tradicional en este conjunto de canciones, pero cuentan historias de héroes que a menudo quedan fuera de los libros de historia, como “Zumbi”, una reelaboración de una canción anterior que rinde homenaje a un líder de una quimboa brasileña en el siglo XVII. O, en el caso de “Umbabarauma”, elevar un ideal en lugar de una figura específica. Aunque fue revelador en su lanzamiento tanto por sus innovaciones musicales como por ser una verdadera obra maestra para el propio Ben, África Brasil se popularizó un poco más gradualmente en el hemisferio norte. David Byrne seleccionó “Ponta de Lança Africano (Umbabarauma)” como tema inicial de una compilación en su sello Luaka Bop en 1989 y, sorprendentemente, su video apareció en VH1. En los años siguientes, el auge de las redes de intercambio de archivos y, finalmente, el streaming hizo que el interés en el álbum se extendiera entre las generaciones más jóvenes y entre aquellos que tal vez nunca hubieran tenido acceso al álbum tras su lanzamiento en 1976. Aunque está lleno de sonidos que definieron un estilo específico era, es alegre en su expresión de ritmo y empoderamiento. La música que se esfuerza tanto simplemente no envejece. Jorge Ben nunca tuvo el placer de ser titular en un equipo ganador de la Copa del Mundo. ¿Pero lanzar una obra transformadora de la música popular brasileña cuya influencia resuena después de casi cinco décadas, con su propio himno futbolístico perdurable? Nada mal para un premio de consolación.

1204.- I Want to See the Bright Lights Tonight - Richard and Linda Thompson

I Want to See the Bright Lights Tonight

     I want to See the Bright Lights Tonight es el segundo álbum de estudio lanzado por Richard Thompson, y el primero que incluye a su por entonces esposa, Linda Thompson. Fue grabado en los Sound Techniques Studios de Chelsea, Londres, bajo la producción de Richard Thompson y John Wood, y publicado el 30 de abril de 1974 por el sello discográfico Island Records para Reino Unido, y por el sello Hannibal Records en 1983 para Estados Unidos y Canadá. Aunque el disco no se vendió apenas y fue ignorado por la critica (no fue lanzado hasta 1983 fuera del Reino Unido), ha sido considerado como "una obra maestra atemporal" y considerado como uno de los mejores lanzamientos de los dos cantantes, ya sea trabajando juntos o en solitario.

Después del fracaso de su primer trabajo, Henry the Human Fly, el cantautor y guitarrista británico Richard Thompson inició una relación personal y profesional con Linda Peters, una cantante de sesión. Fruto de esa relación nació I Want to See the Bright Lights Tonight, que fue titulado provisionalmente Hokey Pokey, y se grabó con un reducido presupuesto de 2.500 libras esterlinas. Este segundo trabajo de Richard, y primero con su mujer, fue considerado por la crítica como una obra maestra, un clásico del folk rock inglés. 

Incluido en este álbum se encuentra la canción que da título al mismo, una canción que con su melodía melancólica y letras evocadoras, se ha convertido en un himno para aquellos que anhelan escapar de la monotonía de la vida cotidiana y sumergirse en la promesa de la noche. La canción comienza con una introducción atmosférica de guitarra acústica, que establece de inmediato un ambiente íntimo y contemplativo. A medida que avanza, la voz distintiva de Richard Thompson entra en juego, transmitiendo una sensación de anhelo y urgencia. Su estilo de canto directo y emocional se combina perfectamente con la letra, que narra el deseo de escapar de la rutina y buscar la emoción de la vida nocturna. Las letras pintan vívidamente imágenes de la ciudad iluminada por luces brillantes, evocando una sensación de fascinación y asombro. Richard y Linda Thompson logran capturar la dualidad de la noche, mostrando tanto su atractivo seductor como su aura de misterio. A medida que la canción avanza, la intensidad aumenta, con arreglos de guitarra eléctrica que añaden un toque de energía y emoción.

Uno de los aspectos más destacados de I Want to See the Bright Lights Tonight es la armonía vocal entre Richard y Linda Thompson. Sus voces se entrelazan de manera hipnótica, creando una sensación de unidad y complicidad que eleva la canción a nuevas alturas. Esta colaboración única entre marido y mujer añade una capa adicional de profundidad emocional a la canción, haciendo que resuene aún más en el corazón del oyente. A lo largo de la canción, se exploran temas universales como el deseo de escapar, la búsqueda de la felicidad y la tentación de lo desconocido. Es una canción que trasciende el tiempo y el espacio, transportando al oyente a un lugar donde los sueños y la realidad se entrelazan en la oscuridad de la noche.

1203.- Boogie On Reggae Woman - Stevie Wonder

 

Boggie On Reggae Woman, Stevie Wonder

     En 1974 Stevie Wonder publica su decimoséptimo álbum de estudio, Fulfilllingness' First Finale. Es grabado en los Record Plant y los Westlake Studios de Los Angeles, y en los Mediasound y lo Electric Lady Studios de Nueva York, bajo la producción de Robert Margouleff, Malcolm Cecil y del propio Stevie Wonder, y publicado el 22 de julio de 1974 por el sello discográfico Tamla Records, subsidiario de Motown Records.

Este disco fue el segundo del artista en encabezar la lista estadounidense Billboard Top LPs & Tapes, permaneciendo dos semanas, y también alcanzó el puesto número 1 en la lista Billboard Soul LPs, donde estuvo instalado durante nueve semanas, anunque no  consecutivas. Tuvo su culminación en la entrega anunal de los Premios Grammy de 1975, donde ganó en tres categorías: "Álbum del año", "Mejor Voz Pop Masculina" y "Mejor Interpretación Vocal Masculina de Rythm and Blues".

Incluído en este álbum se encuentra Boogie On Reggae Woman. Fue lanzada además como sencillo y continuó con la exitosa racha de Wonder en las listas de ventas. De hecho, con esta canción fue con la que ganó el premio Grammy a la "Mejor intepreetacón vocal masculina de R&B". En este punto de su carrera, Wonder se había ganado el derecho a negociar un contrato con Motown Records que le daba prácticamente el control total de sus grabaciones. Aprovechó para hacer algunas cancones de corte muy político, pero también grabó algún material más ligero, como Boogie On Reggae Woman. El éxito de Johnny Nash de 1972 con la canción "I Can See Clearly Now" demostró que el reggae podía tener hueco en las listas de éxitos, y Wonder apostó por utilizar este rirmo para esta canción.

Stevie Wonder grabó la canción en un momento muy prolíficio en su carrera. Tenía 21 años y había conseguido ya un más que prometedor contrato con Motown records. Con la ayuda de los ingenieros Margouleff y Cecil grababa constantemente, reservando tiempo en el estudio dondequiera que estuviera. Boogie On Reggae Woman fue una de esas muchas canciones que se grabron en aquel periodo, la cual estaba originalmente programada para su álbum Innervisions (1973), pero Margouleff logró convencerle de que encajaba mejor con su disco siguiente, Fulfillingness First Finale.

Madonna - Bedtime Stories (Mes Madonna)

 

Bedtime Stories, Madonna

Bedtime Stories es el sexto álbum de estudio de la polifacética cantante estadounidense Madonna. Fue grabado entre febrero y agosto de 1994 en varios estudios de Estados Unidos y en Londres, bajo la producción de la propia Madonna, y de Dallas Austin, Babyface, Dave Hall y Nellee Hooper, y publicado el 24 de agosto de 1994 por el sello discográfico Sire Records, y Maverick Records, perteneciente este último a Warner Bros. Records. El objetivo de trabajar con los productores anteriormente mencionados era el de suavizar la imagen de Madonna después de la reacción crítica y comercial a la que se enfrentó después de lanzar proyectos sexualmente explícitos durante los dos años anteriores, el álbum Erotica y su papel principal en el thriller erótico Body of Evidence.

Estamos ante un álbum con sonidos pop, R&B, soul y pop, donde explora temas como la tristeza, el amor y el romance, pero con un enfoque más suave y menos sexual. para promocionar el disco, Madonna interpretó las canciones del álbum en los American Awards de 1995 y en los Brit Awards también de 1995. También se había planeado una gira, pero no se llevó a cabo debido a que Madonna adquirió el papel principal de la película Evita (1996). El disco tuvo dos sencillos, Secret y Take a Bow, entre los tres primeros puestos de la lista estadounidense Billboard Hot 100, y otros dos, Bedtime Stories y Human Nature, que se colaron entre los diez primeros puestos en las listas del Reino Unido. A finales de 1995 Madonna era galardonada como "Artista Femenina del Año" por el Billboard Hot 100. 

Bedtime Stories recibió críticas generalmente positivas por parte de la crítica especializada, que elogiaron las letras y la producción del álbum, llegando a ser nominado a "Mejor Album Pop" en la edición de los Premios Grammy. En el apartado de ventas llegó a alcanzar el puesto número tres en la lista Billboard 200 de Estados Unidos, y fue certificado "Triple Platino" por la industria discográfica de Estados Unidos. Alcanzó también muy buenas cifras en las listas de ventas de países como Australia, Canadá, Francia, Alemania y Reino Unido. La obra de arte del álbum fue tomada por el fotógrafo de moda francés Patrick Demarcheller en el Hotel Eden Roc Miami Beach en los Estados Unidos en agosto de 1994. La portada mostraba a la cantante boca abajo, mirando hacia arriba con mucho maquillaje, un aro en la nariz, cabello rubio y todo en tonos de color pastel. Inspirada en la actriz Jean Harlow, la cantante lució cejas demasiado depiladas para las fotos.

El disco abre con Survival, un tema sobre una base funky que intenta transmitir lo que la artista tuvo que soportar por parte de los medios de comunicación y sus sentimientos previos a la liberación. También tiene una alusión lírica al sencillo de 1986 de la cantante "Live to Hell", con contundentes voces y armonías de doble pista. Madonna mejoró más los sonidos rítmicos y comprimió los sonidos de los graves, con el fin de satisfacer la tendencia musical de entonces. Secret comienza con la voz de la artista cantando sobre una guitarra rítmica, para pasar después a una sección de ritmo retro. En  I'd Rather Be Your Love Madonna codicia lo inalcanzable a través de un proceso de negociación, y se permite hasta un rap de ocho compases hacia mitad de la canción. Utiliza en este tema un sample del tema "Its Your Thing" de Lou Donaldson. Don't Stop se caracteriza por el sonido de un prominente bajo mientras la artista no deja de dar órdenes: "No dejes de hacer lo que estás haciendo nena, no te detengas, sigue moviéndote, sigue moviéndote, sigue bailando". Inside fo Me comienza con el mismo tempo que la canción anterior, con un gran bajo y unos teclados de jazz, con Madonna cantando en un registro vocal entrecortado. A pesar de que pueda parecer la letra de corte erótico, la cantante confirmó en una entrevista de MTV que la letra sonaba como una canción de amor al principio, pero de hecho, escribió esa canción en memoria de su difunta madre. En Human Nature, uno de sus exitosos sencillos, la cantante se enfrenta al machismo. En cuanto al apartado musical, la cantante le dio un toque nasal que recuerda al estilo soul imperante en la década de los 90. Fue otra de las canciones, junto a Survival, donde Madonna descargó sus frustraciones con respecto a la controversia que la rodeaba.

En Forbidden Love, compara el rechazo con un afrodisiaco y la instrumentación se mantiene durante toda la canción al mínimo para enfatizar las voces, terminando con un desvanecimiento. Love Tried to Welcome Me es una balada que se inspiró en un stripper que Madonna había conocido. La canción pretende proyectar un estado de ánimo sombrío y melancólico. En Sanctuary la artista cita el poema "Vocalism" de Walt Whitman, y alinea el amor y la muerte. Todo ello bajo un toque techno y con una introducción atmosférica que contiene una variedad de ruidos extraños. Bedtime Stories es una canción electrónica en la que Madonna se pregunta: "Las palabras son inútiles, especialmente las frases, no significan nada, ¿Cómo podrían explicar como  me siento?". Es la canción que además da título al álbum y fue escrita por Björk. A Madonna le gustaba esta canción como título ya que sentía que tocaba la idea de "cuentos que se cuentan, de palabras que se enseñan a los niños". Hay quien cree que la canción se refería a historias contadas a la hora de acostarse, la sexualidad explicada a los niños. Debido al miedo a las represalias y a que fuera malinterpretada, Madonna consideró cambiar el título, pero al final decidió mantenerlo, afirmando: "a la mierda, es un título hermoso". Take a Boss es la canción que cierra el álbum, una balada de medio tiempo de corte pop. La canción hace referencia a la línea "Todo el mundo es un escenario" (All the world's a stage). de la obra de William Shakespeare "Como gustéis" (As You Like), 

Bedtime Stories es un recomendable disco donde Madonna consiguió resurgir después de todas las polémicas en las que se había visto envuelta durante los dos años anteriores.