La música en el cine: Wake Up (Matrix) - Rage Against The Machine

The Matrix

 

    El 31 de marzo de 1999 se estrenaba la película de ciencia ficción Matrix, escrita y dirigida por las hermanas Wachoiski. Ésta película sería la primera entrega de la conocida trilogía de Matrix, de la que derivarían también una serie de videojuegos, cortos animados y cómics. 

El argumento de la película, que establece paralelismo con algunos conceptos religiosos, filosóficos e ideológicos, nos cuenta la trama en la que se ve envuelto el protagonista, Thomas A. Anderson (Keanu Reeves), quien por el día ejerce de programador informático y por la noche, bajo el nombre de Neo, se convierte en hacker. Neo, convencido de que algo falla, y a raíz de recibir un menaje en su ordenador, "Matrix te posee", inicia una desesperada búsqueda para encontrar a otro hacker del que sólo ha oído hablar, Morfeo (Laurence Fishburne). Morfeo es el único que puede darle las respuestas que está buscando. La hacker Trinity (Carrie-Anne Moss) le conduce hasta él y la respuesta que busca, pero para ello debe renunciar a su vida anterior y tomar una píldora roja; también existe una pastilla azul que lo puede devolver a su mundo actual sin que nadie sepa aparentemente lo que ha pasado. Neo va descubriendo que el mundo en el que creía vivir no es más que una simulación virtual a la que se encuentra conectado mediante un cable enchufado a su cerebro. 

A partir de ahí se va desentrañando una trama con buenas dosis de acción y suspense. La película marca un antes y un después en los efecto especiales y visuales de la época, con grandes innovaciones técnicas. quizás la más importante sea el llamado Bullet Time (tiempo bala), técnica que consiste en aparentar que se congela la acción mientas la cámara sigue moviéndose alrededor de la escena. para conseguir esto se utilizan múltiples cámaras que graban la acción desde distintas posiciones a una elevada cantidad de fotogramas por segundo. este revolucionario efecto no fue la primera vez que se usó en el cine, pues ya había aparecido en películas como Jumanji, pero fue la película Matrix la que popularizó este efecto que sería usado posteriormente en infinidad de películas.

Incluida en la banda sonora de la película encontramos Wake Up, del grupo estadounidense de Los Ángeles, california, Rage Againts The Machine (RATM). RATM, formada en 1991 por Zack de la Rocha (vocalista), Tom Morello (guitarra), Tim Commerford (bajo) y Brad Wilk (batería), debutan en noviembre de 1992 con su álbum homónimo, Rage Against The Machine, un disco con altas dosis de rap metal, funk metal y hard rock, con unas letras con fuerte carga social y crítica política. Podemos encontrar míticos temas de la banda como Killing in the Name, Freedom, ó la mencionada Wake Up.

Wake Up fue incluida en la banda sonora de Matrix y aparece al final de la película. La letra del tema nos habla del racismo que hay dentro del gobierno estadounidense, y de los programas de contraintaligencia del FBI, que se encargaban de reprimir cualquier movimiento disidente y contra el gobierno durante los años 60. Durante el tema nos citan a gente como Malcolm X ó Martin Luther King Jr. como presuntas víctimas de este programa de contrainteligencia. La letra final del tema, "¡How long, not long / Because what you reap is what you sow! (¡Cuánto tiempo, no mucho / porque lo que cosechas es lo que siembras!), se refiere a un famoso discurso que pronunció Martin Luther King Jr. en los escalones del State Capitol Building en Montgomery, Alabama, yque parafrasea un conocido versículo bíblico. 

Come on!

Uggh!

Come on, although ya try to discredit

Ya still never edit

The needle, I'll thread it

Radically poetic

Standin' with the fury that they had in '66

And like E-Double I'm mad

Still knee-deep in the system's shit

Hoover, he was a body remover

I'll give ya a dose

But it'll never come close

To the rage built up inside of me

Fist in the air, in the land of hypocrisy

Movements come and movements go

Leaders speak, movements cease

When their heads are flown

'Cause all these punks

Got bullets in their heads

Departments of police, the judges, the feds

Networks at work, keepin' people calm

You know they went after King

When he spoke out on Vietnam

He turned the power to the have-nots

And then came the shot

Yeah!

Yeah, back in this...

Wit' poetry, my mind I flex

Flip like Wilson, vocals never lackin' dat finesse

Whadda I got to, whadda I got to do to wake ya up

To shake ya up, to break the structure up

'Cause blood still flows in the gutter

I'm like takin' photos

Mad boy kicks open the shutter

Set the groove

Then stick and move like I was Cassius

Rep the stutter step

Then bomb a left upon the fascists

Yea, the several federal men

Who pulled schemes on the dream

And put it to an end

Ya better beware

Of retribution with mind war

Twenty/twenty visions and murals with metaphors

Networks at work, keepin' people calm

Ya know they murdered X

And tried to blame it on Islam

He turned the power to the have-nots

And then came the shot

Uggh!

What was the price on his head?

What was the price on his head!

I think I heard a shot

I think I heard a shot

I think I heard a shot

I think I heard a shot

I think I heard a shot

I think I heard, I think I heard a shot

'He may be a real contender for this position should he abandon his supposed obedience to white liberal doctrine of non-violence...and embrace black nationalism'

'Through counter-intelligence it should be possible to pinpoint potential trouble-makers...

And neutralize them, neutralize them, neutralize them'

Wake up! Wake up! Wake up! Wake up!

Wake up! Wake up! Wake up! Wake up!

How long? Not long, cause what you reap is what you sow

El final del Mes John Lennon (Mes John Lennon)

 

Todo tiene un principio y un final. Hasta las cosas más impensables, como que los Beatles fueran a separarse, o que después de hacerlo, no volvieran a reunirse. Todo el mundo albergó esa esperanza desde principios de los setenta, ese "es cuestión de tiempo", "se sentarán a hablarlo y lo solucionarán" o "volverán por una oferta suculenta e irrechazable". Pero en realidad, el final de los Beatles había sido simple y rotundamente eso: El final de los Beatles.

En la vida hay que quedarse siempre con los bueno, y lo bueno en este caso es que los cuatro tuvieron la oportunidad de expresarse en solitario, de probar otras cosas, y en el caso de John Lennon esa experiencia le llevó a Nueva York, a concienciarse sobre los problemas sociales, las desigualdades y el racismo todavía imperante en muchos aspectos de la sociedad estadounidense. Y cuando por fin más integrado estaba en la sociedad y en la ciudad que nunca duerme, el 8 de diciembre de 1980 un tipo llamado Mark David Chapman truncó cualquier esperanza de poder ver hacia dónde se habrían dirigido el Lennon músico y, simplemente, el John persona. No hay marcha atrás posible en la muerte, ni segundas oportunidades. No hubo "solución con el paso del tiempo", ni se le pudo hacer volver del más allá por una "oferta suculenta e irrechazable".

 

John Lennon ya no está con nosotros, aunque siempre estará en nuestro recuerdo. Y podremos traerle de nuevo, siempre que queramos, en iniciativas como este #MesJohnLennon que también, estos días, toca a su fin, y gracias al cual hemos hecho un extenso y emotivo repaso a todos sus discos en solitario, para recordar una vez más tanto la brillantez de sus momentos más álgidos, como los arriesgados desvarios sonoros en los que se sumergió en ocasiones, con los que fuimos indulgentes y comprensivos como lo seríamos con un hijo pródigo en el que siempre creeremos, porque le vimos crecer y deslumbrarnos con la irrepetible magia de sus canciones.

En unos días desvelaremos la identidad del nuevo protagonista del mes de 7días7notas, otro genio indiscutible de la música, con curiosas conexiones con el último Lennon y su trágico final. De hecho, cuenta la leyenda que el asesino de Lennon manejaba como alternativa, en el caso de que el plan de matar a Lennon no fuera factible, asesinar a este otro gran mito de la música, con el que Lennon había colaborado en uno de sus discos recientes, y que se encontraba precisamente en Nueva York haciendo su propia transición hacia el exilio de la Gran Manzana, protagonizando una obra teatral sobre la desdichada vida del conocido como "Hombre Elefante".

Un país, un artista: Cabo Verde - Cesária Évora

 

Cesária Évora

     El país elegido en esta ocasión por nuestros queridos seguidores ha sido Cabo Verde, y una de las artistas más influyentes del país y a la que vamos a dedicar este espacio no puede ser otra que la maravillosa Cesária Évora, quién llegó a ganar un premio Grammy, dejando además un gran legado en el país africano.

Cesária Évora, conocida como la "Diva descalza" o la "Reina de Morna", nace el 27 de agosto de 1941 en una pequeña ciudad portuaria llamada Mindelo, situada al norte de la isla de Sao vicente, en Cabo Verde. su padre, Justino da Cruz Évora, músico a tiempo parcial, fallece cuando ella tiene únicamente 7 años. Tres años después del fallecimiento de su padre ingresa en un orfanato pues su madre Joana no puede hacerse cargo y criarla a ella y su cinco hermanos. 

Cesária se cría musicalmente en Casa de Mindelo, in popular sitio donde se realizan actuaciones en vivo, y que desde 1940, y hasta 1970 ve crecer a muchos artistas del país además de Cesária, entre los que se encuentran Djô D'Eloy, Bana, Eddy Moreno, Luis Morais y Manuel de Novas. En la década de lo 60 comienza a cantar en los cruceros portugueses que arriban en Mindelo y comienza a trabajar también en la radio. 

Será en la década de los 80 cuando Cesária alcance el reconocimento internacional. En 1985 es nvitada a actuar por su compatriota Bana en Portugal, que al igual que Cesária es especialista en la interpretación del estilo Morna. La Morna es un género musical y de danza originario de Cabo Verde, las letras suelen estar escritas en el lenguaje originario del país, criollo caboverdiano, y la instrumentación suele incluir cavaquinho (pequeño instrumento de cuerda portugués perteneciente a la familia de la guitarra), clarinete, acordeón, violín, piano y guitarra. La Morna está considerada como la música nacional de Cabo Verde, y su máximo expnonente mundial es precisamente Cesária Évora. Será en ese viaje a Portugal, precisamente en Lisboa, donde es descubierta por el  productor musical José da Silva, quien la invita a grabar en parís.

En 1987 graba su primer disco de estudio, Cesária, donde colaboran Tito Paris a la guitarra y Luis Morais al clarinete. El álbum será reeditado en 1995 bajo el título audophile Legends. Pero habrá que esperar al año 1988 para que la carrera de Cesária empiece a despegar, con el lanzamiento de La Diva Aux Pieds Nus, grabado en Francia y editado por el sello indepependiente Lusafrica, con el que vende más de 3.000 copias. A este disco le siguen Distino di Belita (1990) y Mar azul (1991), también editados con el sello Lusafrica. 

En 1992, con su álbum Miss Perfumado consigue vender más de 300.000 copias. El disco incluye uno de su temas más conocidos, Sodade, compuesto por el compositor caboverdiano Armando Zeferino Soares, tema que nos describe la nostalgia que exprimentan los emigrantes caboverdianos que se dedican a la mar. Más concretamente se refiere la migración que sufrió una pequeña parte de la población de Cabo Verde, como jornaleros hacia Santo Tomé, la capital del país vecino Santo Tomé y Príncipe, ocurrida durante el regimen autoritario de Portugal sobre sus antiguas colonias. En 1996 publica Cesária, con su sello de siempre, Lusafrica. El disco, que consta de canciones de Morna y Coladeira, géneros musicales del país caboverdiano, vende más de 100.000 copias en Francia, y más de 150.000 en estados Unidos. El disco consigue la primera nominación de la artista a los premios Grammy en la categoría de World Music en 1996. 

En 1997 gana los premios KORA All African Music Awards en tres categorías, "Mejor artista África Occidental", "Mejor Álbum" y "Mérito del Jurado", gracias a su álbum Cabo verde. En 1999 publica Café Atlántico, en referencia a su hogar, Casa Mindelo, donde creció musicalmente, y en 2001 publica Sao Vicente Di Longe, disco con el que llega al puesto número 32 enlas listas de ventas suizas, donde permanece durante 11 semanas. Será con su disco Voz D'Amor, publicado en 2003 con su sello de siempre, Lusafrica, con el que consigue ganar un premio Grammy en 2004 en la categoría al Mejor Álbum de Música del Mundo Contemporánea. El álbum además alcanza el puesto número 3 en las listas de ventas de Polonia, siendo el primer artista del país africano en alcanzar el top 10 en dichas listas. Tambén acanza el puesto número 2 en la lista de Álbumes Mundiales Billboard 200, y el puesto 57 en las listasde ventas suizas. El disco consigue vender más de 400.000 copias en todo el mundo. 

En 2006 Cesária se une al proyecto del periodista compositor y productor italiano Alberto Zeppieri, y se asocia con los músicos Gianni Morandi, Gigi D'Alessio y Ron. Dicho proyecto pretende dar visibilidad al Programa Mundial de Alimentos de la ONU y recaudar fondos para dicha organización, de la cual es embajadora desde 2003. Ese mismo año publica su penúltimo álbum de estudio, Rogamar, con el que sigue asentándose en el mercado europeo, alcanzando el puesto numero 4 en las listas polacas, el 17 en Francia, el 19 en Portugal, el 23 en Bélgica y el 38 en Suiza. En 2008, durante una gira por asutralia, Cesária sufre un derrame cerebral que merma sus facultades físicas. Aún así, en 2009 graba su úndecimo y último álbum, Nha Sentimento, bajo la producción de José da Silva. Éste último trabajo es grabado en Mindelo y parís, y alcanza el puesto número 86 en Polonia y el 21 en Francia. 

Lamentablemente, tras el derame cerebral sufrido en 2008, sumado a un infarto sufrido en 2010, hacen que en septiembre de 2011 Cesária Évora, a través de su agente, anuncie el final de su carrera por problemas de salud. Desgraciadamente, el 17 de diciembre de 2011, Cesária Évora, fallece a consecuencia de un cuadro de insuficiencia respiratoria e hipertensión. Se iba la "Reina de Morna", la Diva descalza que actuaba siempre con los pies desnudos, y que fue la mayor embajadora del país caboverdiano en la divulgación del género de la Morna. 

Tal ha sido su impacto y su legado que recibió la Gran Cruz de la Orden del Príncipe Enrique, en Portugal en 1999. En 2003 Cabo Verde lanza una edición de sellos donde aparece la imagen de la artista; en 2014 el Banco de Cabo Verde presenta una serie de billetes que honran la figura de la artista, apreciendo en un nuevo billete de 2000 escudos; en 2019, Google honra la figura de Cesária con la alteración de su logotipo (Doodle) en Canadá, y en algunas naciones aruopeas, africanas y asiáticas; en 2019, Madonna, en su gira mundial Madame X Tour, interpreta uno de los temas más conocidos de la artista, Sodade, en casi todos los conciertos de la gira. 

En 2012, el Aeropuerto de Mindelo, el tercero más transitado del país, recibe el nombre de la artista, se erige una estatua de ella en la entrada de la terminal y se reaiza un mural también en dicha terminal; desde 2014, una calle del Distrio 19 de parís lleva el nombre de la artista; un colegio del barrio parisino de Montreuil lleva su nombre desde 2014; una calle de la capital de Cabo Verde, Praia, lleva también su nombre desde 2014; y dos especies de fauna del país caboverdiano llevan su nombre en su honor, una mariposa de la familia de Lycaenidae, llamada Chilades evorae, y una especie de babosa marina llamada Aegires evorae. 

Todo esto nos da una idea de la importania y dimensión de la "Diva descalza" y su importancia en la divulgación interncional de la cultura caboverdiana y del género musical de la Morna y otros estilos del país africano. 

Estatua de Cesária Évora en aeropuerto de Mindelo, Cabo Verde

John Lennon - Milk and Honey (Mes John Lennon)

 

Estamos ante un álbum muy interesante, más si te gustan las canciones de Yoko Ono, ya que las que hizo para éste álbum están un escalón por encima de las que publicó en Double Fantasy, ya que en sus apariciones poco a poco vas sintiendo ese dolor que proviene de lo más profundo de su alma, haciendo hincapié en la muerte de John, su voz frágil y defectuosa y sus composiciones retorcidas en este álbum realmente te atrae, ya que refleja con precisión el abandono total y el dolor que debe haber sentido después de la desgarradora experiencia de la muerte de John. Uno de los ejemplos es "You are the one", una vez que has superado los extraños efectos vocales y las densas capas de sonido, se convierte en una de las canciones de amor perdido más emotivas que he escuchado. El resto de canciones de Yoko Ono fueron escritas mientras John aún estaba vivo, así que, aunque no tratan de su fallecimiento, adquieren una extraña sensación agridulce en lo que respecta al tema. "Let Me Count the Ways" es una cancioncita de amor perfecta en cuanto a melodía, pero la calidad del sonido no es demasiado buena, como en el resto del álbum. “Your Hands”, es otra de las grandes, una canción con un sentimiento y letra japoneses muy especial, realza su figura y demuestra sin duda alguna, que estamos en los picos más altos de su talento. "Sleepless Night" demuestra que realmente la voz de Yoko Ono tenía un gran potencial y haciendo ostentación de esa voz temblorosa que se te clava. "Don't Be Scared" es una canción donde se ve claramente la influencia de su estancia en las Bermudas dentro, con un acompañamiento que recuerda levemente el trabajo de Bob Marley. El mensaje de Yoko de no "tener miedo de amar" es saludable, pero las voces susurrantes amortiguan el atractivo de la canción.

Las canciones de John también son divertidas y lo bueno es que se complementan perfectamente con las de Yoko Ono. Ahí tenemos a "Grow Old With Me” (que puede hacer un duo perfecto con "Let Me Count The Ways") donde encontramos una melodía muy bella que se trasforma en angustiosa al escucharla hoy, dado que sabemos cómo nos lo arrebataron. "Nobody Told Me" es una canción clásica, animada, divertida y muy agradable donde podemos comprobar como John se estaba divirtiendo haciendo aquello que amaba. "I Don't Want To Face It" y "Borrowed Time" reflejan sus miedos (comprensibles) de enfrentarse al mundo exterior, la idea de que todos "vivamos en un tiempo prestado" junto con la gran narración de John hace de está una canción muy interesante, los toques tropicales de calipso y los ritmos del reggae se sumaron al atractivo de esta pista. "I'm Stepping Out" es realmente una de mis favoritas él, las inflexiones vocales durante la canción son realmente pegadizas, el rango agudo que alcanza en el coro (y en algunas otras canciones también) es bastante impresionante, está entre las mejores canciones del álbum. Además de la maravillosa línea de bajo (que honestamente me recordó a "Silly Love Songs" de McCartney), disfrutas de la energía despreocupada de John en las voces. "(Forgive Me) My Little Flower Princess" es altamente conmovedora.

Lo más impresionante de los temas que componen el disco es que la mayoría son demos inacabadas grabadas unas semanas después de Double Fantasy. El hecho de que la banda y la voz de John suenen tan bien es un verdadero testimonio del talento del hombre. Este álbum muestra que John estaba en un período muy creativo antes de morir y que estaba listo para ofrecer buena música, una nueva era en su carrera había comenzado tras su ausencia de cinco años ¡que lástima! Uno esperaría que este disco hubiera solo los descartes de Double fantasy, pero no, no lo son, las canciones son realmente buenas para ser descartes, estoy seguro de que si estuviera vivo haría pronto un nuevo álbum genial.

Para finalizar y como conclusión quería comentar que tras su audición veo que uno de los platos fuertes del álbum es que retrata a una pareja de clase media ordinaria proyectando su vida, un disco sencillo que muestra sus pensamientos, su amor, sus dificultades, la experiencia que vivieron al envejecer. En pocas palabras están diciendo que no sabemos qué está mal o qué está bien, simplemente vivimos una vida normal y tratamos de estar bien, algo que los separa de la actitud de finales de los 60 y principios de los 70.

La música en historias: Los Músicos de sesión XV

 

     Muchos músicos de sesión se especializan en tocar instrumentos comunes como la guitarra, bajo, batería o piano, otros se especializan en determinados instrumentos, de metales, de viento de madera y cuerdas. Además, muchos de ellos tocan varios instrumentos, lo que les permite abarcar una amplia gama de géneros y estilos musicales. Vamos con la decimoquinta entrega dedicada a estos virtuosos de la música que han contribuido y contribuyen enormemente al engrandecimiento del noble arte de la música. 

Tommy Cogbill, bajista estadounidense nacido en en 1932 en Johnson Grove, Tennessee (Estados Unidos), y fallecido a causa de un derrame cerebral en 1982. La particularidad que tiene este excelente músico de estudio y sesión es que fue muy solicitado en las décadas de los 60 y 70, habiendo grabado y tocado, entre otras muchas, en zonas como Nashville, Memphis y Muscle Shoals, tres de los principales lugares donde se aglutinaban los músicos de sesión. Pero no solo allí, pues a finales de los 70 se marcha a Memphis donde trabaja como productor de discos en los American Sound Studio y forma parte de la sección de ritmo del estudio, los Memphis Boys. Dusty Springfield, Aretha Franklins, Elvis Presley, King Curtis, Kris Kristofferson, JJ Cale, Wilson Pickett, Chuck Berry, Dolly Parton, Bob Seger o Neil Diamond son sólo algunos de los artistas con los que trabajó durante su carrera.

Bill Pitman, guitarrista y bajista nacido en 1920 en Belleville, Nueva Jersey (Estados Unidos). Se interesó desde muy joven por la música, pues su padre trabajaba como bajista para para la famosa compañía de televisión NBC  en el Rockefeller Center. Esto marca a Pitman, pues a los 5 años ya tiene claro que quiere dedicarse a la música, y recibe lecciones de varios instrumentos como el piano y la trompeta, pero al final se acaba decantando por la guitarra. Mientras iba a la escuela primaria solía escaparse a la Calle 52 de Mahattan, donde escuchaba a artistas de jazz como Charlie Parker. Posteriromente sirve en la II Guerra Mundial, y a la vuelta se muda California, donde asiste al Conservatorio de música y arte de Los Ángeles. Es en Los Ángeles donde comienza su productiva carrera como musico de sesión, tocando y grabando en muchos de los discos más influyentes de la era del rock and roll. Comienza tocando durante 3 años con la banda de Peegy Lee, ya no parará su excelente carrera musical, siendo uno de los miembros más destacados del conocido The Wrecking Crew, el selecto grupo de músicos de sesión de Los Ángeles. Trabajo con gente como The Beach Boys, The Byrds, The Ronettes, Nancy Sinatra, The Mamas & The Papas, Everly Brothers, Buddy Rich y Red Callender entre otros. También desarrolló una amplia carrera tocando en la radio, y grabando para series de televisión y cine.

Vamos con un peso pesado, Willie Dixon, que decir de este músico, compositor, vocalista, arreglista y productor de blues estadounidense, uno de los compositores más prolíficos de su tiempo, y considerado junto a Muddy Waters en uno de los mayores responsables de dar forma al sonido del blues de Chicago despuésde la II Guerra Mundial. Nacido en Vicksburg, Mississippi (Estados Unidos)  en 1915, y fallecido en 1992. Criado en el seno de una familia con 14 hijos, desde bien pequeño se interesa por la música, y con 4 años canta su primera canción en la Iglesia Bautista de Springfield. Siendo adolescente cumple varias penas en granjas penitenciarias de Mississippi, siendo el responsable de introducir en aquellos centros el blues. También se dedicó al boxeo, llegando a ser campeón del peso pesado del estado de Illinois en 1937. Willie comienza su brillante carrera como músico, precisamente como músico de respaldo y sesión,  al ser fichado por Chess Records a finales de los años 40. En 1951 ya trabajaba a tiempo completo para el sello como buscador de talentos, músico de sesión y compositor. Chuck Berry, Muddy Waters, Howlin' Wolf, Otis Rush, Bo Diddley, Little Walter, Sonny Boy Williamson, Koko Taylor, Memphis Slim y Jimmy Rogers son sólo algunos de los grandes artistas con los que trabajó durante su carrera.

Otis Spann, considerado como el principal pianista de blues de Chicago de la Postguerra. No está muy clara la fecha y lugar de nacimiento, hay fuentes que afirman que nace en Belzoni, Mississipi, en 1924, y otras que lo hace en Jackson, Mississippi, en 1930. Lo que si está claro es el año de su fallecimiento,1970. Según otras fuentes, al parecer su padre, Friday Ford, era pianista; su madre, Josephine Erby, guitarrista, que había trabajado con músicos como Bessie Smith; y su padrastro, Frank Houston, era músico y predicador. Con la música corriendo por sus venas, se muda en 1946 a Chicago, donde además de tocar como solista toca con el guitarrista Morris Pejoe. Empieza a crear su característico sonido al piano, y en 1952 sustituye a Merryweather como pianista de Muddy Waters. En septiembre de 1953 graba ya como pianista de la banda de Muddy Waters, permaneciendo en la misma hasta 1968. También  trabajó como músico de sesión para Chess Records. Chuck Berry, Big Walter Horton, Muddy Waters, James Cotton, Eric Clapton, Buddy Guy, Big Mama Thornton, Peter Green, Fleetwood Mac, John lee kooker, Howlin' Wolf, Junior Wells y Sonny Boy williamson pudieron disfrutar de las habilidades al piano de este gran músico del blues de Chicago.

Pat Hare, nacido en 1930 en Cherry Valley, Arkansas (Estados Unidos), y fallecido en 1980. Guitarrista y cantante de blues, con la guitarra eléctrica tenía un estilo que se basaba en una fuerte distorsión con unos potentes acordes, estilo del que ya hacía gala en la década de los 50. Tuvo una gran influencia en la guitarra eléctrica en el género del rockabilly, y es considerado también, por su estilo, uno de los primeros y grandes precursores de la música heavy metal. Empieza su carrera en Memphis,  en los Sun Studio, grabando con artistas como Howlin' Wolf, James Cotton, Bobby Bland o Muddy Waters entre otros. En 1951 se une a la banda de Junior Parker, la Little Junior's  Blue Flames. El sólo del tema Love My Baby, grabado por Hare en 1953 inspiró el estilo rockabilly. Y su solo en el tema Cotton Crop Blues, de James Cotton, utilizando acordes de gran potencia (power chord), fue anticipando el camino que seguiría el heavy metal. Hare pasó los últimos 16 años de su vida en prisión,  donde formó una banda llamada Sounds Incarcerated. Sería allí, en prisión, donde desarrolla un cáncer de pulmón que acaba con su vida en 1980. 

El disco de la semana 205: INXS - Kick

 

INXS se había movido hasta entonces con álbumes que tenían dos o tres canciones que arrasaban, pero una vez que te metías dentro descubrías que el resto estaba muy por debajo del nivel deseado hasta que llegó Kick, por única vez, lograron conformar un disco que incluía una serie de canciones indiscutiblemente poderosas que le dieron la vuelta a la tierra, convirtiendo a estos Australianos durante un brevísimo periodo en su carrera en la banda más grande del mundo. Kick fue el álbum que le dio a INXS la atención que merecían. Va más allá del pop de los 80, combinando los atractivos ritmos del pop con líneas de bajo y guitarras de rock y la sensual voz de Hutchence, vamos a desgranarlo

 

El álbum comienza con “Guns in the sky” es atrevida e incluso pesada para los estándares de la banda del ahora ausente Michael Hutchence, suena como The Rolling Stones alrededor de 1978 cuando el punk estaba influyendo en su sonido, pero mucho más valiente. La canción habla de un programa militar nacido en 1983 en Estados Unidos con la idea era instalar armas en el espacio que pudieran interceptar misiles nucleares rusos. Estas son las "armas en el cielo" que canta el cantante principal de INXS, Michael Hutchence, en esta canción, lo que señala que es una idea estúpida que minaría los recursos de los programas que realmente podrían ayudar a la gente. “New Sensation” es una canción icónica, esa mezcla de guitarra y música de baile dio la vuelta al mundo, escrita por el cantante principal Michael Hutchence junto con Andrew Farriss, quien tocaba varios instrumentos en el grupo. A Farriss se le ocurrió un riff de guitarra que lleva la canción musicalmente; Hutchence añadió la letra de "aprovechar el día", animándonos a vivir con valentía, buscando nuevas sensaciones. Este fue el tercer sencillo del álbum Kick, que llevó a la banda a un nuevo nivel, fuera de su país de origen, Australia, tenían solo un modesto seguimiento, tras este álbum la INXSmania se extendió por todo el planeta. La oscura "Devil Inside" es una de mis favoritas, tal vez sea el sentimiento de angustia en la voz de Michael Hutchence o tal vez el riff de guitarra suave pero pesado, pero es una de las que más me apasionan. Hay un demonio dentro de todos nosotros, pero algunos lo llevan por fuera, como la mujer de la canción "criada en cuero con carne en la mente". También nos encontramos con un hombre "alimentado de nada más que lleno de orgullo", uno de los siete pecados capitales. “Need You Tonight" es sexy hasta decir basta, donde la fuerza de la guitarra es la reina de la canción, y la voz de Hutchence se desarrolla oscilante y seductora. Es una canción peculiar que con razón se convirtió en un gran éxito para la banda y está llena de ganchos irresistibles, entre ellos su atmósfera similar y el trabajo de batería. Esta fue la canción que lanzó a INXS al estrellato mundial.

 

“Mediate” es como un epílogo de “Need You Tonight” y que nos da una cátedra de rima poética con un altísimo grado de ingenio, es suave y sutil, pero se nota que ha pasado a algo nuevo. Adoro absolutamente la voz de Hutchence en este tema y la batería de Jon Farriss hace que sea la canción más pegadiza del álbum. Aunque puede ser una canción bastante corta, no deja de ser una gran canción, ya que enfrenta un ritmo funk constante con sonidos de teclado etéreos al estilo de Brian Eno. Combinado con el casi rapeo de Michael Hutchence. “The Loved One” es un blues con un riff sucio pero efectivo y con un coro para desmayarse de lo simple pero extremadamente pegadizo, pero el coro puede llegar a cansar como una canción de amor pop y la pista no es de lo mejor del álbum. "Wild Life" tiene la típica personalidad de la música de INXS: un estribillo sencillo, unas guitarras prominentes pero limpias, algunos adornos suaves pero ocurrentes y una alta dosis de sensualidad. Una canción con la que no puedes parar de bailar. "Never Tear Us Apart" es el prototipo de balada que hace que en los conciertos todos los encendedores de los presentes se enciendan automáticamente y sin chistar y que se derramen más lágrimas al escucharla que al leer las historias del holocausto, una balada poderosa con una buena orquestación que respalda a Michael Hutchence con gran acierto. Michael Hutchence, escribió la letra, que describe una conexión instantánea entre dos personas que forman un vínculo que durará para siempre. Hutchence tuvo muchas relaciones apasionadas en su vida, muchas con celebridades como Kylie Minogue y Helena Christensen, pero nunca se casó. Michael Hutchence murió en 1997 a los 37 años. En su funeral, los miembros restantes de INXS y su hermano menor Rhett sacaron su ataúd de la catedral de St. Andrews mientras sonaba "Never Tear Us Apart" de fondo.

“Mystify” me gusta bastante esta canción por su piano y solo el piano. El eco detrás de la voz de Hutchence es un buen toque, pero es muy fácil pasarlo por alto si no estás escuchando la canción con atención, es una buena canción y vale la pena escucharla. “Kick” es quizás una de las canciones más pesadas y con menos gancho del álbum, quizás porque venimos de la delicadeza del piano de Mystify y aquí no emborrachamos de ritmo acelerado y saxofón. "Calling All Nations" se basa en el ritmo de la música de baile, pero en realidad no transmite la misma energía, creo que es fallida. “Tiny Daggers” es otra de mis favoritas del disco, la cual probablemente es infravalorada por haber sido relegada hasta el no siempre afortunado última pista, suena como melodía pop de los 80 y después de toda la caña que nos ha dado, viene bien volver a respirar y mover el cuerpo

 

Canciones que nos emocionan: Maggie May - Rod Stewart

 

Maggie My, Rod Stewart

    En 1971 el cantante británico Rod Stewart publica su tercer álbum de estudio, Every Picture Tells a Story. El disco sale bajo el sello Mercury Records a la venta en el mercado británico en mayo de 1971, y en el mercado estadounidense en julio de 1971. El disco, producido por el mismo Stewart, obtiene muy buenas críticas de la prensa especialzada situando este disco como uno de los mejores de su carrera. 

El disco rápidamente se convierte en el más exito de todos los que lleva publicados hasta la fecha, alcanzando el puesto número 1 en la lista británica UK album Charts, y permaneciendo en dicha lista más de ochenta semanas consecutivas. En Estados Unidos alcanza también el número en la famosa lista Billboard 200. Hasta la fecha, el disco ha vendido más de un millón de copias. 

Incluido en el disco encontramos otros de esos temas que a mí tanto me emocionan, Maggie May. El tema en cuestión fue compuesto por el propio Rod Stewart y por el entonces guitarrista Martin Quittenton, de la banda Steamhammer. Al parecer Rod y Martin se encontraban reunidos en casa del primero, y Martin empezo a tocar unos acordes que llamaron la atención de Rod, que acto seguido comenzó a cantar la canción popular Maggie Mae, un tema folclórico de Liverpool y que trata sobre una prostituta de Lime Street, tema sobre el cuál los Beatles se encargaron de hacer su versión y grabar en su disco Let It Be. 

Aquella situación le hizo pensar a Rod sobre un encuentro que tuvo 10 años antes, un encuentro en el que perdió la virginidad. La letra de Maggie May, está inspirada en aquél primer encuentro sexual que tuvo el cantante durante el Fetival de Jazz de Beaulieu en julio de 1961, cuando tenía sólamente 16 años. Según comenta el propio Rod, a los 16 años se fue con unos amigos al Festival de Jazz de Beaulieu en New Forest, Hampshire (Inglaterra) y logra colarse. Fue allí, en un lugar apartado del cesped donde tiene su primera experiencia sexual con una mujer bastante mayor que él. Una mujer que seguramente acabaría decepcionada por la brevedad de la experiencia, ya que Rod estaba muy nervioso y aquella experiencia apenas duró unos segundos. El tema alcanzó el puesto número 1 en la lista UK Singles Chart del Reino Unido, permaneciendo en dicha lista 21 semanas consecutivas. También alcnazó el primer puesto en los Billboard Hot 100 de Estados Unidos, y entró en el top en países como Alemania, Suiza, Irlanda y Países Bajos.

Wake up, Maggie, I think I got somethin' to say to you

It's late September and I really should be back at school

I know I keep you amused, but I feel I'm being used

Oh, Maggie, I couldn't have tried any more

You led me away from home

Just to save you from being alone

You stole my heart and that's what really hurts

The mornin' sun when it's in your face really shows your age

But that don't worry me none, in my eyes, you're everything

I laughed at all of your jokes, my love, you didn't need to coax

Oh, Maggie, I couldn't have tried any more

You led me away from home

Just to save you from being alone

You stole my soul, and that's a pain I can do without

All I needed was a friend to lend a guiding hand

But you turned into a lover, and mother, what a lover, you wore me out

All you did was wreck my bed, and in the morning, kick me in the head

Oh, Maggie, I couldn't have tried any more

You led me away from home

'Cause you didn't wanna be alone

You stole my heart, I couldn't leave you if I tried

I suppose I could collect my books and get on back to school

Or steal my daddy's cue and make a living out of playin' pool

Or find myself a rock and roll band that needs a helpin' hand

Oh, Maggie, I wished I'd never seen your face

You made a first-class fool out of me

But I'm as blind as a fool can be

You stole my heart, but I love you anyway

Maggie, I wished I'd never seen your face

I'll get on back home one of these days

Ooh, ooh, ooh

John Lennon - Double Fantasy (Mes John Lennon)

 

Hace 40 años, John Lennon y Yoko Ono lanzaron su álbum de regreso, Double Fantasy. Esta publicación marcó el primer lanzamiento de Lennon desde su retiro autoimpuesto de cinco años del negocio de la música en 1975, tiempo durante el cual se describió como un "marido de casa" y paso eso años en Manhattan criando al hijo de la pareja, Sean, mientras Yoko administraba las finanzas de la pareja. Tras el lanzamiento del álbum, Lennon hizo una entrevista en la que dijo que sus canciones en Double Fantasy salieron solas. Contrariamente a lo que Lennon le dijo a la revista, la mayoría de la música de Double Fantasy en realidad data de varios años atrás, y no fue la única música que compuso durante su "retiro". Lennon había comenzado a grabar demos en 1976 para un par de proyectos que nunca vieron la luz del día: un séptimo álbum de estudio no realizado llamado Between The Lines, y un musical basado en su vida con Yoko, llamado The Ballad Of John And Yoko. La música y las letras de ambos proyectos inconclusos se abrieron camino en las canciones firmadas por Lennon en este disco

Cuando Lennon viajo a las Bermudas en junio de 1980, trajo consigo una guitarra acústica y docenas de cintas de casete grabadas, que contenían fragmentos de canciones, que finalmente se convirtieron en "(Just Like) Starting Over" y "Beautiful Boy (Darling Boy)", allí fue también donde compuso "Woman", una canción a la que en broma se refirió como "la pista de los Beatles" debido a sus armonías intrincadas y relajantes. Estas canciones, junto con "Watching The Wheels" ya terminada, se convirtieron en la base de Double Fantasy.Después de varios días de preproducción con los músicos en el apartamento de la pareja en el Upper West Side, el Dakota, y en los estudios SIR, John y Yoko comenzaron oficialmente a grabar Double Fantasy el 7 de agosto de 1980 en Hit Factory en West 54th Street entre las avenidas Ninth y 10th. .

 

Durante esas sesiones, grabaron material suficiente para dos álbumes, uno que se lanzaría en otoño y otro llamado Milk And Honey, que se lanzaría en la primavera de 1981. Para garantizar su libertad artística, los Lennon's decidió financiar el álbum ellos mismos y luego firmar con la compañía discográfica con la oferta más alta. Finalmente firmaron con Geffen Records distribuido por Warner Brothers, por millones menos de lo que ofrecían los sellos principales, únicamente porque el suyo era el único sello que no exigía escuchar primero las cintas completas y Geffen se acercó a Yoko personalmente.

 

Cuando Double Fantasy finalmente se lanzó el 17 de noviembre de 1980, las críticas fueron variadas. Algunos críticos criticaron a Lennon porque creían que las canciones de Double Fantasy mostraban que había perdido su personalidad porque muchas de las canciones trataban sobre las alegrías de la paternidad y la felicidad doméstica. Y, en un extraño cambio, las pistas de Yoko, que en realidad fueron arregladas por Lennon, recibieron muchas críticas favorables por lo que algunos críticos llamaron su uso innovador de ritmos de baile orientados al funk. El 8 de diciembre de 1980, el día en que Lennon fue asesinado, el primer sencillo del álbum, "(Just Like) Starting Over", había alcanzado el número seis en la lista de sencillos y Double Fantasy acababa de llegar a las listas de álbumes. Menos de tres semanas después de la tragedia, el 27 de diciembre de 1980, "(Just Like) Starting Over" encabezó el Billboard Hot 100 durante la primera de cinco semanas, mientras que Double Fantasy llegó a la cima de las listas de álbumes durante ocho semanas.  Después de la muerte de Lennon, se lanzaron otros dos sencillos de Double Fantasy : "Woman", que pasó al número dos, y "Watching The Wheels", que alcanzó el puesto número diez. El 24 de febrero de 1982, Double Fantasy recibió el premio Grammy de 1981 por Álbum del año. La ceremonia marcó la primera aparición pública de Sean Lennon, de seis años, cuando acompañó a su madre al podio para recoger el premio.

 

El primer sencillo, "(Just Like) Starting Over", es una buena canción, pero lejos de lo que Lennon nos había entregado, demasiado contenido lírico. Para compensar encontramos “Watching the Wheels" y "Woman", sin duda dos de sus mejores canciones tras sus trabajos en The Beatles. "Watching the Wheels" es una canción sobre el artista reflexionando sobre la mediana edad (Lennon tenía 40 años cuando se lanzó el álbum y en el momento de su muerte). Y si alguna vez has estado enamorado, me refiero al amor real, entonces conoces el sentimiento que está incrustado en "Mujer". Lennon ha admitido que la canción no era solo para Ono, sino que estaba destinada a todas las mujeres.

40 años después, Double Fantasy es un buen álbum, tiene un par de canciones realmente geniales. Pero el asesinato de John Lennon y Double Fantasy están indisolublemente vinculados. Evaluar el álbum independientemente del asesinato, incluso 40 años después, es imposible.

Un país, un artista: Canadá - Rush

Rush

 

     Cuando me comunicaron que era el elegido para reseñar el país de Canadá en la sección de "Un país, un artista", me entró una gran alegría, tierra de tantos y grandes artistas. Pero inmediatamente me entró un frío escalofrío por el cuerpo, ¿Qué grupo merecía reseña como representante de un país donde la música se respira por  todos sus rincones? Inmediatamente me vinieron a la cabeza infinidad de artistas, como Neil Young, uno de los músicos y compositores más influyentes de su generación, y que empezó su carrera allá por el año 1960 en grupos como The Squires, The Mynah Birds y Buffalo Springfield; Alanis Morisette, cantante, guitarrista, compositora, productora y actriz, con una trayectoria musical imparable desde la década de los 90; The Band, la banda de acompañamiento de Bob Dylan, grupo en el que todos sus miembros fundadores (Rick Danko, Garth Hudson, Richard Manuel y Robbie Robertson) menos uno (Levon Helm, Estados Unidos) eran canadienses; Arcade Fire, uno de los grupos más representativos de la escena indie rock actualmente; Buffalo Springfield, la banda de Neil Young, Stephen Stills y Richie Furay; Crosby, Stills, Nash & Young, la maravillosa formación que empezó como trío sin Young, pasando a ser cuarteto  con la incorporación de éste; The Guess Who, la genial formación de rock que empezó su actividad en 1965 y que a día de hoy sigue dando caña; Nickelback, uno de los grupos de rock  más exitosos de Canadá en el apartado comercial; Triumph, banda de hard rock que contó con una gran popularidad a finales de los años 70 y comienzos de los 80...

Sin duda todos los anteriormente mencionados merecen ser reseñados, por su gran importancia y aportación al mundo de la música como representantes y abanderados del país canadiense. Pero al final me he decantado por un grupo que ha marcado una era en el hard rock y el rock progresivo, y en la experimentación de otros sonidos, tanto dentro como fuera de Canadá, y que ha sido fuente de inspiración para grupos como Metallica, The Smashing Pumpkins, Dreamtheater, Primus ó Queensrÿche entre tantos otros. Con todos vosotros Rush:

Rush da sus primeros pasos en un barrio de Toronto, Ontario (Canadá) llamado Willowdale, cuando se juntan tres amigos, Alex Lifeson (guitarra), Jeff Jones (Voz y bajo) y John Rutsey (batería). Aunque este primer proyecto dura apenas dos semanas, lo que tarda en ser sustituido Jeff Jones por  otro amigo del colegio, Geddy Lee, que se hace cargo de las tareas de vocalista, bajo y teclados. El grupo comienza sus andanzas curtiéndose en pequeños  bares y locales, y en 1973 logran publicar su primer sencillo, Not Fade Away, un cover de Buddy Holly, como cara A, y You Can't fight It, una composición propia del grupo. La floja acogida y escaso éxito del sencillo, unido a las diferencias del grupo con la discográfica con la que estaban trabajando, hace que abandonen ésta.

El trío canadiense decide entonces crear su propio sello discográfico, el sello independiente Moon Records. Y con la ayuda del ingeniero de sonido Terry Brown consiguen sacar adelante su primer disco de estudio, Rush, un disco con grandes influencias de la escena del blues rock británico, y de bandas como Led Zeppelin. El disco pasa ciertamente inadvertido hasta que una emisora de radio de Cleveland, Ohio (Estados Unidos), la WMNS, empieza a pinchar habitualmente el tema Working Man, incluido en éste primer disco. La culpable de que el tema suene en la radio es la por entonces directiva y disc jockey de la emisora Donna Halper. El álbum empieza a ganar cierta popularidad y reconocimiento dentro del mundillo del rock, hasta el punto de que el sello discográfico Mercury Records se interesa por ellos y relanza el disco en Estados Unidos. 

Después del lanzamiento de su primer disco el grupo sufre un contratiempo, su baterista, John Rutsey tiene que ser sustituido por problemas de salud derivados de su diabetes. Después de realizar varias audiciones, el 24 de julio de 1974 el grupo escoge a Neil Peart, el cual pasa a ser oficialmente miembro de la banda. Peart es la pieza que le falta a Rush para empezar a forjar su leyenda y convertirse en una de las mejores bandas de rock progresivo de la historia. La aportación de Peart en la composiciones es crucial, pasando a ser el principal letrista de la banda. Las composiciones de la banda comienzan a ser muy complejas y eclécticas donde predominan la fantasía, la ciencia ficción y la filosofía, si bien también tienen espacio para la temática social, humanitaria y medioambiental. El grupo va evolucionando su sonido, y si en sus inicios el grupo tiene claras influencias del heavy metal y el blues, van evolucionando hacia el hard rock y el rock progresivo.

En 1975 publican su segundo álbum de estudio, Fly By Night, donde empiezan a hacer gala de la complejidad de sus composiciones. Como muestra el tema By-Tor and the Snow Dog, una pequeña historia épica repleta de arreglos y de varias partes. El disco supone el debut a la producción del grupo de Terry Brown, y el trío empieza  a coquetear ya con el rock progresivo. Su siguiente disco, Caress of Still, publicado a finales de 1975, supone el asentamiento de la banda dentro del rock progresivo, pues el disco contiene únicamente 5 temas, y dos de ellos con varias partes, The Necromancer y The Fountain of Lamneth. Sin embargo el disco supone un fracaso comercial, pues vende menos discos que el anterior trabajo de la banda, algo a lo que el grupo no da demasiada importancia, pues le preocupa  más la gran evolución musical que está experimentado, que la comercial.

Año 1976, el grupo tiene serios problemas financieros y su sello discográfico, Mercury Records, tiene la intención de abandonarlos a sus suerte. Pero el mánagr de la banda, Ray Danniels, consigue que la discográfica les de cuartel y ésta les concede la grabación de otro álbum, pero le exige a la banda que el material sea más comercial. Mercury no cuenta con que Lee, Lifeson y Peart, lejos de arrugarse, prima para ellos por encima de todo la calidad en el apartado musical, y con la ayuda de su productor de confianza, Terry Brown, publican su cuarto disco de estudio, 2112, en marzo / abril de 1976. La banda, pese a estar en un momento crucial, con su futuro en juego, no ha cedido ante las exigencias de Mercury Records, pues quieren seguir evolucionando pase lo que pase, y 2112 es una buena muestra de ello, pues se convierte en una de las obras maestras del rock progresivo. Un disco donde podemos encontrar el ya legendario tema que da nombre al disco, 2112, con una duración de más de 20 minutos, ocupa toda la cara A y que se basa en la novela Himno, del novelista judío-estadounidense nacido en Rusia Ayn Rand, una auténtica obra de arte. El pulso da la razón al trío, pues el disco se convierte en su primer gran éxito en ventas, consiguiendo su primer disco de platino en casa, Canadá, lo que les permite realizar una gira que culmina con tres actuaciones en el Massey Hall de Toronto.

La banda decide establecerse en el Reino Unido, y allí siguen su evolución musical dentro del género progresivo. Una evolución que podemos apreciar en sus siguientes trabajos, A Farewell to Kings (1977) y Hemispheres (1978), con el uso de sintetizadores, largas composiciones conceptuales con temáticas de fantasía y ciecia ficción, experimentaciones con guitarra clásica, guitarras de doce cuerdas, sintetizadores con pedales, triángulos, cencerros, timbales de concierto, gongs, etc. En 1980 el trío sorprende con su siguiente trabajo, Permanent Waves (1980), con un cambio drástico de su estilo, y con la inclusión de otros elementos como el reggae y el new wave. Si bien sigue patente el hard rock en sus composiciones, cada vez es mayor el uso de sintetizadores. Las composiciones son más cortas, lo que ayuda a que temas como The Spirit of Radio ó Firewell sean pinchadas en la emisoras de radio, y el disco se convierta en el primer trabajo de la banda que entra en el Top 5 en la listas de ventas de Estados Unidos.

El grupo parece que ha encontrado el equilibrio entre la calidad de sus composiciones y el éxito en la ventas, lo que se verá reflejado con su disco Moving Pictures (1981), con el que alcanzan su mayor grado de popularidad, con temas que siguen estando en la órbita del rock progresivo, pero son más accesibles y comerciales, como es el caso del tema principal de la banda, Tom Sawyer, y quizás su tema más conocido, ó Limelight. Este será el último álbum de la banda en tener una canción larga, The Camera Eye, con más de 10 minutos de duración. El disco alcanza la certificación como cuádruple disco de platino en Estados Unidos y se sitúa en el puesto número 3 de la lista Billboard 200. En octubre de 1981 pubican su segundo disco en directo, Exit...Stage left, donde se muestra el lado más progresivo de la banda, y que recoge temas de sus giras Permanent Waves y Moving Pictures. Con éste directo cerrarán su etapa más progresiva, pues a partir de aquí volverán a dar otro giro de tuerca...

Con Signals (1982), la banda se adentra un estilo de rock sinfónico electrónico, marcado por el predominio de las líneas de sintetizador y sólos de guitarra minimalista que podemos apreciar en temas como Contdown o Subdivisions. Pero también coquetean con el reggae, el funk o ska en temas como The Weapon, Chemistry o Digital Man. Este disco será el último producido por Terry Brown, pues el trío no queda satisfecho con el trabajo de producción que ha hecho y decidirá prescindir de sus servicios.  El grupo contrata al productor Steve Lillywhite, prestigioso productor que ha trabajado durante su carrera con artistas de la talla de U2, The Rolling Stones, The Killers, Peter Gabriel, Talking Heads, The Pogues y Simple Minds entre otros muchos, y se ponen a trabajar para publicar Grace Under Pressure (1984). El título del disco es obra de Peart, que son unas palabras que toma prestadas de Enerst Hemingway para contestar a la bibliógrafa Dorothy Parker cuando le pregunta al trío por el despido de Terry Brown y lo que pasa posteriormente. El problema surge cuando el productor Steve falta a su palabra de producir el disco de Rush y se marcha a trabajar con Simple Minds. El grupo queda en una posición incómoda, pero reacciona y ficha a Peter Henderson. Como ocurrirá en toda la década de los 80, el uso de los sintetizadores de Lee y las nuevas teconologías son la piedra angular de un disco donde, aunque ya menos, podemos percibir todavía influencias del reggae, funk y ska. 

Después de la solución de urgencia a la producción, el grupo contrata a Peter Collins (Gary Moore, Bon Jovi, Queensrÿche, Alice Cooper, Suicidal Tendencies entre otros) y publican Power Windows (1985) y Hold You Fire (1987). Ambos trabajos siguen la tendencia del uso de sintetizadores, y el uso de procesadores para la guitarra. Tanto los seguidores como la crítica consideran estos trabajos por debajo de los anteriores, algo que se nota en ventas, pues aunque Hold You Fire supera la certificación de disco de oro, no llega a ser platino, como Power Windows y sus 4 anteriores trabajos. El grupo es consciente, y con la publicación de su tercer álbum en directo, A shadow of Hands (1989), y la finalización de su contrato con Mercury Records cierran otro ciclo. Mercury aprovecha la finalización del contrato en 1990 para hacer caja y publicar el recopilatorio Chronicles.

El grupo ficha por Atlantic Records y bajo la producción de Rupert Hine (Tina Turner, Chris De Burgh, Stevie Nicks, Suzanne Vega) publican Presto (1990) y Roll The Bones (1991). El grupo sacrifica el sonido saturado de los teclados, que es la base de sus anteriores trabajos, y gana protagonismo el sonido de la guitarra, con un sonido claramente orientado hacia el rock. El grupo no deja de experimentar con otros estilos como en sus discos anteriores, como el funk o el hip hop, e incluso el jazz. Este cambio orientado hacia el rock se verá consolidado en sus posteriores trabajos, Counterparts (1993) y Test for Echo (1996), trabajos que sin llegara ser rock progresivo como tal, se le acerca bastante, y donde se puede apreciar la evolución de Peart a la batería que empieza a introducir elementos de jazz y swing. En junio de 1996 el grupo se embarca en una gira estadounidense, ellos solos, sin teloneros, que acabará en julio de 1997. 

La banda sufrirá un duro revés que provocará que ésta se disuelva y permanezca unos cinco años retirada hasta su vuelta. Los principales motivos de la disolución son las desgracias personales que sufre Neil Peart. En agosto de 1997 fallece en accidente de coche su hija Selena, y un año después fallece su mujer Jackie Taylor a causa de un cáncer. Peart decide entonces retirarse, y decide realizar un viaje en motocicleta recorriendo Estados Unidos, recorriendo más de 88.000 Km. Dicho viaje queda reflejado en el libro que decide publicar, Ghost Rider: Travels on the Healing Road. En noviembre de 1998 la banda publica un triple CD en directo llamado Different Stags, en honor a la memoria de la hija y la mujer fallecidas de Peart. Durante ese periodo de reflexión Peart conoce a la fotógrafa Carrie Nuttal, con la que se casa en septiembre de 2000. Un año después, en 2001, Peart comunica a sus compañeros Lee y Lifeson que está preparado para volver. 

Pear, Lee y Lifeson se meten en el estudio, y con Paul Northfield a los mandos de la producción el grupo publica Vapor Trails (2003). La particularidad que tiene este disco es que no contiene ningún sonido de sintetizador, órgano ni teclado, cosa que no sucedía desde principios de los años 70. Este disco se convierte en el que más tiempo le lleva al grupo componer y producir, catorce meses, y siendo un disco donde predomina la guitarra, no contiene ni un sólo de la misma. El álbum obtiene buenas críticas, y el grupo se embarca en una gira después de 6 años de la última. En octubre de 2003 se edita un triple CD y DVD llamado Rush in Río, que contiene el concierto que la banda da en el estadio de Maracaná de Río de Janeiro, el 22 de noviembre de 2003. En 2004 la banda lanza el EP llamado Feedback para celebrar el treinta aniversario de la formación, grabado en los suburbios de Toronto, y que contiene ocho covers de artistas como Cream, The Who o The Yairdbirds entre otros. Y en noviembre de 2005 el grupo publica un DVD llamado R30: Live in Frankfurt, grabado en un concierto de la banda en septiembre de 2004 en el Festhalle de Frankfurt, Alemania. El grupo ha vuelto a tope y su actividad es frenética.

A finles de 2006 el grupo contrata al productor Nick Raskulinecz para que les ayue a coproducir su próximo trabajo, y se marchan a los estudios Allaire, en Shokan, Nueva York. Como adelanto al álbum, que se llama Snakes & Arrows, se publica en marzo de 2007 el sencillo Far Cry, teniendo muy buena aceptación en ventas. El 1 de mayo de 2007 se publica el álbum en Estados Unidos, el cual obtiene una gran recepción, vendiendo más de 90.000 copias sólo en la primera semana. El 13 de junio de 2007 Rush comienza la gira de apoyo del disco, Snakes And Arrows Tour, finalizando la primera parte de la misma en octubre de 2007 en Finlandia. La segunda parte comienza en abril de 2008 y finaliza en julio de 2008. En abril de 2008 el grupo lanza un doble disco en directo que documenta la primera parte de la gira, Snakes & Arrows Live, y lanza una serie de DVD's con actuaciones de su gira por Países Bajos, y Atalanta (Estados Unidos). Hacia el final de la gira, el grupo realiza su primera aparición televisiva en Estados Unidos, concretamente el 16 de julio de 2008, en el programa The Colbert Report, donde el presentador Stephen Colbert les entrevista, y luego tocan el tema Tom Sawyer. Ese mismo año también hacen un cameo en la película estadounidense de comedia I Love You Man, dirigida por John Hamburg, y protagonizada por Paul Rudd y Jason Segel.

El 29 de junio de 2010 la banda se embarca en una extensa gira llamada Time Machine Tour, una gira que prolongarán al realizarla en dos partes, finalizandola en julio de 2011, y de la que publican Tim Machine 2011: Live in Cleveland. Un año después, en junio de 2012 el grupo publica el que será su último álbum de estudio, Clockwork Angels, disco que obtiene una buena aceptación del público, pues alcanza el puesto número 1 en la listas de Canadá y vende más de 200.000 duante la primera semana. La trama del disco es escrita por el novelista de ficción Kevin J. Anderson, amigo de Neil Peart, y nos relata la historia de un joven que persigue sus sueños, batallando contra el caos, y donde le personaje de el relojero es el enemigo del protagonista, pues impone precisión a cada aspecto de su vida. El disco también obtiene muy buena aceptación de la crítica, destacando que el disco no ha perdido los grandes riffs que hicieron famosa a una banda que después de más de 35 años en la brecha siguen ganando multitud de seguidores. 

El 28 de noviembre de 2013 Geddy Lee anuncia que tras la gira de presentación del álbum, Rush se va tomar un año de descanso. Tras numerosas especulaciones sobre la artritis y tendinitis crónica de Neil Peart, y sobre si la banda sólo se está tomando un descanso o no, el 7 de diciembre de 2015 Neil Peart anuncia que se retira. El 7 de enero de 2020 los amantes de la música nos despertamos con la triste noticia del fallecimiento de Neil Peart a causa de un tipo de tumor cerebral llamado glioblastoma. Nos dejaba un enorme compositor y letrista y uno de los mejores bateristas de la historia de rock. Definitivamente se ponía fín al periplo de lo candienses Rush, una de las mejores bandas de rock progresivo de la historia. Una banda que en sus inicios comenzó con influencias del blues rock británico, y que se sumergió en el rock progresivo, influenciada en sus comienzos también por el rock psicodélico británico. Una banda que siempre ha estado en constante evolución, mezclando el hard rock y el rock progresivo como nadie en la década de los 70, experimentando con la nueva ola de percusiones, sintetizadores y música electrónica y jugando con otros estilos como el funk, pop rock ó el new wave durante los 80, siendo capaz de subirse al tren del sonido alternativo durante la década de los 90, y volviendo a las raíces con la llegada del nuevo milenio, el hard rock aderezado con toques de rock progresivo.