Un país, un artista: Rusia - Yuri Morozov

 

Yuri Morozov

     Para hablar del rock ruso nos tenemos que remontar hasta finales de la década de los años 60 en la extinta Unión Soviética. Antes de esa década la música en la extinta Unión Soviética se dividía en dos grupos: un primer grupo que abarcaba la música publicada por Melodya, la empresa que monopolizaba toda la industria discográfica soviética, y un segundo grupo denominado "La otra música", que se trataba de música editada, grabada y tocada ilegalmente. De este segundo grupo destacaron autores de corte folk como Bulat Okuzdhava, Aleksandr Galich y Vladímir Semyonovich Vysotsky, que crearon un estilo propio, basado en unas letras muy críticas con el estilo de vida contemporáneo.

Por aquel entonces, la música occidental era importada de contrabando, eludiendo el control de Melodya. Los primeros grupos occidentales en llegar a oídos del oyente soviético fueron The Beatles, The Rolling Stones y Deep Purple. De hecho, la mayoría de los primeros grupos de rock locales que aparecen a comienzos de los 70 en Moscú y alrededores fueron influenciados en su mayoría por los Beatles. A finales de la década de los 60 comienzan a surgir grupos como Poiuschie Gitary, Tsvety, Golubiye Gitary y Sinyaya Ptitsa, todos ellos con la particularidad de ser conjuntos vocal-instrumentales, debido a las férreas restricciones que la Unión Soviética había introducido, regulando la música y las letras de los grupos. Será en esa época cuando surgen dos de las más legendarias bandas de rock ruso, Mashina Vremeni, surgida en Moscú en 1969, y Aquarium, surgida en 1972 en la ciudad rusa de San petersburgo.

Durante la década de los años 80 el rock ruso adquiere una gran relevancia en Rusia, se celebra en 1980 el primer festival de rock ruso en la localidad georgiana de Tiflis, llamado Tbilisi-80 y se funda el primer club de rock en San Petesburgo en 1981, donde las bandas pueden presentarse y tocar legalmente. Durante ésta década surgirán grandes bandas como Agata Kristi, Avtograph, Nutilus Pompilus, Crematorium, Piknin, Nol, N.O.M., Komitet Ojrany Tepla, y DDT. Bandas que junto a las ya mencionadas Mashina Vremeni y Aquarium, dominarán la escena del rock durante esa época.

Dos de esas grandes bandas, Aquarium, de San Petesburgo, y DDT, fundada en la localidad de Ufá, perteneciente a la República de Baskortostán, son rusas y su sonido vendrá marcado por tener grandes influencias de Yuri Morozov, figura a la que dedicaremos en 7dias7notas este apartado dedicado al país de Rusia. Varios son los motivos, entre los que se encuentra la citada influencia en bandas de la extinta Unión Soviética primero y rusas después como las citadas anteriormente. Yuri fue capaz de inventar un género de rock psicodélico ruso usando elementos de rock progresivo y música étnica rusa. Además de ser una gran influencia en el ámbito del rock ruso, también marcó un antes y un después trabajando como ingeniero, siendo el primero en la Unión Soviética en abordar el proceso de grabación de sonido como un acto creativo, y no como un mero proceso de grabación mecánica sin más.

Yuri Morozov, multiinstrumentista, ingeniero de sonido, escritor y músico de rock soviético y ruso, nace en 1958 en Belogorsk, región perteneciente a la región de Crimea. En su juvenud se muda a la ciudad rusa de Vladikavkaz (antigua Ordzhonikizde), y es allí, en el colegio, donde se deja atrapar por la música rock. Después de la escuela, en 1968 cooncretamente, se convierte en estudiante en le Insituto Ordzhonikizde, para posteriormente ingresar en la Facultad de Minería y Metalurgia del Cáucaso Norte. En otoño de 1969 forma su primer grupo, Tramps, el cual está influenciado enormemente por el sonido de The Beatles. 

Yuri en esa época ya se dedica a grabar sus experimentos musicales en cinta, algo que se acabará convirtiendo más adelante en una de las principales técnicas de su método artístico. En 1971 Yuri se muda a Leningrado, donde ingresa en el Departamento Nocturno del Instituto Politécnico de la Facultad de Automatizaciónn y Accionamiento Eléctrico. Ese año se fabrica un estudio casero con el  que comienza a experimentar con la sobregrabación primero, y la técnica multicanal después, intepretando y grabando todas las partes instrumentales y vocales él mimso. El año siguiente, 1972, consigue un trabajo en el Estudio de Grabación de Leningrado, perteneciente a la compañía Melodya, quien controla y regla toda la música por aquel entonces. 

La habilidad de Yuri para manejar equipos de estudio profesionales le permite consevar sus primeras grabaciones de conciertos, entre los que se encuentran las realizadas con su primer grupo, Tramps hechas en 1971, y sus trabajos Retroskop (1968-1971) y Apocripha (1972-1973). En 1973 graba el álbum psicodélico "Jimmy Hendrix's Cherry Orchard" y comienza a colaborar con otros grupos e intérpretes de la escena de Leningrado. Entre 1975 y 1976 Yuri forma parte del proyecto  de jazz rock llamado Nu Pogodi!, e intenta unirse con el bajista Mikhail Kudryatsev y el baterista Igor Golubev. Al año siguiente forma un trío junto a Kudryatsev y al batrista Sergei Petrov. 

Yuri, consciente de que las ideas que tiene en la cabeza sobre grabción en estudio son imposibles de llevar a cabo en el escenario, empieza a concentrar su trabajo más en el estudio de Melody, donde graba obras referentes a las enseñanzas filosóficas de la India antigua, temas bíblicos, de la cultura de la China Medieval, y del folclore ruso, lo que le llevará a colaborar largo plazo con el grupo de folk-rock Yabloko.

Las mayoría de las grabaciones que Yuri realiza son instrumentales. en 1981 ya tiene en su repertorio un amplio abanico de canciones de motivos cristianos, por lo que decide intepretarlas en el escenario, para lo que forma un trío junto al bajista Kudryatsev y al baterista Sergei Zavyalov. Sin embargo, a pesar de haber estado ensayando durante tdo un invierno, el trío acaba seprándose. 

Tras varios años alejado de los escenarios, Yuri vuelve en 1987 para dar un concierto en el festival Rock-Niva-87, donde es acmpañado por el grupo de rock de Leningrado Mail. En 1988 comienza una colaboración con el grupo DDT que se traduce en una gira que dura año y medio. Ese año, 1988, Melodya a través de su subsidiaria en Leningrado publica una retrospectiva del trabajo de Yuri Morozov hecha durante los años 80 llamada Presentation. En 1989 Yuri forma el grupo OGPU Im. Yu. Morozov, proyecto que dura hasta 1992. 

Yuri siguió trabajando en estudio, donde realizó un gran trabajo como ingeniero de sonido, para artistas de la talla de Alexander Lyapi, Vadim Kurylev, AAqurium, Tamburin, August, Mail, CloudLand Status, Delta Operator, y Chizh & Co entre otros muchos. Desgraciadamente Yuri fallecería en 2006 en la ciudad de san Petersburgo a causa de un mieloma, once días antes de cumplir los 58 años. 

Yuri Morozov, músico, compositor, cantante, ingeniero de sonido, productor y escritor, destacó por su multitud de grabaciones que abarcan casi todo el espectro de tendencias y géneros musicales modernos, por su invención de un nuevo género musical de rock psicodélico ruso, y por su visión en los trabajos de ingenieria de sonido, marcando el camino e influenciando a multitud de grupos de rock y de ingenieros de sonido del país ruso.

0221 It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding) - Bob Dylan

0000 It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding) - Bob Dylan

It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding) es una canción escrita e interpretada por Bob  Dylan. La canción fue lanzada en el álbum Bringing It All Back Home, y

Bob Dylan la escribió y posteriormente la grabó el 15 de enero de 1965. El biógrafo de Dylan, Howard Sounes lo describe como una obra maestra siniestra del autor.

La canción tiene uno de los versos más emblemáticos de Bob Dylan. Entre los versos más conocidos que se conocen están "He not busy being born is busy dying", "Money doesn't talk, it swears", "Although the masters make the rules, for the wisemen and the fools" y "But even the president of the United States sometimes must have to stand naked." La letra de las canciones expresa el enojo de Bob Dylan por la hipocresía percibida, el comercialismo, el consumismo y la mentalidad de guerra en la cultura estadounidense contemporánea. 

Las preocupaciones de Bob Dylan en las letras, sin embargo, se extienden más allá de lo sociopolítico, expresando preocupaciones existenciales y tocando asuntos urgentes de la experiencia personal.

Bob Dylan dijo que "It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding)" es una de las canciones más significativas para él, habiéndola tocado a menudo en conciertos en vivo. Desde su lanzamiento original en Bringing It All Back Home, se han publicado versiones en vivo de la canción en The Bootleg Series Vol. 6: Bob Dylan Live 1964, Concierto en Philharmonic Hall, Before the Flood, The Rolling Thunder Revue: The 1975 Live Recordings y Bob Dylan en Budokan. 

También se puede ver a Dylan interpretando la canción en la película Dont Look Back y en el video del especial de HBO Hard to Handle. La canción ha sido versionada por varios otros artistas, incluidos Roger McGuinn, The Byrds, Billy Preston, Hugo Race, Terence Trent D'Arby, Mick Farren, Caetano Veloso, Marilyn Scott y The Duhks.

Daniel 

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0220 It's All Over Now, Baby Blue - Bob Dylan

 

It's All Over Now, Baby Blue, Bob Dylan

     Después de publicar cuatro trabajos de música folk, Bob Dylan decide apostar por un sonido más eléctrico y publica Bringing It All Back Home, su quinto álbum de estudio, grabado en el Studio A de los Columbia Recording Studios de Nueva York, y publicado en marzo de 1965 por la discográfica propietaria de dichos estudios, Columbia Records.

El título del álbum hace referencia a la llamada "Invasión Británica", como así se llamó al movimiento musical predominante hacia mediados de los años 60 en Estados Unidos con la llegada de grupos procedentes del Reino Unido y que alcanzaron sus cotas más altas con la llegada de The Beatles. A nivel comercial Bringing It All Back Home se convirtió en el segundo álbum de Dylan en alcanzar el primer puesto en las listas de ventas del Reino Unido, mientras que en Estados Unidos llegaba al puesto número 6 en la lista Billboard Hot 200. 

Incluido en este quinto álbum se encuentra It's All Over Now, Baby Blue, tema compuesto y escrito por Bob Dylan  y grabado en sesión de grabación el 15 de enero de 1965 por el mismo Dylan a la guitarra acústica y armónca, y William E. Lee al bajo como única instrumentación. Este tema fue grabado el mismo día en que Dylan grabó otros tres temas, Mr. Tambourine Man, It's Alright Ma (I'm Only Bleeding) y Gates of Eden. 

La letra del tema está influenciado por la poesía simbolista, uno de los movimientos literarios más importantes del siglo XIX. Los simbolistas creían que el mundo era un misterio por descifrar y por ello el poeta debía trazar las correspondencias ocultas que unen los objetos sensibles. En esta canción Dylan nos relata un adiós a la persona llamada Baby Blue y comienza con una amarga declaración: 

"Debes irte ahora, toma lo que necesites, cree que durará 

pero lo que sea que desees quedarte, será  mejor que lo

agarres rápido

y todo ha terminado ahora, Baby Blue..."

En éste verso podemos apreciar el dolor y arrepentimiento que sufre el cantautor y toda la canción será un cúmulo de emociones de desprecio y tristeza. A lo largo de los años muchos críticos e historiadores han especulado sobre la verdadera identidad de Baby Blue, llegando a sonar nombres como Joan Baez, David Blue, Paul Clayton o incluso el mismo Bob Dylan.

La musica en historias: Angels & Vampires #MesSanandaMaitreya

 

Iniciamos el mes de Agosto y no cambiamos de artista, ¿O quizás sí?... después de recorrer en julio la discografía de Terence Trent D´Arby, es el momento de evolucionar e ir un paso más allá, desafiar los límites de nuestro interés y detenernos en cuatro estaciones en la discografía de Sananda Maitreya…. El mismo genio que el mes anterior que con dos cambios radicales, el primero lógicamente el nombre… mismo artista distinta forma de conocerle, el segundo y básicamente por lo que hemos decidido iniciar este recorrido, la música…… y la libertad creativa que supuso romper con su pasado e iniciar su nuevo camino.

Iniciamos con su primer álbum titulado Angels & Vampires, y empezamos fuerte, de primeras nos damos de bruces con 40 canciones, si bien editado el cd físicamente contenía 20, teníamos otras 20 solo accesibles desde Interne para regalo de nuestro oído, así a lo bruto y sin ningún filtro, el poderío creativo de Sananda era de sobre sabido, que su discográfica no estaba muy contento con lo que presentaba, también, así que de primeras decide desnudarse por completo y en un ejercicio de sinceridad nos entrega muchas de aquellas canciones que le habían rechazado y otras nuevas creadas para la ocasión. Sin duda y a menudo que avanza el álbum, el oyente podrá encontrar muchos estilos y sobre todo temas que te dejan totalmente indiferentes, pero también muchos otros que te dejan clavado en la silla preguntándote como podían haber encadenado a tal bestia creativa.

Lo cierto es que además de su faceta creativa Sananda Maitreya es un cantante maravilloso y bastante peculiar con los títulos de sus canciones, Angels & Vampires no se siente como un álbum oscuro ni un álbum con tintes de religiosos. Es un disco alegre con poca guitarra, mucho piano y bajo. Maitreya nos regala un álbum con mucho material para escuchar. Es difícil elegir una canción favorita de todas estas canciones, cada una tiene su encanto, me voy a detener en varias de las 20 primeras que salieron editadas, sin duda la que más me ha hecho disfrutar ha sido We are the living, donde podemos encontrar algunos ramalazos del gran Terence Trent D´Arby pero sin duda alguna con el sello de Sananda, me gustaría destacar un estribillo que te deja extasiado, pero no solo es el estribillo, detenerse en los coros mientras los instrumentos se dispersan a su alrededor y como no, en esa guitarra que en el minuto 2:45 de la canción toma un protagonismo de oro. I´m your Daddy es otra de las grandes, tiene momentos brillantes pero quizás tanta pausa desarbola un poco el tema…¿o es que realmente estaba jugando a eso?. Dolphin es puro soul, y de nuevo encontramos cambios de ritmo que adornan la canción y la eleva de nivel. Destaco también Take a Time, son dos minutos muy bien aprovechados convirtiéndola en otra de las joyas de la corona, o la indescriptible Share Your Paints, donde esa guitarra que ya hemos conocido coge protagonismo a partir del minuto y cincuenta segundos y la eleva por encima de lo esperado.

0219: Mr. Tambourine Man - Bob Dylan

Mr. Tambourine Man fue escrita por Bob Dylan y la incluyó en su disco Bringing it all back home de 1965, pero The Byrds se adelantaron y publicaron una versión del tema antes de que la original fuera publicada por el artista de Minnesota, consiguiendo con ella el puesto más alto de las listas de ventas. Antes de que los pájaros se la robaran y remontaran el vuelo, Dylan la había interpretado en directo en el Philharmonic Hall de Nueva York en 1964, y ese mismo año había grabado una versión primeriza junto a Ramblin' Jack Elliot.

El disco Bringing it all back home es clave en la carrera de Dylan ya que es el primero en el que algunas canciones mostraron un sonido más eléctrico, alternando con otros temas en los que mantenía su característico sonido acústico. Ejemplo del grupo de canciones acústicas es precisamente Mr. Tambourine Man. La versión de Dylan es más desnuda y acústica que la de los Byrds, que buscaron un sonido más cercano a The Beatles, y tiene la particularidad de empezar directamente con el estribillo.

Mucho se ha escrito sobre la identidad de aquel "hombre del tambourine" en esta bella balada acústica de surrealista letra ¿Se refería realmente a un músico callejero (Oye, Mr. Tambourine Man, toca una canción para mí, no tengo sueño y no hay ningún lugar al que vaya...) o a un camello capaz de proporcionarle un gran viaje psicodélico? (Llévame a un viaje en tu mágico barco giratorio... Llévame desapareciendo a través de los anillos de humo de mi mente, por las neblinosas ruinas del tiempo...) No lo sabemos a ciencia cierta, y eso nos da la excusa perfecta para seguirla escuchando una y otra vez, en busca de esa pista definitiva que nunca nos será desvelada, mientras nos olvidamos "de hoy, hasta mañana" en un más que apetecible viaje musical a través de sus versos.

Disco de la semana 237: Combat Rock, The Clash

Publicado el 14 de mayo de 1982, Combat Rock es el quinto disco de estudio de The Clash, y el último disco relevante de su emblemática e influyente carrera. Etiquetados como grupo punk, The Clash eran mucho más que eso, y este disco es el mejor ejemplo de ello. Sin llegar a poder compararse con los monumentales London Calling o Sandinista, Combat Rock es un disco ecléctico en el que nos regalan un interesante despliegue de dub, funk, rockabilly, rock y, por supuesto, punk.

Con la idea de entregar por tercera vez consecutiva un disco de larga duración (London Calling era doble y Sandinista triple) se encerraron en los Electric Ladyland Studios de Nueva York entre noviembre y diciembre de 1981, y acabaron produciendo 18 canciones para el disco. Finalmente decidieron convertirlo en un solo LP, que quedó como escueto resumen de la versatilidad de la banda en un momento de máxima fertilidad, que a la postre fue el zenit de una banda que empezaría poco después una lenta desintegración interna y transitaría hacia terrenos musicales mucho menos inspirados. Fue el último disco de la formación clásica de la banda, con Joe Strummer (voz, guitarra, armónica), Mick Jones (voz, guitarra. teclados), Paul Simonon (bajo, coros) y Topper Headon a la batería. Este último fue expulsado por sus problemas con las drogas, y las desavenencias entre Strummer y Jones dieron con los huesos de Jones en la cuneta.

Combat Rock se convertiría en poco tiempo en el disco más vendido de la banda, gracias en gran medida a la archiconocida y pegadiza “Should I Stay or Should I Go”, con grandes influencias de The Rolling Stones en el ritmo y las guitarras, pero también a la afilada crítica política de Know your rights, el tema que abre el disco, un certero y abrupto disparo que conjuga lo mejor del rockabilly con leves toques country y reminiscencias del surf rock de los Beach Boys.

Rock the Casbah completa el trío de ases de este disco, otro éxito rotundo de la mítica banda británica, y es además, junto a Overpowered by funk, el tema más sorprendente de un grupo al que, como decía anteriormente, se le cuelga la etiqueta de "punk". Quizá buscaran rebelarse contra esa visión reduccionista, y lo hicieron cambiando la "p" por la "f" y entregando dos curiosas y memorables piezas más cercanas al "funk" que al género con el que todo el mundo les asociaba.

La versatilidad y el abanico de estilos del disco va todavía más allá en temas de ritmo más cercano al dub rock y el reggae en Ghetto Defendant o Red Angel Dragnet (inspirado en la película Taxi Driver y en el asesinato de Frank Melvin, miembro de los Ángeles Guardianes, una conocida organización contra el crimen del Nueva York de los años setenta), o en canciones sorprendentemente melódicas como Inoculated City o Sean Flynn (sobre la misteriosa desaparición del hijo del actor Errol Flynn mientras cubría como fotógrafo la guerra de Vietnam).

La banda va incluso más allá en la experimentación jazz y el recitado de Death is a Star, y en la atmosférica e inspirada Straight to Hell, una de las joyas de este disco y de toda la discografía de The Clash, en una dura reflexión sobre la situación de muchos niños vietnamitas, hijos de soldados estadounidenses, que nunca llegarían a conocer a sus padres tras la guerra de Vietnam. La crudeza de la temática contrasta con la atmósfera calmada del tema, y el toque ecléctico lo pone el aire sutil y tribal de las percusiones.

Me queda por mencionar temas como  Car Jamming, quizá la menos sorprendente pese a su sólida base de rock and roll, y la escueta y anecdótica Atom Tan, el tema menos destacable de un disco inclasificable y cambiante, en el que la crudeza punk desaparece de la instrumentación, para mudarse al contenido de las ácidas y cortantes letras, con la guerra de Vietnam de inspiración y fondo en muchas de las canciones. No es punk, pero es mucho más. Es Rock de Combate.

0218.- Subterranean Homesick blues - Bob Dylan

 

A principios de la década de 1960, Dylan había esculpido una imagen de un artista folclórico que producía baladas taquilleras con carga política. Su entrega vocal cruda y sin adornos junto con el rasgueo rítmico de la guitarra acústica y la armónica estridente pero melodiosa adornaron esta identidad aún más. Sus canciones sobre la injusticia social y política destacaron  por su radicalismo y ayudaron a despertar la conciencia pública. Pero Dylan pronto entendió que era hora de aventurarse fuera del nicho que creó con sus primeros tres álbumes. Con 'Subterranean Homesick Blues', cometió su primer gran desvío que se convirtió en un punto de inflexión en su carrera, enchufando su guitarra: “Nadie me dijo que fuera eléctrico… No, no le pregunté a nadie. Nadie en absoluto ". Escrito en el patrón de flujo de conciencia, Dylan trató de combinar todos sus pensamientos con todo lo que estaba sucediendo en el mundo de mediados de la década de 1960 dentro de una canción de tres minutos. En ese momento, Dylan se había alejado completamente de las letras de actualidad en general, involucrándose en ángulos más personales. Sin embargo, esta canción es testigo de una fusión de ambos. El título de la canción fue tomado de la novela semi-ficticia de 1958 de Kerouac The Subterraneans. Si bien el contenido reflejaba la influencia de Kerouac, así como la canción de Woodie Guthrie-Pete Seeger 'Taking It Easy', que contenía la línea "Mamá estaba en la cocina preparándose para comer / Hermana estaba en la despensa buscando un poco de levadura". Dylan le dijo al LA Times que la canción estaba musicalmente inspirada por Chuck Berry: "Es de Chuck Berry, un poco de 'Too Much Monkey Business' y algunas de las canciones scat de los años cuarenta".

 

La canción habla sobre redadas de drogas, descontento social, la postura violenta de la policía contra los manifestantes por los derechos civiles, etc., capturando los juicios y tribulaciones de la nueva década a la perfección. Ha habido un debate sobre la intención de Dylan detrás de la frase, "Mejor mantente alejado de aquellos / Que llevan una manguera contra incendios". Si bien algunos lo ven como una advertencia contra la cruel autoridad, algunos lo han interpretado negativamente, algunas opinan que es una canción que pide a uno que no se involucre en el movimiento de protesta, dando prioridad a la seguridad personal sobre las reclamaciones de derechos básicos y el tema ha pasado a convertirse en un himno de la década. Gracias a su enorme popularidad, los músicos han versionado y aludido a esta canción innumerables ocasiones. John Lennon admiró la canción hasta el punto de estar celoso de ella, pensando que nunca podría competir con cosas tan poderosas. Lennon incluso citó la canción en su entrevista de Playboy de 1980, que fue una de sus últimas: “Escucha, no hay nada de malo en seguir ejemplos. Podemos tener figuras decorativas y personas a las que admiramos, pero no necesitamos líderes. 'No sigas a los líderes, mira los parquímetros”. Como la mayoría de las canciones de Dylan, 'Subterranean Homesick Blues' es una de las mas queridas del cantautor. Solo podemos alegrarnos del hecho de que Dylan se arriesgó a incursionar en el rock 'n' roll incluso después de obtener una reacción desfavorable de una parte de su audiencia.

0217 For Your Love - The Yardbirds

 

For Your Love, The Yardbids

     Nos encontramos en 1965, año en el que entra en escena el mítico grupo británico The Yardbirds, formación por la que pasaron y dejaron su impronta los guitarristas Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page.

En agosto de 1965 se publica For Your Love bajo el sello discográfico Epic, el primer álbum de estudio de la formación británica. El disco compila los primeros sencillos del grupo y sólo llegó a editarse en Estados Unidos y en algunos países de Europa. Los temas fueron grabados por por Chris Dreja (guitarra rítmica), Jim McCarthy (batería), Keith Relf (voz, armónica), Paul Samwell-Smith (bajo), Eric Clapton (guitarra principal), quien aparece en ocho de los once temas del disco, y Jeff Beck (guitarra principal), que aparece en los tres restantes, debido a que había sustituido a Eric Clapton tras su abrupta salida del grupo, quien no estaba muy contento con el enfoque comercial que se estaba dando al grupo. De hecho es Jeff Beck quien aparece en la portada del disco y Clapton ni siquiera es mencionado en la contraportada.

Incluido en el álbum y abriendo el mismo se encuentra el tema que da título al mismo, For Your Love, tema de corte pop rock escrito y compuesto por el músico, cantante, compositor y cantautor inglés Graham Gouldman, quien fundaría en 1972 el exitoso grup de pop rock y soft rock británico 10CC. El sencillo grabado por The Yardbirds alcanzó el puesto número 3 en la lista británica UK Singles Chart y el número 6 en las listas de ventas de Estados Unidos. Al parecer fue precisamente éste tema el que propició la salida de Eric Clapton del grupo, pues al guitarrista, gran defensor y purista del blues y R&B, no le sentó nada bien que la banda hiciera incursiones en el género pop rock. 

Graham Gouldman se inspiró para componer For Your Love en la canción The House Of The Rising Sun. Esta canción, For Your Love, es uno de los temas más famosos del rock que presenta en su grabación con un clavecín (instrumento musical con teclado y de cuerda pulsada y uno de los más populares durante el Barroco). Los arreglos de clavecín fueron hechos por el bajista del grupo Paul Samwell-Smith, e incluso el compositor del tema, Gouldman, admitió que los arreglos e incursión del clavecín fue un gran acierto y una genialidad, pues le daba al tema y al disco una atmósfera extraña y misteriosa.

0216: Il mondo - Jimmy Fontana

 

Jimmy Fontana (1934-2013), nacido Enrico Sbriccoli, es uno de los autores más destacados de la canción melódica italiana, aunque se inició en el jazz, tocando el contrabajo de manera autodidacta; Jimmy es, precisamente, un homenaje al saxofonista Jimmy Giuffré, mientras que el apellido Fontana parece que lo encontró al azar, en la guía telefónica. En los años sesenta decidió pasarse a la canción melódica; en 1961 participó en el Festival de San Remo y, en 1965, en la segunda edición de Un disco per l’estate, cantando “Il Mondo”. Sólo consiguió el quinto puesto, sin embargo, fue el tema que más éxito tuvo y, a la larga, se convirtió en una de las melodías emblemáticas de la canción italiana. El tema es del propio Jimmy Fontana, Lilli Greco y Carlo Pes y los arreglos son nada más y nada menos que de Ennio Morricone, que por aquella época trabajaba para la RCA italiana.

La canción esta llena de magia, podríamos decir sin tapujos que está hecha con el material con el que se fabrican los sueños, una de esas a las que es imposible encontrar una sola persona que no caiga rendida a sus encantos. Una pieza impregnada de nostalgia y de realidad a partes iguales, como la vida misma vaya, que se beneficia de la voz de el gran Jimmy Fontana, y una instrumentación exquisita y épica capaz de dejar embobado a cualquiera. El tema ha conocido múltiples adaptaciones a varios idiomas incluso de mano de su creador, que la hizo en castellano, y que ha pasado por las manos de (con mayor o menor suerte) de Los Mustang, Sergio Dalma o incluso Seguridad Social. La letra es un canto a los nuevos comienzos, es creer que nada tiene que ser por siempre si tú no lo deseas, que los momentos más malos pasan con el tiempo porque siempre hay un mañana. Y puede que con quien te acuestas por la noche no sea ya el amor de tu vida y que cuando la miras ya no sientas nada, pero eso no es una condena a la infelicidad perpetua, es el primer paso para encontrar ese nuevo querer que te reenganche a este mundo que gira y gira. No quisiera terminar sin hacer referencia a su aparición en la película Una Cuestión De Tiempo de Richard Curtis, en la que este clásico imperecedero era uno de los protagonistas de la historia.

0215: Harlem Nocturne - The Viscounts

Harlem Nocturne es un clásico del jazz que data realmente de 1939. El tema original fue escrito por Earle Hagen y Dick Rogers para su orquesta Ray Noble. Desde entonces, son incontables los artistas y grupos que la han versionado. Los propios Viscounts hicieron dos versiones, una primera interpretación del tema en 1959, y la posterior versión que protagoniza estas líneas, que incluso llegó a superar en las listas de ventas las posiciones a las que había llegado su antecesora.

Si os pasa lo que a mí, seguramente conocéis Harlem Nocturne aunque el nombre de la canción os sugiera lo contrario. Los menos jóvenes del lugar, la reconoceréis en la versión que, con Bud Shank al saxo, sonaba como tema principal de Mike Hammer, la mítica serie sobre un detective de Nueva York, dotado de un tremendo gancho con las mujeres, a las que rechazaba con un seductor y elegante: "¿De veras? Tomaré nota". La ironía del destino hacía que la única mujer que realmente le fascinaba, y que aparecía sólo un instante en cada episodio, era la que se le acababa siempre escapando.

Para que no os pase lo que al bueno de Mike Hammer, os recomiendo encarecidamente que, entre tantas versiones de este tema, apuntéis en vuestra lista de canciones para el recuerdo la genial versión de The Viscounts. Y claro está, me entristecería que pasarais olímpicamente de mi recomendación, pero tendría su gracia que lo hicierais con un oportuno: "¿De veras? Tomaré nota".

Un país, un artista: Rep. Sudafricana - Miriam Makeba

 

Zensile Miriam Makeba; Johannesburgo, 1932 - Castel Volturno, Italia, 2008, Cantante sudafricana. Con su voz cálida y agresiva se consolidó a nivel internacional gracias a un repertorio compuesto tanto por cantos populares africanos y afroamericanos como por canción ligera. Conocida como Mamá África, fue además una destacada activista antiapartheid condenada al exilio durante más de tres décadas.

Hija de un sangoma o chamán de la tribu xhosa, Miriam Makeba pasó su infancia en Pretoria y comenzó a cantar en Sophiatown, un suburbio de Johannesburgo famoso por ser un vibrante centro multicultural antes de que el gobierno del apartheid obligara a sus residentes negros a abandonar la zona bajo los términos de la Ley de Áreas de Grupos. Su padre murió cuando ella tenía cinco años. En 1947, los nacionalistas afrikaners ganar las elecciones y sumir a la gente negra en la arbitrariedad y la violencia. Este es el comienzo del apartheid. A los 20, Zenzi Makeba, vive sola con su hija Bongi y su madre. C Fue allí donde comenzó a cantar, casi por casualidad, con los hermanos cubanos, y se convirtió en corista del grupo Manhattan Brothers en 1952, lo que le da su nombre artístico, En 1958 fundó su propia banda, The Skylarks, una formación íntegramente femenina que mezclaba jazz con música tradicional sudafricana. Junto a los Manhattan Brothers, protagonizó el musical King Kong. En una de sus actuaciones llamó la atención del cineasta estadounidense Lionel Rogosin, quien la incluyó en el controvertido documental Come Back, Africa, un alegato antiapartheid que causó conmoción ese mismo año en el Festival Internacional de Cine de Venecia y que dio a la cantante renombre internacional.

Después de ver que no podía llevar a cabo en su país la carrera musical que ella quería por su activismo comprometido, la cantante viajó a Venecia (Italia) para después conseguir llegar a Londres (Reino Unido), donde conoció a Harry Belafonte, quien le ayudó a entrar en Estados Unidos. Cuando intentó regresar a su país para asistir al funeral de su madre, descubrió que le habían revocado el pasaporte. Comenzaba así un largo exilio (Venecia, Londres, Estados Unidos, Guinea-Conakry) que duraría más de tres décadas. Su aparición ante la Asamblea General de las Naciones Unidas en 1963 denunciando la política del apartheid suscitó aún más las iras del gobierno sudafricano, que respondió prohibiendo sus grabaciones. La carrera artística de Makeba progresaba en Estados Unidos al mismo ritmo que su popularidad, a tal punto que incluso llegó a cantar en la fiesta de cumpleaños de John F. Kennedy (1962) y su corte de pelo dio origen al afro look, que adoptaron los afroamericanos. Su relación con Harry Belafonte fructificaría en un doble álbum, An evening with Belafonte/Makeba (1965).

Icono de la lucha contra el apartheid en su país, Makeba, marginada durante más tres décadas por el régimen racista sudafricano, siempre estuvo comprometida con la lucha por los derechos civiles y contra el racismo, una entrega que llevó a cabo hasta el último momento de su vida. La cantante, conocida también como «la mamá de África», supo llevar como nadie al escenario las tradiciones y los trajes típicos de su tierra en espectáculos donde su voz cálida y su grande presencia eclipsaban a los instrumentos étnicos que la acompañaban. La carrera de Miriam Makeba no se detuvo en las décadas siguientes, si bien pareció estancarse. Aunque siguió grabando (The Many Voices of Miriam Makeba, 1962; Miriam Makeba Live in Africa, 1967; The Word of Miriam Makeba, 1968; A Promise, 1975), sólo experimentó un nuevo repunte a finales de los años ochenta, cuando participó en la exitosa gira Graceland, con Paul Simon (del dúo Simon & Garfunkel) y el grupo Lady Smith Black Mambazo. Graceland (una fusión de los ritmos de la música negra con la occidental, editada en formato disco en 1986) vendió más de 15 millones de ejemplares y ganó varios Grammy, entre ellos el de Álbum del Año en 1987. La gira se prolongaría durante dos años (1987-1988).

 

En 1988 se levantó en Sudáfrica la prohibición que pesaba sobre sus discos. Esto dio a Makeba la oportunidad de grabar, tras muchos años de silencio, un disco con canciones de su tierra, Sangoma, con el que en junio de ese mismo año participó en el macroconcierto Mandela: 70th Birthay Tribute en el estadio londinense de Wembley, un reivindicativo homenaje al líder sudafricano Nelson Mandela, encarcelado desde hacía más de dos décadas. Dos años después, en febrero de 1990, el nuevo régimen de Pretoria liberó a Mandela. En diciembre de ese mismo año Mamá África pisaba de nuevo suelo sudafricano.

En 2002, compartió el Premio de Música Polar con Sofia Gubaidulina. Miriam Makeba siempre había soñado con un gran África unida. Para su país, exhortó a sus hermanos negros para el perdón. "Hay que dejar que crezca. Los negros y los blancos deben aprender a conocer, a vivir juntos. "Ella anunció en 2005 que ponía fin a su carrera, pero ella continuó defendiendo las causas que creía. Murió Domingo, 09 de noviembre 2008, a la edad de 76 años, Tlaxcala, en una de Malasia, después de un concierto en apoyo del autor de "Gomorra", Roberto Saviano, atrapado por Camorra (mafia napolitana).

La música en historias: El retorno de TTD... Comienza el #MesSanandaMaitreya

 

Tras el excesivo castigo comercial a Neither fish nor flesh (1989), y el repunte comercial de Simphony or Damn (1993) y, en menor medida, Vibrator (1995), Terence Trent D'Arby albergaba serias dudas sobre el camino a seguir con su música. Las tensiones con la discográfica Java Records y una crisis de identidad personal le llevaron a que su siguiente proyecto, planteado inicialmente bajo el nombre de The Solar Return of TTD (El retorno solar de Terence Trent D'Arby), se fuera demorando y posponiendo año tras año y sine die.

Por ese largo y tortuoso camino de regreso, Terence dejó atrás Nueva York, fijó su residencia en Munich, primero, y finalmente en Milán, y cambió legalmente su nombre por el de Sananda Maitreya. Y aquí es dónde empieza la paradoja de este artículo, porque las canciones que iban a integrar el disco de retorno de Terence Trent D'Arby fueron evolucionando hasta convertirse en Wild Card!, el primer disco de una nueva etapa, que contaremos en el #MesSanandaMaitreya que ahora comienza.

Empezamos descubriendo la carta salvaje, el as en la manga con la que este genial artista intentó, una vez más, evitar el injusto rechazo del gran público. El nacimiento de la era Sananda viene marcado por un buen disco, algo irregular, que da la sensación de ser una mezcla de los embriones de varios discos, todos ellos interrumpidos en algún momento, y que se habría beneficiado de una mayor criba en la selección de las canciones. Y pese a la evidente carencia de sentido unitario entre algunos de los temas, es un disco de una cuidada producción y lleno de cálidos y brillantes momentos.

El comienzo es más que prometedor con O Divina, un single que rezuma soul y nos devuelve a un TTD (o nos presenta a un Sananda Maitreya) en forma y desplegando todo su talento vocal y compositivo. Apoyado por arreglos de viento y un efectivo e intenso estribillo, Sananda despliega sus cartas y parece destinado a ganar por fin la partida. El disco vira entonces hacia arreglos más vanguardistas, que acompañan al impresionante registro vocal de Sananda, alternando en la voz el suave terciopelo y la seda desgarrada en temas como Designated fool, My dark places o la intensa y brillante The Inner Scream.

El esperanzador arranque se completa con la fresca y energizante SRR-636, pero a continuación el disco empieza a resentirse con temas menos relevantes como Drivin' me crazy o Suga Free. Nos recuperamos del bajón pasajero con dos de los mejores temas del disco, la intensa y desgarradora balada What Shall I do? y el medio tiempo eléctrico de Testify. En estos dos álgidos temas, Sananda vuelve a recorrer los intensos caminos sonoros por los que frecuentó en Simphony or damn o Vibrator.

En el siguiente bloque, vuelven los tonos suaves y el soul delicado, para lucimiento de una voz privilegiada, pero salvo en contadas excepciones (Everythang), desaparecen los ritmos frescos y modernos del primer tercio del disco, llevándonos hacia lo que de nuevo parece otro disco diferente, marcado por el tono intimista de temas como Shalom, Girl, Sweetness o Some birds blue (un tema antiguo que ya circulaba en discos de outtakes de la época Terence). De todo este grupo de cálidos temas, la más luminosa y agradable es Be Willing, pero justo tras ella vuelve la sensación de relleno y poco encaje con Goodbye Diane.

A tiempo de remontar el vuelo, llega un trío final de ases formado por las enérgicas y pegadizas And they will never know y Sayin' about you, y por la introspección psicodélica de Shadows, con la que se reafirma en que "No tengo miedo de ser, lo que puedas necesitar, quiero que triunfes, y me mantendré aquí a tu lado, hasta que los pájaros no vuelen más, hasta que los océanos se sequen, y tus sombras desaparezcan". Y en eso está Sananda Maitreya, viviendo su vida disco a disco, y publicando su extensa obra a través de su página web www.sanandamaitreya.com, hasta que por fin desaparezcan las sombras que rodean al trabajo de uno de los talentos más desbordantes de las últimas décadas. Y que mejor que el abrasador sol de agosto, para que en 7dias7notas pongamos nuestro granito de arena en la construcción de ese camino hacia la luz. Comienza el #MesSanandaMaitreya.

0214 All Day and All of the Night - The Kinks

0214 All Day and All of the Night - The Kinks

All day and all of the night es uno de los grandes éxitos de The Kinks tras su otro éxito You Really Got Me.

All Day And All Of The Night, a nivel de composición exploraba todo el sonido del power-chord en una época en la cual nadie lo hacía, convirtiéndola en una novedad. 

The Kinks decidió realizar la grabación en los estudios Pye Studios de Londres  para hacer la grabación de la canción el 23 de septiembre de 1964 La banda tenía muy claro que la única manera de mantenerse en la cima, luego de Your Really Got Me, era a través de la exploración de un nuevo sonido. Sobre esta búsqueda en All Day And All Of The Night comentaba el propio Ray Davies: “Me gustaba el sonido de la guitarra en ‘All Day And All Of The Night’, el segundo sencillo que tuvimos. Cuando trataron de desarrollar amplificadores que tenían pre-gain y todo, pensé que no estaba bien y luché un tiempo con ese sonido. Nunca me gustaron los Marshalls, porque sonaban como todos los demás. Luego, a mediados de los 70 comencé a usar Peavey, y la gente decía: «Nadie usa Peavey – bandas country y western las usan… Solía volarlos todas las noches. Utilicé dos Peavey Maces juntos y fue genial”.

Durante la sesión de grabación también se produjo otra de las canciones de la banda, dirigida por el productor Shel Talmy, la canción que iría en la lado B, sería I Gotta Move.

Existió una polémica con la canción All Day and All of the Night, se lanzaría oficialmente como single el 23 de octubre de 1964 en el Reino Unido y el 9 de diciembre se pondría  a la venta en Estados Unidos. La canción alcanzaría el segundo puesto en las listas británicas y el séptimo de Estados Unidos, siendo también incluido en el disco Kinks-Size. Hasta aquí todo iba muy bien, hasta que cuatro años más tarde The Doors lanzaban el single Hello I Love You, que sonaba sospechosamente parecido a All Day and All of the Night. Sobre este asunto diría Ray Davies: “Mi editor quería demandar. Yo no estaba dispuesto a hacer eso. Creo que había algún acuerdo en algún lugar, pero no sé los detalles”; lo cierto es que aunque Robby Krieger negara cualquier similitud consciente entre las dos canciones, admitió luego que Sunshine Of Your Love había inspirado el ritmo de Hello I Love You. Un tribunal en Inglaterra falló a favor de Ray Davies, por lo cual recibió regalías por el tema de The Doors.

Daniel

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0213: Dance, dance, dance - The Beach Boys

 

Dance, Dance, Dance es una de las canciones del disco The Beach Boys Today! de 1965, y fue publicada además como sencillo ese mismo año. Fue la primera canción de los Beach Boys en cuya autoría se incluyó a Carl Wilson, además de los habituales Brian Wilson y Mike Love. El motivo, su meritorio trabajo en el riff y el solo de guitarra, a los que dotó de un pegadizo y característico ritmo del surf-rock marca de la casa.

Brian Wilson y compañía estaban en forma y seguían sonando como nunca, e invitaban a bailar a todo aquel que quisiera subirse a su ola de ritmo y despreocupación bajo los rayos del tórrido sol veraniego. Calor, tablas de surf y buena música, es la sugerente y explosiva combinación que nos ofrecen hoy los chicos de la playa! Y aunque aquel "hoy" de 1965 queda muy lejano y forma ya parte de la nostalgia del ayer, su mensaje veraniego y desenfadado sigue hoy tan vigente como entonces.

0212.- Help Me, Rhonda - The Beach Boys

 

Help Me, Rhonda, The Beach Boys

     El 8 de marzo de 1965 The Beach Boys publican bajo el sello discográfico Capitol Records The Beach Boys Today!, su octavo álbum de estudio. Este disco supuso un punto de inflexión en la banda, que pasó de hacer sencillos temas de surf rock a temas muchos más complejos. En diciembre de 1964 Brian Wilson tuvo un ataque de nervios durante un vuelo, hecho que hace que renuncie a la gira en la que el grupo estaba inmerso y se centre únicamente en escribir y componer. Durante ese periodo empezó a consumir LSD y marihuana, lo que influiría su forma en de percibir, sentir y componer música. Los resultados se vieron reflejados en The Beach Boys Today!, disco producido, arreglado y escrito en su mayor parte por Brian Wilson con letras adicionales de Mike Love. Este disco fue sin duda un punto de inflexión, un trabajo que se desvió de los anteriores y presentó un enfoque compositivo mucho más complejo.

Incluido en el álbum encontramos el tema Help Me, Ronda, compuesto y escrito por Brian Wilson y Mike Love. Este fue el primer tema que presentó al miembro del grupo Al Jardine como vocalista principal. El tema nos relata la devastación de un chico que esperando casarse con una chica ve como ésta se va con otro chico. El protagonista está devastado y se ve suplicando ayuda a Rhonda para aliviar su dolor, con quien parece tener algo. Sobre este tema Brian Wilson explicó que llegaron a hacer dos versiones, una con ukelele y otra con guitarras, siendo ésta última la elegida. En abril de 1965 el grupo lanza como sencillo, también con Capitol Records, una nueva versión del tema, esta vez titulado Help Me, Rhonda, la cual se convertiría en la versión más popular y exitosa, tanto es así que se incluiría en su siguiente álbum de estudio, Summer Days (and Summer Nights!!), publicado en julio de 1965.

La música en el cine: Bang Bang (My Baby Shot Me down) - Kill Bill: Vol. 1

 

Kill Bill

     Kill Bill: Vol. 1 es una película de acción y suspense escrita y dirigida por el genial Quentin Tarantino. La película fue estrenada a finales de 2003 y seguidamente a comienzos de 2004 sería lanzada la segunda parte, Kill Bill: Vol. 2. La película comenzó con una dedicatoria al director japonés Kinji Fukasaku, y estuvo inspirada en la película de animación Blood: The Last Vampire, de hecho en Japón se estreno varias semanas más tarde la película con una edición algo diferente.

Las dos películas siguen a un personaje femenino, inicialmente identificado como "La novia", un antiguo miembro de un equipo de asesinos que busca venganza de sus excolegas que masacraron a los miembros de su fiesta de boda e intentaron matarla. En la película también se puede apreciar el homenaje de Tarantino a géneros cinematográficos como las películas de artes marciales de Hong Kong, los spaghetti western y las películas de samuráis.

Incluida en Kill Bill: Vol. 1 se encuentra la canción Bang Bang (My baby Shot Me Down). La canción fue escrita por Sonny Bono para Cher, quien por entonces era su mujer, e incluida en el segundo álbum de la artista, The Sonny Side of Cher de 1966. Pero la versión que podemos escuchar en la película es la que hizo Nancy Sinatra y que incluyó en su segundo álbum de estudio How Does That Grab You?, publicado también en 1966. En este cover de Nancy Sinatra podemos escuchar el particular efecto de trémolo en la guitarra en su introducción, y que es realizada por Billy Strange, reputado músico de sesión que formó parte de la gran agrupación de músicos de sesión conocida como Wrecking Crew. 

La temática del tema nos relata a una mujer jugando juegos de infancia con un niño, y concretamente cuando él solía disparar su pistola de juguete. Los niños Crecen juntos y se acaban casando, pero él al final acabará dejándola. Ella ha sido derribada como cuando él la disparaba de niños con la pistola de juguete y ella caía, pero esta vez es real. La versión de Nancy Sinatra a pesar de no entrar en ninguna lista de ventas fue número 1 en todas las emisoras de radio de Estados Unidos en su época, y acabaría convirtiéndose en una de las canciones más representativas de Nancy Sinatra.

0211.- When I grown up - The Beach boys

 

Estamos ante una de las primeras canciones maduras de The Beach Boys en 1964. Después de surfear, navegar y divertirse, se les ocurrieron estas dos hermosas baladas, que lanzaron en un single, la primera la muy conocida When I grown up, y en el lado b "She Knows Me Too Well", que es un clásico oculto. Es una de esas canciones raras que pueden hacerme llorar, gracias al falsete totalmente conmovedor de Brian Wilson. Esta canción es una de las primeras pistas de lo que sucedería con la pluma de Brian dos años después. En "When I Grow Up (To Be A Man)" Brian Wilson reflexiona sobre lo que le sucedería cuando creciera hasta la edad adulta. Sin duda ocurrieron algunos acontecimientos en su vida que nunca podría haber imaginado.

La canción fue grabada en 1964 en Western Recorders. La parte instrumental fue probablemente grabada primero con la voz siendo sobre-doblada cinco días más tarde. La parte instrumental es obra de Brian Wilson, con Carl Wilson en guitarra rítmica y en voz principal; Al Jardine en guitarras de bajo eléctricas; el propio Brian Wilson en piano acústico y clavicordio; Carrol Lewis en armónica y Dennis Wilson en batería. En la letra podemos observar como Brian Wilson vuelca sobre ella algunas de sus preocupaciones psicológicas, y aunque esencialmente es un tema algo infantil sobre el envejecimiento, la canción hace hincapié en los miedos e inseguridades que este ineludible trance supone. Se vale de un estribillo con coro realmente efectivo y que logra engancharte, respaldada por distintos instrumentos dejándonos una pista de lo que sería capaz de hacer poco más tarde en el álbum Pet Sounds.

Today! Fue la primera huida del surf, y su primer gran disco, con arreglos claramente influenciados por Phil Spector y repleto de baladas que te hacen soñar en color. Encantados de haber conocidos por primera vez estos nuevos The Beach boys que tanto nos iban a dar.

El disco de la semana 236: Howlin' Wolf - Howlin' Wolf

 

Howlin' Wolf, Howlin' Wolf

     Para la recomendación de esta semana nos hemos decantado por el blues, concretamente el de la escena de Chicago y uno de sus máximos representantes, Chester Arthur Burnett, más conocido como Howlin' Wolf, gran intérprete, guitarrista y armonicista. Howlin', con una voz y una presencia física imponentes con sus 1'96 m de estatura y 136 kg de peso, supo situarse como uno de las puntas de lanza del blues de Chicago. Además de ser un gran bluesman, también supo administrar con cabeza sus finanzas, cosa rara en la época, lo que le permitió vivir holgadamente y tener en nómina una excelente banda con un buen salario y un buen seguro médico.

En 1962 el sello discográfico Chess Records publica el segundo álbum de estudio de título homónimo, Howlin' Wolf. Dicho álbum también es conocido como The Rockin' Chair, debido a la ilustración de la portada, hecha por Don Bronstein, y que consiste una mecedora que tiene al lado una guitarra apoyada. Dicho disco, al igual que ocurriera con su primer disco lanzado tambien por Chess Records, es un compendio de doce canciones que habían sido lanzadas como sencillos por Chess entre los años 1960 y1962.

Todos los temas menos Who's Been Talking, escrita por Howlin' Wolf, y Going Down Slow, escrita por el cantante y compositor de blues St. Louis Jimmy Oden, está compuestos por Willie Dixon, quien por entonces era músico de sesión y compositor principal del sello Chess Records. El disco fue producido por el famoso productor y cazatalentos de la época Ralph Bass, y el numeroso elenco que participó en la grabación de los temas que contienen el álbum está compuesto por William Johnson, Freddy Robinson, Jimmy Rogers, Otis "Big Smokey" Smothers, Hubert Sumlin y Jody Williams como guitarristas, Henry Gray, Johnny Jones, Hosea Lee Kennard, Lafayette Leake, y Otis Spann al piano, Wilie Dixon y Buddy Guy al bajo, Fred Below, Junior Blackman, Sam Lay, S.P. Leary, Sammy Lewis y Earl Phillips a la batería, J. T. Brown al saxo, Donald Hankins al saxo barítono y Arnold Rogers al saxo tenor.

Un álbum donde podemos disfrutar de la imponente voz de Howlin' interpretando clásicos como The Red Rooster, también conocido como The Little Rooster, tema que refleja las creencias populares que existían a principios del siglo XX en el sur de Estados Unidos, donde el gallo contribuía a la paz del corral. El compositor Willie Dixon para componer este tema utilizó elementos de varias canciones anteriores, como "Banty Rooster Blues" (1929) de Charlie Paton o "If You See My Rooster" (1936) de Memphis Minnie; Wang Dang Doodle, un tema repleto de un vibrante y emocionante ritmo que Dixon escribió cuando escuchó por primera vez a Howlin' Wolf a principios de los años 50, pero que guardó en un cajón para más adelante. "Wang dang" significa tener mucho ritmo, y se dice que este tema está basado en una antigua canción lésbica llamada "The bull Daggers Ball"; Spoonful, clásico entre los grandes clásicos compuesto por Dixon y que fue grabado por primera vez por Howlin'. El tema es una metáfora que nos habla de los extremos que puede alcanzar una persona para satisfacer su placeres, tales como el sexo, el alcohol o las drogas; Going Down Slow, compuesto por St. Louis Jimmy Oden. El tema es uno de los grandes estándares de blues, un clásico blues de doce compases que nos describe el lamento de un jugador que se está muriendo; y Back Door Man, tema que hace referencia al "Hombre de la puerta trasera", que es como se referían en la cultura sureña cuando un hombre tenía una aventura con una mujer casada y para escapar antes de que llegara el marido agraviado usaba la puerta trasera para escapar. 

Si juntamos todas las piezas, un sello discográfico como Chess Records, un intéprete de la categría de Howlin' Wolf, una gran producción, un compositor de la talla de Willie Dixon, padre de la mayoría de los temas, y un elenco de músicos de los más grandes que se podían encontrar en la época, el resultado no puede ser otro que doce temazos que componen uno de los discos más famosos del blues de Chicago que se conocen. 

0210 - The Beach Boys.- Do you wanna dance

0210 - The Beach Boys.- Do you wanna dance

Do You Wanna Dance? es una canción escrita por Bobby Freeman en 1958, pero este lanzamiento no haría que llegara a su fama.

En cambio en Inglaterra y Europa la versión más famosa fue la grabada por Cliff Richard & The Shadows a fines de 1961, pero no llegaría a ser popular. 

Su popularidad llegaría con la versión de The Beach Boys, la cual fue lanzada posteriormente en 1965. 

Otros intérpretes como The Mamas & the Papas grabaron su propia versión de esta canción a mediados de los años 1960 en su álbum debut If You Can Believe Your Eyes and Ears, al igual que Bette Midler en 1972, John Lennon en 1975 y posteriormente The Ramones en 1977, lo que demuestra que está canción ha tenido muchas interpretaciones y artistas que se han hecho con ella.

Pero nos centraremos en la versión de Do You Wanna Dance? que fue publicada en el sencillo de The Beach Boys en 1965 por su sello discográfico Capitol Records, alcanzando el puesto n.º 12 en el Billboard. La versión de The Beach Boys es destacable por tener en la voz principal a Dennis Wilson. En el lado B del sencillo se encuentra Please Let Me Wonder. Ambas canciones son del elaborado álbum Today! de 1965.

Do You Wanna Dance? fue grabado el 11 de enero de 1965 en Gold Star Studios y fue producido, arreglado y dirigido por Brian Wilson. La toma 3 de la canción se utilizó como master. La canción fue lanzada por primera vez en 1965 en mono en el álbum de la banda Today!. Una remezcla estéreo del álbum y por tanto de la canción se lanzó en 2012

Fue el primer sencillo de The Beach Boys en presentar músicos de sesión tocando la mayor parte de la pista de acompañamiento mientras el grupo doblaba las voces, un arreglo que Wilson mantendría durante los dos años siguientes.

Daniel 

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0209 - Sam the Sham and the Pharaohs .- Wooly Bully

0209 - Sam the Sham and the Pharaohs - Wooly Bully

Sam the Sham y los Pharaohs son más conocidos por el éxito del año 1965 Wooly Bully, que introdujo los ritmos Tex-Mex en el rock & roll.

Sam the Sham & the Pharaohs fueron formados en Dallas por el cantante Domingo Samudio, quien tomó la iniciativa. Nombre Sam the Sham de una broma sobre su incapacidad como vocalista.

The Pharaohs estaban formados por el guitarrista Ray Stinnet, el bajista David Martin, el saxofonista Butch Gibson y el baterista Jerry Patterson. Antes de triunfar con Wooly Bully, una canción sobre el gato de Samudio, grabaron el sencillo independiente Haunted House, que ayudó a la banda a llegar a un acuerdo con MGM.

Después de Wooly Bully, el grupo grabó una serie de sencillos en gran parte novedosos, pero sólo una canción Li'l Red Riding Hood se acercó al éxito que tuviese Wooly Bully.

Frustrado por ser percibido como un acto de novedad sin talento, Samudio disolvió a los faraones en 1967 y grabó como Sam the Sham Revue, y adoptó el nombre de Sam Domingo en 1970.

Daniel

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0208 Death Letter - Son House

Death Letter, Son House

     En 1965 aparece publicado bajo el sello discográfico Columbia Records el álbum Father of Folk Blues, de Son House. Edward James "Son" House, nacido en 1902 en Lyon, Mississippi (Estados Unidos) y fallecido en 1988, fue un cantante y guitarrista estadounidense de blues del delta que se hizo popular por su marcado estilo transmitiendo sentimiento y emoción a la hora de interpretar.

Incluido en el álbum se encuentra el tema Death Letter, también conocido como Death Letter Blues, el tema más emblemático del artista. El tema fue grabado en los estudios del sello Columbia en Nueva York, y para la grabación del mismo Son House utilizó una guitarra acústica con cuerpo metálico y un slide guitar de cobre. Para la composición del tema House se basó en el tema My Black Mama, part 2, compuesto por él también en 1930. Sobre este tema parte de la crítica del momento llegó a calificarlo como "uno de los lamentos emocionalmente más angustiados de la historia del blues del delta". 

La letra del tema trata sobre un hombre, el cual se entera de la muerte de la mujer que ama a través de una carta que le es entregada esa misma mañana. El hombre asiste a la morgue y al funeral de la mujer y regresa a casa en un profundo estado de depresión ante tan gran pérdida. Death Letter durante la década de los años 60 fue la pieza central y gran atractivo de las actuaciones de Son House, y a menudo solía alterar el tempo y la letra del tema, llegando incluso a tocarla más de una vez en el mismo concierto.

Un país, un artista: Reino Unido & Irlanda del Norte - Black Sabbath

 

Black Sabbath

     Elegir entre la infinidad de grandes artistas y grupos que ha concebido a lo largo de la historia Reino Unido & Irlanda del Norte es una misión imposible, no obstante había que elegir un artista de dicho lugar, y en 7dias7notas nos hemos decantado en esta ocasión de uno de los grandes precursores del heavy metal, Black Sabbath, formación creada en Birmingham allá por 1968.

Corría el año 1968 y el guitarrista Tony Iommi y el baterista Bill Ward acaban de dejar el fallido proyecto del grupo Mythology, entonces deciden formar su propia banda y se lanzan a la búsqueda de músicos para completar su nuevo grupo. Iommi y Ward acaban fichando al bajista Geezer Butler y al cantante Ozzy Osbourne, quienes venían ambos de tocar en otro grupo llamado Rare Breed, al guitarrista Jimmy Philips y al saxofonista Alan Clarke. A este nuevo grupo deciden llamarle The Polka Tulk Blues Company, nombre que sacan de una compañía textil india, aunque poco tiempo después acortan el nombre y queda como Polka Tulk. Jimmy Philips y Alan Clarke abandonan el proyecto al poquito de su formación, por lo que el grupo queda conformado por Iommi, Ward, Geezer y Osbourne, quienes deciden cambiar el nombre al grupo y lo llaman Earth. 

El grupo por aquel entonces hace versiones de blues y rock, y se caracteriza por realizar largas improvisaciones bluseras. A finales de ese año, Tony Iommi, tentado por Ian Anderson, abandona Earth y se marcha a Jethro Tull, aunque la experiencia dura apenas un par de meses y Iommi regresa a Earth. Una vez estabilizada la formación, sus componentes se dan cuenta que les están confundiendo con otra banda de rock que tiene el mismo nombre, por lo que deciden cambiarlo. 

Un día se encuentran los cuatro músicos en el local donde ensayan, y Geezer Butler se fija en el cine que hay enfrente del local, en ese cine había una cola enorme para ver una película de Mario Brava. Mario Brava fue un reputado director de cine italiano de terror y uno de los máximos exponentes junto a Dario Argento de la denominada corriente de cine Il Giallo, basada en un característico estilo de películas de terror, suspense, misterios y asesinatos que se producían en Italia. Butler se fijó que la película que tenía esa cola tan larga para ser vista era I Tre Volti Della Pura (Las tres caras del diablo), proagonizada por Boris Karloff y cuyo título se había traducido al inglés como Black Sabbath. Al darse cuenta que la gente acudía en masa y pagaba por ver películas de terror, Geezer Butler decide escribir una canción a la que llama Black Sabbath, inspirado en una visión que había tenido sobre una figura encapuhada que se había postrado a los pies de su cama, y también en los trabajos del escritor ocultista Dennis Wheatley, autor de muchísimos best seller en las décadas de los 50 y 60. El grupo tenía claro ya el nombre de la banda: Black Sabbath. 

Para la composición de la música de la canción Blak Sabbath y de tantas otras que le seguirán y que acabarán marcando a tantos y tantos grupos posteriores que se ven influenciados por su trabajo, el grupo hace famoso el uso del tritono, también conocido como intervalo del diablo, quedando el tema con una música y unas letras muy oscuras. El tritono ya había sido rechazado en la época medieval por su dificultosa entonación, considerando su sonido muy siniestro, lo que hizo que ya en el Renacimiento fuera considerado como inestable y fuera rechazado por la mayoría de los teóricos y eruditos musicales. Butler, Iommi, Ward y Osbourne acaban de encontrar su propio y característico estilo, un estilo que apuesta por un sonido y unas letras más oscuras, y que va en contra de las corrientes musicales que imperan en ese momento, el folk, el flower power y la cultura hippie. 

En febrero de 1970, el grupo consigue publicar bajo la discográfica Vertigo, perteneciente a Philips Records, su primer álbum de estudio titulado Black Sabbath, grabado sólo en dos días con un presupuesto de 600 libras. En un principio el disco no consigue acaparar la atención de la crítica, pero poco a poco y con el tiempo el disco obtiene la certificación de platino en Estados Unidos y de oro en Reino Unido. Debido a la portada del disco y el estilo del grupo, éste recibe la fama de ser una banda satánica, llegando a ser invitados por una secta satánica para que tocara en uno de sus ritos en Stonehenge. La banda lógicamente se niega, pero al parecer son maldecidos por un integrante de la secta. Como medida de protección, el padre de Ozzy Osbourne les fabrica a cada uno de los integrantes una cruz de plata que deben llevar colgada del cuello a todas partes.

Para aprovechar el éxito que el disco ha tenido en estados Unidos el grupo se mete en el estudio en junio de 1970, y en septiembre de 1970 lanzan al mercado su segundo álbum de estudio, Paranoid. Las composiciones de los temas están dotadas de esa oscuridad tan característica del famoso tritono, y las letras de Paranoid se encargan de hablarnos de la parte más negativa y mala de la condición humana. Todas las composiciones de este álbum están acreditadas a los 4 componentes de la banda. Sobre el título del disco, el grupo lo quería llamar War Pigs, pero debido a presiones de la discográfica tuvieron que cambiarlo por Paranoid. De hecho la portada del álbum fue diseñada por Keith Macmillan y fue concebida para el título War Pigs, pues ilustra un cerdo con una espada y un escudo. Con Paranoid el grupo se acaba de sacar de la manga una auténtica obra maestra, un álbum que les posiciona a lo grande dentro de la élite musical y a la cabeza de de los grupos pioneros del heavy metal. 

El grupo inicia a partir de aquí una impresionante carrera que abarca desde 1968 hasta 2006, y posteriormente una reunión en 2011 y un gira de despedida que comienza en 2014 y que finaliza en 2017. El grupo nos ha dejado a lo largo de su historia un impresionante legado de 19 álbumes de estudio, 7 en directo, 1 EP y 45 sencillos editados. Black Sabbath a lo largo de los años también ha sufrido muchos cambios en su formación, y a los fundadores Geezer Butler (bajo), Bill Ward (batería), Tony Iommi (guitarra) y Ozzy Osburne (voz), hay que sumar miembros posteriores y colaboradores que han grabado o bien tocado en directo con Black Sabbat: Dave Walker (voz), Ronnie James Dio (voz), Geoff Nicholls (guitarra y teclados), Vinny Appice (batería), Ian Gillan (voz), Bev Bevan (batería), David Donato (voz), Eric Singer (batería), Dave Spitz (bajo), Jeff Fenholt (voz), Glenn Hughes (voz), Bob Daisley (bajo), Ray Gillen (voz), Jo Burt (bajo), Tony Martin (voz), Terry Chimes (batería), Laurence Cottle (bajo), Cozy Powell (batería), Neil Murray (Bajo), Rob Halford (voz), Bobby Rondinelli (batería), Mike Bordin (batería), Adam Wakeman (guitarra), Brad Wilk (batería) y Tommy Clufetos (batería). 

Por todo ello, creemos que Black Sabbath es un más que digno representante del país en cuestión, primero por ser una banda que buscó y encontró su propio estilo y sonido, después por ser una de las grandes bandas pioneras del heavy metal, y por último, por el legado y la influencia que la banda ha dejado en multitud de grandes bandas que posteriormente han aparecido en la escena del heavy metal a lo largo de los años.