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jueves, 21 de octubre de 2021

Un país, un artista: Oliver Mtukudzi - Zimbabwe


Tuku" Mtukudzi nació el 22 de septiembre de 1952 en Zimbabwe, creció como el mayor de siete hijos en una familia musical. Sus padres se conocieron en un concurso de coro y, según una entrevista de Músico Contemporáneo con Mtukudzi, "nunca dejaron de competir entre ellos Solían actuar y hacer que los niños decidiéramos quién era el ganador". Aunque no había radio en su casa, afirma estar familiarizado con la música de artistas como Otis Redding (con quien se lo compara con frecuencia), Wilson Pickett, The Who y Deep Purple. Los amigos de su padre pasaban por allí con frecuencia, aumentando la exposición del impresionable Mtukudzi a la mbira y la música jit.

Mtukudzi ha sido un pilar en la escena pop de su país natal desde mediados de la década de 1970. Después de lanzar su primer sencillo, "Stop before Go" (también traducido como "Stop after Orange"), en 1975, se unió a Wagon Wheels, un grupo que también incluía a la superestrella de Zimbabwe Thomas Mapfumo. De Mapfumo, tomó prestado chimurenga, que se traduce aproximadamente como "lucha por la liberación", un término que describe el tema de la música en lugar de un estilo musical. Los músicos tocaban chimurenga durante las reuniones nocturnas de los luchadores por la liberación de Zimbabwe, en los idiomas shona y ndeble que rara vez entendían los oyentes blancos. Tanto Tuku como Mapfumo construyen su música en torno a los complejos patrones de sonido rítmico que llevan el nombre de la mbira, un instrumento nativo de Zimbabwe que se toca con los pulgares. Después de dejar Wagon Wheels, Mtukudzi formó Black Spirits y comenzó a escribir canciones. Muchas de estas composiciones expresaban los "problemas que nos enfrentamos cuando eramos jóvenes, como no conseguir trabajo debido a nuestro color", dijo en una entrevista con Contemporary Musicians. El primer sencillo de The Black Spirits, "Dzandimomotera" de 1979, se convirtió en disco de oro.

 

Mtukudzi ha escrito canciones socialmente relevantes porque cree que "las canciones deben hablar de algo. Tienes que expresar un sentimiento". Combinando estilos musicales tradicionales y modernos con letras significativas, Mtukudzi se convirtió en el cantante más vendido en Zimbabwe y una fuerza musical a tener en cuenta en todo el continente africano, Europa y en los Estados Unidos. El creciente interés occidental en las músicas del mundo llevó a Mtukudzi a realizar muchas giras fuera de Zimbabue a finales de la década de 1990 y principios de la de 2000. Mientras la música de Nhavasigue siendo optimista y bailable, también habla de la lucha provocada por la epidemia del sida en el continente africano. La epidemia tuvo un efecto grande en la composición de canciones de Mtukudzi, ya que él personalmente fue testigo de cómo tres miembros de los Espíritus Negros sucumbían a la enfermedad, incluido su hermano menor.

Mtukudzi también ha podido realizar una carrera cinematográfica, coprotagonizando producciones cinematográficas de Zimbabwe como Jit. La comedia romántica es reconocida como la primera película comercial producida íntegramente con un elenco de Zimbabwe. La película también contó con una banda sonora de Mtukudzi que incluía la canción "What's Going On?". El ritmo contagioso de la canción llamó la atención de Bonnie Raitt, quien utilizó la composición como base para su colaboración de 1998 con Mtukudzi, "One Belief Away".

Un autor muy a tener en cuenta y bucear en el legado que nos ha dejado, su música muy bailable con letras de conciencia social que promueven la responsabilidad individual, la humildad y la sensibilidad hacia el medio ambiente, además de documentar sus experiencias personales con la epidemia africana del SIDA. Musicalmente, Mtukudzi combina formas musicales africanas como los estilos chimurenga, jit y mbira. La mezcla resultante ha sido apodada música Tuku, que Mtukudzi interpreta con un estilo vocal profundo y gutural. 

martes, 12 de octubre de 2021

Un país, un artista: Días de Blues - Uruguay

 

Días de Blues


     En esta ocasión nuestros amigos y seguidores, a través de sus votos, han querido que sea un artista del país de Uruguay el que sea reseñado. El escogido por 7dias7notas en esta ocasión es uno de los primeros, y gran precursor del hard rock en el país sudamericano, aunque también tocaban estilos como el blues y el rock. Con todos vosotros Días de Blues.

Días de Blues es una banda de blues, rock y hard rock que nace en Montevideo, Uruguay en 1972. Sus tres integrantes, Jorge Barral (bajo, guitarra y voz), Daniel Bertolone (guitarra y voz) y jorge Graf (batería), provenían del grupo Opus Alfa, banda de blues y blues rock surgida en 1970, y que incialmente se dedicaba a realizar versiones en inglés de artistas sajones como Jimi hendrix o Keef Hartley Band entre otros, aunque posteriormente se concentraron en crear sus propio sonido con letras en castellano. 

Días de blues se presenta por primera vez ante el público el 18 de junio de 1972 en el Teatro Solís de Montevideo, compartiendo escenario con el cantante, músico y compositor argentino Litto Nebbia, considerado uno de los fundadores del rock argentino. Los más de mil espectadores presentes despiden al grupo de Montevideo entre ovaciones y aplausos. Un mes después, concretamente el 4 de julio de 1972 el grupo debuta con un concierto propio, en el Teatro Nuevo Stella de Montevideo. Dicho concierto es crucial para la historia de la música en Uruguay, pues está considerado como uno de los primeros recitales de hard rock llevados a cabo en Uruguay, suponiendo un gran avance en cuanto a la innovación musical, y también en cuanto a la amplificación del sonido. En aquel memorable concierto además de otros temas, algunos inéditos hasta la fecha, y todos propios, tocan las ocho canciones que formarán parte posteriormente de su primer álbum de estudio.

La innovadora propuesta de Días de Blues, hacen que el grupo se asiente y gane popularidad rápidamente, tocando en la Biblioteca Nacional y en un gran festival en el Velódromo de Montevideo, llegando a tocar incluso, con gran éxito, en el Festival BAROCK de Argentina el 27 de octubre de 1972. Gracias a su éxito en argentina, su primer disco de estudio será grabado allí a través del sello discográfico Trova

El disco debut de Días de Blues,de título homónimo, se graba en noviembre de 1972 en los estudios ION de Buenos Aires bajo la producción de Carlos Píriz, y es editado a principios de 1973. La excelente ilustración de la carátula de la edición uruguaya fue realizada por el dibujante, caricaturista y viñetista uruguayo Celmar Poumé, la cual no fue tenida en cuenta en la edición argentina. El grupo sufrirá cambios debido al deterioro de la situación política de Uruguay en 1973, la cual desembocaría en un golpe de Estado. Jorge Barral emigra a España y Daniel Bertolone hace lo mismo pero con destino a Australia. Jorge Graf asume el mando y decide seguir adelante con el proyecto con diferentes músicos. En esa época pasan por el puesto de bajista Angel Armagno y Gustavo "Mamut" Muñoz, mientras que por el puesto de la guitarrista pasan Freddy Ramos y Daniel Henestrosa.

A mediados de los 70, Jorge Graf emigra a Italia, regresando a Urguay en la década de los años 80. En 1987 decide formar con un gran conglomerado de músicos un proyecto al que llama Rómulo Bogalle y la Banda de Días de Blues. Esta llamada big band se basa en un estilo con raíces de blues pero más orientada hacia el candombe, ya que contaba a además de la batería de Graf, con una sección completa de tambores. El candombe es una manifestación cultural de origen afrouruguayo, basada en la fusión de rasgos musicales, religiosos y de danza de las diversas tribus africanas presentes en el Río de la Plata en la época colonial. La última reencarnación de Días de Blues se produce entre 1991 y 1992 y cuenta con los guitarristas "Palito" Elissalde, Luis Firpo y Lulo Higgs, Jorge Graf a la batería, Gerardo Babuglia al bajo y Heber Píriz a los mandos vocales. Dicha formación realiza una grabación en vivo en el Teatro Stella de Montevideo los días 13 y 14 de noviembre de 1991, la cual será editada por el sello dsicográfico Sondor bajo el título "En vivo-Grabación Digital".

Días de Blues además de constituirse en sus inicios como el power trío más importante del país en aquel momento, se ha convertido con el tiempo en un grupo de culto, y su primer disco, Días de Blues, ha sido reeditado en multitud de ocasiones en países como Italia y Alemania. Además, a lo largo de los años, el grupo ha influenciado a multitud de bandas de rock de Uruguay.

jueves, 7 de octubre de 2021

Un país, un artista: Okean Elzy - Ucrania

 




Formada en la ciudad de Lviv en 1994, la banda Okean Elzy ha reunido seguidores en toda Ucrania y más allá de sus fronteras con música y letras que resuenan con la audiencia de la banda. Los cinco miembros de Okean Elzy son Slava Vakarchuk (voz, compositor), Denis Glinin (batería), Denis Dudko (bajo), Milos Jelic (teclados, arreglos) y Vladimir Opsenica (guitarra) y sus álbumes de estudio incluyen Tamde nas nema ( 1998), Yan a nebi buv (2000), Model (2001), Supersymetriya (2003), Gloria (2005), Mira (2007), Dolce Vita (2010) y Zemlya (2013).

Su primer concierto tuvo lugar frente al Teatro de la ópera de Lviv el 14 de enero de 1995. Poco después de esa aparición lanzaron una cinta de demostración llamada 'DEMO 94-95'. En 1995 también participaron por primera vez en los dos festivales de música ucranianos más grandes de ese momento: Chervona Ruta y Melodiya, también participaron en Es, un proyecto personal del músico de Lviv Oleg Sook, donde interpretó la canción Hace mucho tiempo. La fama va creciendo y Okean Elzy actua en el mismo escenario que la legendaria banda Deep Purple en un festival de música europeo en 1996. En septiembre de 1998 lanzan un video musical de su canción Tam de nas nema y se convirtieron en la primera banda de Ucrania en emitir su video en MTV-Rusia y en el canal de televisión musical francés MCM. Hoy en día, los videos musicales de la banda son populares en varios canales de música de televisión. A finales de 1998, se publica el álbum debut de la banda, Tam de nas nema, fue bien recibido y llamó la atención del público amante de la música. 


A partir de mayo de 1999, Okean Elzy se convirtió en una presencia habitual en los festivales de música, pasando de ser una banda telonera a ser cabezas de cartel. A principios de 1999, Okean Elzy comenzó a trabajar en su segundo álbum. Ya na nebi buv ("Yo estaba en el cielo") y en mayo, el grupo decidió intentar expandir su música en Rusia dando su primer concierto fue en el festival Maxidrom donde había miles de personas que ya conocían sus canciones, y muchas las cantaban. El tercer álbum de estudio de la banda, Model , fue lanzado en 2001 y Okean Elzy se convirtió en el nuevo rostro de Pepsi Cola en Ucrania con la llegada del nuevo milenio con su tercer disco comenzaron una gran gira por Ucrania llamada "Ask For More" y en agosto comenzaron a trabajar en su cuarto álbum: Supersymetriya ("Supersimetría") álbum que finalmente fue lanzado en 2003 y motivo para realizar la gira más grande que se había conocido hasta entonces de un grupo local de Ucrania. El 22 de septiembre de 2005, Okean Elzy lanzó su nuevo álbum, GLORIA y en septiembre de 2005, Vakarchuk se convirtió en el Embajador de buena voluntad e inició una campaña conjunta con OIM y Fundación MTV Europa para la promoción de la cultura y lideró un gran proyecto social para propagar la lectura como un proceso natural. La idea general de este proyecto es llamar la atención de los jóvenes sobre los libros y ayudar a combatir el analfabetismo. En 2007 publicamn Mipa y ya en 2103 lanzan Земля - ​​La tierra un álbum con ecos a U2. Su último trabajo es de 2016 y lleva por título Без меж - Sin límites.


La música de la banda se inspiró principalmente en los Beatles, Queen, Pink Floyd, los Rolling Stones y Jim Morrison. La cantante Zemfira tiene un lugar de amigo en el grupo, la canción "Етюд" ("Estudio") fue dedicada a esta diva del rock ruso. Los diferentes estilos musicales (pop, rock, jazz, folk y blues) forman una mezcla musical donde todos pueden encontrar su espacio, el líder del grupo está interesado en el budismo y la cultura japonesa, lo que agrega un poco de exotismo a su música. Como, por ejemplo, el video musical y la canción "Друг" ("Amigo") están llenos de signos de la cultura asiática. En los textos de Okean Elzy se habla de sentimientos, de la vida cotidiana, de la gloria, de la nostalgia… Vakartchouk, autor de la mayoría de los textos, encuentra su inspiración en los libros de Murakami, Yukio Mishima y Serguiy Jadan, escritor ucraniano contemporáneo. Las cuestiones filosóficas, actuales, sociales y existenciales dejan su eco en las canciones de Okean Elzy, pero no solo es arte, la ciencia tiene su espacio ya que tras una clase en la universidad de Super-simetría de electrones en un campo magnético, dio origen a la canción “Susy” y su disco “Super-simetría”. ¿Es solo una coincidencia o la ciencia se ha incrustado en el trabajo musical?, incluso el cine encuentra su lugar en su música (el nombre de su álbum "Dolce Vita" es tomado de la película del director Federico Fellini ").

martes, 28 de septiembre de 2021

Un país, un artista: Turquía - Erkin Koray

 

Erkin Koray


     Esta semana las votaciones de nuestros amigos y seguidores nos han llevado a Turquía. Uno de los estilos musicales más representativos del país es el llamado Rock de Anatolia, también conocido como Rock Turco. Este género surge a mediados de los años 60, poco después de que grupos como The Beatles, Led Zeppelin, The Rolling Stones, Yes o Status Quo entre otros, se hicieran populares en Turquía. El Rock de Anatolia consiste en una fusión de música folk con el rock.

A finales de los años 50 algunos cantantes turcos ya empiezan a lanzar versiones de canciones inglesas cantadas también en inglés. A comienzos de la década de los 60 los artistas y grupos turcos empiezan a tocar instrumentos como los que utilizan The Shadows y The Ventures. El crecimiento del fenómeno también viene acompañado de cambios culturales significativos, como el crecimiento de la democracia multipartidista en el país; todo esto, sumado al hecho de que los grupos que van apareciendo en Turquía actúen regularmente en festivales de música europeos hace que la escena del rock en Turquía se expanda rápidamente. 



En la segunda mitad de la década de los 60 aparece la figura del músico y compositor turco Erkin Koray, uno de los pioneros del Rock de Anatolia, y a quien va dedicada ésta reseña sobre un artista del país de Turquía. Erkin Koray nace en 1941 en Turquía, y a finales de la década de los 50 irrumpe en la escena de la música rock en Turquía. Está considerado como el primer músico del país en tocar Rock and Roll en el país; en 1957 él y su banda empezaron a ganar reputación tocando versiones de Elvis Presley y Fats Domino. También fue de los primeros músicos del país en utilizar la guitarra eléctrica y los elementos de amplificación moderna. Erkin componía sus propios temas, y además remodelaba canciones populares turcas. Al combinar ambos estilos musicales, el rock que provenía de occidente, y la música folclórica del país turco, se convirtió en pionero en el desarrollo de la música rock turca, más conocida como Rock de Anatolia.

A finales de los años 60 Erkin ya se había convertido en todo un referente en el Rock de Anatolia. También fue fundamental en el desarrollo de la música psicodélica, género con el que empezó con la grabación de su primer sencillo en 1967, llamado Anma Arkadaş. A principios de la década de los 70 Erkin forma el grupo Ter con los ex miembros de la banda turca llamada Bunalim. A pesar de publicar un único sencillo antes de separarse, Hor Görme Garibi (cover de un éxito de la música arabesque de Orhan Gencebay), supone un gran éxito y sirve para promocionar más si cabe la carrera del músico turco. Ter estaba influenciado por el fuzz rock y la psicodelia, y solían realizar arreglos progresivos y extensos solos de guitarra, algo que la compañía discográfica con la que trabajaban no estaba dispuesta a aceptar, lo que provocó el final del grupo.



En 1973 Erkin debuta con su primer álbum como solista, de título homónimo, Erkin Koray, el cual era una selección de sencillos realizados por el músico entre 1967 y 1973. El álbum fue lanzado por el sello discográfico Istanbul Records, compañía que deja tras la publicación de este disco para fichar por Doglan Records. En 1974 publica su álbum más emblemático, Elektronik Türküler. La clave de este disco es la libertad que Erkin tiene para grabar un disco completo en vez de sencillos sueltos, y la libertad en cuanto a creatividad y composición. Erkin junto a su banda crea un álbum que refleja su amor por las raíces turcas y su amor por el rock psicodélico y progresivo. Este álbum a día de hoy es uno de los grandes puntales y referentes del Rock de Anatolia

La carrera de Erkin Koray ha seguido hasta la fecha, con once álbumes más de estudio, el último, Devlerin Nefesi, fue publicado en 1999. A finales de la década de los años 90 y principios de los 2000, el resurgimiento del interés por la música psicodélica hecha fuera de Reino Unido y Estados Unidos hace que Erkin koray atraiga la atención de los oyentes provenientes del mundo occidental. Koray también fue el inventor de la bağlama eléctrica, un instrumento musical tradicional turco relacionado con el laúd, y que podemos escuchar en muchos de sus trabajos.

martes, 21 de septiembre de 2021

Un país, un artista: Tunez - Emel Mathlouthi

 



Emel Mathlouthi nació el 11 de enero de 1982, comenzó a cantar y actuar a los 8 años en un suburbio de su ciudad natal, Túnez, su primera canción la escribió con 10 años, soñaba con convertirse en una estrella de la música y lucho por ello, en la medida posible investigo los distintos sonidos que poblaban el panorama musical de finales de los noventa, decidiendo que el rock seria su futuro, pero llegó a explorar los sonidos góticos. Pink Floyd, Bob Dylan, Joan Baez, tratando de descubrir su propio sonido, a pesar de que creció con los discos de música clásica, jazz o "negro espiritual" de su padre, decide encontrar su camino entre todas estas influencias. Formó su primera banda en la universidad de Túnez cuando tenía 19 años, unos años más tarde, conmovida por la voz y las ideas de Joan Baez, dejó la banda y comenzó a escribir canciones políticas, descubriendo su frustración por la falta de oportunidades y la apatía de sus compatriotas. En 2005, se le sugirió que se uniera al cantautor libanés Marcel Khalifé, con el que empieza a escribir sus textos ... en árabe, escribe textos comprometidos y aborda el tema de los derechos humanos en Túnez en un país censurado pero que no piensa menos. Monta su grupo y actúa en El Teatro, un lugar emblemático, fue entonces cuando ante los peligros y amenazas que sentía, decidió exiliarse, trasladándose a Paris y estudiando en el Studio Cité des Arts y gracias ello su voz y sus textos viajan por todo el mundo.


 

En enero de 2011, hay una revolución en las calles de Tunez tras la marcha de Ben Ali, es en ese momento cuando resuena la voz de Emel, desde París, ella participa de este momento histórico a través de un concierto especial "Nova escucha Túnez" en Radio Nova, apoyada por muchos tunecinos exiliados o en el país, se convierte en un símbolo de la Revolución, al que da un nuevo aliento, un nuevo aire e incluso una nueva era. Un año después, en enero de 2012, editó su primer disco Kelmti Horra ("mi palabra es gratis"), compuesto por 10 canciones escritas principalmente en árabe con frases en francés e inglés, las canciones están inspiradas en momentos clave de su vida y del mundo. El resultado fue un disco a la vez clásico y electro y la empiezan a denominar la "Björk Oriental", muchas veces debido a las percusiones estruendosas que acompañan a esta voz aterciopelada, el disco Kelmti Horra se convirtió en un himno durante la Primavera Árabe, le valió el título de "voz de las revoluciones tunecinas" y luego una invitación para actuar durante la ceremonia de entrega del Premio Nobel de la Paz en 2015.

 

El 24 de febrero de 2017 lanzó su segundo álbum ENSEN (Human) grabado en siete países de tres continentes junto a muchos productores, incluido Valgeir Sigurosson (Sigur Ros) un álbum plagado de música electrónica y acústica en un estilo que definitivamente hace suyo la crítica lo definió como "una fusión magníficamente ornamentada de ritmos imponentes y escalas menores árabes oscuras destacando un tono incendiario dirigido por la voz galvánica de Mathlouthi, que es a su vez vulnerable y fuerte. Ese mismo año En 2017 regresa a Túnez para dar su primer concierto allí en cinco años, encabezando el prestigioso Festival de Cartago. Ese verano también actuó en el Festival Beitaddine en el Líbano y en el festival SummerStage en Central Park, Nueva York.

 

En 2019, lanzó su primer álbum en inglés Everywhere We Looked Was Burning, donde da un giro ya que quería "escribir sobre la naturaleza, así como sobre la belleza y la lucha de estos tiempos”, para ello se inspiró en poetas estadounidenses como TS Eliot y John Ashbury. Al año siguiente y tras unas vacaciones en la casa de su infancia en Túnez en 2020, grabó un álbum doble The Tunis Diaries por su cuenta, con solo una guitarra acústica y su voz, el álbum se divide en dos partes "Día" y "Noche". El primer disco incluye canciones de Emel cantadas en parte en inglés y en tunecino más una canción inédita Holm que se ha visto más de 6,5 millones de veces en YouTube hasta septiembre de 2021, el segundo disco incluye varias versiones. de Leonard Cohen, David Bowie y Jeff Beckley.

 

Un artista muy recomendable, es imprescindible escuchar y sentir en nuestros poros la sensibilidad que trasmite Holm (A dream) escasa, inquietante, hermosa, melódica y serena…. y como no detenerse en la versión que hace de The man who sold the World de David Bowie.

martes, 14 de septiembre de 2021

Un país, un artista: Tanzania - Remmy Ongala

 

Remmy Ongala



     El siguiente país elegido por todos nuestros amigos y seguidores en esta sección ha sido Tanzania. y si hablamos de este país africano, uno de los nombres que nos viene a la cabeza es indudablemente Remmy Ongala.

Ramazani Mtoro Onngala, más conocido como Remmy Ongala, compositor, cantante, guitarrista y director de orquesta tanzano, nace en febrero de 1947 en Kindu, ciudad perteneciente al antiguo Congo Belga, ahora República Democrática del Congo, muy cerca de la frontera con Tanzania. Después de la muerte de sus padres, Remmy comienza a trabajar como músico, tocando la batería y la guitarra al estilo congoleño llamado Soukous, también conocido como rumba congoleña. El Soukous realmente es un derivado de la rumba congoleña que empezó a tocarse durante la década de los 60, alcanzado su mayor punto de popularidad  en la década de los 80 en Francia. El Soukous, aunque, como comentamos anteriormente, suele llamarse también rumba congoleña, en realidad difiere de ésta, ya que utiliza un tempo más alto y unas secuencias de baile más largas.

Remmy, mientras toca ya en bandas de Zaire y Uganda, ya se dedica a escribir canciones comprometidas, canciones con mensaje. En 1978 se muda a Dar Es Salaam, la ciudad más grande de Tanzania y epicentro del negocio del país. Es en la gran ciudad donde se incorpora a la Orquesta Makassy, reputadísima banda de Soukous compuesta por músicos de Uganda y Zaire (ahora República Democrática del Congo). Remmy compone con esta orquesta su primer sencillo de éxito, Sika Ya Kufa ("The Day I Die")

Pasado un tiempo, Orquesta Makassy se traslada a Kenia, y Remmy decide quedarse y funda su propia banda, Orchestre Super Matimila, grupo que lleva el nombre del empresario que había comprado los instrumentos a la banda. Con su propia banda ayuda a transmitir el estilo Soukous a la cultura musical de Tanzania, mezclándolo además con elementos musicales de Kenia y Tanzania. Todo esto contribuyó a su vez al desarrollo del hip-hop en Tanzania durante la década de los años 90. La popularidad de Remmy ve creciendo, pero también la aversión del país tanzano hacia él, debido a sus letras francas, directas y comprometidas que hace. De hecho el gobierno de Tanzania considera expulsarlo del país, pero al final, Remmy acabará recibiendo la nacionalidad Tanzana. 

Un amigo británico se lleva unas grabaciones en cassette de Remmy a Inglaterra y las muestra. Los organizadores del Festival Womad (World Of Music, Arts & Dance), festival que incluye música popular, música étnica, artesanía y otras actividades lúdicas, escuchan las grabaciones y quedan encantados, invitando a Remmy con su Orchestre Super Matimila a tocar en el Festival Womad de 1988 celebrado en Reading, Inglaterra. En Inglaterra Remmy graba los álbumes, bajo el sello Real World (sello fundado por Peter Gabriel), Songs for the Poor Man (1989) y Mambo (1992). Ambos discos contenían canciones en inglés y swahili. Durante la década de los 90 Remmy junto con su banda realiza giras por África, Europa y Estado Unidos.

Remmy Ongala ya es una superestrella en África Oriental, y como hemos comentado anteriormente, gracias al apoyo del sello Real World alcanza bastante popularidad durante la década de los años 80 y 90, realizando giras europeas y americanas. En 2001 el artista sufre un serio traspiés para su salud, pues un derrame cerebral paraliza parte de su cuerpo, pero el artista sigue actuando ayudándose de una silla de ruedas. Durante sus últimos años de vida, Remmy decidió dedicarse a la música gospel, siguiendo los deseos de su madre por consejo de un curandero tradicional. 

Remmy Ongala, quien se llamaba a sí mismo "Sura Mbaya" (cara fea), y cuyos seguidores y fans llamaban "Doctor", fallecía el 13 de diciembre de 2010, a los 63 años de edad. Nos dejaba un artista comprometido, y que a través de sus mensajes sociopolíticos luchaba y trabajaba firmemente en la abolición del racismo y la injusticia social. Remmy también mostró su compromiso a través de su música abordando otros muuchos problemas, como la pobreza, el SIDA o la vida en famila.

martes, 7 de septiembre de 2021

Un país, un artista: Suecia - The Cardigans

 


El sonido de los Cardigans, fue definido "lounge pop descabellado de los sesenta endulzado con voces femeninas melancólicas, “aunque ellos preferían decir que hacían música alegre, pero no es ninguna tontería, tiene algo de emoción real. Siempre estamos felices, tristes, ese es el estado mental de los Cardigans". Sin embargo, sus canciones a menudo exploraban la lírica oscura temas; los Cardigans incluso lograron saludar sus raíces del metal en un disco, haciendo versiones de canciones de los titanes del hard rock Black Sabbath.. y no hacían más que reivindicarse como lo que son “…La gente siempre quiere etiquetarte. Es un trabajo difícil describir la música, y supongo que esa es la única forma en que algunos críticos pueden hacerlo ". Los críticos, sin embargo, en su mayoría se enamoraron de la banda, al igual que el público de Japón, Gran Bretaña y Estados Unidos.



 

La banda se creó a finales de 1992 en la ciudad de Jonkoping. La guitarra Peter Svensson, el bajista Magnus Svenigsson, el guitarrista y teclista Lars-Olof Johansson y el baterista Bengt Lagerburg estuvieron cuando la banda hecho a rodar, los cinco cohabitaban en una casa lo suficientemente grande para sus intereses eclécticos, y pronto crearian el material que sería en su debut sueco, Emmerdale. El álbum fue grabado por el productor Doc-Tore y al álbum le fue bien no solo en la tierra natal de la banda, sino también en Inglaterra, donde todo tipo de pop nostálgico asaltaba las listas de éxitos, y Japón, donde los fanáticos sin duda apreciaron las melodías espumosas de los Cardigans y la ternura. Un entusiasmo similar recibió su segundo álbum, Life, que fue album de platino en Japón. La penetración de la banda en los EE. UU. Fue en gran parte clandestina, pero parece que se encontraron con numerosos fanáticos gracias a la transmisión por radio universitaria de la versión estadounidense de Life, que combinó material de los dos primeros lanzamientos suecos y apareció en el respetado sello independiente Minty Fresh en 1996. El pop juguetón de la banda recordaba todo, desde las grabaciones "lounge" y "exóticas" recién resucitadas de los años 60 hasta el pop sofisticado de Burt Bacharach. Los Cardigans también le dieron un toque delicado a la canción antes mencionada de Black Sabbath, "Sabbath Bloody Sabbath". Según la crítica musical no fue una buena idea, "Los generosos préstamos de la banda de la paleta del pop de los sesenta son los vehículos perfectos para el romanticismo esponjoso". Este tipo de comparaciones, incluso cuando iba acompañada de tantos elogios, molestó mucho a los Cardigans. Si bien admitieron admiración por las superestrellas del pop sueco de los 70 ABBA, a quienes Svenigsson llamó "grandes, grandes compositores" y "una banda de pop brillante". El interese mostrado por Life llevó a un acuerdo con el sello estadounidense Mercury, que lanzó el próximo trabajo de Cardigans, First Band on the Moon, en 1996. Esta vez la banda endureció un poco su sonido y exploró un territorio lírico más oscuro. "Las letras de la vida eran muy superficiales, historias sobre nada, en realidad", insistió Svenigsson en Rolling Stone. "Creo que al menos 10 de las 11 canciones del nuevo álbum tratan sobre cosas realmente profundas y serias". El crítico de Addicted to Noise, Gil Kaufman, proclamó que con First Band, los Cardigans "brindan una ráfaga de aire fresco a la moribunda nación alternativa". En ese álbum encontramos "Lovefool", una canción de masoquismo romántico colocada en un ambiente musical alegre y jovial. La canción terminó en la banda sonora de la exitosa versión cinematográfica del director Baz Luhrmann de Romeo y Julieta de Shakespeare, así, la canción se convirtió en un gran éxito en los Estados Unidos, pasando de las estaciones de radio de rock alternativo al Top 40. Los Cardigans eran estrellas de rock en Estados Unidos.

 


Despues de tanto ajetreo, la banda espero hasta junio de 1998, momento en el que el grupo empezó a grabar su nuevo disco. El CD sale a la venta en octubre de ese mismo año, y fue llamado Gran turismo en homenaje al juego de vídeo de automóviles, este fue el álbum con el que alcanzaron la madurez, que hasta ese momento no habían alcanzado con sus anteriores discos. Este álbum, además, les dio la oportunidad de ganar cuatro Grammys, a las categorías de Mejor álbum, Mejor grupo/pop-rock, Mejor compositor y Mejor productor. Después de otra intensa gira promocional, Nina, Magnus y Peter decidieron a principios del año 2001 iniciar proyectos como solistas, hasta que en 2003 publicaron Long gone before daylight, y en este disco dan un cambio drástico y emocional, hacia un sonido más puro y sencillo que en sus anteriores discos. Super extra gravity es su última producción editada en 2005, que demuestra estilos más extravagantes, atrevidos, y buscando separarse del sonido maduro que aporto a su anterior trabajo.

martes, 31 de agosto de 2021

Un país, un artista: Sri Lanka - Beverly Craven

 





Corría el año 1990, la explosión de color y luz de los años 80 se estaba disipando, y la melancolía del tiempo vivido hacia poso en los adolescentes de aquel año, fue entonces cuando a muchos nos parecía que nos decían esto al oído la persona que amabas y lo ponía en boca de una pianista con una voz muy intensa mientras sus manos bailaban veloz sobre el teclado….

Tu enciendes otro cigarrillo
Y yo me acabo el vino
Son las cuatro de la mañana
Y está empezando a amanecer
Ahora estoy justo donde quiero estar
Perdiendo la noción del tiempo
Pero deseo que aún fuera anoche
Parece como si estuvieras en otro mundo
Pero puedo leer tu mente
¿Cómo puedes estar tan lejos?
Estando justo a mi lado
Cuando me vaya te echaré de menos
Y voy a estar pensando en ti
Cada noche y día
Prométeme que me esperarás
Porque estaré guardando todo mi amor para ti
Y estaré de vuelta a casa pronto
Prométeme que me esperarás
Necesito saber que tú también sientes lo mismo
Y estaré en casa, estaré en casa pronto


Esa pianista era Beverley Craven nacida en Colombo, Sri Lanka, su familia se mudó al Reino Unido cuando ella tenía 18 meses y se estableció en Hertfordshire. Animada por su madre, una violinista, comenzó a tocar el piano desde la edad de 7 años. Craven no compró su primer disco de música pop hasta los 15 años, sobre todo de cantantes y compositores tales como Elton John, Judi Tzuke, Stevie Wonder y, en particular, Kate Bush, quiénes influyeron en su música. Beverley se fue de casa a los 18 años y se mudó a Londres, con la intención de forjarse una carrera en el negocio de la música, dejó la universidad, a principios de los ochenta comenzó a actuar en algunos pubs con bandas, hasta que fue vista por Bobby Womack, una leyenda del soul, quien le ofreció la oportunidad de acompañarlo en una gira europea. La gran oportunidad llegó cuando una de sus cintas de demostración cayó en manos de Epic Records, quien de inmediato le ofreció un contrato de grabación. El álbum debut de Beverley contó con un éxito sin precedentes: en un año, había sido certificado doble platino con ventas de más de un millón de copias y unas envidiosas 52 semanas en la lista de álbumes del Reino Unido. El single Promise Me también fue un gran éxito, que, de nuevo en el Reino Unido, alcanzó el 3er lugar de las listas. 

En 1992 ganó en los BRIT Awards en la categoría "Revelación británica" (mejor Recién Llegado Británico) y también recibió una nominación al Mejor Álbum y mejor sencillo. A continuación, publicó el álbum Love Scenes, que contiene el single del mismo nombre y el single Mollie´s Song (dedicado a la hija Mollie, nacido en ese año), en septiembre de 1993, alcanzando el número 4 en las listas de álbumes del Reino Unido. Beverley y su pareja, el músico Colin Campsie, se casaron al año siguiente y su segundo hijo, Brenna, nació en 1995, seguido de su tercera hija, Connie, en 1996. Con la maternidad vinieron pasiones divididas, y siguieron 13 años de familia a caballo y estrellato. En 1999, Beverley presentó su tercer álbum, "Mixed Emotions", que había grabado en el estudio de su casa en Londres. Una vez más, esta ganadora del Brit Award recibió grandes elogios de la crítica, pero mal promocionada por la compañía discográfica y cada vez más desilusionada con la industria de la música, Beverley se retiró parcialmente para concentrarse en criar a su familia. 2004 vio a Beverley regresar a la escena musical mundial con un puñado de apariciones en conciertos en vivo; pero el destino tenía otros planes, ya que el muy publicitado diagnóstico de cáncer de mama de la estrella ocupó inesperadamente un lugar central. Después de un tratamiento exitoso, Beverley recibió el visto bueno en 2008. En 2009 Beverley regresó, más fuerte que nunca, con un nuevo álbum de estudio, 'Close To Home', un viaje musical personal, que Beverley vio cómo, 'un renacimiento en muchos sentidos'. Fue su primer álbum sin contrato discográfico y sin presión. Beverley Craven estaba haciendo las cosas en sus propios términos y realmente se estaba divirtiendo. Después de su autobiografía 'Truth Be Told' en 2012, este tesoro musical británico cautivó a los fanáticos con otro álbum de estudio, 'Change of Heart' en 2014, seguido de una gira por el Reino Unido en otoño.


En febrero de 2018, una constelación de estrellas musicales chocó espectacularmente con el anuncio de la gira Woman to Woman. Beverley realizó una gira con sus compañeros cantautores británicos (y grandes amigos personales), Judie Tzuke y Julia Fordham, a lugares con entradas agotadas y el aplauso enorme de la crítica de los medios de comunicación del Reino Unido. Un sencillo conjunto con los tres artistas, 'Safe', fue lanzado en marzo y un álbum de estudio, Woman To Woman, fue lanzado a fines de octubre de 2018. 


martes, 24 de agosto de 2021

Un país, un artista: Serbia - Ana Popovic

 

Ana Popovic


     Esta semana el país elegido por todos nuestros amigos y seguidores ha sido Serbia, y nos hemos decantado por el blues, un blues de muchos kilates, de la mano de Ana Popovic. Pero ¿Quién es Ana Popovic?

Ana Popovic nace el 13 de mayo de 1976 en el casco antiguo de Belgrado, por aquel entonces antigua Yugoslavia. Para sus padres, Milutin y Vesna, crecer en un entorno familiar donde la música tiene cabida es muy importante, no en vano su padre es bajista/guitarrista, y suele realizar junto con amigos sesiones de improvisación nocturnas. Ana crece en ese entorno, teniendo además al alcance la gran colección de discos de blues y soul de su padre. Todo esto hace que con 15 años decida coger la guitarra de su padre y empiece a tocar. 



La complicada situación política del país no distrae a Ana, que compagina sus estudios con la guitarra, instrumento que aprende a tocar con suma facilidad. Su padre, quien la apoya y ayuda con la guitarra eléctrica, se da cuenta del enorme talento de su hija, y aunque económicamente son una familia modesta, junto con su mujer Vesna hacen un esfuerzo y apuntan a su hija para que tome clases privadas de guitarra. Paralelamente sigue con sus estudios, y en 1994 decide cursar Diseño Gráfico en la Universidad de Belgrado. Al año siguiente, 1995, decide dar un paso más y decide formar su primera banda de rock, llamada Hush, junto a su amigo, el guitarrista Rade Popovic. Al poco tiempo Ana se encuentra tocando encima de los escenarios delante del público. En un principio empieza como segunda guitarrista, algo que cambia rápidamente dado el gran nivel que atesora, y durante los tres años siguientes se encuentra tocando alrededor de un centenar de conciertos al año, apareciendo regularmente en la televisión yugoslava. Con el fín del comunismo, Ana por fín puede salir fuera del país, mostrando su talento en festivales de blues de Grecia y Hungría. 1998 ser un año importante y decisivo para la guitarrista, pues graba con Hush su primer álbum de estudio, Hometown, y tiene una oferta para estudiar Diseño Gráfico en Utrecht, Países Bajos. Ana decide también enviar un grabación al Conservatorio de Utrecht, una grabación que al ser escuchada por los responsables del Conservatorio lo tienen claro. Ana se encuentra en la tesitura de tener que elegir entre el diseño gráfico y el conservatorio, pero lo tiene claro y elige la música. 

Para poder pagarse los estudios y además poder poner en práctica la teoría musical que va adquiriendo en el conservatorio, forma una banda holandesa. Rápidamente Ana se convierte en una figura importante en la escena del blues en Países Bajos y Alemania, lo que le vale, para una vez finalizados sus estudios de conservatorio en 1999, fichar por el sello discográfico alemán Ruf Records. En octubre de 2000 viaja a Memphis, Estados Unidos, para grabar su primer disco en solitario, Hush!, disco que sale al mercado en 2001. Ese año también participa en la grabación de un disco tributo a Jimi Hendrix, llamado Blue Haze, junto a artistas de la talla de Eric Burdon, Popa Chubby, Taj Mahal, Bernard Allison y Buddy Miles entre otros. Su contribución en ese disco tributo es la interpretación del tema Belly Button Window de Hendrix



En 2002 forma parte de la gira europea "Jimi Hendrix Tribute Tour" y se marcha por primera con su banda de gira por Estados Unidos, consiguiendo tres nominaciones a los premios "Blue Awards" en Francia: "Mejor cantante", "Mejor guitarrista" y "Mejor álbum". En 2003 regresa a Memphis para grabar su segundo disco de estudio, Comfort to the Soul. El disco, con aires de blues, soul, jazz y rock, obtiene una buena acogida por parte de la crítica, lo que le lleva a conseguir una nominación en los prestigioss premios WC Handy Awards en Memphis en la categoría de mejor artista nobel, siendo hasta la fecha el único artista europeo en conseguir una nominación en esta categoría. Ese mismo año, durante el Festival de Rhythm & Blues en Bélgica, Solomon Burke la invita a subirse al escenario. Después de aquél día Ana acabó colaborando en el resto de la gira de Burke como invitada.

La carrera de Ana sigue creciendo de forma exponencial. En 2004 realiza hasta tres giras por Estados Unidos, tocando también en Canadá y Europa. Ese año gana el prestigioso premio de jazz Juan Le Pins, en Francia, mostrando el reconocimiento a las habilidades de la guitarrista con el jazz, una de sus grandes influencias. En 2005 lanza su tercer trabajo, bajo la discográfica Ruff, el DVD / CD Ana, Live in Amsterdam y se lanza otra vez de gira por Europa y Estados Unidos. Al año siguiente, 2006, es nominada como "Mejor artista de Blues del año" por la revista Blues Wax, y recibe seis nominaciones en los prestigiosos"Living Blues Awards" de ese mismo año. En 2007 publica su siguiente álbum, Still Making History, y realiza nada menos que 152 conciertos, repartidos en siete giras por Estados Unidos y Europa, además de ampliar horizontes tocando en lugares como Rusia o México. Su trabajo se verá recompensado con la aparición de su disco Still Making History en la lista Billboard Blues Charts, llegando a alcanzar el puesto número 4. 

La actividad de Ana es frenética, pues en 2008, además de ser madre, realiza una gira de cinco semanas por Estados Unidos y Canadá compartiendo escenario con artistas de la talla de Jonny Lang, Ronnie Earl y Los Lobos entre otros. En 2009 publica su álbum Blind of Love y sigue en la misma línea, tocando en directo y compartiendo escenario con Susan Tedeschi, Larry McCray, Bob Margolin y hasta con BB King entre otros, y forma parte del documental "Tun it up aka TONE", dirigido por Robert Radler, sobre las mejores guitarras y guitarristas del mundo. En 2010 es nominada a los "British Blues Awards" como mejor artista extranjero,  compartiendo nominación con BB King y Joe Bonamassa, y toca en la Feria de Música de Frankfurt "Musikmesse", en el mítico Festival de Jazz de Montreal, en su ciudad natal, Belgrado, ante más de 75.000 personas, y en festivales en Indonesia, tocando en lugares como Yakarta, Bundung y Bali. 



Con su siguiente disco, Unconditional, lanzado en 2011, Ana regresa a sus raíces. Ese año aparece como invitada especial en los espectáculos que  BB King realiza por Aelmania, y participa en unos 35 festivales repartidos entre Europa y Estados Unidos. En diciembre es nominada en tres categorías para los Blues Music Awards 2012 de Estados Unidos por éste disco. En 2012 vuelve a ser madre, teniendo tiempo además de tocar en el Festival de Blues Mahindra, India, compartiendo escenario e improvisando con Buddy Guy, Taj Mahal y Robert Randolph, y girar además cinco semanas por Estados Unidos. En 2013 toca en el prestigioso Festival de Jazz de Nueva Orleans, y  en abril de ese año lanza su siguiente trabajo de estudio, Can You Stand The Heat. Ese año realiza nada menos que 130 conciertos entre Estados Unidos, Canadá, Europa y Japón. En 2014 vuelve a ser nominada en los "Blues Music Awards" en la categoría de mejor artista femenina de blues contemporáneo, toca en Sao Paulo, Brasil, compartiendo escenario con Jeff Beck, Kenny Wayne, Buddy Guy, Joss Stone y Jonny Lang, y es invitada al "Experience Hendrx Tour 14", una serie de conciertos que celebran la música y legado de Jimi Hendrix, formando equipo con Buddy Guy, Zakk Wylde, Jonny Lang, Kenny Wayne Sepherd y Bootsy collins.

En 2015 publica el álbum Blue Room, junto a su padre Milton Popovic, su trabajo más personal. Un trabajo que recoge canciones que la guitarrista solía tocar junto a su padre mientras vivía con él y su madre. Al año siguiente, 2016, publica Trilogy, su proyecto más ambicioso hasta la fecha, álbum que contempla 23 canciones. y el disco no defrauda, llegando a la lista de disco más vendidos de Estados Unidos. Ese año se muda a vivir junto con su familia a Los Ángeles y anuncia su primera gira por Australia. En 2017 vuelve a recibir otra nominación en los "Blues Music Awards" en la categoría de mejor artista femenina de blues contemporáneo. Al año siguiente viaja a Nashville para grabar su siguiente álbum, Like It On Top, un trabajo que explora el empoderamiento y lucha de las mujeres por mejorar su situación y en pro de la igualdad. Ese año realiza un total e 115 espectáculos, repartidos entre Estados Unidos, Europa, Canadá y Oriente Medio. En 2019 realiza 150 shows, incluidos 20 festivales de verano en toda Europa, Estados Unidos y Canadá y vuelve a formar parte de la gira "All-Star Experience Hendrix 19"

En 2020 la guitarrita tenía  previsto celebrar su vigésimo aniversario como músico en una gira por Estados Unidos y Europa, pero todo se detuvo repentinamente con motivo de la pandemia originada por el COVID19. Este año, 2021, Ana Popovic ha vuelto a ser nominada en los "Blues Music Awards" en la categoría de Artista de blues Rock del año, su séptima nominación hasta la fecha, ampliando un poco más el impresionante currículum de la genial guitarrista serbia.

martes, 17 de agosto de 2021

Un país, un artista: Senegal - Baaba Maal

 




El cantante y guitarrista profesional Baaba Maal nació en 1953 en Podor, en el norte de Senegal, en una familia de pescadores perteneciente al pueblo Toucouleur. Sin embargo, su primer contacto con la música provino de sus padres, ya que su padre cantaba en la mezquita local y su madre cantaba durante las ceremonias comunales. Su interés por este arte creció tanto que en 1974, tras finalizar el bachillerato, se incorporó al conservatorio público de música de Dakar. Diez años después, en 1984, formó el grupo Daande Lenol (es decir, La Voz del Pueblo) con otros ocho músicos. Su música mezcla instrumentos tradicionales de África Occidental con instrumentos más modernos, rejuveneciendo el género y haciéndolo accesible a las generaciones más jóvenes. Al mudarse de casa, Baaba buscó una educación superior en el campo musical de algunas instituciones diferentes. El primero de ellos fue en la escuela École des Beaux-Arts en Dakar, Senegal. Sin embargo, después de completar este nivel de educación, Baaba decidió unirse a un grupo orquestal con el griot de su familia y su mentor y amigo personal, Mansour Seck. Juntos viajaron por África Occidental con el grupo de 70 personas, llamado Asly Fouta, hasta 1977. Unos años más tarde, Baaba se fue a París para estudiar en el Conservatorio de París donde había obtenido una beca. Mientras estaba en París, produjo su primer álbum Djam Leelii con Seck, quien había viajado allí con él.

Baaba Maal empezó con un conjunto acústico, a mediados de los 80 crea su propia banda, Daande Lenol . Con el éxito de Youssou N'Dour en mente, Baaba intentó conquistar los mercados musicales internacionales mezclando diferentes estilos con su propia música, en la que, en general, tuvo bastante éxito. En 1988 lanzó su primer álbum en solitario llamado Wango en Senegal. El mismo año, el productor inglés Chris Blackwell escuchó los primeros trabajos de Maal y decidió ficharlo por su sello de música mundial, Mango, que extendió la fama del cantante a una nueva audiencia europea. Es en este mismo sello que Baaba Maal editó en 1991 Baayo y en 1994 Firin’In Fouta, dos álbumes que nuevamente combinaron ritmos e instrumentos tradicionales de África Occidental con sonoridades más modernas, notablemente con la intervención de varios músicos europeos.

Después de dar conciertos tanto en Europa como en Estados Unidos, Baaba Maal fue nominado en 1996 en la categoría de “Música del mundo” de los premios Grammy, lo que ilustró su creciente prominencia y reconocimiento en la industria de la música a lo largo de los años. Su carrera musical continuó con el lanzamiento en 1998 de Nomad Soul, en 2001 de Missing You (Mi Yewii), y más recientemente en 2008 de International riche Afrique, tres álbumes en los que la influencia de sus orígenes africanos sigue siendo central tanto musical como textualmente. Paralelamente a los lanzamientos internacionales, Maal continúa grabando los álbumes más tradicionales y acústicos, siguiendo su álbum clásico de todos los tiempos «Djam Leelii» , grabado con Mansour Seck . Otro fiel compañero fue el maestro de kora Kaouding (o Kawding) Cissoko, quien falleció el 17 de julio de 2003 a la edad de 38 años, tras un ataque agudo de tuberculosis.

Además de sus producciones musicales, Maal también es políticamente activo, especialmente con su nominación como "Emisario de la Juventud" para el Programa de Desarrollo de las Naciones Unidas en julio de 2003, principalmente por su papel en alertar a la juventud africana sobre el peligro del VIH. El cantante también está comprometido con el desarrollo de Podor, su ciudad natal, ya que ha organizado allí desde 2006 un festival cultural llamado "Les blues du fleuve" (es decir, "El blues del río") que celebra la riqueza de la cultura de África occidental a través de muchas formas artísticas. . Baaba Maal promueve durante sus conciertos y a través de sus textos una imagen poderosa del continente africano, exponiendo su diversidad y grandiosidad cultural.


El artista senegalés se consolidó como una figura de África Occidental a lo largo de los años, no solo gracias a que su arte mezclaba sonoridades tradicionales con otras más modernas, sino también por su dedicación a los asuntos políticos ocurridos en su región natal y su promoción de la profusión cultural africana en a escala mundial. Con 11 álbumes de estudio, numerosas giras internacionales y un amplio reconocimiento, Baaba Maal es considerado uno de los artistas más destacados que promueve los valores de su herencia africana. Su música se basa en las tradiciones de los Haalpulaar del norte de Senegal y se distingue de la música mbalax de wolof, predominante en la música senegalesa.


martes, 10 de agosto de 2021

Un país, un artista: Rusia - Yuri Morozov

 

Yuri Morozov


     Para hablar del rock ruso nos tenemos que remontar hasta finales de la década de los años 60 en la extinta Unión Soviética. Antes de esa década la música en la extinta Unión Soviética se dividía en dos grupos: un primer grupo que abarcaba la música publicada por Melodya, la empresa que monopolizaba toda la industria discográfica soviética, y un segundo grupo denominado "La otra música", que se trataba de música editada, grabada y tocada ilegalmente. De este segundo grupo destacaron autores de corte folk como Bulat Okuzdhava, Aleksandr Galich y Vladímir Semyonovich Vysotsky, que crearon un estilo propio, basado en unas letras muy críticas con el estilo de vida contemporáneo.

Por aquel entonces, la música occidental era importada de contrabando, eludiendo el control de Melodya. Los primeros grupos occidentales en llegar a oídos del oyente soviético fueron The Beatles, The Rolling Stones y Deep Purple. De hecho, la mayoría de los primeros grupos de rock locales que aparecen a comienzos de los 70 en Moscú y alrededores fueron influenciados en su mayoría por los Beatles. A finales de la década de los 60 comienzan a surgir grupos como Poiuschie Gitary, Tsvety, Golubiye Gitary y Sinyaya Ptitsa, todos ellos con la particularidad de ser conjuntos vocal-instrumentales, debido a las férreas restricciones que la Unión Soviética había introducido, regulando la música y las letras de los grupos. Será en esa época cuando surgen dos de las más legendarias bandas de rock ruso, Mashina Vremeni, surgida en Moscú en 1969, y Aquarium, surgida en 1972 en la ciudad rusa de San petersburgo.

Durante la década de los años 80 el rock ruso adquiere una gran relevancia en Rusia, se celebra en 1980 el primer festival de rock ruso en la localidad georgiana de Tiflis, llamado Tbilisi-80 y se funda el primer club de rock en San Petesburgo en 1981, donde las bandas pueden presentarse y tocar legalmente. Durante ésta década surgirán grandes bandas como Agata Kristi, Avtograph, Nutilus Pompilus, Crematorium, Piknin, Nol, N.O.M., Komitet Ojrany Tepla, y DDT. Bandas que junto a las ya mencionadas Mashina Vremeni y Aquarium, dominarán la escena del rock durante esa época.



Dos de esas grandes bandas,
Aquarium, de San Petesburgo, y DDT, fundada en la localidad de Ufá, perteneciente a la República de Baskortostán, son rusas y su sonido vendrá marcado por tener grandes influencias de Yuri Morozov, figura a la que dedicaremos en 7dias7notas este apartado dedicado al país de Rusia. Varios son los motivos, entre los que se encuentra la citada influencia en bandas de la extinta Unión Soviética primero y rusas después como las citadas anteriormente. Yuri fue capaz de inventar un género de rock psicodélico ruso usando elementos de rock progresivo y música étnica rusa. Además de ser una gran influencia en el ámbito del rock ruso, también marcó un antes y un después trabajando como ingeniero, siendo el primero en la Unión Soviética en abordar el proceso de grabación de sonido como un acto creativo, y no como un mero proceso de grabación mecánica sin más.

Yuri Morozov, multiinstrumentista, ingeniero de sonido, escritor y músico de rock soviético y ruso, nace en 1958 en Belogorsk, región perteneciente a la región de Crimea. En su juvenud se muda a la ciudad rusa de Vladikavkaz (antigua Ordzhonikizde), y es allí, en el colegio, donde se deja atrapar por la música rock. Después de la escuela, en 1968 cooncretamente, se convierte en estudiante en le Insituto Ordzhonikizde, para posteriormente ingresar en la Facultad de Minería y Metalurgia del Cáucaso Norte. En otoño de 1969 forma su primer grupo, Tramps, el cual está influenciado enormemente por el sonido de The Beatles

Yuri en esa época ya se dedica a grabar sus experimentos musicales en cinta, algo que se acabará convirtiendo más adelante en una de las principales técnicas de su método artístico. En 1971 Yuri se muda a Leningrado, donde ingresa en el Departamento Nocturno del Instituto Politécnico de la Facultad de Automatizaciónn y Accionamiento Eléctrico. Ese año se fabrica un estudio casero con el  que comienza a experimentar con la sobregrabación primero, y la técnica multicanal después, intepretando y grabando todas las partes instrumentales y vocales él mimso. El año siguiente, 1972, consigue un trabajo en el Estudio de Grabación de Leningrado, perteneciente a la compañía Melodya, quien controla y regla toda la música por aquel entonces. 

La habilidad de Yuri para manejar equipos de estudio profesionales le permite consevar sus primeras grabaciones de conciertos, entre los que se encuentran las realizadas con su primer grupo, Tramps hechas en 1971, y sus trabajos Retroskop (1968-1971) y Apocripha (1972-1973). En 1973 graba el álbum psicodélico "Jimmy Hendrix's Cherry Orchard" y comienza a colaborar con otros grupos e intérpretes de la escena de Leningrado. Entre 1975 y 1976 Yuri forma parte del proyecto  de jazz rock llamado Nu Pogodi!, e intenta unirse con el bajista Mikhail Kudryatsev y el baterista Igor Golubev. Al año siguiente forma un trío junto a Kudryatsev y al batrista Sergei Petrov

Yuri, consciente de que las ideas que tiene en la cabeza sobre grabción en estudio son imposibles de llevar a cabo en el escenario, empieza a concentrar su trabajo más en el estudio de Melody, donde graba obras referentes a las enseñanzas filosóficas de la India antigua, temas bíblicos, de la cultura de la China Medieval, y del folclore ruso, lo que le llevará a colaborar largo plazo con el grupo de folk-rock Yabloko.

Las mayoría de las grabaciones que Yuri realiza son instrumentales. en 1981 ya tiene en su repertorio un amplio abanico de canciones de motivos cristianos, por lo que decide intepretarlas en el escenario, para lo que forma un trío junto al bajista Kudryatsev y al baterista Sergei Zavyalov. Sin embargo, a pesar de haber estado ensayando durante tdo un invierno, el trío acaba seprándose. 

Tras varios años alejado de los escenarios, Yuri vuelve en 1987 para dar un concierto en el festival Rock-Niva-87, donde es acmpañado por el grupo de rock de Leningrado Mail. En 1988 comienza una colaboración con el grupo DDT que se traduce en una gira que dura año y medio. Ese año, 1988, Melodya a través de su subsidiaria en Leningrado publica una retrospectiva del trabajo de Yuri Morozov hecha durante los años 80 llamada Presentation. En 1989 Yuri forma el grupo OGPU Im. Yu. Morozov, proyecto que dura hasta 1992. 

Yuri siguió trabajando en estudio, donde realizó un gran trabajo como ingeniero de sonido, para artistas de la talla de Alexander Lyapi, Vadim Kurylev, AAqurium, Tamburin, August, Mail, CloudLand Status, Delta Operator, y Chizh & Co entre otros muchos. Desgraciadamente Yuri fallecería en 2006 en la ciudad de san Petersburgo a causa de un mieloma, once días antes de cumplir los 58 años. 

Yuri Morozov, músico, compositor, cantante, ingeniero de sonido, productor y escritor, destacó por su multitud de grabaciones que abarcan casi todo el espectro de tendencias y géneros musicales modernos, por su invención de un nuevo género musical de rock psicodélico ruso, y por su visión en los trabajos de ingenieria de sonido, marcando el camino e influenciando a multitud de grupos de rock y de ingenieros de sonido del país ruso.

martes, 3 de agosto de 2021

Un país, un artista: Rep. Sudafricana - Miriam Makeba

 



Zensile Miriam Makeba; Johannesburgo, 1932 - Castel Volturno, Italia, 2008, Cantante sudafricana. Con su voz cálida y agresiva se consolidó a nivel internacional gracias a un repertorio compuesto tanto por cantos populares africanos y afroamericanos como por canción ligera. Conocida como Mamá África, fue además una destacada activista antiapartheid condenada al exilio durante más de tres décadas.


Hija de un sangoma o chamán de la tribu xhosa, Miriam Makeba pasó su infancia en Pretoria y comenzó a cantar en Sophiatown, un suburbio de Johannesburgo famoso por ser un vibrante centro multicultural antes de que el gobierno del apartheid obligara a sus residentes negros a abandonar la zona bajo los términos de la Ley de Áreas de Grupos. Su padre murió cuando ella tenía cinco años. En 1947, los nacionalistas afrikaners ganar las elecciones y sumir a la gente negra en la arbitrariedad y la violencia. Este es el comienzo del apartheid. A los 20, Zenzi Makeba, vive sola con su hija Bongi y su madre. C Fue allí donde comenzó a cantar, casi por casualidad, con los hermanos cubanos, y se convirtió en corista del grupo Manhattan Brothers en 1952, lo que le da su nombre artístico, En 1958 fundó su propia banda, The Skylarks, una formación íntegramente femenina que mezclaba jazz con música tradicional sudafricana. Junto a los Manhattan Brothers, protagonizó el musical King Kong. En una de sus actuaciones llamó la atención del cineasta estadounidense Lionel Rogosin, quien la incluyó en el controvertido documental Come Back, Africa, un alegato antiapartheid que causó conmoción ese mismo año en el Festival Internacional de Cine de Venecia y que dio a la cantante renombre internacional.

Después de ver que no podía llevar a cabo en su país la carrera musical que ella quería por su activismo comprometido, la cantante viajó a Venecia (Italia) para después conseguir llegar a Londres (Reino Unido), donde conoció a Harry Belafonte, quien le ayudó a entrar en Estados Unidos. Cuando intentó regresar a su país para asistir al funeral de su madre, descubrió que le habían revocado el pasaporte. Comenzaba así un largo exilio (Venecia, Londres, Estados Unidos, Guinea-Conakry) que duraría más de tres décadas. Su aparición ante la Asamblea General de las Naciones Unidas en 1963 denunciando la política del apartheid suscitó aún más las iras del gobierno sudafricano, que respondió prohibiendo sus grabaciones. La carrera artística de Makeba progresaba en Estados Unidos al mismo ritmo que su popularidad, a tal punto que incluso llegó a cantar en la fiesta de cumpleaños de John F. Kennedy (1962) y su corte de pelo dio origen al afro look, que adoptaron los afroamericanos. Su relación con Harry Belafonte fructificaría en un doble álbum, An evening with Belafonte/Makeba (1965).


Icono de la lucha contra el apartheid en su país, Makeba, marginada durante más tres décadas por el régimen racista sudafricano, siempre estuvo comprometida con la lucha por los derechos civiles y contra el racismo, una entrega que llevó a cabo hasta el último momento de su vida. La cantante, conocida también como «la mamá de África», supo llevar como nadie al escenario las tradiciones y los trajes típicos de su tierra en espectáculos donde su voz cálida y su grande presencia eclipsaban a los instrumentos étnicos que la acompañaban. La carrera de Miriam Makeba no se detuvo en las décadas siguientes, si bien pareció estancarse. Aunque siguió grabando (The Many Voices of Miriam Makeba, 1962; Miriam Makeba Live in Africa, 1967; The Word of Miriam Makeba, 1968; A Promise, 1975), sólo experimentó un nuevo repunte a finales de los años ochenta, cuando participó en la exitosa gira Graceland, con Paul Simon (del dúo Simon & Garfunkel) y el grupo Lady Smith Black Mambazo. Graceland (una fusión de los ritmos de la música negra con la occidental, editada en formato disco en 1986) vendió más de 15 millones de ejemplares y ganó varios Grammy, entre ellos el de Álbum del Año en 1987. La gira se prolongaría durante dos años (1987-1988).

 

En 1988 se levantó en Sudáfrica la prohibición que pesaba sobre sus discos. Esto dio a Makeba la oportunidad de grabar, tras muchos años de silencio, un disco con canciones de su tierra, Sangoma, con el que en junio de ese mismo año participó en el macroconcierto Mandela: 70th Birthay Tribute en el estadio londinense de Wembley, un reivindicativo homenaje al líder sudafricano Nelson Mandela, encarcelado desde hacía más de dos décadas. Dos años después, en febrero de 1990, el nuevo régimen de Pretoria liberó a Mandela. En diciembre de ese mismo año Mamá África pisaba de nuevo suelo sudafricano.

En 2002, compartió el Premio de Música Polar con Sofia Gubaidulina. Miriam Makeba siempre había soñado con un gran África unida. Para su país, exhortó a sus hermanos negros para el perdón. "Hay que dejar que crezca. Los negros y los blancos deben aprender a conocer, a vivir juntos. "Ella anunció en 2005 que ponía fin a su carrera, pero ella continuó defendiendo las causas que creía. Murió Domingo, 09 de noviembre 2008, a la edad de 76 años, Tlaxcala, en una de Malasia, después de un concierto en apoyo del autor de "Gomorra", Roberto Saviano, atrapado por Camorra (mafia napolitana).