Professor Satchafunkilus and the Musterion of Rock - Joe Satriani (Mes Joe Satriani)

Professor Satchafunkilus and the Musterion of Rock 

     En 2008, Joe Satriani, uno de los guitarristas más dotados técnicamente en la historia de la música rock, lanzó un álbum llamado Professor Satchafunkilus and the Musterion of Rock. Ese álbum no recibió el tipo de atención que Satriani normalmente ha recibido por sus grabaciones. Quizás no esté a la altura de su mejor trabajo, pero hay cosas muy interesantes; piezas que nos permitirán entender más sobre qué es lo que tiene la música de Satriani que emociona a la gente. El enfoque del álbum se centra principalmente en el desarrollo de su uso de la guitarra y en el uso de diferentes tipos de técnicas con las que combina su estilo de blues con su afición por la música funk.  

Para darle al álbum todo lo que se merece, no hay solo una melodía o ritmo sencillo y luego una secuencia de variaciones sobre él. Satriani nos da algo inusual y refrescante para escuchar en cada interpretación, y es este es el tipo de música en la que los oyentes querrán centrarse en cada nota. Satriani ha sido fuertemente influenciado por una variedad de instrumentistas virtuosos, y a pesar del increíble virtuosismo de todos estos músicos, es raro encontrar música que sea tan exigente técnicamente como la de Joe Satriani. La naturaleza del arte musical de Satriani radica en su dominio casi total de su instrumento, y eso significa que nunca te relajas al escucharlo. Puede hacer cosas con una guitarra que los músicos comunes nunca creerían que fueran posibles.

Professor Satchafunkilus and the Musterion of Rock supuso su duodécimo álbum de estudio. Grabado en los Record Plant Studios de California y en 21 Studio de San Frncisco bajo la producción de John Cuniberti y del propio Satriani, fue  lanzado el 1 de abril de 2008, a través de Epic Records . El álbum consiguió alcanzar el puesto número 89 en el Billboard 200 de Estados Unidos y permaneció en esa lista durante dos semanas, además de llegar al top 100 en otros cuatro países. El título del álbum tiene dos significados: la primera parte es un homenaje al apodo de Satriani, "Satch" y su gusto por el funk, mientras que "Musterion" es una palabra grecobíblica que significa significa "cosa oculta","secreto" o "misterio". Desde la fecha de lanzamiento del álbum hasta el 11 de abril de 2008, Satriani comenzó una gira especial "Guitar Center Sessions", seguida de una gira mundial el 30 de abril.

El disco se aleja un poco del estilo de sus trabajos más conocidos y mezcla rock instrumental con elementos de funk, blues y fusión jazz. Comienza el disco con Musterion, un atmosférico tema que juega con sonidos oscuros y complejas técnicas de guitarras, dando a la canción un toque enigmático y sensación de misterio. Overdriver tiene un toque de groove y ya comienza a presentar una mezcla de rock ron toques funk. I Just Wanna Rock continúa con la exploración de lado humanista de los robots, algo que ya hizo Satch en Super Colossal (2006) con la canción "One Robot's Dream". La canción trata sobe las experiencias de un robot en un concierto de rock. Professor Satchfunkilus es el tema que da título al disco, donde destaca la estructura improvisada del tema sobre una atmósfera muy funky, mostrando el lado más experimental de Satch. Revelation cierra la cara A, y fue escrita sobre la muerta del padre de su amigo, el guitarrista Steve Morse. También es un tributo a la forma y estilo de de tocar de Morse.

La cara B comienza con Come On Baby, que, como explica Satriani, fue escrita en 1993 en medio de una tormenta de nieve durante unas vacaciones en el Lago Tahoe. Su hijo ZZ, quien colabora además en este disco con el saxofón, más tarde lo animó a terminar la pieza, con lo que se convirtió en la tercera canción dedicada a su esposa Rubina (después de "Rubina" de Not of This Earth '1986' , y "Rubina's Blue Sky Happiness" de The Extremist '1992' ). Más tarde también serái utilizada por el patinador artístico canadiense Vaughn Chipeur para su programa corto en el Campeonato  Canadiense de Patinaje Artístico de 2010. Out of the sunrise nos aporta una sensación relajante, invitando al oyente prácticamente a meditar, con sus tonos melódicos y suaves. Diddle-Y-A-Doo-Dat nos sigue aportando un toque muy funky y juguetón. Se nota que Satch está disfrutando con la dinámica y las armonías de esta canción. Asik Vaysel se inspiró en el fallecido músico turco Asik Veysel. Cuando Joe Satriani llegó a Turquía para dar un concierto, escuchó el disco del músico turco Asik Veysel y se sintió inspirado para escribir esta canción sobre él. En el álbum, el nombre de Asik Veysel está escrito incorrectamente: V a ysel. Satriani dijo que lo escribió correctamente en su cuaderno; pero en algún momento de la producción del álbum se produjo este error ortográfico. Cierra el álbum Andalusia, tema también dedicado a Asik Veysel. Es uno de los momentos más destacados del disco, y  Comienza con una introducción acústica inspirada en el flamenco, para luego transicionar a una parte eléctrica más potente y emocional. La canción presenta una melodía (de 1:40 a 1:53) que Satriani tocó previamente en su video de 1993 The Satch Tapes, durante un segmento de guitarra acústica. 

Professor Satchafunkilus and the Musterion of Rock quizás no tenga el mismo impacto que discos más icónicos como Surfing with the Alien o The Extremist, pero tiene momentos muy buenos, mezclando rock instrumental con elementos de funk, blues y fusión jazz, demostrando cómo Satriani puede transmitir emociones únicamente a través de su guitarra. También en una muestra de que a Satriani no le tiembla la mano a la hora de arriesgarse, innovar y no caer en el estancamiento.

Joe Satriani - Is There Love In Space? (Mes Joe Satriani)

La vida de un virtuoso instrumental no siempre es fácil en el mundo de la música cuando se trata de aparecer con material nuevo y fresco en cada álbum. Considero que hay dos grandiosos guitarristas en este rock olvidado de Dios que están inventando de manera notable, esos hombres son Steve Vai y su maestro de corta duración, amigo de mucho tiempo y el hombre en cuestión aquí, Joe Satriani. Desde las excelentes instrumentaciones melódicas basadas en el groove de los años 80 hasta los toques más experimentales y basados ​​en la tecnología de los años 90, Satch ha producido álbumes a un ritmo constante y con una deliciosa variedad. Satriani nunca ha sido de los que evitan probar cosas nuevas y tomar riesgos. Is There Love In Space? es su noveno álbum de estudio, y debo decir que es mixto. Joe Satriani ha hecho del rock instrumental un arte. ¿Por qué, entonces, siguió intentando cantar? Creo que hablo por la mayoría de la gente cuando digo que las pistas instrumentales de Flying In a Blue Dream de 1989 eran el álbum "real", pero lamentablemente se vieron interrumpidas por una serie de pistas vocales bastante regulares, de hecho, eliminar esas pistas vocales y convertir todo en instrumental da como resultado una experiencia auditiva mucho más satisfactoria. Joe dejó de cantar por un tiempo, y sólo ofreció un mínimo esfuerzo vocal en su álbum homónimo con tintes blues de 1995, e incluso en ese entonces, su canto se vio atenuado por la distorsión y por estar oculto en la mezcla. Tal vez la grabación de Live In San Francisco de 2001 reavivó la necesidad de cantar de nuevo, porque incluía la pista vocal de Flying "Big Bad Moon". Luego Satriani volvió a sacar el micrófono en Is There Love In Space, que salió el 13 de abril de 2004, la fortaleza de Joe Satriani reside en su habilidad para crear música instrumental que puede cautivar tanto a los guitarristas como a los oyentes ocasionales, no hace falta saber nada de guitarra para apreciar el sentido de la melodía de este músico, y ese es realmente su mayor don. Puede que posea dedos de oro, pero lo que más llama la atención es la habilidad con la que maneja las canciones sin acompañamiento vocal.

El tema de apertura Gnaahh presenta un agradable ritmo funky que lleva el álbum hacia arriba con un excelente Groove, y destaca el riff de pedal whammy inquietante, hay mucho pedal whammy en este álbum, probablemente más que en los anteriores. Up in Flames se basa en un riff muy distorsionado que me recordó a algunas de las canciones de Strange Beautiful Music, el solo también recuerda al de Mystical Potato Head Groove Thing. En general, la canción fluye muy bien con una fusión de blues y rock. Hands in the Air es otra melodía que comienza con un riff muy distorsionado, no estoy seguro de si las guitarras están afinadas más abajo o se usa una guitarra de 7 cuerdas, porque suena un poco más bajo (algo similar a Mind storm de SBM), se muestra un Satriani sorprendentemente pesado en el trabajo con los grandes riffs de apertura. Cuando a uno le falta un vocalista en la mayor parte de la música, algún instrumento tiene que "tomar el control" del lugar del cantante, de alguna manera. Satch siempre ha sido un maestro en esto, usando la guitarra como un "vocalista" que lleva las melodías en lugar de tocar sin parar con velocidad. Lifestyle es una de las raras melodías en las que hay letra, a mí personalmente, no me gusta demasiado esta canción, tiene ese aire bluesero, pero la letra parece demasiado topica para una canción como esta. "And you never make sense because you're too busy having a blast; I know we have no future cause you just can't remember the past, whooaaa"... Oh, vamos, para un tipo que hizo canciones como Flying in a Blue Dream, Satch Boogie, Raspberry Jam Delta-V, etc., etc., cantar este tipo de cosas es un poco "raro". Aun así, creo que el solo es realmente bueno, la mejor parte de la canción. Su voz no ha cambiado mucho desde Flying In A Blue Dream, que considero su mejor momento, donde también canta en algunas pistas, pero las interpretaciones vocales no están realmente a la altura.

Is there Love in Space, tengo que decir que la canción principal no es mi favorita del álbum. Sin embargo, amigo, a pesar de su tono poco ortodoxo, te hace escucharla más de un par de veces antes de que realmente "la entiendas", no es una canción rápida de ninguna manera (al menos la primera mitad), aunque no la llamaría balada. La segunda mitad mejora bastante, llena del característico tono wah "cry-baby" de Joe, mi parte favorita de la canción es el final, muy suave y a la vez increíblemente rápido. If i could fly debe ser agregada a cualquier lista de los mejores momentos de Joe Satriani, la canción combina sus solos con una melodía pegadiza, enérgica y alegre que se queda en tu cabeza durante horas, es sin duda, mi canción favorita del álbum y una de las canciones favoritas de Satch de todos los tiempos. Comienza con un riff simple y limpio, que retoma con el solo de Joe, hay patrones fácilmente reconocibles en la canción, además de que es muy pegadiza. A veces, es imposible no asentir con la cabeza cuando la escuchas. ¡Brillantez pura! Y seguimos para bingo porque llega mi segunda canción favorita del álbum The Souls of Distortion, y sí, tiene tonos de distorsión, la canción está llena de fusiones realmente geniales de wah y distorsión que crean algunas entonaciones geniales en los riffs principales cuando llevas un tercio de la canción se rompe en un solo, que cambia un poco las cosas, el tono de la guitarra es lo que realmente hizo que me fijara en esta canción. Just Look Up es la única balada pura, recuerda mucho a canciones como Home, Cryin' y Until we Say Goodbye, la guitarra de Joe suena bien respaldada por un tono acústico suave, en general una melodía agradable y relajada. I like the Rain es la segunda canción en el álbum que realmente tiene letra, no soy fanático de las letras de Joe, pero aquellos de ustedes a quienes les gustó "Big Bad Moon", definitivamente disfrutarán de esta. En términos de estructura de la canción y riffs, las 2 canciones se recuerdan mucho entre sí, incluso los solos (aunque esta vez no hay armónica). Searching es un verdadero maratón de canción, en mi opinión, quitaria toda la parte del medio y la acortaba. La melodía comienza con un solo de Joe y rápidamente se convierte en un increíble riff de whammy que probablemente sea imposible de tocar. Sin embargo, justo después, la canción se convierte en un solo largo y aburrido. Sin subestimar la habilidad de Joe, toda esta parte podría haberse omitido fácilmente. El outro es prácticamente el mismo que el principio, y sí, el brillante riff de whammy está ahí, el único lado positivo de la canción. Finaliza el álbum con Bamboo que comienza con un riff de punteo limpio. Más tarde, la canción se convierte en un solo de jazz tocado sobre una línea de bajo interesante. Buena canción en general.

La producción del álbum es muy cruda y áspera, lo que funciona en su mayor parte, pero me hubiera venido bien un poco más de fuerza y ​​mordacidad en los sonidos. La batería también tiende a quedar sepultada en algunas partes, pero, por supuesto, la guitarra es el elemento principal aquí. En general, el álbum es una mezcla del rock estilo Surfing de los 80 de Satch y los sonidos más experimentales estilo Engines de los 90. No es su mejor trabajo, pero es un disco instrumental muy decente. Con algunos rockeros más animados, habría sido mucho mejor. Para aquellos que buscan un disco un poco más suave, pero aun así oscuro, este es definitivamente para ustedes.

Electric Light Orchestra - Zoom (Mes Electric Light Orchestra)

Zoom, Electric Light Orchestra

 

     Zoom es el duodécimo álbum de estudio de la banda británica de rock sinfónico Electric Light Orchestra. Grabado entre los años 2000 y 2001 bajo la producción del líder del grupo Jeff Lynne, fue publicado el 12 de junio de 2001 bajo el sello discográfico Epic Records. Este fue el primer álbum oficial del grupo tras Balance of Power, publicado en 1986. El disco fue concebido en su mayoría únicamente por Jeff Lynne, que contó  con músicos invitados como George Harrison y Ringo Starr. Fue también el primer trabajo que no presentaba al baterista original Bev Bevan, y fue una de las últimas grabaciones de George Harrison antes de su muerte. El único miembro, además de Lynne, que aparece en el álbum es Richard Tandy, que aparece en la canción de apertura y actuó en vivo en conciertos promocionales.

A diferencia de las producciones con sintetizadores que se escuchaban en la década de los 80, Zoom tiene un sonido más orgánico, y vuelve a utilizar una sección de cuerdas mediante chelos. El 19 de abril de 2013, el sello discográfico Frontier Records publicó una versión remasterizada de Zoom con dos canciones extra: una versión en directo de "Turn to Stone", interpretada en CBS Television City de Los Ángeles durante la grabción de Zoom Tour Live, y "One Day", una canción inédita grabada en 2004.

El proceso creativo de Jeff Lynne para el disco fue a través de un viaje personal y musical, suponiendo un regreso a las raíces. Después de una pausa de 15 años, Lynne decidió revivir ELO, quería volver a las raíces del sonido clásico de la banda, fusionando rock, pop y elementos clásicos. Para ello el artista mezcló la mayor parte del álbum en su estudio casero, lo que le dio libertad creativa para experimentar con arreglos y sonidos. Las letras del disco reflejan experiencias personales y reflexiones de Lynne. El artista utilizó gran variedad de instrumentos, incluyendo chelos, para darle al disco un sonido más orgánico. La mezcla de melodías pegajosas y armonías vocales distintivas fue otra de las características del proceso creativo de Lynne. 

Hay quien se pregunta por qué no fue este un álbum en solitario de Jeff Lynne, pues quizás porque fue diseñado para que fuera un regreso al sonido clásico de ELO. Además de eso, la producción, aunque claramente no es producto de los años 70 / 80, evita gran parte del estilo de sobreproducción moderna, que imperaba en la época, y suena calida y acogedora. También hay quien acusaba a Lynne de no inventar nada nuevo, lo que está claro es que su propósito no era ese, sino regresar al clásico sonido de la banda. Lynne nos regala un álbum con canciones increíblemente bien elaboradas, no cayendo en la sobreproducción, ofreciendo un álbum final de pop clásico con unos arreglos magníficos de rock y sinfónicos. 

Como he comentado anteriormente, Lynne retoma la esencia del sonido clásico de la ELO, caracterizado por la fusión de rock, pop y elementos sinfónicos. Lynne asumió la mayor parte de la producción y grabación en su estudio casero, lo que le dio tiempo para experimentar con gran cantidad de arreglos y sonidos diferentes. También contó con colaboraciones, como la de George Harrison, dándole a la canción "Alright" un toque distintivo. En cuanto a las letras, la inspiración de Lynne proviene de diversas fuentes y experiencias personales y reflexiones, componiendo estas con su característico estilo lírico y melódico. En cuanto a las canciones, muy destacables Alright, una optimista canción donde la voz de Lynne cuenta con la colaboración de la guitarra de George Harrison. La amistad de Lynne y Harrison se remonta a los días de The Traveling Wilburys, y eso se nota en esta posterior colaboración; la emotiva Moment in Paradise, un claro ejemplo de donde podría venir la letra, de experiencias personales, reflexiones sobre la vida y la búsqueda de momentos especiales de Jeff Lynne; y State of Mind, canción llena de energía que era un fiel reflejo del estado de Lynne en ese momento. En cuanto a las letras de esta canción, estas sugieren una lucha interna y la búsqueda de la racionalidad.

Zoom no obtuvo un gran éxito comercial, pero con el tiempo se ha ido ganando el aprecio y respeto de los fans de la banda, que apreciaron el regreso a sus raíces musicales. Estamos ante un disco que combinaba muy acertadamente nostalgia, creatividad y buenas colaboraciones, y que se acabó convirtiendo en algo más que un simple álbum, un álbum de culto para los verdaderos fans de Lynne y del grupo.

Madonna - Confessions on a Dance Floor (Mes Madonna)

 

Confessions on a Dance Floor, Madonna

     Confessions on a Dance Floor es el décimo álbum de estudio de la cantante y compositora estadounidense Madonna. Este trabajo supuso una desviación completa de su anterior disco, American Life (2003), ya que la artista apostó por unos sonidos con influencias de la música disco de los años 70, el electropop de los años 80 y la música de club de los 2000. Fue grabado entre noviembre de 2004 y junio de 2005 en los Mayfair Studios de Londres y los Murlyn Studios de Estocolmo, y publicado el 9 de noviembre de 2005 por el sello discográfico Warner Bros. Records. Inicialmente, la artista comenzó a trabajar con el productor Mirwais Ahmadzaï, pero luego sintió que la colaboración no iba en la dirección que ella deseaba, por lo que acabó trabajando con  Stuart Price, quien estaba supervisando su documental I'm Going to Tell You a Secret (Voy a contarte un secreto).

Musicalmente, el disco está estructurado como un set de DJ.  Las canciones están secuenciadas y mezcladas para que se rerpoduzcan continuamente sin espacios. El título surgió del hecho de que la lista de canciones del disco constaba de canciones alegres al principio, para luego avanzar hacia melodías y letras mucho más oscuras que describían sentimientos y compromisos personales. Las canciones del álbum muestrean y tienen referencias a la música de otros artistas orientados a la música disco y dance, como ABBA, Dona Summer, Pet Shop Boys, Bee Gees o Depeche Mode entre otros. 

Confessions on a Dance Floor recibió muy buenas críticas por parte de la prensa especializada, que lo calificaron como uno de los mejores álbumes de la artista, llegando a ganar el premio Grammy al Mejor álbum de Electrónica/Dance en 2007, y el premio a la Artista Solista Femenina Internacional en los BRIT Awards de 2006. Comercialmente el disco llegó a alcanzar el puesto número uno en 40 países, consiguiendo figurar en el Guinnes World Records por encabezar las listas de ventas en la mayoría de los países. Sus cifras lo convirtieron en uno de los álbumes más vendidos del Siglo XXI, y fue calificado por la prestigiosa revista Vice como el tercer mejor álbum de su lista de los "99 mejores álbumes de baile de todos los tiempos".

En este trabajo Madonna fuionó elementos de la música disco de los 70, el electropop de los 80 y la música de club de los 2000. Quería incorporar estas influencias mientras intentaba no caer en el hecho de tener que repetir o rehacer su múscia del pasado. Quería rendir tributo y homenaje a artistas como los Bee Gees o Giorgo Moroder entre otros. Las canciones reflejaban lo pensamientos de Madonna sobre el amor, la fama o la religión entre otros temas, de ahí el título "Confesiones en una pista de baile". 

Estamos ante un disco estructurado como si fuera un set nocturno compuesto por un DJ. La música comienza ligera,y felíz, y a medida que avanza se vuelve más interna e introspectiva con Madonna hablando de sus sentimientos personales. Según Madonna, el título del disco hablaba de su reverencia y admiración por el género y su dedicación al oficio. Pretendía hacer un disco que se puediera poner en una fiesta o en tu coche, donde no tuvieras que pasar por alto un solo tema. Madonna utilizó muestreos y referencias de otros artistas, como por ejemplo,en la primera canción del álbum, Hung Up, donde sampleó el éxito de ABBA de 1979 "Gimme! Gimme! Gimm! (A Man After Midnight)". La artista escribió una carta personal a los compositores de la canción, Benny Anderson y Björn Ulvaeus, quienes le permitieron usar la pista para su tema. También utilizó referencias de artistas como Pet Shop Boys, Depeche Mode, Daft Punk o el DJ francés Cerrone. El disco contiene una canción llamada Forbidden Love, la cual es diferente de la canción del mismo título que está incluida en sus sexto álbum de estudio, Bedtime Stories.

La canción del disco más cercana a una balada, Isaac, estuvo rodeada de cierta polémica, ya que fue criticada por un amplio grupo de rabinos que consideraron que Madonna estaba cometiendo una blasfemia contra su religión, ya que pensaban que la canción trataba sobre el erudito del siglo XVI Yitzhak Luria. En realidad la canción llevaba el nombre del vocalista Yitzhak Sinwani, quien cantó partes del poema hebreo "Yemenita Im Nin'alu" en la pista, así como referencias a la historia bíblica de Abraham e Isacc. Las letras de las canciones del disco incorporan fragmentos de la historia musical de Madonna y están escritas a modo de "confesiones". Hung Up contiene la letra del dueto de Madonna con Prince de 1989 llamado "Love song", del álbum Like a Prayer. How High tiene referencias de dos canciones del octavo álbum de Madonna, Music, "Nobody's Perfect" y "I Deserve It". La letra de Push agradece a la persona que la retó superar sus límites y además incorpora elementos de la canción de Police "Every Breath You Take". Sorry incluye la palabra del título en diez idiomas diferentes. Y En I Love New York elogia la ciudad donde comenzó su carrera musical y responde a comentarios negativos vertidos por George W. Bush.

Se editaron cuatro sencilos del álbum: Hung Up, que fue el principal del disco. Fue muy elogiada por la crítica, que consideró esta canción como la mejor del género que Madonna había hecho hasta la fecha y además alabaron la eficaz sincronización de la muestra de ABBA que Madonna utilizó en esta canción; Sorry, que fue lanzado como sengundo sencillo del álbum; Get Together, lanzado como tercer sencillo. Los críticos elogiaron la capacidad de Madonna en esta canción para convertir comentarios "cliché" en eslóganes pop; y Jump, lanzado como cuarto y último sencillo.

Confessions on a Dance Floor recibió elogios generalizados de la crítica muscial espcializada. Fue aclamado por su enfoque innovador en la producción y su sonido retro-moderno que evocaba la era disco de los años 70 y 80. Estamos ante un disco con una muy buena cohesión que fue diseñado como una experiencia, de principio a fín, para la pista de baile. Además, Madonna fue elogiada y salió muy reforzada por su capacidad para reinventarse una vez más y ser capaz de mantenerse en la primera plana de la escena musical.

El disco de la semana 373: Explorando la Energía Reveladora de Onda Vaga, Una Inmersión en su Álbum Debut "Fuerte y Caliente"

El disco de la semana 373: Explorando la Energía Reveladora de Onda Vaga. Una Inmersión en su Álbum Debut "Fuerte y Caliente"

En el vasto universo de la música independiente argentina-uruguaya, hay una constelación de talentos que iluminan el panorama sonoro con su frescura y originalidad. Entre estas estrellas brillantes se encuentra Onda Vaga, una banda cuyo nombre evoca la energía insondable de las olas del mar y cuya música fluye con la misma vitalidad y vitalidad. En este artículo, nos sumergiremos en el hipnótico océano de sonidos de Onda Vaga, centrándonos en su álbum debut, "Fuerte y Caliente", un viaje auditivo que cautiva y revela la esencia misma de la banda.

El Espíritu de la Ola: Onda Vaga

Onda Vaga, formada en el año 2007, se distingue por su estilo ecléctico y su enfoque innovador hacia la música. Conformada por Nacho Rodríguez (voz y guitarra), Marcos Orellana (voz, guitarra y acordeón), Marcelo Blanco (voz, guitarra y percusión), Tomás Justo Gaggero (bajo y voz) y Germán Cohen (batería y voz), la banda fusiona una amplia gama de influencias musicales que van desde el folk hasta el reggae, pasando por el rock y la música tradicional argentina.

Desde sus primeros pasos, Onda Vaga irrumpió en la escena musical con una frescura y una energía contagiosas. Su música, impregnada de un espíritu nómada y aventurero, invita al oyente a embarcarse en un viaje sonoro lleno de sorpresas y emociones. Con una instrumentación variada que incluye guitarras, acordeones, percusión y voces que se entrelazan en armonías exquisitas, Onda Vaga crea paisajes sonoros que son al mismo tiempo íntimos y expansivos.

Fuerte y Caliente: El Debut Revelador

En el año 2008, Onda Vaga lanzó su álbum debut, "Fuerte y Caliente", un trabajo discográfico que sentó las bases para su ascenso meteórico en la escena musical. Desde el primer acorde, el álbum emana una energía palpable y una sensación de calidez que envuelve al oyente. Con once canciones que exploran una amplia gama de temas y emociones, "Fuerte y Caliente" es un viaje musical que deja una impresión duradera.

El álbum se abre con "Parque", una canción que establece el tono con su ritmo animado y sus letras evocadoras. Con su melodía pegajosa y su atmósfera festiva, "Parque" invita al oyente a sumergirse en el mundo vibrante de Onda Vaga y dejar atrás todas las preocupaciones.

A lo largo del álbum, Onda Vaga demuestra su habilidad para fusionar diferentes estilos musicales de una manera fluida y cohesiva. Canciones como "Mambeado" y "Serpientes y Escaleras" son ejemplos perfectos de esta fusión, combinando elementos de reggae, folk y rock en una mezcla irresistible. Con letras que oscilan entre lo poético y lo mundano, Onda Vaga teje historias cautivadoras que resuenan con la experiencia humana.

Una de las joyas ocultas de "Fuerte y Caliente" es "Tataralí", una balada melancólica que destaca por su belleza lírica y su emotiva interpretación vocal. Con su melodía delicada y su letra conmovedora, "Tataralí" es una canción que deja una marca indeleble en el corazón del oyente.

El álbum cierra con "Juntito", una canción que resume perfectamente el espíritu de camaradería y conexión que define la música de Onda Vaga. Con su ritmo contagioso y sus armonías exuberantes, "Juntito" es un himno a la amistad y la solidaridad que deja al oyente con una sensación de alegría y satisfacción.

Un Viaje Inolvidable "Fuerte y Caliente" de Onda Vaga es mucho más que un simple álbum debut; es un testimonio del talento y la creatividad de una banda que ha sabido conquistar corazones con su música sincera y emotiva. Con su mezcla ecléctica de estilos y su enfoque audaz hacia la composición, Onda Vaga ha creado un trabajo discográfico que resiste el paso del tiempo y sigue siendo tan relevante y estimulante como el día en que fue lanzado.

Al sumergirse en las profundidades de "Fuerte y Caliente", el oyente se encuentra inmerso en un mundo de sonidos y emociones que despiertan los sentidos y alimentan el alma. Con cada nota y cada palabra, Onda Vaga nos invita a explorar los rincones más oscuros y luminosos de la experiencia humana, recordándonos que, en última instancia, somos todos viajeros en este vasto océano de vida.

Así que la próxima vez que necesites un impulso de energía o un recordatorio de la belleza del mundo que nos rodea, simplemente ponte "Fuerte y Caliente" de Onda Vaga y déjate llevar por la marea de su música etérea y transformadora. Te prometo que no te arrepentirás.

Daniel 

Instagram storyboy 

Red Hot Chili Peppers - By the Way (Mes Red Hot Chili Peppers)

 

By the Way, Red Hot Chili Peppers

By the Way es el octavo álbum de estudio de la banda estadounidense Red Hot Chili Peppers. Estamos ante un canto a la vida y al amor, todo un ejercicio optimista de un renacido Frusciante que por fín había visto la luz después de sus adicciones. Se notaba que la alegría había vuelto en el seno de la banda. Fue grabado entre noviembre de 2001 y mayo de 2002 en Los Angeles, California, bajo la producción de Rick Rubin, y publicado el 9 de julio de 2002 por el sello discográfico Warner Bros. Records. Fue un éxito rotundo desde el primer momento, pues ya en la primera semana había vendido más de 285.000 copias, y llegó a alcanzar el puesto número 2 en la lista estadounidense Billboard 200.

By the Way supuso una desviación sobre el sonido y estilo de la banda en discos anteriores debido a los tenues y melódicos sonidos transmitidos por la banda en este álbum. John Frusciante escribió la mayoría de las melodías del disco, arreglos vocales, líneas de bajo y progresiones de guitarra, lo que cambió la dirección de la grabación, y Kiedis adoptó un enfoque más sincero y reflexivo en las letras de este trabajo. Por otro lado, la banda sacrificó ese sonido fusionado de funk y metal, una de sus grandes señas de identidad. 

La preparación del álbum comenzó justo después de la finalización de la gira mundial de Californication en la primavera del año 2001, y gran parte del trabajo se realizó en las casas de los miembros de la banda y en estudios de grabación. Frusciante y Kiedis colaboraron durante días, discutiendo progresiones de guitarra y compartiendo letras, algo que valoraba muy positivamente Kiedis: "escribir las canciones fue una experiencia completamente diferente a Californication. John volvió a ser el mismo y rebosaba confianza". El elegido para la producción fue finalmente Rick Rubin, pues era una persona que solía dejar espacio y libertad creativa, y eso era esencial para el grupo. En cuanto al álbum, Frusciante tenía la intención de que tuviera dos tipos diferentes de canciones, unas que sonaran más "inglesas" y melódicas, y otras que estuvieran más influenciadas por el punk rock. El productor Rubin no estaba familiarizado ni con las bandas ni con el sonido punk rock, y pensó que las canciones melódicas eran originales y más emocionantes por lo que se acabó apostando por el material más melódico en este trabajo. 

Por otro lado, Flea quería que la banda volviera a su anterior sonido influenciado por el funk, y Frusciante pensaba que ya habían explorado a fondo el funk y estaba más interesado en crear algo nuevo para el grupo. Esto empezó a alejar a Flea, quien pensó que su voz no era escuchada y consideró muy en serio el hecho de dejar la banda. El conjunto de guitarra y bajo fue dictado principalmente por Frusciante y el disco tomó una dirección diferente a cualquier álbum anterior, pues Frusciante había buscado crear un paisaje sonoro emociona y conmovedor a lo largo de las grabaciones. Ante todo esto, Flea consideraba que no tenía nada que ofrecer. Frusciante no tenía idea de como se sentía Flea y no tenía intención de hacerse cargo ni de dejar que se marchara, por lo que finalmente se juntaron para resolver sus diferencias, ayudados los dos por el ejercicio de la meditación. En cuanto a las letras, Kiedis mostró las influencia que tenía en aquel momento por el amor, su novia y las emociones que se expresan cuando uno se enamora. Las drogas también tuvieron su espacio en las letras, sus relaciones con ellas, los efectos nocivos que estos le provocaron, el peligro constante de una recaída, y el recuerdo de su amigo y fundador del grupo, el guitarrista Hillel Slovak. 

Entramos en materia, la cual comienza con el tema que da título al álbum, By the Way, donde gran parte de la letra se basa en un divertido juego de palabras de Anthony Kiedis. También hace mención a una chica llamada Dani, que también había aparecido en el álbum Californication (1999). Sobre la citada chica, Kiedis afirmaba que era una representación de cada chica con la que se había cruzado en la vida. En cuanto a la música, se utilizaron varios dispositivos para alterar secuencias de guitarra y voz. Universally Speaking es una de las que abordan las drogas, concretamente el consumo de heroína. Se grabó un vídeo de esta canción donde se muestra a un taxista recorriendo un largo camino hasta llegar a un concierto de Red hot Chili Peppers solo para darle Kiedis una revista que dejó olvidada en el taxi. This Is the Place aborda la adicción a las drogas de Kiedis y menciona las calles donde solía ir a conseguirlas. También hace referencia en la letra a Hillel Slovak: "El día en que murió mi mejor amigo". Dosed, a través de la temática del muerte y la pérdida de alguien cercano a tí, es todo un tributo a Hilll slovak. Don't Forget Me sigue la temática de las canciones anteriores, la adicción a las drogas, en este caso del vocalista Kiedis, donde habla de su rehabilitación y de cómo estuvo encerrado en una celda durante dos semanas para superarlas. En la canción se usó un mellotron, un pedal wah y técnicas de eco para transmitir una atmósfera emotiva. The Zephyr Song emana una ligera ráfaga de aire cálido. Kiedis evoca con sus letras el cortejo a una hermosa chica y le pide que se "vaya volando" con él para ser siempre feliz. Puede que la canción se refiera en parte a una de sus ex novias, la cual solía tomar cocaína con él, y de la euforia que sentían cuando estaban juntos y consumían. la letra de Can't Stop se escribió en torno a la música ya compuesta, y es una colección de pensamientos un tanto aleatoria, con algunas rimas creativas para adaptarse al ritmo de la canción. Esta canción anima al oyente a vivir con pasión e individualidad, algo que los Red Hot Chili Peppers han hecho durante toda su carrera. Es una de las canciones, junto a By the Way, donde el grupo vuelve a su famoso estilo basado en el funk, con versos cortos y rapeados. El vídeo musical que se hizo de esta canción se inspiró en las obras del artista austriaco Erwin Wurm llamadas "One Minute Sculptures", las cuales son una serie de esculturas realizadas de una manera muy creativa, utilizando e cuerpo humano como parte de la composición. I Could Die for You trata sobre el amor verdadero de una persona, tan apasionado que es capaz de arriesgar su propia vida por la otra persona a la que ama. Kiedis la escribió para su novia en aquel momento.

Abre la cara B Midnight, una atmosférica pista con sonidos etéreos y ambientales que sirve como interludio entre canciones. Throw Away Your Television, con su ritmo funky, critica la influencia negativa de los medios de comunicación en la sociedad. Muy destacable la línea de bajo funky de Flea en una canción que se asoma al rock experimental gracias al uso de la distorsión en todo el verso y el estribillo. El título Cabron se inspiró precisamente en la palabra española, y en la letra abordan el hecho de tener una relación en un barrio controlado por pandillas. Es la única pista del álbum que se reproduce de forma completamente acústica. Frusciante afirmaba que para las partes de guitarra se inspiró en la forma en que el guitarrista Martin Barre tocaba en el disco Aqualung de Jethro Tull, y las partes de Kiedis y Smith contribuyeron a darle un toque latino. Tear es una emotiva balada donde Kiedis nos expresa sentimientos de dolor y deseo de sanación. Musicalmente la canción se basa más en el teclado que en el bajo o la guitarras. On Mercury es una enérgica canción con un fulgurante ritmo y unas surrealistas letras que evocan imágenes de viajes intergalácticos. Minor Thing es todo un alegato, una oda a la vida. Con su ritmo funky la letras reflexionan sobre la naturaleza efímera de la vida y la importancia de vivir en el momento presente. Warm Tape es una canción atmosférica con elementos electrónicos y letras introspectivas que exploran temas como la autoaceptación y la transformación personal. Venice Queen es la canción que cierra el álbum. Kiedis escribió la canción sobre Gloria Scott, una famosa consejera sobre drogas que trabajaba en Cri-Help en North Hollywood, California, y que vivió en Venecia. Gloria, con su trabajo en Cri-Help, ayudó durante su vida a miles de personas a recuperarse de la adicción a las drogas. Gloria falleció de cáncer, y ella y Kiedis se hicieron amigos mientras el era adicto y se recuperaba de su adicciones.

By the Way fue un gran éxito comercial, alcanzando el puesto número dos en la lista estadounidense Billboard 200. el disco marcó un cambio en el sonido de Red Hot Chili Peppers hacia un enfoque más melódico y experimental, alejándose del funk rock que caracterizaba sus trabajos anteriores, incorporando una variedad de estilos musicales, como el pop, el rock alternativo o el punk, lo que mostró su versatilidad y madurez como músicos. Las letras eran más introspectivas y reflexivas, abordando temas como el amor, la pérdida, la redención, la adicción y la autoaceptación. Todo esto hizo que el disco tuviera un impacto muy significativo, consolidando al grupo como uno de los más importantes, en aquel momento, de la escena del rock alternativo de la época.

Echoes, Patience and Grace - Foo Fighters (Mes Foo Fighters)

Descubriendo la Magia de "Echoes, Patience and Grace": Un Viaje a Través del Último Clásico de Foo Fighters

En 2007, Foo Fighters nos regaló un tesoro sonoro que ha resistido el paso del tiempo y ha dejado una huella imborrable en el panorama del rock: "Echoes, Patience and Grace". Este sexto álbum de estudio, liderado por la incomparable presencia de Dave Grohl, se erige como una obra maestra que fusiona la energía cruda del rock con la madurez lírica y artística de una banda en la cima de su juego.

Desde el épico inicio con "The Pretender", un himno que establece el tono con su potente riff de guitarra y la inconfundible voz de Grohl, hasta la emotiva despedida con "Home", cada pista de este álbum es un viaje por la maestría musical de Foo Fighters.

- "Let It Die" nos sumerge en una introspección melódica, con su cautivadora melodía y letras reflexivas, marcando un contraste perfecto con la energía de la canción anterior.

- "Erase/Replace" nos golpea con la potencia característica de la banda. Los riffs de guitarra abrasadores y la entrega apasionada de Grohl hacen de esta pista un himno de rock enérgico.

- "Long Road to Ruin" destaca con su melodía pegajosa y letras que exploran los desafíos en la vida. La combinación de la voz melódica de Grohl y los arreglos instrumentales sólidos la convierten en una de las pistas más destacadas del álbum.

- "Come Alive" muestra la versatilidad de la banda, comenzando suavemente y construyendo gradualmente hacia un clímax emocional. Los arreglos orquestales adicionales agregan una capa de profundidad, destacando la habilidad de Foo Fighters para experimentar con su sonido.

- "Stranger Things Have Happened" es una balada acústica que revela la destreza compositiva de Grohl. La vulnerabilidad de la letra y la emotividad en la interpretación vocal hacen de esta pista una joya introspectiva.

- "Cheer Up, Boys (Your Make-Up Is Running)" añade una dosis de energía al álbum con sus riffs de guitarra y ritmo enérgico, equilibrando la introspección con la potencia del rock.

- "Summer's End" evoca una sensación de nostalgia y reflexión, explorando la fugacidad del tiempo con una melodía suave y letras emotivas.

- "Ballad of the Beaconsfield Miners" es una pieza instrumental y emotiva que rinde homenaje a los mineros atrapados en Beaconsfield, Tasmania, destacando la habilidad musical de la banda.

- "Statues" es una canción acústica que presenta letras poéticas y una melodía suave, mostrando la versatilidad de Foo Fighters en la exploración de diferentes estilos y emociones.

- "But, Honestly" combina fuerza y vulnerabilidad, destacando la habilidad de la banda para fusionar letras significativas con un sonido potente.

- "Home" cierra el álbum con una conclusión reflexiva, ofreciendo una melodía suave y letras emotivas.

Foo Fighters demuestra su versatilidad con este álbum, explorando desde la energía cruda del rock hasta momentos de reflexión y experimentación sonora. "Echoes, Patience and Grace" es una amalgama de estilos y emociones que se entrelazan para crear una experiencia musical completa.

El álbum no solo cautivó nuestros corazones; también se apoderó de las listas de éxitos. Debutó en el número uno en múltiples países y las ventas globales superaron millones, consolidando a Foo Fighters como iconos del rock contemporáneo.

Este álbum es más que una colección de canciones; es un testimonio del genio musical de Foo Fighters. Con su capacidad para fusionar letras significativas con poderosos riffs, han creado una obra que no solo se destacó en su tiempo, sino que continúa inspirando a nuevas generaciones de amantes del rock.

En conclusión, "Echoes, Patience and Grace" es un viaje musical que merece ser explorado y celebrado. Una pieza clave en la historia del rock que sigue resonando con la misma intensidad y relevancia que el día en que fue lanzado. Así que, ¿por qué no sumergirse en este clásico atemporal y redescubrir la magia de Foo Fighters? La recompensa es una experiencia musical que perdura, mucho después de que las notas hayan dejado de sonar.

Daniel
Instagram storyboy

One By One - Foo Fighters (Mes Foo Fighters)

One By One, Foo Fighters

     One by One es el cuarto álbum de estudio del grupo de rock estadounidense Foo Fighters, Fue grabado entre abril y mayo de 2002 en los estudios 666 de Alexandria, Virginia (Estados Unidos) bajo la producción del grupo, de Adam Kasper y de de Nick Raskulinecz, y publicado el 22 de octubre de 2002. La producción del disco fue bastante problemática debido a que las sesiones de grabación iniciales fueron consideradas insatisfactorias y las tensiones entre los miembros de la banda aumentaron debido a este hecho. Este álbum fue el primero que fue grabado con Crhis Shiflet (guitarra) como parte de la banda, que se unió a Dave Grohl (voz, guitarra y piano) quien no tocó la batería ya en este trabajo, Nat Mendel (bajo) y Taylor Hawkins (batería y percusión).  El disco fue un éxito comercial, encabezando las listas de éxitos en Australia, Irlanda y Reino Unido, vendiendo además más de un millón de copias en Estados Unidos.

El líder de la banda, Dave Grohl, comenzó a trabajar en este material para la banda en el año 2000 durante la gira de promoción de There Is Nothing Left to Lose (1999). Después de la citada gira, la banda empezó a componer canciones para un disco que debería haber salido a comienzos de 2001, pero el disco comenzó a demorarse por varios motivos. En agosto de 2001 una sobredosis deja fuera de juego a Hawkins, quien tuvo que tomarse un tiempo para su recuperación, y durante ese periodo Grohl aceptó una oferta para tocar la batería para Queens of the Stone Age. En octubre de 20001 el grupo se reunió para continuar con la composición del disco, trabajando con el productor de su álbum anterior, Adam Kasper y también con el ingeniero de sonido de dicho disco Nick Raskulinecz. Las sesiones de grabación fueron consideradas insatisfactorias debido, según Hawkins a que "nadie tenía sus habilidades de estudio juntas". Grohl consideraba que la banda tenía una carencia de entusiasmo y estaba demasiado centrada en la producción, añadiendo también que sentía que las mezclas en bruto "absorbían gran parte de la vida de las canciones y sonaban como otra banda tocando canciones nuestras". Todo esto hacía que las tensiones fueran creciendo desembocando en falta de entendimiento, mala actitud y desgana por parte de los miembros del grupo.

Lógicamente el resultado de esas sesiones no estuvo a la altura y el grupo de mostró decepcionado con las diez canciones resultantes de aquellas sesiones. El baterista Hawkins definió las pistas terminadas como "Demos de un millón de dólares", que es el importe de dinero que habían empleado precisamente para realizar dichas sesiones de composición y grabación. Al grupo, sólo le convencieron cinco de los diez temas, y pensó que los oyentes disfrutarían de las otras cinco de todos modos, sin embargo Grohl tenía miedo de promocionar el álbum debido a su falta de confianza en el mismo. Después de que el mánager Johm Silva escuchara las grabaciones, llegaron a la conclusión de que estas no representaban en absoluto a la banda, por lo que esta decidió descartar todas las grabaciones y tomarse un descanso. 

Después, cada uno de los miembros comenzó proyectos individuales, hasta abril de 2002, cuando el grupo se junta para un concierto programado en el Festival de Música y Artes del Valle de Coachella. Grohl sentía que podría ser el último concierto del grupo, ya que durante los ensayos las tensiones estallaron en grandes peleas, especialmente entre Grohl y Hawkins. Finalmente la banda decide tocar en Coachella antes de decidir si seguirán tocando juntos o no. Esto marcará un punto de inflexión en el grupo, ya que vuelve a disfrutar encima del escenario y decide mantenerse unido y volver a grabar de nuevo el álbum. Después de un breve periodo de descanso Grohl visita a Hawkins para reelaborar las canciones que ya se habían hecho y mostrarle nuevas composiciones, y después los dos se marchan a Virginia para rehacer las pistas de batería, voz y guitarra durante doce días. Mendel y Shiflett fueron llamados más tarde para grabar sus partes en un estudio de Los Ángeles. Por fín veía la luz el cuarto álbum de estudio de Foo Fighters.

One By One fue considerado el álbum más pesado de la banda, ya que el sonido tenía un enfoque más oscuro y agresivo en contraposición al sonido habitual de la banda hasta ese momento. El grupo había decidido ser más experimental y se nota en las letras, que son más introspectivas. El disco consigue capturar la esencia cruda y la potencia de la banda, fusionando su distintivo sonido grunge con una exploración más profunda de texturas y emociones. Tiene un comienzo explosivo con All My Life, que establece el tono visceral y enérgico que se extenderá por todo el disco. La fuerza de las guitarras distorsionadas y la pasión que Grohl pone en el apartado vocal se combinan para crear un sonido impactante que sumerge al oyente en un mundo de emociones internas. La diversidad musical se hace evidente en canciones como Times Like These, donde la banda muestra su habilidad para equilibrar melodías emocionales con momentos de pura energía y potencia instrumental. La profundidad de las letras se entrelazan con la música, creando una experiencia única para el oyente. También muestran un lado más reflexivo en canciones como Tired of You y Come Back, donde la intensidad se transforma en melancolía, destacando la versatilidad del grupo para explorar diferentes estados emocionales a través de su música. 

Estamos ante un disco que estuvo marcado por multitud de altibajos que culminaron con la insatisfacción de la banda con las grabaciones originales, por lo que decidieron rehacer todo el trabajo. Este disco es el resultado de esas luchas internas, de la búsqueda de la perfección, y de como el grupo fue capaz de sobreponerse y capturar toda la fuerza de su música y plasmarlo en One By One, un viaje emocional que llevará al oyente a través de una montaña rusa de sensaciones.

Influencia - Charly García #mesCharlyGarcía

 

Influencia, Charly García

     El mes de Charly García entra en su recta final, y lo vamos a hacer con uno de sus álbumes publicados en el siglo XXI, Influencia. Este trabajo supuso el décimo disco de estudio del artista argentino, y tuvo una gran importancia, pues supuso el relanzamiento de su carrera después de haber alcanzado la gloria a mediados de los 90 con Say No More (1996), ya que le llevó nuevamente a lo más alto de las listas de ventas y volvió a realizar extensas y exitosas giras, llegando a triunfar en el mítico Viña del Mar de Chile en 2003, el más prestigioso certamen de la música hispanoamericana. Influencia contó con la producción del mismo Charly García, y fue publicado en formato CD y cassette en 2002 por la compañía discográfica EMI Music. 

En el año 2000 Charly y Nito Mestre habían decidido reunir Sui Géneris, y para la ocasión ambos compusieron canciones nuevas para un nuevo disco, Sinfonías para adolescentes. Esta nueva etapa estuvo marcada por el nuevo "concepto de sonido de maravillación" o "hacer algo maravilloso" de Charly, que reemplazó el viejo y oscuro estilo y sonido de Say no More. Al año siguiente, 2001, y durante unas vacaciones en Londres, Charly conoce al guitarrista de blues, jazz y rock and roll Tony Sheridan, quien había estado relacionado con la primera etapa de The Beatles, y que se había forjado como músico de sesión tocando para artistas de la talla de Gene Vincent o Eddie Cochran. Sheridan quedó fascinado con Charly y decidió aceptar su invitación de agregar algunas guitarras y coros a alguna de sus canciones. 

Así comenzó gestándose Influencia, cuyo álbum fue presentado durante tres días en el mítico estadio Luna Park de Buenos Aires. Los temas utilizados para la promoción del disco fueron Tu vicio, I'm not In Love, Influencia y Mi nena. El premio a este trabajo fue el reconocimiento en la entrega de los premios Gardel a la Música del año 2002 en Argentina, ganando los premios a Mejor álbum Artista de Rock, Realización del Año, Canción del año y Álbum del año, más el Gardel de Oro, convirtiéndose en el primer artista en ganar este galardón durante dos ediciones consecutivas. 

Únicamente seis de las trece canciones fueron compuestas por Charly García, y las otras son versiones, destacando la versión en español de Influenza de Todd Rundgren, la versión góspel de Tu Vicio, otra versión para piano de Influenza y dos versiones de I'm not In Love.

Estamos ante un disco orientado principalmente hacia el pop/rock alternativo, y que podemos disfrutar gracias a temas como Tu vicio, una canción de amor que habla sobre la adicción a una persona, y que contó con la colaboración de la cantante y compositora argentina María Gabriela Epumer; Influencia es una versión de la composición original de Todd Rundgren, donde Charly explora la idea de estar bajo la influencia de alguien más y la lucha interna que ello conlleva. Charly se tomó ciertas licencias literarias con el título, ya que influenza en inglés realmente significa gripe y no influencia; El amor espera, que fue estrenada por Charly antes del álbum, concretamente en un recital en abril de 2000, con una puesta en escena de instrumentos de cuerdas detrás del escenario. En la canción hace referencia a los Rolling Stones, pues una de las frases pertenece a su canción Sing This All Together. Esta canción también contó con la colaboración de María Gabriela Epumer; Mi nena, otra versión, en esta ocasión del tema A new Kind of Love de The Dave Clark Five. Estamos ante otra optimista canción que celebra la belleza del ser amado. Este tema contó con la colaboración de Fito paez; o las v
ersiones de I'm not In Love, original del grupo británico 10cc. En la versión acústica de este tema participó el guitarrista Tony Sheridan aportando las guitarras, y María Gabriela Epumer las voces. Destacar también las versiones nuevas de Happy and Real y Encuentro Con El Diablo, que habían sido previamente grabadas en vivo con Seru Girán y publicados en el álbum Obras Cumbres Rock Nacional, Vol. 2., en el año 2001.

Estamos ante un disco imprescindible en la obra de Charly García, que fue muy bien recibido tanto por parte de la crítica como del público, y que además está considerado como el gran reconocimiento de la carrera del músico argentino. Un disco donde el artista reflexiona sobre sus influencias y de su propio lugar en la música argentina.

Super Extra Gravity - The Cardigans #MesTheCardigans

 

Super Extra Gravity, The Cardigans

     Con Super Extra Gravity vamos a cerrar el ciclo dedicado en el mes de agosto al grupo sueco The Cardigans. Este álbum, el sexto que la banda publicó, fue grabado durante el año 2005 bajo la producción de Tore Johansson, y publicado en el mes de octubre de 2005 por el sello discográfico Stockolm Records. Más tarde se lanzaría una edición en Japón. El álbum contiene canciones que exploran temas como el amor, la vida cotidiana o las luchas personales, pero con un enfoque más reflexivo en comparación con sus anteriores discos. Mantienen todavía sus influencias con el pop melódico, pero se acercan y exploran sonidos más roqueros. 

De dicho disco se lanzaron 2 sencillos, I Need Some Fine and You, You Need to Be Nicer, lanzado como tal en septiembre de 2005 acompañado del tema For the Boys, que ocupaba la cara B. Este primer sencillo tuvo bastante éxito prácticamente en todos los sitios donde se lanzó excepto en Alemania y Reino Unido, donde no llegó a entrar si quiera en el Top 50 de ventas. Es una de las canciones con enfoque más roquero del disco, y nos habla de la dinámica de las relaciones y la búsqueda del equilibrio. El segundo sencillo lanzado fue Don't Blame Your Daughter (Diamonds), lanzado en febrero de 2006 en Europa. De este tema se editó también un vídeo musical dirigido por los hermanos Johan Renck, quien dirigió el vídeo Hung Up de Madonna, y Martin Renck. Canción con una melodía entre dulce y melancólica que aborda el tema de la presión social. Se especuló en su momento con que la canción Godspell, cuya letra hace referencia a la mentalidad religiosa conservadora de la ciudad natal de la banda, Jönköping, iba a ser el tercer sencillo del grupo, pero finalmente no fue editado como tal.

Además de los temas anteriores, también son destacables canciones como Losing a Friend, que trata sobre la pérdida de la amistad y las emociones asociadas a este hecho; Drip Drop Teardrop, que nos habla sobre el dolor y la tristeza de una ruptura, muy bien transmitida por la melancólica voz de Nina Persson; Overload, uno de los temas más contundentes con unas guitarras poderosas y un estribillo que engancha; Little Black Cloud,  con una instrumentación que crea una atmósfera oscura y única; o In the Round, una de las canciones que se mueven en la parte más pop y melódica del álbum. 

Hay una parte de la crítica que considera que el grupo se había ganado el respeto de la industria musical gracias a las magníficas canciones concebidas por el eje fuerte de la banda, la vocalista Nina Persson, el compositor Peter Svensson y el productor Tore Johansson, y con Super Extra Gravity, al igual que su anterior trabajo, habían perdido ese toque virando hacia un sonido más oscuro y agrio con falta de temas con gancho. Es cierto que el disco puede carecer de temas con un fuerte gancho, pero eso no deja de ser una ventaja, pues nos deja percibir más claramente la calidad de las melodías y los arreglos del disco. El cambio de sonido demuestra la capacidad de The Cardigans por experimentar y evolucionar, sin entrar a valorar si se ajusta más o menos a las modas que imperaban en la época, y eso es digno de agradecer. Super Extra Gravity es precisamente eso, una evolución hacia un sonido más orientado hacia el rock, y con unas letras más maduras. 

Después de este disco la banda se tomaría un largo descanso hasta el año 2012, cuando se reunieron para realizar una mini-gira para reinterpretar en vivo y por completo el álbum Gran Turismo de 1998, así como otros éxitos del grupo. peter Svensson se negó a participar en dicha gira, pero no puso objeción alguna a que le grupo la realizara. Para ello reclutarían al compositor y cantante Oskar Humlebo. 

Disco de la semana 335: The Silent Force - Within Temptation

 

The Silent Force, Within Temptation

     The Silent Force es el tercer álbum de estudio de la banda de metal sinfónico originaria de Países Bajos Within Temptation. Este trabajo fue grabado entre mayo y agosto de 2004 en varios estudios de Países Bajos, Bélgica y Rusia, bajo la producción de Daniel Gibson y Stefan Helleblad, y publicado el 11 de noviembre de 2004. En el Reino Unido fue publicado en agosto de 2005. El sello discográfico GUN Records se encargó de su distribución en Europa, mientras que Roadrunner Records lo hizo para el resto del mundo.

Este disco fue el primero en presentar a Ruud Jolie en la guitarra principal y a Martijn Spierenburg en los teclados, acompañando a Sharon de Adel (voz), Robert Westerholt (guitarra rítmica), Jeroen van Veen (bajo) y Stephen van Haestregt (batería).

The Silent Force fue concebido en un época lleno de acontecimientos que cambiarían el paso de la banda. Después del lanzamiento de Mother Earth (2000), el grupo grupo consigue una gran repercusión y éxito comercial, hecho que hace que el grupo empiece a notar la presión y se sienta vulnerable, ya que hasta entonces tocar música era principalmente un pasatiempo para sus miembros. A esto se suma la firma a un sello más potente, pues abandonan el sello discográfico independiente DSFA, con el que no acaban muy bien, y firman con los alemanes GUN Records.

El grupo ingresa en el estudio en verano de 2004 para la grabación del álbum, la escritura y composición les llevo entre cuatro y cinco meses, y la grabación 2 meses. El hecho de entrar en el estudio a las 9 de la mañana y salir a las 11 de la noche, unido a la propia oscuridad del estudio, hizo que un sentimiento oscuro y sombrío se apoderara de la banda. Para la grabación, el grupo contó con la colaboración de una orquesta de 80 musicos y de un coro ruso, y en cuanto a las letras, el disco se inspiró en la fantasía, la literatura y la vida personal de los miembros de la banda. El título, The Silent Force, se refiere a las fuerzas que a veces llevan  las personas a hacer ciertas cosas, fue tomado de un libro de principios del siglo XX de un escritor de Países Bajos, llamado Louis Couperus, y todas las canciones están de alguna manera conectados con el libro. En el plano comercial, el disco funcionó muy bien, obteniendo críticas en su mayoría favorables, lo que ayudó al grupo a aumentar su popularidad fuera de Países Bajos.

El bajo estado de ánimo de la banda se nota durante el proceso de escritura del disco, y se ve reflejado en el tono oscuro que rodea todo el álbum. El hecho de estar en un sello más potente se nota, más dinero y medios que permitieron al grupo lanzarcuatro vídeos para la promoción del álbum, correspondientes a Jillian (I'd Give My Heart), una hermosa y melódica balada que trata sobre un serie de telenovelas de fantasía llamadas Deverry Cycle, de Katharine Kerr, y que están ambientadas en la tierra ficticia de Deverry. La canción fue usada para promocionar el DVD en vivo The Silent Force Tour, editado en 2005; Stand My Ground, sin duda uno de los grandes momentos del álbum. Esta canción aborda la agitación política que había en los Paíes Bajos después del asesinato de Pim Fortuyn, hecho que afecto a la banda. Pim Fortuyn fue un político holandés que fue asesinado el 6 de mayo de 2002, nueve días antes de las elecciones generales del país. El grupo, a pesar de no estar de acuerdo con las opiniones políticas de Fortuyn, temían por su propio futuro y el futuro del país; Angels, canción que trata sobre el hecho de que las personas en las que uno confía a menudo luego nos sorprenden y realmente no son tan confiables. Aunque está escrita a través de metáforas, está claramente inspirada en las disputas discográficas que la banda tuvo con su sello discográfico anterior; y Memories, tema que fue lanzado como segundo sencillo del disco. 

Estos cuatro temas anteriores, unidos a otro puñado de buenos temas, redondean  un gran disco. Temas como Pale, una emotiva canción donde  la voz de Sharon den Adel crea un maravilloso ambiente atmosférico. Estamos sin duda ante otro de los grandes momentos del álbum; Forsaken, tema con un enfoque oscuro y pesado que nos habla sobre el abandono, la lucha y la redención, y que combina con mucho acierto guitarras pesadas con una combinación de voces melódicas y guturales; y Aquarius, que aborda la relación entre el amor y el miedo que la cantante Sharon tiene con el océano, un miedo que desarrolló después de ver siendo niña la película Tiburón (1975) de Steven Spielberg.

A pesar del difícil momento en el que fue concebido, The Silent Force fue un hito en la carrera de Within Temptation, ayudando al grupo a llegar a un grupo de audiencia más amplio, y ayudando también a posicionarse como una de las bandas líderes del metal sinfónico.