sábado, 30 de abril de 2022

0485 - Five to One - The Doors

0458 - Five to One - The Doors

"Five to One" es una canción de la banda de rock estadounidense The Doors, de su álbum de 1968 Waiting for the Sun. La letra de la canción fue escrita por Jim Morrison, aunque los créditos de la canción, fue dado a cada uno de los miembros de la banda The Doors como compositores.

La interpretación más famosa de la canción fue en el concierto de Miami de 1969 en el Dinner Key Auditorium. Hacia el final de la actuación, Jim Morrison borracho grito a la audiencia "idiotas" y "esclavos". El concierto terminaría con Jim Morrison acusado de "intentar incitar un motín" entre los asistentes al concierto, lo que resultó en su arresto y posterior condena por exposición indecente.

Durante la reunión de la formación original de The Doors sin Jim Morrison en VH1 Storytellers, Scott Weiland de Stone Temple Pilots asumió la voz. Antes de la actuación, John Densmore dijo que Weiland era uno de los pocos líderes que podía "llenar los pantalones de cuero de Jim". Scott dijo que "Five to One" fue lo que lo inspiró a comenzar una carrera en la música rock.

Daniel 
Instagram storyboy 

viernes, 29 de abril de 2022

0484.- Not to touch the Earth - The Doors



Not to Touch the Earth, tema incluido en Waiting for the sun, el tercer disco de estudio de The Doors, es en realidad una de las partes del mítico poema "Celebration of the Lizard" (La celebración del lagarto) de Jim Morrison. Muchas de las canciones de The Doors se basaban en musicar algunos de los poemas que previamente Morrison había escrito, y no fue diferente en el caso de "Celebration of the Lizard". Durante las sesiones para Waiting for the sun, se intentó una grabación del extenso poema, que muchos años después se incluyó como tema extra en una reedición especial del disco, pero en el momento de la grabación se descartó finalmente por considerarlo demasiado largo y denso, y no encajar con el resto de temas del disco.

La parte que tenía una estructura de canción más clara y potente era el tramo conocido como Not to Touch the Earth, y sobrevivió a la quema para acabar formando parte del álbum. El primer y segundo versos (No toques la tierra, No mires al Sol) son los títulos de dos partes de "Between Heaven and Earth (Entre el Cielo y la Tierra), un capítulo de la novela The Golden Bough (La rama dorada) de James Frazer, cuya obra fue una gran influencia en las composiciones de Morrison.

Como poema, es una críptica declaración del llamado "Rey Lagarto", una especie de sacerdote o dios animal al que seguir en un rito iniciático, y está plagada de misticismo y referencias a tabúes y supersticiones ancestrales. Como canción es, junto a Hello I love you y Five to one, una de las tres canciones más agresivas de un disco, por lo general, marcado por la melancolía de los teclados y las melodías vocales. En Not to touch the Earth el ritmo es asfixiante e intenso, y solo en los momentos en los que Morrison repite "Run with me" ("Corre conmigo"), los teclados parecen cobrar vida para describir la epopeya de un viaje del que es difícil imaginar un destino.

El disco de la semana 273: To Bring You My Love - PJ Harvey

 

To Bring Yu My Love, PJ Harvey


     Para  la recomendación de esta semana traemos bajo el brazo a la  gran PJ Harvey. Polly Jean Harvey, más conocida como PJ harvey, es una cantante, compositora, escritora y poeta inglesa nacida en Yeovil, Somerset (Inglaterra) en 1969. Aunque es conocida durante su carrera como cantante y guitarrista, ha demostrado ser una hábil multi-instrumentista, destacando en el uso del saxofón, piano o el autoarpa entre otros.

PJ Harvey creció en la granja de su familia en Corscombe, y desde su infancia acudió a la escuela en la localidad cercana de Beaminster, donde recibió clases de guitarra del cantautor Steve Knightley. sus padres eran unos grandes amantes de la música y a menudo organizaban pequeñas reuniones y conciertos. La música que sus padres escuchan, entre los que se encuentran Captain Beefheart, Bob Dylan y el blues entre otros, influirá posteriormente en su trabajo. En la adolescencia comienza a aprender a tocar el saxofón y forma parte como guitarrista del dúo folk The polekats, con quien ya escribe algunos de sus primeros temas. Una vez finalizada su formación en la escuela asiste a un curso de artes visuales.



En 1988 se convierte en miembro de Automatic Dlamini, banda formada por John Parish en 1983. La alineación de esta banda rotaba constantemente. En 1991 Harvey abandona la formación de John Parish y recluta a sus ex compañeros de grupo Rob Ellis e Ian Oliver, con los que inicia la aventura de  PJ Harvey Trío. En 1992 publica Dry, su álbum debut, un trabajo que llama la atención inmediatamente de los medios especializados. Este éxito le permite fichar por Island Records y graba su segundo álbum de estudio, Ride of Me, alcanzando buenas cifras tanto en el mercado del Reino Unido como en Estados Unidos. En 1994 PJ Harvey decide lanzar su carrera ya como solista y se encierra entre septiembre y octubre de 1994 en los Townhouse Studios de Londres donde graba el material que dará como resultado To Bring You My Love, su tercer disco de estudio y el recomendado para la ocasión. 

To Bring Yo My Love es producido por la misma PJ Harvey junto a Flood y John Parish, y publicado en febrero de 1995 por el sello discográfico Island Records. Este trabajo se diferencia de sus anteriores discos por estar fuertemente influenciado por el blues estadounidense. La música del álbum es interpretada en gran parte por Harvey y Parish, y cuenta con la colaboración de un numeroso elenco de experimentados músicos entre los que se encentran Joe Gore (guitarras), Mick Harvey (bajo, órgano) y Jean Marc Butty (batería, percusión). 



Si el estilo musical difiere de los anteriores trabajos de Harvey, la temática no va a ser menos. En To Bring You My Love Harvey nos habla de anhelo, pérdida, amor, sexo, pero con unas letras menos contestatarias, agresivas y contundentes que en sus anteriores discos. Como ejemplo: Down By the Water, con una amenazante melodía, trata sobre una mujer que ahoga a su hija y regresa a la escena del crimen. La pimera parte del estribillo fue tomada del estándard de blues de Lead Belly Salty Dog Blues. También encontramos numerosas referencias del grupo Captain Beefheart, una de sus grandes influencias, entre las que se encuentran la primera frase del disco: "I was born in the desert", es la también la primera línea del álbum debut de Captain Beefheart, Safe As Milk (1967), o en la segunda canción, Meet Ze Monsta, toma prestada parte de la letra de una canción del álbum  Shiny Beast (Bat Chain Puller) (1978). Sin abandonar el rock alternativo, PJ Harvey se cerca más al blues, Las guitarras, el teclado y el órgano cobran mucha presencia en este álbum. 

El álbum contiene diez canciones con un toque oscuro donde Harvey realiza una mirada íntima del artista, y hace gala de una gran introspección. La cantante británica nos regala un álbum lleno de sensaciones, emociones y lleno de expresividad, un trabajo que con el tiempo se convertirá en la pierda angular de su discografía. To Bring You My Love es un recomendable viaje a un mundo de sensaciones por el que nos guiará PJ Harvey con su maravillosa, honesta y desgarradora voz. 

jueves, 28 de abril de 2022

0483.- Love Street - The Doors

 

Love Street, The Doors


     El 3 de julio de 1968 se publica bajo el sello discográfico Elektra Records el tercer álbum de estudio de la banda de Los Ángeles The Doors, titulado Waiting for the Sun. El disco es grabado entre febrero y mayo de 1968 en los TTG Studios de San Diego, bajo la producción de Paul A. Rothchild. Este tercer trabajo fue criticado por la suavidad de su sonido, el cual contrastaba con la fuerza de las letras y ese sonido tenso y denso que había hecho famoso a la banda. Sin embargo fue el primero en alcanzar el puesto número uno en las listas de ventas de Estados Unidos, consiguiendo también el éxito en Reino Unido, llegando a colocarse en el puesto 16 en sus listas de ventas. A pesar de las criticas por su sonido, el disco contiene clásicos como Hello, I Love You, Not to Touch the Earth, Spanish Caravan, el himno antibélico The Unknow Soldier o Love Street, este último tema en el que nos vamos a centrar.

Love Street fue escrita por Jim Morrison, y publicada como sencillo en junio de 1968. La canción se desvía del habitual sonido psicodélico de la banda para incluir sonidos acústicos y convertirla en una balada casi convencional. Este tema, al igual que algunos otros, es un tema que Jim Morrison dedicó a su novia Pamela Courson. La canción trata sobre Laurel Canyon, California, donde Jim Morrison vivía con su novia Pamela, más concretamente en el 1812 de la calle Rothdell Trail. Dicha calle era conocida por los dos amantes como Love Street, porque solían pasar largos ratos sentados en el balcón de la casa viendo pasar a los hippies. La canción también hace referencia a la tienda que Pamela tenía en la misma calle. Jim había comprado una pequeña boutique de moda a Pamela en esa mima calle, su intención era que estuviera distraída y mantenerla fuera de las giras, pero la tienda terminó cerrando al entrar en quiebra.  Este tema rara vez fue tocado en directo, aunque se llegó a capturar una grabación en directo en Estocolmo, Suecia, durante la gira europea del grupo en 1968.

1 artista, 3 canciones: John Lennon

Una nueva entrega de esta sección donde hablaremos brevemente la carrera de un artista y resaltaremos vuestros tres temas favoritos, la elección como casi siempre será a través de nuestras redes sociales, en el twitter de @7dias7notas donde cada domingo os solicitaremos que nos dejéis vuestras tres canciones del artista que la redacción propone.



JOHN LENNON

Músico, poeta y compositor, John Winston Lennon nació el 9 de octubre de 1940 en Liverpool, su padre, Alf Lennon, era un marinero, que abandonó a su esposa Julia y a su hijo pequeño. Más de veinte años después, cuando Alf Lennon intentó volver a entrar en la vida de su famoso hijo, Lennon no le dio la bienvenida. Al no poder criar sola a Lennon, Julia le pidió a su hermana y cuñado, Mimi y George Smith, que cuidaran de su hijo. Trágicamente, un oficial de policía fuera de servicio atropelló y mató a la madre de Lennon en 1958. Inspirado por el rock 'n' roll de Elvis Presley y Chuck Berry a mediados de la década de 1950, Lennon comenzó a aprender a tocar la guitarra. 

Su madre le había enseñado a tocar el banjo, e inicialmente tocaba la guitarra como un banjo con la sexta cuerda floja y formó su primer grupo, The Quarrymen, en 1956. Ese año conoció a Paul McCartney, con quien finalmente colaboró ​​en la escritura de más de 150 canciones. En 1959, George Harrison se había unido al nuevo grupo, que para entonces había pasado a llamarse Johnny and the Moondogs. El grupo no encontraba el éxito y aún esperándolo, se convirtieron en los Silver Beatles en 1960. Durante los dos años siguientes tocaron en conciertos locales en Liverpool, con mayor frecuencia en el Cavern Club, donde numerosos grupos ingleses obtuvieron su éxito inicial. Los Beatles aparecieron por primera vez en Alemania en 1960 e hicieron su primera grabación profesional. Mientras tocaban en The Cavern, llamaron la atención de Brian Epstein, quien los escuchó y les preguntó si necesitaban un representante. En 1962 Ringo Starr se unió al grupo. El éxito de The Beatles fue insuperable, pero eso será carne de otro articulo, en 1970 desaparecieron, antes de dejar la banda conoció a Yoko Ono y tras el ultimo album de The Beatles. Lennon inicio su carrera como solista con el álbum John Lennon/Plastic Ono Band (1970), fue recibido con gran aclamación. Con el siguiente álbum, Imagine (1971), la respuesta de la crítica fue mas fria, sin embargo la ​canción que da título al álbum se convertiría en un himno para los movimientos contra la guerra,​ mientras que «How Do You Sleep?» era un ataque musical hacia McCartney en respuesta a las letras del álbum Ram que Lennon sentía, y que McCartney confirmó más tarde​ iban dirigidas a él y Ono. Lennon y Ono se mudaron a Nueva York en agosto de 1971, y en diciembre lanzaron «Happy Xmas (War Is Over)». El siguiente año, la administración de Richard Nixon realizó una «contraofensiva estratégica» hacia la propaganda de Lennon en contra de la guerra y de Nixon, embarcándose en un intento de cuatro años para intentar deportarlo. Grabado en colaboración de Ono y con el acompañamiento de la banda neoyorquina Elephant's Memory. 

Some Time in New York City fue lanzado en 1972, incluía canciones que hablaban sobre los derechos de las mujeres, las relaciones raciales, el papel del Reino Unido en Irlanda del Norte o los problemas de Lennon para obtener una Green Card, el álbum fue recibido negativamente. Mientras Lennon grababa Mind Games (1973), él y Ono decidieron separarse, estuvieron separados durante un periodo de dieciocho meses y al que más tarde llamó su «fin de semana perdido» (en referencia a la novela homónima de Charles R. Jackson), ese tiempo lo pasó en Los Ángeles y Nueva York en compañía de May Pang. Mind Games, acreditado a «The Plastic U.F.Ono Band», fue lanzado en noviembre de 1973, Lennon había perdido el camino, siempre se le encontraba en constante estado de embriaguez y sus borracheras con Harry Nilsson eran titulares de periódicos. Asentado de nuevo en Nueva York, Lennon grabó Walls and Bridges, publicado en octubre de 1974, incluyó «Whatever Gets You Thru the Night», que contaba con la participación de Elton John en los coros y piano, y se convirtió en el único sencillo número uno de Lennon en solitario que pudo ver en vida. Tras el nacimiento de su segundo hijo Sean en octubre de 1975, Lennon asumió el papel de amo de casa, comenzando lo que sería un retiro de cinco años de la industria musical durante el cual dedicó toda su atención a su familia se dedicó completamente a Sean, levantándose a las seis de la mañana todos los días para planear y preparar sus comidas y pasar todo el tiempo con él. 

Regresó a la escena musical en octubre de 1980 con el sencillo «(Just Like) Starting Over», seguido el mes siguiente por el álbum Double Fantasy, que contiene canciones escritas por Lennon durante un viaje que había realizado en velero a las Bermudas el mes de junio anterior, y las cuales reflejan la estabilidad y el éxito de su nueva vida familiar.​ Durante las sesiones del álbum, Lennon y Ono grabaron material adicional suficiente para un futuro álbum, el cual se convertiría en Milk and Honey (lanzado póstumamente en 1984), Double Fantasy fue mal recibido por la crítica, 



El 8 de diciembre de 1980, Mark David Chapman, un fan trastornado, asesinó a Lennon en las afueras del Dakota en Manhattan. La muerte de Lennon devolvió su música a la prominencia mundial e impulsó la canción "Starting Over" al número 1 en los Estados Unidos y otros países. Para un hombre que había vivido una vida extraordinaria, sus esperanzas para el futuro eran modestas. Le dijo a Wenner: "Espero que seamos una buena pareja de ancianos viviendo en la costa de Irlanda o algo así, mirando nuestro álbum de recortes de locura".


VOTACIONES

1.- Imagine: Estamos ante una de esas canciones inmortales, un himno para muchos por su letra sobre la paz, unión y solidaridad, fruto de las tendencias políticas de Lennon que se exacerbaron aún más tras la ruptura de los Beatles, aunque en este tema, ese mensaje aparece totalmente "endulzado" para que lleguese a todo el mundo. Es sin duda, el tema post-Beatles más famoso y recordado de las discografías de sus cuatro integrantes, su melodía dulce y serena, la suave progresión de acordes y ese tono intimista, con el trasfondo de su historia de amor con Yoko Ono, la han convertido en una canción eterna que es reconocida por todo el mundo y que, por derecho propio, siempre ocupa los primeros puestos en las listas de mejores canciones de la historia.


2.- Jealouse Guy: Es sin duda una de las canciones destacadas del Imagine de 1971, si bien apareció por primera vez durante las sesiones del "White Album", bajo el título "Child of Nature". El origen de esta canción tiene sus raíces en la India, The Beatles, en su visita a la India, habían asistido a una conferencia de Maharishi Mahesh Yogi, la conferencia inspiró tanto a Lennon como a McCartney, y ambos compusieron dos canciones diferentes basadas en las mismas ideas. Los Beatles no aceptaron la versión de la canción de John Lennon es cierto que esa versión carecía de la grandeza orquestal que tienen en la versión final publicada por Lennon en solitario, la belleza de la melodía que eventualmente se convertiría en “Jealous Guy” es innegable. La emoción cruda que había mostrado en Plastic Ono Band de 1970 sería arrastrada en direcciones opuestas en Imagine, y la vulnerabilidad que se muestra aquí la convierte en una de las canciones más convincentes y reveladoras de Lennon.


3.- (Just like) Starting Over: Escuchar ese tema es volver al sonido de una melodía pop con blues de los años cincuenta, aunque con una producción bastante moderna. Con una de las mejores letras románticas de Lennon donde reflexiona sobre la hermosa simplicidad de su relación con Yoko y cómo cada día es como si fuera el primero. La voz de Lennon lo refleja a la perfección y suena como si le estuviera dando una serenata a su esposa. Instrumentalmente es muy buena ya que cuena con grandes talentos como el del guitarrista Earl Slick y Tony Levin en el bajo. Todo se une en una melodía muy melódica, especialmente gracias a los coros que proporcionan un coro angelical de fondo


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miércoles, 27 de abril de 2022

0482.- Spanish Caravan - The Doors



Después de dos notables álbumes lanzados en 1967, The Doors regresaron al año siguiente con un nuevo trabajo, 'Waiting for the Sun', y los resultados en general no fueron los que esperaban, no consiguió el brillo de sus primeros dos albums. Aún así, tenemos delante un disco enorme,  un disco de rock bastante variado, y del que vamos a disfrutar sin duda. Si bien la canción que mas conocida de Waiting for the sun e 'Hello, I Love You', reconozco que es un tema memorable donde se muestra a la banda tocando en un modo obviamente 'pop', que aunque no era uno de sus fuertes si saben hacerlo de forma magnifica, sin embargo para mi la mejor canción del álbum es la exótica 'Spanish Caravan', ya que es algo inusual en su carrera y sabe darle ese toque personal inconfundible.

Spanish Caravan destaca por su atrevida intro de guitarra flamenca dejando uno de los momentos más virtuosos de Krieger. La canción se basa en la famosa pieza clásica de Isaac Albéniz “Asturias (Leyenda)” y demuestra las influencias flamencas de la banda en general. Tras la guitarra, la canción avanza hacia un órgano conducido por la oscuridad, convirtiéndose en una jam de rock progresivo. Una canción estructurada en dos partes: una sección romántica donde predomina la guitarra flamenca y una parte más áspera, con teclado y guitarra eléctrica cada una por separado es magnífica, las combinas y tienes una canción realmente fascinante y cautivadora con un sello muy particular. Lo que hace tan especial esta canción es que comienza como folk español acústico con solo percusión y luego se electrifica y con un tempo más rápido (esto de mezclar música clásica y folk en el álbum me hace pensar en los byrds).

La letra fue compuesta íntegramente por Jim Morrison, y se caracteriza por sus simbolismos y alegorías. Aunque Morrison nunca dio pistas de ello, Spanish Caravan la podemos interpretar como tema romántico sobre la búsqueda de tierras bellas y ricas, una temática que parecía mucho en la obra del poeta Lord Byron y que pudo servir de inspiración a Jim Morrion ya que en la canción se menciona que viaja en una caravana a Portugal y Andalucía en España, donde "un tesoro le está esperando" (a treasure is waiting). Esos medios de transportes tan típicos de la época del poeta Byron pueden dar una pista de que algo de la obra de Byron tenga además el sujeto misterioso quiere ser "enviado" de vuelta a Europa a través de un desierto africano, pero ya sabemos que nada es fácil en la poesía de Morrison, y también está mencionado 'galleons lost in the sea' (galeones perdidos en el mar). Por supuesto, el tesoro podría ser una simbolización de otra cosa o concepto, no especificada con claridad sino como metáfora, algo habitual en muchas de las composiciones de Jim Morrison y sus compañeros.


Álbum: How to Dismantle an Atomic Bomb #mesU2

Álbum: How to Dismantle an Atomic Bomb #mesU2

Esta finalizando el mes de abril, un mes donde lo hemos dedicado a una de las banda que se a ganado a pulso cada uno de sus logros y a demostrado ser unas de las grandes bandas de rock, por ello queremos cerrar el #mesU2 con su álbum How to Dismantle an Atomic Bomb que es el undécimo álbum de estudio de la banda de rock irlandesa U2.
Fue lanzado el mes noviembre de 2004 en el Reino Unido por Island Records y un día después en los Estados Unidos por Interscope Records. Al igual que su álbum anterior All That You Can't Leave Behind (2000), el disco exhibe un sonido de rock más convencional después de que la banda experimentara con el rock alternativo y la música dance en la década de los 90. Fue producido por Steve Lillywhite, con producción adicional de Chris Thomas, Jacknife Lee, Nellee Hooper, Flood, Daniel Lanois, Brian Eno y Carl Glanville.

El vocalista Bono explicó que tuvo que hacerse algunas preguntas difíciles antes de seguir grabando: "Quería comprobar dónde estaba y dónde estoy. Así que volví a escuchar toda la música que me hizo querer estar en una banda, desde los Buzzcocks, Siouxsie and the Banshees, Echo & The Bunnymen, todo eso. Y lo interesante es que eso es lo que mucha gente en las bandas ahora está escuchando de todos modos. Así que, en cierto modo, nos hizo completamente contemporáneos".

Buscando un sonido rockero más contundente que el de su anterior disco, All That You Can't Leave Behind, U2 comenzó a grabar How to Dismantle an Atomic Bomb en febrero de 2003 con el productor Chris Thomas. 

Tras nueve meses de trabajo, la banda había completado un álbum de canciones. En octubre, se reunieron en Dublín para revisar su trabajo. Bono y el guitarrista The Edge creyeron que era lo suficientemente bueno como para lanzarlo, Bono dijo: "Todo lo que necesitábamos era el asentimiento del politburó y el disco habría salido para Navidad". Sin embargo, el bajista Adam Clayton y el batería Larry Mullen Jr. no estaban de acuerdo con sus compañeros de banda y votaron en contra de publicar el disco. Mullen dijo que las canciones "no tenían magia", mientras que Clayton afirmó: "Cuando se trata de firmar un proyecto, te haces preguntas como: '¿Tenemos un primer single para abrir la campaña? Francamente, nos faltaba algo más que un primer single" Clayton y Mullen también tenían la molesta sensación de que All That You Can't Leave Behind había sido alabado en exceso cuando sólo produjo un éxito: "Beautiful Day". Clayton pensaba que si el objetivo de U2 era seguir siendo la banda más grande del mundo, necesitaban tres o cuatro éxitos de su álbum que pudieran atraer a nuevos fans. 

El grupo recurrió a su productor de toda la vida, Steve Lillywhite, para mediar en el desacuerdo. Después de que le pusieran el disco, Lillywhite valoró que parecía que "tenía el peso del mundo sobre sus hombros. Desde luego, no era nada divertido". Tras largas discusiones, Bono y The Edge se convencieron de que el álbum necesitaba más trabajo. Bono pensaba que las canciones eran buenas, pero admitía que "lo bueno no te hace llorar ni te hace querer salir de casa y hacer una gira durante un año" El grupo despidió entonces a Thomas y contrató a Lillywhite como productor del álbum en Dublín en enero de 2004. Lillywhite, junto con su ayudante Jacknife Lee, pasó seis meses con la banda retocando las canciones y animando a mejorar las interpretaciones Otros productores recibieron créditos en el álbum, como Daniel Lanois, Brian Eno, Flood, Carl Glanville y Nellee Hooper, Bono reconoció que la participación de múltiples productores afectó a la "cohesión sónica" del disco.

Una versión demo del álbum (la copia del guitarrista The Edge) fue robada mientras la banda se fotografiaba para una revista en Francia en julio de 2004. La banda anunció públicamente que si esas canciones se filtraban en Internet, lanzarían el álbum inmediatamente a través de iTunes Store Varios meses después, el álbum terminado se filtró en Internet, pero la banda no lo lanzó antes, a pesar de los comentarios anteriores.

A finales de 2004, "Mercy", un tema inédito extraído de las sesiones de How to Dismantle an Atomic Bomb, apareció en Internet a través de un fan que había recibido una copia del álbum con el tema extra. La pista tiene una calidad de audio inferior a la estándar, pero se ha convertido en una de las favoritas de los sitios web de los fans. Se eliminó de la versión final, pero Blender la describió como "una efusión de seis minutos y medio de U2 en su forma más desinhibida" La letra de la canción se encuentra en el folleto de la edición especial limitada. Una versión significativamente revisada de la canción se interpretó durante la etapa europea de la gira U2 360° Tour; hizo su debut en directo el 12 de septiembre de 2010 durante el segundo concierto de Zúrich, y se publicó oficialmente como tema de apertura en el EP en directo de la banda Wide Awake in Europe, sólo en vinilo, ese mismo mes de noviembre.

Nos encanta esta sección donde mes a mes, reconocemos los éxitos de las mejores bandas de rock, y U2 a pasado por estas páginas donde nos ha encantado recordar cada uno de los éxitos y nos ha gustado hacerlo. 

Daniel 
Instagram storyboy 


martes, 26 de abril de 2022

0481.- Hello, I love you - The Doors



Hello, I Love You es uno de los mayores éxitos comerciales grabados por The Doors. Una canción pegadiza y rotunda que, como le ocurrió a otras composiciones de la banda, fue escrita en 1965 durante los comienzos del grupo, pero no vio la luz hasta que fue grabada para ser el tema de arranque del tercer disco Waiting for the Sun de 1968.

La letra de Morrison se inspira en una bella mujer afroamericana que vio pasear por la playa de Venice, en California. Al verla, se le ocurrió esa frase tan directa que es la base de toda la canción: "Hola, te quiero, me dices tu nombre?" Ignoramos cual fue su respuesta, pero si cual fue la del público y los fans del grupo. Pese a que muchos consideraron que el impactante zumbido de guitarras del tema lo convertía en una rareza y no era el sonido característico del grupo, las ventas del single de Hello, I Love You se dispararon hasta catapultarlo al primer puesto de las listas de Estados Unidos y Canadá.

Su publicación no estuvo exenta de polémica, ya que el grupo británico The Kinks interpuso una demanda aduciendo que el ritmo y el riff de la canción eran demasiado parecidos a los de su canción All Day & All of The Night. El guitarrista Robbie Krieger negó haberse inspirado en la canción de The Kinks, reconociendo por contra que sí que había influencias del Sunshine of your love de Cream en el ritmo de batería. Morrison y Manzarek acabarían admitiendo que el parecido entre ambos riffs era muy grande pero al final, y no se sabe si gracias a un acuerdo extrajudicial entre las dos bandas, la demanda no llegó a buen puerto. 

Grandes éxitos y tropiezos: Creedence Clearwater Revival

 

Creedence Clearwater Revival


     Para la siguiente entrega de la sección de Grandes éxitos y tropiezos traemos a una de las bandas considerada como una de las mejores, más populares y más influyentes de la historia, Creedence Clearwater Revival. Un grupo que supo combinar como nadie el blues de raíces con el blues pantanoso, el blues-eyed-soul (música soul interpretada por blancos) y el rock psicodélico, un estilo que les hizo tener un sonido único y peculiar. El grupo está considerado como uno de los precursores del Grunge que surgió a finales de los años 80. Estuvieron en activo entre 1967 y 1972, y durante esos años publicaron 7 álbumes de estudio. En esta sección recomendamos por que discos empezar, por cuales seguir y cuales desechar de la banda en cuestión, aunque ya avisamos que el caso de la Creedence Clearwater Revival es un tanto especial, pues lo que se dice, disco malo no tiene, aún así te puede resultar muy útil si te quieres iniciar en la escucha de la banda y así saber por cual empezar y cuales dejar para el final:


Estás tardando en comprarlo:




Sin dudarlo puedes comenzar por Cosmo's Factory (1970), para algunos, entre los que nos encontramos nosotros, considerado como el mejor disco de la banda. Desde que el disco comienza con Ramble Tamble, un increible temazo con tintes folk rock de siete minutos, pasando por la genial versión del tema de Bob Diddley Before your Accuse , la marchosa Travelin' Band, versión del clásico de Roy Orbison Ooby Dooby, Lookin' Out My back Door con un toque más clásico y folk, la espeluznante y brutal Run Throug the Jungle, el optimista Up around the Bend, la contagiosa My Baby Left Me, la hermosa y maravillosa Who'll Stop the Rain con toques country, la versión de I Heard It Through the Grapevine con ese solo improvisado que extiende el tema hasta los once minutos, hasta que termina Long As I Can See the Light, un tema lento, nostálgico y conmovedor, el nivel es increíble, se mantiene en lo más alto. Willy And The Poor Boys (1969), considerado por otros tantos como el mejor disco de la historia de la banda, y razón no les falta, pues podría serlo perfectamente por temas como Down On the Corner, Fortunate Son, la versión de Cotton Fields de Lead Belly o la gran Midnight Special. John Fogerty estaba "on fire" y lo demostraba escribiendo éxito tras éxito, y con el tiempo todos esos éxitos se convertían en clásicos. Green River (1969) es el disco que comenzaba la exitosa trilogía de grandes álbumes donde al menos tres temas incluidos en los mismos alcanzarían la gloria. Temazos como el que da nombre al disco Green River, Lodi Y Bad Moon Rising no hacen más que refrendar este hecho y dan lugar a otro discazo de los hermanos Fogerty, John y Tom y Stu Cook y Doug Clifford.


Si te queda pasta, llévate pasta llévate también: 




Bayou Country
(1969), el segundo de estudio de la banda y que significó el punto de inflexión de la misma. El grupo necesitaba sacar otro buen disco que se reflejara en las ventas y se jugaba su continuidad, y el resultado no pudo ser mejor. John Fogerty se saca de la manga unas omposiciones que son el resultado de la fusión de sus influencias con el rock, el blues y el rock sureño. Un disco donde el grupo encontraba su estilo y ese sonido tan característico que les acompañaría durante toda su influyente carrera. Creedence Clearwater Revival (1968), el álbum debut, y que debut. Nos encontraremos temazos como la versión de Suzie Q de Dale Hawkins y quee Fogerty se llevó a su terreno dándole su toque y estilo y nos regala este temazo de más de ocho minutos, la maravillosa versión de I Put a spell On You de Screamin' Jay Hawkins, o The Workin Man, temazo que John Fogerty se saca de la manga, una canción al más puro estilo del mítico sello Stax Records.


Vuelve a dejarlo en el expositor:




Aclarar primero y como comentamos al iniciar esta reseña, que en el caso de esta banda no es porque en absoluto estos álbumes sean malos, así que vamos a mirarlo desde el prisma de que te has quedado sin pasta y alguno/os tienes que dejar ya que no puedes llevártelos todos. Pendulum (1970), un buen álbum en el que además todos sus temas están compuestos por John Fogerty y no contiene ningún cover. La banda venía de una época gloriosa y aunque se marcan temazos como Hey Tonight, y Have Your Ever Seen The Rain, en su conjunto está un escalón por debajo de sus anteriores discos. No obstante es un disco de escucha agradable. Mardi Gras (1972), el último disco de una banda donde se habían quedado en tres componentes, Doug Clifford, Stu Cook y John Fogerty, ya que Tom Fogerty abandonaría la banda tras la grabación de su penúltimo álbum, Pendulum. Tiene una curiosidad, cada componente de la banda compuso tres canciones que además serían cantadas por su compositor original. No es un mal álbum, pero si tenemos en cuenta todos los anteriores álbumes de la banda y el nivel que la banda venía desarrollando, que era espectacularmente alto, este álbum es de largo el que menos calidad atesora de los siete.


Nuestro TOP 5: 

1.- Fortunate son

2.- Proud Mary

3.- Green River

4.- Run Through To The Jungle

5.- Down On The Corner

lunes, 25 de abril de 2022

0480.- The weight - The Band

 


'The Weight' fue el único single del álbum debut de The Band, que se tituló 'Music from Big Pink' publicado en 1968, y es una de las canciones mas estimadas del grupo canadiense al punto que fue interpretada en la histórica reunión de Woodstock el 17 de agosto de 1969. El escritor y guitarrista de la canción, Robbie Robertson , recuerda exactamente cómo surgió. “Escribí la canción en Woodstock, en una casa que tenía allí en un lugar llamado Larson Lane, donde tenía una mesa y una guitarra, y era como mi pequeño taller… Y cuando me senté a tratar de pensar en algo, me di cuenta de que no tenía nada en mente. Pensé, '¡Oh, mierda!' porque unos días viene y otros no. Senté la guitarra en mi regazo y estaba un poco inclinado sobre ella y miré dentro del orificio de sonido de la guitarra y decía 'Nazareth, Pennsylvania' [donde se fabrican las guitarras Martin]. Pensé, 'Está bien, déjame ver', y escribí la primera línea de esa canción ['Me detuve en Nazareth / Me sentía medio muerta'] y diría, probablemente en 45 minutos, había escrito el esqueleto de toda la canción”.

La canción cuenta la historia de un chico que visita Nazaret, y su amiga Fanny le pide que visite a varios de sus amigos. "El peso" que es su carga son todas estas personas extrañas que prometió que controlaría. Robbie Robertson, afirma que esto fue influenciado por el trabajo de Luis Buñuel, un director español que hizo algunas de las primeras películas que tratan sobre el surrealismo. Robertson estaba intrigado por los personajes de sus películas, que a menudo eran buenas personas que hacían cosas malas. Su composición lírica es emocionante en sí misma, ya que está ambientada en un lugar llamado Nazaret, donde el cantante se encuentra con una serie de personajes coloridos en su búsqueda por encontrar básicamente un lugar para dormir, Nazaret , como todos sabemos, es el nombre de una antigua ciudad donde Jesús residió una vez. Hay varias referencias que se leen como si fueran de naturaleza bíblica y, como tales, tienen un significado más profundo que lo que se presenta en la superficie. Pero en realidad, en realidad apuntan a aspectos de la vida actual de los artistas (en el momento del lanzamiento de la pista), incluida una serie de agradecimientos a personas y lugares con los que están familiarizados, nada que ver con la religión aunque esparció referencias bíblicas indirectas en todas partes para que suene más profundo, como para darle más atractivo, pero según confeso los personajes de la canción, Crazy Chester, Luke, Anna Lee, están basados ​​en amigos de la banda 'Carmen y el diablo', 'Miss Moses' y 'Fanny', un nombre que parecía encajar con el tema. "The Weight", una astuta combinación de música estadounidense y gospel del sur profundo, se convirtió en un éxito Top 40 tanto en Canadá como en el Reino Unido. Aunque la pista se estancó en el puesto 63 en las listas de Billboard, eventualmente se ubicaría tres veces más en los EE. UU. durante el próximo año cuando Aretha Franklin, Jackie DeShannon y las Supremes la interpretaran. Ninguno capturó del todo el sentido seminal de la maravilla de tonos oscuros presentado por Helm, y luego Rick Danko (quien pasa al frente en el cuarto verso, luego proporciona matices clave para el quinto) en el original de The Band. Esa interacción vocal, compartida pero no al unísono, entre Helm, Danko y Manuel (quien agrega una armonía alta dolorosa y sin palabras) debe gran parte de su estilo a los Staple Singers, colaboradores posteriores en el proyecto Last Waltz dirigido por Martin Scorsese .

#MesU2: All that you can't leave behind



El décimo álbum de U2 empezó con buen pie ya incluso desde la elección del título. All That You Can't Leave Behind (Todo aquello que no puedes dejar atrás) es una nueva huida hacia adelante, en la que los irlandeses vuelven a replantearse su camino como grupo, dejando atrás la experimentación electrónica y la oscuridad lírica de esa gran trilogía alternativa que conformaron los discos Achtung Baby, Zooropa y Pop. Las malas críticas que recibió este último les impulsaron a un nuevo retorno al rock convencional de guitarra, bajo y batería, y se pusieron manos a la obra en el estudio con el habitual Daniel Lanois en la producción y la inestimable coproducción del ya por entonces asiduo Brian Eno.

¿Y qué cosas son las que no pudieron dejar atrás? La primera es el talento y la capacidad de entregar grandes discos que Bono y compañía han tenido siempre de serie. Y eso, a pesar de que las primeras sesiones de grabación no fueron demasiado fructíferas, y tan solo lograron sacar en claro el tema Kite, una canción en la que la voz de Bono volvía a brillar y a sorprender después de haber arrastrado problemas durante la anterior gira de la banda. El resultado obtenido con esta canción volvió a llenar el depósito de la ilusión hasta el tope, y decidieron enfocar las siguientes grabaciones hacia la simplicidad de una banda tocando juntos en una habitación, despojando a los nuevos temas de la instrumentación y la electrónica del pasado reciente.

​El disco fue un éxito de crítica y ventas en todo el mundo, llegando la puesto 3 del Billboard estadounidense. Consiguió nada menos que siete Premios Grammy, convirtiéndose en el único álbum en la historia con dos canciones ganadoras del Premio Grammy a la Mejor Grabación del Año (Beautiful Day en 2001 y Walk On en 2002) y la revista Rolling Stone lo posicionó en el puesto 139 de su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Aunque fue promocionado como un retorno al sonido tradicional de la banda, y pese a que esa vuelta a los orígenes se imponga en canciones como Beautiful Day (la potente apertura del disco y single de enorme éxito, en la que la guitarra de The Edge tiene un tono similar al habitual en las grabaciones de discos como War en la década de los ochenta) muchos de los temas del álbum contienen todavía altas dosis de la experimentación y la complejidad de sus obras de los noventa.​

Es el caso, por ejemplo, de Stuck in a moment you Can't Get Out Of, un tema que recuerda al excelso Stay (Faraway, so close) de Zooropa, y cuya letra está dedicada a Michael Hutchence (INXS) que se suicidó en 1997. Se convirtió en otro de los grandes singles del disco, junto a la enérgica y rockera Elevation (incluida en la banda sonora de la película Lara Croft: Tomb Raider, con la explosiva colaboración de Angelina Jolie en el video promocional) y la gran pieza central del disco, Walk on, que en su tramo final enumera, en un planteamiento similar al del tema Eclipse de Pink Floyd, las cosas que uno puede y debe dejar atrás para crecer y mirar hacia el futuro:

Déjalo atrás.
Tienes que dejarlo atrás.
Todo lo que creas,
Todo lo que haces,
Todo lo que construyes,
Todo lo que rompes,
Todo lo que mides,
Todo lo que robas,
Todo esto puedes dejarlo atrás...

Dedicada al activista birmano de derechos humanos Aung San Suu Kyi, es el clímax emocional y creativo del disco. Hasta este momento, podríamos estar probablemente ante el disco que completaría el trío de obras maestras del grupo, tras los impecables The Joshua Tree y Achtung Baby. Sin embargo, en la segunda parte del disco, y a pesar de contener canciones destacables como la mencionada Kite, In a Little While o Peace on Earth, la sensación de que la llama, aunque aún encendida, ha perdido intensidad, empieza a rondar la escucha a la altura de When I look at the World New York.

El disco cierra a buen nivel con Grace, aunque queda una leve sensación de que un disco de estas dimensiones habría merecido un final de mayor impacto, y probablemente ese final tendría que haber sido Walk on, aunque eso habría hecho que la comparativa con el final del Dark Side of the Moon hubiera sido más evidente. Nos consolamos con la acertada decisión de repescar uno de los temas de un proyecto paralelo de Bono, Daniel Lanois y Hal Wilner para la banda sonora de la película Million Dollar Hotel. Incluida como último tema del disco con la etiqueta de "bonus track", la intensa y atmosférica The Ground beneath her feet aporta el toque de gracia que echábamos en falta para cerrar un disco excelente. Demasiado buena para dejarla atrás, ni siquiera a cambio de un hotel de un millón de dólares.

domingo, 24 de abril de 2022

0479.- A Saucerful of Secrets - Pink Floyd

 

A Saucerful of Secrets, Pink Floyd


     A Saucerful of Secrets es el segundo álbum de estudio de la banda británica Pink Floyd. El disco es concebido entre mayo y octubre de 1967, y entre enero y abril de 1968 en los estudios De Lane Lea de Londres, bajo la producción de Norman Smith, y publicado el 28 de junio de 1968 en Reino Unido y el 27 de julio de 1968 en Estados Unidos.

El álbum, considerado uno de los primeros de rock progresivo, está marcado por los problemas y desequilibrios mentales que Syd Barrett padece y la llegada de David Gilmour al grupo, quedando conformado éste por Roger Waters, Richard Wright, David Gilmour, Nick Mason y Syd Barrett. Es el único álbum del grupo donde participan los cinco integrantes. Syd Barrett participó en las sesiones de grabación hasta que su estado mental se lo permitió, abanadonando la banda el 6 de abril de 1968. Este segundo disco está compuesto fundamentalemente por temas sobrantes del primer álbum de la banda. 

Incluido en el álbum se encuentra el tema que da título al mismo, A Saucerful of Scecrets, un tema basado en la música experimental donde el grupo utiliza sorprendentes efectos y sonidos como aullidos, percusiones amenazantes o voces sin palabras. Acreditada a Roger Waters, Nick Mason, David Gilmour y Richard Wright, el tema, con una duración de casi 12 minutos, está compuesto por cuatro secciones, divididas en Something Else (0:00-3:57), con la entrada del címbalo lento cerca del micrófono y órgano haciendo eco. El grupo se dedica a realizar ruidos de apertura siniestros; Syncopated Pandemonium (3:57-7:04), con un bucle de cinta donde aparecen percusiones, batería, el sonido de címbalos furiosos, una guitarra chirriante; Storm Signal (7:04-8:38), sección basada en el órgano acompañado del sonido de campanillas; y Celestial Voices (8:38-11:52), que cierra el tema con el sonido de voces acompañadas de bajo, órgano y melotrón. Este tema formó parte del repertorio habitual del grupo en directo desde 1968 hasta 1972. 

Roger Waters dijo de este tema que era como una batala, donde las secciones Something Else y Syncopated Pandemonium eran la batalla real, y Storm Signal y Celestial Voices eran el duelo de los muertos. David Gimour declaró en 1993 para la revista Guitar World que a Saucerful of Secrets fue un tema muy importante para la banda porque marcó el camino a seguir a Pink Floyd.

0478. - Set the Controls for the Heart of the Sun - Pink Floyd

0478 - Set the Controls for the Heart of the Sun - Pink Floyd

Set the Controls for the Heart of the Sun fue escrita por Roger Waters, que ideó un riff sobre el que podía cantar una melodía dentro de su rango vocal.

Tomó prestada la letra de un libro de poesía china de la dinastía Tang (que más tarde se identificó como el libro Poems of the late T'ang, traducido por A.C. Graham) El título se derivó de una cita de William S. Burroughs. Entre los versos prestados de la poesía china (traducidos por Graham) estaban los de Li He, cuyo poema "No salgas por la puerta" contiene el verso "Testigo del hombre que deliraba ante la pared mientras escribía sus preguntas al cielo" Li Shangyin, cuya poesía contenía los versos "mira poco a poco cómo gira la noche", "incontables las ramitas que tiemblan al amanecer" y "una pulgada de amor es una pulgada de ceniza"; y Du Mu, cuya poesía contenía el verso "Los lotos se apoyan en el anhelo".

La grabación de la canción comenzó el 8 de agosto de 1967 en los estudios Abbey Road, con sobregrabaciones que continuaron hasta enero y febrero de 1968.
Según el guitarrista David Gilmour, la versión de estudio de la canción contenía trabajos menores de guitarra tanto de él como de Syd Barrett, haciendo que "Set the Controls for the Heart of the Sun" es la única canción de Pink Floyd que cuenta con los cinco miembros de la banda, El teclista Richard Wright hizo un uso prominente del órgano Farfisa, y también tocó el vibráfono y la celesta en la pista. El baterista Nick Mason disfrutó de la grabación del tema, ya que le permitió emular la batería de Chico Hamilton en "Blue Sands", como se ve en la película Jazz on a Summer's Day.

"Set the Controls for the Heart of the Sun" es una canción del grupo de rock inglés Pink Floyd, que aparece en su segundo álbum, A Saucerful of Secrets (1968). Fue escrita por Roger Waters, tomando la letra de un libro de poesía china, y cuenta con una parte de batería de Nick Mason tocada con mazos de timbal. Es la única canción grabada por Pink Floyd que contiene material de los cinco miembros de la banda, ya que hay varias partes de guitarra diferentes grabadas por David Gilmour y Syd Barrett.

La canción estaba planeada para ser lanzada como single, con "Scream Thy Last Scream", el 8 de septiembre, antes de que fuera vetada por la compañía discográfica de la banda, EMI. Es una de las dos canciones de A Saucerful of Secrets que aparecen en el álbum recopilatorio de 2001 Echoes: The Best of Pink Floyd (la otra es "Jugband Blues").

Daniel
Instagram storyboy 

viernes, 22 de abril de 2022

0477.- Let there be more light - Pink Floyd



Let There Be More Light es una de las piezas centrales de A Saucerful of Secrets, el segundo disco de Pink Floyd publicado en 1968. Fue además publicada como sencillo en Estados Unidos. El tema fue escrito por Roger Waters, construyendo la letra a partir de varios personajes históricos y de ciencia ficción, y dotándolo de una poderosa línea de bajo que antecede a la entrada de la voz, repartida a lo largo de la canción entre Rick Wright, David Gilmour y el propio Waters.

Esta canción es destacable por varias curiosidades: Contiene el primer solo de guitarra en un disco de Pink Floyd de un recién llegado David Gilmour, y la letra incluye una referencia al tema "Lucy in the Sky with Diamonds" de The Beatles, con los que compartían estudio de grabación en Abbey Road cuando Pink Floyd aún era un grupo emergente y los de Liverpool estaban en su etapa de mayor madurez y popularidad. Posteriormente, el riff principal de la canción ha sido "reutilizado" (por no decir plagiado) en varias ocasiones, y por grupos relevantes como Placebo (en la canción "Taste in Men") The Chemical Brothers en el hit Block Rockin' Beats.

El disco de la semana 0272: La era de la boludez - Divididos

El disco de la semana 0270: La era de la boludez - Divididos

Nuevamente vamos a recomendar un álbum de una banda argentina que más de una vez hemos hablado.

Y es esta ocasión hablaremos de su tercer álbum “La era de la boludez” del grupo argentino Divididos que fue publicado en 1993.

Con este trabajo, la banda se propuso un cambio en su sonido, con la incorporación del floklore argentino, por ello “La era de la boludez” nos presentaba una colección de canciones en donde se mezcla sin ningún tipo de tabú el funk, rock y hasta el folclore argentino.

Ya desde el inicio con la locura funk y con muchas guitarras de “Salir a asustar” nos damos cuenta del potencial de la banda que exhibe un altísimo nivel técnico. “Ortega y gases” es un divertido tema de raíz folclórica que nos lleva a la adaptación en clave bluesera de “El arriero” un cover de Atahualpa Yupanqui de demuestra esa mezcla del floklore argentino con el rock un sello que marcará sus próximos álbumes. “Salir a comprar” es una nueva incursión al funk rock en donde destaca la labor de su bajista Diego Arnedo. 

En “¿Qué ves?” se destapan con un corte de reggae electrificado con mucho gusto. “Pestaña de camello” es un interludio instrumental con sonoridades arabescas y tribales que nos da paso a “Rasputin /Hey Jude”, un rocanrol violento y guitarrero con el guiño a The Beatles en el tramo final. 

Elementos distintos como contrabajo, pedal steel y sección de metales adornan el canto a la resaca de “Dame un limón”. Vuelven las enérgicas guitarras de cadencia AC/DC en “Paisano de Hurlingham”. Vuelven de nuevo a ofrecer dos pildorazos reggae en “Cristófolo Cacarnú” y en “Indio, dejá el Mezcal”. Inspirada en lecturas de Eduardo Galeano tenemos la solemne “Huelga de amores” que nos conduce al final con “Tako c” y la revisión de su tema “Pestaña de camello”. 

Este es un gran álbum de una de las banda de rock argentino más influyentes de la historia del rock vivo de hoy en dias, por ello queríamos hoy recomendarlo. 

Daniel 
Instagram storyboy 


jueves, 21 de abril de 2022

0476.- Mony Mony - Tommy James & The Shondells

 

Mony Mony, Tommy James & The Shondells


     En julio de 1968 la banda de rock Tommy James & The Shondells publican su quinto álbum de estudio, Mony Mony. El disco, de corte psicodélico, apenas llegaba a los 28 minutos de duración. El disco alcanzó un discreto puesto, el número 193 en la lista estadounidense Billboard 200. Lo que no fue tan discreto fue el que se convertiría a la larga en su mayor éxito, el tema que además daba título al disco, Mony Mony. De hecho fue la única canción en llegar al top 20 en el Reino Unido, más concretamente el puesto número 1 en las listas de ingles de Reino Unido, y el 3 en las de sencillos de Estados Unidos. El tema volvió a la actualidad en la década de los 80 gracias a Billy Idol, quien grabó una versión del mismo en 1981.

El tema está acreditado a Tommy James, Bo Gentry, Ritchie Cordell y Bobby Bloom. Relataba el mismo Tommy James que la canción surgió de la idea de realizar un disco de rock festivo. Con esa idea se metieron en el estudio y empezaron a crear unos riffs por aquí,un ritmo de bajo por allá, el sonido la batería y la letra. El caso es que tenían compuesta toda la música del tema y casi toda la letra, y únicamente les faltaba el título. querían algo pegadizo, algo así como sloopy (descuidado), algo que sonara improvisado y loco, tenía que ser algo ñoño, casi estúpido. Un día se encontraban Tommy James y su compañero de composición Ritihie Cordell en el apartamento del primero, situado en 888 Eigth Avenue de Nueva York, trabajando, y llegó un momento en el que, cansados, tiraron las guitarras y salieron a la terraza a fumar. Y allí en las alturas encontraron la solución al título del tema, había estado delante de las narices de Tommy durante mucho tiempo. Allí en  frente, en lo alto, había un cartel anunciando una conocida mutualidad de seguros de Nueva York, Mutual of New York Insurance Company, el cual tenía un signo de dolar en medio de la O, que además te daba la temperatura y la hora. En ese momento Ritchie y Tommy se miraron y se empezaron a reír, lo tenían claro, la solución había estado delante de sus narices. ¿Qué podía ser más perfecto que Mony Mony?.

miércoles, 20 de abril de 2022

0475.- Comment te dire adieu - Françoise Hardy



Comment te dire adieu es una adaptación al francés de una canción interpretada previamente por Margaret Whiting y Vera Lynn, realizada por Serge Gainsbourg para la canción y el disco del mismo título de Françoise Hardy, una de las más grandes figuras de la canción francesa de los años 60 y 70.

En la línea suave y melódica de otros éxitos de la cantante y compositora francesa, la magistral versión de Serge Gainsbourg y Françoise Hardy adapta, además de la letra, el sonido de la canción para hacerla más rítmica y prototípica del sofisticado sonido de la canción francesa de los años 60, con exuberantes arreglos firmados por Jean-Pierre Sabar que encajan a la perfección con la elegante y sensual voz de Hardy.

En el disco del mismo nombre, hay además espacio para colaboraciones adicionales de figuras de la talla de John Cameron (colaborador habitual de Donovan) o Mike Vickers (antiguo miembro de Manfred Mann), aportando cada uno su granito de arena a que Comment te dire adieu no haya perdido un ápice de su capacidad de acariciar con delicadeza los oídos del que la escucha. 

#MesU2: Zooropa - U2

 

Zooropa, U2


     Iniciada la decada de lo 90, los irlandeses U2 deciden dar una vuelta de tuerca a su estilo y sonido. Habían pasado de producir sus primeros discos con influencias del post-punk para pasar luego a las influencias de la música americana, y con Achtung Baby (1991) daban otro giro de tuerca, pues se introducían en los sonidos de la música electrónica y de baile, inspirados por el Bowie de los setenta y por el sonido Mánchester, conocido  como Madchester (sonido basado en el rock alternativo que surge en la escena musical de Manchester, Reino Unido, a finiales de los 80 y principios de los 90). Achtung Baby no defrauda, y con álbum mucho más atrevido que los anteriores se convierte  en un gran éxito y en uno de los mejores trabajos de su carrera.

A principios de 1992 el grupo realiza una nueva gira para apoyar Achtung baby, dicha gira recibe le nombre de Zoo TV Tour. La gira se caracteriza por su novedosa combinación de efectos  multimeda, con un escenario formado por pantallas gigantescas, coches colgados del escenario, e incluso con llamadas de móviles. Entre medias del Zoo TV Tour, juto después de finalizar la gira americana y antes de comenzar con la parte de la gira europea, el grupo entra en el estudio para la grabación del nuevo material de su siguiente álbum de estudio, Zooropa. El ábum, continúa con la evolución de su anterior disco, Achtung Baby, mostrando  muchas más influencias techno y dance. Zooropa, pese a que no alcanza un gran éxito en ventas, gana el premio Grammy al "mejor álbum Alternativo", y su gira de apoyo también llamada Zooropa, es considerada como una de las más grandes y originales de la  historia del rock. Estamos ante la etapa más creativa del grupo.

U2 se se había reinventado a comienzos de la década de los 90, habían encontrado el camino de la múscia electrónica y con Zooropa van a seguir explorando esta vía, El disco, su octavo trabajo de estudio, es grabado entre marzo y mayo de 1993 en los estudios The Factory, Windmill Lane y Westland Studios, todos de Dublín, producido por Brian Eno, Mark "Food" Ellis y The Edge, y publicado justo en medio de la gira Zoo TV Tour,  el 5 de julio de 1993 por el sello discográfico Island Records



En este álbum la banda profundiza en el concepto que había planteado como vision satírica de la era de la información y sus efectos en el hombre moderno. A pesar de su poca repercusión comercial la banda había dejado patente sus ganas por la experimentación, la cual ya habían inciado en su anterior trabajo. Así entramos en materia y nos encontramos abriendo el disco Zooropa, tema que además da título al álbum. La canción es el resultado de la fusión de las palabras Zoo y Europa. Durante la gira Zoo TV Tour la banda había estado tratando de recrear una visión futurista y esperanzadora de Europa. Encontramos elementos como la caída del muro de Berlín, la consolidación de la Unión Europea, la brutalidad de la guerra de Bosnia y las revoluciones de 1989. Todo ocurría en un lugar ficticio llamado Zooropa. Bono y The Edge habían estado leyendo obras de William Gibson, quien había recreado un ambiente urbano futurista llamado "The Sprawl". Esto influyó en la composición de este tema. La canción fue el resultado de combinar dos piezas musicales separadas, una de las cuales la banda descrubrió mientras revisaba las prubas de sonido de la gira Zoo TV Tour. Babyface, bajo un ambiente triste y melancólico, trata de un hombre obesionado con una celebridad. Tanto es así que no para de ver su imagen en una grabción de televisión. Curiosamente este tema únicamente fue interpretado en 5 conciertos de la gira Zoo TV Tour. Numb, la letra fue concebida por The Edge mientras que la música fue obra de U2. Estamos ante uno de los mejores temas del álbum, donde el grupo juega además con elementos pertencientes al post-punk, diversos efectos sonoros y samples, y la voz de The Edge es modificada para parecer la de un robot. El tema, inspirado en el tema de la sobrecarga sensorial consigue el efecto deseado y se convierte en una ruidosa composicion. Lemon, con influencias de música disco y funky, fue descrita por los entendidos como una canción de estilo alemán futurista. Fue escrita por Bono después de ver un vídeo de su madre vistiendo un vestido de color limón como dama de honor. Muy interesantes los sintetizadores, que se encargan de dar un toque futurista al tema. Stay (Faraway, so Close!) es un tema que comienza de menos a más, comenzando con la batería de Mullen y la guitarra de The Edge, y luego se van sumndo poco a poco el bajo de Clayton y la voz de Bono. La canción fue incluia en la banda sonora de la película ¡Tan lejos, tan cerca!, continuación de El cielo sobre Berlín, ambas de Win Wenders. Inspirada sobre el estilo musical de Frank Sinatra, Bono llegó a afirmar que esta canción era probablemente la mejor canción de toda la discografía del grupo.



Daddy's Gonna Pay for You Crashed Car
, otro tema donde el grupo no olvida unas raíces post-punk que vuelven a aflorar aquí. El tema comienza con un pequeño prólogo orquestal de instrumentos de metal, y todo el protagonismo es para el bajo de Clayton ya que no hay guitarra y apenas hay sonidos de sintetizadores. Bono describió la canción como una cuestión de dependencia y adección a la heroína. Sn embargo The Edge dijo que el significado no tenía la intención de ser una referencia a la heroína sino más bien un comentario sobre la dependencia en sí misma, no tenía que ser a sustancias ilegales, se podía ser adicto a cualquier cosa, por ejempo, se podía ser adicto a los aplausos, a estar en la carretera, incluso estar en U2 podía ser su propia adicción. Some Days Are Better Than Others vuelve a los ritmos funkys, bailables y alegres. Muy destacable el sólo de sintetizador que sustituye al de guitarra. The First Time, tema que se caracteriza por la ausencia de batería y el protagonismo casi absoluto es para la guitarra de The Edge. El tema va in crescendo, a la guitarra de The Edge, que acompaña a Bono, se le van sumando primero los sintetizadores, y luego el bajo, para llegar al punto álgido del tema con la aparición de un brillante piano que eclipsa al resto. El tema fue originalmente escrito para Al Green, pero al final el grupo decidió quedárselo. Una canción que trata sobre perder la fe. Bono afirmaba que el no había perdido la fe, pero simpatizaba mucho con las personas que tenían el coraje de no creer. Había visto a muchas personas a su alrededor tener malas experiencias con la religión. Dirty Day, con letra de Bono y The Edge y música de U2, es un tema que trata sobre un padre y un hijo. El tema está inspirado en parte en la relación de Bono con su padre. La canción nos relata como un padre abandona a su familia y años más tarde se encuentra con el hijo que había abandonado. En este aspecto, no retrata al padre de Bono, pero sí algunas de sus actitudes. Cierra el álbum The Wanderer, tema donde colabora el gran Johnny Cash. La interpretación vocal corre a cargo de Johnny Cash, que inevitablemente se adueña de la canción con su magnífica y profunda voz. Al final ed la canción hay una segunda voz que corre a cargo de The Edge. El grupo comenzó a escribir la canción al enterarse de que Johnny Cash viajaría a Dublín para un espectáculo. La canción describe los viajes de un hombre y la búsqueda de la redención. Para la letra de la canción Bono se inspiro en el libro de Eclesiastés de el Antiguo Testamento, también conocido como el Libro del Predicador. El predicador quiere decubrir el significado de la vida y para ello se aventura a probar un poco de todo. 

Zooropa continuaba con la vía de la experimentación con la música electrónica y alternativa que el grupo había abierto con Achtung Baby. Un disco donde la banda demostró, como cualquier camaleón que se precie, saber adapatarse a los nuevos tiempos. 

martes, 19 de abril de 2022

0474.- I say a little prayer - Aretha Franklin

 


Grabada inicialmente por Dionne Warwick en 1967, “I Say a Little Prayer” se convirtió en un gran éxito en los EE. UU, alcanzó el puesto número cuatro en la lista de sencillos pop Billboard Hot 100 de EE. UU  y el número ocho en la lista de sencillos de R&B, pero llegaría Aretha Franklin y la convertiría en una de sus canciones y por tanto de la música, más importantes de la historia, no importaba que 'I Say a Little Prayer' hubiera sido un éxito Top 5 solo seis meses antes, Aretha solo tuvo que abrir la boca en un estudio de grabación y la canción se convirtió en suya. La versión de Aretha, estaba impulsada una vez más por su destreza tocando el piano con los chicos de Muscle Shoals apoyándola y al fondo Sweet Inspirations prestando sus voces, estos dos matices hizo que superara rápidamente la versión de Dionne, un arreglo de fondo que crea una dinámica de llamada y respuesta entre Aretha y The Sweet Inspirations, los ecos en sus versos que solidifican sus palabras, y su liderazgo que le permite tomarse libertades vocales con la melodía y elevarse a alturas conmovedoras. Pero hay algo en el ritmo que hae mas grande aún más la versión de Aretha, una especie de anticipación se afianza a medida que la canción se suaviza antes de su crescendo final, casi implica "todavía no ha terminado, y ella está a punto de volar el techo del lugar", una vez que la canción vuelve a esa melosidad pre-crescendo con la que concluye su versión, fácilmente podría darle la vuelta una y otra vez y satisficiera igual que la primera vez. Como dijo Jerry Wexler después de que cortaron la versión de Aretha: "Ella voló las malditas puertas de la canción... La redefinió, reestructuró el sonido y convirtió lo que había sido una pelusa deliciosa en algo serio, obsesivo e inquietante". El tema salió editado en el álbum de 1968 de Queen of Soul, Aretha Now, y luego sirviendo como el lado B de "The House That Jack Built", la canción finalmente se convertiría en un éxito por derecho propio, especialmente en el Reino Unido, donde el sencillo llegó más alto en las listas de éxitos.

 

Escrita por Burt Bacharach y Hal David, “I Say a Little Prayer” pretendía ser sobre una mujer que expresa su preocupación por su novio que sirve en Vietnam. Si bien no hay nada en la letra que mencione explícitamente la guerra, hay una urgencia en la conmovedora interpretación vocal de Franklin que transmite una innegable sensación de aprensión. Esa urgencia está marcada por los suplicantes coros de Sweet Inspirations. No importa qué hora del día sea o qué esté haciendo, ella “rezará una pequeña oración” por su amado con la que le está pidiendo buena fortuna en general, pero en el fondo lo que realmente quiere es que este individuo la ame tanto como ella lo ama a él, para decirlo de otra manera, ella quiere ser la receptora de su 'verdadero amor'. Aunque pudiera ser ya son pareja y ella está pidiendo su devoción eterna, de cualquier manera, el sentimiento dominante es que ella se preocupa, particularmente desde una perspectiva romántica, mucho por la persona que ama.

Grandes éxitos y tropiezos: Blur


Toca el turno en Grandes Éxitos y Tropiezos de analizar la discografía de una de las bandas más míticas del denominado "brit pop" de los años noventa. A lo largo de su trayectoria, y como corresponde a músicos tan inquietos como Damon Albarn o Graham Coxon, se han alejado de las restricciones de esa etiqueta, y ese esfuerzo por ampliar la paleta de colores y estilos ha tenido también diferentes resultados. Estas son nuestras recomendaciones para todo aquel que quiera adentrarse en el "borroso" universo musical de una de las mejores bandas que nos ha dado el Reino Unido:


Estás tardando en comprarlo:


Parklife (1994),
el segundo disco de la "trilogía inglesa" es una ácida descripción social de las costumbres, los estereotipos y las contradicciones de la Inglaterra de los noventa. Los textos de Albarn rezuman ironía, y están además apoyados en una brillante envoltura musical que lleva a la excelencia la mezcla entre el particular estilo de la banda, heredero de las propuestas conceptuales y sonoras de The Kinks en los setenta, con tramos en los que, ya sea de manera satírica o como homenaje a la tradición y el folclore ingleses, suenan como si el circo ambulante acabara de hacer su entrada triunfal en Londres. Considerado de manera casi unánime como la obra maestra del grupo por temas tan rotundos como Girls & Boys, Tracy Jacks, End of a Century, This is a low o la propia Parklife. Disco imprescindible para acercarse por primera vez al grupo, salvo que queráis escuchar la destacable trilogía en orden, empezando con el prometedor Modern Life is Rubbish (1993)que ya contenía los ingredientes que después se perfeccionaron en Parklife, y terminando con The Great Escape (1995) un buen disco con incluso con algunos hits comerciales relevantes (Country House, Charmless man, The Universal), pero en el que quizá la fórmula empezaba a dar algunos síntomas de agotamiento en otras canciones más prescindibles.

Si te queda pasta, llévate también:

Blur (1997) marca el comienzo de la huida del grupo de la etiqueta de grupo de "brit pop" impuesta por la prensa, y la búsqueda de nuevos horizontes y temáticas para su música. Influenciados por bandas como Pavement, endurecen su sonido y encriptan sus letras, entregando grandes temas como Beetlebum y Song 2, nuevos himnos imprescindibles de la banda, y un disco que está entre los más populares y destacados de la banda. Pueden incluirse aquí también otros discos interesantes como Think Tank (2003) que sin ser de los mejores álbumes del grupo, y adoleciendo de la ausencia del guitarrista Graham Coxon, tiene una atmósfera conceptual antibélica y apocalíptica bastante interesante, y el hasta ahora último disco de la banda, The Magic Whip (2015), con el que sorprendieron a propios y extraños cuando ya no se esperaba una nueva entrega de Blur. La cancelación de algunos conciertos de la gira en la que se habían embarcado, entre proyectos de Damon Albarn con Gorillaz y de Graham Coxon en solitario, les dejó unos días libres en Hong Kong. Pasaron el tiempo ensayando e improvisando, y Coxon se llevó las cintas y trabajó con ellas en solitario, para después reunir a los demás y convencerles de que tras aquellas sesiones se escondía un gran disco. Albarn se puso entonces a trabajar en las letras y después entraron al estudio para hacer realidad un disco de cuidada producción y canciones de gran calidad y madurez compositiva. Un gran regreso, y un digno final, si no se animan a retomar la nave nodriza de nuevo.   


Vuelve a dejarlo en el expositor:

Caen en esta casilla negativa dos discos de la banda. Empezaremos mencionando el insulso debut que fue Leisure (1991), no es un mal disco pero el sonido es demasiado espeso y carente de sorpresas, y se nota que la banda anda buscando su identidad y su sitio en el mundillo discográfico. Influenciados por la por entonces ya moribunda escena shoegazer, no aportan nada nuevo en un disco correcto pero en el que es demasiado evidente que no tienen un rumbo claro. El segundo disco a dejar en el expositor es "13" (1999), que paradójicamente contiene algunos grandes éxitos de la banda como Tender o Coffee & TV algunas de las mejores canciones de la banda, pero salvo en contadas excepciones (Trimm Trabb, No distance left to run) el enfoque oscuro y experimental resulta difícil de digerir, y la extraña y lisérgica instrumentación de las canciones no pasa de ser la maraña en la que ocultar un conjunto de temas más flojos y en general poco trabajados. Así que vuelve a dejarlo en el expositor, y llévate los que de verdad interesan.

 
Nuestro TOP 5
 
1.- Girls & Boys
2.- The Universal
3.- Beetlebum
4.- Out of time
5.- Tender