viernes, 31 de enero de 2025

Disco de la semana 415: Vincebus Eruptum - Blue Cheer

 

 Vincebus Eruptum, Blue Cheer


     Para la recomendación de esta semana traemos a una de esas bandas consideradas como precursoras del futuro sonido hard rock y heavy metal. Con todos vosotros Blue Cheer y su álbum debut Vincebus Eruptum. Blue Cheer fue una banda de rock estadounidense que inicialmente actuó y grabó a fines de la década de 1960 y principios de la de 1970 y estuvo activa esporádicamente hasta 2009. Con sede en San Francisco, el estilo y sonido del grupo se basó en un compendio de blues rock, rock psicodélico y acid rock. Vincebus Eruptum es el álbum debut de la banda, grabado durante el año 1967 en los Amigo Studios de Hollywood, California, bajo la producción del disc Jockey y productor discográfico estadounidense Abe "Voco" Kesh,  y publicado el 16 de enero de 1968 por el sello discográfico Philips Records.

Este trío fue el responsable de ese potente y primitivo rock and roll ejecutado a través de potentes amplificadores Marshall, suficientes como para ensordecer a toda una ciudad. Hay quien consideró este álbum como un desastre, calificándolo como el resultado de una música derivada de interpretaciones ruidosas y arrastradas del rock de los años 60. Lo que queda claro es la afición de la crítica por incluir este disco y sonido en alguna corriente sonora, como por ejemplo el servicio de música en línea Rhapsody, que lo incluyó en su lista de los "10 álbumes esenciales del proto-metal", sugiriendo que la banda además de influir y definir en el término de "Power trío", prácticamente fue la inventora del heavy metal. En 1998 la revista The Wire incluyó el álbum en su lista "100 discos que incendiaron el mundo (mientras nadie escuchaba)", indicando que este sonido gruñía rabiosamente frente a la inocencia del movimiento hippie.

Este álbum debut presenta un sonido de blues pesado y atronador, sonido que más tarde sería conocido como heavy metal. De ahí que la banda esté considerada como una de las bandas pioneras en el futuro sonido del heavy metal. Vincebus Eruptum supuso un éxito tanto comercial como crítico, llegando a alcanzar el puesto número 11 en la lista estadounidense Billboard 200. Los integrantes y responsables del sonido de la banda eran Dickie Peterson (voz y bajo), Leigh Stephens (guitarra) y Paul Whaley (batería). Lo que si está claro es que Blue Cheer influyó en el crecimiento de los denominados Power Trío y en el nacimiento y desarrollo del género heavy metal. En una entrevista, el líder del grupo, Dickie Peterson, explicó que "algunas canciones que escribí me llevaron 20 años para completarlas, mientras que hay otras canciones como 'Doctor Please' o 'Out of Focus' que escribí en diez minutos".



Entramos en materia y la primera canción que aparece es una versión de Summertime Blues, 
coescrita y grabada por el artista de rock estadounidense Eddie Cochran en 1958. Fue escrita por Cochran y su manager Jerry CapehartLa canción trata sobre la lucha entre un adolescente y sus padres, su jefe y su congresista durante el verano. El narrador resiente tener que aceptar un trabajo para ganar dinero de bolsillo, y no puede tener una cita con su novia porque su jefe sigue programándolo para trabajar hasta tarde. Después de decirle falsamente al jefe que está enfermo para no ir a trabajar, sus padres no le dejan usar su auto debido a su pereza. Finalmente, considera visitar las Naciones Unidas para quejarse de su situación; pero al se conforma con escribirle a su congresista, quien lo ignora porque es demasiado joven para votar. De la potente versión que hizo la banda, la cual se convirtió en todo un éxito, Peterson señaló que "seguimos cambiándola y agregando/quitando partes. También tiene que ver con grandes dosis de LSD ". Seguimos con Rock Me Baby, un clásico que se ha convertido en una de las canciones de blues más grabadas de todos los tiempos. Se originó como "Rockin' and Rollin'", una canción de 1951 de Lil' Son Jackson, inspirada en blues anteriores. Las versiones de Muddy Waters y BB King hicieron que la canción fuera conocida. La versión de Blue Cheer transforma esta pieza de blues en una experiencia visceral de rock psicodélico y proto-heavy metal dándole  un enfoque mucho más ruidoso y distorsionado. La canción refleja el espíritu salvaje y experimental de la banda, con esos amplificadores al máximo, riffs de guitarra eléctricos intensos, y la poderosa batería de Paul Whaley dándolo todo. Doctor Please se encarga de cerrar la cara A. La canción mezcla elementos del blues y el rock psicodélico con un volumen extremo y contundente una distorsión . Los riffs de guitarra de Leigh Stephens son densos y repetitivos, mientras que la batería de Paul Whaley y el bajo de Dickie Peterson crean una atmósfera aplastante y cargada de energía. La canción se extiende dura más de 8 minutos, algo poco común para la época, y demuestra una libertad creativa típica del rock psicodélico. A lo largo de su duración, la banda alterna entre riffs potentes y secciones más improvisadas. En cuanto a la letra, es una clara una referencia clara al consumo de drogas, algo frecuente en el rock psicodélico de los años 60. Peterson llegó a declarar sobre la canción: "cuando escribí la canción (en 1967), era una glorificación de las drogas. Estaba pensando mucho: '¿Debería tomar esta droga o no debería tomarla? Bla, bla, bla'. Hubo mucha introspección en el momento en que escribí esa canción, y de hecho decidí tomarla. De eso se trataba la canción y de eso es de lo que la canté, una especie de himno a las drogas para mí".



La canción que abre fuego en la cara B es 
Out of Focus. El poderoso trí sigue haciendo gala de su característico sonido crudo y poderoso, que combina elementos de blues, rock psicodélico y proto-heavy metal. Tiene un riff central de guitarra contundente y repetitivo, que refleja la simplicidad y energía del blues, pero llevado a un nivel de distorsión y volumen extremo. La voz de Peterson en esta canción está llena de urgencia y desenfreno, como si intentara romper las limitaciones de lo que la música convencional permitía en ese momento. Su interpretación transmite una sensación de caos controlado que encaja perfectamente con la atmósfera ruidosa del tema. En cuanto a la letra, parece referirse a la sensación de alienación y desconexión que muchos jóvenes de la época experimentaban. Aunque no es completamente explícita, se interpreta como una reflexión sobre perder el rumbo o el control en un mundo que se sentía "fuera de foco", una metáfora quizás influenciada por el uso de sustancias o el rechazo a las normas sociales. Le sigue la potente versión de Parchment Farm, una canción de blues grabada por primera vez por el músico de blues del Delta estadounidense Bukka White en 1940. Es una pieza autobiográfica, en la que White canta sobre su experiencia en la infame Penitenciaría Estatal de Mississippi ,también conocida como Parchman FarmAl principio de su carrera discográfica en 1937, Bukka White fue arrestado y condenado por un tiroteo y fue sentenciado a la prisión Parchman Farm en el condado rural de Sunflower, Mississippi . La institución funcionaba como una granja de trabajo forzado , que era conocida por sus duras condiciones y el uso del sistema de confianza. El disco cierra con un torbellino de distorsión y volumen, Second Time Around. La canción está construida  el pesado y frenético riff de guitarra de Leigh Stephens, convirtiendo la canión en una explosión continua de sonidos que roza el caos. Los improvisados solos de Stephens estńa muy bien acompañados de la batería de Whaley, que hace que por momentos la canción parezca sonar descontrolada. Nada más lejos de la realidad, porque lo que el tría hace es crear una caos controlado. 

El rock & roll se había vuelto cada vez más ruidoso y salvaje durante los años 60, pero cuando Blue Cheer surgió de San Francisco en la escena del rock nacional en 1968 con su álbum debut, Vincebus Eruptum, cruzaron una línea que la mayoría de los músicos y fanáticos ni siquiera habían pensado en trazar todavía. Con el potente sonido de Vincebus Eruptum, rudo y primario, el trío se convirtió en un ejemplo temprano de la tendencia hacia el rock más pesado que dominaría los años 70 con bandas como Black Sabbath, Led Zeppelin o Deep Purple, todas claramente influenciadas por su enfoque ruidoso y experimental, que allanó el camino para la música más dura de los años 70 y más allá.

1492- David Bowie - Sound and Vision



1492- David Bowie - Sound and Vision

Sound and Vision
, una de las canciones más emblemáticas de David Bowie, es un viaje sonoro que encapsula la esencia de su genio creativo. Lanzada en 1977 como parte del álbum Low, esta pieza marca un momento crucial en la carrera de David Bowie, donde la experimentación y la introspección se fusionan para crear algo verdaderamente único. La canción no solo es un testimonio de su capacidad para reinventarse, sino también una obra maestra que combina minimalismo con una profundidad emocional abrumadora.

Desde los primeros segundos, Sound and Vision atrapa al oyente con su estructura inusual. La canción comienza con un riff de guitarra repetitivo y hipnótico, acompañado por un bajo pulsante que genera una sensación de movimiento constante. La batería, ejecutada por Dennis Davis, es precisa y rítmica, pero no invasiva, permitiendo que los demás elementos respiren. Los teclados, a cargo de Brian Eno, añaden una textura etérea y futurista, creando un paisaje sonoro que parece flotar entre lo terrenal y lo cósmico. Esta combinación de instrumentos crea una atmósfera que es a la vez melancólica y esperanzadora, como si Bowie estuviera explorando los límites entre la luz y la oscuridad.

Uno de los aspectos más fascinantes de Sound and Vision es su estructura atípica. David Bowie decide retrasar la entrada de su voz hasta casi el minuto y medio de la canción, lo que genera una sensación de anticipación y misterio. Cuando finalmente aparece, su voz es suave, casi susurrante, como si estuviera confesando algo íntimo. La letra es breve pero evocadora: "Blue, blue, electric blue / That's the colour of my room". Estas palabras, aparentemente simples, sugieren un estado de ánimo melancólico y reflexivo, como si David Bowie estuviera sumergido en un momento de introspección creativa. El color azul eléctrico no solo describe su entorno, sino que también transmite una sensación de frialdad y aislamiento, temas recurrentes en su obra.

La canción también refleja el contexto personal y profesional de Bowie en ese momento. Grabada durante su estancia en Berlín, Sound and Vision emerge de un período de transición en su vida, marcado por el distanciamiento de su pasado glam rock y la búsqueda de nuevas formas de expresión. La influencia de la música electrónica europea, especialmente del krautrock alemán, es evidente en la producción, que combina lo analógico y lo digital de manera innovadora. Este enfoque experimental no solo redefine el sonido de David Bowie, sino que también establece un precedente para la música electrónica y el rock alternativo de las décadas siguientes.

Sound and Vision no es solo una canción, sino una experiencia sensorial. Es una invitación a escuchar con atención, a dejarse llevar por las texturas y los silencios, a encontrar belleza en lo aparentemente simple. David Bowie demostró con este tema que la música no necesita ser compleja para ser profunda, y que a veces las emociones más poderosas se transmiten en los espacios entre las notas. Hoy, casi cinco décadas después de su lanzamiento, Sound and Vision sigue siendo un recordatorio del genio de David Bowie y su capacidad para transformar el sonido en visión, y la visión en arte eterno.

Daniel 
Instagram storyboy 

jueves, 30 de enero de 2025

1491- David Bowie - Speed of Life

1491- David Bowie - Speed of Life

"Speed of Life" es una pieza instrumental que abre el álbum Low (1977), uno de los trabajos más innovadores de David Bowie y el primero de su famosa "Trilogía de Berlín", compuesta en colaboración con Brian Eno. Esta canción, aunque carece de letras, es un viaje sonoro que encapsula la esencia experimental y vanguardista del álbum, marcando un punto de inflexión en la carrera de David Bowie.

Desde los primeros compases, "Speed of Life" atrapa al oyente con un ritmo frenético y pulsante, caracterizado por sintetizadores futuristas y una línea de bajo enérgica. La canción refleja la influencia de la música electrónica y el krautrock, géneros que David Bowie exploró durante su estancia en Berlín. La producción, a cargo de Tony Visconti, es impecable, con un sonido limpio y estratificado que permite apreciar cada detalle de la instrumentación.

La estructura de la canción es sencilla pero efectiva. No sigue un formato tradicional de verso-estribillo, sino que se desarrolla como una serie de capas sonoras que se superponen y evolucionan. Los sintetizadores de Brian Eno aportan una atmósfera etérea, mientras que la batería de Dennis Davis y el bajo de George Murray mantienen un ritmo constante que parece imitar la velocidad y el caos de la vida moderna, como sugiere el título.

El título, "Speed of Life", es evocador y puede interpretarse de múltiples maneras. Por un lado, parece aludir a la rapidez con la que transcurre la vida, un tema recurrente en la obra de David Bowie. Por otro, podría ser una referencia a la velocidad de los cambios tecnológicos y culturales de la época, que David Bowie capturó magistralmente en su música. La ausencia de letras permite que el oyente proyecte sus propias emociones e interpretaciones, lo que añade una capa de universalidad a la pieza.

En el contexto del álbum Low, "Speed of Life" funciona como una introducción perfecta al mundo sonoro que David Bowie y Eno crearon. El álbum, dividido en una mitad más rockera y otra más experimental, refleja el estado emocional de David Bowie durante un período de transición personal y creativa. "Speed of Life" captura esa sensación de movimiento constante y búsqueda de nuevas direcciones.

Daniel 
Instagram storyboy 

miércoles, 29 de enero de 2025

The Magic Whip - La varita mágica del #MesBlur (Mes Blur)



"The Magic Whip" (2015), el octavo álbum de estudio de Blur, fue un inesperado regreso fruto de un repentino cambio de agenda en la breve gira en la que la banda, reunida de nuevo doce años después de "Think Tank" (en el que Graham Coxon ya había estado ausente), estaba llevando a cabo con la única intención de desempolvar viejos éxitos y sin nuevo material en mente. El grupo llegó a Tokyo para tocar en el festival Tokyo Rocks Music, pero el evento se canceló repentina e inexplicablemente, y los cuatro músicos se encontraron "atrapados" y con cinco días por delante hasta el siguiente concierto. Para distraerse y hacer algo útil con aquel tiempo, se encerraron en los Avon Studios de la ciudad para ensayar, improvisar y ver que salía de aquello. Y lo que salió, casi por arte de magia y como si hubieran agitado la varita de la inspiración y del título, fue un buen puñado de inacabadas pero prometedoras ideas y melodías, en bocetos de lo que podían ser hasta 15 canciones diferentes.

Damon Albarn no estaba seguro de si podrían publicar aquella música alguna vez, porque no había podido escribir allí las letras, y consideraba que la inspiración adecuada no le vendría igual estando en otra parte del mundo, así que dio por hecho que aquellas ideas acabarían para siempre en un cajón. Sin embargo, y mientras Albarn salía de gira para promocionar su disco en solitario "Everyday Robots" (2014), Graham Coxon retomó aquellas grabaciones de Hong Kong, y empezó a trabajar seriamente en aquellos bocetos con la ayuda de Stephen Street, productor de los discos míticos de la banda en los noventa. Cuando el material fue tomando cuerpo, Coxon invitó a Alex James y Dave Rowntree para perfeccionar las partes de bajo y batería, y con el trabajo casi terminado, le mostró los resultados a Albarn, que tras terminar su gira en solitario por Australia, se marchó a Hong Kong para escribir las letras.

Pese a la particularidad "local" de un disco gestado e inspirado en Japón, inevitablemente y por la cercanía temporal con su disco en solitario Everyday Robots (2014), las canciones de The Magic Whip comparten con aquel la temática y el sentimiento de alienación en un mundo sobrepoblado e impersonal, desde la perspectiva de un viajero distante que comparte sus vivencias con asombro y desesperación. Esa es la temática de canciones como "Lonesome Street", que abre el disco y para la que se rodó un video promocional en el que un japonés baila en soledad delante de un telón, hasta que hacia el final de la canción el telón cae y aparece una multitud de personas bailando con el la misma coreografía, en un impactante efecto visual y emocional, fruto del primer golpe asestado por la varita mágica de unos Blur que regresan en estado de gracia.

Le siguen "New World Towers" , un tema más pausado sobre la sensación que produce observar los letreros de neón de las junglas de rascacielos de las ciudades, que conceptual y musicalmente habría encajado como un guante en "Everyday Robots", y la más animada "Go out", el primero de los temas que desarrollaron en Japón, que explora el sentimiento de soledad y abandono del metafórico viajero en los bares nocturnos de la ciudad, y que musicalmente es un intento de sonar a los Blur pegadizos y ligeros de los noventa, pero que queda algo descafeinado.

La sombra de David Bowie, siempre presente en algún tema de los discos de Blur, es alargada en "Thought I was a Spaceman", con algún que otro escarceo electrónico y con Graham Coxon asumiendo el rol vocal. En un disco sobre la soledad y la alienación que paradójicamente experimenta un viajero al ver la sobrepoblación y la impersonalidad de los lugares que visita, la referencia / homenaje al astronauta de "Space Oddity" era seguramente obligada, pero resulta menos inspirada y brillante que el "Strange News from another Star" del disco Blur (1997) con el que comparte halo y temática. De la más o menos conseguida ensoñación nos saca con fuerza "I Broadcast", que obedece también a la pauta de incluir un tema más cercano al punk en cada uno de sus trabajos, aunque aquí el tono es más rebajado y melódico que en temas como "Bank Holiday", "Song 2" o "Crazy Beat" con los que podría tener cierto parentesco sonoro.

Las referencias al mundo oriental afloran en temas como "My Terracota Heart", "PyongYang" "Ghost Ship" (un barco fantasma que temáticamente podría haber atracado en la "Isla de Plástico" de Gorillaz), aterciopeladas baladas de suave instrumentación y gran belleza melódica, en contrapunto con la angustia de temas como "There are too many of us", la pieza central del disco en cuanto al concepto en el que este se basa, inspirada en la obra maestra de ciencia ficción "Fahrenheit 451" (1953) de Ray Bradbury, y en una reflexión de su protagonista: "Somos demasiados. Somos miles de millones y eso es demasiado. Nadie conoce a nadie". En mitad de esa angustia y desencanto, queda tiempo para la alegría y la esperanza en la amable y divertida "Ong Ong", y para la pausa y la reflexión de "Mirrorball", brillante tema de cierre que destaca por la elegante guitarra de Coxon, que la dota de la atmósfera más descaradamente japonesa del álbum.

"The Magic Whip" recibió grandes elogios por parte de la crítica musical en el momento de su lanzamiento, alabando la calidad de los temas de un disco que muchos ya no esperaban, aunque viéndolo en perspectiva y en comparación con el posterior y excelso álbum "The Ballad of Darren" (2023), en el que asumen su madurez y la aprovechan en el proceso creativo, hoy se noten más las costuras auto-paródicas de alguno de los temas de un disco creado en circunstancias inesperadas por un grupo de músicos que resultan más convincentes cuando miran al presente y no pretenden recrear el pasado. Es mejor aceptarse como lo que uno es, en lugar de pretender que una varita mágica te devuelva el brillo superfluo de antaño. Y, sin embargo, en algunos momentos de "The Magic Whip" el hechizo sigue hoy funcionando, haciéndonos sonreír sin darnos cuenta al escuchar sus mejores temas y sus guiños a otros tiempos. Es lo que tiene la magia, que consigue que, a veces, suceda lo inexplicable y lo inesperado, como una cancelación de un festival, que acabó devolviéndonos a los que nunca debieron irse. 

1490.- Calling Dr. Love - Kiss


 

"Calling Dr. Love" ("Llamando al Dr. Amor") fue uno de los grandes hits del disco "Rock and Roll Over" (1976) de la popular banda estadounidense de heavy metal KISS. Escrita por Gene Simmons (bajista y vocalista del grupo) y con la curiosidad de contar con Katie Sagal como voz de acompañamiento femenina, fue seleccionada como la segunda canción del álbum en ser lanzada como single promocional para las radios y las listas de ventas, con la canción "Take me" como cara B.

El sencillo de "Calling Dr. Love" alcanzó el top 20 del Billboard estadounidense, llegando hasta el puesto 16 como posición más alta. Desde su lanzamiento, se convirtió al instante en uno de los grandes himnos característicos de la banda, siempre presente en todos los recopilatorios de grandes éxitos de KISS, y es una pieza imprescindible en sus conciertos, como demuestra su inclusión en el álbum en vivo "Alive II" (1977) publicado solo un año después, o en el disco Kiss Symphony: Alive IV (2003).

martes, 28 de enero de 2025

1489.- ELO Kiddies - Cheap Trick

 

ELO Kiddies, Cheap Trick


     Cheap Trick es el álbum de estudio debut de labanda de rock estadounidense Cheap Trick. Fue grabado entre los años 1976 y 1977 en los Record Plant Studios de Nueva York bajo la prodcción de Jack Douglas, frecuente colaborador de la banda, y publicado el 3 de febrero de 1977 por el sello discográfico Epic Records. Este disco debut no llegó a entrar en la lista estadounidense Billboard 200, sin embargo llegó a mantenerse en el puesto 207 durante una semana en abril de 1977. La mayoría de las canciones de este trabajo tienen un sonido más crudo, tirando hacia el hard rock de la época, contratando con el sonido power pop que la banda desrrollaría en sus trabjos posteriores y por la que acabría siendo reconocida.

Incluído en este álbm se encuentra ELO Kiddies, escrita por Rick Nielsen, el guitarrista pirncipal y compositor del grupo. La canción llegó a ser lanzada como sencillo dos veces, en 1977 como lado A acompañada por Speak Now OR Forever Hold Your Peace en el lado B, y en 1979 como lado B de la canción en directo Ain't That a Shame, del aĺbum en directo Cheap Trick at Budokan. La canción se caracteriza por la contundente batería de Bun E. Carlos y los rabiosos riffs de guitarra de Nielsen. La letra está repleta de dobles sentidos intepetados de diferentes maneras. Hay quien intepreta la canción como una histora de "hola, adiós", otros sobre los "maniacos que controlan las plantas nucleares", otros como "una visión cínica de la educación". Para el baterista del grupo, Ben E. Carlos, quien manifestaba que era una de sus canciones favoritas, la canción animaba a los niños a que se divirtieran antes de que se volvieran completamente locos y salvajes, y de que crecieran y les salieran úlceras y dolores de cabeza. También hay una corriente que piensa que la canción es vagamente autobiográfica y reconoce la admiración e la banda por el fundador del grupo Electric Light Orchestra (ELO), Roy Wood. Como se puede apreciar, Elo Kiddies podría tener muchas intepretaciones, que cada cual esocoja la que más le guste y disfrute de este brillante tema.

lunes, 27 de enero de 2025

1488.- Mannish Boy - Muddy Waters

 

Mannish Boy, Muddy Waters


     Pero para hablar de Mannish Boy, nos vamos a remontar primero al tema Hoochie Coochie Man compuesto por Willie Dixon, y que Muddy grabó por primera vez bajo el sello Chess Records. Este tema hacía referencia a elementos mágicos y espirituales del Hoodoo, creencias espirituales afroamericanas procedentes del África occidental. El protagonsita de la letra se jacta de su buena fortuna y su suerte con las mujeres con la ayuda del Hoodoo. Pues bien, en abril de 1955 Bo Diddley publica I'm a Man, tema compuesto por el mismo. Diddley se inspira en Hoochie Coochie Man para componer este tema, y con la arrogancia que le caracteriza nos relata su destreza sexual, y que el sí es literalmente un hombre, y por si no ha quedado claro nos lo deletrea: un M-A-N (Hombre). Este tema también ha sido fuente de inspiración para otros músicos, como por ejemplo George Thorogood, que se basó en su riff para su Bad To The Bone.

    Y la respuesta de Muddy no podía hacerse esperar, y el 24 de mayo de 1955 graba Mannish Boy, tema que se publica en junio de 1955 bajo el sello Chess Records. Aunque hay quien entendió este tema como un tema político, el tema fue una clara contestación a I'm A Man de Bo Diddley. Los afroamericanos que crecían en el sur habitualmente eran referidos como niños, nunca como hombres, y Muddy aparte del alarde sexual del que hace gala en el tema, nos deja bien claro que él es un hombre, y se burla del I'm a man de Diddley. La letra dice algo así como "¡Yeah!,se deletrea H-O-M-B-R-E. eso significa hombre ¡Yeah!, no N-I-Ñ-O que significa niñato. ¡Soy un hombre! ¡Yeah! un hombre hecho y derecho. ¡Soy un hombre! ¡Yeah! soy un amante nato"

En 1977 Muddy Waters publicaría Hard Agai. Fue grabado durante el mes de octubre de 1976 bajo la producción de Johnny Winter y publicado el 10 de enero de 1977 porel sello discográfico Blue Sky Records. En él Muddy se encargaría de grabar y regalarnos una nueva versión del mítico tema Mannish Boy.

domingo, 26 de enero de 2025

Blur - Think Tank (Mes Blur)

 

Think Tank, Blur


     Think Tank es el séptimo álbum de estudio de la banda inglesa Blur. Fue grabado entre noviembre de 2011 y moviembre de 2002 bajo la producción de Ben Hiller, Norman Cock, William Orbit y del propio grupo, y publicado el 5 de mayo de 2003 por el sello discográfico parlophone Records. Continuando con las construcciones de estudio basadas en improvisaciones del álbum anterior del grupo, 13 (1999), el álbum se expandió en el uso de bucles rítmicos muestreados y sonidos electrónicos pesados y melancólicos. El disco también contiene influencias de la música de baileel hip hopel dubel jazz y la música africana. el disco supuso toda una experimentación sobre los crecientes intereses musicales de Damon Albarn.

Las sesiones de grabación comenzaron en noviembre de 2001, teniendo lugar en Londres, Marruecos y Devon (Inglaterra), y terminaron un año después. El productor principal del álbum fue Ben Hillier, y contó con la producción adicional de Norman Cook (Fatboy Slim) y William Orbit. Al comienzo de las sesiones, el guitarrista Graham Coxon había estado en rehabilitación por alcoholismo, por lo que no estuvo presente. Inicialmente sin saber cuánto tiempo Coxon estaría en rehabilitación, Albarn, James y Rowntree decidieron comenzar a trabajar en el estudio sin Coxon. Después de reincorporarse, las relaciones entre Coxon y los otros miembros se volvieron tensas, lo que provocó que Coxon abandonara la banda, dejando poco de su presencia en el álbum terminado. Think Tank está considerado como un álbum conceptual suelto. Albarn eraun declarado un pacifista, y se había pronunciado en contra de la invasión de Afganistán y, después de que las naciones occidentales amenazaran con invadir Irak, participó en las protestas generalizadas contra la guerraLos temas antibelicistas son recurrentes en el álbum, así como en las obras de arte asociadas y los videos promocionales.



Aunque Blur había estado asociado con el movimiento 
britpop, habían experimentado con diferentes estilos musicales más recientemente, comenzando con Blur (1997) que había sido influenciado por bandas de indie rock bajo la sugerencia del guitarrista Graham Coxon. Desde mediados hasta finales de la década de 1990, los miembros de Blur habían estado trabajando en otros proyectos, además de Blur: Albarn había co-creado Gorillaz, una banda virtual, en 1998 con el artista de cómics Jamie Hewlett, a quien Albarn había conocido a través de Coxon. El debut de Gorillaz en 2001 fue un éxito financiero y recibió elogios de la crítica. Coxon había comenzado una carrera en solitario y a partir de 2001 había lanzado tres álbumes en solitario. Los diferentes intereses musicales de los miembros habían alienado a algunos de los miembros de la banda,  y Coxon junto con Alex James y Dave Rowntree, estaban ansiosos por un nuevo álbum, mientras que Albarn se mostraba más reacio.

Las sesiones de grabación para Think Tank comenzaron en noviembre de 2001 en el estudio de grabación de Albarn en Londres. Albarn, James y Rowntree habían acudido al estudio junto con Ben Hillier, quien explicó que al principio hubo cierta tensión entre los miembros del grupo. Coxon había estado luchando contra el alcoholismo y la depresión, y no pudo asistir a la sesión de grabación inicial debido a que estaba en rehabilitación. A pesar de la ausencia de Coxon, el resto de la banda decidió comenzar a grabar sin él. Estaba claro que durante la partida de Coxon, el sonido y la dirección musical no eran del gusto de Coxon, y ya no tenía un lugar justificable en la banda. Además, los profesionales de la salud le aconsejaron a Coxon que evitara salir de gira, lo que naturalmente lo dejaría en una posición más vulnerable mentalmente. Esto no fue bien recibido ni por la banda ni por su sello discográfico, debido a que las giras eran una parte importante de la promoción y venta de un disco.

A pesar de que Albarn declaró que originalmente quería volver a su sonido más comercial, Think Tank fue todo lo contraro, un álbum basado en el uso de bucles rítmicos muestreados y sonidos electrónicos pesados y melancólicos. Casi en su totalidad escrito por AlbarnThink Tank puso más énfasis en coros exuberantes, guitarra acústica simple, batería, bajo y una variedad de otros instrumentos. Think Tank estáconsiderado por la crítica como un álbum conceptual suelto. Albarn declaraba que era un álbum sobre "el amor y la política", afirmando que "obligaría a las personas a valorar lo que tienen. Y eso, con suerte, pagará dividendos y ayudará a cambiar el mundo a un lugar mejor. Ojalá. Toca la madera". Albarn también declaró que el álbum trataba sobre "qué se supone que debes hacer como artista aparte de expresar lo que sucede a tu alrededor". 



En cuanto al contenido del disco, vamos a encontrar temas como Ambulance, l
a canción que abre el álbum. comienza con un complejo ritmo de batería poco convencional que casi colapsa sobre sí mismo. A medida que un bajo bajo atronador entra en escena todo crece lentamente. La percusión africana distintiva se incorpora pausadamente al armónico del bajo, y entra entra la voz principal de Albarn En una entrevista de radio, Albarn habló sobre la composición de la canción, diciendo: "Trato de hacer muchas cosas una vez que tengo la melodía y la estructura de acordes. Trato de cantarla de una sola vez sin pensar demasiado en ella. Sale como una especie de canción parcialmente formada y a veces tienes suerte y sale casi perfecta y a veces es simplemente un desastre". Afirmó que se trataba de un caso de lo primero. James dijo que "Ambulance" fue "la primera canción que pensé, bueno, esto es Blur de nuevo. Como si estuviera en el lugar correcto otra vez. Supongo que las letras tienen algo que ver con eso, ya sabes, no tener nada que temer"; Out of time, definida como conmovedoramente encantadora, inteta capturar la esencia de una mezcla de sensaciones de belleza y temor. Dominan la voz sin adulterar de Albarn y la batería constante y simplista, y en el centro de la pista, un grupo de cuerda andaluz asoma la cabeza, al igual que una pandereta; Crazy beat, canción que según Albarn "comenzó de una manera muy diferente. Lo más cercano con lo que podría compararlo es con una versión realmente mala de Daft Punk. Así que nos cansamos de él y luego pusimos esa línea de guitarra descendente sobre él para darle un poco de golpe"... "Tenía una especie de voz loca como un vocoder, y la melodía estaba sobre una especie de ritmo realmente escurridizo y solo esta guitarra semitonal casi descendente. La melodía funcionó sobre ella y fue increíble porque no debería haber funcionado, otro pequeño momento mágico para nosotros"; Good song según Albarn  "Originalmente se llamaba 'De La Soul' en nuestra enorme lista de canciones, ideas a medio terminar. Se llamaba 'De La Soul', ya sabes, hasta el final. Y siempre pensé que era una buena canción y la llamé 'Good Song'. Me encanta eso, me encanta el tipo de intimidad y creo que todo el mundo jugó con delicadeza en ello, las melodías. Era una buena melodía"; On the way to the club fue descrita por Albarn como "una canción de resaca que escribimos de vez en cuando". Albarn también dijo que "definitivamente tiene un sonido muy personal. Alguien dijo que es una especie de Screamadelica revivida. Sí, es el tipo de buenas intenciones de las que participas en el jolgorio y luego la realidad de la misma"; Brothers and Sisters fue una de las últimas adiciones al álbum. según Albarn, la canción trataba sobre las drogas: "trataba demasiado abiertamente de una sola cosa. Era demasiado drogadicto, en cierto modo, lo cual es un poco extraño, porque la canción trata sobre las drogas, así que creo que nos esforzamos un poco más con ella y le dimos mucho más espacio, contrarrestado por la lista, y la lista estaba inspirada en la vida de JFK y su necesidad de tener 28 drogas todos los días de su presidencia solo para mantenerlo funcionando"; según Albarn, Caravan es "un tipo de canción que podrías tocar en cualquier lugar. Y quiero decir, recuerdo que lo terminamos y cuando todos se fueron a Londres, fui a Mali por un par de días porque Honest Jon todavía estaba trabajando con músicos y esas cosas. Estaba sentado en un bosque de mangos con un pavo salvaje y tenía un pequeño reproductor de CD y lo puse allí. Fue agradable ver a todo el mundo sentado colocándose. Fue bonito, porque la guitarra está muy, muy inspirada en Afel; una gran tradición maliense de guitarra de blues". Sweet Song, que estaba inspirada en Coxon

Podemos encontrar una pista oculta, "Me, White Noise" justo antes de la pista 1 en algunas copias de CD. La canción cuenta con la colaboración de Phil Daniels, quien apareció anteriormente en Parklife, en la voz. Es también una de las pocas canciones de Blur que contiene un improperio. El estuche del álbum contenía un logotipo de Aviso para Padres en algunas regiones, debido a que Brothers and sisters contenía muchas referencias a medicamentos.  

Think Tank es un álbum donde la experimentación hizo que Blur no sonara como Blur Está bien no sonar como uno mismo, es más, si algo tiene bueno el grupo es que su sonido ha sido evolutivo, si no más, desde The Great Escape, otra cosa es que no suene a nada. Tengo la sensación de que este disco nace fruto de una banda atrapada en medio de una idea inacabada. Albarn tenía una idea basada en sonidos electrónicos, y necesitaba a su lado a alguien como Coxon para acabar de darle forma. El problema es que Coxon ya no estaba y el resultado, para mí, es un álbum donde las canciones se suceden como si no tuvieran a dónde ir, y durante toda la ecucha el disco suena con repetitivos samples atrapados en un bucle sin fin.

1487.- Gavilan o Paloma - Pablo Abraira

Pablo Abraira nació en Madrid en 1949. descubre Beatles, el Pop, el Soul, el Rhythm´n´Blues, el Rock&Roll, a una temprana edad y comienza su andadura musical y tras varios años y después de varios grupos, pasa a ser solista de “Los Grimm” con los que graba su primer disco. Después llego “Frecuencia” Tiene su primera experiencia teatral en un musical llamado “Personajes”. Tras el servicio militar una pirueta del destino hace que su amigo Álvaro Nieto le propongan grabar en solitario, momento en que conoce a Rafael Pérez Botija, quien hace que de forma absolutamente inesperada, su trayectoria artística adquiera una creciente popularidad tanto en España como en América. Fruto de la misma son sus nueve álbumes, donde canciones como “O tu o nada”, “Gavilán o paloma” y “Pólvora mojada” entre otras, consiguieron ser número uno. En una permanente búsqueda de nuevos caminos, surge la experiencia teatral, protagonizando el musical “Lovy”, donde se revela como actor, obteniendo excelentes críticas. En 1982 encarna al Ché para llevar a los escenarios mundiales el gran acontecimiento para el musical en español que supuso “Evita”. La carrera de Pablo Abraira se encontraba en su momento álgido, pero el carácter artístico y personal de Pablo, la constante búsqueda de la superación y el perfeccionamiento le llevan a asumir nuevos retos. Por ello, tras la gira Americana que se realiza con dicho musical, surge el proyecto de poner en marcha “Jesucristo Superstar” estrenándola a comienzos de 1984 en Madrid, viajando con el espectáculo, de nuevo, a Hispanoamérica. Pablo Abraira es además de una cantante un grandísimo actor de teatro, siempre alerta ante la esquizofrenia que marca la diferencia entre el ser humano que uno es y el personaje que a cada uno nos toca representar en el gran teatro de la Vida. Permanentemente expectante e intentando crecer y madurar como persona, para poder alimentar al artista de savia nueva.


No existe una canción, NO EXISTE, en la que se conjuguen de forma tan sublime la épica vocal, los arreglos orquestales al borde del precipicio y la (bastante risible) letra, condiciones todas fundamentales para arrancar aplausos y carcajadas en cualquier evento entre amigos que termine, ya sabéis de lo que hablo, micrófono en mano. El caso es que no acabo de tener claro si es algo que debería avergonzarme, pero recórcholis, es que me chifla esta famosísima canción de Pablo Abraira, qué le vamos a hacer. Entre lo peor, algunas rimas «algo me arrastró hacia ti como una ola / y fui y te dije hola, que tal«, hasta la conclusión con «sólo me dio frio tu calor /lentamente te solté de entre mis brazos / y dije estate quieta por favor» la sensación de desconcierto es total, pero las carencias de la letra están más que suplidas con la arrebatadora música, una de esas progresiones melódicas capaces de poner de pie a un auditorio. Lo curioso es que ni los distintos intérpretes del megahit ni su compositor (Rafael Pérez Botija) han sido capaces de ponerse de acuerdo sobre el significado del tema, existiendo desde teorías sobre un gatillazo del supuesto gavilán, hasta aquellos puntos de vista que defienden que lo que la canción narra, no es otra cosa que el desencantado encuentro amoroso con una mujer que finalmente resulta ser un travestido…(Yo baje la cremallera de tu vestido / Y tu no me dejaste hablar / Solamente suspirabas, te necesito, abrázame mas fuerte mas / Al mirarte me sentí desengañado / Solo me dio frio tu calor / Lentamente te solté entre mis brazos / Y dije estate quieta, por favor)......yeah. Fuera de ironías el resultado una monumental balada, sin duda de lo mejor de la historia de la música española, buena letra con ribetes eróticos, historia de amor y frustración y una melodía original envuelta en arreglos orquestales muy cuidados. Una pieza que sería, de lejos, la más conocida de este cantante y que pasaría nada menos que cinco semanas en el número 1 de ventas en España. podemos afirmar sin miedo a la equivocarnos que esta canción sobre el clásico tema del «cazador cazado» superó en fama incluso a la de su propio intérprete, convirtiéndose en la típica canción que todo el mundo conoce, pero pocos saben bien quién la hizo famosa.


sábado, 25 de enero de 2025

1486.- California Sun - Ramones



En 1977 a los Ramones les surgió un problema y unos rivales, aunque ellos habían interpretado el clásico California Sun en sus actuaciones desde el principio, la amigable competencia vecinal (y primos estéticos) THE DICTATORS les había robado protagonismo al incluir una versión en su álbum debut de 1975 Go Girl Crazy. No dispuestos a dejarlo pasar, siguieron adelante obstinadamente con su propia lectura de la canción, esto reveló que incluso si la banda pudiera rebajarse a grabar material ya notablemente versionado, al menos se encargarían de dejar pasar un tiempo lo suficientemente largo como para que cualquier posible conflicto pudiera ser anulado -o al menos eludido-. La versión de Ramones llegó demasiado pronto después de la de sus rivales, todavía podrían decir que llegaron a la canción primero. Más importante aún, la banda socavó una parte sustancial de la controversia potencial simplemente produciendo una interpretación superior.

Originalmente grabada por el cantante de R'n'B Joe Jones en 1961, pero que se hizo famosa poco después en una versión surf de los Rivieras, CALIFORNIA SUN es una canción aparentemente hecha a medida para seguir el corte del álbum debut de los Ramones de Let’s Dance, la melodía parecía perfecta para que la banda se la apropiara, solo la figura de la guitarra de anclaje resultó un posible obstáculo. Aunque simple, el riff puede ser engañosamente difícil de dominar, sorprendentemente, Johnny siguió dispuesto a ponerse las pilas, y durante años el riff astuto continuó representando su toque más desafiante en sus presentaciones en vivo. Ignorando la versión de los Dictators, los Ramones se centran en los versos de los Rivieras que, a su vez, están alterados del original de Joe Jones, y la instrumentación desnuda, además añaden un toque único a su arreglo al prescindir de la estrofa introductoria no cantada (presente en todas las demás versiones), permitiendo en su lugar que Deedee cuente directamente hasta el estribillo. Esto acorta el tiempo transcurrido antes de que comiencen las voces, y también hace que la estrofa acompañada de tambores tribales y riffs sea más intrigante cuando finalmente llega, la batería exhibe un eco y una presencia potentes, y las guitarras tienen un tono delicioso (especialmente el riff principal sobregrabado). La interpretación de Joey es perfecta, y su decisión de no imitar los coros de llamada y respuesta de Dictators fue acertada. (Naturalmente, también evitan sus numerosas sobregrabaciones de guitarra principal, uno de los otros aumentos que en última instancia hacen que la versión de Go Girl Crazy suene bastante inflada en comparación con la versión minimalista de los Ramones. El hecho de que la estética de la banda pudiera transformar un tema tan antiguo y destartalado en una explosión tan impactante y feroz de rock moderno puso de manifiesto algo que no siempre fue evidente en su momento: Los Ramones representaban menos un retroceso reaccionario al progresismo del rock and roll y más una herencia natural (incluso inconsciente) y la perpetuación de sus verdaderos ideales.


viernes, 24 de enero de 2025

Disco de la semana 414: A Storm in Heaven - The Verve


The Verve después de lanzar su álbum debut A Storm in Heaven en 1993, que a menudo se pasa por alto, y cambiar de nombre al año siguiente para evitar disputas con Verve Records, podría decirse que cambiaron su dirección hacia una dirección menos psicodélica y aunque sus álbumes posteriores, Urban Hymns y A Northern Soul, serían reconocidos más tarde por críticos y seguidores  el lugar totalmente merecido de Storm en el escalón superior de los álbumes de shoegaze y guitarra de los 90 sigue siendo vejatoriamente desconocido a los ojos del público. A Storm in Heaven, el álbum que sigue al magnífico y estimulante EP Verve, publicado en noviembre de 1992, está bañado por fuertes capas de delay y reverb, que se utilizan tanto en las guitarras como en las voces, creando una estética shoegaze típica, las disparidades en la dinámica del volumen a lo largo del álbum, casi como las diferentes partes de una tormenta que pasa, aportan un elemento increíblemente visceral al álbum, mientras que la emoción que brota de todos y cada uno de los instrumentos es abrumadoramente hermosa. Una síntesis extremadamente pulida de los ritmos enérgicos de Parliament/Funkadelic, las melodías maravillosas de Can, la emoción conmovedora de Pink Floyd y el ruido deformado de My Bloody Valentine, la experimentación embriagadora del álbum con la atmósfera sónica proporcionó uno de los mejores álbumes de rock alternativo y psicodelia publicados en los años 90, o ciertamente uno de los más ornamentados. Aunque el álbum suele ir mencionado junto con los otros lanzamientos que personificaron la era shoegaze, A Storm in heaven era un tipo muy diferente de las atmósferas suntuosas por las que se hizo conocido el género, ayudado por el increíble talento de producción de John Leckie (Radiohead, The Stone Roses, The Fall). “Star Sail”, por ejemplo, comienza como un mantra arpegiado cargado de delay antes de estallar en un paroxismo de furia y euforia, mientras que el sencillo principal “Blue” mezcla pop y atmósfera a la perfección para crear una canción al estilo Ride con un estribillo y un gancho de proporciones épicas. Si Urban Hymns fue el álbum de Ashcroft, una expresión de su creciente anhelo de definición y forma, entonces A Storm in Heaven pertenece a McCabe. Mientras que Ashcroft es ruidoso, orgulloso y directo, McCabe es tranquilo, humilde y modesto; tal vez una de las razones por las que se complementaban tan bien antes de que Ashcroft se obligara a ponerse al frente del grupo. El canto de Richard Ashcroft sigue siendo una atracción principal, pero su interpretación cargada de falsete se utiliza principalmente para complementar los ritmos y hay relativamente pocos ganchos vocales memorables. A Storm in Heaven sigue siendo relativamente fácil escucharlo en su totalidad (y estoy seguro de que eso es lo que la banda pretendía...), pero cuando se toma en su conjunto funciona mejor como música relajante sin exigencias. Tenga en cuenta que todo esto viene de alguien con una opinión tibia tanto del shoegaze como del rock espacial de los 90. Si te encanta al menos uno de esos géneros, probablemente te resultará mucho más fácil interactuar directamente con A Storm in Heaven.

El álbum empieza con la arrolladora y declarativa Star Sail, la atmósfera que crean los sonidos aquí replica exactamente lo que se ve la portada del álbum, el azul helado profundo, el fuego en el centro y el resplandor celestial saturado en la parte superior están todos representados en la música para mis oídos, cuando suena cierro los ojos y experimento lo más cercano a la sinestesia que jamás experimentaré. A continuación el segundo sencillo Slide Away, este último del cual quizás reconozcas vagamente si te gustaba el rock alternativo de principios de los 90, esta canción me deja atónita, es increíble. El riff de guitarra al principio y después del primer estribillo es uno de los mejores que he escuchado, esta canción me recuerda a perderme en la neblina en una cálida y soleada tarde de primavera después de ir a una fiesta, es increíble el riff de guitarra al principio y después el primer estribillo uno de los mejores que he escuchado, sin duda. Esta canción me recuerda a perderme en la neblina en una cálida y soleada tarde de primavera después de ir a una fiesta. Esta es una de sus mejores canciones. La tercera canción del álbum,

Already There, comienza lentamente con guitarras melancólicas que golpean un fondo tenue y el canto de Ashcroft dirigiéndose a la noche con letras que pueden parecer mediocres en el papel pero cantadas por el hombre mismo suenan como las declaraciones de un poder superior ("Si los árboles cortan estrellas y ojos al cielo, los doblaré de nuevo, los doblaré de nuevo / Si mi piel se ve cansada y vieja de vivir, volveré a vivirla") y justo cuando Ashcroft parece estar aprovechando el significado de la vida misma, McCabe rompe todas las dudas con sus rugientes y monstruosos aullidos de guitarra que suenan como riffs clásicos de antaño, ralentizados a 0.025x. Beautiful Mind continúa la tendencia de brillantez lírica ("Una sonrisa y una mano se mezclan como agua con arena en lo que a ti respecta") esta vez contra una guitarra considerablemente más tranquila pero sin embargo presente. De hecho, la pista contiene algunos de los trabajos de guitarra más memorables de McCabe, por casi silenciosos que sean. Hay una nota reverberante que toca rápidamente una y otra vez con una agresión creciente que hace que parezca que se acerca lentamente y desaparece rápidamente, lo que le da una profundidad literal asombrosa a una obra ya decididamente tridimensional. "Beautiful Mind" concluye con el momento más emotivo del álbum, vacío de palabras y sonido, salvo por un sonido de guitarra casi inaudible y ondulante. Tararea una vez, vuelve a flotar y, por tercera y última vez, te pasa por encima como una cosechadora hecha de plumas. La tormenta continúa rugiendo y arando con The Sun, The Sea, que muestra guitarras y saxofones fuera de control con magnitud y determinación cavernosa, pero no es la mejor pista del álbum para hacer precisamente eso (llegaremos a eso pronto)


El mismo tipo de guitarra tranquila y discreta está en el corazón del paisaje onírico sonoro de Virtual World, que vuelve a encabezar el ya de por sí impresionante lirismo, la voz de Ashcroft exigente y entonando suavemente a la vez, la guitarra de McCabe envuelve suavemente al oyente y toca melodías impecables que tiran de las cuerdas de la emoción que a todos nos gusta creer que sentimos en nuestro interior. La pista se calma... y luego vuelve a la vida rugiendo. Cuando digo rugido, no me refiero a un grito desgarrador, al estilo de "Like Herodes", sino a una exhalación gradual, abrumadora y suspirante de súplica universal, en cuyo centro se encuentra la sencilla entonación de Ashcroft. Un himno al bajón como nunca antes, Make It 'Til Monday explora un fin de semana pasado viajando y preguntándose si podrá atravesar la niebla alimentada por las drogas para ver la nueva semana que lo espera. El primer sencillo, Blue curiosamente no me toca tanto como otras canciones, es sin duda la canción más reconocible, pero una así requiere un conocimiento bastante profundo y sonoro del shoegaze. El álbum comienza a desacelerarse y a adentrarse en tierras más exuberantes y oníricas de tranquilidad tranquilizadora, antes de otra explosión. El álbum alcanza su punto álgido con una obra maestra desgarradora, cegadora y absolutamente aterradora titulada Butterfly donde la voz de Ashcroft y las guitarras de McCabe alcanzan la cima de su habilidad, y luego se abren paso hacia una infinitud sonora. Las mejores letras de Ashcroft, la mejor interpretación y el mejor trabajo de guitarra de McCabe, así como un impresionante solo de saxofón y una producción impecable. Ashcroft canta un letra brillante: "Podrías llevarte la tormenta para siempre todos los días, porque eres mía y no sé qué decir / Podrías dejar que mi sonrisa desaparezca por un año porque eres mía, esa es la única forma en que me gusta que sea, mariposa". La energía cruda y la emoción con la que grita esa palabra que da título al álbum son más poderosas que cualquier otra que haya escuchado a cualquier otro cantante. Es casi como si pudiera sentir el peso del mundo, y por más soñadoras y románticas que parezcan esas letras escritas, en la canción son terriblemente pesadas y aterradoras. Incluso sin su tema final, Storm seguiría una joya, sin embargo, la inclusión de See You In The Next One solo fortalece su posición y mi amor por el LP. La canción no se parece a ninguna anterior, la más suave y cercana al corazón de Ashcroft. McCabe se sienta a un lado rasgueando suavemente y deja que el cantante haga suya la canción, y las letras de Ashcroft son una vez más asombrosas. Por mucho que haya elogiado todas las letras del álbum hasta ahora, la última pista contiene mi letra favorita, hermosamente simple y tremendamente emotiva: "Me gusta cómo era... / Odio cómo es ahora". Si la forma en que es ahora ha terminado, yo también la odio. Ashcroft gime a regañadientes su adiós al amor mismo, y el tema fúnebre de la canción y su tristeza insoportable parecen estar listos para deshacerlo, pero no lo hacen. La canción termina perfectamente con un rasgueo final tranquilo y el álbum se hunde en el silencio del que surgió.


Desde los estridentes acordes de “Sun, The Sea” hasta la serenidad audible de la canción destacada del álbum y el ojo de la tormenta “Beautiful Mind”, todo en el álbum es verdaderamente hipnótico, lo que hace que sea aún más desconcertante por qué la comunidad musical rara vez le da el elogio que tan completamente merece. Shields es un maestro por derecho propio y amo a MBV tanto como cualquier otro aspirante a crítico musical, pero hay un elemento extraordinariamente gratificante en el trabajo de McCabe que realmente resuena dentro de mí. Tal vez mirando a las estrellas en lugar de a sus zapatos como muchos de sus contemporáneos, la sensación de espacio ilimitado y vistas abiertas de McCabe lo convirtieron en la fuerza impulsora detrás del trabajo temprano de Verve y quizás uno de los íconos más cercanos que los años 90 podían presumir de Jimi Hendrix. Storm trata sobre intuiciones y sentimientos que no se basan en convenciones o audiencias generales, ni en la composición de canciones o letras, y, debido a esto, McCabe puede brillar tan intensamente como lo hace. El álbum está muy alejado de sus estilos posteriores de top 40, y aunque el grupo tampoco vería dinero por el éxito de "Bittersweet Symphony" gracias a una disputa sobre la muestra de los Rolling Stones que contiene, la brillantez ornamentada y caleidoscópica de Storm significa que es mejor mantenerlo alejado de los ojos y la aprobación de las masas.


1485 - KISS - Hard luck woman


1485 - KISS - Hard luck woman

En 1976, KISS sorprendió a sus seguidores con “Hard Luck Woman”, una balada acústica incluida en su álbum Rock and Roll Over. Conocida por su estilo de rock glamuroso y sus espectáculos cargados de energía y extravagancia, la banda mostró una faceta más suave e introspectiva en este tema. La canción fue escrita por Paul Stanley, quien originalmente pensó ofrecérsela a Rod Stewart debido a sus similitudes estilísticas. Sin embargo, al final, KISS decidió mantenerla en su repertorio y confiar la interpretación vocal a Peter Criss, cuyo tono rasposo y emotivo le dio al tema una autenticidad única.

Musicalmente, “Hard Luck Woman” se aparta del sonido característico de KISS, destacando por su enfoque acústico y un aire folk rock que recuerda a canciones como “Maggie May” de Rod Stewart. Con una instrumentación sencilla pero efectiva, las guitarras acústicas dominan la melodía mientras la batería de Criss proporciona un ritmo discreto pero sólido. Esta combinación crea una atmósfera melancólica y serena que resalta la emotividad de la letra.

La canción relata la historia de una mujer desafortunada en el amor, transmitiendo sentimientos de tristeza, resignación y añoranza. Líneas como “If I could, I’d take you anywhere you wanted to go” muestran un amor que no puede concretarse, encapsulando la vulnerabilidad humana. Es un contraste notable con los temas de fiesta y desenfreno por los que KISS es conocido, lo que demuestra su capacidad para explorar emociones más profundas.

La producción, a cargo de Eddie Kramer, es impecable. Kramer logró un balance perfecto entre las guitarras acústicas, la voz de Criss y los arreglos vocales de fondo. Aunque no alcanzó el éxito comercial de otros sencillos de la banda como “Rock and Roll All Nite” o “Beth”, “Hard Luck Woman” se convirtió en una pieza clave en el repertorio de KISS, apreciada tanto por su innovación como por su sensibilidad.

El legado de la canción radica en su capacidad para mostrar otra dimensión de la banda, rompiendo el molde que los encasillaba únicamente en el rock glamuroso. Peter Criss, quien ya había triunfado con “Beth”, demostró una vez más su versatilidad y conexión emocional con el público, haciendo de esta interpretación una de las más destacadas de su carrera.

Hard Luck Woman” es una obra maestra que combina una letra íntima, una melodía conmovedora y una producción brillante. Es un recordatorio de que incluso las bandas más estridentes pueden producir baladas que trascienden generaciones, mostrando un lado inesperado pero profundamente conmovedor.

Daniel 
Instagram storyboy 


jueves, 23 de enero de 2025

1484.- El Sur - Los Puntos

 

El Sur, Los Puntos


     Los Puntos es un grupo español de música pop que alcanzó su popularidad durante la década de los años 1970. Llevaban consigo múltiples influencias europeas de las formaciones que, en aquel entonces, ocupaban los números uno de las listas de éxito, como los británicos The Beatles. Al igual que otros conjuntos hispanos, comenzaron como jóvenes estudiantes aficionados que interpretaban las canciones más populares del momento. No obstante, pronto se dieron cuenta de que la realización de versiones, por muy virtuosas que fueran, no les llevaba al éxito y, añadido a esto el hecho de que, al tratarse de un grupo de provincias, les suponía una traba frente a otros músicos que intentaban lanzar sus carreras en las grandes capitales, como Madrid o Barcelona. Por ello, decidieron dar el gran salto exclusivamente con canciones compuestas y escritas por ellos, principalmente por José González-Grano de Oro, que además de fundador ha ido el alma máter del grupo durante toda su historia.

El grupo destacó por su capacidad para crear canciones melódicas con una identidad lírica marcada por el romanticismo y la nostalgia, y El Sur es una de sus canciones más emblemáticas. Esta canción fue lanzada como sencillo en 1976 y se incluyó también en el álbum recopilatorio Uno a Uno (1976). Es recordada como uno de los temas más significativos de su carrera, tanto por su melodía como por el mensaje de su letra. La letra es una oda al sentimiento de pertenencia y al amor por una tierra. Describe de manera poética los paisajes, las emociones y las vivencias asociadas con el sur de España. La canción pretendía captar la esencia de esa región con imágenes cargadas de sensibilidad, realizado una profunda conexión con las raíces de la banda y los elementos culturales de su tierra. La canción no solo se refiere a una ubicación geográfica, también hace hincapié a un estado emocional hablando de la añoranza, el calor humano, y la belleza natural y cultural de la región. El Sur es una composición donde Los Puntos celebraban lo cotidiano y lo extraordinario de una tierra rica en tradiciones, música y arte.