2125.- ¿Y como es él? - Jose Luis Perales

José Luis Perales llegó a 1982 consagrado como uno de los cantautores más respetados, prolíficos y queridos del panorama musical en habla hispana. Tras una década de cosechar éxitos incontestables tanto en su faceta de intérprete como en su vertiente de compositor para grandes figuras de la música internacional, el artista atravesaba un periodo de absoluta plenitud creativa y madurez interpretativa. En un contexto musical dominado por la irrupción de las corrientes electrónicas y las estéticas rupturistas del pop de los ochenta, Perales representaba el triunfo de la sencillez, la elegancia poética y la cercanía cotidiana. Su voz cálida, pausada y sin estridencias, combinada con una capacidad innata para retratar las emociones humanas con una delicadeza desarmante, le permitía conectar de manera transversal con públicos de diversas generaciones tanto en España como en toda Hispanoamérica, su figura proyectaba la imagen de un narrador sereno de historias íntimas, un poeta del pueblo capaz de transformar el desamor, la nostalgia y la pasión en obras de arte accesibles y perdurables. En ese instante de inspiración se encuadra Entre el agua y el fuego, un álbum de estudio fundamental en su discografía. Producido con un equilibrio impecable entre el intimismo acústico y una orquestación sofisticada, el disco explora las dualidades del sentimiento humano, contrapagando la calma de la melancolía con el ardor del deseo apasionado. El trabajo destaca por un cuidado exquisito en los arreglos de cuerdas y pianos, envolviendo la voz del cantautor en atmósferas envolventes que realzan el peso poético de sus versos, logró un éxito comercial rotundo y una acogida crítica entusiasta, estableciendo un estándar de calidad en el pop melódico en español que sirvió de puente entre la canción de autor clásica y las producciones comerciales de la década.

En el corazón de este memorable trabajo se encuentra "¿Y cómo es él?", una composición colosal que no solo se transformaría en el mayor éxito de la carrera de José Luis Perales, sino en una obra cumbre e inmortal de la música popular en español. Compuesta inicialmente con la intención de ser interpretada por Julio Iglesias —lo que explica su estructura dramática y elegante—, la canción terminó en voz de su propio creador por sugerencia de su discográfica, convirtiéndose en un fenómeno sociocultural sin precedentes, es un prodigio de contención, dignidad y vulnerabilidad masculina frente a la ruptura sentimental. A través de un monólogo desgarrador pero profundamente respetuoso, un hombre interroga a su expareja sobre la persona por la cual ha decidido abandonarlo, indagando sobre sus gestos, sus costumbres y el lugar donde se conocieron. Lejos de caer en el despecho o en la agresividad habitual de las canciones de desamor, la lírica destila una melancolía serena y un dolor elegante, alcanzando su punto cumbre en el acto generoso de desearle felicidad en su nueva etapa. La interpretación vocal de Perales es magistral en su sobriedad: canta con un hilo de voz frágil y honesto que transmite una verdad emocional devastadora. Instrumentalmente, la pista está articulada sobre un crescendo orquestal impecable, arranca con la intimidad casi desnuda del piano, acompañando la conversación contenida, para ir sumando suavemente secciones de cuerdas que elevan la tensión dramática a medida que avanza el estribillo. La sencillez de su estructura armónica contrasta con la enorme fuerza de su gancho melódico, logrando que cada pausa y cada nota resuenen con un peso psicológico real.

2093.- Memory - Barbra Streisand

Barbra Streisand llegó a 1981 consolidada como una de las figuras más veneradas, influyentes y polifacéticas de la industria del entretenimiento global, personificaba la cúspide del éxito artístico y comercial, habiendo trascendido las fronteras de la música pop tradicional para convertirse en un icono cultural absoluto. Poseedora de una voz inolvidable, caracterizada por un timbre cristalino, una potencia vocal prodigiosa y una capacidad interpretativa emotiva sin igual, Streisand proyectaba una madurez artística envidiable, la artista no solo gozaba del respeto unánime de la crítica especializada, sino también del fervor de un público multitudinario que veía en ella a la vocalista definitiva, capaz de dominar cualquier género o escenario con una elegancia y un control técnico asombrosos. Su posición en la cultura popular de principios de los años ochenta estaba marcada por una aura de sofisticación, perfeccionismo obsesivo y un carisma abrumador, en una época de rápidos cambios musicales donde emergían nuevos ritmos y sonidos sintéticos, ella representaba la excelencia vocal atemporal y el triunfo del talento puro por encima de las modas pasajeras, su presencia escénica y su imagen pública proyectaban seguridad, justo lo que una creadora integral necesitaba y exigía: el control total sobre su visión artística, desafiando las dinámicas de poder habituales en el espectáculo. Esta etapa madura reflejaba a una intérprete en el punto más alto de sus facultades vocales y dramatúrgicas, consolidando un legado de versatilidad e independencia que inspiraría a futuras generaciones de cantantes y artistas en todo el mundo.

En ese glorioso instante de plenitud vocal e interpretativa se enmarca su magistral versión de "Memory", una composición que se transformaría de inmediato en uno de los momentos cumbres del canto popular contemporáneo. Fue concebida originalmente para el ámbito del teatro musical por Andrew Lloyd Webber, la pieza es una sobrecogedora meditación sobre el paso del tiempo, el esplendor perdido, la soledad y la nostalgia que acompaña a los recuerdos de la juventud. Fue cantada por primera vez en público por la actriz y cantante británica Elaine Paige. Ella estrenó la canción interpretando el papel de Grizabella en la producción original del musical Cats en el West End de Londres, en mayo de 1981. Pero sin duda la interpretación de Barbra Streisand elevó esta composición melancólica a la categoría de estándar internacional, redefiniendo el alcance de la balada dramática y llevándola a la cima de las listas de éxitos de todo el mundo, la estructura musical de la canción está cuidadosamente construida para acompañar un crescendo emocional devastador. Comienza con arreglos delicados y minimalistas de piano y cuerdas suavemente orquestadas, creando una atmósfera íntima y nostálgica, en este inicio, la voz entra casi como un susurro contemplativo, transmitiendo la fragilidad de una figura que contempla las ruinas de su pasado bajo la luz de la luna y a medida que la instrumentación se expande y se vuelve más rica, la voz se fortalece con una graduación impecable, pasando del lamento íntimo a una declaración de esperanza desgarradora. El clímax de la canción es una exhibición sobrehumana de control respiratorio, afinación perfecta y potencia dramática, donde la artista alcanza notas altas con una calidez y una resonancia que conmueven profundamente al oyente. Líricamente, "Memory" aborda la angustia del aislamiento y el deseo universal de ser aceptado y reconectado con la vida antes de que la noche dé paso a un nuevo día. La habilidad de Streisand para aportar una narrativa actoral a cada verso hace que la letra trascienda el escenario teatral para convertirse en un himno a la resiliencia humana. Cada pausa, cada vibrato y cada inflexión dinámica están cargados de un peso psicológico genuino. La versión de Streisand no solo convirtió a "Memory" en un fenómeno masivo que cruzó todas las fronteras generacionales, sino que se estableció como la interpretación de referencia definitiva de la obra. A décadas de su grabación, este tema permanece como un testimonio imperecedero del poder de la voz humana para capturar la belleza, la melancolía y la esperanza en su estado más puro.

2029.- Frente a frente - Jeanette

La andadura musical de Jeanette es una de las más fascinantes y particulares del pop en español. Con su inconfundible voz etérea, dulce y con un leve acento extranjero, la intérprete hispano-británica ya había saboreado las mieles del éxito internacional en los años 70 gracias a himnos imperecederos como "Soy rebelde" o "Porque te vas". Sin embargo, la llegada del cambio de década trajo consigo un periodo de transición y búsqueda artística que culminaría en un momento cumbre para su carrera y en la creación de una obra cumbre de la balada en nuestro idioma. Para entender el renacimiento de Jeanette en 1981, es necesario mirar un poco hacia atrás y comprender su desgaste artístico a finales de los 70, tras haber estado afincada en Alemania grabando sencillos de música disco y synth-pop por imposición de los productores —un estilo frívolo y encorsetado que no terminaba de encajar con su identidad artística—, la cantante tomó la firme decisión de dar un vuelco absoluto a su trayectoria. Sabía que su fuerte no eran las pistas de baile, sino la intimidad de la canción melódica. Decidió renegociar sus contratos para regresar de lleno al mercado español y reencontrarse con el compositor que mejor había sabido entender su sensibilidad y modelar su fragilidad vocal: el maestro jiennense Manuel Alejandro. En 1981, Jeanette publicó el álbum titulado Corazón de poeta bajo el sello discográfico RCA, grabado en los prestigiosos estudios Abbey Road de Londres, el disco supuso un éxito colosal que revitalizó por completo su carrera, devolviéndola de inmediato a los primeros puestos de las listas musicales en España, México, Argentina y gran parte de Latinoamérica. Al escuchar las maquetas y los temas terminados por primera vez, la propia Jeanette supo que estaba ante el trabajo más maduro de su vida y se dijo a sí misma: "Esta es la mía". Aquel año significó su consagración definitiva, abandonando la etiqueta de "musa juvenil" para erigirse como una de las grandes damas de la canción romántica.

La joya de la corona de aquel álbum de 1981, y el tema elegido como indiscutible primer sencillo, fue "Frente a frente", la canción es una balada sumamente elegante construida sobre una base minimalista pero profunda, donde delicados arreglos de piano y violín arropan la susurrante y casi quebradiza voz de Jeanette. Lo que la hace verdaderamente especial es la madurez, la psicología y la crudeza de su temática, en lugar de abordar el clásico desamor adolescente o el despecho rabioso tan común en la época, la letra describe de forma casi fotográfica e introspectiva el dolor, el silencio sepulcral y la insalvable distancia que se genera en una pareja durante el proceso de una separación definitiva. El texto plasma con una sensibilidad sobrecogedora ese instante devastador en el que dos personas se miran a los ojos y asumen, con dolorosa dignidad, que ya no queda nada de qué hablar, que el amor se ha evaporado. Para la sociedad española de principios de los años 80, que apenas estrenaba la ley del divorcio, tratar este proceso con semejante naturalidad, madurez y melancolía supuso un enfoque musical adelantado a su tiempo. La interpretación de Jeanette, que transmitía una vulnerabilidad desarmante, caló tan hondo en el público internacional que la artista llegó a grabar una versión en inglés titulada "Sorrow" ("Dolor") para expandir su mercado. "Frente a frente" no solo se convirtió en el tema más icónico de Corazón de poeta, sino en un testimonio social y emocional de una época. El estatus de clásico atemporal de esta obra quedó firmemente demostrado casi tres décadas después de su lanzamiento original. En el año 2010, el reconocido músico aragonés Enrique Bunbury decidió rendir un sincero homenaje a la composición de Manuel Alejandro y a la interpretación de Jeanette, eligiendo "Frente a frente" como el primer sencillo de su aclamado álbum Las consecuencias.

1989.- De niña a mujer - Julio Iglesias

El año 1981 fue un periodo de consolidación estelar para Julio Iglesias, quien para entonces ya se había convertido en un fenómeno musical global, trascendiendo las fronteras del idioma y consolidando su estatus como un icono de la canción romántica internacional.  Durante este año, el artista madrileño mantuvo una agenda frenética que reflejó su inmensa popularidad en diversos mercados. Un hito destacado de 1981 fue su participación en el Festival de Viña del Mar en Chile, donde no solo cautivó al público latinoamericano, sino que también protagonizó momentos memorables en la televisión local, como su recordada colaboración y entrevista con el Dúo Dinámico. Su capacidad para conectar con audiencias de diferentes culturas se vio reforzada con actuaciones de alto nivel, incluyendo su presencia en la Gala de la Cruz Roja en Montecarlo, invitado por la princesa Grace de Mónaco.  En el ámbito discográfico, 1981 fue un año prolífico. Publicó álbumes como De niña a mujer y Fidèle, además de diversas recopilaciones para mercados internacionales como Zärtlichkeiten (en alemán) y Begin the Beguine. Estas publicaciones reflejaron su estrategia de adaptar su repertorio a idiomas locales, una táctica que le permitió penetrar con éxito en mercados tan diversos como el europeo y el latinoamericano. Más allá de los escenarios, 1981 fue también un año de introspección personal; el cantante publicó sus memorias en la revista Protagonistas, donde compartió facetas inéditas de su vida, incluyendo recuerdos de su juventud y su accidentado inicio en el mundo de la música. Fue, en resumen, un año donde Julio Iglesias terminó de pulir la imagen del "gentleman" romántico y seductor que lo acompañaría durante las siguientes décadas, equilibrando una carrera discográfica masiva con una presencia constante en los eventos sociales y culturales más exclusivos del mundo.

"De niña a mujer", es una de las composiciones más emblemáticas y definitorias de la carrera de Julio Iglesias. No solo dio título a uno de sus álbumes más exitosos, sino que se convirtió en una pieza clave para entender la narrativa del artista: la transición de la juventud a la madurez vista a través del prisma de la nostalgia y el romanticismo. La canción destaca por su melodía suave y envolvente, arropada por unos arreglos de cuerdas que le otorgan una elegancia atemporal. Líricamente, el tema explora la complejidad del paso del tiempo. A diferencia de sus baladas puramente pasionales o de despecho, "De niña a mujer" posee un componente introspectivo y casi pedagógico. Julio narra la transformación de una joven, observando cómo los juegos de la infancia dan paso a una nueva consciencia emocional y sentimental. Esta temática resonó profundamente con una generación de oyentes, ya que capturó esa universalidad de ver a alguien querido crecer, cambiando su mirada y su forma de entender el amor. Es una canción sobre el ciclo de la vida, tratada con la delicadeza que caracterizaba el estilo interpretativo de Iglesias en su apogeo: intimista, susurrante y profundamente sugerente. Lo que hace que esta canción destaque sobre otras de su repertorio es su tono lírico. Julio Iglesias logró despojarse de artificios para ofrecer una interpretación que se sentía cercana, casi como si estuviera contando un secreto a cada uno de sus seguidores. Existe una fascinante dualidad en torno a "De niña a mujer" que ha generado debates durante años. Aunque popularmente se ha instalado la creencia de que es una oda de amor paternal dedicada a su hija, Chábeli Iglesias, la realidad es más compleja y tiene un matiz romántico hacia su entonces esposa, Isabel Preysler. Existe una fascinante dualidad en torno a "De niña a mujer" que ha generado debates durante años. Aunque popularmente se ha instalado la creencia de que es una oda de amor paternal dedicada a su hija, Chábeli Iglesias, la realidad es más compleja y tiene un matiz romántico hacia su entonces esposa, Isabel Preysler.

1974.- Como una ola - Rocío Jurado

Cantante española de copla, flamenco y canción melódica. Su estilo, mezcla de referencias andaluzas, grandes orquestaciones y toques pop, caló en el gusto popular gracias a su dominio de la escena y a los matices de su voz, dúctil y potente al mismo tiempo. La constante presencia de su imagen en las revistas de actualidad fue sólo un reflejo de la admiración que despertaba entre el público. Rocío Jurado inició muy tempranamente su carrera como intérprete de flamenco. En 1961 debutó en un concurso organizado por Radio Nacional de España en Sevilla. Animada por los miembros del jurado, entre los que figuraban conocidas personalidades del momento, se trasladó a Madrid, y meses después fue contratada para intervenir en el espectáculo del cantaor Enrique Castellón Vargas (apodado El Príncipe Gitano), en el que también participaba como artista de primera fila Manolo Escobar. Con él recorrió los más diversos escenarios, recogiendo las enseñanzas que sólo el contacto directo con el público puede proporcionar. En 1967 debutó en el Teatro de la Zarzuela, de la mano de Rosita Ferrer, en el espectáculo Pasodobles. La tonadilla, estilo clave en las primeras etapas de su carrera, fue dando paso a otros géneros, mientras se ganaba la voluntad de un público que comenzaba a alejarse de los tópicos que siempre han mantenido la "canción española". Tras estrenar por su cuenta el espectáculo Rosa y aire, ganado ya el primer puesto entre las figuras de la música popular, comenzó a realizar constantes giras por Hispanoamérica, durante las cuales intervino en programas de televisión, y consiguió éxitos absolutos con álbumes como Un clavel (1971), Soy de España (1973) y Amor marinero (1977). 

Como una ola, lanzada en 1980, no es solo una canción, es el monumento sonoro que terminó de consagrar a Rocío Jurado como "La Más Grande", compuesta por el prolífico Manuel Alejandro y Ana Magdalena, la obra es un prodigio de la narrativa sentimental que utiliza la fuerza de la naturaleza como una metáfora sobre la llegada y la devastación de un amor que rompe, en si la letra describe la irrupción de un sentimiento, como el amor, que no pide permiso y la metáfora central es perfecta: el amor llega con la frescura y la luz de una ola ("con su luz de sal y espuma"), pero termina revelando su capacidad destructiva al retirarse, pero ha que añadir para que esta pieza sea inmortal la progresión dramática que tanto se daba en las canciones melódicas de la época, ya que comienza de forma contenida, casi susurrada, estableciendo el escenario del encuentro pero a medida que avanza hacia el estribillo, la orquestación crece y la voz de Rocío se expande hasta alcanzar cotas de potencia inalcanzables para otros artistas de su época, hasta que llega al estribillo donde tenemos un estallido de energía donde la voz de la chipionera parece emular físicamente el golpe de una ola contra las rocas.

Como una ola transformó la balada romántica en español, en un momento en que la música en España buscaba modernizarse tras la Transición, esta canción logró unir la tradición del dramatismo folclórico con una producción pop orquestal de primer nivel. Se convirtió en un himno de empoderamiento vocal y emocional, y es que décadas antes de que en España fuera legal el matrimonio homosexual, en esa época en la que el feminismo no era una palabra estampada en las camisetas de los desfiles de moda, Rocío Jurado se declaraba “progay”, se rebelaba contra las preguntas sexistas y cantaba letras provocadoras, que jamás se habían escuchado en la voz de una mujer.

1877.- El hombre del piano - Ana Belen

1980 fue un año de absoluta plenitud para Ana Belén, en ese momento, no solo era una de las artistas más queridas de España, sino que estaba logrando algo muy difícil: equilibrar una carrera musical de éxito masivo con un prestigio actoral impecable y un fuerte compromiso político en plena Transición. Todo arracanca el año anterior cuando  a finales del mismo lanzó el álbum titulado simplemente Ana, el cual dominó las listas de éxitos durante gran parte de 1980. Este disco marcó su consolidación como la "musa" de la elegancia pop en España, "Agapimú" (una adaptación de un tema griego) sonaba en todas las radios. Se convirtió en un fenómeno cultural que definió su estilo: voz dulce pero potente, estética cuidada y un carisma sofisticado. Ademas su relación personal y profesional con Víctor Manuel estaba en su punto álgido de influencia. Juntos personificaban la modernidad democrática de España, mientras Ana triunfaba con el pop, Víctor Manuel venía de arrasar con Soy un corazón tendido al sol, eran la cara visible de una generación que unía la "canción de autor" con una producción musical mucho más internacional y brillante. Y no podemos olvidar el cine, se estrenó la película "Cuentos eróticos", donde participó en uno de los episodios. Venía de rodar títulos importantes y ya era considerada una de las actrices más fotogénicas y capaces del cine español.

Ese año publica Con las manos llenas, un trabajo pulido al detalle. En este momento, Ana ya no es solo "la actriz que canta", sino una intérprete con un control vocal asombroso. El disco fue producido por Danilo Vaona, un productor clave para entender el sonido del pop español de los 80, aportando un aire europeo, orquestal y muy elegante. Dentro de ese álbum encontramos El hombre del piano, la pieza que terminó de consagrar a Ana Belén como una intérprete dramática de primer orden. Se trata de una magistral adaptación al castellano, realizada por Víctor Manuel, del clásico "Piano Man" de Billy Joel. A diferencia de la versión original, que tiene un aire más cercano al folk-rock americano y al saloon, la versión de Ana Belén eleva la sofisticación melódica, sin duda conserva el icónico riff de armónica, pero este adquiere un tinte más melancólico y europeo, funcionando como el hilo conductor que une las penas de los personajes, pero en la Interpretación, Ana Belén abandona el tono de "cronista de bar" de Joel para adoptar una voz empática y casi maternal. Su capacidad para pasar del susurro contenido en las estrofas a la potencia vocal del estribillo dota a la canción de una dinámica emocional arrolladora. 

Otro punto fuerte es la letra, la adaptación de Víctor Manuel es brillante porque no traduce, sino que recontextualiza, presenta una galería de derrotados, presenta un retablo de personajes rotos, la letra explora la soledad compartida en la gran ciudad, donde la música es el único bálsamo capaz de hacer que los personajes "se olviden de su soledad por un momento". Esta versión convirtió un éxito de pop-rock en una balada existencialista que definió la educación sentimental de la España de los 80, consolidándose como el himno definitivo sobre la melancolía urbana.

1873.- Como yo te amo - Raphael

Raphael es el nombre artístico de Miguel Rafael Martos Sánchez, un reconocido cantante y actor español nacido el 5 de mayo de 1943 en Linares, Jaén. Es una figura icónica en la música en español y ha destacado en géneros como la balada. Aunque cuenta con una gran cantidad de éxitos, una de sus canciones más recordadas es ‘Como yo te amo’. Te contamos lo que expresa la letra de este tema. Para Raphael, 1980 no fue un año cualquiera; fue el inicio de una "segunda edad de oro". Tras una etapa de transición en los años 70 donde la música disco y los nuevos ritmos amenazaban con desplazar a los baladistas clásicos, Raphael logró reinventarse y reafirmar su estatus de leyenda viva. Es posiblemente el año más recordado de su carrera por un dato astronómico: en 1980 (aunque algunas fuentes citan la entrega oficial en 1982), su discográfica Hispavox le otorgó el Disco de Uranio, este premio se creó específicamente para él por haber superado los 50 millones de discos vendidos. Mientras otros artistas de su generación empezaban a retirarse o a repetir fórmulas, Raphael en 1980 se volvió más histriónico y teatral que nunca, fue el año en que "el mito" devoró al cantante: sus gestos, sus pausas dramáticas y su forma de adueñarse del escenario se convirtieron en su marca registrada imbatible.

1980 tambien fue el año que lanzó el álbum "Y sigo mi camino", una pieza fundamental en la discografía de Raphael, ya que marcó su regreso triunfal a la colaboración con el compositor Manuel Alejandro. Este disco consolidó su estatus en una década donde la música melódica española se enfrentaba a nuevos ritmos, demostrando que su estilo teatral seguía más vigente que nunca. Tras algunos años explorando otros estilos y compositores, Raphael volvió a trabajar con el "escribidor" de sus mayores éxitos. Manuel Alejandro compuso y produjo este álbum, logrando capturar de nuevo esa intensidad dramática que solo Raphael sabía interpretar, y como no allí encontramos Como yo te amo compuesta inicialmente para la cantante española Rocío Jurado. Sin embargo, fue la versión de Raphael, la primera en lanzarse en el mercado hispanoamericano, español y norteamericano, una canción que celebra la belleza y la profundidad del amor verdadero. La letra transmite un mensaje de amor incondicional, inigualable y que perdura a través del tiempo, pero lo que hace especial a esta pieza es su construcción narrativa, la letra no solo habla de amor, sino de una superioridad emocional casi religiosa ("yo te amo con la fuerza de los mares"). Para Raphael, este tema fue el vehículo perfecto para desplegar su teatralidad característica: esos silencios tensos, los gestos grandilocuentes y una interpretación que roza lo épico, este tema sirvió para que Raphael le recordara al mundo que, frente a la modernidad de la "Movida", el romanticismo más puro aún podía llenar estadios. Es la canción que mejor define su capacidad de convertir una balada en un evento dramático inolvidable.

1850.- Theme From New York New York - Frank Sinatra

Para muchos oyentes, "New York, New York" de Frank Sinatra es una fusión icónica de cantante y canción. También ha cobrado una nueva resonancia en la ciudad de Nueva York, ya que algunos neoyorquinos han comenzado a cantarla después de vitorear a las 7 p. m. para saludar a los socorristas. Pero los orígenes de la canción, y su trayectoria antes de que Sinatra la grabara, son más complejos de lo que la mayoría de la gente cree. Para empezar, la canción se titula técnicamente "Tema de 'New York, New York'" y fue escrita para la película dramática musical de 1977 “New York, New York” fue dirigida por Martin Scorsese y protagonizada por los poderosos actores Robert De Niro y Liza Minnelli como una pareja casada, De Niro un músico de jazz y Minnelli una cantante. En su estreno, recibió críticas que iban de moderadas a francamente malas, incluyendo una del reconocido crítico de cine Roger Ebert, quien le otorgó tres estrellas: « New York, New York de Martin Scorcese nunca logra un todo coherente, pero si le perdonamos sus confusiones, nos quedamos con un buen rato. En otras palabras: si abandonas tus expectativas de una trama ordenada, acabarás tarareando la canción principal».

El equipo de escritores Ebb y Kander también compuso canciones para otros musicales, entre ellos Cabaret , Chicago y Liza With a Z. Sin embargo, al escribir el tema principal de New York, New York , encontraron la horma de su zapato con el actor De Niro, a quien no le gustó la versión inicial de la canción y sugirió que la reelaboraran. “Mientras nos envolvíamos en autofelicitaciones”, recordó Kander, “vimos a De Niro sentado en un sofá, haciendo un gesto hacia Marty Scorsese”. Ebb intervino diciendo que, en ese momento, De Niro y Scorsese se alejaron de nosotros con uno de sus famosos paseos italianos. Sabíamos que estaban, ya sabes, repitiendo la canción. Kander recordó que se veía a De Niro "gesticulando mucho", dijo riendo. "Y Marty estaba escuchando". Finalmente, el director y el actor, según el equipo creativo, dieron la mala noticia de que la canción necesitaba una mejora. Insultados y enojados, la pareja la reescribió en la versión que todos conocemos. Al final, los compositores admitieron que De Niro y Scorsese «tenían razón... para nuestro enorme beneficio». Como la película fue un fracaso y su canción aparentemente quedó relegada a la invisibilidad en la historia de Hollywood (ni siquiera fue nominada a un premio de la Academia), Ebb y Kander pasaron a otros proyectos. Sin embargo, una de las estrellas de la película, Liza Minnelli, mantuvo la canción en el ojo público interpretándola con frecuencia en sus conciertos. Con el tiempo, su querido amigo y compañero intérprete, Frank Sinatra, comenzó a hacer lo mismo, decidiendo finalmente grabarla en 1979.

1834.- Como yo te amo - Rocio Jurado

Cantante española de copla, flamenco y canción melódica. Su estilo, mezcla de referencias andaluzas, grandes orquestaciones y toques pop, caló en el gusto popular gracias a su dominio de la escena y a los matices de su voz, dúctil y potente al mismo tiempo. La constante presencia de su imagen en las revistas de actualidad fue sólo un reflejo de la admiración que despertaba entre el público. Rocío Jurado inició muy tempranamente su carrera como intérprete de flamenco. En 1961 debutó en un concurso organizado por Radio Nacional de España en Sevilla. Animada por los miembros del jurado, entre los que figuraban conocidas personalidades del momento, se trasladó a Madrid, y meses después fue contratada para intervenir en el espectáculo del cantaor Enrique Castellón Vargas (apodado El Príncipe Gitano), en el que también participaba como artista de primera fila Manolo Escobar. Con él recorrió los más diversos escenarios, recogiendo las enseñanzas que sólo el contacto directo con el público puede proporcionar. En 1967 debutó en el Teatro de la Zarzuela, de la mano de Rosita Ferrer, en el espectáculo Pasodobles. La tonadilla, estilo clave en las primeras etapas de su carrera, fue dando paso a otros géneros, mientras se ganaba la voluntad de un público que comenzaba a alejarse de los tópicos que siempre han mantenido la "canción española". Tras estrenar por su cuenta el espectáculo Rosa y aire, ganado ya el primer puesto entre las figuras de la música popular, comenzó a realizar constantes giras por Hispanoamérica, durante las cuales intervino en programas de televisión, y consiguió éxitos absolutos con álbumes como Un clavel (1971), Soy de España (1973) y Amor marinero (1977). 

Tanto Rocío Jurado como Raphael han interpretado "Como yo te amo", juntos y separados, pero lo cierto es que esta romántica canción no se compuso para el de Linares, sino para la de Chipiona. 'La más grande' la incluyó en su disco Señora y parece que Raphael decidió hacer su propia versión y llevarla a Latinoamérica sin decirle ni pío a la Jurado. La propia intérprete se lo contó off the record allá por 1980 a algunos críticos y comentaristas, entre ellos el periodista Manuel Román, que reveló la historia en 2017 en Libertad Digital. Rocío Jurado lo descubrió al viajar a Latinoamérica. Aunque ya había publicado su disco en España, Señora todavía no se había estrenado al otro lado del charco cuando Raphael lanzó su interpretación de "Como yo te amo". La canción fue todo un éxito en Latinoamérica, pero en la voz de Raphael. Cuando llegó la original, la de Rocío Jurado, ya conocían y amaban la del de Linares. Como era de esperar, la situación enfadó y mucho a Rocío Jurado, que estaba que trinaba cuando se lo contó a aquellos críticos y comentaristas. Según Manuel Román, allí presente, dijo de todo: "Anunció acciones contra él, que ya no le hablaría nunca más, que era un aprovechado…". Pero, por suerte, Rocío Jurado y Raphael hicieron las paces e incluso acabaron cantando juntos "Como yo te amo" alguna vez.

1808.- Un velero llamado libertad - Jose Luis Perales

Un velero llamado libertad se publicó en 1979 dentro del disco Tiempo de otoño, forma parte de aquella época de José Luis Perales en la que lanzaba prácticamente un álbum por año.  Fue su sexto álbum de estudio, producido por Danilo Vaona y Rafael Trabucchelli (se repartieron la cara A y la B). El álbum contiene diez temas que exploran las relaciones humanas, el amor y la libertad, temas recurrentes y magistralmente abordados por el artista, es un álbum muy triste, con mucha carga emotiva, su música, caracterizada por la melodía suave, la instrumentación orquestal y, sobre todo, por la profundidad y belleza de sus letras, capturó el espíritu de una época, es un testimonio del talento de Perales para transformar las vivencias cotidianas en canciones, manteniendo su vigencia y calidez a través de las décadas. Entre las canciones más destacadas e icónicas del disco se encuentran: me llamas, el amor o su icónica Un velero llamado libertad.

Nos detenemos en la última mencionada, la historia que describe la canción es la de un hombre que, cansado de su vida, decide dejarlo todo: "Ayer se fue, tomó sus cosas y se puso a navegar". Con apenas "una camisa, un pantalón vaquero y una canción", el protagonista se despide para emprender una aventura en el mar, en un acto que simboliza la huida de la rutina, las convenciones y las ataduras emocionales. Su embarcación, a la que le llama "Libertad", es la encarnación de su anhelo por una "forma diferente de vivir". Pero la historia no se basa en “hechos reales” ni en la experiencia persona del autor, sino que es completamente ficticia: invitado por el periódico El País, en junio de 2006, para responder a preguntas realizadas a través de Internet por sus seguidores, conto el momento en que surgió el tema: «En realidad recuerdo que estaba viendo una película en televisión; era un chico joven que se iba en un barco para no volver. En la canción, ya que los autores nos podemos permitir cualquier variación en el guion, en contra de lo previsto en la película, decidí que el chico volviera; era más lógico que la soledad, sobre todo porque las sirenas no existen». Ante otra pregunta recibida sobre la misma canción, Perales añadía que «el personaje que va en el velero es un hombre, y cuando regresa, los ojos azules como el mar son de la chica que le espera en el puerto. Qué gane el mejor».

La música logra crear una atmósfera de nostalgia, anhelo y, finalmente, esperanza. El uso de las cuerdas en el estribillo evoca la vastedad del mar y la magnitud del sentimiento de libertad, mientras que la dulzura de la melodía vocal siempre mantiene un tono íntimo. Es en el estribillo donde la música alcanza su máximo esplendor. La melodía se vuelve más abierta y ascendente, reflejando la idea de libertad y la expansión del horizonte. La orquestación se despliega completamente, con un uso prominente de cuerdas ricas y vibrantes que le otorgan ese sonido grandioso y cinematográfico, típico de las producciones de Rafael Trabucchelli.

Sin duda es uno de los temas icónicos del compositor y cantante Conquense, una canción que todos hemos cantado agarrados de la cintura y que hemos coreado a gritos en cada una de las orquestas que visitaban los pueblos allá en los años 80.

1684.- Vivir Así es Morir de Amor - Camilo Sesto

Sentimientos es uno de los álbumes más destacado de Camilo Sesto, lanzado en 1978, este disco reafirma el estatus del artista como uno de los máximos exponentes de la música romántica en español. Camilo Sesto entrega una colección de canciones que combinan letras emotivas con melodías inolvidables, consolidando su habilidad para conectar con el público a través de sus interpretaciones. El álbum incluye éxitos como “
Vivir Así es Morir de Amor” y “El Amor de Mi Vida,” que destacan por sus profundas letras y la pasión en la voz de Camilo. Otros temas como “Llueve Sobre Mojado” y “Amor… Amar” muestran su versatilidad para abordar diferentes facetas del amor y las relaciones. La producción del disco es sofisticada, con arreglos musicales que varían desde las baladas suaves hasta temas con ritmos más dinámicos. “Sentimientos” es una prueba más del talento de Camilo Sesto para crear música que perdura a lo largo del tiempo, haciendo de este álbum una pieza esencial para cualquier amante de la música romántica. Sentimientos es un disco oscurecido por el sencillo que lo anticipó: “Vivir Así es Morir de Amor”, de nuevo baladas y más baladas con un cierto acento distintivo debido más a los arreglos de René de Coupoud y la coproducción de Rafael Pérez Botija que a la originalidad de las composiciones de Camilo Blanes con el órgano creativo ya un tanto desgastado de tanto usarlo.

“Vivir así es morir de amor” es una de las canciones más escuchas y bailables del artista Camilo Sesto. Trata de un amor imposible y no correspondido, de alguien que sufre y que tiene "el alma herida". Fue dedicada a alguien especial, fue escrita por el propio artista. La historia del hit de Camilo Sesto tuvo –con los años- arreglos orquestales que estuvieron de la mano de Rafael Pérez Botija. Como compositor, Camilo Sesto escribió varios temas para diferentes artistas reconocidos como Miguel Bosé, Lani Hall, Audrey Landers, Lucía Méndez, Ángela Carrasco y Manolo Otero, entre muchos otros más. Sin embargo, detrás de tanto trabajo uno de sus grandes éxitos indiscutible fue “Vivir así es morir de amor”. Probablemente, fue una creación muy emblemática. Es una canción que resume su talento, su capacidad vocal pero que además traspasó fronteras y generaciones. 

1615.- Solo pienso en ti - Victor Manuel

 

“Ella fue a nacer en una fría sala de hospital...” solo escuchas esta frase y todos estamos pensando en lo mismo, en esa canción que compuso el asturiano Víctor Manuel inspirándose en una historia real y que su inmensa popularidad contribuyó en su día a modificar la percepción social de la discapacidad. Víctor Manuel venía de una larga travesía en el desierto cuando en 1978 publicó 'Solo pienso en ti'. Tras años un tanto fuera de juego del panorama musical por diversos problemas con la censura y la ley imperante, aquella canción se convertía en el mayor éxito de su carrera y la que más se sigue recordando de su carrera. El cantante asturiano la compuso inspirándose en la conmovedora historia de amor de Antonio Castro y Mariluz Roldán, dos personas con discapacidad que desafiaron los tabúes de la época, para quien no lo conozca contaros que Mariluz Castro Jiménez y Miguel Antonio Roldán Molero se enamoraron gracias a Promi, una asociación a favor de los más necesitados y marginados de la sociedad de entonces. Un amor contra todos que se consolidó en un matrimonio revolucionario e inspirador. Mariluz había nacido con una discapacidad cerebral debido a un traumatismo al nacer y peleó contra la adversidad desde muy joven. La asociación le sirvió de refugio para encontrar nuevas oportunidades, una nueva vida. Antonio, con síndrome de Down, fue criado en una vida rural sin acceso a educación formal, y también encontró en Promi un lugar donde recibió los cuidados y el cariño que necesitaba. Contó Víctor Manuel que "Solo pienso en ti" nació en su cabeza cuando estaba en Montilla, Córdoba, "esperando en un motel para ir a cantar a Aguilar de la Frontera. Cogí en recepción el ‘Diario de Córdoba’ y había allí una crónica sobre una residencia en Cabra donde convivían discapacitados de ambos sexos y de los problemas derivados. Y una foto con un pie: ‘Cuando acaban su trabajo, Mariluz y Antonio pasean de la mano por el jardín. Soy un corazón tendido al sol es muy optimista, pero yo tenía mucho pesimismo dentro. Abarca mucha gente, mucha población. Así son les canciones que funcionen, aunque no sepas cómo hacerlas". “Ahora parece todo normalizado, pero entonces era un infierno tener un familiar o un hijo discapacitado, porque no sabías qué hacer con él”, apuntó Víctor Manuel, que recuerda cómo, cuando salió la canción, “todos los reportajes hablaban de dos chicos con problemas y nadie hablaba de discapacidad”. No existía el lenguaje políticamente correcto, en este caso por desgracia, porque a aquella pobre gente no se les respetaba y se les llamaba, con crueldad, “subnormales”, “retrasados mentales” o “mongólicos”. Todavía hoy la palabra “subnormal” es un insulto. Y la contribución de Víctor Manuel para que todos empezáramos a respetar a esta gente es impagable. Hay un antes y un después tras la publicación de esta canción en lo que se refiere al respeto a este colectivo.

 

Víctor Manuel, en muy pocos versos, nos cuenta la vida entera de los dos protagonistas, su doloroso nacimiento, el calvario de sus padres al descubrir sus discapacidades, su abandono en internados, sus tristezas y alegrías, su inocencia. Él y ella se conocen en la edad adulta, se enamoran y no hay barrera que pueda parar eso. “No puede haber nadie en este mundo tan feliz. Solo pienso en ti”. Una canción de amor entre violines azucarados y mucho que sacar a la luz

1608.- Soledades - Jose Luis Perales

En 1978 fue un año en el que José Luis Perales afianzó su carrera, no solo como intérprete sino también como compositor. Sus obras se hicieron muy populares y sentaron las bases para los grandes éxitos que vendrían en los años siguientes, su participacion en el programa de televisión "300 millones" de RTVE, le dio una importante visibilidad, lanzo dos discos, "Como la lluvia fresca" que marcó un punto importante en la discografía de José Luis Perales, producido bajo el sello Hispavox, este trabajo consolidó su estilo característico de baladas melódicas y letras poéticas. El disco contenía un total de diez canciones llenas de emotividad y profundidad lírica que ya eran sellos del cantautor. El segundo disco que publicó fue Soledades, producido, como muchos de sus trabajos de la época, por el maestro Rafael Trabucchelli, una figura clave en el sonido característico de Perales, también fue publicado por Hispavox, la discográfica que albergó gran parte de su obra en España. Sin embargo, lo distintivo de "Soledades" radica en que fue un lanzamiento exclusivo para Hispanoamérica. Esto significa que, si bien algunas de sus canciones pudieron haber aparecido en otros álbumes españoles (como "Como la lluvia fresca"), "Soledades" se concibió como una colección específica para el público al otro lado del Atlántico, a menudo agrupando temas que ya habían visto la luz en España pero en diferentes configuraciones. La estrategia de lanzar álbumes con configuraciones diferentes para mercados específicos era común en la industria musical de la época. Para José Luis Perales, esto le permitió optimizar la distribución y la resonancia de sus canciones en una región donde su popularidad era inmensa y no hacía más que crecer. "Soledades" no es solo un conjunto de canciones; es un testimonio de la proyección internacional de Perales y de la conexión que estableció con su público latinoamericano, una conexión que se ha mantenido viva a lo largo de décadas.

Este trabajo incluye temas que se convirtieron en clásicos del repertorio de Perales y que resonaron profundamente en el continente americano, canciones como "Compraré", con su melancólica reflexión sobre el paso del tiempo y la adquisición de bienes materiales frente a los sentimientos, se convirtió en un himno. Otro tema significativo es "Pequeño gorrión", una metáfora sobre la libertad y la búsqueda de horizontes. La casada aborda la complejidad de las relaciones y las decisiones de vida con la sensibilidad característica de Perales. Por supuesto, la canción que da título al álbum, Soledades, que es mucho más que una simple pieza musical, es una de las composiciones más emblemáticas y profundas del cantautor y representa una de las cumbres de su habilidad para transformar sentimientos complejos en melodías conmovedoras y letras de una sencillez poética abrumadora. Desde el primer acorde, quedas envuelto en una atmósfera de melancolía y reflexión con una instrumentación, típicamente orquestal y sutil, donde la guitarra de Perales actúa de columna vertebral, creando un ambiente íntimo, casi confesional. La letra es una exploración magistral de la ausencia y la introspección, no habla de la soledad como un estado puramente negativo de aislamiento, sino como un espacio personal donde se encuentran los recuerdos, las añoranzas y, paradójicamente, la compañía de aquellos que no están físicamente presentes. Perales personifica a estas "soledades" como compañeras silenciosas que "llegan" o "vienen", trayendo consigo la memoria de un ser querido, de un tiempo pasado o de una emoción no resuelta. Soledades fue un gran acierto, no se sale de lo que le daba éxito y sigue la estructura de la balada clásica de Perales, con una progresión armónica que realza la carga emotiva de la letra. Los arreglos de Rafael Trabucchelli, característicos de la época, dotan a la canción de una riqueza sonora que eleva su mensaje, sin eclipsar la pureza de la composición original. 

1582.- Tu - Umberto Tozzi

Umberto Tozzi (Turín, 4 de marzo de 1952) es un icónico cantautor italiano con una prolífica carrera que abarca más de cinco décadas. Desde sus inicios en la década de 1970, Tozzi se ha consolidado como una de las voces más reconocibles y queridas de la música pop italiana e internacional. Comenzó su trayectoria musical formando parte de varios grupos locales antes de lanzar su carrera en solitario. Su gran oportunidad llegó con la canción "Ti amo" (1977), un éxito masivo que lo catapultó a la fama mundial y se convirtió en un himno romántico atemporal. A este le siguieron otros éxitos como "Tu" (1978) y "Gloria" (1979), canciones que consolidaron su posición en la escena musical. A lo largo de su carrera, Tozzi ha publicado numerosos álbumes de estudio, muchos de los cuales han obtenido certificaciones de oro y platino. Su estilo musical se caracteriza por melodías pegadizas, letras sentimentales y una voz potente y emotiva. Ha colaborado con importantes artistas y ha participado en festivales de la canción de San Remo, dejando siempre una huella imborrable.

"Tu" fue uno de los estandartes de Umberto Tozzi, una canción que destila una sencillez lírica, aunque esta centrada en la intensidad de un amor posesivo y absorbente. Desde los primeros acordes, la melodía melancólica y envolvente nos introduce en un universo de emociones ayudada por la voz apasionada de Tozzi que transmite una mezcla de adoración y una cierta dependencia hacia la persona amada, un sentimiento que, aunque pueda interpretarse de diversas maneras, en la  audiencia de aquellos años era sinónimo de entrega total en el amor.  La letra, escrita por Giancarlo Bigazzi, se construye sobre la repetición insistente del pronombre "tu" (tú), enfatizando la centralidad absoluta de la persona amada en la vida del cantante. Cada verso parece orbitar alrededor de esta figura femenina idealizada, convirtiéndose en el eje de su existencia. Frases como "Tu, solamente tu" o "Tu, sei tutto quello che voglio" (Tú, solamente tú / Tú, eres todo lo que quiero) no dejan lugar a dudas de la obsesion. Pero la canción tambien explora la idea de un amor que lo consume todo, donde la presencia de la otra persona se convierte en la razón de ser. Es un amor que idealiza y que, en su intensidad, puede rozar la obsesión. La instrumentación, aunque sencilla, juega un papel crucial en la creación de la atmósfera emotiva de la canción. El éxito de "Tu" fue masivo, no solo en Italia sino también en España y Latinoamérica, donde la sensibilidad romántica de la canción encontró un terreno fértil. La potencia de la voz de Tozzi, combinada con la letra directa y el ritmo melódico, la convirtieron en una de las canciones más emblemáticas de su repertorio y en un referente de la balada romántica en español.

1547.- Soy un truhan, soy un señor - Julio Iglesias

 

A mis 33 años es una obra fundamental en la carrera de este artista grande. Julio se pone el mono de trabajo y, tras años de inactividad creativa, vuelve a componer y se hace prácticamente un long play completo con la única excepción de “Soy un truhan, soy un señor”, compuesta por Ramón Arcusa, que por primera vez colabora con él también en la dirección musical, y por su inseparable compañero dinámico Manolo de la Calva. Se trata del LP de Julio Iglesias que más veces se ha reeditado y que siempre, en uno u otro soporte, ha permanecido a la venta desde su primera edición en 1977. Baladas marcas de la casa como la melancólica y blandita “Sono Io”, que a pesar de su título italiano viene cantada en castellano. Y siguiendo con temas lentas, tropezamos con la ampulosa y algo sosa, pero cantada con matización excelente: “Por un poco de tu amor”. Otra balada muy de Julio es la soñadora “¿Dónde estarás?”. “33 años” supone una larga reflexión íntima con una buena letra, que habla del paso del tiempo y que constituye una autobiografía, eso sí, cargada de tópicos, con una instrumentación exquisita con toques de oboe, piano y cuerda.

 

Pero ante todo este LP es el disco donde se estrena “Soy un truhan, soy un señor”, jactanciosa, chulesca, pegadiza y el tema más conocido y reconocido de la larga carrera de Julio Iglesias. Quién no ha cantado o tarareado alguna vez aquello de: “Y es que yo amo la vida, amo el amor, soy un truhan, soy un señor, algo bohemio y soñador”. El hit por antonomasia de Julio Iglesias, será número uno de ventas de singles en España. La composición aparece firmada por Ramón Arcusa y Manuel de la Calva; es decir, por el Dúo Dinámico. Siempre me imaginé al propio Julito riéndose mientras componía 'Soy un truhán, soy un señor' a sus 33 años (la edad que tenía cuando se publicó el tema que va en un disco llamado así, 'A mis 33 años'. Pero no. La canción no es de Julio, aunque la haya cantado siempre él, si no que la compuso Ramón Arcusa (el del Dúo Dinámico), aunque él siempre ha dicho que el único que podía cantar esa canción "como Dios manda" es Julio Iglesias. Y sí. Tiene razón. Julio Iglesias versionó el tema en varios idiomas: en italiano mola hasta el título ('Sono un pirata, sono un signore', en alemán apesta y seguro que hay por ahí alguna cover que merezca la pena... Aunque lo que está claro es que no hay orquesta de pueblo que no la haya tocado en las fiestas patronales en los últimos 30 años, ni karaoke que no la tenga en su repertorio. No me ha dado tiempo a investigar mucho, pero yo es que ya tengo mi interpretación favorita de 'Soy un truhán, soy un señor': la de Tricicle. Qué forma mas elegante (y descojonante al mismo tiempo) de parodiar al golfo... ¡y sin cantar!

1545.- You Light Up My Life - Debby Boone

 

Debby Boone, la joven que cantó "You Light Up My Life", no era famosa ni conocida, se encontró con una canción que surgió de una película, aunque esa película, también llamada You Light Up My Life, no fue un gran éxito y los críticos la detestaron. La canción principal de es pelicula es una balada grandiosa y exagerada, un género imperecedero, pero que no garantizaba necesariamente un éxito masivo en 1977, sin embargo reinó. "You Light Up My Life" fue un éxito durante las fiestas, y las baladas exageradas suelen triunfar en esa época del año.  El éxito de la canción se vuelve aún más desconcertante al conocer su historia inquietante, enrevesada y, en última instancia, oscura. Joseph Brooks, el hombre que escribió y produjo "You Light Up My Life", era un veterano compositor de jingles publicitarios que se había dedicado a componer para películas, Brooks decidió que quería hacer películas él mismo, así que escribió, dirigió, produjo y autofinanció la película You Light Up My Life, un sombrío drama romántico, Columbia adquirió la película, rodó un final más feliz y la lanzó al mercado. Didi Conn, era la actriz principal de la película, pero no era cantante, así que, en el momento culminante, cuando canta "You Light Up My Life" hace playback. En la película, escuchamos la voz de Kasey Cisyk, la cantante de jingles publicitarios que la grabó con Brooks, pero este quería librarse de pagarle a Cisyk y Brooks decidió grabar una versión diferente de la canción, con otra cantante, usó la pista orquestal original de la versión de Cisyk, ya que no quería volver a pagar por una orquesta. Y como la voz de Cisyk había sido captada por los micrófonos que grababan a la orquesta, necesitaba encontrar a un cantante que interpretara la canción exactamente igual que la versión original, y ahí llegó Debby Boone que provenía de una familia de artistas. Pat Boone era su padre, y su abuelo materno, la estrella del country Red Foley, Debby y sus hermanas empezaron a hacer giras y grabaciones siendo niñas, cantando gospel y versionando canciones pop. Durante un tiempo, firmaron con Motown, lo cual es extraño, y tuvieron pequeños éxitos de radio de música contemporánea para adultos con versiones de Supremes y ABBA. Debby, de 20 años, nunca había grabado una canción en solitario antes de "You Light Up My Life", pero el dueño de Curb Records, Mike Curb, pensó que tenía potencial como solista y la animó a hacer la canción.

 

Tal como está escrita, "You Light Up My Life" es una balada de amor bastante típica: "Por fin, una oportunidad para decir “Hey, I love you' / Nunca más quiero estar sola". Pero debido a su letra tan vaga, funciona perfectamente como una canción religiosa, y así lo quiso decir Boone cuando la cantó. Para ella, el "Tú" de la canción es Dios, y dado lo que la gente sabía sobre Boone y su familia, probablemente fue así como la escucharon. Como cancion, "You Light Up My Life" es aburrida, sosa y forzada, pero tiene un gancho fuerte, y las cuerdas y los pianos dan en el clavo. Boone no tiene una voz potente y suena mal en algunos momentos culminantes, posiblemente al menos en parte porque intenta replicar la versión de otra cantante con mayor capacidad, pero suena como si te lo creyeras, algo que no se puede decir de todas las baladas cinematográficas grandiosas y sentimentales. Boone ganó el Grammy a Mejor Artista Nuevo tras el éxito de "You Light Up My Life", pero nunca llegó ni de lejos al top 10. Su siguiente tema, "California" de 1978, escrito por Brooks, alcanzó el puesto número 50. Su siguiente tema de éxito para una película, "When You're Loved", de " The Magic Of Lassie " de 1978, fue nominado a otro Óscar, pero no entró en las listas. Boone tuvo más éxito en la música country; su sencillo de 1980, "Are You On The Road To Lovin' Me Again", fue número 1 en las listas country durante una semana, aunque no llegó a la cima. De ahí en adelante, Boone se dedicó a la música cristiana y a la actuación teatral. También ha escrito varios libros infantiles con su esposo, el pastor e ilustrador Gabriel Ferrer. Y en 2005, tras 16 años alejada de la industria musical, lanzó Reflections Of Rosemary, un álbum tributo dedicado a su difunta suegra, Rosemary Clooney. (George Clooney es, si me explico bien, el primo político de Boone).

1487.- Gavilan o Paloma - Pablo Abraira

Pablo Abraira nació en Madrid en 1949. descubre Beatles, el Pop, el Soul, el Rhythm´n´Blues, el Rock&Roll, a una temprana edad y comienza su andadura musical y tras varios años y después de varios grupos, pasa a ser solista de “Los Grimm” con los que graba su primer disco. Después llego “Frecuencia” Tiene su primera experiencia teatral en un musical llamado “Personajes”. Tras el servicio militar una pirueta del destino hace que su amigo Álvaro Nieto le propongan grabar en solitario, momento en que conoce a Rafael Pérez Botija, quien hace que de forma absolutamente inesperada, su trayectoria artística adquiera una creciente popularidad tanto en España como en América. Fruto de la misma son sus nueve álbumes, donde canciones como “O tu o nada”, “Gavilán o paloma” y “Pólvora mojada” entre otras, consiguieron ser número uno. En una permanente búsqueda de nuevos caminos, surge la experiencia teatral, protagonizando el musical “Lovy”, donde se revela como actor, obteniendo excelentes críticas. En 1982 encarna al Ché para llevar a los escenarios mundiales el gran acontecimiento para el musical en español que supuso “Evita”. La carrera de Pablo Abraira se encontraba en su momento álgido, pero el carácter artístico y personal de Pablo, la constante búsqueda de la superación y el perfeccionamiento le llevan a asumir nuevos retos. Por ello, tras la gira Americana que se realiza con dicho musical, surge el proyecto de poner en marcha “Jesucristo Superstar” estrenándola a comienzos de 1984 en Madrid, viajando con el espectáculo, de nuevo, a Hispanoamérica. Pablo Abraira es además de una cantante un grandísimo actor de teatro, siempre alerta ante la esquizofrenia que marca la diferencia entre el ser humano que uno es y el personaje que a cada uno nos toca representar en el gran teatro de la Vida. Permanentemente expectante e intentando crecer y madurar como persona, para poder alimentar al artista de savia nueva.

No existe una canción, NO EXISTE, en la que se conjuguen de forma tan sublime la épica vocal, los arreglos orquestales al borde del precipicio y la (bastante risible) letra, condiciones todas fundamentales para arrancar aplausos y carcajadas en cualquier evento entre amigos que termine, ya sabéis de lo que hablo, micrófono en mano. El caso es que no acabo de tener claro si es algo que debería avergonzarme, pero recórcholis, es que me chifla esta famosísima canción de Pablo Abraira, qué le vamos a hacer. Entre lo peor, algunas rimas «algo me arrastró hacia ti como una ola / y fui y te dije hola, que tal«, hasta la conclusión con «sólo me dio frio tu calor /lentamente te solté de entre mis brazos / y dije estate quieta por favor» la sensación de desconcierto es total, pero las carencias de la letra están más que suplidas con la arrebatadora música, una de esas progresiones melódicas capaces de poner de pie a un auditorio. Lo curioso es que ni los distintos intérpretes del megahit ni su compositor (Rafael Pérez Botija) han sido capaces de ponerse de acuerdo sobre el significado del tema, existiendo desde teorías sobre un gatillazo del supuesto gavilán, hasta aquellos puntos de vista que defienden que lo que la canción narra, no es otra cosa que el desencantado encuentro amoroso con una mujer que finalmente resulta ser un travestido…(Yo baje la cremallera de tu vestido / Y tu no me dejaste hablar / Solamente suspirabas, te necesito, abrázame mas fuerte mas / Al mirarte me sentí desengañado / Solo me dio frio tu calor / Lentamente te solté entre mis brazos / Y dije estate quieta, por favor)......yeah. Fuera de ironías el resultado una monumental balada, sin duda de lo mejor de la historia de la música española, buena letra con ribetes eróticos, historia de amor y frustración y una melodía original envuelta en arreglos orquestales muy cuidados. Una pieza que sería, de lejos, la más conocida de este cantante y que pasaría nada menos que cinco semanas en el número 1 de ventas en España. podemos afirmar sin miedo a la equivocarnos que esta canción sobre el clásico tema del «cazador cazado» superó en fama incluso a la de su propio intérprete, convirtiéndose en la típica canción que todo el mundo conoce, pero pocos saben bien quién la hizo famosa.

1466.- Evergreen - Barbra Streisand

Ha nacido una estrella es una especie de mito americano, una historia que se repite una y otra vez, y cuya forma varía apenas de una versión a otra. Ha nacido una estrella ha existido en Estados Unidos desde que existen celebridades en el mundo del espectáculo. Cuando Barbra Streisand hizo su versión de la historia, ya se había llevado al cine dos veces: primero en 1937, con Janet Gaynor y Frederic March, y luego en 1954, con Judy Garland y James Mason. En cada nueva versión (y oficialmente ya ha habido cuatro) es una fábula del mundo del espectáculo sobre una joven talentosa y sobre un hombre mayor y en decadencia que la ayuda a alcanzar el éxito y luego se resiente cuando ella lo eclipsa. Barbra Streisand ya era una estrella cuando hizo su versión de A Star Is Born . Había ganado un Oscar en 1969. Había tenido el single más exitoso de 1974 con " The Way We Were ". Y se había convertido en la actriz más rentable de Hollywood. La versión de 1976 de A Star Is Born es realmente solo un escaparate para Streisand, tanto como actriz como cantante. La versión de Streisand de A Star Is Born es la primera que se publicó durante la era del rock and roll y, según ella, el hombre que envejece es una estrella de rock autodestructiva que bebe constantemente hasta perderse en el olvido. Streisand quería elegir a Elvis Presley como el interés amoroso, pero el coronel Tom Parker quería demasiado dinero, así que eligió a Kris Kristofferson.

Barbra Streisand impuso trabajar con Paul Williams, los dos lograron el éxito con “Love Theme From A Star Is Born (Evergreen)”, una canción que Streisand y Williams escribieron juntos. Streisand casi nunca había escrito una canción antes, pero estaba aprendiendo a tocar la guitarra para poder tocarla en la película. Se le ocurrió la melodía de la canción, la tocó en la guitarra para Williams y se preguntó en voz alta si sería buena. Williams dijo que era genial y escribió la letra de la canción. A Star Is Born es, por encima de todo, un musical, y “Evergreen” básicamente cumple la misma función que “Shallow” de Lady Gaga y Bradley Cooper en la versión de 2018 de “A Star Is Born”, está ahí para decirnos dos cosas: Barbra Streisand y Kris Kristofferson se quieren muchísimo, y Barbra Streisand sabe cantar de verdad. En la película, Streisand y Kristofferson cantan la canción mientras se miran con avidez, y la voz de Streisand opaca por completo la de Kristofferson. En la versión grabada, Kristofferson está afortunadamente ausente. Musicalmente, “Evergreen” es un exuberante jarabe de los años 70, lleno de pianos y cuerdas y coristas arrullantes, en otras partes del exitoso álbum de la banda sonora, Kristofferson gruñó a través de un rock sintetizado genérico, mientras que Streisand hizo un par de intentos de cantar soul con un ritmo rápido. Pero “Evergreen” es Streisand en su zona de confort, tambaleándose pirotécnicamente, dejando que su voz se hunda, gire y se sumerja. Su interpretación de la canción está en algún lugar entre el brillo de Broadway y el melisma gospel, dos estilos muy vistosos que siempre fueron bastante compatibles, como ejercicio técnico, ese trabajo es enormemente impresionante. También es el tipo de cosa que tiende a exprimir todo el significado de las letras, así que tal vez fue bueno que la letra fuera insignificante.

1416.- Asturias - Victor Manuel

No hay fiesta de prao en Asturias en la que, llegado un momento de la noche, cuando la euforia alcanza su máxima plenitud, no brote de la muchedumbre un griterío de júbilo en cuanto la orquesta entona los primeros compases: “Asturias, si yo pudiera…”. Y el espíritu de camaradería y paisanaje, el canto torpe y desafinado, el abrazo efusivo a los amigos y vecinos, no decae hasta la última estrofa, esa en la que se dice de Asturias que está “sola en mitad de la Tierra” y que es “hija de mi misma madre”.

En 1976 publica dos discos, el primero es un directo grabado en el Teatro Monumental de Madrid, donde registra por vez primera Planta 14 o Asturias, el segundo, de marcado contenido político y titulado Canto para todos, ofrece una cara con temas como Camaradas, Al compañero Orlando Martínez o Socialismo en libertad y la otra cara con temas cantados en bable, como Danza del cuélebre, Xiringüelu o Yeren dos güajes. “Asturias”, que ejerce en la práctica de himno no oficial de la región y aunque todo el mundo se sabe la letra, muchos menos conocen cuál es el origen de este poema que un salmantino escribió durante la caída del frente republicano de Asturias en 1937. En sus versos el poeta rememora, oscilando entre la épica y la amargura, los sucesos de octubre del 34 y la posterior represión del movimiento revolucionario. Garfias, como buen marxista que era, sabía muy bien aquello de que la Historia se repite dos veces—primero como tragedia y luego como farsa—, y su poema sobre Asturias es en cierto modo una lamentación ante una nueva derrota, y esta definitiva, tres años más tarde: “Dos veces, dos, has tenido ocasión para jugarte la vida en una partida, y las dos te la jugaste”. Durante sus casi dos décadas de estancia en México, donde murió, Garfias ofreció numerosos recitales en centros asturianos y en el restaurante El Hórreo. “Asturias” era una de los poemas indispensables en estos actos de nostalgia y confraternización para los asturianos de la diáspora. Podemos a imaginar a Indalecio Prieto entre el público, quizás incómodo con los versos que celebraban la épica de la revolución, rumiando su arrepentimiento mientras a sus paisanos se les saltaban las lágrimas. Fue en ese mismo restaurante asturiano de D.F donde Víctor Manuel escuchó el poema por primera vez. Era 1970, Garfias llevaba ya unos años muerto, y el mierense cruzaba el chaco por primera vez y se encontró este texto que le llevaría a realizar una de las mejores canciones de su repertorio y de la tierra que nombra.

Aunque ya era canción, todavía iba a tardar más de una década en llegar a los oídos de sus destinatarios. No fue hasta cinco años más tarde, en 1976, cuando Víctor Manuel incluyó “Asturias” en un disco grabado en directo. Un disco, según sus palabras, “muy de barricada, con pocos medios”. Antes había sido imposible hacerlo, debido a la censura franquista, que quería suprimir de la canción el verso de los “millones de puños rotos”: “No lo toleraban. Eran inconmovibles, no se conmovían”. La única opción fue grabarlo en directo, y ya en 1978, con la dictadura en retirada, pudo grabar la canción en estudio e incluirla en el vinilo “Canto para todos”. Sin embargo, la versión que acabaría llegando a las masas y popularizando fue una grabada en Londres y publicada en “El Cobarde”, un disco de 1983. Casi 50 años después sigue cerrando todas las romerías de Asturias, y no parece que vaya a jubilarse pronto.

1394.- Hoy tengo ganas de ti - Miguel Gallardo

José Miguel Gallardo Vera nació un 29 de septiembre de 1950 en Granada, pero a la edad de 8 años se trasladó con su familia a vivir en Barcelona. Después de los estudios escolares pasó a la Universidad de Ingeniería Técnica de Vilanova i la Geltrú Barcelona, aunque el curso no lo finalizo, pues necesitaba trabajar para ayudar a su familia que se había trasladado a Sevilla en condiciones económicas precarias. Un día se le despertó el gustillo de la música y decide matricularse en el conservatorio donde estudio solfeo, guitarra y piano, participo en varias agrupaciones y también compuso algunos temas para otros cantantes sus primeros dos sencillos los lanzó bajo el nombre «Eddy Gallardo» en 1972 y 1973, respectivamente. En 1973 lanza otros dos sencillos más, esta vez con el nombre «Miguel Gallardo», el cual utilizaría el resto de su carrera. Durante 1974 lanza primeros sencillos que destacaron en el mercado, «Recordando a Glenn» y «Quédate», canción inspirada en el poema «Farewell de Pablo Neruda con la que logra su primer número uno en España. En 1975 lanza su primer gran éxito: «Hoy tengo ganas de ti» y publica su primer álbum «Autorretrato» convirtiéndose en el primer artista español en ser distribuido por el prestigioso sello EMI, que le ayuda a consolidarse en el mercado hispano americano. Temas como «Hoy tengo ganas de ti», con la cual ha alcanzado más de dos millones en ventas y que ha sido versionada en otras lenguas como: francés, inglés, portugués, chino, finlandés, griego, y otros como: «Otro ocupa mi lugar», «Gorrión», «Y tú dónde estás», «Saldré a buscar el amor», «Y apago la luz», ratifican su éxito. En la década de los 80 lanzó varios álbumes que alcanzaron discos de oro y platino en la mayoría de países de habla hispana. En 1990 recibe el premio ACE (Asociación de Críticos del Espectáculo) de Nueva York, como el mejor cantante latino. Hacia mediados de la década de los 90’ crea su propia editorial y productora musical denominada «Veramusic», dedicada a buscar y lanzar nuevos compositores y cuenta con canciones grabadas por artistas como: Azúcar Moreno, Sergio Dalma, Ana Torroja (Mecano), Ana Belén, Alejandra Guzmán, Lucero, Greta y Los Garbo, Mijares, Missiego, entre otros.

En la canción de ‘Hoy tengo ganas de ti’ se convirtió rápidamente en un himno del romanticismo español, una balada con su melodía envolvente y su letra cargada de pasión y deseo, ha trascendido generaciones y sigue siendo una de las canciones más populares y queridas de la música española, en ella expresa su deseo de encontrar su camino en la vida a través de la conexión con esta persona, anhelando que ella se sienta plenamente mujer solo a su lado. La canción habla de un deseo ardiente por reencontrarse con ella, por apagar la sed de amor y pasión que siente en su alma con los besos de la mujer amada, y por descubrir el amor junto cada día. La voz de Gallardo, con su inconfundible timbre, dota a la canción de una intensidad que conmueve al oyente. Su interpretación, llena de sentimiento y entrega, logra transmitir la angustia y el anhelo de un amor no correspondido o perdido. La repetición de la frase «hoy tengo ganas de ti» enfatiza la intensidad del deseo y la necesidad emocional que siente Miguel Gallardo en el presente. La canción también menciona el dolor y la amargura que trae el silencio y la ausencia de la persona amada, así como la búsqueda desesperada de su voz en la noche.