1199.- Porque te vas - Jeanette

"Porque te vas" fue publicada por la compañía Hispavox en 1974, compuesta por José Luis Perales y producida por Rafael Trabucchelli, en el momento de su lanzamiento no alcanzó gran éxito, pasó desapercibida e inicialmente no tuvo apenas reconocimiento, hasta que Carlos Saura tuvo la brillante idea de incluirla en la BSO de su película Cría Cuervos. En 1976 se estrenó esta película con la hermosa Geraldine Chaplin y una joven Ana Torrent, la película tuvo el Gran Premio del Jurado en Cannes 76, empatada con La Marquesa de O, luego ya sabemos lo que pasó. En el momento en que formó parte de "Cría cuervos", no solo se produjo el gran impulso de Perales como compositor, sino que también contó con una amplia difusión consolidada al ganar en Cannes. Tal fue así que estuvo en el "Top 10" de países como Portugal, Alemania, Francia o Suiza, se hizo una versión en Japones y la revista "Rolling Stone" la incluyó en el listado de "Las 200 mejores canciones del pop-rock español".

Comienzo afirmando que sí, que el título de la canción no es una pregunta, no es «¿por qué te vas?», sino una afirmación, un «porque te vas» con mucho mensaje dentro y una melodía sencilla, lineal pero pegadiza. Musicalmente hablando, el acento de «porque te vas» suena en el «qué», y creo que de ahí viene la confusión la mayoría de las veces con su título, pero este punto, que si analizáramos desde un punto de vista musical estricto sería considerado un error en la forma de acoplar letra y música, a mí me parece un detalle bonito, porque este acento musical es capaz de aportar varias interpretaciones a la letra, al tono de la canción, a las imágenes que transmite y hasta a su historia. Todo comenzó en una tarde lluviosa, la inspiración de Perales nació cuando el artista pasaba unos días en Castejón, su tierra natal, la soledad en su casa de campo se sumó a la nostalgia y anhelo que produce cualquier tarde de tormenta, lo que produjo que la letra estuviese envuelta de añoranza. Habla de ese amor adolescente que cuando menos lo esperas se escapa de entre las manos, una letra y melodía que fueron compuestas de manera intencionada para una artista determinada: el cantautor explicó en 2012 en un programa de televisión mexicano que "cuando no había grabado nadie conocido canciones mías, yo soñaba que una intérprete como Jeanette, que entonces era número uno, me grabara una canción que había hecho pensando en ella. Se titulaba 'Porque te vas'. Pero aquello era simplemente un sueño". Sin duda Porque te vas es uno de los mejores, sino el mejor tema cantado por Jeanette, una instrumentación llena de desparpajo con intervenciones casi burlonas de los metales y el crash de la batería soltando inesperados trallazos arropan una voz que esta vez se aleja un tanto de la dulzura habitual para convertirse en un aire infantil y juguetón. 

1169.- Señora azul - Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán

Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán o CRAG fue un grupo de música de los años 70 de la vertiente del pop, rock, el grupo nació en 1974 con la disolución del grupo Solera, donde se encontraba Rodrigo García y José María Guzmán, Juan Robles Cánovas había estado tocando la batería con Franklin y Adolfo Rodríguez había sido cantante de Los Íberos. Con un nombre así es difícil ocultar las influencias de Crosby, Stills, Nash & Young, al igual que ellos tenían categoría y cualidades como músicos y como cantantes, y al igual que ellos, sus personalidades chocaron provocando la disolución del supergrupo a la española. Sus primeros singles ('Sólo pienso en ti', 'Señora azul') fueron destacables y prometedores, así lo reconoció la crítica, aunque no el público. Y lo mismo sucedió con sus elepés: 'Señora azul' (1974) y 'Queridos Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán'. Sus canciones eran más elaboradas e intimistas de lo habitual en la época, y seguramente la promoción no fue la adecuada y su actitud con el público demasiado estelar.

"Señora Azul" es una pieza emblemática que forma parte del álbum homónimo lanzado en 1974, compuesto por Juan Carlos Calderón y arreglado por el propio grupo, destaca por su poesía lírica y su melodía cautivadora y presenta una narrativa enigmática que evoca imágenes sugerentes y emotivas. La letra describe a una figura femenina misteriosa, la "señora azul", que encarna la nostalgia y la melancolía, a través de metáforas poéticas y una prosa cuidadosamente elaborada, la canción invita al oyente a sumergirse en un mundo de sueños y deseos insatisfechos. La ambigüedad del texto permite interpretaciones diversas, desde la representación de un amor perdido hasta la personificación de un estado de ánimo introspectivo. José María Guzmán comentó lo siguiente en una entrevista:

“En 1974 dijeron que si era un tema contra la censura. Pues no, la letra habla de los críticos musicales, esas personas que ven los toros desde la barrera y que hacen todo lo posible por joderte la vida. Esos con un ego sin medida”. Y periodistas mal informados llegaron a decir que “apuntaba a un falangista, pero cuya bilis parece que se derramaba sobre algún ejecutivo discográfico”.

Musicalmente se distingue por su elegante armonía y su refinada instrumentación, la melodía con sus acordes suaves y su ritmo envolvente, crea una atmósfera de serenidad y contemplación, los arreglos vocales de CRAG añaden una capa de profundidad emocional a la interpretación. En el contexto de la música española de los años 70, "Señora Azul" representa una síntesis única de influencias internacionales y tradiciones locales. CRAG, junto con otros grupos de la época, contribuyó a la revitalización del pop español, incorporando elementos de rock, folk y música clásica en su obra. Este tema ha dejado una marca perdurable en la historia de la música española, siendo reconocida como una de las canciones más emblemáticas del repertorio nacional, su influencia se ha extendido más allá de España, llegando a audiencias internacionales y la canción ha sido versionada por Alejo Stivel.

1156.- Por el amor de una mujer - Julio Iglesias

Por el amor de una mujer es una canción emblemática del reconocido cantante español Julio Iglesias, lanzada en su álbum de 1974 titulado "A flor de piel", una balada romántica que se ha convertido en un clásico del repertorio del artista, destacando por su emotiva interpretación y la letra profunda que exploran los temas del amor y la pérdida. La canción comienza con una melodía suave y melancólica, acompañada por los característicos tonos profundos de la voz de Julio Iglesias. Desde los primeros acordes, se puede sentir la intensidad emocional que impregna cada verso, la letra narra la historia de un hombre que reflexiona sobre los sacrificios que está dispuesto a hacer por el amor de una mujer, a través de metáforas poéticas y una prosa apasionada, Iglesias expresa la profundidad de sus sentimientos y la fuerza de su compromiso.

Uno de los aspectos más destacados de "Por el amor de una mujer" es su capacidad para evocar imágenes vívidas y emociones palpables, donde se reconoce su propia vulnerabilidad y admite que muchas veces han sido ellos quienes salieron victorioso, dando a entender que frecuentemente han ganado en cuestiones de amor, sin embargo, no eran conscientes del alcance del sufrimiento que puede conllevar la pérdida de alguien. Se enfatiza el concepto de que en el amor siempre hay un perdedor y se reconoce su fortuna pasada al ganar, pero a pesar de su éxito, ha perdido a la persona a la que se dirige en la canción, esto resalta la naturaleza agridulce del amor, donde una persona inevitablemente termina perdiendo incluso si ha experimentado la victoria en el pasado. La instrumentación, característica de la música romántica de la época, complementa perfectamente la voz de Julio Iglesias. Los suaves acordes de guitarra y los arreglos orquestales proporcionan el telón de fondo ideal para la emotiva interpretación del cantante, cada nota parece resonar con la profundidad de las emociones expresadas en la letra, creando una experiencia auditiva cautivadora para el oyente. A lo largo de los años, "Por el amor de una mujer" ha sido interpretada y versionada por numerosos artistas en diferentes idiomas y estilos musicales. Sin embargo, ninguna versión ha logrado capturar completamente la esencia y el encanto de la interpretación original de Julio Iglesias. Su voz única y su pasión incomparable continúan resonando en cada nota, manteniendo viva la magia de esta hermosa canción.

1098.- America, America - Nino Bravo

Luis Manuel Ferri Llopis; nombre de pila de Nino Bravo, realizó una larga gira por América Latina que había comenzado en septiembre de 1971. A lo largo de la cual efectuó conciertos en Argentina, Chile, Colombia, Perú, Venezuela, México, Puerto Rico y Miami; teniendo un éxito arrollador. Con una carrera que no hacía otra cosa que cosechar un éxito tras otro, el vocalista preparaba su quinto disco entre Londres y Madrid, cuando tuvo lugar el trágico accidente en una carretera, que le costó la vida. A pesar de ello, el “Volumen 5”, de su producción discográfica se editó el 25 septiembre de 1973, cinco meses después de su fallecimiento, se convirtió en su obra más vendida no solo en España, sino en todos los países de habla hispana. Así, permaneció varias semanas en los primeros puestos de los rankings musicales, legando para la posteridad este gran éxito “América, América”, canción que no llego a cantar en vivo. Una vez le contó a un periodista que él nunca se imaginó que sus canciones pudieran impactar tanto en Latinoamerican, tanto así, que haya tenido que hacer tres o más conciertos en un solo día y en diversas localidades. Ese cálido recibimiento que tuvo su trabajo en éste lado del continente americano y en México lo conmovió profundamente y se trazo el firme propósito de cantarle una canción que expresara su agradecimiento. Lo hizo con una composición de José Luis Armenteros y Pablo Herrero que para la fecha de su muerte había dejado ya grabada y que fue publicada junto con otras en el álbum póstumo de nombre “… Y Vol. 5”.

La canción "América, América" de Nino Bravo celebra la belleza y riqueza del continente americano, con un enfoque particular en sus paisajes y maravillas naturales. Las letras evocan un sentido de asombro y aprecio por los diversos elementos que hacen de América un lugar especial. En los versos, el cantante describe el sol cálido, el aire limpio y los cielos estrellados que caracterizan esta tierra. Él enfatiza la conexión entre la naturaleza y el amor, retratando los ríos como comunicativos y las montañas como densos bosques. Estas descripciones pintan un cuadro de América como un lugar donde la naturaleza prospera y proporciona un telón de fondo para emociones profundas. El pre-coro sugiere que el cantante ha descubierto un lugar para él y otra persona en esta nueva tierra. Implica la posibilidad de comenzar una nueva vida y encontrar la felicidad en América. El coro repite la frase "América, América", enfatizando el nombre del continente y reforzando su importancia. Describe a América como un inmenso jardín, enfatizando la abundancia y belleza que se pueden encontrar dentro de sus fronteras. El post-coro afirma que cuando Dios creó el Jardín del Edén, tenía a América en mente, sugiriendo que el continente es una creación especial con sus propias características y atracciones únicas. El final de la canción simplemente repite la frase "América, América", sirviendo como una afirmación final de la admiración y reverencia del cantante por el continente.

1062.- Celos de mi guitarra - Jose Luis Perales

Jose Luis Perales, se había interesado por la música desde muy temprano —ya a los seis años era hábil en la técnica del solfeo y tocaba el laúd—, aparte de su trabajo con la electricidad, componía de motu proprio algunos temas y en ocasiones se los mostraba, muy aventurado, a bandas o solistas señeros de la época (mediados de los años sesenta) como Fórmula V, Basilio o el Dúo Yerbabuena. Rafael Trabuchelli, de origen italiano, era un productor en la casa Hispavox que había conseguido muchos éxitos basado en dos pilares musicales, una orquesta dirigida con puño de hierro, la mezcla en las mesas de sonido de múltiples instrumentos sonando al unísono, a eso le ponía una bonita voz y los éxitos se le acumulaban en la radio. Trabuchelli requería siempre de buenos letristas y entonces le llegaban a veces los ejercicios letrísticos del “electricista” José Luis Perales, uno de ellos, "¿Por qué te vas?", significó un hito en la carrera de Jeanette, al mando de Trabuchelli, al punto que el productor se obsesionó con que Perales interpretara sus propios temas. Con una voz atildada, pero no descollante, quizá lo más atractivo de la interpretación de las canciones sobre todo del primer Perales, incluida en un lugar excepcional "Celos de mi guitarra" (no eléctrica), corresponde justamente a que permitía con mucha más fuerza lograr un equilibrio dinámico con la orquestación. Las voces de Raphael o de Camilo Sesto, y para qué hablar de Nino Bravo, tendían a superponerse con extrema fuerza por sobre los arreglos, dejándolos en un segundo o tercer plano, y lo que Trabuchelli y el Torrelaguna Sound de Hispavox perseguían era llevar en paralelo ambos componentes: orquesta y voz. Y Perales facilitaba hacerlo con más sutileza que sus competidores.

"Celos de mi guitarra" se publica en el primer álbum de José Luis Perales, Mis canciones, fue su primer gran éxito y junta este tema también destaco “Cosas de doña Auncion” un ingenuo y a la vez entrañable reflejo de una habitante de un pueblo. Por su parte Celos de mi guitarra es una canción conmovedora que habla sobre la profunda conexión del narrador con su guitarra y cómo esto causa celos en su ser amado. La letra sugieren que la persona que escucha, probablemente una pareja romántica, siente envidia y dolor cuando ven al narrador abrazando su guitarra, segun se dice esta cancion la compuso para una niña que estaba enamorada de él, y que cuando cantaba en sus recitales ella lo miraba muy fijamente (Metaforicamente deseando ser la guitarra de Perales para estar entre sus brazos).

1028.- Eres tu - Mocedades

 

La historia de Mocedades empezó a finales de los años sesenta en Bilbao, España. Después del espectacular triunfo internacional que obtuvo con Eres Tú, Mocedades siguió éxito tras éxito a lo largo de los años setenta y los ochenta. En un principio, el grupo lo conformaban sólo las llamadas Hermanas Uranga, es decir, Amaya, Izaskun y Estíbaliz Uranga Amézaga. Poco a poco, se añadieron más hermanos y amigos a sus ensayos, y acabaron fundando un nuevo grupo bajo el nombre de Voces y Guitarras. Cuando comenzaron a tener sus primeros éxitos, cambian su nombre a Mocedades. Su tema estrella es «Eres tú» una canción eterna en nuestro país y con la que participaron en el Festival de Eurovision de 1973 en Luxemburgo obteniendo el segundo lugar. La obra musical, lanzada en 1973, es considerada una de las canciones más emblemáticas, logrando tener un impacto positivo y duradero a lo largo de los años. Convirtiéndose en un éxito instantáneo en España, alcanzando rápidamente los primeros lugares de las listas de éxitos. Su melodía pegadiza, la emotiva interpretación vocal del grupo y la letra romántica y sentimental conquistaron los corazones del público. La canción fue compuesta por Juan Carlos Calderón (1938-2012), uno de los más importantes autores, productores y arreglistas que ha dado España. De hecho, trabajó con algunos de los nombres más importantes de la música patria, como Nino Bravo o Joan Manuel Serrat, en aquellos primeros años de los 70. Más tarde, produciría algunos de los discos más exitosos del mexicano Luis Miguel.

Eres tú de Mocedades alude al amor incondicional. Puede aplicarse al amor hacia un ser especialmente querido, como un amante, o un familiar. El foco, en este sentido, podríamos ponerlo en un hijo o hija. Otra interpretación que podríamos asumir a partir de la letra, sencilla pero clara y robusta, es el de la importancia de la familia. Hemos de tener en cuenta el momento histórico en el que se lanza esta canción, son los últimos años de la dictadura franquista en España. El tema llegó a vender más de un millón de copias en Estados Unidos, todo un éxito teniendo en cuenta el momento en el que se publica y que, entonces, la comunidad latina no tenía el peso que atesora en la actualidad, pero no solo eso, en Estados Unidos cuando no mucha gente entendía el castellano, Mocedades protagonizó un auténtico bombazo y ojo que la canción aún hoy sigue sonando con insistencia en las radios de oldies goldies, tipo Kiss FM, 40Classic… Para que te hagas una idea. Además consiguió una nominación a los Grammy’s en la categoría de Mejor interpretación vocal pop de un grupo, aunque no ganó el premio, la nominación destacó la calidad y popularidad de la canción. Incluso tuvo su versión en japonés titulada Anata wa, interpretada por el grupo Pink Lady. Esta versión fue lanzada en 1973 y se convirtió en un éxito en el país asiático, logrando el primer lugar en las listas de popularidad.

0986.- Un beso y una flor - Nino Bravo

Cuando se habla de Nino Bravo siempre aparecen expresiones del tipo: "una de las mejores voces de la música española", "artista inigualable" o "pérdida irreparable para nuestra música". Pero esa condición tan especial del artista no viene solo dada por los hechos que acompañan a estas afirmaciones. Podríamos pensar que su característica voz contribuyó a hacer crecer su leyenda, pero esto sería más bien un dato residual, ya que encontraríamos voces similares como la de Francisco en el ámbito nacional o la de Tom Jones en el internacional, que aunque siguieron un camino diferente, podrían haber cosechado ese mismo sentimiento gracias a su torrente vocal. Pero no lo hicieron, o al menos no de una forma tan profunda. Fue un hombre de origen humilde, que creció en el mundo de la música con poca ayuda ajena. Gracias a su voz, su carrera tuvo un ascenso considerable, llegando a estar cerca de ganar algunos concursos importantes (aunque nunca llegó a hacerlo). Vendió discos en vida, pero su gran éxito vino después de la muerte. Podríamos pensar que su muerte temprana ayudó en este terreno, pero en realidad lo único que esto despertó fue su carrera comercial aún más de lo que había conseguido en vida.

“Un beso y una flor” es el tercer álbum de Nino Bravo y está considerado como el disco de su consagración definitiva, y al que la crítica, al fin, aplaudió de forma unánime reconociendo el inmenso talento del artista valenciano, con canciones como "Un beso y una flor" o "Cartas amarillas". Este éxito se cimentó en el tema que lo titula: “Un beso y una flor”, una legendaria pieza de Herrero/Armenteros y que, a día de hoy, sigue siendo la canción más escuchada de Nino Bravo. Una canción, para la que se grabó un videoclip a color en las Islas Baleares, a instancias del Ministerio de Información y Turismo. "Un Beso y Una Flor" de Nino Bravo es una canción sentimental sobre dejar atrás a un ser querido para perseguir un sueño o una vida mejor en la canción escuchamos como el narrador está dejando su tierra natal y a sus seres queridos en busca de un futuro más brillante, pero que siempre llevará consigo recuerdos de la persona que ama. La canción enfatiza la idea del amor como una luz guía y el poder de los recuerdos para sostenernos durante tiempos difíciles. El protagonista promete regresar pronto y evoca la imagen del ser amado como fuente de consuelo e inspiración durante su viaje. La línea "Serás como una luz que alumbre mi camino" refleja esta idea y sugiere que la relación perdurará incluso ante la distancia y las dificultades. La repetición del coro a lo largo de la canción refuerza la idea de la importancia de los recuerdos y el peso emocional de dejar atrás a los seres queridos. La línea "Las penas pesan en el corazón" sugiere que el protagonista está dividido entre perseguir sus sueños y el dolor de dejar atrás lo que es familiar y amado.

La fatalidad terminaría con su vida la mañana del lunes 16 de abril de 1973. Un mes antes había dado la que sería su última presentación en Valencia. Nino Bravo, su guitarrista y amigo José Juesas y otros dos acompañantes que formaban el Dúo Humo, al que artista representaba, salieron temprano de Valencia hacia Madrid. La idea era hacer un viaje relámpago de trámites y volver el martes 17 por la noche. Sin embargo, nunca llegaron. O mejor dicho, el que nunca llegó fue Nino Bravo. En una curva, el auto, un BMW 2800 L de 1970 color blanco, se salió de la ruta y volcó. Nino Bravo y los heridos fueron trasladados primero a un hospital de pueblo a ochenta kilómetros de Madrid, y luego los llevaron en ambulancia hasta la capital española. Pero la muerte llegó antes: Nino falleció antes de llegar al centro médico. Sus acompañantes solo sufrieron heridas leves.

0985 - Nino Bravo - Libre

0988 - Nino Bravo - Libre

Nino Bravo, un icónico cantante español de la década de 1970, dejó una huella imborrable en la música hispana con su emotiva interpretación de la canción "Libre". Esta emblemática pieza musical, lanzada en 1972 como parte de su álbum del mismo nombre, captura la esencia de la libertad y el anhelo de un futuro prometedor.

"Libre" se destaca por la emotividad de la voz de Nino Bravo y su habilidad para transmitir sentimientos profundos. La canción comienza de manera suave y apacible, pero rápidamente cobra fuerza a medida que Nino Bravo va plasmando su pasión y compromiso en cada verso. La letra, escrita por José Luis Armenteros y música compuesta por José Luis Navarro, se convierte en una oda a la libertad personal y la superación de obstáculos.

La canción aborda temas universales como el deseo de escapar de las limitaciones y las cadenas que nos atan. La voz apasionada de Nino Bravo canta sobre romper barreras y perseguir sueños, evocando una sensación de empoderamiento en quienes la escuchan. La lírica trasciende las barreras del tiempo y del idioma, resonando con personas de diferentes generaciones y culturas.

El legado de "Libre" va más allá de su éxito en las listas de éxitos. La canción se ha convertido en un himno de inspiración y valentía, recordándonos que cada uno tiene el poder de forjar su propio destino. El estilo distintivo de Nino Bravo, que combina pasión y melancolía, infunde a la canción una autenticidad que sigue siendo conmovedora décadas después de su lanzamiento.

Trágicamente, la carrera de Nino Bravo fue interrumpida por su prematura muerte en un accidente automovilístico en 1973. Sin embargo, su legado perdura en sus canciones, especialmente en "Libre", que continúa tocando los corazones y las almas de quienes la escuchan. La canción ha sido versionada por numerosos artistas a lo largo de los años, lo que atestigua su impacto duradero en la música popular.

En resumen, "Libre" de Nino Bravo es mucho más que una simple canción; es un himno intemporal a la libertad y la determinación. La emotiva interpretación de Nino Bravo y la profundidad de la letra hacen que la canción sea una pieza inolvidable en la historia de la música en español, y su mensaje resuena en cada nota, recordándonos la importancia de perseguir nuestros sueños con pasión y coraje.

Daniel 

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0982.- Un canto a Galicia - Julio Iglesias

Un canto a Galicia es la canción con la que Julio Iglesias dio el salto internacional en 1972 ya que número uno en varios países de Europa (Bélgica, Holanda, Alemania, Francia e Italia), Hispanoamérica, norte de África y Oriente Medio, una letra (mal) traducida en un mítico restaurante coruñés, su estreno mundial el día en que Ana Belén y Víctor Manuel se conocieron, una accidentada y sudorosa grabación en la que participó Pepe Domingo Castaño y, por último, un éxito mundial que hizo preguntarse a los alemanes quién era esa guapísima chica a la que ese artista tan moreno cantaba cosas tan bonitas.

Julio decía que su padre era gallego, tenia familia en Orense, me encantan las gentes de esta tierra y me gusta Galicia y por eso les canto, como un homenaje pequeño. Cuando estrenó su canción en un festival hubo una mala traducción de una palabra, al darse cuenta volvió a repetir la actuación. Además en ese festival se encontraba el cantante Asturiano Víctor Manuel que actuó delante para que diera tiempo a retocar la canción y dió la casualidad que después metieron a una artista que estaba dando sus primeros pasos en la canción melódica... Efectivamente era Ana Belen, quien estaba representando en la ciudad una obra teatral, Sabor a miel. Mientras esto acontecía el periodista Pepe Domingo Castaño que se encontraba en el lugar, ayudó a revisar letra que le habían pasado a Julio Iglesias y descubrió algún que otro error, que juntos pudieron subsanar. Así fue como el hijo del doctor Iglesias, con un traje blanco, cerró la noche musical. Subió al escenario decidido, pero se comió el último escalón. El espectacular tropezón asustó al público, pero Julio supo recuperar la compostura. Y fue aclamado tras interpretar por primera vez su nueva canción. Aún no sabía cuántas alegrías le traería.

Un tema cantado en gallego, que la discográfica no quería publicar como cabeza de disco, iba a convertirse en uno de los mayores éxitos de la carrera de Julio Iglesias, vendiendo cuatro millones de ejemplares en toda Europa, número uno en España y bombazo de proporciones universales para este himno cargado de buenas sensaciones. Un gran trabajo publicitario en la televisión y los muchos emigrantes españoles europeos hicieron el resto. 

0922.- Algo de mí - Camilo Sesto

Camilo Sesto fue una de las figuras más populares de música ligera en la década de 1970 en España e Hispanoamérica. Nacido en 1946 como Camilo Blanes Cortés, hizo sus primeros pinitos en el coro del colegio. A principios de los sesenta, pasó a formar parte como cantante del grupo de versiones Los Dayson con los que se curtió amenizando fiestas populares con éxitos de moda. Su gran oportunidad llegaría en 1965 cuando son invitados al concurso de Televisión Española Salto a la fama, pero el lema del programa no se hizo realidad aunque Camilo se quedaría en Madrid malviviendo a la espera de otra ocasión. Esta llegó cuando se puso al frente del grupo Camilo y Los Botines y fueron solicitados para participar en varias películas. Cinco años después, en 1970, inició su carrera en solitario (en aquel entonces con el nombre artístico de Camilo Sexto) y debutó discográficamente con el single "Llegará el verano". Después, con Juan Pardo ex componente de Los Brincos como productor, adaptó al pop una pieza de Brahms con el título de "Buenas noches", que obtuvo un relativo éxito. Le siguieron "A ti, Manuela", "Ay, ay, Roseta" y la popular canción "Algo de mi" (1972), nominada por la cadena Ser como canción del verano. Un año después, en el mes de noviembre, participó en el Festival Internacional de la OTI como representante de Televisión Española con la canción "Algo más", compuesta por Juan Calderón, la protagonista de este articulo. Las cifras de su larga carrera de 50 años son apabullantes: 100 millones de discos vendidos, 52 números uno en las listas y una capacidad artística que además de la interpretación como cantante conllevó la de compositor. Sus melodías fueron cantadas por una larga lista de colegas que van de Miguel Bosé a Ángela Carrasco pasando por Manolo Otero o David Bustamante.

La principal cancion Algo de mi estará además acompañada de diez canciones mas, donde podemos señalar algunas con luz propia como pueden ser "Mendigo de Amor" con letra de Juan Pardo, "Ay, Ay, Rosseta" de Camilo Blanes y la conocida y versionada "Buenas Noches" compuesta por Brahms, con los arreglos de Juan Pardo, además creo que seria injusto olvidarnos de "A ti Manuela" y la romantica "Hoy como ayer" ambas autoras de Camilo Blanes. El valor que Camilo debe sentir por "Algo de Mi" debe ser ademas de agradecimiento, pues debemos creer que sin esta cancion tan romantica no hubiera sido conocido. Dicha cancion gracias a su tesitura musical Camilo puede desplegar su potente voz. Esta gran cancion puede representar una de las mejores canciones que se han editado durante este tiempo. Todo ello gracias a su bella letra y su maravillosa voz. Como acompañamientos en los instrumentos musicales podemos señalar que en la guitarra estaba Alfredo Pareja, en el bajo al conocido Jaime Torregrosa, en el organo Vicente Jorro (ademas se encargará de realizar algun arreglo de alguna canción) y en la bateria Conrado Martinez, por ultimo como técnico de sonido a Raúl Marcos. En la contraportada del album podemos observar a Camilo Sesto acompañado de Juan Pardo grabando en los estudios de sonidos, ademas de una visita que hizó a Londres, gracias a las fotos podemos verlo con su indumentaria de pantalones ceñidos como era costumbre en él y sus altas botas, todo ello en imagenes en blanco y negro.

0846.- Yo no soy esa - Mari Trini

María Trinidad Pérez de Miravete-Mille y Pascual del Riquelme, más conocida con el nombre artístico de Mari Trini, nació en la pedanía murciana de Singla, el 12 de julio de 1947, a los siete años se trasladaría a Madrid con su familia donde, enfermó de gravedad (nefritis crónica), por lo que tuvo que pasar largas temporadas en casa, sin apenas levantarse de la cama, esta enfermedad fue larga y marcó el carácter de Mari Trini ya que has ta los 14 años no obtuvo el alta médica. La enfermedad le dejó alguna secuela física, pero también perfiló su personalidad y carácter, y fue un período que aprovechó para escribir y aprender a tocar la guitarra. Con apenas quince años conoció en Madrid al cineasta Nicholas Ray, director de películas como “Rebelde sin causa” o “55 días en Pekín”, él fue quien convenció a Mari Trini para que marchara a Londres a estudiar arte dramático y a prepararse para interpretar una película, que finalmente no llegó a realizarse. Allí conoció a Roman Polanski, Paul McCartney, James Mason y Marlene Dietrich, y empezó a coquetear con la canción francesa, por lo que acabó en París grabando sus tres primeros EP. A su regreso a España, cantó por Aute y por Patxi Andión, hasta que se hartó de interpretar las voces de otros y buscó incansablemente la propia: un trabajo, ustedes lo saben, que le lleva a uno toda la vida. Por eso fue que en su siguiente álbum, Escúchame, donde salió su Yo no soy esa, un auténtico himno feminista lanzado en 1971, con Franco vivísimo, con un nacionalcatolicismo implantado hasta la médula, con este disco y esta canción se consagró como una de las cantautoras fundamentales de habla castellana. Mari Trini vino a desvincularse, con esta letra inolvidable, de la concepción que el españolito medio tenía de la mujer de al lado: manifestaba, desafiante, que no pensaba ser complaciente ni dócil, que no iba a estar esperándole ni disculpándole sus escarceos con otras, que no iba a reírle las gracias tan fácilmente, “Yo no soy esa que tu te imaginas. Una señorita tranquila y sencilla, que un día abandonas y siempre perdona. Esa niña sí … no, esa no soy yo”. El título «Yo no soy esa» es revelador porque cita (y rebate) otra canción: «Yo soy esa», tema clásico del género de la copla (cantado por, entre otras, Isabel Pantoja) cuya letra alude a una mujer utilizada por los hombres.

A Mari Trini la llamaron “marimacho” porque fue la primera mujer en aparecer en Televisión Española llevando pantalones tejanos, y porque no jugaba a la baza de la sensualidad en escena: vestía sobria, sencilla, casi siempre de blanco y negro, dejando caer sobre los hombros su espesa melena rubia, lisa y recta. No fue pizpireta, fue enigmática, y culta, y algo oscura: daba la sensación de que valía mucho más por lo que callaba, Mari Trini fue, ante todo, dueña de su vida, y para conseguirlo tuvo que tejer con cuidado una muralla de discreción a su alrededor: era fácil que la prensa rosa volviese a poner en el foco del debate los amoríos de una mujer como centro de su personalidad.

0684.- Te quiero, te quiero - Nino Bravo

 

Te quiero, te quiero es el título del álbum debut del cantante español Nino Bravo y fue editado por Fonogram en junio de 1970. En este álbum él se compilaron la totalidad de los sencillos que había grabado hasta la fecha, sumados al tema grabado en 1969 "No debo pensar en ti" y otros tres más. En primer lugar, fue editado simplemente con el nombre del cantante, pero dado el éxito de la canción "Te quiero, te quiero" se hizo una reedición a finales de 1970 donde ya se tituló así. Fue conocido en los círculos más cercanos al cantante como el disco negro y en su portada se mostraba una fotografía del cantante en una de sus actuaciones. Nino no cosecharía buenas críticas entre los periodistas musicales del país, muestra de ello es el siguiente artículo, publicado en el diario La Vanguardia, que reproducimos a continuación:

«Nino Bravo es uno de los cantantes solistas españoles en quien más se puede confiar. Todo el mundo ve en él posibilidades de auténtica primera figura y todo el mundo, también, lamenta que Nino Bravo no haya sabido dar con un repertorio que ponga en evidencia la verdad de sus virtudes interpretativas. Esto ha durado largo tiempo y se ha convertido ya en tópico, a fuerza de permanente unanimidad. Y ahora aparece este «long play», que hemos escuchado ávidamente, deseando en lo más profundo que ese fatídico problema de repertorio se haya resuelto por fin. Y no. Con todo el dolor de nuestro corazón hemos de admitir que todavía no. Es el mismo tipo de repertorio de siempre, cancioncillas «de Benidorm» por dar un indicativo, con el que ni Nino Bravo ni el lucero del alba sería capaz de producir un impacto verdadero en la masa consumidora a nivel internacional. Lástima, una vez más».

 

Augusto Algueró había compuesto “Te quiero, te quiero” para que Lola Flores la incluyese en una de sus películas, La Faraona la grabó, pero el compositor y la productora tuvieron conflictos y la canción fue retirada de la banda sonora y del disco, fue entonces cuando Augusto ofreció a Nino Bravo esa canción y aunque a la discográfica no le gustaba fue el cantante, sin embargo, al cantante le gustó desde el primer momento. El amor es la temática de la letra, y mas que el amor es de las consecuencias que tiene sobre las personas cuando el amor nos atropella, es un sentimiento que nos traspasa, que necesitamos y que en todo momento condiciona nuestra vida a una persona, a un placer que queremos tener siempre a nuestro lado. Esta temática y los años 70 cuando los jóvenes de este país habían dado un paso adelante hizo que la canción fuera un superéxito, a eso hay que sumar la increíble voz de Nino Bravo que si bien llevaba mas de 8 años en los escenarios, empezando con 18 años en el conjunto Los Hispánicos junto a dos amigos que se dedicaban a actuar en presentaciones falleras y ferias locales,  mas tarde se incorporaría a Los Superson que fue donde le descubrió  Miguel Siurán, que lo bautizó con el nombre artístico Nino Bravo, con quien consiguió hacer algunos recitales en solitario y participar en el festival de Barcelona de la canción con un mal resultado, pero esa actuación y la voz que pudieron comprobar muchos productores fue clave para que le presentaran la canción e iniciar un despegue a la fama y el éxito que fue abruptamente cortado por un accidente de tráfico.

0664.- Gwendolyne - Julio Iglesias

 

Julio Iglesias ganó sorpresivamente en el año 1968 el Festival Internacional de la Canción de Benidorm con el tema "La vida sigue igual", que compone durante su convalecencia tras un accidente automovilísticos, lo que le valió la firma de un contrato con la sección latina de Columbia Records, Discos Columbia. En febrero de 1969 participó en el Festival Internacional Ciervo de Oro de la ciudad rumana de Brașov. Durante este año, también grabó su primer disco «Yo canto», en los estudios DECCA en Londres e hizo su primera gira en España. Participó en el X Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, en Chile. También actuó en el Festival de la Canción de San Remo y protagonizó su primera película, un filme autobiográfico que llevaba por título el nombre de su primer éxito musical, La vida sigue igual, pero faltaba el escaparate final el festival por el que han pasado miles de artistas de talla mundial, nos referimos al Festival de Eurovisión, y fue en 1970, un año en el que el madrileño se enfundó un traje azul chillón para cantar uno de los temas más aclamados de la época, ‘Gwendolyne’, con la que quedó en cuarta posición a pesar de que fue considerado el ganador moral de la edición y conquistó a toda Europa.

 

La canción de ‘Gwendolyne’ le abrió las puertas de la fama, y es que se mantuvo como el número uno en ventas durante nueve semanas y fue elegida la mejor canción en el programa ‘El gran musical’. De hecho, tal fue su éxito que Julio editó la canción en varios idiomas. El tema de Julio Iglesias fue el más escuchado de todo el Festival de Eurovisión, y ello le llevó a que las discografías se peleasen por él. Sin embargo, los problemas empezaron a llegar para Julio, y es que el artista español tuvo que enfrentarse a diferentes quejas por plagio, pues muchos asemejaban ‘Gwendolyne’ a ‘Je reviens te chercher’, la canción que publicó Gilbert Bécaud dos años antes, en 1968. Unos problemas que no hicieron que la canción desapareciese, sino que lo hizo su vida sentimental, tal y como lo contó después el artista en sus propias memorias, ‘Entre el cielo y el infierno’, asegurando que Gwendolyne fue su primer amor: “Gwendolyne fue muy importante en mi vida. Mi primer amor en libertad. Gwendolyne era hermosa, muy hermosa. Era de una familia noble de exiliados rusos. Quizás la sobrina de un príncipe de tipo eslavo: con pómulos marcados, ojos grises, rubia. Debo decir que jamás he amado a una mujer más bella”. Fue precisamente ese amor olvidado el que hizo que Julio también olvidase la canción. Igual que Gwendolyne desapareció de vida, también lo hizo ‘Gwendolyne’, una canción que casi nunca incluye en su repertorio y que quizás esta tan asociada a ese primer gran amor que prefiere olvidarla para no remover heridas, aun asi, en su biografía tuvo un recuerdo para ella, la canción y su amor perdido. “Gwendolyne fue seleccionada para representar a España. De esa chica rubia con la que iba a casarme no me quedaba más que una canción. Recuerdo el Festival de Benidorm, Gwendolyne en el aeropuerto de París... Sus rasgos se han borrado un poco en mi memoria, pero le debo esta canción que me ha permitido darme a conocer en Europa, estar en Eurovisión, aunque no haya ganado. Por todas estas razones, querida Gwendolyne, te doy las gracias"

 

0584.- El abuelo Vitor - Victor Manuel

 

Víctor Manuel San José Sánchez, conocido como Víctor Manuel (Mieres del Camino, Asturias, 7 de julio de 1947), es un cantautor y productor español, pronto empieza a dedicarse al mundo de la música y en 1967 participa y gana algunos de los numerosos festivales de la canción que se celebran por toda España. Sus canciones, que pretenden ser poemas musicalizados, hablan comúnmente de la vida rural, la libertad, el amor y la justicia, adentrándose de este modo en el género de la canción protesta o la trova surgidas en los años 60-70. Gracias al dinero ganado en los festivales, puede seguir dedicándose a la composición, creando temas más personales y elaborados como “El cobarde”, “El mendigo”, “El tren de madera” o “La romería”, que presenta a los medios de comunicación. En 1969 mientras realiza el servicio militar, graba en Barcelona un sencillo con los temas “El mendigo” y “La romería”, que sería su primer gran éxito en listas de popularidad y ventas. El 20 de octubre acabado el servicio militar, publica un nuevo sencillo, con “Paxarinos” y “El abuelo Vítor”; un disco de doble cara “A” que lleva al asturiano a conseguir su primer nº 1 de Superventas en España. El éxito le da la oportunidad de aparecer por vez primera en televisión, en el programa «Teleritmo» de TVE. En aquellas fechas participa en el III Festival de Villancicos Nuevos de Pamplona, que gana con “En el portalín de piedra”. Por fin, gracias al éxito obtenido, publica su primer disco de larga duración, Víctor Manuel, una recopilación de sus éxitos ya publicados como sencillos, que llega al número uno de ventas, y su nombre empieza sonar como candidato para representar a España en el Festival de la Canción de Eurovisión de 1970. A finales de año, en su primera salida fuera de España, recorre varios países de Europa con la Embajada Artística de TVE y RNE, donde sin previo aviso canta temas como La planta 14, cuyas letras no gustan a las autoridades que le acompañaban. Debido a esto y a los problemas que había tenido anteriormente con la censura, al final se descarta su participación en Eurovisión. Además, es vetado en TVE.

El Abuelo Vitor es un clásico de la canción española, quien no ha cantado aquello del abuelo fui picador allí en la mina, desde las primera notas descubrimos que es una canción que nace de las entrañas, del dolor y la desesperación y la voz fuerte de Víctor Manuel acompañada de una brillante orquestación hace que te llegue a estremecer por momentos con esos pequeños toques musicales que en ningún momento tapa la voz de Víctor Manuel que sin duda es la gran protagonista junto con la temática, ya que trata sobre la enfermedad crónica de su abuelo, que trabajaba en las minas de carbón, elemento socioeconómico decisivo en el paisaje asturiano. Y el drama de la abuela, que esconde su tabaco. Es imposible no amar a ese abuelo que en el final de sus días mira el infinito.

 

 

0547.- La vida sigue igual - Julio Iglesias

 Reconocido como el artista latino que mas discos ha vendido en el mundo, Julio Iglesias se ha hecho un sitio en la historia de la música por derecho propio, podrá gustarte mas o menos su estilo, sus canciones y también porque no su persona y su figura, pero lo que no cabe duda es que ha sido capaz de crear un buen puñado de canciones que mas o menos todos conocemos y que hemos cantado alguna vez, y aunque solo sea por estas razones merece tener su espacio en nuestro repaso a las mejores canciones de la historia. 

Julio José Iglesias de la Cueva vivía una vida feliz, con su esfuerzo y trabajo iba para estrella de la portería del Real Madrid pero sin embargo un accidente de tráfico en la carretera de Majadahonda después de una noche de fiesta con unos amigos segó para siempre sus sueños futbolísticos, un grave accidente con un pronóstico desalentador, no volvería a andar, sin embargo no se rindió y tras mucho trabajo y rehabilitación consiguió andar, su esfuerzo y teson se sumó a los esfuerzos que realizó su enfermero Eladio Magdaleno no sólo consiguió que volviera a andar sino que lo alentó para que probara suerte con el mundo de la canción y le regaló una guitarra. En ese periodo Julio Iglesias compuso varias canciones, entre ella la protagonista de nuestro articulo, La vida sigue igual, una de las muchas composiciones que hizo postrado en una cama con la única intención que otros artistas las interpretaran, sin embargo una vez recuperada parte de la movilidad decidió visitar algunas discográficas con esos temas, pero se presenta como autor, ni se le había pasado por la cabeza cantar. Enrique Martín Garea, ejecutivo de Columbia, le convence para presentarse como cantante en el Festival de Benidorm con “La Vida Sigue Igual”, cuya primera versión haría otro grupo debutante, Los Gritos, pero la discográfica le animó a que la defendiera él mismo en el Festival de Benidorm, no era el favorito, pero Julio se alzó con la victoria y comenzó una impresionante carrera internacional.

La vida sigue igual es también el título de una película estrenada en el año 1969, dirigida por Eugenio Martín y cuyo responsable de la música fue el gran Waldo de los Ríos. En realidad, se trata de lo que actualmente conocemos como «biopic», es decir, un guión que prácticamente glosa y reproduce la vida del propio Julio desde su etapa en el Real Madrid hasta que triunfa en el mundo de la música. Todo ello, acompañado por intérpretes como Florinda Chico, Andrés Pajares o Micky, de Los Tonys, cuyas apariciones, observadas desde la óptica del paso de los años, no dejan de resultar un poco «kitsch» ante la evidencia de la glamourosa vida que ha terminado llevando este prolífico cantante.

0502.- Azzurro - Adriano Celentano

La versión de Azzurro ("Azul") de Adriano Celentano es, sin duda, la más famosa y reconocida de todas las que han abordado esta composición de Paolo Conte y Vito Pallavicini. Ambos compositores la escribieron especialmente para el registro de voz y las características de Celentano, por lo que la pieza encajó desde el principio y a la perfección con el genial intérprete italiano.

La música combina el corte clásico y crooner con toques de marcha militar y de himno, y las referencias al color azul lo han convertido en uno de los santos y seña de la hinchada italiana. La letra de la canción describe la melancolía y la soledad del que pasa el verano en la ciudad, cuando todo el mundo está de vacaciones y la urbe queda huérfana de su algarabía y tráfico característicos: Busco el verano todo el año y de repente aquí está. "Ella se fue a las playas y estoy solo en la ciudad, Oigo silbar sobre el techo un avión que se va. Azul, la tarde es demasiado azul y larga para mí. Me doy cuenta de no tener más recursos sin ti..." 

Curiosamente, descubrí esta canción en la situación opuesta, en mitad del insufrible tráfico de la M-30, escuchando en la radio del coche el programa Flor de Pasión de Juan De Pablos en Radio 3 en el camino de regreso a casa desde el trabajo. Siempre volvía con un compañero al que dejaba de camino en su casa, y aunque los dos éramos de gustos más eléctricos, nos enganchó sobremanera aquel programa de viejos temas de rock and roll de los cincuenta y sesenta, y en el como sintonía sonaba siempre Azzurro de Adriano Celentano. Tras un duro día de trabajo, la llegada de esa canción era el anuncio de estar llegando a casa, tras una tarde demasiado azul y larga.

0321: Yo soy aquel - Raphael

 

Nació el 5 de mayo de 1943 en Linares, Jaén, su nombre, Miguel Rafael Martos Sánchez todos le conocemos como Raphael. Con su familia, se mudó a Madrid con tan solo nueve meses de edad y empezó su carrera como cantante a los tres años, recibiendo el sobrenombre del “Ruiseñor de Linares” y “El divo de Linares”. Un año después se unió a un coro infantil y a los nueve años fue reconocido como la mejor voz infantil de Europa en un concurso de Salzburgo, Austria. Raphael empezó su carrera profesional cómo cantante con el sello discográfico Philips. Para distinguirse asimismo adoptó la grafía «ph» del nombre de la compañía y se «bautizó» como «Raphael». En 1962 ganó tres primeros premios del Festival Internacional de la Canción de Benidorm con las canciones Llevan, Inmensidad y Tu conciencia.

 

Yo soy aquel es una canción compuesta por Manuel Alejandro que interpretaba Raphael y fue con la que representó a RTVE en el Festival de la Canción de Eurovisión 1966. La canción alcanzó la séptima posición entre 14 participantes, habiendo recibido nueve puntos (5 de Portugal, 3 del Reino Unido y 1 de Yugoslavia). Su puesto no desmerece el éxito y popularidad que tuvo la canción durante aquel año, de hecho, fue el disco más vendido en España en 1966 en cifras absolutas, y es que esta canción de amor rasgado, hay que sumarle su gran presencia vestido de negro, su forma de retorcerse ante el micrófono girando la mano como quien desenrosca una bombilla eran motivos suficientes para calar en la sociedad de aquel momento

 

Puede resultar muchas cosas, pero lo que es indudable es su calidad vocal, unida a una gran capacidad histriónica y expresiva, han sabido conquistar al público de todo el mundo hispano por más de cuatro décadas y no solo al hispano, fue numero uno en Japon con el tema con el tema Escandalo, pero antes, el 25 de octubre de 1970 se presenta en el famoso "Show de Ed Sullivan", de la cadena televisiva estadounidense CBS, cantando en vivo en español, inglés e italiano, volviendo a aparecer en el mismo a los pocos meses. En 1967 cantó en el Madison Square Garden de Nueva York de la mano de Brian Epstein (manager de Los Beatles). Actuó en los teatros más importantes, como el Carnegie Hall de Nueva York, el Opera House de Sydney, el Bolshoi y el Rossia de Moscú, el Olympia de París, el Palladium de Londres, se puede decir que tras su paso por Eurovision Raphael fue la primera estrella española global. Pronto fue conocido en Italia, Francia, Alemania, Japón o Australia. . Y siempre será recordado con lo de Yo soy aquel que cada noche te persigue…., su canción más emblemática al igual que El tamborilero lo es de los especiales televisivos de Navidad.

 

0216: Il mondo - Jimmy Fontana

 

Jimmy Fontana (1934-2013), nacido Enrico Sbriccoli, es uno de los autores más destacados de la canción melódica italiana, aunque se inició en el jazz, tocando el contrabajo de manera autodidacta; Jimmy es, precisamente, un homenaje al saxofonista Jimmy Giuffré, mientras que el apellido Fontana parece que lo encontró al azar, en la guía telefónica. En los años sesenta decidió pasarse a la canción melódica; en 1961 participó en el Festival de San Remo y, en 1965, en la segunda edición de Un disco per l’estate, cantando “Il Mondo”. Sólo consiguió el quinto puesto, sin embargo, fue el tema que más éxito tuvo y, a la larga, se convirtió en una de las melodías emblemáticas de la canción italiana. El tema es del propio Jimmy Fontana, Lilli Greco y Carlo Pes y los arreglos son nada más y nada menos que de Ennio Morricone, que por aquella época trabajaba para la RCA italiana.

La canción esta llena de magia, podríamos decir sin tapujos que está hecha con el material con el que se fabrican los sueños, una de esas a las que es imposible encontrar una sola persona que no caiga rendida a sus encantos. Una pieza impregnada de nostalgia y de realidad a partes iguales, como la vida misma vaya, que se beneficia de la voz de el gran Jimmy Fontana, y una instrumentación exquisita y épica capaz de dejar embobado a cualquiera. El tema ha conocido múltiples adaptaciones a varios idiomas incluso de mano de su creador, que la hizo en castellano, y que ha pasado por las manos de (con mayor o menor suerte) de Los Mustang, Sergio Dalma o incluso Seguridad Social. La letra es un canto a los nuevos comienzos, es creer que nada tiene que ser por siempre si tú no lo deseas, que los momentos más malos pasan con el tiempo porque siempre hay un mañana. Y puede que con quien te acuestas por la noche no sea ya el amor de tu vida y que cuando la miras ya no sientas nada, pero eso no es una condena a la infelicidad perpetua, es el primer paso para encontrar ese nuevo querer que te reenganche a este mundo que gira y gira. No quisiera terminar sin hacer referencia a su aparición en la película Una Cuestión De Tiempo de Richard Curtis, en la que este clásico imperecedero era uno de los protagonistas de la historia.

0201: Io che non vivo (senza te) - Pino Donaggio

 

Toca darse un paseo por Italia, con uno de los temas más románticos (y mira que hay para elegir) el país transalpino, nos referimos a Io che non vivo (sin ti) es una pieza musical de Pino Donaggio con letra de Vito Pallavicini. Ya se había asomado Elvis Presley adaptando dos canciones de aquel país al rock que tantas alegrías le estaban dando, también y ya en el ocaso de su carrera Elvis haría suya esta canción, pero vamos antes a la original.

 

Giuseppe "Pino" Donaggio nació en Burano (una isla de Venecia), en el seno de una familia de músicos, Donaggio comenzó a estudiar violín desde bien joven, incluso llega a realizar algún concierto a la edad de 14 años, pero la llegada del rock hace que cambie el camino y acompañar al Paul Anka el espaldarazo definitivo. Es el momento en el que el joven Giusseppe empieza a escribir canciones e inicio una carrera como cantautor que le llevo al Festival de San Remo en 1963 y es gran protagonista del Festival de San Remo con una pieza en la que se aprecian las influencias del nuevo género del rock n roll. La pieza en cuestión se llama Young Young, con la que logra terminar en el tercer lugar del ranking final. La traca final estaba por llegar, regresará al Festival de San Remo al año siguiente y especialmente en 1965, cuando compite con la canción probablemente más conocida y apreciada de su repertorio, Io che non vivo (sin ti), una canción que sin embargo no le permite ganar esa edición del festival pero que sin duda lo consagra como un artista del más alto nivel, Donaggio tenía 24 años y el enorme éxito del tema le estalla en sus manos, más de 80 millones de copias vendidas por todo el mundo y una de las estrellas de la canción popular americana rendida a sus pies, nos estamos refiriendo a Dusty Springfield, que se encontraba presente en el festival y aunque no tenía idea de lo que decían las palabras, ya que no entendía el Italiano, quedo profundamente impresionada y unos meses después realizaría una versión del tema en lengua Inglesa. En España no fuimos ajenos al boom del tema y la cantante Angélica María, la publicó con el título "Yo que no vivo sin ti"

 

En la canción, Donaggio expresa su incapacidad para vivir sin el amor de la mujer, por encima de todo él desea y la necesita a su lado, tras un comienzo orquestado, Donaggio con su excelente voz hace suya la canción y logra trasmitir en cada verso la desesperación en la que se encuentra porque le falta su amor.

0185 Sapore di Sale - Gino Paoli

 

Sapore di Sale, Gino Paoli

     En 1963, el músico y cantautor italiano Gino Paoli, uno de los grandes representantes de la música italiana de los años sesenta y setenta, escribe la famosa canción Sapore di Sale. La canción contó con los arreglos hecho nada menos que por el gran Ennio Morricone. El tema fue publicado por el sello discográfico RCA Italiana como sencillo en 1963, ocupando la cara A, y siendo acompañado en la cara B por La Nostra Casa. El año siguiente, 1964, Gino Paoli publica también con RCA Italiana su tercer álbum de estudio, Basta Chiudere Gli Occhi, y el tema Sapore di Sale es incluido en dicho disco.

El tema  rápidamente se convirtió en el mayor éxito de Gino Paoli, y también en una de las canciones más importantes de la música contemporánea italiana. El sencillo lanzado en 1963 alcanzó el puesto más alto en las listas de éxitos italianas y traspasó fronteras convirtiéndose en un éxito internacional. El tema, cuya letra narra un típico día de vacaciones en el mar durante el cual un hombre toma el sol en la playa mientras su pareja se baña en el agua y donde los días transcurren ajenos e indiferentes a la realidad del mundo real, es considerado como un "Himno del verano", que simboliza el acceso de la gente corriente al turismo del sol y la playa gracias al milagro económico que sucedió en Italia tras las penurias de la posguerra. 

Gino Paoli se inspiró en la actríz italiana Stefania Sandrelli, para componer el tema. Gino, en 1962 y mientras estaba casado y con una hija, comenzó una relación sentimental con Stefania cuando ella contaba únicamente con 16 años de edad, y de aquella relación nació en 1964 la hija de ambos, Amanda Sandrelli. Mientras el tema escalaba en las listas de ventas y  se asentaba como uno de los  mejores de la música italiana, Gino Paoli tuvo un fallido intento de sucidio en julio de 1963 mediante un disparo a la altura del corazón. Milagrosamente sobrevivió, pero fue imposible extraérle el proyectil de la cavidad torácica, donde quedó alojado el resto de su vida.