Mostrando entradas con la etiqueta Jimi Hendrix. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Jimi Hendrix. Mostrar todas las entradas

lunes, 20 de marzo de 2023

0809.- Angel - Jimi Hendrix



Incluida en su álbum póstumo "The Cry of Love" (1971), "Angel" es una de las últimas grandes canciones del siempre genial Jimi Hendrix, sin duda uno de los mejores guitarristas de la historia de la música. Escrita y producida por el propio Hendrix, como muchas de las canciones del que iba a ser su cuarto álbum de estudio antes de su repentina muerte en Septiembre de 1970, fue además seleccionada para ser lanzada como single en el Reino Unido, y apareció también como cara B de la canción "Freedom" en Estados Unidos.

La letra de "Angel" hace referencia a un sueño de Hendrix sobre su madre Lucille, en el que ella se despedía mientras se la llevaban en una gran caravana, a lomos de un camello. Inspirado por aquel extraño sueño, Hendrix construyó una canción que es una rara gema en su discografía, ya que aunque incluye los habituales elementos psicodélicos de su obra, son pocas las baladas melancólicas que en el estilo de "Angel" podemos encontrar en su discografía.

En realidad, "Angel" no era uno de los últimos temas compuestos por Hendrix, que ya en 1967 grabó una primera versión en los Olympic Studios de Londres, con el título provisional de "Little Wing". En una demo posterior, también grabada en Londres, el nombre de la canción cambió a "Sweet Angel", y a finales de 1967 Hendrix le añadió algunos overdubs, pero no terminó de perfilar la letra definitiva hasta ya entrado 1968, y por esa época el título era una combinación de los anteriores: "My Angel Catherina (Return of Little Wing)". Tras abandonarla durante casi dos años, en 1970 la retomó de nuevo en los Electric Lady Studios de Nueva York, con la intención de que formara parte del nuevo disco. Afortunadamente, Hendrix llegó a terminarla a tiempo, partiendo de la séptima toma de las sesiones en Electric Lady, a la que añadió después capas adicionales de guitarra, porque poco después, la caravana de su sueño vino a buscarle, para llevarle en un camello junto a su ángel soñado.

domingo, 19 de marzo de 2023

0808-. Freedom - Jimi Hendrix

 

Freedom, Jimi Hendrix


     El 5 de marzo de 1971 veía la luz The Cry of Love, álbum póstumo del genial cantante, compositor y excelso guitarrista Jimi Hendrix. Dicho disco fue realizado a partir de material en el que Hendrix estaba trabajando para la publicación de su cuarto disco de estudio, planeado antes de su muerte. Si bien la mayoría de las canciones fueron incluidas en las listas de canciones propuestas por Hendrix, la selección final del material corrió a cargo del ingeniero y productor Eddie Kramer y del baterista Mitch Mitchell, con el aporte de mánager de Hendrix, Michael Jeffery. El disco fue grabado entre los estudios Electric Lady Record Plant, ambos de Nueva York, y publicado por el sello discográfico Reprise Records para el mercado estadounidense, y por el sello Track Records para el Reino Unido. El disco obtuvo un gran éxito en las listas de ventas de ambos países, y la crítica definió dicho trabajo como un impresionante tributo a Hendrix.

Incluido en este brillante tributo se encuentra la canción titulada Freedom, considerada como uno de los mejores temas que Hendrix escribió y grabó en los meses previos a su muerte.la canción, que presenta varios estilos musicales y sus letras reflejan varias situaciones a las que Hendrix se enfrentaba en aquel momento, fue grabada a mediados de 1970 por el guitarrista con su formación de acompañamiento después de Band of Gyspsys, compuesta por el baterista Mitch Mitchell y el bajista Billy Cox, junto con músicos de sesión adicionales. La canción fue el tema de apertura del álbum The Cry of Love, y en Estados Unidos fue lanzado como el primer sencillo del disco. Freedom, aparentemente puede parecer una canción simple, lujuriosa y arrogante que nos habla de la libertad en el mundo, un grito de libertad para dos amantes en guerra entre sí, cuando en realidad reflejaba algunos de los problemas gerenciales y comerciales o los problemas de adicción con los que Hendrix estaba lidiando en aquel momento.

sábado, 18 de marzo de 2023

0807 - Ezy Ryder - Jimi Hendrix

 

0807 - Ezy Ryder - Jimi Hendrix 

Ezy Ryder es una canción escrita y grabada por el músico estadounidense Jimi Hendrix. Es una de las pocas grabaciones de estudio que incluye tanto a Buddy Miles en la batería como a Billy Cox en el bajo, con quien Hendrix grabó el álbum en vivo Band of Gypsys (1970).

Ezy Ryder se lanzó por primera vez en The Cry of Love, la colección póstuma de canciones de 1971 en la que estaba trabajando Hendrix cuando murió. Desde entonces, se ha incluido en otros intentos de presentar el cuarto álbum de estudio planeado de Hendrix, como Voodoo Soup (1995) y First Rays of the New Rising Sun (1997). También se han lanzado varias demostraciones y grabaciones en vivo en álbumes.

La primera versión de Ezy Ryder se grabó por primera vez, designada con el título "Slow", el 16 de febrero de 1969, en los Olympic Studios de Londres. La pista básica de la canción se grabó más tarde el 18 de diciembre de 1969 en Record Plant Studios en la ciudad de Nueva York. El mismo día, Hendrix, con Cox y Miles, ensayaron la canción en Baggy's Studios para las próximas actuaciones en el Fillmore East. El trío debutó con Ezy Ryder en el Fillmore East durante el primer espectáculo el 31 de diciembre de 1969. Más tarde esa noche, el grupo tocó la canción durante el segundo espectáculo, pero no la interpretaron al día siguiente durante el 1 de enero de 1970.

De regreso al estudio de grabación Ezy Ryder se ensayó, grabó y mezcló varias veces a principios de 1970, que fue cuando se hizo la grabacion de estudio. La primera sesión de grabación en los recién construidos estudios Electric Lady se realizo a mediados de junio de 1970. Steve Winwood y Chris Wood de Traffic grabaron coros para la canción. Otra sesión de grabación tres días después también se dedicó a Ezy Ryder, y se produjeron mezclas el 20 y 22 de agosto 1970. La mezcla del 22 de agosto 1970 se consideró la mezcla final y se presentó en la fiesta de apertura de Electric Lady Studios el 26 de agosto 1970.

Daniel 
Instagram: storyboy

jueves, 10 de noviembre de 2022

0679 - Who Knows - Jimi Hendrix

0679 - Who Knows - Jimi Hendrix 

Who Knows es una canción de Jimi Hendrix, originalmente de su álbum en vivo de 1970 Band of Gypsys.
La canción fue escrita por Jim Hendrix y grabada en el Fillmore East Auditorium el 1 de enero de 1970, con el bajista Billy Cox y el baterista y corista Buddy Miles.

El álbum donde formó parte la canción es Band of Gypsys es un álbum en vivo de Jimi Hendrix y el primero sin su grupo original, Jimi Hendrix Experience
Fue grabado el 1 de enero de 1970 en el Fillmore East de la ciudad de Nueva York con Billy Cox en el bajo y Buddy Miles en la batería, a menudo denominado Band of Gypsys. El álbum mezcla elementos de funk y rhythm and blues con hard rock y jamming, un enfoque que más tarde se convirtió en la base del funk rock. Contiene canciones inéditas y fue el último álbum completo de Jimi Hendrix lanzado antes de su muerte.

Daniel 
Instagram storyboy 

lunes, 7 de noviembre de 2022

0676-. Machine Gun - Jimi Hendrix

 

Machine Gun, Jimi Hendrix


     Band of Gypsys, el cuarto álbum editado de Jimi Hendrix, fue un álbum grabado en vivo que supondría el último trabajo editado del guitarrista. Un proyecto de Hendrix junto al bajista Billy Cox y el baterista Buddy Miles, lanzado antes de su muerte en 1970. Fue el último disco que autorizó en persona. Tras la separación de The Jimi Hendrix Experience, Hendrix tocó en una formación llamada Gypsy Sun and Rainbows en el Festival de Woodstock, donde coincidió con Billy Cox. Tras la llegada a la misma de Buddy Miles, esta pasó a llamarse Band of Gypsys como tributo al gran guitarrista de jazz Django Reinhardt.

Band of Gypsys fue grabado el 1 de enero de 1970 utilizando el material de los dos últimos recitales de cuatro que tenía la formación programada en el mítico Filmore East de Nueva York, un compendio de temas que se movían entre el funk rok, rock psicodélico y hard rock. El álbum fue editado originalmente por el sello discográfico Capitol Records, con quien Hendrix tenía un contrato firmado en 1965, antes de saltar a la fama. En 1966 Hendrix comenzó una disputa sobre un contrato discográfico firmado con anterioridad por él mismo con el productor Ed Chalpin. Después de dos años de litigio, Hendrix y Chalpin acordaron que Chalpin tendría los derechos para distribuir un disco con material original del guitarrista, quien decidió que grabaría el álbum Band of Gypsys con material en directo para satisfacer dicho acuerdo.

Incluido en este álbum en directo se encuentra Machine Gun, que con sus más de doce minutos está considerada como una de las mejores interpretaciones de Hendrix. Los largos solos de guitarra los riffs de percusión se combinan con comentarios controlados para simular sonidos de un campo de batalla, como helicóptero, bombas que caen, explosiones, ametralladoras y los gritos y llantos de los heridos y afligidos. Hasta ese momento la mayoría de las canciones de Hendrix trataban sobre la espiritualidad y el amor, y este tema supuso un cambio de dirección, ya que es una historia contada desde la perspectiva de un soldado atrapado en una guerra. Para su composición, Hendrix se inspiró en la Guerra de Vietnam, el partido de las Panteras negras y los litigios comerciales con los que estaba lidiando Hendrix. Hendrix presentó Machine Gun dedicándosela a "Todas las tropas que luchan en Harlem, Chicago y, oh sí, Vietnam". Nunca se lanzó una versión de estudio de esta canción, pero si fue interpretada en vivo varias veces, la primera vez fue en 1969 en The Dick Cavett Show. La interpretación de la canción podía durar hasta los 20 minutos y la letra era diferente cada vez.

viernes, 22 de julio de 2022

Disco de la semana 285: White lies for dark times - Ben Harper and Relentless7



"Mentiras piadosas para tiempos oscuros" sería una traducción aproximada del título del noveno álbum de Ben Harper, pero en la traducción se pierde el matiz del contraste entre el "blanco" de las mentiras y el "oscuro" de los tiempos a los que hace referencia. Eran nuevos tiempos para Harper, que por primera vez aparcaba momentáneamente a su banda de apoyo The Innocent Criminals (Criminales inocentes) para embarcarse en este disco con la banda Relentless7 (Implacables7), formada por el guitarrista Jason Mozersky, el bajista Jesse Ingalls y el baterista Jordan Richardson, artífices junto a Harper de un llamativo tránsito del sonido más pulcro de los inocentes, a una propuesta de blues rock texano más árida e implacable.

Publicado en 2009, White lies for hard times es otro gran ejemplo de la inquietud de Ben Harper por ir evolucionando y cambiando el paso en cada uno de sus discos, lo cual no significa que a lo largo de sus 11 cortes no tengamos oportunidad de encontrar también alguno de sus tradicionales temas acústicos y con ese feeling soul que Harper ha llevado siempre de serie, pero lo que más impresiona del disco es la predominancia de un rock eléctrico áspero y potente, con marcadas raíces bluseras y texanas.

No hay que esperar mucho para comprobar lo que estamos describiendo, porque el primer corte Number with No Name ya es un compendio de riffs de blues eléctrico y ásperas guitarras slide, bien guiadas por un bajo y batería especialmente contundentes. El sonido es el de una gran banda perfectamente engrasada, algo digno de mención ya que se enfrentaban a su primer trabajo juntos. Le sigue Up to you know, que podríamos denominar como uno de los temas más Harper del disco, entendiendo esto como una mayor cercanía melódica a lo que el músico había hecho en discos anteriores con los Innocent Criminals, y que encuentra la manera de no desentonar en este disco a través del potente bajo y la distorsión de las guitarras. Es solo un alto en el camino, porque Shimmer & Shine, elegido como primer single del disco, vuelve al camino del rock al ritmo de una batería cercana al punk y unas guitarras que zumban de fondo mientras Harper canta un tema ideal para grandes estadios.

Lay there & hate me tiene un regusto soul funk contestatario y rebelde y aporta la dosis necesaria de variedad en un disco de rock, mientras que Why Must You Always Dress in Black supura blues rock con su riff vertiginoso e incendiario y la master class de intensidad que ofrece Jordan Richardson a la batería, antes de que con Skin Thin llegue el ya mencionado momento en el que Harper cuela en el disco una de sus habituales baladas acústicas de marcada melancolía sureña. Tras la pausa para respirar hondo, llega el turno de Fly one time, una agradable pieza que encajaría como un guante en discos de REM o U2, con guitarras efectivas pero menos agresivas que las de las canciones más relevantes del disco, entre las que sin duda está Keep it together (So I can fall apart) en la que las influencias de Hendrix en la guitarra wah wah son evidentes. Intensa y electrificada, te mantiene en vilo hasta que se frena a mitad, convirtiéndose en un leve lamento de voz y guitarra blues, que poco a poco van reponiéndose hasta estallar de nuevo en un intenso final eléctrico.

Boots like these tiene un ritmo vertiginoso y oscuras guitarras que prolongan acordes, mientras Harper canta en un estilo que es casi un recitar acelerado con el que conforma el tema más experimental del disco, una rareza que contrasta con la intensidad y la profundidad de The world suicide, uno de los momentos más inspirados del disco, con aires de himno épico y un evocador solo de guitarra. Y desde lo más alto, solo queda contemplar satisfechos el espectacular paisaje, e iniciar tranquilamente el descenso con Faithfully Remain, otra de esas bellas y aparentemente sencillas baladas marca de la casa, pero no por ello menos inspirada o más prescindible que cualquier otra de las 11 mentiras piadosas con las que Ben Harper nos ayuda a superar estos tiempos tan oscuros.

sábado, 21 de mayo de 2022

0506.- Voodoo Chile - Jimi Hendrix

 

Voodoo Chile, Jimi Hendrix 


El 25 de octubre de 1968 se publica el tercer y último álbum de The Jimi Hendrix Experience, titulado Electric Ladyland. Sería el último trabajo donde Jimi hendrix colaboraría con el bajista Noel Redding y el baterista Mitch Mitchell. Concebido como álbum doble, es grabado entre los Olympic Studios de Londres y los Record Plant de Nueva York entre julio y diciembre de 1967, enero de 1968, y abril y agosto de 1968, bajo la producción del mismo Jimi hendrix, y publicado el 25 de octubre de 1968 por el sello discográfico Reprise Records y para Europa por Polydor Records.

La grabación del álbum no estuvo exenta de problemas. Después de una complicada gira por Escandinavia e Inglaterra, Hendrix decidió regresar a Estados Unidos. Frustrado por las limitaciones de las grabciones comerciales, decidió crear un moderno estudio de grabación en Nueva York en el que no tuviera ninguna limitación a la hora de expandir su particular visión musical. La construcción de este estudio, llamado Electric Lady, tuvo numerosos problemas y no fue terminado hasta mediados de 1970, por lo que Hendrix acabó grabando gran parte de Electric Ladyland en The Record Plant estudios. Los disciplinados hábitos de trabajo de Hendrix se habían vuelto erráticos, a los que se sumaban unas sesiones interminables y que los estudios solían estar llenos de gente sin nada que hacer más que adular al genial guitarrista. Todo esto hace que Chas Chandler renuncie como mánager de Jimi Hendrix en mayo de 1968.

Incluido en este álbum se encuentra el mítico Voodoo Chile, considerada como una jam de estudio, escrita por Jimi Hendrix, y cuya duración, con casi 15 minutos, hace que sea la más larga grabada en estudio por el guitarrista. La canción está basada en el tema de blues Rollin' Stone de Muddy Waters, pero con letra y música originales. El tema se grabó en los Record Plant estudios de Nueva York, después de una jam sesión nocturna en la que participaron además de Hendrix, Mitch Mitchell a la batería, Steve Winwood al órgano y Jack Casady al bajo. 

Voodoo Chile puede parecer una simple jam improvisada, nada más lejos de la realidad, y sobre esto Jack Casady comentaba: "No era tan simple, había una estructura completa en la canción, por lo que era una canción extendida en la que podías improvisar. Tomamos instrucciones a través del lenguaje de la interpretación. Jimi pudo experimentar con su habilidad y con efectos para crear una atmósfera. Voodoo Chile tiene un sonido espeluznante que te coloca en un mundo diferente". Voodoo Chile se convirtió en la base de Voodoo Child (Slight Return), tema de unos 3 minutos de duración que fue grabado por el trío The Jimi Hendrix Experience, el cual también aparece en Electric Ladyland, y que a la postre se convertiría en una de las canciones más conocidas de Hendrix.

viernes, 20 de mayo de 2022

0505 - All Along the Watchtower - Jimi Hendrix

0505 - All Along the Watchtower - Jimi Hendrix

La Jimi Hendrix comenzó a grabar su versión de "All Along the Watchtower" de Dylan el 21 de enero de 1968 en los estudios Olympic de Londres. 
Según el ingeniero Andy Johns, el publicista Michael Goldstein, que trabajaba para el representante de Dylan, Albert Grossman, le había dado a Jimi Hendrix una cinta con la grabación de Dylan. "(Hendrix) llegó con estas cintas de Dylan y todos las escuchamos por primera vez en el estudio", recordó Johns. Stubbs escribe que ésta fue la segunda canción de Dylan que Hendrix adaptó a su propio estilo, la primera fue "Like a Rolling Stone", tocada antes en Monterey. Una tercera canción que Hendrix adaptó de Dylan es identificada por Zak como "Can You Please Crawl Out Your Window".

Grabada por numerosos artistas de diversos géneros, "All Along the Watchtower" se identifica fuertemente con la interpretación que Jimi Hendrix que grabó para el álbum Electric Ladyland con la Jimi Hendrix, la versión de Hendrix, lanzada seis meses después de la grabación original de Dylan, se convirtió en un sencillo del Top 20 en 1968, recibió un premio del Salón de la Fama de los Grammy en 2001 y fue clasificada en el puesto 48 de las 500 mejores canciones de todos los tiempos de la revista Rolling Stone en 2004, y en el puesto 40 en la versión de 2021 de las 500 mejores canciones de todos los tiempos de la revista Rolling Stone. 

Daniel 
Instagram storyboy 

jueves, 24 de febrero de 2022

0420.- Spanish Castle Magic - Jimi Hendrix

 


El segundo álbum de Jimi Hendrix a menudo se deja de lado y se olvida, lo que supongo que tiene que tener algún sentido, aunque sinceramente no entiendo esa catalogación, publicado entre Are You Experienced? y el estallido experimental Electric Ladyland, es un pequeño álbum humilde y tranquilo lleno de baladas en su mayoría psicodélicas, que generalmente se olvidan en comparación con los revolucionarios riffs de proto-metal del primer álbum y la simplemente asombrosa calidad del tercero. Pero si bien es probablemente el más débil de los tres, llamar a algo el "álbum más débil de Jimi Hendrix" no es exactamente menospreciarlo. Casi cualquier otra persona estaría feliz de tener un álbum tan bueno. Según los estándares de cualquier otra persona, este es un disco de cinco estrellas. ¿Simplemente no está a la altura de los otros dos álbumes de Jimi? No me atrevo a cuestionarlo pero lo que sí puedo decir que el quizás el motivo es que aquí no hay mucho "rock, amigo" “rock real”, y eso probablemente explica por qué es relativamente más oscuro que los otros. Las únicas canciones que definiría como rockeras son "Spanish Castle Magic" (que sorprende, por supuesto) y el jam de rock duro y fusión "If 6 Was 9" (que sorprende aún más). Pero Jimi escribió un montón de canciones pop psicodélicas excelentes para este album.

 

Nos detenemos en Spanish Castle Magic y para entender el origen de la canción nos trasladamos a cuando Hendrix vivía en Seattle, en aquellos años era una ciudad muy segregada. The Spanish Castle era el primer club nocturno para adolescentes en el área de Seattle. El título de la canción es un homenaje a ese club y a los días de Escuela Secundaria de Jimi (aproximadamente 1957-1961), cuando a veces visitaba ese local. El club estaba al sur de Seattle en lo que entonces era el condado de King. The Spanish Castle fue construido en la década de 1930 fuera de la ciudad para evitar las restricciones con las leyes contra el alcohol de Seattle. En 1950 mucha de la fama de los clubs había desaparecido, pero allí todavía tocaban grupos de rock locales, tales como The Wailers y, ocasionalmente, las estrellas que andaban de gira. Jimi tuvo la oportunidad de tocar con otros músicos de rock en el club en varias ocasiones. Deteniendonos en la canción en si hay que resaltar que es absolutamente explosiva, estamos delante de una elocuente demostración de Hard Rock que tiene todos los ingredientes de un Heavy Metal innovador donde descubrimos la potencia sonora sin precedentes que la banda logró producir, ritmos de batería enormes y contundentes que soportan matorrales de guitarra sobrecargada, que aquí se vuelven aún más pesados por el empleo de Hendrix de la séptima, acordes y piano-sostenido sobre grabado, a medida que el solo estrellado de Hendrix rebota a la mitad de la pista, te sientes como si hubieras sido disparado al espacio desde un cañón…..a dia de hoy no hay muchas canciones que puedan competir con la pura ferocidad de esta pista. En Woodstock, Hendrix incluyó esta pista en su actuación como cabeza de cartel, que no comenzó hasta las 9 a.m. de la mañana siguiente a la finalización programada del festival.

miércoles, 23 de febrero de 2022

0419.- Bold as love - The Jimi Hendrix Experience

 

La canción que daba título y cierre al álbum Axis: Bold As Love (1967) de The Jimi Hendrix Experience, tiene una atmósfera marcadamente onírica (Hendrix la definió como "el sonido que aparecía en sus sueños") y una estructura progresiva e "in crescendo", que tiene su culminación en un extenso solo de guitarra de más de dos minutos de duración.

La letra es un curioso ejemplo de una peculiaridad sensorial conocida como "sinestesia", por la que algunas personas mezclan sensaciones sensoriales provenientes de diferentes sentidos físicos. En la sinestesia, los números y las letras pueden percibirse de diferentes colores, y las diferentes emociones pueden asociarse a diferentes olores o sabores. En Bold as love, Hendrix habla de emociones como el amor y la ira, percibidas como intensos colores. El amor es lo más importante, por eso lo percibe como "bold" ("en negrita") mientras que "La ira es de color púrpura..."

La grabación de la canción comenzó a partir de una demo interpretada por Hendrix y grabada en una cassette, a la que después se añadieron las partes de bajo. Desde el germen primerizo de aquella rudimentaria grabación, hasta la versión final del tema, fueron necesarias veintisiete tomas para llegar a conseguir el sonido que Hendrix deseaba plasmar en Bold as love. El sonido de sus sueños, música mayúscula y remarcada en "negrita como el amor", escrita en grandes notas de colores extraídas de esa incendiaria máquina de generar sinestesias que era su Fender Stratocaster.

martes, 22 de febrero de 2022

0418.- Castles Made of Sand - Jimi Hendrix

 

Castles Made of Sand, Jimi Hndrix


     El 1 de diciembre de 1967 The Jimi Hendrix Experience, con Jimi Hendrix a la cabeza, publica su segundo álbum de estudio, Axis: Bold As Love. El disco es grabado en los Olympic Studios de Londres entre mayo y junio, y posteriormente en octubre de 1967, bajo la producción de Chas Chandler. Este segundo disco fue lanzado escasamente siete meses después de la publicación del exitoso disco debut Are You Experienced. En estados Unidos el álbum fue publicado un mes después, y tanto es ese país como en Reino Unido logró meterse entre los diez primeros de las listas de ventas.

La portada del álbum se inspiró en la iconografía religiosa hindú, y generó una fuerte polémica pues fue diseñada sin la aprobación de Jimi hendrix, el cual expresó en público su disconformidad. 

Incluido en este álbum se encuentra Castles Made of Sand, uno de los temas más autobiográficos y personales que escribió Hendrix en su carrera. Hendrix era muy reservado sobre su pasado, tanto, que odiaba hablar de su pasado y lo evitaba a toda costa tanto en entrevistas como en ruedas de prensa. El tema es una aguda reflexión sobre las amargas ironías de la vida, y se cree que Hendrix abordaba su incierta infancia y su futuro, el cual implicaba diferentes hogares, diferentes escuelas, diferentes carreras y una madre que estuvo escaso tiempo y se marchó. Según el hermano de Jimi Hendrix, Leon Hendrix, las letras aludían al alcoholismo de su padre, como los servicios de protección infantil se llevaron al propio Leon repentinamente y sin aviso, y la relación abusiva entre sus padres. La madre de Jimi Hendrix era una india Cherokee, y en esta canción Jimi se identificaba con su herencia de nativo americano. 

Hendrix leyó las palabras del tema como un poema en vez de cantarlas y tocó las partes de guitarra al revés, por lo que comienza el tema con dicha guitarra grabada al revés, la cual acompañada de la batería a medio tiempo y una concisa línea de bajo, dotan al tema de un ambiente único, una atmósfera relajada que invita al oyente a sentarse y relajarse disfrutando el característico y limpio sonido que fluye de la guitarra de Hendrix.

lunes, 21 de febrero de 2022

0417.- Little Wing - Jimi Hendrix

0417 - Little Wing - Jimi Hendrix

Little Wing es una canción escrita por y grabada por la Jimi Hendrix en 1967. Se trata de una balada de tempo lento, inspirada en el rhythm and blues, en la que Jimi Hendrix canta y toca la guitarra con efectos de estudio de grabación, acompañado de bajo, batería y glockenspiel.

Desde el punto de vista lírico, es una de sus canciones que hacen referencia a una figura femenina idealizada o a un ángel de la guarda. Con unos dos minutos y medio de duración, es una de sus canciones más concisas y centradas en la melodía.

Jimi Hendrix comenzó su carrera como guitarrista de rhythm and blues y actuó y grabó con varios artistas populares de R&B, como los Isley Brothers, Don Covay y Little Richard, aprendió de otros guitarristas de R&B, como Curtis Mayfield, que era conocido por sus discretos rellenos rítmicos y sus acordes Hendrix realizó una gira como telonero de Mayfield en 1963. Describió la experiencia como "El mejor concierto fue con Curtis Mayfield y los Impressions. Curtis era un guitarrista realmente bueno... aprendí mucho en ese corto tiempo, probablemente me influyó más que cualquier otra persona con la que hubiera tocado hasta entonces, ese dulce sonido suyo, ya sabes" En 1966, Hendrix grabó una canción titulada "(My Girl) She's a Fox" con los Icemen, un dúo de R&B. El biógrafo de Hendrix, Harry Shapiro, la ha descrito como "con un ritmo y un fraseo al estilo de Curtis Mayfield, que es virtualmente un plano para Little Wing" Más tarde, el productor de Hendrix, John McDermott, calificó su contribución a "She's a Fox" (incluida en el libro de 2010 West Coast Seattle Boy: The Jimi Hendrix Anthology) como "quizás la más fuerte de su carrera anterior a la experiencia". El estilo de guitarra de Hendrix, influenciado por Curtis Mayfield, es el atributo más fuerte de la canción".

Según Hendrix, "Little Wing" surgió de una idea que había desarrollado originalmente mientras tocaba en Greenwich Village, cuando estaba al frente de su banda Jimmy James and the Blue Flames en el verano de 1966. Más tarde explicó que se inspiró aún más durante la actuación de la Experience en el Monterey Pop Festival de 1967.

Daniel
Instagram storyboy 

viernes, 31 de diciembre de 2021

0365 Purple Haze -Jimi Hendrix

 

Purple Haze, Jimi Hendrix


     Turno para el quinto tema del genio de las seis cuerdas de Seattle (Estados Unidos), Jimi Hendrix. No podíamos dejar fuera de la lista Purple Haze, otro de sus grandes temas. Are You Experienced? es publicado bajo el nombre Jimi Hendrix Experience, power trío donde Jimi está acompañado de Noel Redding (bajo) y Mitch Mitchell (batería). El resultado es un álbum que nos volará literalmente la cabeza gracias a la peculiar e innovadora visión de Hendrix a la hora de entender la música, abrazando sonidos que van desde el blues al rock psicodélico y al hard rock.

El disco es grabado entre octubre de 1966 y abril de 1967 en tres estudios de Londres, De Lane Lea, CBS y Olimpyc Studios, y publicado en mayo de 1967 en Reino Unido y en agosto de ese mismo años en Estados Unidos. En Reino Unido estuvo 33 semanas en las listas de ventas, y en Estados Unidos llegó a un excelente quinto puesto en la lista Billboard Hot 200, llegando ha permanecer durante 70 semanas en la lista Billboard R&B

Ya hemos comentado que este disco fue editado con varios temas diferentes para el mercado británico y para el estadounidense. Incluida en la edición que se hizo para Estados Unidos se encuentra Purple Haze, tema que fue publicado como segundo sencillo del disco, en marzo de 1967 en Reino Unido y en junio de ese mismo año en Estados Unidos. Purple Haze nos muestra esa innovadora forma de tocar que Hendrix traía bajo el brazo, una mezcla de blues con toques orientales, y todo moldeado por novedosas técnicas de procesamiento de sonido. 

Recién salido el primer sencillo del disco, Hey Joe, versión del tema escrito por Billy Roberts, el productor Chas Chandler y Jimi estaban buscando un tema que diera continuidad al éxito. A mediados de diciembre de 1966 Chandler escuchó tocando en el piso de Hendrix uhn riff de guitarra, un riff que según él hizo que se quedara alucinado. Chandler a raíz de escuhar ese riff instó a Hendrix a que siguiera trabajando en ese riff, pues sería su siguiente éxito. Según el productor, Hendrix escribió el resto del tema en el camerino de un club de Londres  durante la tarde del 26 de diciembre de 1966, justo antes de un concierto. 

Hendrix afirmó que para escribir Purple Haze se basó en un sueño que tuvo en el que él caminaba bajo el mar, mientras una neblina púrpura le rodeaba, le envolvía y le perdía. Fue una experiencia traumática, pero su fe en Jesús le salvó. De hecho, en un principio Hendrix escribió el coro donde decía: "Purple haze, Jesus Save" / "Brúma púrpura, Jesús salva", pero al final decidió no incluirlo.

jueves, 30 de diciembre de 2021

0364.- The wind cries Mary - Jimi Hendrix

 


El 5 de Junio de 1967 se publicó en el Reino Unido el single “The wind cries Mary”, un claro ejemplo de blues-rock psicodélico. La inspiración para la canción fue un incidente con su novia en ese momento, Kathy Mary Etchingham, había tenido una discusión con ella sobre su forma de cocinar, se enfadó y comenzó a tirar ollas y sartenes, y salió furiosa para quedarse en la casa de un amigo por un día o dos. Cuando regresó, Jimi le había escrito "El viento llora a María". Kathy Mary recordó: "Habíamos tenido una discusión por la comida. A Jimi no le gustaba el puré de papas grumoso. Hubo platos tirados y yo salí corriendo. Cuando regresé al día siguiente, él había escrito esa canción sobre mí. Es increíblemente halagador". Material biográfico más reciente ha indicado que algunas de las letras aparecieron en una poesía escrita por Hendrix al principio de su carrera cuando estaba en Seattle . Según su novia anterior de Seattle, Mary Washington, las palabras "En algún lugar una reina está llorando / En algún lugar un rey no tiene esposa", fueron escritas en un poema de amor que Hendrix había escrito para ella. Por si fuera poco muchas han relacionado este tema con la marihuana (Mary Jane), pero de estos casos hay cientos.

 

Jimi Hendrix grabó la canción en enero del 1967 y comentan que lo hizo tan solo en 20 minutos y sin ensayo previo, comienza con una introducción distintiva y reconocible, en la que tres acordes de "cinco" ascendentes cromáticamente se tocan en una segunda inversión. Un acorde de 'cinco' consta de dos notas (primera o "raíz" y quinta) en lugar de tres (raíz, tercera y quinta). La nota media que falta le da al acorde un sonido más 'abierto' o 'desnudo'. Una segunda inversión "voltea" las notas en el acorde, de modo que la quinta, no la nota fundamental, es la nota que suena más baja. Esto hace que sea más difícil para el oyente identificar inmediatamente en qué tono se está tocando la canción. Además, un ritmo sincopado dificulta que el oyente identifique los "tiempos bajos" de la canción. Esta combinación de elementos musicales crea una experiencia única y desorientadora cuando se escucha la canción por primera vez. La letra está llena de imágenes vívidas y potencia emocional mientras sus suaves guitarras soplan a través de la canción como el viento titular que impregna cada verso. Verdaderamente una canción increíble. La otra balada importante del disco Are you experience? es May This Be Love , con sus imágenes de cascada serena y alucinante y el uso impecable de los pedales para evocar esa sensación de calma y serenidad de otro mundo, en definitiva una canción bastante dulce, e incluso muy diferente del resto de la pista, pero a la que no puede faltar otro maravilloso solo de guitarra. Lo hermoso de 'The Wind Cries Mary' es que representa un sincero contraste con los sencillos viscerales ' Hey Joe ' y 'Purple Haze', mostrando que Hendrix ha sido el compositor completo y que, además, este ícono del rock and roll sexual también tenía alma y corazón.

miércoles, 29 de diciembre de 2021

0363 - Foxey Lady - Jimi Hendrix

0363 - Foxey Lady - Jimi Hendrix 

Foxy Lady o Foxey Lady es una canción de Jimi Hendrix. Que apareció por primera vez en su álbum de debut de 1967 Are You Experienced y posteriormente se publicó como su tercer sencillo en los Estados Unidos con la como Foxey Lady.
Es una de las canciones más conocidas de Hendrix y fue interpretada con frecuencia en sus conciertos a lo largo de su carrera. 
La revista Rolling Stone situó la canción en el número 153 de su lista de las "500 mejores canciones de todos los tiempos".

La compañía discográfica de Hendrix, Reprise Records, publicó la canción en diciembre de 1967, un mes antes de la publicación del segundo álbum de la Experience, Axis: Bold as Love. Reprise Records utilizó el título "Foxey Lady", que también apareció en el lanzamiento de Are You Experienced. Estaba respaldada por "Hey Joe", Reprise Records ya había lanzado como single en abril de 1967. 

Aunque los álbumes de Hendrix funcionaron bastante bien en las listas de éxitos, "Foxy Lady", junto con los otros primeros singles, tuvo una actuación relativamente débil, alcanzando el número 67 en la lista de singles pop Billboard Hot 100. 

En 1967, Polydor Records publicó el single en Alemania con "Manic Depression" como cara B, pero no apareció en las listas. "Foxy Lady" ha aparecido en numerosos álbumes recopilatorios de Hendrix, como Smash Hits, The Essential Jimi Hendrix Volume Two, Cornerstones: 1967-1970, The Ultimate Experience, Experience Hendrix: The Best of Jimi Hendrix, y The Singles Collection. 

También es una de las pocas canciones que han sido interpretadas por cada una de las diferentes formaciones de Hendrix, incluyendo la Experience, Gypsy Sun and Rainbows, la Band of Gypsys, y el grupo de gira Cry of Love. 
Las versiones en directo aparecen en Live at Monterey, Live at Woodstock, Band of Gypsys 2, Blue Wild Angel: Live at the Isle of Wight, y varios otros álbumes en directo 
La revista Rolling Stone situó "Foxy Lady" en el número 153 de su lista de las "500 mejores canciones de todos los tiempos".

Daniel 
Instagram storyboy 

martes, 28 de diciembre de 2021

0362: Hey Joe - Jimi Hendrix

 

Hey Joe, convertida por The Jimi Hendrix Experience, en su disco de debut Are you experienced (1967) en una obra maestra del rock, tiene un origen misterioso que no se ha podido clarificar. La autoría de la canción se le adjudica desde 1962 a Billy Roberts, un cantante de folk del circuito local de California, y la primera grabación que se conoce es la del grupo de garaje rock The Leaves en 1965, dos años antes de que Hendrix publicara su versión. Sin embargo, se cree que era en realidad una canción popular de las montañas Apalaches.

La letra cuenta la historia de Joe, un hombre que camina armado por la calle, y al ser preguntado por ello, afirma disponerse a asesinar a su mujer, por haberla sorprendido en los brazos de otro hombre. Una vez culminado el asesinato, Joe planea huir hacia México para escapar de la justicia. La letra tiene un esquema de diálogo, entre la persona que le ve arma en mano, y el propio Joe respondiendo. Tiene además una estructura cercana al blues, con la repetición de los primeros versos (la pregunta), y con la particularidad de carecer (tras la respuesta) de un puente o de un estribillo.

Jimi Hendrix la grabó con su grupo el 23 de octubre de 1966, en un tono de blues psicodélico mucho más lento que la versión de The Leaves (1965) o la de The Byrds (1966) pero con una interpretación vocal mucho más oscura y dramática, sonando por debajo de la sección rítmica, y con unos solos de guitarra distorsionada que pronto se reconocerían como marca de la casa de un, por entonces, todavía desconocido Hendrix.

lunes, 27 de diciembre de 2021

0361 Red House - Jimi Hendrix

 

Red House,Jimi Hendrix


     Nos encontramos en el año 1967, año que marcaría es debut de uno de los guitarristas más grandes que ha dado la historia del rock, sino el más grande: Jimi Hendrix. El genial guitarrista estadounidense debuta con Are You Experienced?, álbum que es editado con varios temas diferentes para el mercado británico y el estadounidense. El disco es grabado entre octubre de 1966 y abril de 1967 en tres estudios de Londres, De Lane Lea, CBS y Olimpyc Studios, y publicado en mayo de 1967 en Reino Unido y en agosto de ese mismo años en Estados Unidos. En Reino Unido estuvo 33 semanas en las listas de ventas, y en Estados Unidos llegó a un excelente quinto puesto en la lista Billboard Hot 200, llegando ha permanecer durante 70 semanas en la lista Billboard R&B.

El disco, titulado Are You Experienced?, es publicado bajo el nombre Jimi Hendrix Experience, donde el guitarrista es acompañdo por Noel Redding al bajo y Mitch Mitchell a la batería, conformando uno de los mejores y más potentes power tríos que se recuerdan. El disco, con un sonido que va hacia el rock psicodélico y el hard rock y basado en la rompedora e innovadora forma de componer y de tocar la guitarra de Jimi Hendrix supuso un gran éxito comercial y tuvo unas excelentes críticas.

Incluido en la edición británica del álbum debut del genio de Seattle se encuentra el tema Red House, escrito por Jimi Hendrix y grabado el 13 de diciembre de 1966 en los CBS estudios de Londres bajo la producción del mánager de este, Chas ChandlerRed House está compuesto bajo la fórmula de un blues tradicional de doce compases al que Hendrix incorpora su revolucionaria forma de entender y tocar la guitarra y que revolucionaría el panorama musical del rock posteriormente. 

En cuanto a la temática del tema, Hendrix canta sobre regresar a casa para ver a su chica, la cual vive en un casa roja. cuando llega a la casa, comprueba que la llave que tiene de la misma no funciona, y es cuando se da cuenta de que su chica ya no vive allí. En vez de entristecer decide darse una vuelta y visitar a la hermana de su novia. Sobre la inspiración que tuvo Hendrix para componerlo corren varias hipótesis, una defiende que Jimi la compuso cuando sobrevivía a duras penas en Nueva York y mientras vivía en el apartamento de un amigo el cual estaba decorado completamente de rojo. Otra defiende que se inspiró en la casa de una de sus novias de Seattle, la cual estaba pintada de rojo. Y otra dice que se inspiró en una leyenda sobre una misteriosa ciudad roja. En cualquier caso, en lo que todos están de acuerdo es que Red House es uno de los grandes temas que nos dejó el guitarrista. 

El tema, que en estudio tiene una duración aproximada de tres minutos y cuarenta y cinco segundos, solía ser uno de los fijos de Hendrix en directo, y basándose en la grabación original, solía realizar largas improvisaciones que alargaban el tema más allá de los doce minutos.

sábado, 20 de noviembre de 2021

Disco de la semana 250: Are you experienced? - The Jimi Hendrix Experience



Siendo solo un crío, mientras en la radio o en un equipo de música sonaba un tema de cualquiera de los grandes guitarristas del momento (Van Halen, Gary Moore, Steve Vai, etc) siempre me llamó la atención que, inevitablemente, en las conversaciones siempre salía la coletilla de "es muy bueno, pero como Jimi Hendrix no hay otro". Tanto tuve que escucharlo, que fue también inevitable que, en cuanto pude hacerme con un disco suyo, me lanzara a la "experiencia" de comprobar que era lo que aquel guitarrista, compositor y cantante estadounidense había ofrecido a propios y extraños, para que todos coincidieran en otorgarle el cetro dorado del rey de los guitarristas, a pesar de que su carrera profesional duró solo cuatro años.

Jimi Hendrix comenzó a tocar la guitarra a los 15 años. Su padre intentó que su hijo tocara la guitarra como los diestros, ya que el uso de la mano izquierda se asociaba con el diablo, y a los niños zurdos les obligaban a "corregirse" en la escuela. Aquella absurda práctica permaneció vigente hasta mis tiempos de colegial por lo que, como zurdo "corregido", sentí todavía más empatía e interés por la cabeza visible de The Jimi Hendrix Experience, y del disco con el que decidí descubrirle: Are you experienced? (1967). Se trataba de su álbum de debut, que tuvo versiones diferentes en Reino Unido y Estados Unidos. Afortunadamente, la que llegó a mis manos fue la versión estadounidense, ya que en el Reino Unido aún mantenían la costumbre de no incluir en los discos las canciones publicadas como single, y no habría sido la misma experiencia sin canciones como Hey Joe, Purple Haze o The Wind Cries Mary, temas clave de su discografía que llegaron al Top 10 del Reino Unido como sencillos.

Are You Experienced fue producido por Chas Chandler (bajista de The Animals) y se grabó entre los meses de octubre de 1966 y abril de 1967, a lo largo de dieciséis sesiones de grabación en tres estudios diferentes de Londres. Hey Joe fue el primer single publicado (con Stone Free en la cara B), y también la primera de las canciones que se grabaron. La banda encontró tiempo entre actuaciones para juntarse en los estudios De Lane Lea y abordar un tema acreditado a Billy Roberts en 1962, pero que para muchos se basa en una canción tradicional de las Montañas Apalaches. La versión de Hendrix, además de tener a Noel Redding al bajo y a Mitch Mitchell a la batería, contó con el apoyo vocal del grupo The Breakaways. Con la primera canción, comenzaron también los primeros conflictos entre Hendrix y el productor. Cuando éste le pidió que bajase el volumen de su amplificador, Hendrix amenazó incluso con abandonar Inglaterra, pero Chandler se mantuvo firme y le entregó el pasaporte para que se fuera, y entonces Hendrix se echó a reír diciendo: "OK, has visto mi farol"

Love or Confusion, con influencias orientales, fue uno de los temas que se grabaron en los estudios de CBS, porque Chandler buscaba una mayor calidad de sonido que la que habían conseguido con Hey Joe y los temas de De Lane Lea. De aquella nueva tanda de grabaciones salieron también Foxy Lady (Con toques de heavy metal, grabada en una sola toma salvo algunos overdubs, e inspirada en Heather Taylor, que después se casaría con Roger Daltrey de los Who) y Third Stone from the Sun (tema de spoken word en clave rock y con tramos cercanos al jazz, sobre un extraterrestre que, tras evaluar a los seres humanos, decide que la única solución es su completa destrucción). La gran cantidad de guitarras Marshall que Hendrix empleó para estas grabaciones y el nivel de ruido que generaban, fueron toda una experiencia para los tímpanos de los ingenieros de sonido del estudio.

​Tras desavenencias con el dueño del estudio de CBS, decidieron volver a los estudios De Lane Lea, dónde empezaron a trabajar en nuevos temas, que finalmente pulirían en los estudios Olympic, donde de nuevo el alto volumen de la guitarra de Hendrix generó problemas, esta vez con el vecindario. De aquellas sesiones saldría el segundo sencillo Purple Haze, el tema que abre la edición estadounidense del disco.​ La complejidad y extravagancia de sus arreglos, y los múltiples efectos de guitarra con los que experimentaron, hicieron de este tema una de las cimas creativas de la carrera de Hendrix, y una de sus canciones más celebradas y reconocibles, pero para la época se trataba de un sonido tan novedoso como extraño, lo que motivó que al enviar la cinta para la remasterización, tuvieran que indicar en el embalaje que la distorsión allí grabada era deliberada y no debía ser corregida. A menudo se relaciona la letra de la canción con un viaje psicodélico, pero Hendrix por entonces no había probado aún el LSD, y el propio autor dijo haberse basado en un sueño y en una historia de ciencia ficción sobre un rayo mortal de color púrpura.

Ya entrados en enero de 1967, grabaron The Wind Cries Mary, la gran balada del disco, compuesta después de una discusión con su novia, Kathy Mary Etchingham. Tiene ecos de Curtis Mayfield y del folk de Bob Dylan. La canción, que sería su tercer single, es todo un ejercicio de overdubbing, mezclando hasta cinco guitarras en lo que finalmente parece ser una sola. El presupuesto iba menguando, por lo que salvo los overdubbings de guitarra, el resto del tema es una única y primera toma. En esas mismas fechas, grabaron Fire, un tema al más puro estilo soul-funk, a partir de una versión en directo.​ De vuelta una vez más a De Lane Lea, grabaron Manic Depression y I don't live today, uno de los primeros temas en los que Hendrix juega con el feedback y su característico efecto de guitarra wah wah, combinados con una letra oscura que contrasta con la luminosidad tribal de su ritmo.

Después llegarían Highway Chile (que junto a Stone Free y 51st Anniversary acabarían siendo incluidas como temas extras en una edición posterior), May This Be Love (la otra balada del disco junto a The Wind Cries Mary) y Are You Experienced?, la pieza psicodélica y post moderna​ que dió nombre a un disco en el que la diversidad de estilos es la nota predominante, combinando de manera brillante y novedosa hard rock, folk, psicodelia, free jazz, blues y R&B, en una mezcla cruda y directa que tiene como hilo conductor las distorsionadas guitarras de Hendrix.

La relevancia de Are you experienced? es tal, que es uno de los discos incluidos en el Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, por su enorme valor histórico y cultural. La revista Rolling Stone la situó en el puesto nº 15 de la lista de 500 mejores álbumes de todos los tiempos, e incluyó además cuatro de las canciones entre las 500 mejores canciones de todos los tiempos (Purple Haze, Foxy Lady, Hey Joe y The Wind Cries Mary). ¿Y cuál fue mi veredicto tras aquella primera escucha? Mi opinión no es muy relevante, solo diré que coincide con la que de Horst Schmaltze, el ejecutivo de la discográfica Polydor al que Chandler entregó el disco, temeroso de cual fuera a ser su reacción ante una obra tan psicodélica y arriesgada. Horst escuchó el disco sin decir una palabra. Al finalizar la segunda cara, simplemente dijo: "Esto es genial. Es lo mejor que he escuchado jamás".

sábado, 19 de junio de 2021

Canciones que nos emocionan: Red House - Jimi Hendrix

 

Red House, Jimi Hendrix


     En mayo de 1967 en Europa, y en agosto del mismo año en Estados Unidos, Jimi Hendrix, acompañado de Noel Redding al bajo y de Mitch Mitchell a la batería, o lo que es lo mismo, el trío llamado Jimi Hendrix Experience, publica su álbum debut, Are You Experienced, bajo el sello discográfico Track Records. El disco, con un sonido que va hacia el rock psicodélico y el hard rock y basado en la rompedora e innovadora forma de componer y de tocar la guitarra de Jimi Hendrix supuso un gran éxito comercial y tuvo unas excelentes críticas.

Incluido en el álbum debut del genio de Seattle se encuentra el tema Red House, escrito por Jimi Hendrix y grabado el 13 de diciembre de 1966 en los CBS estudios de Londres bajo la producción del mánager de este, Chas Chandler. Red House está compuesto bajo la fórmula de un blues tradicional de doce compases al que Hendrix incorpora su revolucionaria forma de entender y tocar la guitarra y que revolucionaría el panorama musical del rock posteriormente. 

En cuanto a la temática del tema, Hendrix canta sobre regresar a casa para ver a su chica, la cual vive en un casa roja. cuando llega a la casa, comprueba que la llave que tiene de la misma no funciona, y es cuando se da cuenta de que su chica ya no vive allí. En vez de entristecer decide darse una vuelta y visitar a la hermana de su novia. Sobre la inspiración que tuvo Hendrix para componerlo corren varias hipótesis, una defiende que Jimi la compuso cuando sobrevivía duras penas en Nueva York y mientras vivía en el apartamento de un amigo el cual estaba decorado completamente de rojo. Otra defiende que se inspiró en la casa de una de sus novias de Seattle, la cual estaba pintada de rojo. Y otra dice que se inspiró en una leyenda sobre una misteriosa ciudad roja. En cualquier caso, en lo que todos están de acuerdo es que Red House es uno de los grandes temas que nos dejó el guitarrista. 

El tema, que en estudio tiene una duración aproximada de tres minutos y cuarenta y cinco segundos, solía ser uno de los fijos de Hendrix en directo, y basándose en la grabación original, solía realizar largas improvisaciones que alargaban el tema más allá de los doce minutos.

sábado, 28 de noviembre de 2020

La música en historias: Los músicos de sesión XI



     Los músicos de sesión pueden trabajar de forma independiente o de forma exclusiva para un estudio de grabación, como hicieran en su caso la famosa Sección de Ritmo de Muscle Shoals para los estudios FAME y posteriormente para sus propios estudios, los Muscle Shoals Sound Studio, o Booker T. & The MG's que trabajaron exclusivamentepara el mítico sellos Stax Records. Estos músicos suelen tener una gran versatilidad, y su trabajo con el artista de turno puede durar desde unas horas, lo que dure su trabajo de grabación, hasta varios meses, si estos son contratados para una gira. Vamos con la décimoprimera entrega dedicada a estos ilustres músicos...



James Marshall Hendrix, meas conocido como Jimi Hendrix, sí amigos el mago de las seis cuerdas que revolucionó la forma de entender y tocar la guitarra eléctrica. Aunque su carrera en la cúspide solo duro unos 4 años, tiempo en el que forjó su leyenda, tuvo que trabajar duro para llegar ahí. Nacido en Seattle, Washington (Estados Unidos) en 1942, y fallecido en Nothing Hill, Londres (Reino Unido) en 1970. De su vida y obra está prácticamente todo dicho, pero quizás no sea tan conocido el hecho de que en 1961 conoce durante su alistamiento militar al músico Billy Cox, con el que se dedica a tocar en todos los clubs de la base militar los fines de semana, y con el que tocaría posteriormente en The Jimi Hendrix Experience. En 1963 Jimi se muda a Tennessee, donde forma junto a Cox una banda llamada King Kasuals, con la que consigue tocar de forma asidua en los locales de moda de la ciudad. Pero además de tocar con su banda, alterna tocando como músico de sesión para artistas como Wilson Pickett, Slim Harpo, Sam Cooke y Jackie Wilson entre otros. En 1964 es contatado, tras realizar una audición, para ser guitarrista de The I. B. Specials, la banda de apoyo de los Isley Brothers. Con ellos graba el famoso tema Testify, que al principio no tiene apenas éxito. Con los Isley Brothers se embarca en una gira durante 1964, pero en octubre de ese año, cansado de hacer todas las noches lo mismo decide abandonar la formación. Poco después Jimi ficha como músico de apoyo de la banda The Upsetters, el grupo de apoyo de Little Richard, con el que permanece hasta julio de 1965, fecha en la que es despedido. Jimi realiza algunas colaboraciones aquí y allá hasta que en 1966 se embarca en el proyecto The Jimi Hendrix Experience, marcando un antes y un después en la historia del rock.



Red Callender, nacido en 1916 en Virginia (Estados Unidos) y fallecido en 1992 en Saugus (Estados Unidos). La particularidad de Red es que hizo carrera fundamentalmente como músico de sesión de jazz con dos instrumentos que manejaba a la perfección, el contrabajo y la tuba. Red Callender forma parte de The Wrecking Crew, el famoso grupo de músicos de sesión del área de Los Ángeles. En la década de los 40 forma su propio trío y además graba con artistas como Nat King Cole, Charlie Parker o Dexter Gordon entre otros. Posteriormente se muda a Los Ángeles, donde se convierte en uno de los primeros músicos de color que trabaja asiduamente para los principales sellos discográficos. durante la década de los 50 se convierte en uno de los primeros solistas de tuba del jazz moderno. Durante su carrera colabora con artistas de la talla de Art Tatum, Jo Jones, Charles Mingus, Fred Astaire, Louis Bellson, Benny Carter, Dizzy Gillespie, Plas Johnson, B.B. King y Gerald Wilson entre otros además de publicar seis álbumes de estudio como solista.



Glen Campbell, guitarrista, cantante, compositor, presentador y actor estadounidense nacido en 1936 en Nashville (Estados Unidos), y fallecido en Tennessee (Estados unidos) en 2017. Durante su carrera ganó varios premios Grammy, siendo el único que lo ha conseguido en dos categorías diferentes (country y pop) simultáneamente. Glen, el séptimo de doce hijo, nace en el seno de una familia muy humilde, comienza a tocar la guitarra bajo la influencia de un tío suyo, y lo hace sin tener conocimientos de leer música y además toca como diestro a pesar de ser zurdo. Al cumplir 18 años se marcha al sur donde empieza su aventura como músico, y en 1958 se traslada a Los Ángeles, donde se convierte en músico de sesión y pasa a formar parte del famoso grupo The Wrecking Crew. A principios de los 60 es muy solicitado por gran variedad de artistas, tales como Nat King Cole, Bobby Darin, Nacy Sinatra, Merle Haggard, Phil Spector, The Monkees, Elci Presley, Frank Sinatra, Dean Martin o The Mamas & The Papas. Glen también se convierte en 1964 en miembro de pleno derecho del grupo The Beach Boys al sustituir en la gira de 1964 a 1965 a Brian Wilson debido a su enfermedad, llegando incluso a participar en la grabación del álbum Pet Sounds. En 1969 aparece junto a John Wayne en la película Valor de Ley, donde canta la canción The Grit, nominada al Globo de Oro y al Oscar ese año. A finales de los 60 y hasta 1972 también ejerce como presentador de televisión, y aprovecha su relaciones como músico para llevar a artistas invitados como Eric Clapton, Cream, The Monkees, Neil Diamond, Linda Ronstadt, Johnny Cash o Willie Nelson entre otros. Durante los 70 y los 80 irá alternando sus apariciones en la música con sus trabajos musicales, cosechando más éxitos dentro del género country. 



Larry Knechtel, nacido en Bell (Estados Unidos) en 1940 y fallecido en Yakima, Washington (Estados Unidos) en 2009, fue un tecladista y bajista muy reputado por su trabajo como músico de sesión. Desde bien pequeño empieza a recibir clases de piano, y en 1957, con 17 años se une a una banda de rock and roll de Los Ángeles. Dos años después se une a  la banda de Duane Eddy, The Rebels, con la que recorre el país y lo escenarios durante 4 años, tras los cuales decide dedicarse a trabajar como músico de sesión. Larry se convierte en una pieza importante en la escena de los músicos de sesión de Hollywood al trabajar para Phil Spector como pianista y ayudarle a crear su famoso efecto "Muro de Sonido", una formula de producción que se basaba en la creación de un sonido muy denso y reverberado con muchas capas, convirtiéndose también en miembro y en uno de los músicos más destacados de The Wrecking Crew. En 1970 gana un premio Grammy por sus arreglos para piano en la canción Bridge Over Troubled Water, compuesta por Simon & Garfunkel. Larry también era un consumado especialista tocando la armónica y el bajo eléctrico,  instrumentos que podemos escuchar en Mr. Tambourine Man de The Byrds, y en los discos de The Doors, que no tenían bajista. En 1971 se una a la banda Bread, y en la década de los 80 se muda a Nashville donde firma un contrato discográfico como solista. En los 90 lanza dos discos más como solista, y al final de su carrera, pesar de estar semirretirado tiene tempo para colaborar con Rick Rubin y Neil Diamond, y girar con Elvis Costello.



James Jamerson, (Isla Edisto, Carolina del Sur, 1936 - Los Ángeles, California, 1983), bajista estadounidense, es el músico cuyo bajo aparece no acreditado en la mayoría de los éxitos del sello Motown Records de la década de los 60 y principios de los 70. como músico de sesión grabó en 23 temas que llegaron al número 1 en la lista estadounidese Billboard Hot 100, y en 56 número 1 de R&B. Gran parte de su educación la recibe de su abuela que le enseña a tocar el piano, y de su tía que canta en el coro de una iglesia. De pequeño ya actuaba tocando el piano y después el trombón. sus influencias vienen de sus largas  escuchas en la radio de música gospel, blues y jazz. En 1954 se muda con su madre a Detroit, donde asiste a la Northwestern High school, y empieza a tocar allí el contrabajo. Sus inicios los encontramos tocando en locales de blues y jazz del área de Detroit. Después de graduarse en la escuela secundaria se une a la banda de Washboard Willie, y después realiza una gira con Jackie Wilson, lo que le ayuda a ir ganando cada vez más reputación. En 1959 es contratado en el estudio de Berry Gordy el fundador del sello Motown, para sus estudios en Hitsville (Estados Unidos). Allí se convierte en miembro de un nutrido núcleo de músicos de estudio que se llamaban así mismos The Funk Brothers. The Funk Brothers eran un grupo de músicos de jazz que habían sido contratados por Berry Gordy, durante el día grababan en el pequeño Studio A ubicado en el sótano de Motown, y por las noches se dedicaban a tocar en clubs de jazz. Jamerson es considerado como uno de los bajistas más influyentes de la historia de la música moderna, siendo nombrado como referente por bajistas de la talla de Geddy Lee, Pino Palladino, Anthony Jackson, Marcus Miller, John Paul jones, Suzi Quatro, Peter Cetera, Bootsy Collins, Jaco Pastorius, Michael "Flea" Balzary, Andy fraser o Brian Wilson entre otro muchos.