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miércoles, 14 de febrero de 2024

Bob Dylan - Blonde on Blonde (Mes Bob Dylan)

 

Blonde on Blonde, Bob Dylan


     Blonde on Blonde es el séptimo álbum de estudio del cantautor estadounidense Bob Dylan. Estamos ante un álbum doble, grabado entre el 25 de enero y el 10 de marzo de 1966 en los Columbia Studios de Nueva York y los Columbia Studios de Nashville, bajo la producción de Bob Johnston, y publicado el 20 de junio de 1966 por el sello discográfico Columbia Records. Las sesiones de grabación no fueron fáciles, pues realmente comenzaron en octubre de 1965 con numerosos músicos de acompañamiento, incluidos los de la banda de acompañamiento de Dylan, The Hawks, y se extendieron hasta enero de 1966.

Blonde on Blonde está considerado como el cierre de la trilogía de álbumes de rock que Dylan grabó entre 1965 y 1966, iniciada con Bringing It All Back Home y Highway 61 Revisited. También está considerado como uno de los mejores álbumes, no solo de Dylan, también de todos los tiempos. El cantante y compositor consiguió combinar la experiencia de los músicos de sesión de Nashville y su banda de acompañamiento con una gran sensibilidad literaria. También fue uno de los primeros álbumes dobles de la música rock. El disco consiguió alcanzar el puesto número nueve en la lista estadounidense Billboard Top LP, y el puesto número tres en el Reino unido.

Después del lanzamiento de Highway 61 Revisited en agosto de 1965, Dylan se propuso contratar una banda de gira. Después de dar muchas vueltas, contrató a un grupo que actuaba como Levon and the Hawks, formado por Levom Helm de Arkansas, y cuatro músicos canadienses: Robbie Robertson, Rick Danko, Richard Manuel y Garth Hudson. El cantante comenzó los ensayos con los Hawks, pero no acabó muy contento con las sesiones de grabación con ellos, tenía cierta desilusión por usarlos en el estudio. Al conocer del descontento del progreso de las grabaciones, el productor Bob Johnston sugirió trasladar las sesiones a Nashville. Johnston vivía allí y tenía una amplia experiencia trabajando con músico de sesión de Nashville. A Albert Grossman, el mánager de Dylan, no le gustó la idea, pero a pesar de su oposición Dylan aceptó la sugerencia de Johnston y se trasladó a Nashville, para grabar en el A Studio de Columbia que había en Nashville, en febrero de 1966. Así se gesto uno de los álbumes más influyentes del artista. 



Entramos en materia y nos encontramos abriendo el doble álbum y la cara 1, Rainy Day Women, que tiene unos elaborados juegos de palabras sobre drogarse que se combinan con una sensación de persecución paranoica; le sigue Pledging My Time, influenciada por el blues de Chicago, continuando con el tono sombrío del álbum. Para escribirla, el artista se basó en varias canciones tradicionales, incluida la grabación de Elmore James "It Hurts Me Too"; Visions of Johanna está considerada por muchos críticos como una de las obras maestras de Dylan. La canción fue una de las más difíciles de grabar, Dylan guió a los músicos de acompañamiento a través de 14 tomas, tratando de enseñarles como quería que se tocara. La canción buscaba transmitir cómo el artista se esforzaba por alcanzar una visión esquiva de la perfección; One of Us Must Know (Sooner of Later) es la canción que cierra la cara A, un sencillo relato sobre una relación que se acaba. Al analizar lo que salió mal, el narrador adopta una actitud de defensiva en una conversación unilateral con su ex amante. La canción fue lanzada como primer sencillo del álbum el 14 de febrero, el mismo día que Dylan comenzó a grabar en Nashville. No llegó a aparecer en las listas estadounidenses, pero si llegó a conseguir el puesto 33 en el Reino Unido. 

La cara 2 comienza con I Want You, una canción con un numeroso elenco de personajes, un enterrador culpable, un organillero solitario, padres y madres llorosos, salvadores dormidos, la dama de picas y el niño bailarín con su traje chino. La canción, durante su hermosa melodía nos describe numerosos fracasos de sus personajes; Stuck Inside of Mobile with the Memphis Blues Again evolucionó a través de una página escrita en parte mecanografiada y en parte manuscrita. La canción fue evolucionando a través de varias revisiones musicales; Leopard-Skin Pill-Box Hat es toda una sátira del materialismo y la moda realizada con un sonido al estilo del blues de Chicago. El narrador observa a su ex amante en diversas situaciones usando su "nuevo sombrero tipo pastillero de piel de leopardo", en un momento viendo como se cita con su médico, y más tarde viéndola hacer el amor con su nuevo novio porque "se olvidó de cerrar la puerta del garaje". Al final de la canción el narrador afirma que su novio realmente la ama por su sombrero; Just Like a Woman es la canción que se encarga de cerrar la cara B. Supuestamente, Dylan se inspiró en la chica pin-up de Warhol, Edie Sedgick, quien aparece en las fotografías de portada del álbum, y que murió de una sobredosis de drogas en 1971. También se especula que podría tratarse de su relación con la cantante de folck Joan Baez



La cara 3 abre con Most LikelyYou Go Your Way and I'll Go Mine, canción a modo de blues que trata sobre la separación de dos amantes. El protagonista se ha cansado de cargar con su amante y pretende dejarla; Temporary Like Achilles es otro blues lento que destaca por la oscuridad que brinda el sonido del piano acompañado de la armónica de Dylan. El protagonista de la canción ha sido rechazado por su amante, quien ha comenzado otra relación con otra persona. A este nuevo novio el protagonista le llama Aquiles, su rival, del que considera que pronto será descartado por su ex amante; Absolutely Sweet Marie es un blues shuffle acelerado, al más puro estilo de Memphis, que contiene a través de una serie de metáforas sexuales, una de las lecciones de vida de Dylan más repetidas, "para vivir fuera de la ley debes ser honesto"; 4th Time Around es una respuesta a una canción de los Beatles. Cuando los Beatles publicaron su sexto álbum de estudio, Rubber Soul en 1965, a Dylan le llamó la atención la canción Norwegian Wood, donde John Lennon disfrazó el relato de una aventura ilícita con un lenguaje críptico al estilo de Bob Dylan. El artista escribió una respuesta a ese tema con esta canción copiando la melodía y la estructura circular, pero llevando la letra hacia una dirección más oscura todavía; Obviously 5 Believers es la canción que cierra la cara 3. Una canción de amor impulsada por la guitarra de Robertson, la armónica de Charlie McCoy y la batería de Ken Buttrey

La cara 4 está ocupada únicamente por una canción, Sad Eyed Lady of the Lowlands, que trata precisamente de Sara Lownds, quien era la esposa de Dylan en ese momento. La mayor parte de la canción fue escrita en un lapso de ocho horas en el estudio de Nashville mientras que los músicos esperaban a que Dylan terminara. Cuando Dylan llamó a finalmente a los miembros de la banda para grabar la canción eran ya las 4 de la mañana. Como era típico del artista, apenas les contó nada sobre la canción, simplemente les hizo tocar. Estos se sorprendieron bastante cuando vieron que la canción continuaba hasta los 11 minutos casi, y más se sorprendieron cuando constataron que Dylan acabó contento con la primera toma de la grabación. La canción ocupó toda la cara del disco a pesar de durar apenas 11 minutos.

Blonde on Blonde está considerado como la última entrega de la trilogía de albumes de rock de mediados de la década de los 60 de Bob Dylan. Si Highway 61 Revisited era un disco de garage rock, este álbum invirtió ese sonido, mezclando blues, country, rock y folk en un sonido salvaje, vertiginoso y denso. Fue capaz de dirigir a su bnda de gira, The Hawks, junto con músicos de sesión de Nashville para regalarnos un brillante conjunto de canciones que nos ofrecen brillantes juegos de palabras  surrealistas e ingeniosos. Doce años después de su lanzamiento, Dylan llegó a afirmar sobre este brillante álbum: "Lo más cerca que estuve del sonido que escucho en mi mente fue en bandas individuales en el álbum Blonde on Blonde. Es ese sonido fino y salvaje, es metálico y brillante, con lo que sea que eso evoque". Estamos ante la culminación del periodo del rock & roll eléctrico de Dylan, nunca volvería a lanzar un disco de estudio con tanta fuerza y con imágenes tan extrañas.

domingo, 11 de febrero de 2024

Bob Dylan - Bringing It All Back Home (Mes Bob Dylan)


Bringing It All Back Home: Una Travesía Transformadora en la Música y la Poesía de Bob Dylan #MesBobDylan

Bringing It All Back Home, el quinto álbum de estudio del inigualable Bob Dylan, se presenta como un testimonio vibrante de la evolución artística y lírica de uno de los músicos más influyentes del siglo XX. Lanzado por Columbia Records en marzo de 1965, este álbum no solo marcó una revolución en el estilo musical de Bob Dylan, sino que también consolidó su posición como un visionario musical y poético.

La travesía musical emprendida en Bringing It All Back Home representa una transformación radical en el sonido característico de Bob Dylan. La decisión de adentrarse en el rock, un género en pleno auge en esa época, rompió con las expectativas establecidas por sus álbumes folk anteriores. "Subterranean Homesick Blues" y "Maggie's Farm", dos pistas que encabezan el álbum, marcan la entrada de Bob Dylan en el territorio eléctrico del rock, dejando atrás las raíces acústicas del folk que lo habían definido previamente.

Bajo la guía del productor Tom Wilson, Bob Dylan experimentó con la sobregrabación, una técnica que consistía en superponer elementos eléctricos sobre grabaciones acústicas existentes. Este enfoque creativo resultó en un sonido distintivo y vanguardista que resonó en la escena musical de la década de 1960. La fusión de lo eléctrico y lo acústico en Bringing It All Back Home se convirtió en un hito, allanando el camino para futuros experimentos en el ámbito de la música popular.

El contexto de la grabación, en gran parte realizado en los Columbia Recording Studios de Nueva York en apenas tres días, subraya la intensidad y la urgencia creativa de Bob Dylan. Su tiempo en Woodstock durante el verano de 1964 jugó un papel fundamental en la gestación de este álbum. En este pequeño pueblo cerca de Nueva York, Bob Dylan se sumió en la escritura y experimentación, alimentando su musa creativa. La influencia de Albert Grossman, su representante, y la cercanía de Joan Baez contribuyeron a la atmósfera efervescente de creatividad que envolvía a Bob Dylan.

Es interesante notar que durante su estancia en Woodstock, Bob Dylan ya había compuesto algunas de las canciones que luego aparecerían en Bringing It All Back Home. "Mr. Tambourine Man", que ya estaba lista en febrero de 1964 pero se había omitido en Another Side of Bob Dylan, y "Gates of Eden", inicialmente destinada a otro proyecto, son dos ejemplos destacados. Estas composiciones, junto con nuevas adiciones como "If You Gotta Go, Go Now" e "It's Alright Ma (I'm Only Bleeding)", revelan la diversidad y la profundidad del repertorio lírico de Dylan en este período.

El cambio lírico en Bringing It All Back Home es tan pronunciado como su cambio musical. Bob Dylan abandonó en gran medida las canciones de protesta que lo caracterizaron anteriormente, optando por letras surrealistas y abstractas. Su pluma se volvió más estilizada, y sus letras comenzaron a adoptar un enfoque más introspectivo y poético. Este cambio no solo marcó una evolución en su estilo de escritura, sino que también influyó en la dirección de la música popular de la época.

El encuentro de Bob Dylan con The Beatles en agosto de 1964 en Nueva York también dejó una marca indeleble en la dirección musical tanto de Bob Dylan como de los propios Beatles. La reunión catalizó un cambio en los métodos compositivos del grupo, especialmente en el caso de John Lennon. Esta interacción entre dos fuerzas creativas icónicas de la época generó una dinámica fructífera y estableció una "dimensión personal a la rivalidad muy real" entre ellos, según el biógrafo Clinton Heylin.

La grabación de Bringing It All Back Home se dividió en tres sesiones, siendo la primera el 13 de enero de 1965, donde Bob Dylan, solo con su guitarra o piano, grabó varias canciones y bosquejos que, aunque no fueron utilizados para el álbum, encontraron su camino en lanzamientos posteriores. La segunda sesión, al día siguiente, vio a Bob Dylan acompañado por músicos como Al Gorgoni y Kenny Rankin, y se centró en la grabación de canciones que había intentado previamente. La tercera sesión, el 15 de enero, contó con la colaboración de músicos del día anterior y produjo tomas maestras de canciones que finalmente se incluyeron en el álbum.

Entre las canciones descartadas se encuentran gemas como "If You Gotta Go, Go Now", lanzada como sencillo en Europa, y "I'll Keep It With Mine", que apareció en el recopilatorio Biograph en 1985. La lista de descartes también incluye "Farewell Angelina", que fue cedida a Joan Baez, y "You Don't Have to Do That", una breve composición que Dylan abandonó durante las sesiones.

La recepción crítica de Bringing It All Back Home fue extraordinariamente positiva. A pesar de la transición entre el folk y el rock, el álbum fue aclamado por su innovación y creatividad. La crítica retrospectiva en The Rolling Stone Album Guide lo describió como un álbum donde "Bob Dylan mezcló la medicación para inventar toda una nueva generación de rock and roll". Stephen Thomas Erlewine de Allmusic lo calificó como "un álbum verdaderamente notable", destacando su "desbordante imaginación y habilidad".

En retrospectiva, Bringing It All Back Home se ha consolidado como uno de los álbumes más influyentes de la década de 1960. En 2003, la revista Rolling Stone lo ubicó en el puesto 31 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Dave Marsh elogió la capacidad de Bob Dylan para fusionar ritmos y tradiciones, definiéndolo como el creador de un "nuevo tiempo de rock and roll". Clinton Heylin enfatizó su impacto al afirmar que el álbum fue "posiblemente el más influyente de su era", influyendo en casi todos los aspectos de la canción popular contemporánea.

En términos comerciales, Bringing It All Back Home fue un éxito tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos. Alcanzó el primer puesto en la lista de discos más vendidos en el Reino Unido y el sexto lugar en el Billboard 200 en Estados Unidos, siendo certificado como disco de platino por la RIAA. Los sencillos extraídos del álbum, "Subterranean Homesick Blues" y "Maggie's Farm", también obtuvieron un notable éxito, consolidando aún más la posición de Bob Dylan en el panorama musical.

La portada del álbum, fotografiada por Daniel Kramer, se erige como una obra de arte que captura la esencia de Bringing It All Back HomeBob Dylan, sentado con su gato "Rolling Stone", rodeado de vinilos, revistas y objetos diversos, personifica la amalgama de influencias que alimentaron su creatividad. Detrás de la aparente calma de la fotografía se encuentran capas de significado, desde la revista Time con Lyndon B. Johnson en la portada hasta los gemelos regalados por Joan Baez.

En conclusión, Bringing It All Back Home no solo es un álbum en la trayectoria de Bob Dylan, sino una obra maestra que ha resistido la prueba del tiempo. Su capacidad para fusionar géneros, explorar nuevas fronteras líricas y reflejar la tumultuosa transformación cultural de la década de 1960 establece este álbum como un hito en la historia de la música popular. Bob Dylan no solo trajo de vuelta a casa su música, sino que también dejó una huella imborrable en la evolución del rock y la canción popular. Bringing It All Back Home es, y seguirá siendo, un faro de creatividad e innovación en la vasta y rica travesía musical de Bob Dylan.

Daniel
Instagram: storyboy

sábado, 10 de febrero de 2024

Bob Dylan - The Times They Are a-Changin (Mes Bob Dylan)


The Times They Are a-Changin: Un Punto de Inflexión en la Carrera de Bob Dylan #MesBodDylan

The Times They Are a-Changin es un álbum fundamental en la discografía de Bob Dylan, marcando un quiebre con sus trabajos anteriores al presentar exclusivamente composiciones originales. Lanzado el 10 de febrero de 1964, a través de Columbia Records, el álbum es una colección de baladas intensas que abordan temas sociales como el racismo, la pobreza y los vientos de cambio que barrían la década de 1960.

La canción principal, posiblemente una de las más icónicas de Bob Dylan, captura la esencia de las convulsiones sociales y políticas de la época. Sin embargo, el tono general del álbum generó reacciones mixtas entre críticos y fanáticos, ya que algunos extrañaban el humor y la diversidad musical de los esfuerzos anteriores de Bob Dylan. A pesar de esto, el álbum alcanzó el puesto 20 en la lista estadounidense y eventualmente obtuvo el estatus de álbum de oro, reflejando su impacto duradero.

Las sesiones de grabación para el álbum abarcaron varios meses, comenzando en agosto de 1963. El intento deliberado de Bob Dylan de crear un himno de cambio es evidente en "The Times They Are a-Changin'", inspirado en baladas irlandesas y escocesas. El álbum también incluye narrativas conmovedoras como "Ballad of Hollis Brown", un relato trágico, y "With God on Our Side", una pieza políticamente cargada.

Un tema destacado, "North Country Blues", muestra la habilidad de Bob Dylan para adoptar diferentes perspectivas, narrando la historia de una mujer afectada por la externalización de empleos mineros. El álbum profundiza en varios temas, incluidos derechos civiles, justicia social y reflexiones personales.

La canción de cierre, "Restless Farewell", con raíces en una canción folklórica irlandesa-escocesa, sirve como una conclusión conmovedora. Las letras de Bob Dylan, influenciadas por falsas acusaciones sobre su origen, transmiten una determinación de permanecer fiel a sí mismo.

Las tomas descartadas de las sesiones revelan el excedente de material, con canciones como "Lay Down Your Weary Tune" y "Percy's Song" que muestran la evolución de la composición de Bob Dylan. El legado del álbum es evidente en su impacto perdurable en artistas posteriores y su reconocimiento como un momento significativo en la evolución artística de Bob Dylan.

The Times They Are a-Changin' refleja la transición de Bob Dylan de un cantante de protesta a un compositor más introspectivo y diverso. Su impacto en la cultura popular es evidente en su uso en publicidad y sus referencias en biografías, enfatizando su relevancia duradera.

La obra se distingue al ser el primer álbum de Bob Dylan en presentar solo composiciones originales, marcando un hito en su carrera. Después de dos álbumes que combinaban material original y versiones, este trabajo se destaca por la autenticidad de las letras y la música. Aunque algunos críticos y fanáticos no quedaron tan impresionados en comparación con sus trabajos anteriores, la posición en las listas y el eventual estatus de oro en EE. UU., así como el cuarto puesto en el Reino Unido en 1965, demuestran su impacto y éxito comercial.

Las sesiones de grabación comenzaron el 6 de agosto de 1963, en el Studio A de Columbia en Nueva York, con Tom Wilson como productor. Bob Dylan, en ese momento, ya era una figura cultural influyente y popular. La primera sesión produjo ocho canciones, pero solo una, "North Country Blues", se consideró utilizable y se apartó como la toma maestra. Otra toma maestra de "Seven Curses" se grabó pero se dejó fuera del álbum final. La segunda sesión, al día siguiente, dio lugar a tomas maestras de "Ballad of Hollis Brown", "With God on Our Side", "Only a Pawn in Their Game" y "Boots of Spanish Leather".

Una tercera sesión en Studio A el 12 de agosto no produjo material utilizable. Sin embargo, algunas de las grabaciones de esa sesión vieron la luz más tarde, como "Paths of Victory", "Moonshine Blues" y "Only a Hobo". Las sesiones no se reanudaron hasta más de dos meses después, durante los cuales Bob Dylan realizó una breve gira con Joan Baez. A su regreso al estudio el 23 de octubre, tenía seis nuevas composiciones listas. Se grabaron tomas maestras de "The Lonesome Death of Hattie Carroll" y "When the Ship Comes In" en esa sesión.

Otra sesión al día siguiente, el 24 de octubre, produjo tomas maestras de "The Times They Are a-Changin'" y "One Too Many Mornings". Una toma maestra de "Lay Down Your Weary Tune" también se grabó pero se dejó fuera del álbum final. La última sesión, el 31 de octubre, se centró en una sola canción, "Restless Farewell", que cerró el álbum.

El álbum se abre con el título principal, "The Times They Are a-Changin'", una de las canciones más famosas de Dylan. El amigo de Bob Dylan, Tony Glover, recuerda visitar el apartamento de Bob Dylan en septiembre de 1963 y ver manuscritos de canciones y poemas en una mesa. Aunque aún no se había grabado "The Times They Are a-Changin'", Glover vio su manuscrito temprano. Después de leer las palabras "come senators, congressmen, please heed the call", Glover supuestamente le preguntó a Bob Dylan: "¿Qué es esto, hombre?", a lo que Bob Dylan respondió: "Bueno, ya sabes, parece ser lo que a la gente le gusta escuchar".

Bob Dylan recordó escribir la canción como un intento deliberado de crear un himno de cambio para el momento. En 1985, le dijo a Cameron Crowe: "Esto fue definitivamente una canción con un propósito. Fue influenciada, por supuesto, por las baladas irlandesas y escocesas... 'Come All Ye Bold Highway Men', 'Come All Ye Tender Hearted Maidens'. Quería escribir una canción grande, con versos cortos y concisos que se acumularan de manera hipnótica. El movimiento por los derechos civiles y el movimiento de música folklórica estaban bastante cerca por un tiempo y estaban aliados en ese momento".

Las líneas climáticas del último verso: "The order is rapidly fadin'/ And the first one now/ Will later be last/ For the times they are a-changin'" tienen un tono bíblico, y varios críticos las han conectado con líneas en el Evangelio de Marcos, 10:31, "Pero muchos que son los primeros serán los últimos, y los últimos serán los primeros".

A pesar de ser percibida como una canción protesta consciente, a menudo se ve como un reflejo de la brecha generacional y de la división política que marcó la cultura estadounidense en la década de 1960. Sin embargo, Bob Dylan disputó esta interpretación en 1964, diciendo: "Esas fueron las únicas palabras que pude encontrar para separar la vitalidad de la muerte. No tenía nada que ver con la edad". Un año después, Bob Dylan diría: "Realmente no puedo decir que los adultos no entiendan a los jóvenes más de lo que puedes decir que los peces grandes no entienden a los peces pequeños. No quise decir 'The Times They Are a-Changin'' como una declaración... Es un sentimiento".

"Ballad of Hollis Brown" fue grabada originalmente para el álbum anterior de Bob Dylan, The Freewheelin' Bob Dylan, pero esa versión fue rechazada y la canción se volvió a grabar para The Times They Are a-Changin'. Describida por Clinton Heylin como una "'trágica historia de independencia y libre albedrío' extraída del idioma folklórico", es una historia rural gótica sombría de un padre que mata a su familia hambrienta ("Hay siete personas muertas en una granja de Dakota del Sur").

"With God on Our Side" se interpretó por primera vez en el Town Hall de Nueva York el 12 de abril de 1963 (también fue la primera aparición de Bob Dylan en ese lugar). Aunque Bob Dylan afirma que es una composición original, la melodía de "With God on Our Side" se asemeja sorprendentemente a "The Patriot Game", cuyas letras fueron escritas por Dominic Behan y la melodía tomada de la tradicional canción folklórica irlandesa, "The Merry Month of May". Behan llamó a Dylan un plagiario y un ladrón, en un intento de provocar a Dylan a una demanda; Dylan no respondió. "The Patriot Game" fue presentada a Dylan originalmente por el cantante folklórico escocés Nigel Denver. El compositor escocés Jim McLean recuerda que Dylan le preguntó a finales de 1962: "'¿Qué significa, 'Patriot Game'?'... Le expliqué, probablemente le di una conferencia, sobre el Dr. Johnson, que es uno de los escritores favoritos de Dominic, y de ahí Dominic recogió la frase: 'El patriotismo es el último refugio de un bribón'". El crítico musical Tim Riley escribe: "'With God on Our Side' logra expresar astucia política mezclada con ingenuidad generacional", ya que "dibuja la línea para aquellos nacidos mucho después de la Primera Guerra Mundial que encuentran sus problemas borrosos ('las razones para luchar/nunca las entendí') y que ven el perdón de los alemanes de la Segunda Guerra Mundial como una farsa".

Bob Dylan sigue "With God on Our Side" con una balada suave y discreta: "One Too Many Mornings". "Es el sonido de alguien demasiado enamorado para albergar arrepentimientos, que ha crecido demasiado independiente para considerar una reunión", escribe Riley. Una de las canciones más celebradas de The Times They Are a-Changin'Bob Dylan la reinterpretaría dramáticamente en su legendaria gira de conciertos de 1966 para una banda totalmente eléctrica.

"North Country Blues" cuenta la historia de la decisión de una compañía minera de externalizar sus operaciones a países donde los costos laborales son más bajos que en los EE. UU. ("Es mucho más barato en los pueblos de América del Sur/Donde los mineros trabajan casi por nada"). La canción marca la primera vez que Dylan escribió una narrativa desde el punto de vista de una mujer: la ex esposa de un minero cuyo trabajo ha desaparecido. Muchos críticos han descrito esta canción como el retrato de Bob Dylan de su ciudad natal, Hibbing, Minnesota.

Bob Dylan interpretó por primera vez "Only a Pawn in Their Game" en un mitin de registro de votantes en Greenwood, Mississippi. La canción se refiere al asesinato de Medgar Evers, líder de la NAACP en Misisipi. La activista de derechos civiles Bernice Johnson le diría más tarde al crítico Robert Shelton que "'Pawn' fue la primera canción que mostró que el blanco pobre también fue víctima de la discriminación como el negro pobre. La gente de Greenwood no sabía que Pete Seeger, Theodore Bikel y Bob Dylan eran personas reales hasta que llegaron allí. La gente creía que eran fábulas para asustar niños. Creían que las canciones eran mitos".

La penúltima canción del álbum, "Boots of Spanish Leather", es otra balada acústica suave y melódica que presenta a Bob Dylan en la encrucijada de su relación amorosa. Al igual que "One Too Many Mornings", la canción refleja la habilidad de Bob Dylan para expresar la complejidad de las relaciones humanas con una economía de palabras.

"The Times They Are a-Changin'" se cierra con "Restless Farewell", que presenta un tono más esperanzador y reflexivo. Inspirada en una melodía irlandesa-escocesa, la canción sirve como una conclusión adecuada para un álbum que marcó un punto de inflexión en la carrera de Bob Dylan.

A pesar de la controversia inicial y las críticas mixtas, The Times They Are a-Changin' ha resistido la prueba del tiempo y sigue siendo una obra esencial en la evolución artística de Bob Dylan. Su impacto en la música y la cultura popular es innegable, y la canción principal ha perdurado como un himno intemporal de cambio y resistencia. Con este álbum, Bob Dylan demostró su capacidad para capturar la esencia de una época tumultuosa y reflejarla a través de su singular voz y poesía.

Daniel
Instagram: storyboy

viernes, 21 de abril de 2023

El disco de la semana 324: East-West - The Paul butterfield Blues Band

 

East West, The Paul Butterfield Blues Band


     Si el álbum debut de The Paul Butterfield Blues Band, de título homónimo, ya era bueno, con East West, la banda se saca de la manga un disco más duro y musicalmente más diverso, con influencias, además del blues, psicodélicas, orientales, jazzisticas y de hard rock. Un álbum donde destaca sobremanera la alianza de Paul Butterfield con un Michael Bloomfield en estado de gracia. 

A finales de 1964, Joe Boyd, un aspirante a productor y amigo del productor Paul Rothchild, de Elektra Records, le comenta que la mejor banda del mundo tocaba en un bar de blues de Chicago. Rothchild cogió un avión a Chicago para ver el cuarteto que en ese momento formaba Butterfield, y que se llamaba Big John's. Más tarde, esa misma noche, y a sugerencia de Boyd, Rothchild fue a otro club diferente donde vió a Mike Bloomfield con una banda diferente. Sería Rothchild el que animara a Butterfield para que fichara a Bloomfield, y se acabara conformando la influyente formación The Paul Butterfield Blues Band.

En 1966 la banda publica su segundo álbum de estudio, East-West. En ese momento la formación está conformada por Paul Butterfield (voz y armónica), Mike Bloofield (guitarra), Elvin Bishop (guitarra), Jerome Arnold (bajo), Billy Davenport (batería) y Mark Naftalin (piano, órgano). East-West, considerado como un álbum muy influyente dentro del blues, fue grabado en julio de 1966 en los reputados Chess Studios de Chicago, Illinois, bajo la producción de Mark Abramson, Paul Rothchild y Frazier Mohawk, y publicado en agosto de 1966 por el sello Elektra Records. El disco consiguió colocarse en el puesto nº 65 de la lista estadounidense Billboard Pop Album Charts. La portada del álbum es una fotografía tomada en el Museo de Ciencia e Industria de Chicago.  

La fórmula que el grupo emplea es la misma que la de su primer disco, The Paul Butterfield Blues Band, alternando versiones de blues tradicionales con otros temas de corte más eléctrico y toques psicodélicos, jazzísticos e incluso de la música India. Vamos a encontrar grandes versiones de blues clásico como Walkin' Blues, un estándar de blues escrito  y grabado originalmente por el músico de blues del Delta estadounidense Son House en 1930. Esta canción pronto pasó a formar parte del reperterio de otros bluesmans como Robert Johnson y Muddy Waters entre otros, quienes adaptaron y grabaron sus propias versiones; el tradicional I Got a Mind to Give Up Livng; la también tradicional All These Blues y Two Trains Running, esta última compuesta por Muddy Waters.   



También encontramos temas como Get Out of My Life, Woman, una delicia con toques de funk que la banda es capaz de llevarse a su territorio y hacerla suya a su estilo, y es que este tema fue escrito por el gran Allen Toussaint y grabado por primera vez por Lee Dorsey en la década de los 60. Hay lugar para versiones jazzeras, como Work Song, una magnífica sesión instrumental que nos regalan con un magnífico trabajo de las guitarras y la armónica Paul Butterfield. Se trata un estándar de jazz compuesto por el trompetista Nat Adderley y el escritor Oscar Brown Jr, y grabada por Adderley. Originalmente la canción era instrumental y posteriormente Oscar Brown Jr. incluyó letra en una versión posterior. La canción se inspiró en una experiencia infantil de Adderley al ver a una cuadrilla de trabajadores convictos trabajando. Está considerada esta canción como uno de los estándares del llamado estilo hard bop, que es como se describió un nueva corriente que surgió dentro del jazz y que incorporaba influencias del R&B, la música gospel y el blues. Never Say No es una tenue y lenta canción donde la banda se vuelve a mover muy sutilmente entre elementos jazzísticos.   

También tienen tiempo para regalarnos un tema con aires psicodélicos, Mary, Mary, canción escrita originalmente por Michael Nesmith, guitarrista del grupo The Monkees, y grabada por primera vez por la banda de Paul Butterfield. Fue uno de los porductores, Barry Friedman, quien sugirió al grupo que pobara esta canción escrita por el guitarrista de The Monkees. La canción fue un claro intento de la banda, a sugerencia de los productores y la discográfica, de hacer un sencillo de éxito, aunque al final Elektra Records decidió lanzar esta canción como sencillo.

El disco cierra con una auténtica joya instrumental de más de trece minutos de duración y que además da nombre al disco, East-West, un tema que mezcla magistralmente blues y aires psicodélicos con patrones musicales de la música oriental de la India. La canción surigó a raíz de una sesión de improvisación de más de una hora de duración donde la canción se basaba en un patrón de bajo de cuatro tiempos y estaba estructurada como una serie de secciones, donde afloraban diferentes estados de animo y colores musicales, donde el baterista contribuye, además de con la sección rítmica, con mazos, tambores y diferentes platillos, con unas grandes guitarras, y donde Paul Butterfield contribuye con unos magníficos sólos de armónica. Esta canción está considerada como una de las primeras y que sentaría las bases de las raíces del llamado rock psicodélico.

lunes, 17 de octubre de 2022

0655-. Uncle John's Band - Grateful Dead

 

Uncle John's Band, Grateful Dead


     El 14 de junio de 1970 la banda estadounidense de rock Grateful Dead publica su cuarto álbum de estudio, Workingman's Dead. El disco es grabado en febrero de 1979 en los Pacific High Recording estudios de San Francisco, bajo la producción del mismo grupo y de Bob Matthews y Betty Cantor, y publicado bajo el sello discográfico Warner Bros. En este disco el grupo abandona la experimentación psicodélica de sus anteriores trabajos para centrarse en un sonido más americano, basado en el folk rock, roots rock, blues rock y country rock.

Cuando Workingman's Dead fue publicado, los lectores de la revista Rolling Stone lo votaron como el mejor álbum de 1970, seguido de DéjàVu de Still, Crosby, Nash y Young, y Moondance de Van Morrison

Incluido en éste disco se encuentra Uncle John's Band, compuesta por el guitarrista de la banda Jerry Garcia y por el letrista Robert Hunter. Este tema, con unas armonías y texturas vocales que cobran vida propia, fue lanzado como sencillo promocional del álbum. El estilo de la canción es un relajado arreglo de bluegrass y folk con guitarra acústica con unas geniales armonías vocales. La canción se convirtió en una de las más conocidas de la banda y fue incluida en dentro de las 500 canciones que dieron forma al rock and roll del Salón de la fama del rock and roll. En 2001 fue incluida en el puesto número 321 en la lista de proyectos de Canciones del siglo.

martes, 11 de octubre de 2022

0649 - Let It Bleed - The Rolling Stones

0649 - Let It Bleed -  The Rolling Stones

Let It Bleed
 es una canción de la banda de rock inglesa The Rolling Stones. Fue escrita por Mick Jagger y Keith Richards y aparece en el álbum de 1969 del mismo nombre, el primer ejemplo de una canción principal de The Rolling Stones. Fue lanzado como single en Japón en febrero de 1970.

La canción comienza con una pieza deslizante y rápidamente pasa a un solo de guitarra acústica antes de que se unan el bajo, la batería y el piano, respectivamente. El arpa automática de Wyman se puede escuchar un poco débilmente durante el primer verso con sonidos de 'ping' notables, pero es mayormente inaudible en toda la pista. 

La letra incluye una serie de referencias sexuales y de drogas, incluida una invitación a "coca y simpatía", una referencia a una "enfermera drogadicta" y las sugerencias de Jagger de que todos necesitamos a alguien para "sangrarnos", "cremarnos" y "corrernos". sobre" ellos. Sin embargo, para el crítico de Allmusic Richie Unterberger, la canción trata principalmente sobre la "dependencia emocional", con Jagger dispuesto a aceptar un compañero que quiera apoyarse "en él para obtener apoyo emocional".

Unterberger también afirma que "Let It Bleed" puede ser "la mejor ilustración" de la forma en que The Rolling Stones hacen que "un enfoque ligeramente descuidado funcione para ellos en lugar de en su contra". También elogia la voz de Jagger, afirmando que la canción representa "una de sus mejores voces, con un enfoque sumamente perezoso que parece ser cariñoso y burlón al mismo tiempo".

Daniel 
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sábado, 8 de octubre de 2022

0646-. Matty Groves - Fairport Convention

 

Matty Groves, Fairport Convention 


     En diciembre de 1969, la banda británica de folk rock Fairport Convention publica su cuarto álbum de estudio, Liege & Lief. El disco es grabado en los estudios Sound Techniques de Londres durante los días 16, 19, 22, 29 de octubre y el 1 de noviembre de 1969, bajo la producción del productor discográfico y escritor estadounidense Joe Boyd, y publicado en diciembre de 1969 por el sello discográfico Island Records en Reino Unido, y el por sello discográfico A&M Records en Estados Unidos.

Liege & Lief suponía el cuarto álbum de estudio de la banda y el tercero publicado durante el año 1969, mostrando la frenética actividad del grupo en aquella época. En Reino Unido consiguió alcanzar el puesto número 17 en las lista UK Album Chart del Reino Unido. Hay quien considera este disco como el primer gran álbum de "folk rock británico", pero de lo que no hay duda es que fue de los primeros. 

Incluida en este cuarto disco de estudio se encuentra el tema Matty Groves, un tema tradicional inglés originario al parecer del norte de Inglaterra. También conocido como Little Musgrave and Lady Barnard o Little Musgrave, relata una cita adúltera entre un joven y una mujer noble que termina cuando el esposo de la mujer descubre el engaño y mata a los dos. Esta canción existe con muchas variantes en la letra y con varios nombres. 

La letra de la canción relata como Little Muegrave va a la iglesia y allí ve a la esposa de Lord Barnard, la dama más hermosa del lugar, y se cuenta de que ella también se siente atraída por él. Ella lo invita a pasar la noche con ella y él acepta cuando le dice que su esposo estará fuera de casa. Un sirviente de la casa de Lord Barnard escucha la conversación y va a buscar a Lord Barnard para contarle como Little   Musgrave va a estar en la cama con su esposa. Lord Barnard y sus hombres cabalgan hasta su casa, donde sorprende a los dos amantes en la cama. Fairport Convention, para la grabación de su versión electrificada de Matty Goves, se inspiraron en la melodía de la canción folclórica tradicional de los Apalaches Shady Grove, dando como resultado esta versión híbrida resultante de los dos temas tradicionales.

viernes, 7 de octubre de 2022

0645-. Grantchester Meadows - Pink Floyd

 

Grantchester Meadows, Pink Floyd


     El 7 de noviembre de 1969 Pink Floyd, compuesto por David Gilmour, Roger Waters, Nick Mason y Richard Wright, publica su cuarto álbum de estudio, Ummagumma. El disco es un doble álbum, donde el primer disco contiene grabaciones en vivo de conciertos dados por la banda en el Mothers Club de Birminghan y el College of Commerce de Manchester los días 27 de abril y 2 de mayo de 1969, mientras que el segundo disco contiene composiciones en solitario de cada miembro de la banda, grabadas en los estudios EMI de Londres. El disco se mueve entre el rock espacial, psicodélico y experimental, y fue producido por el propio grupo y por Norman Smith.

Incluido en este doble álbum se encuentra Grantchester Meadows, compuesta por Roger Waters, el cual comienza con un sonidos electrónicos emulando durante todo el tema el gorgojeo de una alondra mientras la voz de Roger Waters, acompañada de una guitarra acústica relata: “Vete, nocturno gélido viento, no es este tu dominio, en el cielo se deja escuchar el canto de un pájaro, susurros de nublada mañana, y sonidos gentiles, silencio mortal que yace todo entorno". La canción se caracteriza por el uso de efectos estéreo y paneo de sonido para crear ilusión de espacio y profundidad, pudiendo disfrutar de dichos efectos sobre todo si se escucha con auriculares.

La letra describe una escena pastoral y onírica en las praderas de Grantchester, Cambridgegeshire (Inglaterra). En este lugar fue donde el miembro del grupo David Gilmour se crió y donde además vivió el exmiembro Sid Barrett. Este tipo de balada de corte pastoral era típico del enfoque compositivo que Roger Waters daba a sus composiciones a finales de los años sesenta y principio de los años setenta, algo que continuaría en en su primer álbum fuera de Pink Floyd y después en el tema If de Atom Heart Mother ya con Pink Floyd.

martes, 4 de octubre de 2022

0642-. Memory of A Free Festival - David Bowie

 

Memory Of A Free Festival, David Bowie


     El 7 de noviembre de 1969 salía publicado el segundo álbum de estudio de David Bowie, conocido como Space Oddity. El disco fue grabado entre junio y septiembre de 1969 en los Trident Studios de Londres, bajo la producción del gran Tony Visconti, y publicado originalmente el 7 de noviembre de 1969 por el sello discográfico Philips para el Reino Unido bajo el título David Bowie, y por el sello Mercury para Estados Unidos bajo el título Man of Words / Man of Music, siendo relanzado en 1972 por RCA Records con el título actual, Space Oddity. Es uno de los grandes álbumes de Bowie, y surgió como punto de inflexión en la carrera del artista, que hizo la transición de un músico inspirado en el cabaret y la vanguardia a un músico con un sonido hippie / folk.

Incluido en este gran disco se encuentra Memory of A Free festival, un tema donde Bowie quiso inmortalizar, mediante una melodía liviana, alucinante y nostálgica, un festival en que había colaborado. El 16 de agosto de 1969, un joven David Bowie subió al escenario en el festival que se llevó a cabo en el Croydon Road Recreational Ground de la localidad de Beckenham, Inglaterra. Bowie había ayudado a organizar el festival con la esperanza de recaudar fondos para el Laboratorio de Artes de Beckenham. Aquel festival fue un evento muy concurrido y pacífico, con una gran variedad de ofertas musicales, y con vendedores de comida típica, donde la por entonces novia de Bowie cocinaba hamburguesas en un típico carrito de comida rápida. Como curiosidad, apuntar que en aquel festival David Bowie regaló a los  presentes una versión reggae de la mítica Space Oddity.

jueves, 29 de septiembre de 2022

0637.- Midnight Special - Creedence Clearwater Revival

 

Midnight Special, Creedence Clearwater Revival


     En 1969 la banda estadounidense Creedence Clearwater Revival publica Willy And The Poor Boys (1969), considerado por muchos como el mejor disco de la historia de la banda, y razón no les falta, pues podría serlo perfectamente por temas como Down On the CornerFortunate Son, la versión de Cotton Fields de Lead Belly o la gran Midnight Special.

Willy the Poor Boys, el cuarto disco de estudio de la banda, es grabado durante el año 1969 en los estudios Wally Heider de San Francisco bajo la producción de John Fogerty, el compositor principal de la banda, y publicado el 1 de noviembre de 1969 bajo el sello discográfico Fantasy. El disco llegó a tener excelentes ventas, además de Estados Unidos, en países como Canadá, Francia, Finlandia, Países Bajos, Noruega y Reino Unido. La revista Rolling Stone, en su edición del año 2020, colocó este magnífico álbum en el puesto número 193 de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Incluido en este disco se encuentra Midnight Special, una canción folclórica tradicional que se originó entre los prisioneros del sur de Estado Unidos. La canción hacía referencia al tren de pasajeros Midnight Special y su "luz siempre amorosa". La letra de la canción fue grabada por primera vez en forma impresa en 1905 por el sociólogo e investigador del folclore afroamericano Howard Odum. La versión en la que se basó John Fogerty para los arreglos fue la de Lead Belly, una de sus grandes influencias. La canción ha sido grabada por infinidad de artistas ademas de Lead Belly y la Creedence Clearwater Revival, entre los que se encuentran Big Bill Broozy, Sonny Terry & Brownie McGhee, Odetta, Les paul, Peter Seeger, Peter Paul & Mary, Big Joe Turner, Mungo Jerry, Van Morrison, Little Richard, Otis Rush, The Spencer Davis Group, Lonnie Donegan, Eric Clapton y The Louvin Brothers entre otros muchos.

martes, 27 de septiembre de 2022

0635.- Ramble On - Led Zeppelin

 

Ramble On, Led Zeppelin II


      Led Zeppelin II, el disco que consagrará definitivamente a Led Zeppelin, fue grabado en diversas localidades del Reino Unido y de Estados Unidos entre enero y agosto de 1969. El disco fue producido enteramente por Jimmy Page y fue publicado el 22 de octubre de 1969 por el sello discográfico Atlantic Records. Fue el primer álbum de la banda en utilizar las técnicas del ingeniero de sonido y productor Eddie Kramer que en este disco trabajó como ingeniero de sonido y mezclador.

En este segundo álbum se produce una notable mejoría en la producción, se mejoran y perfeccionan los temas acústicos, se siguen utilizando sonidos blues y folk, y el sonido de la guitarra suena mucho más grave, lo que convertirá a este disco en uno de los más pesados de la banda. El disco alcanza un más que notable éxito, alcanzando el puesto número 1 en las listas de ventas de Reino Unido y Estados Unidos, y consiguiendo desbancar de esa posición nada menos que al Abbey Road de The Beatles, el cual llevaba acomodado en esa posición nada menos que once semanas.

El álbum fue concebido durante un periodo muy agitado de la banda, pues durante ese año realizaron cuatro giras por Europa y tres por el continente americano. Esto hizo que cada canción fuera grabada, mezclada y producida en un sitio diferente. Robert Plant afirmaba al respecto que esa etapa fue una locura: "Estábamos escrbiendo los temas en las habitaciones del hotel, y luego debíamos ir a Londres a grabar la parte rítmica, añadir la voz en Nueva York, grabar la armónica en Vancouver y luego, para finalizar la mezcla, volver a Nueva York". Las sesiones de grabación se repartieron entre los estudios Olympic y Morgan de Londres, Inglaterra, los estudios A&M, Quantum, Sunset Mystic de Los Ángeles, California, los Ardent Studios en Memphis, Tennessee, los estudios A&R Juggy Sound, Groove y Mayfair de Nueva York y en un estudio de Vancouver. 

Incluido en este disco se encuentra Ramble On, acreditada a Page y Plant, las letras fueron escritas por este último, quien se inspiró en la obra de J. R. R. Tolkien, autor de El Señor de los Anillos. Las referencias son al personaje de este libro Frodo Bolsom, cuando va a las profundidades más oscuras de Mordor y se encuentra con GollumRobert Plant admitiría más tarde que en cierto modo se entia un poco avrgonzado por las referencias a Tolkien en este tema, ya que no tenía mucho sentido encontrarse una bella doncella en Mordor y Gollum no querría tener nada que ver con ella, pues su única preocupación era el precioso anillo.

viernes, 23 de septiembre de 2022

0631-. Sugar Mama - Taste

Sugar Mama, Taste



     En 1966 un jovencísimo rory Gallagher crea el power trío The Taste, que después de algún que otro cambio terminará desembocando en Taste, formado por él a la guitarra y voz, Richard "Charlie" McCracken al bajo y John Wilson a la batería. Con este magnífico power trío, y a pesar de su corta vida, acabará marcando una época, llegando a tocar en el mítico Festival de la Isla de Wight en 1970, donde comparte cartel gente de la talla de Jimi Hendrix, Leonard Cohen, The Who, Emerson, Lake & Palmer, The Moody Blues o Sly Stone ente otros. En 1969 Taste debuta con su primer álbum de estudioTaste.

El disco, una combinación de blues con potente blues rock que por momentos puede llegar a sonar a hard rock, es grabado durante el mes de agosto de 1968 en los De Lane studios de Londres bajo la producción de Tony Colton y publicado el 1 de abril de 1969 por la discográfica Polydor para el mercado europeo y Atco para el mercado estadounidense.

Incluído en este álbum se encuentra Sugar Mama, un tema estándar tradicional de blues que cuenta con los arreglos de Rory Gallagher. Si bien es difícil saber quien es el autor original de Sugar Mama, sus orígenes se remontan al artista de blues y country Yank Rachell, quien grabó el 6 de febrero de 1934 el tema Sugar Farm Blues. Tampa Red grabaría posteriormente también en 1934 dos versiones de Sugar Mama Blues en 1934, poco después de la grabación de Rachell Luego llegaría Sonny Boy Williamson I, a quien se asocia y se suele acreditar la autoría del tema Sugar Mama, la cual grabó en 1937. Sonny Boy fue uno de los primeros colaboradores de Yank Rachell. Más tarde llegarían innumerables versiones, John Lee Hooker, BB King, Led Zeppelin, Howlin' Wolf, Fleetwood Mac y Otis Spann son algunos de los artistas, como Taste, que realizaron versiones de este genial blues tradicional.

miércoles, 21 de septiembre de 2022

0629 - Willie the Pimp - Frank Zappa

0629 - Willie the Pimp - Frank Zappa

Willie the Pimp
es una canción del álbum Hot Rats de Frank Zappa del año 1969. 
Cuenta con una voz idiosincrásica de Captain Beefheart y uno de los solos de guitarra clásicos de Zappa. Es la única pista que no es instrumental en el álbum, aunque la pista presenta un largo solo de guitarra. 

La canción apareció como instrumental en Fillmore East de Zappa en junio de 1971, originalmente dividida como la última pista en la cara uno (2'50") y continuó en la primera pista en la cara dos (1:54) del LP. Otro instrumental breve.  

La versión apareció en You Can't Do That on Stage Anymore, Vol. 4 como una transición de 2'06" entre "My Guitar Wants To Kill Your Mama" y "Montana".

El título del álbum Hot Rats proviene de una letra de Willie the Pimp. El origen de la canción se explicó en una conversación que Zappa grabó en 1969. La grabación de esta entrevista se publicó más tarde como "La historia de Willie the Pimp" en el álbum Mystery Disc de Zappa.

La canción ocupó el puesto 75 en la lista de "Las 100 mejores canciones de guitarra de todos los tiempos" de Rolling Stone.

Daniel 
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lunes, 19 de septiembre de 2022

0627 - Epitaph - "March for No Reason" and "Tomorrow and Tomorrow" - King Crimson

0627 - Epitaph - "March for No Reason" and "Tomorrow and Tomorrow" - King Crimson 

Epitaph 
es la tercera pista del álbum de 1969 de la banda británica de rock progresivo King Crimson, In the Court of the Crimson King. Fue escrito por Robert Fripp, Ian McDonald, Greg Lake y Michael Giles con letra escrita por Peter Sinfield.

La canción se destaca por su uso intensivo del Mellotron. Al igual que con la primera pista del álbum, "21st Century Schizoid Man", la letra de la canción tiene un sentimiento claramente distópico y se presenta como una protesta a la Guerra Fría.

El título de la canción se utilizó como nombre de un álbum en vivo de grabaciones realizadas por el King Crimson original, Epitaph.

Emerson, Lake & Palmer incorporarían más tarde un extracto de esta canción después de la parte "Battlefield" de la versión en vivo de su canción "Tarkus", del álbum Tarkus, como se documenta en el álbum en vivo Welcome Back My Friends to the Show That Never. Finaliza... Damas y caballeros.

Stripes del álbum Hell's Winter de Cage muestra una parte media de la canción a lo largo de su duración.
Epitaph Records también tomó su nombre de la canción.

Daniel 
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sábado, 17 de septiembre de 2022

0625-. 21st Century Schizoid Man - King Crimson

 

21st Century Schizoid Man


     En 1969 la banda de rock sinfónico y progresivo King Crimson debuta con su primer álbum de estudio, In the Court of the King Crimson. Este disco debut, considerado como uno de los primeros álbumes de rock progresivo además de convertirse en uno de los grandes referentes del género, fue grabado entre junio y agosto de 1969 en los estudios Wessex de Londres bajo la producción del mismo grupo. El disco fue publicado el 10 de octubre de 1969 bajo las discográficas Island, Atlantic y E.G.,

Incluido en este genial disco se encuentra 21st Century Schizoid Man, canción acreditada a toda la banda y que es una clara crítica a la Guerra de Vietnam, haciendo referencia a los muertos por napalm en dicha guerra y a la barbarie que allí se gestó. Robert Fripp, Michael Giles, Greg Lake e Ian McDonald, con voces distorsionadas y unos poderosos riffs de guitarra, nos dibujan una ciudad distópica y deshumanizada, un lugar contaminado y enfermo en el que la paranoia espera al otro lado de la puerta. El hombre esquizoide del siglo XXI es una "semilla de muerte" plantada por "la codicia del hombre ciego". Cansado de ver sangrar a los niños, morir de hambre a los poetas y de no tener "nada de lo que realmente necesita", decide escapar lejos de la locura de la ciudad y buscar una vida relajada en el campo, alejado de tanta locura, un lugar donde poder sentir el silencio y hablar tranquilamente con el viento.

Antes de una presentación en vivo de la canción, concretamente el 14 de septiembre de 1969, Robert Fripp afirmó que la canción estaba dedicada a una personalidad política estadounidense a quien todos conocían ya amaban mucho. dicha personalidad era Spiro Agnew. Agnew fue el trigésimo noveno vicepresidente de Estados Unidos, sirviendo bajo el presidente Richard Nixon. También fue el primer gobernador greco-estadounidense en la historia de Estados Unidos. Después de un extenso ensayo, la banda grabó la pista básica en una sola toma con todos los miembros tocando juntos al mismo tiempo. Greg Lake, que tocaba el bajo en esta formación, se encargó de agregar la voces la voces. Aunque el riff distintivo de la canción fue una ocurrencia de Greg Lake e Ian McDonald, la canción fue atribuida a todo el grupo.

viernes, 16 de septiembre de 2022

0624-. Light Flight - Pentangle

 

Light Flight, Pentangle



     Pentangle fue una banda de folk rock británica cuyo primer periodo de actividad abarcó la década de lo 60 y principios de los 70. La agrupación original estaba compuesta por Jacqui McShee (voz), John Renbourn (guitarra), Bert Jansch (guitarra), Danny Thompson (contrabajo) y Terry Cox (batería). El nombre del grupo, Pentangle, fue elegido porque representaba a los cinco miembros de la banda.

El 26 de octubre de 1969 se publica el tercer álbum de estudio de la banda, titulado Basket of Light. El disco es grabado en los IBC Studios de Londres bajo la producción del productor, compositor y arreglista estadounidense Shel Tamy, y publicado por el sello discográfico Transatlantic.

Basket of Light, donde todos los instrumentos tocados fueron acústicos, supuso el gran éxito comercial del grupo y llegó a ocupar el puesto número 5 en la lista Uk Albums Chart del Reino Unido, siendo incluido además en los libros "1001 álbumes que debes escuchar antes de morir" y "1000 grabaciones para escuchar antes de morir". Incluido en el álbum se encuentra Light Flight, tema que llego a alcanzar el puesto número 43 en las listas de sencillos del Reino Unido, y que alcanzó gran popularidad al ser usado como tema musical de una serie detelevisión titulada Take Three Girls, la primera serie dramática emitida por la BBC en color.

sábado, 10 de septiembre de 2022

0618.- Whipping Post - The Allman Brothers Band

Whipping Post, The Allman Brothers Band




     El 4 de noviembre de 1969 se produce el debut de la mítica formación The Allman Brothers Band con su primer álbum de estudio, titulado como la misma  banda, The Allman Brothers Band. El disco es grabado entre el 3 y el 12 de agosto de 1969 en los estudios Atlantic de la ciudad de Nueva York, bajo la producción del músico y productor británico Adrian Barber, quien ya había trabajado con The Beatles en 1962. El disco es publicado por las discográficas Atco Records y Capricorn Records y es grabado y mezclado en dos semanas. Gran parte del material fue estrenado anteriormente a su grabación en vivo ante el público combinando grandes dosis de blues, jazz y música country. Curiosamente y pesar de recibir buenas críticas por parte de la prensa especializada como Rolling Stone que calificó el disco como "sutil, honesto y conmovedor", obtuvo una mala respuesta comercial, llegando únicamente a colocarse en Estados Unidos en los últimos puestos de la lista Billboard Top 200 Top Albums. Tras el aumento de la fama del grupo a principios de los 70, tanto este disco debut como el siguiente, Idlewild South, fueron reeditados en el álbum recopilatorio Beginnings en 1973.

Whiping Post fue compuesta por Gregg Allman, y la letra, que está escrita en un sentido metafórico, trata de una mujer malvada que ha traicionado a un hombre el cuál esta atado a un poste y está esperando su castigo. Gregg escribió este tema una noche sobre una tabla de planchar utilizando cerillas quemadas, pues en ese momento en mitad de la noche no fue capaz de encontrar un lápiz o bolígrafo y la escribió sobre la citada plancha. El tema se convirtió en un clásico en sus conciertos, tocándola además siempre a modo de Jam Session para evitar que el tema sonara igual dos veces. Una vez Gregg Allman fue preguntado cómo se le había ocurrido componer temas como Whipping Post donde las progresiones no tenían nada que ver con el blues o el rock & roll típico, a lo que respondió que realmente no sabía lo que estaba haciendo y que simplemente lo hizo.

jueves, 8 de septiembre de 2022

0616.- Here Comes The Sun - The Beatles

 

Here Comes The Sun, The Beatles


     El 26 de septiembre de 1969 se publica el undécimo álbum de estudio de The Beatles, Abbey Road. El disco es grabado en sesiones entre el 22 de febrero y el 20 de agosto de 1969 entre los Emi, Olympic y Trident estudios, todos en Londres, bajo la producción de George Martin, y con Geoff Emerick como ingeniero de sonido, quien se embarcaba en el proyecto tras haber abandonado un año atrás y dejando a medias la grabación de las sesiones del álbum The Beatles. Abbey Road ha sido catalogado por la crítica como uno de los álbumes mejor elaborados de The Beatles. En 2005 la revista Rolling Stone lo colocó en el puesto número 5 de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Incluido en el álbum se encuentra el tema Here Comes The Sun, escrita por George Harrison, una de sus dos contribuciones en la composición de temas del disco junto a Something. Here Comes The Sun fue escrita por Harrison y para su composición influyó la canción Badge del grupo Cream, que había sido coescrita por Eric Clapton y George Harrison. Esta fue una de las pocas canciones en las que no participó John Lennon en ningún instrumento. George Harrison se encargó de la voz, coros, guitarra acústica, sintetizador mog y palmas, Paul McCartney de los coros, bajo y palmas, y Ringo Starr de la batería y las palmas. Además, en la canción podemos escuchar 4 violas, 4 violonchelos, 1 contrabajo, 2 piccolos, 2 flautas, 2 flautas altas y 2 clarinetes.

La canción fue escrita por Harrison mientras se encontraba en el jardín de la casa de Eric Clapton mientras descansaba de las interminables reuniones de negocios de Apple, la corporación del grupo. La canción se inspiró en los largos inviernos de Inglaterra, y según Harrison el día que la escribió estaba soleado: "Era un día soleado muy agradable, y tomé la guitarra, que era la primera vez que la tocaba en un par de semanas porque había estado muy ocupado". Y lo primero que salió fue lo que a la postre sería la canción, una canción que terminaría más tarde mientras se encontraba de vacaciones en Cerdeña.