0946 - The Rolling Stones - Torn and Frayed

0946 - The Rolling Stones - Torn and Frayed

"Torn and Frayed" es una canción de la legendaria banda de rock británica, The Rolling Stones. Fue lanzada en 1972 como parte de su aclamado álbum "Exile on Main St.". La canción fue escrita por Mick Jagger y Keith Richards, los líderes del grupo, y se destaca por su distintivo sonido de rock and roll combinado con elementos de country y blues.

"Torn and Frayed" se caracteriza por su atmósfera melancólica y letras introspectivas que exploran la vida en la carretera y los altibajos de la fama. La canción cuenta con la voz única y emotiva de Jagger, respaldada por los distintivos riffs de guitarra de Richards. La sección rítmica, compuesta por Charlie Watts en la batería y Bill Wyman en el bajo, aporta una sólida base para el sonido característico de la banda.

La canción se destaca por su instrumentación rica y su producción cuidadosa, que captura la esencia de la época y el estilo musical de The Rolling Stones. Además, presenta una excelente combinación de voces y armonías, con Jagger liderando la interpretación vocal principal y Richards proporcionando armonías de respaldo.

En cuanto a la popularidad y el reconocimiento, "Torn and Frayed" no fue lanzada como sencillo, por lo que no logró alcanzar las listas de éxitos de manera destacada. Sin embargo, ha obtenido un estatus de culto entre los fanáticos de la banda y los conocedores de la música rock en general. La canción es altamente valorada por su estilo distintivo y su capacidad para evocar emociones auténticas.

En los rankings de las mejores canciones de The Rolling Stones, "Torn and Frayed" a menudo se menciona como una joya oculta en su vasto catálogo. Si bien puede no ser tan reconocida como algunos de sus éxitos más populares, la canción ha sido aclamada por críticos y fanáticos como una de las composiciones más destacadas de la banda.

"Torn and Frayed" es una canción cautivadora y emotiva de The Rolling Stones que destaca por su fusión de rock and roll, country y blues. Aunque puede no haber alcanzado el mismo nivel de popularidad que otros éxitos de la banda, sigue siendo altamente apreciada por su calidad musical y su capacidad para transmitir emociones genuinas.

Daniel
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0945.- Sweet Virginia - The Rolling Stones

Sweet Virginia ("Dulce Virginia") es uno de esos temas de corte acústico y country que tanto gustan a The Rolling Stones, de esos que siempre encuentran hueco en sus discos, y que en la mayor parte de las ocasiones son meritorias canciones que quedan en un segundo plano, por estar mas alejadas del rock característico de Sus Satánicas Majestades.

Escrita por la dupla Jagger/Richards, fue incluida como el sexto corte del doble álbum Exile On Main Street (1972), considerado por muchos como el mejor y más completo de su discografía. Como la mayor parte de aquel disco, fue grabada en la Villa Nellcôte, en Francia y en los Olympic Studios, y se le añadieron voces adicionales en los Sunset Sound Studios.

En contra de la temática habitual de las canciones country, la letra de Sweet Virginia habla del abuso de drogas, con claras referencias al consumo de pastillas y a como desprenderse de ellas en frases como “Arroja tus (pastillas) rojas, arroja tus verdes y azules”. En el aspecto musical, destaca por el solo de armónica de Mick Jagger, o el de saxofón a cargo de Bobby Keys, colaborador habitual de la banda tanto en estudio como en directo, pero lo que de verdad le da el toque country es el irresistible ritmo shuffle de la batería de Charlie Watts, que hace aún más dulce la escucha de "Sweet Virginia".

0944.- Tumbling Dice - Rolling Stones

 

Tumbling Dice, Rolling Stones

     Exile on Main St. es el décimo álbum de estudio británico y el duodécimo esadounidense del grupo británico Rolling Stones. Es considerado como la culminación de la serie de discos más exitosos de la banda, tras los exitosos Beggars Banquet (1968), Let It Bleed (1969) y Sticky Fingers (1971). Este trabajo fue grabado entre junio y octubre de 1970 y entre julio y marzo de 1972, en los estudios Olympic de Londres, los Stargroves, los Rolling Stones Mobile y los Sunset Sound Studios de Los Ángeles, bajo la producción de Jimmy Miller, y publicado el 12 de mayo de 1972 por el propio sello de la banda, Rolling Stones.

El disco es conocido por su sonido turbio e inconsistente debido a una preemeditada producción más inconexa, junto con una atmósfera de fiesta que se escucha en varias pistas. La grabación comenzó en los Olympic Studios de Londres durante las sesiones de Sticky Fingers, para continuar con las sesiones principales a mediados de 1971 en una villa alquilada en el sur de Francia, llamada Nellcôte, donde la banda se había exiliado fiscalmente para evitar pagar el superimpuesto del 93 por ciento impuesto por el gobierno laborista del primer ministro británico Harold Wilson a las personas con mayores ingresos del país. La grabación se completó con sesiones de doblaje en los Sunset Sound Studios de Los Ángeles, e incluyó musicos adicionales como el pianista Nicky Hopkins, el baterista y productor Jimmy Miller, el saxofonista Bobby Keys y el trompetista Jim Price. El grupo continuó con el regreso al sonido básico que se escucha en Sticky Fingers después de haber experimentado en álbumes anteriores, pero con una gama más amplia de influencias de blues, rock and roll, swing, country o gospel, mientras que las letras exploraban temas relacionados con el hedonismo, la fama, el sexo o el tiempo.

Incluido en este álbum doble se encuentra Tumbling Dice, acreditada a Jagger y Richards. La canción, a través de un ritmo inusual entre el blues y el boogie-woogie, nos relata la historia de un jugador que no puede permanecer fiel a ninguna mujer. Fue lanzado como sencillo principal del disco el 14 de abril de 1972, y pasó ocho semanas en las listas de singles del Reino Unido, llegando situarse en el puesto número cinco. En Estados Unidos llegó a alcanzar el puesto siete en la lista Billboard Hot 100. La banda había grabado una versión temprana de la canción, llamada Good Time women, usando el estudio móvil de la banda durante las sesiones de grabación del grupo entre marzo y mayo de 1970. La canción, que tenía letras diferentes y estaba incompleta, fue desarrollada al año siguiente y titulada Tumbling Dice. El título, que hace alusión a los jugadores de dados, se le ocurrió a Jagger, quien afirmaba no saber nada sobre jugar a los dados, pero si conocía mucha jerga que usaban los jugadores al oírlo gritar en los casinos. Curiosamente,   tocó la guitarra en este tema, algo que rara vez hacía. 

0943 - The Rolling Stones - Rocks off

0943 - The Rolling Stones - Rocks off

"Rocks Off" es una canción de la legendaria banda británica The Rolling Stones. Fue lanzada en 1972 como la pista de apertura de su aclamado álbum "Exile on Main St.". La canción captura perfectamente la energía cruda y el estilo distintivo de los Stones en su apogeo.

"Rocks Off" presenta una poderosa combinación de rock and roll, blues y elementos de country, todo amalgamado en una mezcla explosiva. Desde los primeros acordes de guitarra de Keith Richards, se siente una intensidad contagiosa que se mantiene a lo largo de toda la canción. La batería enérgica de Charlie Watts y el bajo pegajoso de Bill Wyman brindan una sólida base rítmica, mientras que el piano de Nicky Hopkins agrega un toque de melodía.

La voz distintiva de Mick Jagger lidera el tema, con su estilo característico lleno de actitud y desenfreno. La letra de la canción habla de la vida en la carretera, el exceso y la adicción, temas recurrentes en la música de los Stones. Con líneas como "I'm zipping through the days at lightning speed / Plug in, flush out and fire the fuckin' feed," la canción retrata la experiencia de vivir al límite y disfrutar de cada momento.

Además de su impacto artístico, "Rocks Off" también tuvo un notable éxito en términos de taquilla. Tras su lanzamiento, la canción alcanzó el puesto número 57 en las listas de éxitos del Reino Unido y se mantuvo en ellas durante varias semanas. Aunque no logró ingresar al Billboard Hot 100 en Estados Unidos, la canción se convirtió en un favorito de los fanáticos y recibió una amplia difusión en emisoras de radio especializadas en rock.

"Rocks Off" es un verdadero himno rockero que encapsula el espíritu rebelde y la energía sin control de los Rolling Stones. Su mezcla única de géneros musicales, la interpretación apasionada y la letra evocadora hacen que esta canción sea una joya atemporal en el catálogo de la banda. Además de su impacto cultural, la canción también obtuvo un éxito modesto en las listas de éxitos, consolidando su estatus como una de las canciones emblemáticas de los Rolling Stones. A lo largo de los años, ha sido parte integral de sus conciertos en vivo, donde la banda demuestra su carisma y energía en cada interpretación.

"Rocks Off" no solo dejó una huella en el panorama musical por su poderosa combinación de géneros y su interpretación apasionada, sino que también obtuvo un éxito modesto en las listas de éxitos y ha sido parte integral de la historia de los conciertos de los Rolling Stones. Es un testimonio de la genialidad y el impacto duradero de The Rolling Stones en la historia del rock and roll.

Daniel
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0915.- Laundromat - Rory Gallagher

 

Laundromat, Rory Gallagher

     Tras dejar Taste atrás, Rory decide emprender su carrera en solitario, y para dicha aventura decide apostar por el sonido del power trío que tanto le gusta, fichando al bajista Gerry McAvoy y al baterista Wilgar Campbell, ambos del grupo Deep Joy, a los que había conocido durante su etapa en Taste. Rory tiene claro el sonido que quiere, y tiene más claro aún, que por encima de las listas de éxitos y singles superventas, va a primar la calidad de su música, algo que mantendrá durante toda su carrera. En 1971, y bajo el sello Polydor, el genial guitarrista debuta con su primer disco en solitario y de título homónimo, Rory Gallagher. El disco es grabado en febrero de 1971 en los Advision Studios de Londres, producido por el propio Rory, y publicado el 23 de mayo de 1971. El irlandés nos regala un gran trabajo de blues rock aderezado con muy buenos momentos de jazz y folk.

Incluido en este álbum se encuentra Laundromat, un tema con un riff brutal. Este tema fue escrito durante la fase de ruptura de Taste. Rory se inspiró en una lavandería pública que había cerca de Earls Court, en el barrio de Kesington, Londres, donde el grupo tenía un dormitorio en un sótano. Según el hermano de Rory, Donald Gallagher, "Taste estaba en las listas de éxitos, encabezando los principales festivales, pero sin ver recompensa alguna en forma de ganancias. Más tarde cuando me convertí en representante de Rory, insistí en que fueramos a los tribunales para obtener las regalías, pero Rory estaba reacio, no le gustaba el  conflicto". Y es precisamente esa bondad de rory, rara avis en un artista de primer nivel, la que no traslada a esta brillante canción sobre el placer de dormir en una simple lavandería, y donde a pesar de no tener ropa que lavar, puede encontrarse con amigos en la misma. Rory afirmaba en una entrevita hecha en 1991 sobre su forma de escribir: "Trato de sentarme y escribir una canción de Roy Gallgher, que generalmente resulta ser bastante blues. Trato de encontrar diferentes temas y tems que no hayan sido cubiertos antes, he hecho canciones en todos los estilos diferentes... entrenar blues, beber blues, blues económico. Pero siempre trato de encontrar un ángulo diferente en todas esas cosas". A quién, si no, se le podría ocurrir hacer un brillante tema sobre una lavandería...

0914.- Crest of a wave - Rory Gallagher

En la "cresta de la ola" compositiva e interpretativa estaba Rory Gallagher cuando publicó su segundo álbum "Deuce" (1971), un disco que, al contrario que su álbum de debut, huía de la perfección sonora para centrarse en reproducir en el estudio la energía y la fuerza de sus interpretaciones en directo. Grabado en formato de "power trío" (batería, bajo y guitarra), está considerado uno de los picos creativos del genial guitarrista irlandés.

Crest of a wave no es solo la canción con la que cierra el disco, sino que además es el momento más álgido y afilado de un álbum cuyo sonido ya es de por sí crudo e impactante. En la que es la auténtica canción estrella del disco, la batería y el bajo crean un impactante carril sonoro por el que la maestría de Gallagher con la guitarra y su gran dominio del slide alcanzan velocidad de crucero, entregando al mundo una obra maestra de apoteósica agresividad eléctrica, y haciéndonos sentir que realmente hemos llegado a la "cresta de la ola" de un disco de impactante escucha.

0913.- Can’t Believe It’s You - Rory Gallagher

Rory Gallagher, el gran guitarrista, cantante y compositor irlandés editó en 1971 su primer álbum en solitario. Recordemos que este gran guitarrista empezó su carrera muy joven en bandas como Fontana, o la más conocida Taste en formación de power trío. Desecho Taste, montó su propia carrera en solitario, que fue muy prolífica sobre todo en la década de los años 70. Fue en esa época en la que su paleta se amplió partiendo del rock y el blues, hasta llegar al hard rock o incluso el jazz. "Rory Gallagher" es el sencillo título del primer disco del guitarrista irlandés en solitario, después de su etapa con el grupo "The taste". Fue grabado en 1971, cuando Rory tenía 23 años. Por la foto oscura de la portada, ya casi se puede adivinar que se trata de un disco más intimista y personal. The Taste tuvo que disolverse pues el mánager del grupo les estafaba dinero contínuamente con las giras y las ventas de discos, esto provocó finalmente la ruptura de la banda y Rory Gallaguer optó por continuar su carrera con su hermano Donald y él mismo controlando la parte económica de su actividad musical.

Por todo esto sus ánimos no se encontraban en su mejor momento, aunque en lo referente a creatividad e interpretación, nos encontramos con lo que es para mí, uno de sus mejores discos. Ni muy enfocado al blues ni muy enfocado al rock, sino un punto intermedio muy personal, con algún acercamiento al folk y al jazz. Este primer disco ya tenía sobradas notas de la gran calidad que atesoraba y me parece un trabajo muy completo. Hoy me quedo con la canción Can't believe It's true, que acababa el álbum original (en las ediciones remasterizadas hay dos temas extra), un medio tiempo de una calidad tremenda donde suenan vientos y la mezcla con su guitarra es espectacular, caminando cual jam session a terrenos incluso jazz. En este tema, Gallagher logra conmoverte, a través de su forma de tocar la guitarra, a menudo salvaje y muy emotiva. En más de un caso tienes la impresión de que Gallagher se está volviendo loco con su stratocaster sin ningún tipo de restricción, pero funciona la consecuencia es que es bastante impulsivo y sincero, lo cual encaja perfectamente, porque el bluesrock se trata de transmitir emociones personales, y atentos, porque el saxo de esta delicada y maravillosa pieza lo graba el mismísimo Rory Gallagher. No sería la única vez que Rory tocara el saxo, pues también lo usaría para grabar sus álbumes Blueprint (1973) y Tattoo (1973). Una pena que no se prodigara más con este instrumento.

0845.- Guajira - Santana

"Guajira", incluida en el disco "Santana III" (1971), es una impactante mezcla de estilos musicales, que van del rock a la salsa, pasando por el jazz latino, y como su propio nombre refleja, por "la Guajira", una variante de música tradicional cubana. Y como buen homenaje a la música y la cultura de la isla, la letra habla de la belleza de una mujer cubana.

La canción comienza con un solo de guitarra eléctrica de Carlos Santana, al que sigue una sección rítmica de percusión y bajo. La voz corre a cargo de Greg Walker, pero el protagonismo de la canción se lo llevan los generosos solos de guitarra de Santana, repartidos a lo largo de los casi seis minutos de "Guajira", y dándole al tema un cierre eléctrico e impactante.

"Guajira" es considerada por muchos como una de las mejores canciones de Santana, por su particular combinación de géneros musicales, dentro de un catálogo musical tan relevante como el que nos ha regalado el genial guitarrista y su ecléctica banda.

0844 - Santana - Everybody's Everything

0844 - Santana - Everybody's Everything

Everybody's Everything es una canción de la banda de rock y latin rock Santana. Fue lanzada en 1971 como parte de su tercer álbum de estudio, titulado también "Santana III". La canción se destacó por su fusión de estilos musicales como el rock, el blues, la salsa y la música latina, y se convirtió en un éxito en su momento.

La canción comienza con un ritmo de batería animado y se va construyendo con los acordes de guitarra característicos de Carlos Santana, que es conocido por su estilo distintivo y virtuosismo en la guitarra. La letra de la canción, escrita por Carlos Santana, describe una visión positiva y espiritual de la vida, con un mensaje de unidad y amor para toda la humanidad. 

Everybody's Everything se destacó por su combinación única de elementos musicales, incluyendo los solos de guitarra de Santana, el estilo de percusión afro-latina y las letras con un mensaje positivo. La canción se convirtió en uno de los éxitos más reconocidos de Santana, y ayudó a establecer su reputación como una de las bandas de rock más innovadoras de la época.

Además, Everybody's Everything ha sido utilizada en diversas películas, programas de televisión y comerciales a lo largo de los años, y ha sido versionada por varios artistas. Es considerada una de las canciones más representativas de la fusión de estilos de Santana y sigue siendo popular en la actualidad.

Daniel
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0843-. No One To Depend On - Santana

 

No One To Depend On, Santana

     Nos encontramos en 1971, y la banda Santana con Carlos Santana al frente, y acompañado de Gregg Rolie (vocalista, teclados, piano), Neal Schon (guitarra), David Brown (bajo), Michael Shrieve (batería, percusión), José "Chepito" Arias (percusión, conga, timbales, batería), y Mike Carabello (percusión, conga, pandereta) se encuentra en su momento más álgido. Entre enero y julio de 1971 la banda publica su tercer álbum de estudio, Santana III, otro gran álbum a la altura de los dos anteriores, y que será el último disco grabado con la formación clásica, ya que en el siguiente se producirán numerosos cambios en la formación. Con Santana III la banda iba a cerrar una imprescindible trilogía junto a los aclamados Santana  y Abraxas.

Santana III, también conocido como Man With an Oustretched Hand (Hombre con una mano extendida), por la imagen de la portada del álbum, es grabado entre enero y julio de 1971 en los estudios Columbia de San Francisco, bajo la producción del mismo grupo, y publicado en septiembre de 1971 por el sello discográfico Columbia Records. Este disco supondrá el último de la llamada formación de la "era de Woodstock" hasta su posterior reunión en Santana IV, en 2016. El grupo había alcanzado la cima de la popularidad, y esto se notó en las listas de ventas, pues Santana III alcanzó el puesto número 1 en la lista estadounidense Billboard 200.

El grupo sigue con la formula de sus anteriores trabajos, mezclando con maestría rock, jazz, blues y sonidos latinos. Incluida en este disco se encuentra No One to Depended On, acreditada a Carabello, Rollie y Cove Escobedo (percusionista adicional de la banda en esa época). Este magnífico tema contiene una base muy instrumental, con unos magníficos riffs de bajo y guitarra y una larga introducción instrumental. El tema contiene poca letra, donde se repite prácticamente todo el tema "Ain't got nobody that i can depend on". Este tema fue lanzado como segundo sencillo el álbum.

0834.- The Rolling Stones - Dead Flowers

Incluido en el album Sticky Fingers , 'Dead Flowers' es mencionado como una de las mejores canciones que The Rolling Stones jamás hayan prealizado, incluyendo 'Jumpin' Jack Flash', 'Wild Horses', 'Can't You Hear Me Knocking?' y 'Brown Sugar'. Al igual que esos temas, en 'Dead Flowers' los Stones evocan la calidez y la vitalidad de la música de raíces estadounidense. Aunque, según Jagger, la canción siempre se adaptaba más a la voz de Keith que a la suya.  En una entrevista de 1995 con Rolling Stone, Jagger confesó que siempre le había resultado difícil interpretar 'Dead Flowers'. “Me encanta la música country, pero me resulta muy difícil tomarla en serio”, comenzó. “También creo que mucha música country se canta con la lengua en la mejilla, así que lo hago con la lengua en la mejilla. Lo armónico es muy diferente al blues. No dobla las notas de la misma manera, así que supongo que es muy inglés, de verdad. Aunque ha sido muy americanizado, se siente muy cercano a mí, a mis raíces, por así decirlo”. Una canción cuyo sonido de regreso a las raíces hace eco del sonido de Bakersfield forjado por Merle. Haggard y Buck Owens y también revela la influencia que el pionero del country-rock Gram Parsons tuvo en la banda. Aunque Jagger era un fanático y parece haber escrito la mayor parte de la canción, era claramente Keith Richards quien tenía reverencia por la música country tradicional. Richards canta su excelente armonía cruda en los coros y proporciona ese toque de Telecaster que aparecería en casi todos los futuros discos de los Stones. Mick Taylor atempera sus florituras generalmente de blues con un poco más de flexión de estilo country de lo que había exhibido en grabaciones anteriores. Charlie Watts y Bill Wyman suenan auténticos como una sección rítmica de country, y presidiendo todo está un excelente piano de country tipo Floyd Cramer de Ian Stewart.

El tema lírico de Mick Jagger lo posiciona como un narrador yonqui deprimido que mantiene "una compañía irregular" y critica a un ex que vive la gran vida, una "reina del underground" que se sienta "de nuevo en su Cadillac rosa haciendo apuestas en el día del Derby de Kentucky". En uno de los besos de despedida más memorables de la música pop, el coro declara: "Y puedes enviarme flores muertas todas las mañanas / Por los EE. UU. correo/Dilo con flores muertas en mi boda/Y no me olvidaré de poner rosas en tu tumba". Jagger canta los versos de "Dead Flowers" en la parte inferior de su registro con un acento falso que raya en la sátira. 

0833.- Can't you hear me knocking - The Rolling Stones

"Can't You Hear Me Knocking" ("¿No me oyes llamar?") es uno de los temas más brillantes del disco "Sticky Fingers" (1971) de The Rolling Stones, del que quizá se recuerdan más canciones tan icónicas como "Brown Sugar" o "Wild Horses", potentes y acertadas creaciones con una estructura más adecuada para ser lanzadas como singles, y derribar la puerta de las fórmulas radiofónicas con mayor suerte que la del protagonista de la canción, que se pregunta si la persona a la que llama insistentemente no puede oírle, o simplemente ignora sus llamadas.

Con sus más de siete minutos de duración, y su derroche de intensidad instrumental, "Can't You Hear Me Knocking" es seguramente la pieza más interesante y elaborada de "Sticky Fingers", y una de las canciones en las que más se nota la influencia del guitarrista Mick Taylor, que participó en varios de los mejores discos de los Stones, aportando un estilo de tocar que Ron Wood, aunque empaste mucho mejor con la forma de tocar de Keith Richards, nunca llegó a igualar. Ya desde el comienzo, en la intro de guitarra tanto Richards como Taylor afilan sus armas, como antesala del intenso riff con el que Richards hace que la canción sea irrepetible.

Los primeros tres minutos serían perfectamente "radiables", pero la gran virtud de esta canción es, precisamente, no detenerse en el límite de esa fórmula, y lanzarse en picado a una sección instrumental en la que los ritmos latinos de las congas de Rocky Dijon, acompañando a un largo e intenso solo de saxofón de Bobby Keys, le dan un aire de arrolladora jam experimental al más puro estilo Santana, en la que las guitarras de Richards y Taylor siguen descargando de fondo, con el órgano de Billy Preston sumándose generosamente a la fiesta. El colofón lo pone, como ya mencionábamos, el solo de guitarra de Mick Taylor, que quizá, y paradójicamente, duro poco en los Stones por interpretaciones tan brillantes como ésta, con las que llegó a hacer sombra al todopoderoso Richards, que seguramente no estaba dispuesto a que otro guitarrista llamara con más fuerza a la puerta.

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0832 - The Rolling Stones - Wild Horses

0832 - The Rolling Stones - Wild Horses

Wild Horses es una canción escrita por la banda de rock británica The Rolling Stones. Fue lanzado por primera vez en el año 1970 por The Flying Burrito Brothers ya que The Rolling Stones no pensaron que valía la pena grabar la demostración por completo. Posteriormente, The Rolling Stones lo grabaron para su álbum Sticky Fingers de 1971 cuando sintieron que valía la pena reconsiderarlo. También fue lanzado el 12 de junio de 1971 como sencillo, con "Sway" como cara B.

En las notas del álbum recopilatorio Jump Back de The Rolling Stones de 1993, Mick Jagger afirma: "Recuerdo que originalmente nos sentamos a hacer esto con Gram Parsons, y creo que su versión salió un poco antes que la nuestra. Todos siempre dicen que esto fue escrito sobre Marianne, pero No creo que lo fuera; todo eso había terminado para entonces. Pero definitivamente estaba muy dentro de esta pieza emocionalmente". Richards dice: "Si hay una forma clásica en la que Mick y yo trabajamos juntos, esta es. Tenía el riff y la línea del coro, Mick se atascó en los versos. Al igual que "Satisfaction", "Wild Horses" era lo habitual. de no querer estar en el camino, estar a un millón de millas de donde quieres estar".

Originalmente grabada durante un período de tres días en Muscle Shoals Sound Studio en Alabama del 2 al 4 de diciembre de 1969 mientras Albert y David Maysles filmaban la película titulada Gimme Shelter, la canción no se lanzó hasta más de un año después debido a problemas legales. disputas con el sello anterior de la banda. Cuenta con el músico de sesión Jim Dickinson al piano, Keith Richards a la guitarra eléctrica y guitarra acústica de 12 cuerdas, y Mick Taylor a la guitarra acústica. Taylor utiliza la afinación Nashville, en la que las cuerdas EADG de la guitarra acústica se ensartan una octava más alta que en la afinación estándar. Ian Stewart estuvo presente en la sesión, pero se negó a interpretar la parte de piano en la pista debido a la prevalencia de los acordes menores, que no le gustaba tocar.

Daniel

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0831. Brown Sugar - The Rolling Stones

 

Brown Sugar, The Rolling Stones

     A finales de 1969 Mick Jagger, Keith Richards, Mick Taylor, Charlie Watts y Bill Wayman comienzan a trabajar y a grabar de forma intermitente el que supondrá su noveno álbum de estudio. A principios de 1971 el grupo finaliza la grabación del material, publicando el resultado el 23 de abril de 1971. El resultado es Sticky Fingers, una auténtica joya donde la banda se sumerge en los sonidos clásicos como el rock & roll, country, blues ó rhythm & blues. A diferencia de sus anteriores trabajos el grupo se decanta por unas letras más oscuras donde se hacen eco de temas como la esclavitud, las drogas o el sexo interracial. Sticky Fingers es producido por James "Jimmy" Miller, productor habitual del grupo desde Beggars Banquet (1968) hasta Goats Head Soup (1973), y que ha trabajado durante su carrera con gente como Traffic, The Spencer Davis Group, Blind Faith o Motörhead entre otros. El álbum es editado bajo el propio sello discográfico del grupo, Rolling Stones Records, y que era un sello subsidiario de Atlantic Records. Para la grabación del disco, el grupo utilizó material que había grabado previamente en 1969 en los famosos Muscle Shoals Studios de Alabama (Estados Unidos), material que grabaron en la casa de campo de Jagger en 1970 y material grabado en los Olimpyc Studios de Londres, finalizando la grabación de todo el material a principios de 1971.

En cuanto a la portada del disco, fue concebida a partir de un diseño de del artista pop art Andy Warhol para la cuál posó uno de sus modelos habituales, Joe Dallesandro. La portada consistía en unos pantalones vaqueros con una cremallera de verdad que se abría. De la fotografía se encarga Billy Name y del diseño Craig Braun. Esta portada generó polémica y fue censurada en España pues por aquel entonces el país se encontraba bajo la dictadura y el régimen de Franco, siendo sustituida por una portada "Can of Fingers". Para que el disco se vendiera en nuestro país también tuvieron que sustituir el tema Sister Morphine que fue considerado inapropiado y ofensivo, fue sustituido por el tema Let it Rock, una versión en vivo del tema de Chuck Berry.

Incluido en este disco encontramos la canción Brown Sugar, compuesta por Jagger y Richards, que comparten la composición de todos los temas excepto dos. El tema fue escrito por Jagger mientras se encontraba en Australia para el rodaje de la película Ned Kelly. En cuanto a la letra es ambigua pues puede que nos esté hablando de las drogas, de una chica ó de ambas cosas. El título del tema, Brown Sugar (Azucar Morena) puede referirse a una muchacha de color o a la heroína. La letra puede parecer alegre, pues describe a un chico blanco rockero teniendo sexo con una chica negra, pero en realidad es una crítica sobre las esclavas africanas que eran vendidas en Nueva Orleans y luego violadas por sus amos. Según Bill Wyman, Jagger se inspiró para escribir la letra en la cantante de color Claudia Lennear, del grupo The Ikettes, el grupo de Ike Turner. La cantante estadounidense Marsha Hunt también se atribuyó que Jagger se inspirara en ella para componer el tema. Ambos se conocieron cuando ella se encontraba en Londres, trabajando para la producción musical Hair y mantuvieron en secreto una relación hasta que se destapó en 1972, y de la que nació la hija de ambos, Karis.

0809.- Angel - Jimi Hendrix

Incluida en su álbum póstumo "The Cry of Love" (1971), "Angel" es una de las últimas grandes canciones del siempre genial Jimi Hendrix, sin duda uno de los mejores guitarristas de la historia de la música. Escrita y producida por el propio Hendrix, como muchas de las canciones del que iba a ser su cuarto álbum de estudio antes de su repentina muerte en Septiembre de 1970, fue además seleccionada para ser lanzada como single en el Reino Unido, y apareció también como cara B de la canción "Freedom" en Estados Unidos.

La letra de "Angel" hace referencia a un sueño de Hendrix sobre su madre Lucille, en el que ella se despedía mientras se la llevaban en una gran caravana, a lomos de un camello. Inspirado por aquel extraño sueño, Hendrix construyó una canción que es una rara gema en su discografía, ya que aunque incluye los habituales elementos psicodélicos de su obra, son pocas las baladas melancólicas que en el estilo de "Angel" podemos encontrar en su discografía.

En realidad, "Angel" no era uno de los últimos temas compuestos por Hendrix, que ya en 1967 grabó una primera versión en los Olympic Studios de Londres, con el título provisional de "Little Wing". En una demo posterior, también grabada en Londres, el nombre de la canción cambió a "Sweet Angel", y a finales de 1967 Hendrix le añadió algunos overdubs, pero no terminó de perfilar la letra definitiva hasta ya entrado 1968, y por esa época el título era una combinación de los anteriores: "My Angel Catherina (Return of Little Wing)". Tras abandonarla durante casi dos años, en 1970 la retomó de nuevo en los Electric Lady Studios de Nueva York, con la intención de que formara parte del nuevo disco. Afortunadamente, Hendrix llegó a terminarla a tiempo, partiendo de la séptima toma de las sesiones en Electric Lady, a la que añadió después capas adicionales de guitarra, porque poco después, la caravana de su sueño vino a buscarle, para llevarle en un camello junto a su ángel soñado.

0808-. Freedom - Jimi Hendrix

 

Freedom, Jimi Hendrix

     El 5 de marzo de 1971 veía la luz The Cry of Love, álbum póstumo del genial cantante, compositor y excelso guitarrista Jimi Hendrix. Dicho disco fue realizado a partir de material en el que Hendrix estaba trabajando para la publicación de su cuarto disco de estudio, planeado antes de su muerte. Si bien la mayoría de las canciones fueron incluidas en las listas de canciones propuestas por Hendrix, la selección final del material corrió a cargo del ingeniero y productor Eddie Kramer y del baterista Mitch Mitchell, con el aporte de mánager de Hendrix, Michael Jeffery. El disco fue grabado entre los estudios Electric Lady y Record Plant, ambos de Nueva York, y publicado por el sello discográfico Reprise Records para el mercado estadounidense, y por el sello Track Records para el Reino Unido. El disco obtuvo un gran éxito en las listas de ventas de ambos países, y la crítica definió dicho trabajo como un impresionante tributo a Hendrix.

Incluido en este brillante tributo se encuentra la canción titulada Freedom, considerada como uno de los mejores temas que Hendrix escribió y grabó en los meses previos a su muerte.la canción, que presenta varios estilos musicales y sus letras reflejan varias situaciones a las que Hendrix se enfrentaba en aquel momento, fue grabada a mediados de 1970 por el guitarrista con su formación de acompañamiento después de Band of Gyspsys, compuesta por el baterista Mitch Mitchell y el bajista Billy Cox, junto con músicos de sesión adicionales. La canción fue el tema de apertura del álbum The Cry of Love, y en Estados Unidos fue lanzado como el primer sencillo del disco. Freedom, aparentemente puede parecer una canción simple, lujuriosa y arrogante que nos habla de la libertad en el mundo, un grito de libertad para dos amantes en guerra entre sí, cuando en realidad reflejaba algunos de los problemas gerenciales y comerciales o los problemas de adicción con los que Hendrix estaba lidiando en aquel momento.

0807 - Ezy Ryder - Jimi Hendrix

 

0807 - Ezy Ryder - Jimi Hendrix 

Ezy Ryder es una canción escrita y grabada por el músico estadounidense Jimi Hendrix. Es una de las pocas grabaciones de estudio que incluye tanto a Buddy Miles en la batería como a Billy Cox en el bajo, con quien Hendrix grabó el álbum en vivo Band of Gypsys (1970).

Ezy Ryder se lanzó por primera vez en The Cry of Love, la colección póstuma de canciones de 1971 en la que estaba trabajando Hendrix cuando murió. Desde entonces, se ha incluido en otros intentos de presentar el cuarto álbum de estudio planeado de Hendrix, como Voodoo Soup (1995) y First Rays of the New Rising Sun (1997). También se han lanzado varias demostraciones y grabaciones en vivo en álbumes.

La primera versión de Ezy Ryder se grabó por primera vez, designada con el título "Slow", el 16 de febrero de 1969, en los Olympic Studios de Londres. La pista básica de la canción se grabó más tarde el 18 de diciembre de 1969 en Record Plant Studios en la ciudad de Nueva York. El mismo día, Hendrix, con Cox y Miles, ensayaron la canción en Baggy's Studios para las próximas actuaciones en el Fillmore East. El trío debutó con Ezy Ryder en el Fillmore East durante el primer espectáculo el 31 de diciembre de 1969. Más tarde esa noche, el grupo tocó la canción durante el segundo espectáculo, pero no la interpretaron al día siguiente durante el 1 de enero de 1970.

De regreso al estudio de grabación Ezy Ryder se ensayó, grabó y mezcló varias veces a principios de 1970, que fue cuando se hizo la grabacion de estudio. La primera sesión de grabación en los recién construidos estudios Electric Lady se realizo a mediados de junio de 1970. Steve Winwood y Chris Wood de Traffic grabaron coros para la canción. Otra sesión de grabación tres días después también se dedicó a Ezy Ryder, y se produjeron mezclas el 20 y 22 de agosto 1970. La mezcla del 22 de agosto 1970 se consideró la mezcla final y se presentó en la fiesta de apertura de Electric Lady Studios el 26 de agosto 1970.

Daniel 

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0790.- Mercedes Benz - Janis Joplin

"Mercedes Benz" surgió como una improvisación poética en un bar de Port Chester (Nueva York), entre Joplin y el compositor Bob Neuwirth, inspirándose en la frase "Vamos, Dios, cómprame un Mercedes Benz", el primer verso de una canción que, a su vez, musicalizaba un poema de Michael McClure. Joplin cantó el verso varias veces, improvisando las nuevas letras mientras Neuwirth lo apuntaba todo en las servilletas del bar. Esa misma noche, Joplin cantó a capella la nueva canción en su concierto en el Capitol Theatre en Port Chester.

De acuerdo con la autobiografía de Bobby Womack, su Mercedes-Benz 600 es una de las inspiraciones para la letra de la canción, y Joplin se inspiró en un paseo con él en su nuevo coche, para construir una letra plagada de referencias veladas al desmedido anhelo de riqueza y al excesivo enfoque consumista en la sociedad, reflejado en una irónica lista de la compra que Joplin incluye en sus plegarias a Dios, para que le compre un Mercedes-Benz, un televisor en color y una noche de fiesta en la ciudad.

En la versión que se registró posteriormente en el estudio se intentó reproducir el "feeling" de aquella improvisación, por lo que fue grabada también "a cappella" y en una sola toma el 1 de octubre de 1970, en la que sería última sesión de grabación de la cantante, que fallecería solo tres días después. La canción acabaría formando parte del disco "Pearl" (1971), y no tardó en convertirse en uno de los himnos más aclamados de la malograda cantante estadounidense que, al menos en vida, no llegó a conseguir que Dios le regalara aquel coche.

0789.- Me And Bobby McGee - Janis Joplin

(Para Ruth, buen viaje querida amiga, estoy seguro que nos volveremos a encontrar, ahora estás con tu adorada Janis riéndote del mundo… te quiero.)

Janis Joplin fue una figura terriblemente romántica, y la historia de su vida se lee como un mito. Esta chica tranquila había crecido en Port Arthur, Texas, intimidada y atontada por los palurdos que la rodeaban, pero había descubierto viejos discos de blues, discos de Bessie Smith en particular, y a través de ellos había encontrado su superpoder. Joplin comenzó a cantar, primero en cafés locales y luego en cafés en Austin, donde fue estudiante universitaria por un breve período. Pero Joplin descubrió San Francisco y se enganchó a la heroína, volvió a su hogar, se desenganchó, pero regresó a San Francisco y se volvió a enganchar. Se convirtió en una estrella de rock, primero cantando para Big Brother & The Holding Company y luego actuando como solista y liderando una serie de sus propias bandas. Su voz, irregular, feroz, poderosa como la fuerza de la naturaleza, se clavó en toda una generación de niños. Viajó por el planeta, se acostó con hombres y mujeres y probó todas las drogas que pudo encontrar, y luego murió sola en una habitación de hotel de Hollywood después de inyectarse. Joplin partió en octubre de 1970, 16 días después de Jimi Hendrix. Como él, ella tenía 27 años cuando se nos dejó.

Kris Kristofferson no escribió “Me And Bobby McGee” pensando en Janis Joplin, él conocía a Joplin, en realidad habían tenido una breve aventura antes de que Joplin muriera, pero ni siquiera sabía que ella había grabado la canción, un día el productor de Joplin lo invitó a su oficina poco después de la muerte de Joplin, y le puso la versión de la canción de Joplin que había terminado de grabar tres días antes de morir. Kristofferson pasó el resto del día caminando por Los Ángeles, llorando, probablemente no estaba solo, mucha gente lloró cuando escuchó a Joplin cantar la canción. Me And Bobby McGee de Joplin también comienza como una canción folk acústica, pero crece y se expande, volviéndose más y más salvaje, y su voz hace lo mismo, otros cantantes habían usado sus voces para mostrar las precisas y evocadoras palabras de Kristofferson, pero Joplin convierte esas palabras en sonidos. Ella encuentra la emoción exultante de la canción, la sensación de ver un camino abierto frente a ti y saber que no hay ningún lugar donde tengas que estar. Pero también encuentra la vulnerabilidad cruda, la sensación de que estás completamente solo en el mundo y que incluso una gran historia de amor terminará tranquila y definitivamente en medio de la noche, cuando alguien se escapa.

Joplin no canta Me And Bobby McGee como una canción country, pero tampoco la canta como blues o rock psicodélico. No hay mucha técnica en la forma en que Joplin la canta, en cambio, ella simplemente deja que se rompa, su fraseo es inmediato e instintivo. Es posible que Kristofferson no haya escrito la canción para ella, pero Janis tomó la canción, la internalizó y la convirtió en una canción sobre sí misma. Y si bien es posible que Joplin nunca haya hecho autostop por todo el país con alguien llamado Bobby McGee, acentuó los detalles específicos de la canción y los hizo universales. Hizo lo que hacen los grandes intérpretes, al final, "Me And Bobby McGee" realmente es una canción sobre Janis Joplin, porque eso es lo que Janis Joplin hizo.

0788 - Move over - Janis Joplin

0788 - Move over - Janis Joplin

Move Over es una canción de blues rock escrita y grabada por la cantautora estadounidense Janis Joplin. Es la canción de apertura de su álbum póstumo Pearl de 1971 y se lanzó como cara B de su sencillo "Get It While You Can". También aparece en el álbum recopilatorio de 1973 Janis Joplin's Greatest Hits. 

La canción es autobiográfica, que detalla una relación en la que la cantante siente que su amante se burla de ella. Ella comenta: "Sí, estás jugando con mi corazón, querida / Creo que estás jugando con mis afectos, cariño" antes de finalmente declarar , "No puedo soportarlo más bebé/ Y además, no tengo la intención de hacerlo". La canción termina con la cantante comparando el comportamiento de su amante con colgar una zanahoria frente a una mula con la esperanza de que corra detrás Janis Joplin grabó la canción con Full Tilt Boogie Band el mismo día que grabó "Trust Me" y Me and Bobby McGee.

Janis Joplin interpretó la canción varias veces antes de su muerte, incluida una vez en el Show de Dick Cavett. Luego reveló en una entrevista que escribió la canción "sobre hombres" que en una relación "siempre sostienen algo más de lo que están dispuestos a dar". Una grabación de Janis Joplin interpretando la canción en la gira Festival Express en Toronto aparece en el álbum en vivo de 1972 In Concert.

Daniel 

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