sábado, 9 de abril de 2022
0464.- Folsom Prison Blues - Johnny Cash
viernes, 8 de abril de 2022
0463.- Mi calle - Lone Star
Quizás no tengan el nombre y la
fama de otros grupos de los inicios del pop rock en España, pero en cambio, han
tenido una trayectoria impecable, ha sido pionera del rock en España y han
cantado sus temas en tres idiomas como el español, catalán e Inglés y sin duda
pocos han sentido el rock de una manera tan intensa y palpitante como el grupo
catalán Lone Star. La historia de
Lone Star rebosa de momentos inolvidables. En 1959 Pedro Gené, natural de
Barcelona y un gran músico de conservatorio, decide irse a Inglaterra y allí
vive en primera persona toda la explosión y el nacimiento del rock. Regresa a
España, con la intención de formar un grupo de rock and roll, contacta con sus
antiguos compañeros y a la idea se le unen Rafael de la Vega al bajo, Enrique
López a la batería, Enric Fusté al piano y el propio Pedro Gené a la guitarra y
voz. Esta sería la primera composición de Lone Star. El nombre de “Lone Star”
(estrella solitaria), se debe a la influencia que el blues sureño ejerce sobre
Pedro Gené.
Ademas de amigos todos poseen una
educación musical superior al resto de bandas contemporáneas, auténticos
profesionales que sienten pasión por mitos como Little Ricahrd o Elvis Presley
y por estilos como el Jazz, Soul, Rock o el Rythm And Blues, un estilo de música
que en aquella época casi era inédita en España, Lone Star traía una propuesta
demasiada moderna e innovadora para la incultura musical que reina en aquellos
tiempos. En cierto modo, fueron un grupo célebre, pero al mismo tiempo
semidesconocido y en ocasiones incomprendido. En 1963, son contratados por la
compañía EMI, con la que graban una buena cantidad de EP’S, sin embargo, se ven
condicionados ya que tienen que versionar hits extranjeros pertenecientes a
otras formaciones y de alguna manera, los condenan al “versionerismo”. En 1964
llega su punto álgido de su carrera gracias a una versión que aparece en su
sexto EP, el clásico “The House of the Rising Sun”. Otro de los momentos
culminantes de su carrera les vino en 1967, gracias a su primer álbum “Un
conjunto con antología”, en el que se recopila varios de los temas de sus
anteriores EP’S, versiones, y lo que tiene una importancia vital: composiciones
propias, destacando “Río sin fin”, o “La Leyenda”. Con estos temas conseguirían
llegar a un acuerdo con EMI, el disco constaría de dos partes, una de versiones
y en la otra se incluyen canciones propias. Y aquí en esta etapa, es donde entra
el guitarrista Alex Sánchez. También ofrecen memorables conciertos de Jazz en
España, algo nunca visto en nuestro país.
Y de estas mezclas sale Mi calle, que catapulta a la banda a
una fama que no les duró lo que merecían. La canción es el germen del rock duro
hecho en España y esta revestida de un épico texto que habla sobre la
marginalidad. La canción según los miembros del grupo esta inspirada en la
Calle del Robador de Barcelona, sin embargo puede aplicarse a cualquier otra
calle de la gran ciudad puede ser intercambiable a cualquier nombre de
cualquier ciudad. Pobreza, miseria, niños descalzos sin salud, viviendas
demacradas, tabernas de mala reputación quedan reflejadas. Magnifico el
poderoso fraseo con los vientos que aportan elegancia a un bajo magistral. El
estribillo acelera con una batería imponente y unos coros inolvidables
completan la obra maestra.
Disco de la semana 270: Guitarras Callejeras, Pata Negra
jueves, 7 de abril de 2022
1 artista, 3 canciones: The Supremes
Iniciamos una sección en el blog donde hablaremos brevemente la carrera de un artista y resaltaremos vuestros tres temas favoritos, la elección como casi siempre será a través de nuestras redes sociales, en el twitter de @7dias7notas donde cada domingo os solicitaremos que nos dejéis vuestras tres canciones de un artista que la redacción propone.
THE SUPREMES
Formado en Detroit en los años 60 por unas adolescentes, The Supremes se convirtieron en el grupo más grande de Motown de los años 60 y el "grupo de chicas" más exitoso de todos los años 60. Originalmente llamadas Primettes, el grupo estaba formado por Diane Ross, Florence Ballard, Mary Wilson y Betty McGlown (luego reemplazada por Barbara Martin, quien dejó el grupo como un trío por 1964). Se juntaron en 1959 y pronto hicieron realidad el sueño de muchos habitantes de Detroit, ser contratados por el nuevo sello musical Motown.
El éxito tardo en llamar a su
puerta, durante el periodo comprendido entre 1962 y 1964, las Supremes lanzaron
una serie de sencillos sin éxito, trabajando con diferentes compositores y
vocalistas principales alternos. Barbara Martin que estaba embarazada, dejo el
grupo y redujo la formación a un trío, y tras sugerencia de Gordy, Ballard fue
reemplazada como la vocalista principal habitual del grupo por Diana Ross. En
1964, Gordy los unió a Holland-Dozier-Holland y publicaron "Where Did Our
Love Go”, al fin dieron con la tecla, la canción alcanzó el número 1 en las
listas de Pop y Soul y marcó el camino para el éxito del grupo durante la
próxima media década, la formula era publicar una serie de sencillos engañosamente
simples y pegadizos donde destacaba la voz tenue de Ross y los coros cantados
de Ballard y Wilson. El grupo lanzó cinco sencillos #1 consecutivos en el siguiente
año, incluidos "Baby Love", "Stop! In the name of love”, “Come
See About Me” y “Back In My Arms Again. Todos estos sencillos giraban en torno
a ritmos insistentes, muy bailables, con letras y melodías repetitivas, que no
suponían un gran esfuerzo para la frágil voz de Ross. Con su aspecto de chicas
de al lado y su comportamiento encantador y poco sofisticado, The Supremes se
convirtieron en modelos a seguir para los jóvenes estadounidenses negros. El
magnetismo de Ross en el escenario y la creciente obsesión personal de Berry
Gordy con ella, la llevaron a convertirse en la primera entre iguales, y en
1967 el grupo fue rebautizado como "Diana Ross & the Supremes",
con las talentosas Wilson y Ballard en un desafortunado segundo plano. Aquello
afecto a las dos integrantes del grupo que estaban siendo eclipsadas, Florence
Ballard se había vuelto cada vez más infeliz en el papel secundario al que
Berry Gordy la había enviado, y su comportamiento ocasionalmente errático y
problemático se usó como un excusa para obligarla a salir del grupo, fue reemplazada
por la ex Bluebell Cindy Birdsong. En 1967 se iba a producir un hecho que iba a
tambalear el camino de éxito de The Suprems, Holland-Dozier-Holland dejaron la
Motown para formar su sello Invictus y The Supremes se quedaron sin sus
exitosos compositores. Aun asi durante los siguientes dos años, el grupo
continuó publicando éxitos (aunque también algunos fracasos) con escritores de The
Motown como Ashford & Simpson, incluidos "Love Child" y "The
Happening". A pesar de la creciente fricción dentro del grupo, las
Supremes eran más grandes que nunca y habían conquistado tanto Las Vegas como
la televisión. En 1968 también formaron equipo con The Temptations, y su dúo
"I'm Gonna Make You Love Me" se convirtió en un éxito instantaneo.
Diana Ross dejo el grupo e inicio su carrera en solitario, fue reemplazada por Jean Terrell, hermana del boxeador de peso pesado Ernie Terrell. La nueva formación, con Terrell y Mary Wilson alternando las funciones vocales principales, obtuvo un éxito inmediato con "Up The Ladder To The Roof" a principios de 1970, y con "Stoned Love", el mayor éxito del grupo en el Reino Unido durante cuatro años, revivió recuerdos de sus primeros éxitos con su base rítmica y gancho repetitivo. The Supremes también intentaron revivir la atmósfera de sus grabaciones anteriores con Temptations , en esta ocasión con una serie de álbumes junto a Four Tops. Gradualmente, su impulso se fue perdiendo, y cuando Motown cambió su centro de actividad de Detroit a California, las Supremes se quedaron atrás. El último éxito del grupo con Ross, el conmovedor "Someday We' ll Be Together”, fue un “testamento” muy apropiado para una de los grupos de Soul más exitoso de todos los tiempos.
Pasados los años comprobamos como la luz de las Supremes ardió como un cometa, brillando increíblemente brillante y breve, y aunque sus éxitos masivos de 1964 a 1969 no han envejecido tan bien como el trabajo The Temptations de ese período, en cualquier medida todavía deben ser considerados como uno de los mayores éxitos del pop/soul de esa época y del grupo: Diana Ross, Flo Ballard, Mary Wilson y Cindy Birdsong, fueron las prtoagonistas uno de los grandes grupos de Soul de todos los tiempos.
VOTACIONES
1.- You keep me hangin' on: Diana Ross combina la intensidad de la música con una de sus interpretaciones vocales más poderosas, mientras que Mary Wilson y Florence Ballard brindan su presencia habitual, la cancion sirvió como una especie de puente entre el pop inmaculado de los primeros éxitos de Motown y los sonidos más duros de la música soul de finales de los sesenta. cuenta la historia de un 'homme fatal', que atormenta sádicamente a una mujer sensible que en realidad no quiere, un tema fascinante para una canción pop.
2.- You can´t hurry love: Diana Ross está describiendo cuánto anhela el amor y, en su propia impaciencia, le pide consejo a su madre, presumiblemente anticipando algo concreto y satisfactorio al instante, pero su madre no quiere decepcionarla con cuentos de hadas y promesas de pociones de amor u otros. soluciones de aceite de serpiente, fingiendo que sabe exactamente lo que se necesita para encontrar el amor, por lo que en cambio es completamente honesta: "no puedes apurar amor, solo tienes que esperar, el amor no es fácil, es un juego de dar y tomar, tienes que confiar y darle tiempo sin importar cuánto tiempo tome”.
3.- Where Did Our Love Go: Fue la primera canción de The Supremes en encabezar las listas pop estadounidenses, una hazaña que el grupo lograría una docena de veces, incluso con los cuatro sencillos consecutivos lanzados después de este. Aunque relativamente simplista en su construcción, la pista de 1964 es una pieza inmaculada de perfección pop.
0462.- Shapes of Things - Jeff Beck
Shapes of Things, Jeff Beck |
En 1968 se produce el debut del guitarrista inglés Jeff Beck con Truth. Este álbum debut es publicado por el sello discográfico EMI, subsidiario de Columbia Records, en Reino Unido y por el sello Epic records en Estados Unidos. Después de dejar The Yardbirds, Jeff había publicado tres sencillos en solitario, y todos habían tenido una gran recepción en las listas de ventas del Reino Unido. Animado por este hecho, decide publicar su primer álbum de estudio, y para ello cuenta con Rod Stewart en la voz principal, Ronnie Wood al bajo, y Micky Waller a la batería.
El disco es grabado entre los estudios Abbey Road, Olympic y De Lane Lea, todos de Londres, entre el 14 y el 26 de mayo de 1968. Incluido en este álbum debut se encuentra el tema Shapes of Things, el cual no era nuevo, pues la canción ya había sido grabada por el mismo Jeff Beck junto con The Yardbirds. La canción había sido publicada en 1966 por el grupo, y presentaba un sonido oriental, un sólo de guitarra cargado de un efecto de ganancia llamado retroalimentación. y unas letras en pro del medioambiente y en contra de la guerra. De hecho este tema está considerado por muchos expertos en la materia como uno de los primeros temas de rock psicodélico. El tema fue escrito y compuesto por los componentes del grupo Jim McCarty, Keith Relf y Paul Samwell-Smith. Jeff Beck decidió grabarla de nuevo en su álbum debut en solitario, y para ello realizó nuevos arreglos. El tema con estos nuevos arreglos fue considerado como uno de los precursores del género heavy metal, y ha sido incluida en el "Salón de la Fama del Rock and Roll" de "Las canciones que dieron forma al Rock and Roll".
miércoles, 6 de abril de 2022
0461.- Daydream Believer - The Monkees
#MesU2: War - U2
En general el sonido de War se encuentra a medio camino entre el estilo post-punk de sus predecesores y la vibra de "rock épico" de los próximos discos como The Joshua Tree. En particular, el álbum se deshace de la estética turbia y el canto oscuro que fue predominante en October y nos deja un álbum de mayor accesibilidad sin olvidar el post-punk. War es también el último disco de U2 lanzado antes de la famosa colaboración de la banda con Brian Eno. El veterano productor de U2, Steve Lillywhite, había comenzado a enfatizar el melodismo cambiante que Eno provocaría en The Unforgettable Fire. En cuanto a las melodías vocales, Bono ha aumentado el dramatismo, pero no parece dispuesto a abandonar por completo el marco post-punk. Si miras más allá de un puñado de pistas de grabación más lenta, es en las melodías vocales donde War suena más retrospectiva. Es algo magnifico, la banda es lo suficientemente joven como para que puedas escuchar todos sus sudorosos impulsos biológicos alimentando la política, el estado de ánimo que prevalece es ansioso, casi defensivamente hormonal. Desde el punto de vista de la producción, es un álbum súper divertido porque las guitarras suenan crudas y enojadas como el infierno, pero el bajo rebota con la batería para lograr ese sonido clásico de Joy Division. Creo que Steve Lillywhite es un ejemplo realmente interesante y poco convencional del sonido de los 80, que aporta muchos de los trucosque aprendió de Martin Hannett, pero deja entrar un poco de aire fresco para mantener fresca la instrumentación.
El álbum empieza con Sunday Bloody Sunday, la canción ya es un clásico intemporal de U2, que fue inmortalizada con su famosa interpretación en el War Tour, cuando Bono izó la bandera blanca de rendición y gritó "¡No más! ¡No más! ". Ritmo militar, batería furiosa e implacable, guitarra agresiva, Bono esta sublime y además te encuentras un violín que suena fantástico. El texto habla de una tragedia ocurrida el 30 de enero de 1972: el ejército inglés abre fuego en Derry (Irlanda del Norte) sobre la multitud reunida para una manifestación pacífica, matando a 14 personas e hiriendo a otras numerosas y una letra donde demuestras la rabia y la tristeza, pero no de revuelta como dice Bono durante el concierto en Colorado: "Esta canción hizo hablar mucho a la gente, quizás demasiado, esta no es una canción de revuelta, esto es Sunday, Bloody Sunday"….. “No puedo creer las noticias de hoy…”.
Seconds a pesar que parece una procesión de marcha, las letras son devastadoramente estremecedoras, lo que me hace aferrarme aún más a los hermosos interludios donde Bono es solo una especie de suspiro, me encanta cómo es tan sarcástica y pegadiza, mientras habla de la guerra concretamente la nuclear ya que a lo largo de la década de 1980 se hablaba claramente de la posibilidad de una guerra atómica. En esta canción se pueden sentir los sentimientos de ira e impotencia ante la posibilidad de que un puñado de políticos pueda destruir el mundo entero en segundos. New Year's Day, otra gran canción, inspirada en el levantamiento popular en Polonia a principios de la década de 1980, encabezado por el sindicato independiente Solidaridad. En diciembre de 1981, el primer ministro polaco, general Jaruzelski, hizo arrestar a Lech Walesa (presidente del sindicato) y proclamó la ley marcial, disolviendo oficialmente el sindicato. El texto luego habla de dos amantes distantes. Musicalmente es perfecto: sólida base de bajo y batería, fantástico Bono en la voz, Edge hace magia entre piano y guitarra. Like a Song, venimos de tres temas muy potentes y puede que este nos parezca que baja el nivel, de nuevo presente el tema de la guerra, de nuevo otra pieza agresiva en la que la batería y la guitarra que se ven acompañadas de una gran voz……. hay miles de "pequeñas" guerras, libradas en pequeñas realidades, entre bandas que se enfrentan sólo por un pin o una bandera, por un credo político o una religión diferente…… aquí está la clave de esta canción, cruda verdad. Drowning Man es el experimento The Cure de U2, es una cosa rara, una forma de bajarte a la tierra, una parada abrupta por un camino que nos llevaba a la gloria, no entiendo cómo se coló esta canción, es lenta y aburrida para mí, de hecho, para mi es la peor canción del álbum, aunque eso no significa que la canción sea terrible, la salva un enorme bajo, siempre constante, la percusión elegante y sobre todo Bono quizás en uno de sus momentos mas brillantes……… y el violín que regresa después de Sunday Bloody Sunday.War fue un álbum diferente de los
otros dos, el salto de calidad es que era mucho más audaz y mucho más que un
álbum de rock. Realmente revolucionó a la banda y los envió por el camino que
siguieron durante el resto de la década de 1980. Su uso del niño nuevamente en
la portada de su álbum representa un nuevo comienzo y un renacimiento en un
nuevo género.
martes, 5 de abril de 2022
0460.- Time of the season - The Zombies
Time of the Season, The Zombies |
El 19 de abril de 1968 se publica en Reino Unido Odessey and Oracle bajo el sello discográfico CBS Records, el segundo álbum de estudio de la banda inglesa The Zombies. El disco fue grabado entre junio y agosto de 1967 en los estudios Abbey Road y Olympic de Londres. El disco fue alcanzando gradualmente la fama hasta convertirse en uno de los discos más aclamados de la década de los 60. En 2020 la revista Rolling Stone lo situó en el puesto número 243 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Mucho ayudó el sorpresivo éxito que obtuvo a principios de 1969 una de sus canciones, concretamente Time of the Season, en Estados Unidos. Fue el visionario productor de CBS, Al Kooper el que recomendó lanzar el disco en Estados Unidos a través del sello Date Records.
Time of the Season fue escrita por Rod Argent, grabada en los Abbey Studios de Londres y lanzada como sencillo en marzo de 1968. La canción, como hemos comentado anteriormente, se convirtió en todo un éxito algo más de un año después en Estados Unidos, alcanzando el puesto número 3 en la famosa lista Billboard Hot 100 y el puesto número 1 en el Cashbox Chart. Con el tiempo este tema se ha convertido en una de las canciones más populares y reconocibles del grupo, convirtiéndose además en todo un himno de la psicodelia de la década de los años 60.
Time of the Season hace uso del llamado efecto de voces de llamada y respuesta entretejidas con la colaboración del psicodélico ritmo de teclado de Rod Argent, el tema se construye desde el inicio alrededor de la línea de bajo con el que comienza la canción, y al contrario que los habituales de la época, el estribillo dura únicamente ocho segundos y se repite tres veces durante el tema. Curiosamente la banda se había separado a finales de 1967, poco después de grabar el álbum. cuando se lanzó este en abril de 1968 se vendió bastante mal. Todo cambiaría cuando Time of the Season tuvo gran éxito en Estados Unidos, en parte gracias a la visión de Al Kooper. Aprovechando el gran éxito conseguido, los miembros de la banda Rod Argent, Paul Atkinson y Hugh Grundy volvieron a juntarse, ya sin el cantante Colin Blunstone, en un intento de reflotar la banda aprovechando la mieles del éxito, pero este intento duraría poco y a a finales de 1969 el grupo volvía a disolverse.
Grandes éxitos y tropiezos: Smashing Pumpkins
lunes, 4 de abril de 2022
0459 - Sky Pilot - The Animals
domingo, 3 de abril de 2022
0458: Ain't got no - I got life - Nina Simone
#MesU2: Boy - U2
Todos los artistas tienen comienzos humildes, empecemos con Boy el álbum debut de U2 de 1980, y encontramos que tiene más en común con la atmósfera melancólica de Joy Division que con los megahits de estadios de sus trabajos posteriores. Es cierto que no es tan oscuro como Joy Division, pero muestra una estética post-punk similar a ellos y por momentos recuerda a bandas como Echo & The Bunnymen o Television. Estos muchachos de Dublín, Irlanda, apenas habían salido de la adolescencia cuando lanzaron este agresivo debut en un mundo musical que estaba comenzando a experimentar con híbridos de punk y new wave, ellos extraen su fuente del mismo pozo que la música punk, pero U2 prescinde del nihilismo del punk y lo reemplaza con contenido que es de naturaleza más edificante. Boy es un buen punto de partida para U2 regalándonos un enérgico post-punk en algunos temas, que demuestra que la banda era más que capaz de escribir melodías amigables, o encontramos canciones que evocan paisajes de sonido y misterio, mostrando la afinidad posterior de las bandas por los sonidos ambientales en capas. Para ser un grupo de adolescentes, Boy es un álbum impresionante, como álbum debut, es un punto de partida interesante y sólido para U2, quien por supuesto se convertiría en uno de las bandas más exitosos en la historia de la música. Como trabajo independiente, es un disco post punk muy bueno y seguramente uno de los más fuertes de su época.
La canción de apertura y que
sirvió de primer sencillo del álbum lleva por título I Will Follow, The Edge comienza con un cambio de acorde
mayor-menor repetitivo antes de que entren el rasgueo del bajo de Adam Clayton
y los estruendosos tambores de Larry Mullen y el glockenspiel. La canción está llena
de energía y habla de una inquietud que no se sacia permaneciendo en un lugar,
es un himno a las creencias religiosas del grupo (tres de los miembros eran
católicos devotos en ese momento), sin embargo, por la forma en que Bono grita
“Te seguiré” en la parte superior, es difícil determinar si es a Dios a quien
está eligiendo o al ritmo irresistible que el grupo le prepara. Años más tarde
se descubrió que en el fondo la letra trata sobre la muerte de la madre de Bono
y los impulsos casi suicidas que probablemente sintió a raíz de su
fallecimiento. Bajo esa luz, las letras son casi aterradoramente oscuras. Twilight, tiene referencias bastante
obvias al crecimiento "Mi cuerpo crece y crece/Me asusta, ¿sabes?", la
pista se abre con un riff cromático y resonante que recuerda algo de Marquee
Moon de Television, mientras el bajo se mueve con un patrón de acordes oscuros
y descendentes, también encontramos los primeros intentos de The Edge en un
solo de guitarra (digamos que tuvo mejores en él). Pero la exuberante voz de
Bono junto con la interpretación feroz de Clayton y Mullen hacen que la canción
sea muy buena. La pista de ritmo primitivo e hipnótico que se encuentra en An Cat Dubh suena como si U2 hubiera
estado escuchando atentamente a Echo and the Bunnymen, los extraños efectos de
sonido, los licks nítidos de la guitarra de Edge y las interjecciones
"shee-kah" de Bono crean una misteriosa pieza de ambiente, como
caminar por los páramos en medio de una densa niebla. Es difícil saber si la
mujer bruja a la que canta Bono es una amante despreciada o el mismo diablo. Lo
cierto es que Bono busca refugio en este enfrentamiento.
"The Ocean" abre la cara B, es una pequeña canción
interesante que termina casi tan pronto como comienza, un pequeño y agradable interludio,
pero con sus efectos de sonido “glug glug” un tema audaz musicalmente sin duda.
En "A Day Without Me" el
cantante se está despidiendo de su vida anterior, podría ser de su infancia o
simplemente de una vida que quiere dejar para recorrer una nueva aventura, en
el tema escuchamos como se para en la cima de una colina para echar un último
vistazo a la vida que está dejando atrás antes de embarcarse en la siguiente
fase. Hay un sector que opina que es un velado homenaje a Ian Curtis, el malogrado
líder de Joy Division. "Another
Time, Another Place" es quizás la canción más floja del álbum, parece
que se han quedado sin pilas, sin ideas, sin ganas, quizás me equivoque, pero
huele a relleno total, aun así, es U2 y es audible. En de “The Electric Co.” La banda vas más allá de los limites, todo es
excesivo y pero la banda toca explosivamente en todo momento. “Shadows and Tall
Trees” (titulada así como un capítulo de El señor de las moscas) cierra el
álbum con un caprichoso paseo por el vecindario después del anochecer. El
estado de ánimo no es tan aterrador como en An Cat Dubh, y nos
sugiere que nuestros niños se han convertido en hombres que ya no temen a lo
desconocido, refleja perfectamente los sentimientos progresivos de inseguridad
y melancolía que acompañan la transición a la adolescencia.
Con la publicación de Boy, U2 comenzó una trepidante carrera que los llevaría a las alturas y los confirmaría como una de las bandas más grandes del mundo. Y en retrospectiva, tal vez tiene sentido repasar este pequeño disco post-punk delgado y mezquino y ver de dónde venían para convertirse en una banda que no paraba de lanzar éxitos de ventas multiplatino y llenar de fans enfervorecidos cuando daban un concierto en cualquier lugar del mundo…. Vemos que eran inocencia y encanto desde el minuto uno...
sábado, 2 de abril de 2022
0457.- The Hurdy Gurdy Man - Donovan
Es una de esas canciones mágicas y queridas que definen tanto a un artista como a una era. Escrita, grabada y lanzada en 1968, “Hurdy Gurdy Man” resuena con un poder atemporal que hierve a fuego lento incluso ahora. Está presente tanto en la canción como en la brillante interpretación de Donovan. Los relatos oficiales sobre los orígenes de esta canción afirman categóricamente que Donovan la escribió mientras estaba en la India con The Beatles. Un amigo cercano de George Harrison y devoto de la meditación, Donovan fue invitado a unirse a The Beatles, sus esposas y algunos amigos, en Rishikesh, India, para estudiar con el Maharishi en febrero de 1968, y es que estamos ante un clásico de los años 60 flower child, mermelada psicodélica, usando los fuegos artificiales de la guitarra de Jimmy Page y algo de vibrato en la voz de Donovan para quizás su mejor rockero supergroovy. Los sublimes arreglos de Mickey Most cuentan con la ayuda del fluido contrabajo de Danny Thompson, que a menudo da una sensación de jazz, y el elegante Harold McNair es más encantador que nunca con la flauta y el saxo, añadiendo florituras a la cadencia escocesa de Donovan Leitch. Para entender la magia y el significado de esta canción podemos recordar la explicación de Donovan sobre quién es realmente el Hurdy Gurdy Man…. son todos cantantes que cantan canciones de amor. La zanfona es un instrumento del siglo XVI. El Hurdy Gurdy Man es un cronista, el Hurdy Gurdy Man es como un bardo, el Hurdy Gurdy Man es cualquier cantautor de cualquier época, ya sea en Irlanda o en las calles de Nueva York durante los años 60. Cabe destacar que, aunque su primera opción para acompañarlo a la guitarra era la de Jimi Hendrix, podemos encontrar en este tema al gran Jimmy Page, acompañando al cantautor Escoces.
Siempre con la voz suavemente
confiada y la ágil guitarra acústica del suave Donovan para estas historias de
un juglar con los ojos muy abiertos. He escuchado este álbum caprichoso tantas
veces (me ha visto a través de innumerables galletas cósmicas y tés de hierbas,
Goddfrey) y nunca me canso del ciclo de canciones ultramelódico y perfectamente
formado. Desde la portada hasta las melodías mágicas que contiene, The Hurdy
Gurdy Man es uno de los secretos mejor guardados de una era dorada de la música
pop, ¡Fantasmagoría para los oídos y diversión asegurada para todos!
viernes, 1 de abril de 2022
0456 - Mrs. Robinson - Simon & Garfunkel
Disco de la semana 269: Grand Funk - Grand Funk Railroad
Grand Funk, Grand funk Railroad |
Grand Funk, también conocido como The Red Album (El album rojo) por su caracterísitica portada de color rojo, es el segundo disco de estudio de la banda estadounidense Grand Funk Railroad. El disco, con un sonido basado en el hard rock, es grabado en estudio entre el 10 y el 21 de octubre de 1969 bajo la producción del productor, cantante, compositor y promotor estadounidense de rock and roll Terry Knight. El disco es publicado por el sello discográfico Capitol Records el 29 de diciembre de 1969, tan sólo cuatro meses después del lanamiento de su álbum debut, On Time.
Originalmente este disco fue puesto a la venta en formatos casete, LP, cartucho de ocho pistas y magnetófono de bobina abierta. El magnetófono de bobina abierta fabicado por Ampex, la famosa compañía de electrónica estadounidense, se convirtió en pieza muy valiosa al contener versiones editadas de los temas Please Don't Worry, Mr. Limousin Driver e Inside Looking, ya que no están disponibles en ningún otro formato. En febrero de 1970, apenas dos meses después, y a pesar de la poca difusión, Grand Funk ya había obtenido la certificación de Disco de Oro.
Mark Farner, Mel Schacher y Don Brewer utilizan la formula del Power Trío influenciados en bandas como Cream y The Jimi Hendrix Experience, y consiguen ese característico sonido de rock clásico a base de buenos riffs de blues y rock y unas letras sencillas, combinando la crudeza de su sonido con unas armonías vocales y melodías más suaves, jugando con ritmos como el funky o el soul, y convirtendo esta mezcla en la seña de indentidad del grupo. Al igual que otros grupos de la época, la energía y el sonido pesado de este trabajo ya indicaban el camino a seguir del género havy metal.
El trabajado sonido de la banda unido al crecimiento como compositor de Farner dan como resultado un disco con temas como Got This Thing On The Move, compuesta, al igual que casi todas las canciones por Mark Farner. El tema es todo un trallazo con un sonido pesado donde por momentos podemos disfrutar de muy buenas improvisaciones. Cabe destacar el increible trabajo de Mel Schacher, que con su bajo muy bien acompañado por la batería de Brewer, consigue un sonido increiblemente crudo y pesado; Please Don't Worry, compuesta por Brewer y Farner, donde destaca el trabajo voocal de Farner muy bien acompañado por los coros vocales; I Need comienza con una suave melodía, pero según va avanzando el tema este va creciendo, adquiriendo un sonido más pesado y primando la parte instrumental. La comunión del bajo, la batería y la guitarra es total y funcionan al unísono como una maquinaria bien engrasada; Winter And My Soul, tema en clave de blues con unos riffs de guitarra muy contundentes y un bajo más acelerado. El tema adquiere todo su esplendor cuando Farner, Schacher y Brewer se marcan una más que interesante jam en una parte del tema; o la genial versión del tema de The Animals, Inside Looking Out, grabada por estos tres años antes, en 1966. El tema comienza muy melódico y va cambiando hasta transformarse en una gran sesión de Jam, muy bien apoyado, al igual que todo el álbum, en una gran sección rítmica. En esta magnífica versión Farner agregó algunas referencias a la marihuana en la letra. Esta canción acompañó en sus presentaciones en vivo a la banda durante muchos años.
Es cierto que con el paso del tiempo esta banda se suavizó mucho y ha sido criticada por los especialistas en la materia durante mucho tiempo, pero a menudo olvidamos el poder de su sonido, sobre todo el de principios de los años 70. Grand Funk Railroad, con ese sonido y al igual que bandas como Led Zeppelin, Black Sabbath, Depp Purple o Lucifer's Friends, influyó en el crecimiento del heavy metal.
jueves, 31 de marzo de 2022
0455.- At the Zoo - Simon & Garfunkel
At the Zoo, simon & Garfunkel |
El 2 de abril de 1968 se publica bajo el sello discográfico Columbia Records el cuarto álbum de estudio del dúo Simon & Garfunkel, Bookends. El disco es un compendio de canciones grabadas entre septiembre de de 1966 y febrero de de 1968. El disco es un álbum conceptual que explora el viaje de la vida desde la infancia hasta la vejez. si la cara A nos relata las sucesivas etapas de la vida, en cambio la cara B consiste principalmente en material no utilizado para la banda sonora de la película El Graduado. Bookends vendió más de un millón de copias llegando a ocupar el puesto número uno en las famosas listas Billboard estadounidenses, llegando también a lo más alto en las listas del Reino Unido.
Incluido en este cuarto álbum de estudio del dúo se encuentra el tema At The Zoo. La canción fue lanzada como sencillo en febrero de 1967, y en ella su creador, Paul Simon, realiza un tributo a su ciudad natal, Nueva York. En un principio fue escrita para ser parte de la banda sonora de la película El Graduado, más concretamente para una escena que tenía lugar en el zoológico de San Francisco. Esta canción no sólo fue utilizada para anuncios de los zoológicos del Bronx y de San Francisco, también sirvió de base para que Paul Simon publicara en 1991 un libro para niños titulado Simon and Garfunkel at the Zoo, con unas bonitas ilustraciones de la ilustradora francesa Valerie Michaut.
1 artista, 3 canciones: Roy Orbison
Iniciamos una sección en el blog donde hablaremos brevemente la carrera de un artista y resaltaremos vuestros tres temas favoritos, la elección como casi siempre será a través de nuestras redes sociales, en el twitter de @7dias7notas donde cada 7 días os solicitaremos que nos dejéis vuestras tres canciones de un artista que la redacción propone.
ROY ORBISON
Roy Kelton Orbison nació en la ciudad de Vernon, al norte de Texas, el 23 de abril de 1936. Sus padres le regalaron una guitarra cuando apenas tenía seis años y no se separó nunca de ella. Dos años después el pequeño Roy Orbison asistió a diversos concursos que organizaba una estación de radio local. Ya en secundaria, Roy Orbison fundó su primera banda, la llamo Teen Kings. De esta agrupación saldría la canción “Ooby Dooby” que se convertiría en triunfo mínimo, pero el primero en la carrera de este cantante ya que logró posicionarla en la radio.
Orbison pronto adquirió fama de compositor, pero ninguna de sus canciones se había convertido en un éxito que pudiera competir con su mayor rival musical: Elvis Presley. Fue en Mystery Records, donde Roy Orbison comenzó a forjar su espacio en la historia de la música, intérprete con una voz matizada y poderosa que acompañó de una imagen que mantuvo a pesar del paso de los años, donde resaltaban sus gafas oscuras. La canción "Claudette" un tema de los Everly Brothers fue el inicio de sus éxitos durante los años sesenta a los que siguieron otros como "Only the Lonely", "Crying" y "Pretty Woman" pelotazos instantáneos que lograron conquistar a los miembros de The Rolling Stones y The Beatles, con quienes hizo una gira en 1963. Como suele pasar en el mundo de la música, el ya famoso cantante pensó que firmando un millonario contrato con MGM, lograría arraigarse como una estrella mundial, no lo consiguió en parte culpa por los rumbos que tomaría el rock y la cultura popular a mediados de los años 60 y por otra parte al no saber dar una vuelta mas alla en su musica y quedarse instalado en el añejo y ya disfuncional Star System, a Roy Orbison se le veia anticuado, aquel que había transformado el sonido del rock durante casi diez años, se encontraba diluido en la escena a consecuencia de ola inglesa y de músicos como Jimi Hendrix. Con la mala suerte a cuestas en 1966 su amor de secundaria y esposa Claudette — a quien había compuesto una canción— falleció en un accidente de motocicleta. Esta muerte, sumió a Roy Orbison en una profunda depresión; pero la tragedia no había acabado ahí, tres años después, dos de sus tres hijos fallecieron en un incendio.No fue hasta la década de los años 80 cuando la carrera de Roy Orbison pareció tomar nuevos bríos, no solo había canciones tributo cantadas por Van Halen o Linda Ronstadt, Orbison se había puesto una meta y era volver a la cima, entonces compuso canciones para un nuevo disco llamado Mistery Girls, donde colaboraron artistas de la talla de Bono de U2 y Elvis Costello. También logró cierto reconocimiento después de que su canción In dreams sonara múltiples veces en la película de David Lynch, Blue Velvet. Orbison se encontraba recibiendo quizá los frutos que había cosechado a lo largo de su carrera y obtuvo un lugar en el salón de la fama de Rock and Roll, dos premios Grammy honorarios, pero de pronto la muerte le alcanzó de manera inesperada cuando estrenó su nuevo disco. Dos semanas después de su fallecimiento la canción You got it , llegó a los primeros lugares de la listas de popularidad en Estados Unidos y desde entonces ha sido reconocido como uno de los artistas más influyentes del rock y revistas como Rolling Stone, lo han colocado en la lista de los “100 mejores cantantes de todos los tiempos”. Con 25 albums de estudio Roy Orbison tiene un lugar de privilegio en la historia de la música, aunque la música y los que le rodean nunca supieron resaltarle.
VOTACIONES
1.- You Got It: Con esos cambios de tono repentinos, las cuerdas, la percusión, los coros "do-do-do" (todo en esta canción es absolutamente romántico), "You Got It" te impacta como ninguna otra canción, y aunque lamentablemente resultó ser su canto del cisne, no podría imaginarse otra despedida para una de las voces más hermosas que jamás haya existido, y demuestra ser una maravillosa resumen de una carrera dedicada en gran parte al duelo por un amor no correspondido.
2.- In dreams: Fue utilizada memorablemente por David Lynch en su película clásica de culto, Blue Velvet, los sutiles toques instrumentales y la composición poco convencional de la canción la convierten en una pista aún más conmovedora; y el mejor sencillo del extenso catálogo del legendario vocalista.
miércoles, 30 de marzo de 2022
0454.- America - Simon & Garfunkel
Estamos ante la pieza central del cuarto álbum de estudio de Paul Simon y Art Garfunkel. Bookends fue el álbum en el que el dúo comenzó a dejar atrás el folk rock por el que se hicieron famosos, ampliaron sus horizontes musicales con arreglos innovadores y utilizó a algunos de los mejores músicos de sesión de la industria, como el baterista Hal Blaine y el teclista Larry Knechtel, aunque la base de todo es la unión de esas dos voces mágicas.
America es esencialmente una canción de viaje por carretera, pero
como todos los viajes por carretera, tiende a revelar tanto sobre los
participantes como sobre las tierras que se recorren. El narrador y su
compañera Kathy Chitty (a pesar de salir brevemente con Paul Simon, tuvo un
profundo efecto en su arte. Porque además de recibir un grito abierto en
'América', también se la menciona en 'Homeward Bound' (1966) de Simon &
Garfunkel y 'The Late Great Johnny Ace', en el primer álbum en solitario de
Simon, 'The Paul Simon Songbook' sale en la portada. Y ella también es la
inspiración detrás de una de las pistas que encontramos en el álbum titulada
'Kathy's Song') abordan un autobús en Pittsburgh, pasar el tiempo en el autobús
con pequeños juegos sobre sus compañeros de viaje está muy bien, pero una
especie de aburrimiento pronto se instala cuando se acaban los cigarrillos y se
leen las revistas. “Y la luna se elevó sobre un campo abierto”, cantan Simon y
Garfunkel, y sus voces transmiten tanto el asombro de presenciar ese fenómeno
como la melancolía que tal vista puede provocar en un viajero cansado. De hecho,
las siguientes líneas de Simon dejan al descubierto el alcance del dolor de su
personaje: “Kathy, estoy perdido”, dije, aunque sabía que ella estaba durmiendo
“Estoy vacío y dolorido y no sé por qué”, con esa confesión, se convierte en
uno más en una larga lista de vagabundos que salen al camino abierto para
llenar los vacíos en sus almas. Y ahí está la clave de la canción igual que él
y su pareja, hay muchas otras personas que buscan el Sueño Americano. O más
bien, lo que une nos une a todas las personas de la tierra, es que salen fuera
de casa para poder cumplir sus sueños, aunque más importante es el hecho de
que, al llegar al final de la narración, no se ha acercado más a descubrirla
realmente que cuando comenzó su viaje. Y su optimismo menguante a lo largo del
camino refleja esta realidad y en cierto modo, es como si estuviera
reconociendo que el acto de perseguir el Sueño Americano, es como una búsqueda
en vano, no hay que olvidar que esta canción fue escrita durante la década de
1960 cuando muchos tipos artísticos y de espíritu libre como Simon &
Garfunkel se desilusionaron en términos de qué era exactamente Estados Unidos y
qué tenía para ofrecer.